Nie może istnieć bez dyrygentów, tak jak przemysł filmowy bez reżyserów, przemysł literacki i wydawniczy bez montażystów, projekty modowe bez projektantów. Lider orkiestry zapewnia organiczne współdziałanie wszystkich instrumentów podczas występu. Dyrygent jest odpowiedzialny aktor na scenie Filharmonii, sali koncertowej lub innym miejscu muzycznym.

Wirtuozi

Spójność orkiestry symfonicznej, harmonijne brzmienie wielu instrumenty muzyczne osiągnięte dzięki umiejętności dyrygenta. Nic dziwnego, że najzdolniejsi z nich otrzymują różne wysokie tytuły i tytuły, a wśród ludzi nazywani są „wirtuozami”. I rzeczywiście, nienaganne posiadanie batuty dyrygenta pozwala sprowadzić do każdego muzyka siedzącego w kanał orkiestrowy, wszystkie niuanse twórczego impulsu. Ogromna orkiestra symfoniczna nagle zaczyna brzmieć jak całość i kompozycja muzyczna jednocześnie objawia się w całej okazałości.

Znani dyrygenci jednoczą się na podstawie umiejętności, wszyscy przeszli szkołę wysoki poziom artystyczny, nie od razu przyszła do nich popularność i uznanie opinii publicznej. Popularność zdobywa się przez lata. W przeważającej części znani dyrygenci, oprócz działalności koncertowej, zajmują się nauczaniem, prowadzą szkolenia dla młodych muzyków, a także kursy mistrzowskie.

samopoświęcenie

Sztuka dyrygowania orkiestrą wymaga wielu lat praktyki, ciągłego doskonalenia, czego efektem są niekończące się próby. Niektórzy znani dyrygenci wyróżniają się szczególną wytrwałością twórczą, graniczącą z samopoświęceniem, gdy życie osobiste schodzi na dalszy plan, a pozostaje tylko muzyka. Ta sytuacja jest jednak dobra dla sztuki.

Najbardziej znani dyrygenci są związani umowami z pewnymi grupy muzyczne, a to daje im możliwość osiągnięcia wysokiego poziomu wykonawstwa, jednocześnie niezbędne jest wzajemne zrozumienie, które później będzie gwarantem udanej działalności koncertowej.

Znani dyrygenci operowi

W światowej muzycznej hierarchii są nazwiska, które wszyscy znają. Nazwiska znanych dyrygentów operowych można znaleźć na plakatach, bilbordach, ich nazwiska są nazywane statki wycieczkowe. Ta popularność jest zasłużona, gdyż niewiele osób jest jeszcze w stanie poświęcić całe swoje życie, bez śladu, muzyce. Najsłynniejsi dyrygenci podróżują po całym świecie, koncertują z różnymi grupami muzycznymi lub prowadzą orkiestry w głównych ośrodkach muzycznych. Spektakle operowe wymagają szczególnej spójności orkiestry, której towarzyszą: partie wokalne, aria i cavatin. We wszystkich agencjach muzycznych można znaleźć nazwiska słynnych dyrygentów operowych, których można zaprosić na sezon lub serię spektakli. Doświadczeni impresariowie znają styl pracy i cechy charakteru każdego z nich. To pomaga im dokonać właściwego wyboru.

Znani dyrygenci Rosji

Muzyka, zwłaszcza opera, ma wiele elementów. Oto orkiestra, w skład której wchodzą różne instrumenty: dęte, smyczkowe, smyczkowe, perkusyjne. Soliści, wykonawcy partii wokalnych, chór i inni uczestnicy spektaklu. Odmienne fragmenty spektaklu operowego łączą w jedną całość reżyser spektaklu i dyrygent orkiestry. Co więcej, ten ostatni aktywnie uczestniczy w akcji od początku do końca. W Rosji są dyrygenci, którzy swoją muzyką prowadzą operę po jedynej prawdziwej ścieżce, która prowadzi widza do prawdziwej sztuki.

Znani dyrygenci Rosji (lista):

• Aleksandrow Aleksander Wasiliewicz.
• Bashmet Jurij Abramowicz.
• Borysowna.
• Władimirowicz.
• Bronewicki Aleksander Aleksandrowicz.
• Wasilenko Siergiej Nikiforowicz.
• Garanyan Georgy Abramowicz.
• Gergiev Valery Abisalovich.
• Gorenstein Mark Borisovich.
• Aleksandrowicz.
• Jewtuszenko Aleksiej Michajłowicz
• Ermakowa Ludmiła Władimirowna
• Kabalewski Dmitrij Borysowicz.
• Kazhlaev Murad Magomedovich.
• Kogan Paweł Leonidowicz.
• Lundstrem Oleg Leonidovich
• Mravinsky Jewgienij Aleksandrowicz.
• Swietłanow Jewgienij Fiodorowicz.
• Spivakov Władimir Teodorowicz

Każdy znany rosyjski dyrygent może z powodzeniem prowadzić dowolną zagraniczną orkiestrę symfoniczną, do tego wystarczy kilka prób. Profesjonalizm muzyków pomaga przezwyciężyć zarówno różnicę stylów.

Światowe gwiazdy

Znani światowi dyrygenci to utalentowani muzycy uznani przez szeroką publiczność.

Pavel Kogan

Najsłynniejszy rosyjski dyrygent, który od ponad czterdziestu lat daje światu swoją sztukę. Jego popularność jest bezprecedensowa. Nazwisko mistrza znajduje się na liście dziesięciu największych współczesnych dyrygentów. Muzyk urodził się w rodzinie słynnych skrzypków Leonida Kogana i Elizavety Gilels. Od 1989 roku jest stałym dyrektorem artystycznym, a także głównym dyrygentem MGASO (Moskiewska Państwowa Orkiestra Symfoniczna). Jednocześnie reprezentuje Rosję w głównych ośrodkach muzycznych Ameryki.

Pavel Kogan występuje na całym świecie z najlepszymi orkiestrami symfonicznymi, jego sztuka uważana jest za niedoścignioną. Maestro jest Rosjaninem, nosi tytuł „Artysty Ludowego Rosji”. Pavel Kogan ma również wiele nagród, w tym Order Zasługi dla Ojczyzny i Order of the Arts.

Herbert von Karajan

Światowej sławy dyrygent austriackiego pochodzenia Herbert von Karajan (1908-1989) urodził się w rodzinie greckich imigrantów. W wieku ośmiu lat wstąpił do Konserwatorium Mozarteum w Salzburgu, gdzie studiował przez 10 lat i zdobył podstawowe umiejętności dyrygenckie. W tym samym czasie młody Karajan uczył się grać na pianinie.

Debiut miał miejsce w 1929 roku na Salburg Festival Theatre. Herbert dyrygował operą „Salome”. W latach 1929-34 był naczelnym kapelmistrzem teatru w niemieckim Ulm. Następnie Karajan długo stał przy stanowisku dyrygenta orkiestry. Filharmonia Wiedeńska. Następnie wystąpił z operą Charlesa Gounoda „Noc Walpurgii”.

Najlepsza godzina dla dyrygenta nadeszła w 1938 roku, kiedy wystawiona przez niego opera Ryszarda Wagnera „Tristan i Izolda” odniosła ogromny sukces, po czym Herbert został nazwany „Cudem Karajanem”.

Leonard Bernstein

Amerykański dyrygent (1918-1990), urodzony w rodzinie żydowskich imigrantów. Edukacja muzyczna zaczął dla Leonarda jako dziecko, nauczył się grać na pianinie. Chłopak jednak stopniowo zaangażował się w dyrygenturę, a w 1939 roku zadebiutował - utwór wykonał młody Bernstein własna kompozycja pod zatytułowany ptaki.

Dzięki wysokiemu profesjonalizmowi Leonard Bernstein szybko zyskał popularność i już w młodym wieku kierował Nowym Jorkiem Orkiestra Symfoniczna. Będąc wszechstronną osobą kreatywną, dyrygent zajmował się literaturą. Napisał kilkanaście książek o muzyce.

Valery Gergiev

Słynny dyrygent Valery Abisalovich Gergiev urodził się 2 maja 1953 roku w Moskwie. W wieku dziewiętnastu lat wstąpił do Konserwatorium Leningradzkiego. Uczestniczyłem jako student w Międzynarodowy Konkurs dyrygentów w Berlinie, gdzie zajął drugie miejsce.

Po ukończeniu konserwatorium w 1977 młody dyrygent został przyjęty jako asystent w Teatrze Kirowa. Valery Gergiev został jego mentorem i już w 1978 roku stał przy konsoli i grał operę Prokofiewa „Wojna i pokój”. W 1988 roku zastąpił Jurija Temirkanova po odejściu do Filharmonii Leningradzkiej.

Rok 1992 upłynął pod znakiem powrotu Teatrowi Kirowa pod historyczną nazwą „Teatr Maryjski”. Publiczność teatralna w Petersburgu, aby dostać się na spektakle operowe, jest nagrywana z wyprzedzeniem, z kilkumiesięcznym wyprzedzeniem. Dziś Valery Gergiev jest głównym dyrygentem teatru i jego dyrektorem artystycznym.

Jewgienij Swietłanow

Słynny dyrygent rosyjski i światowy Jewgienij Fiodorowicz Swietłanow (1928-2002) pozostawił wyraźny ślad w dziedzictwie kulturowym Rosji. Posiada tytuł „Bohatera” Socjalistyczna praca„i” Artysta Ludowy ZSRR. Jest laureatem Nagrody Lenina i Nagrody Państwowej ZSRR.

Kariera twórcza Svetlanova rozpoczęła się natychmiast po ukończeniu Instytutu Gnessin w 1951 roku. Kontynuował naukę w Konserwatorium Moskiewskim w klasie dyrygentury operowej i symfonicznej oraz kompozycji.

Debiut miał miejsce w 1954 roku na scenie Teatru Bolszoj w inscenizacji opery Rimskiego-Korsakowa Służąca z Pskowa. Od 1963 do 1965 był głównym dyrygentem Teatru Bolszoj. W trakcie jego pracy wyraźnie wzrósł poziom przedstawień operowych.

W latach 1965-2000 łączył pracę jako dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowej Orkiestry Symfonicznej ZSRR (później Rosja).

Władimir Spiwakow

Rosyjski dyrygent Spivakov Władimir Teodorowicz urodził się w 1944 roku w mieście Ufa. W 1968 ukończył Konserwatorium Moskiewskie, w 1970 ukończył studia podyplomowe.

Mistrzostwo Vladimir Spivakov studiował w Konserwatorium Gorkiego pod kierunkiem profesora Israela Gusmana. Później odbył specjalny kurs w USA u Leonarda Bernsteina i Lorina Maazela.

Obecnie jest stałym liderem i dyrygentem kameralnej orkiestry symfonicznej Moscow Virtuosi, którą osobiście zorganizował w 1979 roku. Występował z europejskimi orkiestrami i amerykańskimi grupami muzycznymi. Dyrygowany w Teatrze La Scala, Akademii Cecylii, Filharmonii Niemieckiej Kolonii i Radiu Francuskim. Jest prezesem Międzynarodowego Domu Muzyki w Moskwie.

Jurij Bashmet

Rosyjski dyrygent Bashmet Yuri Abramovich urodził się 24 stycznia 1953 roku w Rostowie nad Donem. Artysta ludowy ZSRR. Laureat czterech Nagród Państwowych Federacja Rosyjska.

W 1976 ukończył Konserwatorium Moskiewskie. W 1972, jeszcze jako student, nabył skrzypce-altówkę włoski mistrz Paolo Testore, wyprodukowany w 1758 roku. Na to unikalne narzędzie Bashmet gra do dziś.

Aktywny działalność koncertowa rozpoczął w 1976 roku, a dwa lata później otrzymał stanowisko nauczyciela w Konserwatorium Moskiewskim. W 1996 roku Yuri Bashmet stworzył „Experimental Viola Department”, gdzie studiuje partie altówki w symfonii, operze i muzyka kameralna. Następnie otrzymał tytuł profesora w Konserwatorium Moskiewskim. Obecnie zaangażowany w aktywną działalność charytatywną i społeczną.

Publikacje sekcji muzycznej

Machnięciem ręki

Walerij Gergiew. Zdjęcie: Michał Dolezal / TASS

Top-5 rosyjskich dyrygentów.

Valery Gergiev

Pracownicy jednego autorytatywnego magazynu o muzyka klasyczna raz wyruszyłem, aby dowiedzieć się, kiedy Maestro Gergiev śpi. Porównaliśmy rozkłady wycieczek, prób, lotów, konferencji prasowych i przyjęć galowych. I okazało się: nigdy. Okazuje się, że on też nie je, nie pije, nie widzi swojej rodziny i oczywiście nie odpoczywa. Cóż, w zdolności do pracy - klucz do sukcesu. To jedyny sposób, aby stać się jednym z najbardziej poszukiwanych i najpopularniejszych dyrygentów na świecie – takim jak Valery Gergiev.

W wieku 7 lat Valera została przywieziona do Szkoła Muzyczna. Chłopiec wyglądał na bardzo zaabsorbowanego i cały czas wyglądał przez okno. Mimo to był odciągnięty od futbolu i tam nasza przegrywa! Po wysłuchaniu nauczyciel zwrócił się do matki: „Wydaje mi się, że nie ma słuchu. Może stanie się Pele ... "Ale serce matki nie oszukasz. Zawsze wiedziała, że ​​jej Valera jest geniuszem i upewniła się, że został przyjęty do szkoły muzycznej. Miesiąc później nauczyciel cofnął jego słowa. zwycięstwo młody muzyk, który wyjechał z Władykaukazu do Leningradu do konserwatorium, odniósł zwycięstwo w konkursie Herberta von Karajana - najbardziej prestiżowym ze wszystkich. Od tego czasu Gergiev zna cenę zwycięstw - i najlepiej jak potrafi opiekuje się młodymi i utalentowani muzycy którzy są w pobliżu.

W wieku 35 lat jest dyrektorem artystycznym Teatr Maryjski! Nie do pomyślenia: ogromny kolos z dwoma zespołami – operą i baletem – oraz znakomitą orkiestrą symfoniczną, odziedziczoną po Juriju Temirkanowie, jest do Państwa dyspozycji. I możesz odtwarzać dowolną muzykę. Nawet Wagner, tak bardzo kochany przez Gergieva. Valery Abisalovich wystawi w swoim teatrze Der Ring des Nibelungen - wszystkie cztery opery wystawione przez cztery noce z rzędu. Dziś może to zrobić tylko Teatr Maryjski.

Ale cicha rywalizacja z Moskwą wciąż trwa. Zbudowano nowy etap dla Bolszoj, zamknięty z powodu odbudowy - a Gergiev buduje nowy w Petersburgu hala koncertowa, bez grosza państwowego (Mariinsky-3), to - luksusowy nowa scena Maryjski-2.

Gergiev podbił Moskwę poważnie i przez długi czas na początku 2000 roku, kiedy założył festiwal wielkanocny i oczywiście poprowadził. Co wydarzyło się w stolicy w Niedzielę Wielkanocną! Bolshaya Nikitskaya została zablokowana przez policję, w drodze do Wielkiej Sali Konserwatorium były solidne twarze mediów, nie tylko poprosili o dodatkowy bilet - wyciągnęli go z rąk za jakiekolwiek pieniądze. Moskwianie tak bardzo tęsknili za dobrymi orkiestrami, że byli gotowi modlić się za Gergiewa, który wraz ze swoją orkiestrą zapewniał im nie tylko jakość - czasem zdarzały się rewelacje. I tak generalnie trwa do dziś. Dopiero teraz to już nie kilka koncertów, jak w 2001 roku, ale 150 – w całej Rosji, a nawet poza jej granicami. Duzy człowiek!

Władimir Spiwakow. Zdjęcie: Sergey Fadeichev / TASS

Władimir Spiwakow

Profesor Yankelevich podarował utalentowanemu uczniowi Centralnej Szkoły Muzycznej Wołodii Spiwakowowi te same skrzypce, z którymi miał zrobić karierę muzyczną. Narzędzie weneckiego mistrza Gobettiego. Miała „zawał serca” – drewnianą wkładkę na piersi, a lutnicy uważali, że w rzeczywistości to nie powinno brzmieć. Ale nie ze Spivakovem. „Vovochka, dobrze jest sprzedawać z tobą skrzypce: każda patelnia zaczyna brzmieć za trzy minuty”, powiedział mu kiedyś stary lutnik. Znacznie później, dzięki staraniom swojej żony Sati, Władimir Teodorowicz będzie miał upragnionego Stradivariusa. Skrzypek Vladimir Spivakov podbił świat z Gobetti: wygrał kilka prestiżowych konkursów i zwiedził wszystkie najlepsze etapy planety w trasie, nie gardząc jednak zapleczem, w tym rosyjskim - tam też czekała publiczność.

Genialny skrzypek podbił cały świat. Ale w połowie lat 70., u szczytu kariery, zaczął studiować zawód dyrygenta. Starszy w szkole dyrygenckiej, Lorin Maazel, zapytał, czy postradał zmysły. Po co mu to, skoro gra tak bosko. Ale Spivakov był nieugięty. Jego wielki nauczyciel Leonard Bernstein był tak urzeczony wytrwałością i talentem ucznia, że ​​dał mu pałeczkę dyrygencką. Ale jedną rzeczą jest nauczyć się dyrygowania, inną rzeczą jest znalezienie do tego zespołu. Spivakov go nie szukał, on go stworzył: wiosną 1979 roku pojawiła się orkiestra kameralna Moscow Virtuosos. Orkiestra szybko stała się sławna, ale przed oficjalnym uznaniem muzycy musieli ćwiczyć w nocy – w palaczach, ZhEKach, w klubie Akademii Wojskowej Frunze. Według samego Spivakowa, kiedyś w Tomsku orkiestra dała trzy koncerty tego samego dnia: o piątej, siódmej i dziewiątej. A słuchacze przynieśli muzykom jedzenie - ziemniaki, paszteciki, pierogi.

Droga do Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskich Wirtuozów nie była długa: powiedzieć, że orkiestra była popularna, nie wystarczy, tylko superlatyw. Wzorem swojego festiwalu we francuskim Colmar zorganizował festiwal w Moskwie, na który zaprasza światowe gwiazdy. Obok sił twórczych pojawiła się kolejna linia – charytatywna, Fundacja Spivakov umie wyszukiwać i wspierać talenty, a stypendyści konkurują tylko ze sobą (jednym z pierwszych był Evgeny Kissin).

W 2000 roku Władimir Teodorowicz stworzył kolejną grupę - Orkiestrę Filharmonii Narodowej Rosji. Z siedzibą w Moskwie międzynarodowy dom muzyka, której prezesem jest Vladimir Spivakov.

Jurij Bashmet. Zdjęcie: Valentin Baranovsky / TASS

Jurij Bashmet

Oto człowiek ze szczęśliwym losem. On, podobnie jak Jurij Gagarin, jest pierwszy. Oczywiście nie jest on przewożony limuzyną z otwartym dachem ulicami naszej stolicy i wszystkich innych stolic świata, nie nazywa się go po ulicach i placach. Jednak... Szkoły muzyczne noszą jego imię, a entuzjastyczni fani na całym świecie złożyli u jego stóp prawdopodobnie milion szkarłatnych róż - a nawet więcej.

Czy wiedział, kiedy przeniósł się ze skrzypiec na altówkę we Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej, że ten instrument, który do tej pory uchodził za bezpretensjonalny, będzie gloryfikować? A za wszystko winni są Beatlesi. Można powiedzieć, że dali światu zarówno altówkę, jak i Bashmet. Jak każdy nastolatek dał się ponieść emocjom – do tego stopnia, że ​​stworzył własną grupę i potajemnie występował na wakacjach z rodzicami. A potem nie wiedział, jak przyznać, że miał ukrytą paczkę banknotów o dużych nominałach, podczas gdy moja mama wydała jeden na miesiąc.

Po Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, pojechał na pierwszy zagraniczny konkurs - od razu zaatakował prestiżową ARD w Monachium (a innych nie było w altówce) i wygrał! Myślisz, że jego kariera zaczęła się tutaj? Po prostu nie w domu. W Wielkiej Sali Konserwatorium grał solo, gdy jego altówka zabrzmiała już w Nowym Jorku, Tokio i na scenach europejskich. W Moskwie obserwowali podporządkowanie: „Jak możemy dać ci salę, skoro w naszym zespole mamy ludzi zasłużonych i popularnych?” (Nie miało znaczenia, że ​​byli członkami orkiestry.)

Nie chcesz wypuszczać z programami solo? Stworzę orkiestrę. Fani i fani podróżowali po całej Rosji dla moskiewskich solistów, była to jedna z najlepszych orkiestr kameralnych w ZSRR. A potem – dźwięk altówki usłyszeli kompozytorzy, którzy szczęśliwym trafem (XX wiek!) szukali nowych środków wyrazu. Stworzyli idola dla siebie i publiczności, zaczęli pisać nowe i nowe dzieła na altówkę. Dziś poświęcono mu dziesiątki utworów, a pasja kompozytora nie ustaje: każdy chce pisać dla Bashmet.

Yuri Bashmet kieruje dziś dwiema orkiestrami („Solości Moskwy” i „Nowa Rosja”), kieruje kilkoma festiwalami (najsłynniejszym z nich jest Zimowy Festiwal w Soczi), dużo czasu poświęca pracy z dziećmi: organizuje kursy mistrzowskie i współpracuje z młodzieżową orkiestrą symfoniczną, gdzie oczywiście grają najlepsi z najlepszych.

Jurij Temirkanow. Zdjęcie: Aleksander Kurow / TASS

Jurij Temirkanow

Czy Siergiej Prokofiew domyślił się tego? mały chłopiec, syn szefa Komitetu Sztuki Kabardyno-Bałkarii (w czasie ewakuacji patronował moskiewskiemu muzycznemu „desantowi”), stanie się jednym z najlepszych dyrygentów na świecie? A poza tym namiętny wielbiciel muzyki samego Prokofiewa: ze względu na Jurija Temirkanowa nie tylko wykonanie słynnych partytur kompozytora, ale także wskrzeszenie zapomnianych. Jego interpretacje symfonii Szostakowicza czy oper Czajkowskiego uważane są za standard, są nimi kierowane. Jego orkiestra - o długiej nazwie, która w mowie potocznej zamieniła się w "Zasługę" (od zasłużonego zespołu Rosji - Akademickiej Orkiestry Symfonicznej Filharmonii Petersburskiej im. D. D. Szostakowicza) - weszła do rankingu najlepszych orkiestr w świat.

W wieku 13 lat Temirkanow przybył do Leningradu i związał swój los z tym miastem. Centralna Szkoła Muzyczna przy konserwatorium, samo konserwatorium, najpierw wydział orkiestrowy, potem wydział dyrygencki z legendarnym Ilyą Musinem. Jego kariera rozwijała się błyskawicznie: po konserwatorium zadebiutował w Maly Opera(Michajłowski), w następnym roku wygrał konkurs i wyruszył w trasę koncertową - do Ameryki - z Kirill Kondrashin i David Ojstrakh. Następnie kierował Orkiestrą Filharmonii Leningradzkiej, aw 1976 został naczelnym dyrygentem Teatru Kirowa. Tam stworzył te same referencyjne interpretacje oper Czajkowskiego, a jedną z nich wystawił - Damę pikową. Nawiasem mówiąc, Valery Gergiev niedawno przywrócił tę produkcję i zwrócił ją na scenę Teatru Maryjskiego. W 1988 roku jest to szczególna duma dyrygenta: został wybrany – a nie mianowany „z góry”! - główny dyrygent samego „Zasługi”, a następnie dyrektor artystyczny Filharmonii Petersburskiej.

Algis Zhuraitis. Zdjęcie: Alexander Kosinets / TASS

Algis Zhuraitis

Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowej Nagrody ZSRR Algis Zhuraitis mieszkał 70 lat, a 28 z nich pracowało w najlepszy teatr duży kraj - Duży. Pochodzący z Litwy, ukończył Konserwatorium Wileńskie (a następnie otrzymał kolejne wykształcenie w Konserwatorium Moskiewskim) i zadebiutował w Litewskim Teatrze Opery i Baletu. Utalentowany dyrygent został szybko zauważony w stolicy - a Zhuraitis dostał miejsce w Moskwie: najpierw był asystentem dyrygenta Bolszoj Orkiestry Symfonicznej Radia Wszechzwiązkowego, następnie dyrygentem Mosconcert, a wreszcie w 1960 roku dostał do Teatru Bolszoj.

Zhuraitis zasłynął współpracą z Jurijem Grigorowiczem: słynny choreograf zrealizował z Zhuraitisem większość spektakli w Bolszoj, w tym legendarnego Spartaka.

Skandaliczną sławę przyniósł dyrygentowi jego artykuł w gazecie „Prawda”, poświęcony eksperymentalnemu występowi Alfreda Schnittkego i Jurija Lyubimova ” Dama pikowa”: w wyniku publikacji produkcja nie doczekała się premiery, została zakazana. Znacznie później w swoich wywiadach Schnittke sugerował, że za pojawieniem się tej publikacji stał sekretarz KC KPZR ds. ideologii – Michaił Susłow, znany ze swoich zręcznych intryg.

Dyrygent od 20 lat jest żonaty z piosenkarką Eleną Obrazcową. „W jednej chwili zakochałem się w Algisie Zhuraitisie. Nie rozumiem, jak to się stało - w sekundę! Wracali z wycieczki i znaleźli się w tym samym przedziale... Nie było prowokacji z obu stron. Siedzieliśmy i rozmawialiśmy. I nagle między nami wybuchła iskra! I nie mogłem już bez niego żyć”.

Nazwisko Herberta von Karajana w świadomości świata jest nierozerwalnie związane z Salzburgiem. Dyrygent urodzony w 1908 roku w Salzburgu przez dziesięciolecia na swój sposób kształtował życie kulturalne miasta Mozarta i stał na czele wydarzeń.

Śladami dyrygenta
Spacerując po Salzburgu nieustannie trafiasz w miejsca związane z życiem i twórczością wybitnego dyrygenta. Statuła z Bronzu na wysokości człowieka, położony w centrum salzburskiej starówki, obok kładki Makart, w ogrodzie Raiffeisen Bank, przypomina Herberta von Karajana. Napis na tablica pamiątkowa z sąsiedniego budynku mówi, że Karajan urodził się w tym domu 5 kwietnia 1908 roku. Miasto Salzburg uhonorowało swojego słynnego syna, nazywając jeden ze znaczących placów w dzielnicy festiwalowej Herbert von Karajan Platz.

Jego grób znajduje się na cmentarzu w Anif – niewielkiej miejscowości niedaleko Salzburga, gdzie przez wiele lat mieszkał Herbert von Karajan. Z czasem grób stał się miejscem pielgrzymek wielbicieli talentu Karajana z całego świata.

Herbert von Karajan i Salzburg Summer Festival
W lata powojenne Era Herberta von Karajana rozpoczęła się w Salzburgu. W 1948 po raz pierwszy dyrygował operową inscenizacją Orfeusza Glucka, w 1956 objął stanowisko dyrektora artystycznego, aw 1957 zadebiutował jako reżyser w operze Fidelio Beethovena.
W 1960 roku Herbert von Karajan uroczyście otworzył nowo wybudowany gmach Wielkiej Sali Festiwalowej kompleksu teatralnego z inscenizacją opery Richarda Straussa The Rosenkavalier i ogłosił początek nowej ery. Nawet gdy Karajan od września 1960 nie był już jedynym dyrektorem artystycznym, a od 1964 zasiadał w zarządzie, to wciąż pozostawał tym, który trzyma w swoich rękach wątki przedsięwzięcia i podejmuje najważniejsze decyzje: jako „ostatni autokratyczny pan”, nawiązując do powiedzenia w jednym z nekrologów po jego śmierci w 1989 roku.

W 1967 założył w Salzburgu Wielkanocny Festiwal, którym kierował do śmierci: co roku we współpracy z Berlińską Orkiestrą Filharmoniczną wystawił udostępnioną przez Senat Berliński produkcję operową, organizując następnie koncerty Trójcy Świętej w Salzburgu.

Era Karayan
Karajan przyczynił się do zapewnienia salzburskiej letni Festiwal status międzynarodowy. Podczas gdy w poprzednich dekadach obsadę prowadził zespół Wiedeńskiej Opery Narodowej, dziś Salzburg stał się miejscem spotkań wielojęzycznych światowych gwiazd, które jako niezależni artyści czują się jak w domu na słynnych scenach od Mediolanu po Nowy Jork.

Zaczęło przyciągać licznych gości z zagranicy.
Dyrygent przez wiele dziesięcioleci z rzędu, jak nikt inny nie tylko uosabiał scenę muzyczną, ale także przyspieszał rozwój dokumentacja muzyczna. W ostatnich latach życia z wielkim zainteresowaniem i energią - głównie pod własnym kierownictwem orkiestry - zbierał i dokumentował dla świata muzyczne arcydzieła.

Cykl programy koncertowe (Rosja, 2010). 10 numerów.

Nie ma bardziej autorytatywnych postaci we współczesnej kulturze muzycznej niż przedstawiciele światowej elity dyrygenckiej. Twórcy cyklu wybrali dziesięć znaczących nazwisk – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, a także ich słynne rosyjscy koledzy,. Dziś są powszechnie uznanymi mistrzami i liderami największych orkiestr.

Każdy program oparty jest na wykonaniu jednego z wymienionych mistrzów z jego orkiestrą.

Soliści: skrzypkowie Vadim Repin i Siergiej Kryłow, oboista Aleksiej Utkin, pianista Denis Matsuev i inni.

Program jest najbardziej zróżnicowany – od I.S. Bacha do A. Schoenberga i A. Pärta. Wszystkie utwory należą do arcydzieł światowej muzyki.

Gospodarzem cyklu jest pianista Denis Matsuev.

Pierwsze wydanie. .
Solista Vadim Repin.
Program: I. Strawiński. Symfonia w trzech częściach; M. Bruch. I Koncert skrzypcowy g-moll; L. Beethovena. Symfonia nr 7.

Drugie wydanie. Vladimir Fedoseev i Bolszoj Orkiestra Symfoniczna. LICZBA PI. Czajkowski.
Program: L. Beethoven. Symfonia nr 4.
Nagrany w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu.

Wydanie III. „Maris Jansons i Orkiestra Symfoniczna Radia Bawarskiego”.
Program: R. Wagner. Introdukcja i „Śmierć Izoldy” z opery „Tristan i Izolda”; R. Straussa. Suita walców z opery „Der Rosenkavalier”.

4. wydanie. „Daniel Barenboim i West-Eastern Divan Orchestra”.
Program: V.A. Mozarta. Koncert nr 7 F-dur na trzy fortepiany i orkiestrę. Soliści - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberga. Wariacje na orkiestrę. G. Verdiego. Uwertura do opery „Siła przeznaczenia”.

Wydanie piąte. „Vladimir Spivakov i Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji.
Siergiej Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę. Symfonia nr 1 „Klasyczna”. Solista Denis Matsuev. Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego w 2008 roku.

Wydanie VI. „Lauryn Maazel i Orkiestra Symfoniczna Arturo Toscanini”
W programie: Giacchino Rossini. Uwertura do opery „Włoski w Algierze”; Johannesa Brahmsa. Symfonia nr 2.
Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.

7. wydanie. Yuri Temirkanov i Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Petersburskiej. D.D. Szostakowicz.

8. wydanie. Jurij Bashmet i zespół kameralny„Solości Moskwy”.
W programie: Joseph Haydn - Koncert na wiolonczelę i orkiestrę. Solista Steven Isserlis (Wielka Brytania), Niccolo Paganini - 5 kaprysów (opracowanie E. Denisova na skrzypce i orkiestrę kameralną). Solista Sergey Krylov (Włochy); V.A. Mozart - Divertimento nr 1.
Nagranie w BZK.

Wydanie IX. Michaił Pletnew i Rosyjska Orkiestra Narodowa
Rosyjska Orkiestra Narodowa wykona suitę z baletu P.I. Czajkowski” jezioro łabędzie”, opracowane przez Michaiła Pletnewa. Nagranie w Państwowym Akademickim Teatrze Bolszoj Rosji w ramach Wielkiego Festiwalu RNO, 2009.

10. wydanie. Valery Gergiev i Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego
W wykonaniu Orkiestra symfoniczna Teatr Maryjski pod dyrekcją Walerego Giergiewa wykonuje przeboje orkiestrowe - uwertury z oper Rossiniego, Verdiego, Wagnera, walce z baletów Czajkowskiego, fragmenty z Romea i Julii Prokofiewa.

G. Lomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakina wcześnie i szybko się rozprzestrzeniła północna stolica. Został zaproszony do nauczania w wielu instytucjach edukacyjnych: korpusie kadetów, marynarki wojennej i paź, liceum, szkole teatralnej, szkole prawniczej (gdzie studiował w tym czasie P.I. Czajkowski). W tej szkole spotkał się G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny krytyk rosyjski wielokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę nauki”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru”, które odegrały znaczącą rolę w karierze naszego rodaka. W 1862 r. wraz z słynny kompozytor MAMA. Balakirev, Lomakin zorganizował darmową szkołę muzyczną - aby oświecić i edukować ludzi. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył wspaniały nowy chór, ale także zdołał zorganizować kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu z jego uczniów zostało znani muzycy: śpiewacy, dyrygenci chóralni, nauczyciele. Ostatnie lata Gavriil Yakimovich poświęcił swoje życie komponowaniu: wcześniej komponował muzykę tylko z przerwami, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył szereg kompozycji na chór, napisał kilka romansów. A w 1883 roku, kiedy mgr inż. Balakirev, Lomakin również otrzymał rzadką okazję do opublikowania swoich prac. Poświęcił ostatnie dni swojego życia na ich weryfikację i redagowanie arkuszy próbnych.

A. Archangielski (1846-1924)

Kaplica dworska.

Chór Niezależny (1880).

Kaplica hrabiego Szeremietiewa.

CV Smoleński (1848-1909)

Dyrektor Szkoły Synodalnej (1889-1901).

Dyrektor chóru dworskiego (1901-1903).

Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St. Petersburg)

VS. Orłow (1856-1907).

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).

Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).

Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).

Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856-1926).

Chór synodalny (regent od 1901).

Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).

Prywatny chór duchowy A.P. Kajutowa.

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).

Regent cerkwi moskiewskich.

Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).

Chór synodalny (1910-1918).

Prywatny chór Kayutov (1915-1917).

Leningradzka Kaplica Akademicka.

Chór Państwowy ZSRR.

Swiesznikow Aleksander Wasiliewicz(1890-1980), dyrygent chóru, Artysta Ludowy ZSRR (1956), Bohater Pracy Socjalistycznej (1970). W latach 1936-37 dyrektor artystyczny Chór Państwowy ZSRR, zorganizowany na bazie utworzonego przez niego w 1928 Ogólnounijnego Radiowego Zespołu Wokalnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 - Państwowy Rosyjski Chór Pieśni (później Państwowy Akademicki Chór Rosji ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. szkoła chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).

JURLOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RSFSR (1970), Azerbejdżan. SSR (1972). Uczeń A.V. Swiesznikow. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Rep. Rosyjski kaplica chóru(od 1973 jego nazwisko). Profesor Pedagogiki Muzycznej. instytut. Gnezyny (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).

Tevlin Boris Grigorievich dyrygent chóru, profesor (1981), kierownik katedry dyrygentura chóralna Konserwatorium Moskiewskie im. P. I. Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).

Kazaczkow Siemion Abramowicz (1909-2005) – pedagog, profesor, kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Państwowym Konserwatorium Kazańskim.

Mini Władimir Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chórów, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Uczeń V.G. Sokolova, A.V. Swiesznikow. Od 1972 ręce. założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 roku (w tym samym czasie) dyrektor artystyczny Państwa. Rosyjski chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) Musical-ped. instytut. Gnezyny. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).

Dmitriak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny, operowy i symfoniczny, Czczony Robotnik Sztuki Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowy Chór Akademicki Rosji im. A.A. Jurłow i Capella „Kreml moskiewski”, docent Katedry Dyrygentury Chóralnej Akademia Rosyjska muzyka do nich. Gnesinik.

Wymagania do dyrygent chóralny

Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;

Umiejętność prawidłowego rozmieszczenia członków chóru w partiach zgodnie z ich głosem i zakresem śpiewu;

Łatwo poruszaj się po całej różnorodności utworów muzycznych różne style, epoki, kierunki, wiedzieć podstawy teoretyczne pisanie i czytanie partytury chóralne;

Miej dobre ucho do muzyki, wyczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.

Gatunki muzyka chóralna

VILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – pieśń włoska XV-XVI w., głównie 3-głosowa, z par al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.

KANON(norma grecka, zasada) - polifoniczny. musical. na podstawie formularza. na ścisłej ciągłej, imitacji, pod którą. głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc przed jego zakończeniem z poprzednim. Kanon wyróżnia liczba głosów, odstępy między nimi (kanon w prima, kwincie, oktawie itp.), liczba tematów imitowanych jednocześnie (kanon prosty; podwójny, na przykład w nr 4 Requiem Mozarta, itd.), forma naśladownictwa (kanon wzrasta, maleje). W tak zwanym kanonie nieskończonym koniec melodii przechodzi w jej początek, więc głosy mogą wchodzić wielokrotnie. W kanonie ze „wskaźnikiem zmiennym” (Vl. Protopopov) podczas imitacji zachowany jest wzór melodyczny i rytm, ale zmienia się interwał. Imitacja kanoniczna, w takiej czy innej formie, jest często używana w chórze. op.; są sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „Chodzę z mokasynem” itp.).

KANT(od lat, cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starej pieśni chóralnej lub zespołowej czapka. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później - na Ukrainie, od 2 płci. XVII wiek - w Rosji, rozpowszechniony jako wczesny rodzaj pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek - ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Z początku pieśń jest hymnem-pieśnią o treści religijnej, później przesycona jest motywami świeckimi; pojawiają się krawędzie. liryczne, duszpasterskie, pijackie, komiczne, marszowe itp. W epoce Piotra Wielkiego kanty panegiryczne, tzw. wiwat; wykonywane przez chóry śpiewaków podczas uroczystości i procesji triumfalnych, przy akompaniamencie ognia armatniego, fanfar i bicia dzwonów. Znaki stylu kanta: forma dwuwierszowa, podporządkowanie rytm muzyczny poetycki; klarowność rytmiczna i gładkość melodii; głównie 3-głosowa hurtownia z równoległym ruchem 2 wyższych głosów, bas jest często rozwijany melodycznie; jest też imitacja. W kancie występuje naturalna korelacja melodii i harmonii, równowaga funkcji harmonicznych - subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafjew ​​zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki w drugiej połowie XVIII i na początku XIX wieku. Kant staje się rodzajem zwięzłej encyklopedii triumfującego stylu homofonicznego” („ forma muzyczna jako proces”, L., 1963, s. 288). Kanty były rozpowszechniane w zbiorach rękopiśmiennych, bez wskazywania autorów tekstu i muzyki, chociaż często używano wierszy współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. nar. piosenki. Stopniowo obrzeże stawało się bardziej skomplikowane, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na podstawie kantu powstawały pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie, a częściowo rewolucyjne. Wpływ Kanta odnajdujemy także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinki („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.

KANTATA(włoski cantare - śpiewać) - utwór na śpiewaków-solistów, chór i orkiestrę, o charakterze uroczystym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub składać się z kilku pełnych numerów. Od oratorium (podobnego do niego pod względem środków wyrazu) kantata różni się zwykle mniejszym rozmiarem, jednolitością treści i mniej rozwiniętą fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewu (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje swoje miejsce w twórczości J.S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata zamanifestowała się w XVIII w., a swój rozwój osiągnęła w XIX i XX w.: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), pozdrowienia, rocznice, liryczne, liryczno-filozoficzne kantaty („Pieśni pożegnalne”). uczniów instytutów Katarzyny i Smolnego” Glinki ; „Moskwa”, „Do radości” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po przeczytaniu Psalmu” Tanejewa; „Wiosna ", "Dzwony" Rachmaninowa; "Kantata na otwarcie pomnika Glinki" Bałakiriewa itp. d.).

Gatunek kantat rozwinął się w kreatywności kompozytorzy radzieccy, zwłaszcza w pismach o tematyce historycznej, patriotycznej i nowoczesny motyw(„Aleksander Newski” Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikovo” Shaporina, „Kantata o ojczyźnie” Arutyuniana itp.). Współczesny niemiecki kompozytor K. Orff napisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i inne).

MADRYGAŁ(Włoski) -piosenka liryczna w ojczystym języku. (w przeciwieństwie do pieśni w łac.), pierwotnie monofoniczny. W epoce wczesny renesans(XIV w.) wykonywany był w 2-3 głosach. W epoce późny renesans(XVI w.) zajmował centrum, miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jednoczęściową lub wieloczęściową kompozycję wokalną magazynu polifonicznego na 4-5 głosów; był dystrybuowany poza Włochami. Gatunek madrygałów jest głównie liryczny, ściśle związany z tekst poetycki(aż do ilustracji poszczególnych słów). Rozwinięty w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolli, villanelli, chanson itp.) jest daleki od muzyka ludowa, często zbyt wyrafinowany; jednocześnie miała też znaczenie progresywne, poszerzające zakres obrazów i środków wyrazu. Prostszy, kojarzony z folklorem, emocjonalny madrygał angielski z XVI-XVII wieku. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku madrygał odchodzi od stylu wokalno-polifonicznego, podkreślając głos solowy z akompaniamentem instrumentalnym. Wybitni mistrzowie madrygału (on różne etapy jego rozwoju) to Arkadelt, Willart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (12-14 w.) kilka łączono w motecie. (najczęściej 3) samodzielne melodie z różnymi tekstami: w dolnym głosie (tenor) - cerkiew. chorał w tekście łacińskim, w środku (motet) i górnym (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w potocznym francuskim. Kościół katolicki zwalczał takie „wulgarne motety”, przeciwstawiając je (z XV wieku) wielogłosowymi hymnami jednemu tekstowi łacińskiemu. Madrygały zostały napisane na chór w czapce. (z końca XVI w. iz akompaniamentem), składał się z kilku (2, 3 lub więcej) odcinków, w formie polifonicznej, często w składzie akordowym. W XVII wieku były motety dla śpiewaków solowych z towarzyszeniem instrumentalnym.

CHÓR OPEROWY jeden z głównych elementów współczesnego spektakl operowy. W związku z epoką, gatunkiem, indywidualnością kompozytora chór w operze pełni inną rolę niż tworzenie rodzimego tła, element dekoracyjny, uczestnik prologu, przerywniki do rozdz. osoba działająca. W operze seria („opera poważna”, XVII–XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finale). Wzmocniona została rola chóru jako nośnika wizerunku ludu w operach Glucka i Cherubiniego, choć często jest to chór. sceny w nich mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne przypisywano chórowi w operach zachodnioeuropejskich I tercji XIX w. Rossiniego (William Tell), Verdiego (Nabucco, Bitwa pod Legnano), z ich wizerunkami bohaterscy ludzie; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje, w lirycznej operze XIX wieku. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, barwy narodowej, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowo-domowej chóry mają charakter rodzajowy, bliski ludowej pieśni, tańcowi (op. Moniuszko, Smetana). Rus. świecką sztukę chóralną najpierw reprezentowały chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i in.); i w dalsze chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będące „podstawowym dogmatem i afirmacją narodowości i demokracji” (B. Asafiev). Twórczość operowa i chóralna Rus. kompozytorów jest wyjątkowo zróżnicowana.

W operach historyczno-patriotycznych (Iwan Susanin Glinki, Książę Igor Borodina, Służąca z Pskowa Rimskiego-Korsakowa itp.) bohaterem staje się chór wraz z bohaterami. Szczególnie ( bardzo ważne kupił chór dramaty z muzyką ludową Musorgski („Boris Godunov”, „Khovanshchina”), gdzie obraz ludu jest prezentowany na wiele sposobów, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („Grób Askolda”), Dargomyżskiego („Syrenka”), Sierowa („Wroga siła”), Czajkowskiego („Czerewiczki”, „Czarodziejka”) itp. istnieje ścisły związek z Piosenka ludowa. Tożsamość narodową odzwierciedlają sceny chóralne oper o tematyce orientalnej (Rusłan i Ludmiła Glinki, Demon Rubinsteina, Książę Igor Borodina itp.). W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków stosuje się środki chóralne (op. Glinka, Wierstowski, Rimski-Korsakow). Chór wykorzystywany jest także w planie oratorskim, najczęściej w prologu, epilogu (opery Glinki, Sierowa, Rubinsteina, Borodina itp., w wykonywaniu hymnów itp. („Służebnica orleańska” Czajkowskiego, „Chowanszczina” Musorgskiego itp.). Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w ZSRR muzyczna kreatywność: opery rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa, „Dekabryści” Szaporina, „Katerina Izmaiłowa” Szostakowicza, „Emelyan Pugachev” Kovala, „ Cichy Don” i „Virgin Soil Upturned” Dzierżyńskiego, „Październik” Muradeli, „Virineya” Słonimskiego i innych, wiele opery narodowe zawierają oddzielne chóry i rozbudowane sceny chóralne. Chór operowy ma swoją specyfikę wykonawczą: to przede wszystkim wielka jasność, wypukłość niuansów (podobnie jak w dekoracyjnym projekcie), akcentowanie tekstu, jego umiejętność „przelatywania przez orkiestrę” w audytorium. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, konieczne jest szczególne zaufanie i niezależność każdego z jego członków. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się wyczucia czasu podczas studiowania swoich partii. Obecność mise-en-scens, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenta) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby osiągnąć synchronizację wykonania, wprowadza się pewne prowadzenie do „punktów” dyrygenta (mniej lub bardziej, w zależności od głębokości chóru).

ORATORIUM(od lat, wow - mówię, modlę się) - duży utwór muzyczny dla chóru, solistów, orków.; komp. od zespoły wokalne, arie, recytatywy, uzupełnione numery orkiestrowe. Oratorium powstało we Włoszech, na przełomie XVI-XVII wieku, niemal równocześnie z kantatą i operą i jest im zbliżone strukturą. Różni się od kantaty większym rozmiarem, szczegółową fabułą, epicko-dramatycznym charakterem, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad dramatycznym przetworzeniem. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych jutrzni (pieśni laudacyjnych duchowych) wykonywanych w specjalnych salach kościoła - oratoriach. Szczególnym typem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i typu oratorium obejmuje także mszę, requiem, Stabat Mater itp. Gatunek oratorium osiąga szczyt w twórczości Bacha, a zwłaszcza Haendla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna odznaczają się cechami gatunkowo-domowymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dworzaka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pożarski” Degtyareva; szereg oratoriów stworzył A. Rubinstein („pandemonium babilońskie”, „Raj utracony” itp.). Opery rosyjskiej klasyki szeroko wykorzystują techniki stylu oratoryjnego w postaci dużych scen chóralnych (Iwan Susanin, Rusłan i Ludmiła Glinki, Judyta Sierowa, Książę Igor Borodina, Sadko Rimskiego-Korsakowa itp.). Gatunek oratorium jest szeroko stosowany przez kompozytorów sowieckich, ucieleśniając wątki historyczne i współczesne („Emelyan Pugachev” Kovala, „Legenda bitwy o ziemię rosyjską” Shaporina, „Pieśń lasów” Szostakowicza, „Na straży” dla pokoju” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i inni).

UTWÓR MUZYCZNY- najprostsza i najczęstsza forma muzyka wokalna, który jednoczy poetycki obraz z musicalem. Charakterystyczne dla utworu jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (najczęściej okres lub forma 2, 3 częściowa). Muzyka pieśni odpowiada ogólnej treści tekstu, bez uszczegóławiania jej (na przykład w bardzo popularnej piosence dwuwierszowej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (produkowane przez kompozytorów) różniące się gatunkiem, pochodzeniem, strukturą itp. Powszechny jest gatunek pieśni chóralnej: pieśń ludowa (chłopska i miejska), sowiecka pieśń masowa, itd. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej kultywowano pieśń chóralną kompozytorzy romantyczni(Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W przenośni termin pieśń. czy pieśni (dla podkreślenia epickiej, uroczystej, poetyckiej wzniosłości dzieła) używane są w imię wielkiej kompozycje muzyczne, kantata (np. „Pieśń losu”, „Pieśń triumfu” Brahmsa).

CHÓRALNY- śpiew religijny w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki chorał polifoniczny (wprowadzony w XVI w. przez przywódców reformacji) wykonywany był przez całą gminę na Niemiecki(w przeciwieństwie do chorału gregoriańskiego unisono, który był śpiewany) łacina specjalnych męskich chórzystów). Melodie chorału wyróżniają siedzący rytm. Magazyn chóralny (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów przez jednolite czasy trwania w zwolnionym tempie.