abstrakcyjny w dyscyplinie naukowej „Kulturologia”
na temat: „Romantyzm w muzyce”.
Plan
1. Wstęp.
2. Cechy charakterystyczne epoki romantyzmu w muzyce.
3. Geografia muzyki romantyzmu.
5. Wniosek.
6. Lista referencji.
1. Wstęp.
Romantyzm to nowy nurt artystyczny XIX wieku. Zastąpił klasycyzm, a jego przejawy zaczęły pojawiać się już pod koniec XVIII wieku. Ojczyzną romantyzmu są Niemcy, ale szybko rozprzestrzenił się i przeniknął do innych krajów europejskich, a także do Rosji i Ameryki. Sam termin „romantyzm” po raz pierwszy pojawił się w literaturze dzięki działalności niemieckiego pisarza Novalisa (1772 - 1801). ET wprowadził go do muzyki. A. Hoffmanna (1776 - 1882). Romantyzm rozwijał się w walce, a jednocześnie w ścisłej interakcji ze swoimi poprzednikami – klasycyzmem i sentymentalizmem. W trzewiach tych ruchów literackich narodził się. Pisarze klasyczni byli przekonani, że tylko ci, którzy są tego świadomi, potrafią pohamować swoje pasje – osobiste zainteresowania i aspiracje – mogą spełnić swój obywatelski obowiązek. Wierzyli jednak, że taki los spotkał tylko nielicznych „szlachetnych”, głównie szlachty. Powinni byli być gotowi bezinteresownie, ofiarnie służyć ojczyźnie. Ich zdaniem obowiązek obywatelski to przede wszystkim szlachetny honor i cnota.
Romantycy starali się romantyzować wszystko wokół, wszystkie zjawiska życiowe. Przyjęli pewne zasady z poprzedniej epoki klasycyzmu, ale samą istotą romantyzmu jest sprzeciw wobec oświeceniowej scenerii, rozczarowanie nimi. Przedstawiciele romantyzmu nie mogli zaakceptować kultu rozumu, racjonalizmu, logiki i praktyczności. Dla nich dusza i indywidualność człowieka, jego uczucia były ważne.
Oryginalność romantyzmu polega także na tym, że nie dążyli do wyraźnego podziału sztuki na rodzaje i gatunki. Byli pod wrażeniem idei syntezy sztuk iz powodzeniem ją realizowali. Romantyzm należy do jednej z najciekawszych i najbardziej owocnych epok kulturowych.
2. Cechy charakterystyczne epoki romantyzmu w muzyce.
Przez ponad sto lat w kulturze muzycznej panował romantyzm (1800-1910). W tej sztuce okazał się długowieczny, podczas gdy w literaturze i malarstwie mógł przetrwać tylko pięćdziesiąt lat. Nie można tego nazwać przypadkiem. W rozumieniu romantyków muzyka jest najbardziej uduchowioną sztuką i ma największą swobodę. Jedną z głównych cech muzyki epoki romantyzmu należy nazwać jej syntezą z innymi rodzajami sztuki. Co więcej, romantycy nie byli zwolennikami ścisłego i wyraźnego podziału gatunkowego.
Pomieszano również kategorie estetyczne. Tragedia łatwo współistniała z komiksem; brzydki z pięknym; przyziemne z wzniosłością. Takie kontrasty nie wyglądały nieprzekonująco ani nienaturalnie. Główna technika artystyczna - ironia romantyczna - umożliwiła łączenie niekompatybilnych. Dzięki niej powstał szczególny obraz świata, tkwiący w romantyzmie.
Pomimo tendencji do mieszania gatunków, wiele z nich miało oczywiście prawo do samodzielnej egzystencji i udało się znacząco rozwinąć w tym okresie; pojawiły się określone gatunki. Przede wszystkim jest to gatunek romantycznego wiersza muzycznego i ballady (najjaśniejszym przedstawicielem jest F. Schubert); piosenki; miniatury fortepianowe.
Na szczególną uwagę zasługuje miniatura fortepianowa. Miał na celu przekazanie jakiegoś obrazu, który zrobił wrażenie na autorze lub jego nastroju. Miniatura fortepianowa mogłaby mieć specyfikację gatunkową: walc, pieśń, pieśń bez słów, mazur, nokturn. Kompozytorzy często sięgali po muzykę programową, łącząc swoje utwory w cykle.
Charakterystyczny dla epoki romantyzmu jest słynny cykl fortepianowy R. Schumanna „Karnawał”, który odzwierciedla swobodny charakter estetyki romantyzmu. „Karnawał” zawiera dwadzieścia jeden numerów. Są to kolejne szkice, różniące się od siebie nastrojem, obrazami, portretami, ale wiele z nich łączy jedna fabuła. Kompozytor rysuje wyimaginowane święto, na które zapraszane są maski-gości. Wśród nich są zwykłe postacie karnawałowe - nieśmiały Pierrot, psotny Arlekin, narzekający na siebie Colombina i Pantaloon (wszystko to pięknie oddaje za pomocą środków muzycznych).
„Karnawał” obfituje w bardzo oryginalny pomysł. Sam kompozytor nazwał swój cykl „miniaturowymi scenami na 4 nutach”, gdyż na nich zbudowana jest cała melodia. Kompozytor wykonał cztery nuty w różnych sekwencjach i kombinacjach, tworząc w ten sposób pozory tematu, będącego podstawą każdego utworu.
Pod względem kompozytorskim „Carnival” wykazuje najwyższy poziom umiejętności kompozytorskich. Wszystkie utwory z cyklu wyróżnia perfekcja wykonania, błyskotliwość i wirtuozeria. Ogólnie cały cykl jest przykładem harmonijnego połączenia i integralności.
Jeśli mówimy o muzyce programowej bardziej szczegółowo, to tutaj możemy wyróżnić taką cechę, jak połączenie z innymi gatunkami: literaturą, malarstwem. Forma eseju uzależniona jest od fabuły. W związku z tym powstają poematy symfoniczne, jednoczęściowe koncerty i sonaty; symfonie wieloczęściowe. Tak więc w dobie romantyzmu rozwinęła się zarówno kameralna muzyka wokalna, jak i kameralna muzyka instrumentalna.
Opera również stała się w tym okresie wyjątkowa. Zaczyna skłaniać się ku symfonizmowi; ma ścisły i uzasadniony związek między tekstem a muzyką; akcja sceniczna miała z nimi równą wartość.
Romantycy mieli ulubione tematy. Większość wątków opierała się na motywie samotności i miłości, ponieważ w centrum estetyki romantyzmu znajdowała się osoba dumna i samotna, w której duszy szalały silne namiętności. Bohater romantyczny zawsze był przeciwny społeczeństwu, całemu światu. Dlatego całkiem logiczne jest, że w okresie romantyzmu autorzy zwrócili się do tematów bliskich wizerunkowi takiego bohatera: motywu śmierci, motywu drogi i wędrówek, motywu natury. W pracach romantycznych dużo miejsca poświęcono elementom fantazji, wkraczając w nudny świat materialny.
Kompozytorzy działający w dobie romantyzmu mieli własny język muzyczny. Dużą wagę przywiązywali do melodii, podkreślania znaczenia słowa, ekspresji artystycznej (ostatnia uwaga dotyczy również akompaniamentu).
Harmonia uległa wyraźnej przemianie i wzbogaceniu. Namiętność, ospałość, kontrast nastrojów, napięcie, fantastyczny początek utworów zostały oddane harmonią. W ten sposób melodia, faktura i harmonia zrównały się w swoim znaczeniu.
Tak więc główne cechy muzyki epoki romantyzmu można nazwać syntezą sztuk i gatunków; szczególna ekspresja i bliski związek melodii, akompaniamentu i harmonii; kontrast; fantastyczny; zwiększona emocjonalność i ekspresja.
3. Geografia muzyki romantyzmu.
Romantyzm obejmował dość szeroki obszar: od Europy i Rosji po Amerykę i wszędzie jego rozwój odbywał się w specyficzny sposób. W Europie sztuka muzyczna w tym okresie w niektórych krajach miała zarówno podobieństwa kulturowe, jak i różnice. Na przykład muzyka Austrii i Niemiec rozwijała się mniej więcej w tym samym kierunku. Na muzyczny romantyzm tych krajów wpływ miała wiedeńska szkoła muzyczna, która silnie przejawiła się w literaturze. Mieli też wspólny język. Romantyzm niemiecko-austriacki wyróżniał się nie tylko zaawansowanymi dziełami różnych gatunków, ale także aktywnym oświeceniem. Cechą definiującą niemiecki i austriacki romantyzm jest śpiew.
Romantyzm w Polsce to połączenie wokalizmu i instrumentalności - charakterystycznej cechy polskiej muzyki ludowej. Tak więc w intonacjach F. Chopina słychać dość wyraźnie echa epickiego gatunku polskiej muzyki ludowej - polskiej Dumy. Gatunek ten w dojrzałym okresie swego rozwoju charakteryzuje się powolnym, epickim śpiewem, często o żałobnym tonie. I kolejne dramatyczne i napięte epizody, na przemian z powrotem melodii początkowej zwrotki. Nie ulega wątpliwości, że to właśnie myśl zachodniosłowiańska była pierwowzorem dla ballad Chopina i bliskich im kompozycji. Tak więc w sercu polskiego romantyzmu leży sztuka ludowa.
Włoski romantyzm to bezprecedensowy rozkwit sztuki operowej; start „Bel Canto”. W ten sposób opera włoska stała się liderem w tym kierunku na całym świecie. Również we Francji opera nabiera jednej z wiodących wartości. Wielką zasługę ma w tym G. Berlioz (1803 - 1869), który jest twórcą tak ciekawego zjawiska jak opera komiczna, która bezpośrednio odzwierciedla specyfikę narodową tego kraju.
W Rosji romantyzm rozwinął się pod wpływem idei dekabrystów, Wielkiej Rewolucji Francuskiej, wojny z Napoleonem w 1812 roku, czyli był związany z globalnymi wydarzeniami społecznymi. Zasady obywatelstwa, służby ojczyźnie zostały również przeniesione do sztuki muzycznej, w której wyraźnie zabrzmiała idea świadomości narodowej. Tym samym muzyczny romantyzm wszystkich krajów połączyły cechy wspólne: pragnienie wysokiej duchowości, marzenia o pięknie, odzwierciedlenie zmysłowej sfery człowieka.
4. Wielcy kompozytorzy i muzycy epoki romantyzmu.
Romantyzm dał kulturze muzycznej wielu wielkich kompozytorów: F. Liszt (1811 - 1886, Węgry), R. Schumann (1810 - 1856, Niemcy), F. Schubert (1797 - 1828, Austria), K. Weber (1786 - 1826, Niemcy) ), R. Wagner (1813 - 1883, Niemcy), J. Bizet (1838 - 1875, Francja), N. Paganini (1782 - 1840, Włochy), E. Grieg (1843 - 1907, Norwegia), G. Verdi ( 1813 - 1901, Włochy), F. Chopin (1810 - 1849), L. van Beethoven (ostatni etap twórczości, Niemcy) itp. Scharakteryzujmy pokrótce twórczość niektórych z nich.
Franciszek Liszt, jak V.A. Mozart był młodym wirtuozem i bardzo wcześnie kazał Europie mówić o sobie, przemawiając do publiczności jako pianista. Równie wcześnie pojawił się jego talent kompozytorski. Następnie F. Liszt łączył działalność krajoznawczą i kompozytorską. Dokonywał także transkrypcji muzyki symfonicznej na fortepian i słusznie można go uznać za wielkiego oświecacza.
Kompozycje autorskie F. Liszta cechuje wirtuozeria i głębia, ekspresja i wściekłość. Są to jego słynne cykliczne dzieła: „Lata tułaczki”, „Etiudy transcendentnego wykonania”, „Wielkie Etiudy według Kaprysów Paganiniego”, „Rapsodie węgierskie”. F. Liszt wniósł ogromny wkład w popularyzację i rozwój węgierskiej kultury muzycznej.
Franz Schubert uważany jest za pierwszego kompozytora epoki romantyzmu, zaliczanego do wielkich kompozytorów. Jego muzyka jest czysta, radosna, poetycka a jednocześnie - smutek, chłód, rozpacz. Jak przystało na romantyków, muzyka F. Schuberta kontrastuje, ale uderza swobodą i swobodą, urodą melodii.
F. Schubert napisał ogromną liczbę piosenek, które są prawdziwymi arcydziełami. Dotyczy to zwłaszcza dzieł napisanych do wersetów V.I. Goethe („Król Lasu”, „Gretchen at the Spinning Wheel”) i wielu innych.
Kompozytor pracował także w innych gatunkach: operach, kameralnych kompozycjach wokalnych i instrumentalnych. A jednak przede wszystkim nazwisko F. Schuberta kojarzy się z jego pieśniami i różnymi cyklami: „Piękna Młynarz”, „Winter Way”, „Swan Song”.
Francuski kompozytor Georges Bizet wszedł do historii kultury światowej jako autor niedoścignionej opery Carmen. Już w wieku dziesięciu lat został studentem Konserwatorium Paryskiego. Młody kompozytor na początku swojej kariery próbował się w różnych gatunkach, ale opera stała się jego prawdziwą pasją. Oprócz „Carmen” napisał takie opery jak „Poszukiwacze pereł”, „Perth Beauty”, „Jamile”. Wyróżnia się także napisana przez niego muzyka do dramatu A. Daudeta o tym samym tytule „Arlesian”. J. Bizet słusznie uważany jest za wybitnego kompozytora francuskiego.
Edvard Grieg to najsłynniejszy kompozytor Norwegii, jeden z symboli tego kraju. Jego muzyka jest zjawiskiem oryginalnym i oryginalnym, świadczącym o wyjątkowej indywidualności twórczego myślenia tego kompozytora. Dzieła E. Griega, m.in. „Koncert fortepianowy”, romanse, „Utwory liryczne”, „Sonata II skrzypcowa” i oczywiście „Peer Gynt” – muzyka do spektaklu G. Ibsena – stały się własnością nie tylko Norweska, ale także muzyka świata.
Jedną z personifikacji romantyzmu jest włoski skrzypek i kompozytor Niccolò Paganini. Najtrafniejszymi definicjami jego sztuki są jasność, blask, wściekłość, bunt. Napisał utwory wirtuozowskie i pełne pasji, które do dziś są obecne w repertuarze słynnych skrzypków. Mowa o I i II Koncercie skrzypcowym, „24 Capricci”, „Karnawale Weneckim” i „Perpetual Motion”. Ponadto N. Paganini był znakomitym improwizatorem i dokonywał aranżacji-wariacji fragmentów oper na skrzypce solo. Był inspiracją dla wielu postaci epoki romantyzmu.
Mówiąc o muzyce wybitnego polskiego kompozytora Fryderyka Chopina (1810 - 1849), przede wszystkim warto powiedzieć, że jest to „dusza ludu polskiego”, która znalazła różnorodny wyraz w twórczości Chopina. W jego muzyce są strony epickiej wielkości i heroicznego wzlotu. W tragicznych epizodach muzyki Chopina słychać żal odważnego serca. Sztuka Chopina jest głęboko ludową sztuką artysty-patrioty, artysty humanisty, ożywionego zaawansowanymi ideałami epoki, w której musiał żyć i tworzyć.
Działalność kompozytora Chopina rozpoczęła się od komponowania polskich tańców domowych (mazurka, poloneza, walca). Zwrócił się także do nokturnów. Rewolucyjne w muzyce fortepianowej były jego "Ballada g-moll", "Scherzo h-moll", "Etiuda c-moll". Etiudy i preludia F. Chopina (wraz z etiudami F. Liszta) są szczytem techniki fortepianowej epoki romantyzmu.
Romantyzm bardzo dobrze zakorzenił się na ziemi rosyjskiej. Nowa postawa znalazła oddźwięk w umysłach i duszach inteligencji. Jego koncepcja oporu przed złem, która ogarnęła cały świat, okazała się bardzo bliska rosyjskiej sztuce i literaturze.
Jednym z przejawów romantyzmu była rosyjska proza romantyczna. Pojawił się w pierwszej połowie XIX wieku, sam w sobie stał się zjawiskiem wyjątkowym i niepowtarzalnym. Reprezentowane przez nazwiska nie tylko wielkich pisarzy rosyjskich, ale także autorów drugiego rzędu. Niektóre z prac tych autorów wyraźnie pokazują pociąg do fantazji, niezwykłą i surrealistyczną atmosferę, magiczny zwrot akcji, dziwne postacie. W pracach tych wyczuwalny jest ślad Hoffmanna, ale załamany przez rosyjską rzeczywistość. Podobnie jak w Niemczech, rosyjska muzyka tego okresu była ściśle związana z literaturą. Widać to na przykładzie V.F. Odoevsky (1804 - 1869), który celował w obu dziedzinach.
Ogólnie epoka romantyzmu wytworzyła całą plejadę wybitnych kompozytorów. Są to P. I. Czajkowski (1840 - 1893), A. A. Alyabiev (1787 - 1851), A.P. Borodin (1833 - 1887), M. I. Glinka (1804 - 1857), A. S. Dargomyzhsky (1813 - 1869), M.P. Musorgski (1839 - 1881), M. A. Balakirev (1837 - 1910), N. A. Rimsky-Korsakov (1844 - 1908), A. N. Skriabin (1872 - 1915), Ts.A. Cui (1835 - 1915), S.V. Rachmaninow (1873 - 1943). Oczywiście większość z wymienionych kompozytorów była tylko romantykami. Wnieśli ogromny wkład w rozwój realizmu w kulturze rosyjskiej, ale niektóre okresy ich twórczości przypadły na etap romantyzmu.
Rzecznikiem rosyjskiej idei w muzyce był M.I. Glinka. Jego pojawienie się w rosyjskiej kulturze muzycznej zmusiło ją do obrania innej drogi. W swojej pracy udało mu się połączyć europejskie i rosyjskie tradycje narodowe. Romantyczny okres M.I. Glinki to piękne romanse przepełnione harmonią, liryzmem i pasją, doskonałe w formie i treści.
Oprócz działalności kompozytorów ogromną rolę w tym okresie odgrywały stowarzyszenia twórcze. Generalnie był to dla Rosji czas wielkich i znaczących zmian, także w życiu muzycznym. Następuje rozwój nauki i literatury, który niesie ze sobą sztukę rosyjską. Jej najlepsi przedstawiciele zaczynają zdawać sobie sprawę z wielkiej społecznej potęgi sztuki. Tak więc trendy tamtych czasów chwytają również muzykę, wzrasta na nią wpływ literatury, a co za tym idzie ich wzajemne oddziaływanie. Rozszerza się również zakres jego relacji z innymi rodzajami sztuki, powstają różne społeczności muzyczne: krąg Dargomyzhsky'ego, krąg Rubinsteina, krąg Bielajewa i wreszcie społeczność muzyczna Bałakiriewa, zwana Potężną Garścią.
Wyrażenie „Mighty band” zostało wprowadzone przez krytyka V.V. Stasow (1824 - 1906). Ta oksymoronowa ekspresja została później uskrzydlona i zaczęła być powtarzana zarówno w pełnym szacunku, jak i ironicznym kontekście, nawiązując do muzyków skupionych wokół mgr inż. Bałakiriew.
Przede wszystkim starali się ożywić zainteresowanie rosyjską sztuką ludową. Przywiązując wielką wagę do narodowej oryginalności muzyki, słusznie wierzyli, że można ją osiągnąć tylko wtedy, gdy kompozytor sięgnie po ludowe źródła pieśni. Każdy, kto wychował się tylko na kompozycjach salonowych, nawet tych najlepszych, nie będzie w stanie stworzyć niczego wartościowego. Do tej pory członkowie kręgu Bałakiriewa wierzyli, że muzyka profesjonalna, z nielicznymi wyjątkami (tj. M.I. Glinka, 1804 - 1857), daleka jest od sztuki ludowej. W rozumieniu „Kuchkistów” kompozytor musi być przepojony duchem muzyki ludowej. Tak więc rosyjski romantyzm jest rosyjską sztuką narodową.
5. Wniosek.
Nowe, romantyczne spojrzenie na świat w sztuce europejskiej przełomu XVIII i XIX wieku. W romantyzmie świat zwyczajny sąsiaduje ze światem fantastycznym, w którym biegnie bohater dramatyczny, mając nadzieję, że odejdzie od zwyczajności. Romantycy wierzyli, że sztuka jest jedna; poezja i muzyka są szczególnie bliskie. Muzyka potrafi „odpowiedzieć” myśl poety, narysować wizerunek bohatera literackiego, a poezja nierzadko uderza muzykalnością. Nurt nowej sztuki znalazł odzwierciedlenie także w twórczości wielkich kompozytorów romantycznych.
Muzyczny romantyzm miał swoich bohaterów, własne tematy, własne zasady estetyczne i język artystyczny. Jego celem była swobodna forma, nieograniczona gatunkowo ani konkretnymi granicami. Muzyczny romantyzm trwał bardzo długo i przyniósł najbogatsze owoce.
Nadszedł jednak moment jej kryzysu. Działo się to w czasie, gdy nadejście XX wieku ze swoimi specyficznymi tendencjami zaczęło niszczyć ideały romantyzmu. I choć w końcu został zastąpiony przez modernizm, romantyzm nie popadł w zapomnienie, a jego tradycje nadal żyły w sztuce nowego stulecia, a nawet w naszych czasach nowożytnych.
6. Lista referencji.
1. Belousova S.S. Romantyzm. - M.: Rosmen, 2004. - 115 s.
2. Galatskaya V.S. Niemiecki kompozytor Robert Schumann/W.S. Galackaja. - M.: Wiedza, 1956. - 33 s.
3. Gordeeva E.M. Potężna wiązka / E.M. Gordejewa. - M.: Muzyka. - 270 s.
4. Sołowcow AA Fryderyka Chopina. Życie i sztuka. - Państwowe Wydawnictwo Muzyczne / A.A. Sołowcow. - Moskwa, 1960. - 504 s.
Trzy główne etapy europejskiego romantyzmu muzycznego XIX wieku - wczesny, dojrzały i późny - odpowiadają etapom rozwoju austriackiej i niemieckiej muzyki romantycznej. Ale ta periodyzacja musi być skonkretyzowana i nieco dopracowana w odniesieniu do najważniejszych wydarzeń w sztuce muzycznej każdego kraju.
Wczesny etap niemiecko-austriackiego romantyzmu muzycznego datuje się na lata 1910 i 20, zbiegając się z punktem kulminacyjnym walki z dominacją napoleońską i wynikającą z niej mroczną reakcją polityczną. Początek tego etapu wyznaczały takie zjawiska muzyczne jak opery Undine Hoffmanna (1913), Silvana (1810), Abu Gasan (1811) oraz programowy utwór fortepianowy Invitation to the Dance (1815) Webera, pierwszy prawdziwie oryginalny Piosenki Schuberta – „Margarita przy kołowrotku” (1814) i „Leśny car” (1815). W latach dwudziestych rozkwitł wczesny romantyzm, kiedy geniusz wcześnie wymarłego Schuberta ujawnił się z pełną mocą, kiedy pojawiły się Czarodziejski strzelec, Euryata i Oberon - ostatnie trzy najdoskonalsze opery Bebera, w roku śmierci którego (1820) na horyzont muzyczny, nowe „świetlne” rozbłyski – Mendelssohn – Bartholdy, który wystąpił ze wspaniałą uwerturą koncertową – Sen nocy letniej.
Etap środkowy przypada głównie na lata 30-40, jego granice wyznacza rewolucja lipcowa we Francji, która wywarła znaczny wpływ na zaawansowane kręgi Austrii, a zwłaszcza Niemiec, oraz rewolucja lat 1848-1949, która potężnie przetoczyła się przez Ziemie niemiecko-austriackie. W tym okresie kwitła w Niemczech twórczość Mendelssohna (zm. 1147) i Schumanna, których działalność kompozytorska tylko na kilka lat przekroczyła wskazaną granicę; Tradycje Webera kontynuuje w jego operach Marschner (jego najlepsza opera Taps Galish:r powstała w 1833 r.); w tym okresie Wagner z początkującego kompozytora staje się twórcą tak uderzających dzieł, jak Tannhäuser (1815) i Lohengrin (1848); jednak główne osiągnięcia twórcze Wagnera dopiero nadejdą. W Austrii w tej chwili panuje zastój na polu poważnych gatunków, ale sławę zyskują twórcy codziennej muzyki tanecznej, Josef Liner i ojciec Johann Strauss.
Późny, porewolucyjny okres romantyzmu, trwający kilkadziesiąt lat (od początku lat 50. do około połowy lat 90.), wiązał się z napiętą sytuacją społeczno-polityczną (rywalizacja między Austrią i Prusami w zjednoczeniu Niemiec). ziemie, powstanie zjednoczonych Niemiec pod rządami militarystycznych Prus i ostateczna izolacja polityczna Austrii). W tym czasie problem jednej, ogólnoniemieckiej sztuki muzycznej był dotkliwy, wyraźniej ujawniły się sprzeczności między różnymi grupami twórczymi i poszczególnymi kompozytorami, narodziła się walka o kierunki, czasami odzwierciedlona w gorącej debacie na łamach prasy . Próby zjednoczenia postępowych sił muzycznych kraju podejmuje Liszt, który przeniósł się do Niemiec, ale jego twórcze zasady, związane z ideami radykalnej innowacji opartej na oprogramowaniu, nie są podzielane przez wszystkich niemieckich muzyków. Szczególną pozycję zajmuje Wagner, który absolutyzował rolę dramatu muzycznego jako „sztuki przyszłości”. Jednocześnie Brahms, któremu udało się udowodnić w swojej twórczości trwałe znaczenie wielu klasycznych tradycji muzycznych w połączeniu z nowym, romantycznym światopoglądem, staje się szefem antylistowych i antywagnerowskich nurtów w Wiedniu. Rok 1876 jest pod tym względem znaczący: w Bayreuth ma miejsce prapremiera Der Ring des Nibelungen Wagnera, a Wiedeń zapoznaje się z pierwszą symfonią Brahmsa, która otwiera okres największego rozkwitu jego twórczości.
Złożoność muzyczno-historycznej sytuacji tych lat nie ogranicza się do obecności różnych kierunków z ich siedliskami - Lipska, Weimaru, Bayreuth. Wiedeń. W samym Wiedniu na przykład tworzą artyści tak różni od siebie, jak Bruckner i Wolf, których łączy wspólny entuzjastyczny stosunek do Wagnera, ale jednocześnie nie akceptujący jego zasady muzycznego dramatu.
W Wiedniu syn Johanna Straussa, najbardziej muzykalna głowa stulecia, tworzy ”(Wagner). Jego wspaniałe walce, a później operetki czynią z Wiednia ważne centrum rozrywkowej muzyki.
Dekady porewolucyjne wciąż naznaczone są wybitnymi zjawiskami muzycznego romantyzmu, dają się już odczuć oznaki wewnętrznego kryzysu tego nurtu. Tym samym romantyzm u Brahmsa syntetyzuje się z zasadami klasycyzmu, a Hugo Wolf stopniowo realizuje się jako kompozytor antyromantyczny. Krótko mówiąc, romantyczne zasady tracą swoje pierwszorzędne znaczenie, czasami w połączeniu z nowymi lub odrodzonymi tendencjami klasycznymi.
Niemniej jednak, nawet po połowie lat 80., kiedy romantyzm wyraźnie zaczął przeżyć sam siebie, w Austrii i Niemczech wciąż pojawiają się pojedyncze, jasne przebłyski romantycznej kreatywności: ostatnie kompozycje fortepianowe Brahmsa i późne symfonie Brucknera są podsycane romantyzmem; Najwięksi kompozytorzy przełomu XIX i XX wieku, austriacki Mahler i Niemiec Richard Strauss, w utworach lat 80. i 90. czasami manifestują się jako typowi romantycy. W ogóle ci kompozytorzy stają się rodzajem łącznika między „romantycznym” XIX wiekiem a „antyromantycznym” XX wiekiem.)
„Ścisłość kultury muzycznej Austrii i Niemiec, ze względu na tradycje kulturowe i historyczne, nie wyklucza oczywiście dobrze znanych różnic narodowych. ale wielonarodowe Cesarstwo Austriackie („monarchia patchworkowa”), źródła, które zasilały twórczość muzyczną, a zadania stojące przed muzykami były czasami inne. Tak więc w zacofanych Niemczech, przezwyciężając drobnomieszczańską stagnację, wąski prowincjonalizm był szczególnie pilnym zadaniem, które w Z kolei, wymagała różnych form działalności edukacyjnej ze strony postępowych przedstawicieli warunków artystycznych, wybitny niemiecki kompozytor nie mógł ograniczyć się do komponowania muzyki, ale musiał stać się osobą muzyczną i publiczną. oj kraj: Weber - jako dyrygent operowy i krytyk muzyczny, Mendelssohn - jako dyrygent koncertowy i główny pedagog, założyciel pierwszego konserwatorium w Niemczech; Schumanna jako nowatorskiego krytyka muzycznego i twórcy nowego typu pisma muzycznego. Później rzadka w swej wszechstronności działalność muzyczna i społeczna Wagnera rozwinęła się jako dyrygent teatralny i symfoniczny, krytyk, estetyk, reformator opery, twórca nowego teatru w Bayreuth.
W Austrii, z jej centralizacją polityczną i kulturową (hegemonię pułkową Wiednia jako centrum polityczne i kulturalne), z iluzją patriarchatu, wyimaginowanym dobrobytem i faktyczną dominacją najbardziej okrutnej reakcji, powszechna działalność publiczna była niemożliwa. W tym względzie nie może nie zwrócić uwagi sprzeczność między obywatelskim patosem twórczości Beethovena a wymuszoną biernością społeczną wielkiego kompozytora. Cóż możemy powiedzieć o Schubercie, który jako artysta ukształtował się w okresie po Kongresie Wiedeńskim 1814-1815! Słynne koło Schuberta było jedyną możliwą formą zjednoczenia czołowych przedstawicieli inteligencji artystycznej, ale takie koło w Wiedniu Metternicha nie mogło mieć prawdziwego oddźwięku publicznego. Innymi słowy, w Austrii najwięksi kompozytorzy byli niemal wyłącznie twórcami dzieł muzycznych: nie mogli się sprawdzić na polu działalności muzycznej i społecznej. Dotyczy to Schuberta, Brucknera, syna Johanna Straussa i kilku innych.
Jednak w kulturze austriackiej należy również zwrócić uwagę na takie charakterystyczne czynniki, które pozytywnie wpłynęły na sztukę muzyczną, nadając jej jednocześnie specyficznie austriackiego, „wiedeńskiego” posmaku. Skoncentrowane w Wiedniu, w swoistym połączeniu, elementy kultury niemieckiej, węgierskiej, włoskiej i słowiańskiej stworzyły ten bogaty muzyczny grunt, na którym wyrosła demokratyczna twórczość Schuberta, Johanna Straussa i wielu innych kompozytorów. Połączenie niemieckich cech narodowych z węgierskimi i słowiańskimi stało się później charakterystyczne dla Brahmsa, który przeniósł się do Wiednia.
Specyficzne dla kultury muzycznej Austrii było wyjątkowo szerokie rozpowszechnienie różnych form muzyki rozrywkowej - serenad, kasacji, divertissementów, które zajmowały poczesne miejsce w twórczości wiedeńskich klasyków Haydna i Mozarta. W dobie romantyzmu znaczenie codziennej, rozrywkowej muzyki nie tylko zostało zachowane, ale jeszcze bardziej zintensyfikowane. Trudno wyobrazić sobie np. twórczy wizerunek Schuberta bez przenikającego jego muzykę ludowo-domowego odrzutowca, który nawiązuje do wiedeńskich imprez, pikników, wakacji w parkach, swobodnej ulicznej muzyki. Ale już w czasach Schuberta zaczęto obserwować rozwarstwienie w wiedeńskiej muzyce profesjonalnej. A jeśli sam Schubert łączył jeszcze w swojej twórczości symfonie i sonaty z walcami i ziemianami, które pojawiały się dosłownie w setkach1, a także marszami, ekossesami, polonezami, to jego współcześni Liner i ojciec Strauss uczynili z muzyki tanecznej podstawę swojej działalności. W przyszłości ta „polaryzacja” znajduje wyraz w relacji między twórczością dwóch rówieśników – klasycznego tańca i muzyki operetkowej syna Johanna Straussa (1825-1899) i symfonisty Brucknera (1824-1896).
Porównując muzykę austriacką i niemiecką XIX wieku, nieuchronnie pojawia się kwestia teatru muzycznego. W Niemczech epoki romantyzmu, począwszy od Hoffmanna, opera miała pierwszorzędne znaczenie jako gatunek zdolny najpełniej wyrazić palące problemy kultury narodowej. I to nie przypadek, że dramat muzyczny „Wagnerad” był wspaniałym podbojem niemieckiego teatru.W Austrii nie udało się uwieńczyć sukcesem wielokrotnych prób Schuberta na polu teatralnym. Bodźce do poważnej twórczości operowej nie przyczyniły się do powstania teatralnych dzieł „wielkiego stylu”, ale rozkwitły przedstawienia ludowe o charakterze komediowym – śpiew Ferdynanda Raimunda z muzyką Wenzela Müllera i Josepha Drexlera, a później – śpiewnik domowy teatru I. N. Nestroyi (1801-1862) ) W rezultacie to nie dramat muzyczny, ale powstała w latach 70. wiedeńska operetka przesądziła o osiągnięciach austriackiego teatru muzycznego w skali ogólnoeuropejskiej.
Pomimo tych i innych różnic w rozwoju muzyki austriackiej i niemieckiej, wspólne cechy w sztuce romantycznej obu krajów są znacznie bardziej widoczne. Jakie cechy szczególne odróżniały twórczość Schuberta, Webera i ich najbliższych następców – Mendelssohna i Schumanna – od romantycznej muzyki innych krajów europejskich?
Intymne, szczere teksty, podszywane marzycielstwem, są szczególnie charakterystyczne dla Schuberta, Webera, Mendelssohna, Schumanna. W ich muzyce dominuje melodyjna, czysto wokalna melodia, która zwykle kojarzona jest z koncepcją niemieckiego „Kłamstwa”. Styl ten jest równie charakterystyczny dla pieśni i wielu melodyjnych tematów instrumentalnych Schuberta, lirycznych arii operowych Webera, „Pieśni bez słów” Mendelssohna, „Ebzebiańskich” obrazów Schumanna. Melodia tkwiąca w tym stylu różni się jednak od specyficznie włoskich kantylen operowych Belliniego, a także od afektywno-deklamacyjnych zwrotów charakterystycznych dla romantycznych Francuzów (Berlioz, Menerbere).
W porównaniu z postępowym francuskim romantyzmem, wyróżniającym się uniesieniem i skutecznością, pełnym obywatelskiego, heroiczno-rewolucyjnego patosu, romantyzm austriacki i niemiecki wygląda na całość bardziej kontemplacyjną, introspekcyjną, subiektywno-liryczną. Ale jego główna siła tkwi w objawieniu wewnętrznego świata człowieka, w tym głębokim psychologizmie, który szczególnie kompletnie ujawnił się w muzyce austriackiej i niemieckiej, powodując nieodparty wpływ artystyczny wielu utworów muzycznych. Ten. nie wyklucza to jednak indywidualnych żywych przejawów heroizmu, patriotyzmu w twórczości romantyków Austrii i Niemiec. Takimi są potężna heroiczno-epicka symfonia w C-dur Schuberta i niektóre jego pieśni („Do woźnicy Kronosa”, „Grupa z piekła” i inne), cykl chóralny „Lira i miecz” Webera (na podstawie wierszy patriotycznego poety T. Kernera „Etiudy symfoniczne „Schumann, jego pieśń „Dwóch Grenadierów”, wreszcie poszczególne heroiczne strony w takich utworach jak Symfonia Szkocka Mendelssohna (apoteoza w finale), Karnawał Schumanna (finał, jego III symfonia (część I) Ale heroizm planu Beethovena, tytanizm walki odradza się na nowej podstawie później - w heroiczno-epickich dramatach muzycznych Wagnera. często wyrażany w żałosnych, wzburzonych, buntowniczych obrazach, ale nie refleksyjny, jak u Beethovena, celowy, zwycięski proces walki.Takie są piosenki Schuberta "Shelter" i "Atlas", obrazy Schumanna Florestana, jego uwertura "Manfred", uwertura " Rune Blas” Mendelssohna.
Obrazy natury zajmują niezwykle ważne miejsce w twórczości austriackich i niemieckich kompozytorów romantycznych. „Empatyczna” rola obrazów natury jest szczególnie duża w cyklach wokalnych Schuberta oraz w cyklu „Miłość poety” Schumanna. Krajobraz muzyczny jest szeroko rozwinięty w dziełach symfonicznych Mendelssohna; kojarzy się głównie z elementami morskimi („Symfonia Szkocka”, uwertury „Hebrydy-”, „Ciche morze i wesołe żeglowanie”). Ale charakterystyczną niemiecką cechą obrazowania krajobrazu był ów „leśny romans”, tak poetycko ucieleśniony we wstępach Webera do „Magicznej strzelanki” i „Oberona”, w „Nocturn” z muzyki Mendelssohna do komedii Szekspira „Noc letnia”. Śnić". Stąd ciągną się wątki do takich symfonii Brucknera, jak czwarta („Romantyczna”) i siódma, do symfonicznego pejzażu „Szelest lasu” w tetralogii Wagnera, do obrazu lasu w pierwszej symfonii Mahlera.
Romantyczna tęsknota za ideałem znajduje w muzyce niemiecko-austriackiej swoisty wyraz, zwłaszcza w temacie wędrówki, poszukiwania szczęścia w innym, nieznanym kraju. Najwyraźniej widać to w twórczości Schuberta („Wędrowiec”, „Piękna Młynarz”, „Zimowa droga”), a później u Wagnera w obrazach Latającego Holendra, Wotana Podróżnika i wędrującego Zygfryda. . Tradycja ta prowadzi w latach 80. do cyklu „Pieśni podróżującego ucznia” Mahlera.
Duże miejsce poświęcone fantastycznym obrazom jest także typową narodową cechą niemiecko-austriackiego romantyzmu (wywarło to bezpośredni wpływ na francuskiego romantyka Berlioza). To przede wszystkim fantazja o złu, Demonizm, która najpełniej znalazła swoje ucieleśnienie w Sienie w Dolinie Wilka z opery „Magiczny strzelec” Webera, w Wampirze Marschnera, kantacie Noc Walpurgii Mendelssohna i wielu innych utworach. Po drugie, fantazja jest lekka, subtelnie poetycka, łącząca się z pięknymi, entuzjastycznymi obrazami natury: scenami w Oberonie Webera, uwerturą Sen nocy letniej Mendelssohna, a potem obrazem Lohengrina Wagnera, posłańca Graala. Miejsce pośrednie zajmuje tu wiele obrazów Schumanna, w których fantazja uosabia cudowny, dziwaczny początek, bez większego nacisku na problem zła i dobra.
Na polu języka muzycznego romantyzm austriacki i niemiecki stanowił całą epokę, niezmiernie ważną z punktu widzenia ogólnej ewolucji środków wyrazowych w sztuce. Nie zastanawiając się nad oryginalnością stylu każdego głównego kompozytora z osobna, odnotowujemy najczęstsze cechy i trendy.
Powszechnie stosowana zasada „pieśni” – typowego ogólnego nurtu w twórczości kompozytorów romantycznych – rozciąga się na ich muzykę instrumentalną. Osiąga większą indywidualizację melodii poprzez charakterystyczne zestawienie faktycznie pieśni i zwrotów deklamacyjnych, śpiewanie podkładów, chromatyzację itp. Wzbogacony zostaje język harmoniczny: typowe formuły harmoniczne klasyki zostają zastąpione bardziej elastyczną i różnorodną harmonią, wzrasta rola plagalności, boczne kroki trybu. Jego kolorowa strona ma ogromne znaczenie w harmonii. Charakterystyczne jest również stopniowo narastające wzajemne przenikanie się głównych i mniejszych. Tak więc od Schuberta wywodzi się w istocie tradycja zestawień dur-moll o tej samej nazwie (częściej major po minor), ponieważ stała się to ulubioną techniką w jego twórczości. Poszerza się zakres stosowania dur harmonicznej (subdominanty drugorzędne są szczególnie charakterystyczne w kadencjach utworów durowych). W związku z podkreślaniem indywidualności, odsłanianiem subtelnych detali obrazu, pojawiają się także zdobycze w dziedzinie orkiestracji (znaczenie specyficznej barwy, rosnąca rola instrumentów solowych, dbałość o nowe wykonanie uderzeń smyczków itp.). ). Ale sama orkiestra w zasadzie nie zmienia jeszcze swojego klasycznego składu.
Twórcami romantycznego programowania byli w większym stopniu romantycy niemieccy i austriaccy (Berlioz mógł również oprzeć się na ich dokonaniach w Fantastycznej Symfonii). I choć programowanie jako takie, wydawałoby się, nie jest charakterystyczne dla austriackiego romantycznego Schuberta, to jednak nasycenie partii fortepianowej jego pieśni momentami malarskimi, obecność ukrytych elementów programowych obecnych w dramaturgii jego głównych kompozycji instrumentalnych, zdeterminowała znaczący wkład kompozytora w rozwój zasad programowych w muzyce. Wśród niemieckich romantyków podkreśla się już pragnienie programowości zarówno w muzyce fortepianowej (Zaproszenie do tańca, Koncert Webera, cykle suit Schumanna, Pieśni bez słów Mendelssohna), jak i w muzyce symfonicznej (uwertury operowe Webera, uwertury koncertowe, uwertura Mendelssohna „Manfred” Schumanna).
Rola romantyków austriackich i niemieckich w tworzeniu nowych zasad kompozytorskich jest wielka. Cykle sonatowo-symfoniczne klasyków zastępują miniatury instrumentalne; cyklizacja miniatur, wyraźnie rozwinięta w dziedzinie liryki wokalnej przez Schuberta, zostaje przeniesiona do muzyki instrumentalnej (Schumann). Są też duże kompozycje jednoczęściowe, łączące zasady sonaty i cykliczności (fantazja fortepianowa Schuberta w C-dur, "Koncertowe dzieło" Webera, pierwsza część fantazji Schumanna w C-dur). Z kolei cykle sonatowo-symfoniczne u romantyków ulegają znaczącym zmianom, pojawiają się różne rodzaje „romantycznej sonaty”, „romantycznej symfonii”. Jednak głównym osiągnięciem była nowa jakość myślenia muzycznego, która doprowadziła do powstania miniatur o pełnej treści i sile wyrazu – owej szczególnej koncentracji muzycznej ekspresji, która uczyniła osobną pieśń lub jednoczęściowy utwór fortepianowy skupieniem głębokiego pomysły i doświadczenia.
Na czele szybko rozwijającego się romantyzmu austriacko-niemieckiego w pierwszej połowie XIX w. stanęły osoby nie tylko wybitnie uzdolnione, ale także zaawansowane w swoich poglądach i aspiracjach. To zadecydowało o trwałym znaczeniu ich twórczości muzycznej, o znaczeniu „nowej klasyki”, które stało się jasne pod koniec stulecia, kiedy klasykę muzyczną krajów niemieckojęzycznych reprezentowali w istocie nie tylko wielcy kompozytorzy. XVIII wieku i Beethovena, ale także wielkich romantyków - Schuberta, Schumanna, Webera, Mendelssohna. Ci wybitni przedstawiciele muzycznego romantyzmu, głęboko czcząc swoich poprzedników i rozwijając wiele ich dokonań, potrafili jednocześnie odkryć zupełnie nowy świat muzycznych obrazów i odpowiadających im form kompozytorskich. Dominujący ton osobisty w ich twórczości okazał się być zgodny z nastrojami i myślami mas demokratycznych. Potwierdziły w muzyce ten charakter wyrazistości, który B.V. Asafiev trafnie określa mianem „żywej mowy komunikatywnej, od serca do serca” i który łączy Schuberta i Schumanna z Chopinem, Griegiem, Czajkowskim i Verdim. Asafiew pisał o humanistycznej wartości romantycznego nurtu muzycznego: „Świadomość osobista przejawia się nie w izolowanej, dumnej izolacji, ale w pewnego rodzaju artystycznej refleksji nad wszystkim, czym żyją ludzie i co ich zawsze i nieuchronnie martwi. W takiej prostocie brzmią niezmiennie piękne myśli i myśli o życiu - koncentracja tego, co najlepsze w człowieku.
W epoce romantyzmu muzyka zajmowała nadrzędne miejsce w systemie sztuk. Wynika to z jego specyfiki, która pozwala najpełniej oddać przeżycia emocjonalne przy pomocy całego arsenału środków wyrazu.
Romantyzm w muzyce pojawia się w XIX wieku w twórczości F. Schuberta, E. Hoffmanna, N. Paganiniego, K.M. Webera, G. Rossiniego. Nieco później ten styl znalazł odzwierciedlenie w twórczości F. Mendelssohna, F. Chopina, R. Schumanna, F. Liszta, G. Verdiego i innych kompozytorów.
Romantyzm powstał w Europie na początku XIX wieku. Stał się rodzajem sprzeciwu wobec klasycyzmu. Romantyzm pozwolił słuchaczowi przeniknąć do magicznego świata legend, pieśni i opowieści. Naczelną zasadą tego nurtu jest opozycja (marzenia i codzienność, idealny świat i codzienność), kreowana przez twórczą wyobraźnię kompozytora. Ten styl był popularny wśród kreatywnych ludzi do lat czterdziestych XIX wieku.
Romantyzm w muzyce odzwierciedla problemy współczesnego człowieka, jego konflikt ze światem zewnętrznym i jego samotność. Tematy te stają się centralne w twórczości kompozytorów. Będąc uzdolnionym w przeciwieństwie do innych, osoba stale czuje się niezrozumiana przez innych. Jego talent i staje się przyczyną samotności. Dlatego ulubionymi bohaterami romantycznych kompozytorów są poeci, muzycy i artyści (R. Schumann „Miłość poety”; Berlioz to podtytuł „Epizod z życia artysty” do „Fantastycznej symfonii” itp.) .
Przekazując świat wewnętrznych przeżyć człowieka, romantyzm w muzyce często nosi w sobie nutę autobiografii, szczerości i liryzmu. Szeroko wykorzystywane są tematy miłości i namiętności. Na przykład słynny kompozytor R. Schumann zadedykował wiele utworów fortepianowych swojej ukochanej Klarze Wieck.
Temat natury jest również dość powszechny w twórczości romantyków. Kompozytorzy często przeciwstawiają go stanowi umysłu człowieka, zabarwiając go odcieniami dysharmonii.
Temat fantazji stał się prawdziwym odkryciem romantyków. Aktywnie pracują nad tworzeniem baśniowych bohaterów i przekazywaniem ich wizerunków poprzez różne elementy języka muzycznego ("Czarodziejski flet" Mozarta - Królowa Nocy).
Często romantyzm w muzyce nawiązuje także do sztuki ludowej. Kompozytorzy wykorzystują w swoich utworach różnorodne elementy folkloru (rytmy, intonacje, dawne tonacje), zaczerpnięte z pieśni i ballad. Pozwala to na znaczne wzbogacenie treści przedstawień muzycznych.
Użycie nowych obrazów i tematów wymusiło poszukiwanie odpowiednich form, przez co w utworach romantycznych pojawiają się intonacje mowy, naturalne tony, opozycje różnych tonacji, partie solowe (głosy).
Romantyzm w muzyce ucieleśniał ideę syntezy sztuk. Przykładem tego są utwory programowe Schumanna, Berlioza, Liszta i innych kompozytorów (symfonia „Harold we Włoszech”, wiersz „Preludia”, cykl „Lata tułaczki” itp.).
Rosyjski romantyzm znalazł żywe odzwierciedlenie w pracach M. Glinki, N. Rimskiego-Korsakowa, A. Borodina, C. Cui, M. Bałakiriewa, P. Czajkowskiego i innych.
W swoich pracach A. Dargomyzhsky przekazuje wieloaspektowe obrazy psychologiczne („Syrenka”, romanse). W operze Iwan Susanin M. Glinka maluje obrazy z życia zwykłego narodu rosyjskiego. Słusznie za szczyt uważa się dzieła kompozytorów słynnego „Potężnej garści”. Posługują się wyrazistymi środkami i charakterystycznymi intonacjami tkwiącymi w rosyjskich pieśniach ludowych, muzyce codziennej i mowie potocznej.
Następnie styl ten stosowali również A. Skriabin (preludium „Sny”, wiersz „Do płomienia”) i S. Rachmaninow (szkice-obrazy, opera „Aleko”, kantata „Wiosna”).
Romantyczny światopogląd charakteryzuje się ostrym konfliktem między rzeczywistością a marzeniami. Rzeczywistość jest niska i bezduszna, przesiąknięta duchem filistynizmu, filistynizmu i zasługuje jedynie na zaprzeczenie. Sen to coś pięknego, doskonałego, ale nieosiągalnego i niezrozumiałego dla umysłu.
Romantyzm przeciwstawił prozę życia pięknej sferze ducha, „życiu serca”. Romantycy wierzyli, że uczucia stanowią głębszą warstwę duszy niż umysł. Według Wagnera „artysta odwołuje się do uczucia, a nie do rozumu”. A Schumann powiedział: „umysł się myli, uczucia – nigdy”. Nieprzypadkowo muzykę uznano za idealną formę sztuki, która ze względu na swoją specyfikę najpełniej wyraża ruchy duszy. To właśnie muzyka epoki romantyzmu zajęła czołowe miejsce w systemie sztuk.
Jeśli w literaturze i malarstwie kierunek romantyczny w zasadzie kończy swój rozwój do połowy XIX wieku, to życie muzycznego romantyzmu w Europie jest znacznie dłuższe. Muzyczny romantyzm jako nurt pojawił się na początku XIX wieku i rozwinął się w ścisłym związku z różnymi nurtami w literaturze, malarstwie i teatrze. Początkowy etap muzycznego romantyzmu reprezentuje twórczość F. Schuberta, E. T. A. Hoffmanna, K. M. Webera, G. Rossiniego; kolejny etap (1830-50) - twórczość F. Chopina, R. Schumanna, F. Mendelssohna, G. Berlioza, F. Liszta, R. Wagnera, J. Verdiego.
Późny etap romantyzmu trwa do końca XIX wieku.
Problem osobowości zostaje przedstawiony jako główny problem muzyki romantycznej, aw nowym świetle - w jej konflikcie ze światem zewnętrznym. Bohater romantyczny jest zawsze samotny. Temat samotności jest chyba najbardziej popularny w całej sztuce romantycznej. Bardzo często kojarzy się z nim idea osoby kreatywnej: człowiek jest samotny, gdy jest właśnie osobą wybitną, uzdolnioną. Artysta, poeta, muzyk to ulubione postacie w twórczości romantyków („Miłość poety” Schumanna, „Fantastyczna Symfonia” Berlioza z podtytułem „Epizod z życia artysty”, poemat symfoniczny Liszta „Tasso ”).
Głębokie zainteresowanie ludzką osobowością tkwiące w muzyce romantycznej wyrażało się w przewadze osobistego tonu. Odkrycie osobistego dramatu często nabierało wśród romantyków nutki autobiografii, co wnosiło do muzyki szczególną szczerość. I tak na przykład wiele utworów fortepianowych Schumanna związanych jest z historią jego miłości do Clary Wieck. Autobiograficzny charakter jego oper mocno podkreślał Wagner.
Dbałość o uczucia prowadzi do zmiany gatunkowej – dominującą pozycję zajmują teksty, w których dominują obrazy miłości.
Temat natury bardzo często przeplata się z tematem „spowiedzi lirycznej”. Rezonując ze stanem umysłu człowieka, jest zwykle zabarwiony poczuciem dysharmonii. Rozwój symfonii gatunkowej i liryczno-epickiej jest ściśle związany z obrazami natury (jednym z pierwszych utworów jest „wielka” symfonia Schuberta w C-dur).
Prawdziwym odkryciem kompozytorów romantycznych był temat fantasy. Muzyka po raz pierwszy nauczyła się urzeczywistniać bajecznie-fantastyczne obrazy za pomocą czysto muzycznych środków. W operach z XVII i XVIII wieku „nieziemskie” postacie (takie jak Królowa Nocy z „Czarodziejskiego fletu”) Mozarta mówiły „powszechnie przyjętym” językiem muzycznym, niewiele odstając od tła prawdziwych ludzi. Kompozytorzy romantyczni nauczyli się przekazywać świat fantasy jako coś zupełnie konkretnego (za pomocą niezwykłych barw orkiestrowych i harmonicznych).
Zainteresowanie sztuką ludową jest bardzo charakterystyczne dla muzycznego romantyzmu. Podobnie jak poeci romantyczni, którzy kosztem folkloru wzbogacili i unowocześnili język literacki, muzycy szeroko zwrócili się w stronę folkloru narodowego – pieśni ludowych, ballad, eposów. Pod wpływem folkloru treść muzyki europejskiej diametralnie się zmieniła.
Najważniejszym momentem w estetyce muzycznego romantyzmu była idea syntezy sztuk, która najpełniej znalazła swój wyraz w twórczości operowej Wagnera oraz w muzyce programowej Berlioza, Schumanna i Liszta.
Hektora Berlioza. "Fantastyczna symfonia" - 1. Marzenia, pasje...
Robert Schumann – „W blasku…”, „Spotykam spojrzenie…”
Z cyklu wokalnego „Miłość poety”
Robert Schumann Heinrich Heine „W blasku ciepłych majowych dni”
Robert Schumann - Heinrich "Spotykam spojrzenie twoich oczu"
Roberta Schumanna. „Fantastyczne sztuki”.
Schumann Fantasiestucke, op. 12 część 1: nie. 1 Des Abend i nie. 2 Pochylenie
Arkusz. Poemat symfoniczny „Orfeusz”
Fryderyk Chopin - Preludium nr 4 e-moll
Fryderyk Chopin - Nokturn nr 20 cis-moll
Schubert utorował drogę wielu nowym gatunkom muzycznym - impromptu, momentom muzycznym, cyklom pieśni, symfonii liryczno-dramatycznej. Ale w jakimkolwiek gatunku pisze Schubert - tradycyjnym lub stworzonym przez niego - wszędzie pojawia się jako kompozytor nowej epoki, epoki romantyzmu.
Wiele cech stylu noworomantycznego rozwinęło się wówczas w twórczości Schumanna, Chopina, Liszta, kompozytorów rosyjskich drugiej połowy XIX wieku.
Franciszka Schuberta. Symfonia C-dur
Franciszka Liszta. „Sny o miłości”
Webera. Chór myśliwych z opery „Free Shooter”
Franciszka Schuberta. Zaimprowizowane #3
Tekst jest kompilowany z różnych stron. Opracowany przez:Ninel Nick
Pod koniec XVIII - na początku XIX wieku pojawił się taki ruch artystyczny jak romantyzm. W tej epoce ludzie marzyli o idealnym świecie i „uciekają” w fantazję. Ten styl znalazł swoje najbardziej żywe i figuratywne ucieleśnienie w muzyce. Wśród przedstawicieli romantyzmu tacy kompozytorzy XIX wieku jak Carl Weber,
Robert Schumann, Franz Schubert, Franciszek Liszt i Ryszard Wagner.
Franciszek Liszt
Przyszłość narodziła się w rodzinie wiolonczelisty. Jego ojciec uczył go muzyki od najmłodszych lat. Jako dziecko śpiewał w chórze i uczył się gry na organach. Kiedy Franz miał 12 lat, jego rodzina przeniosła się do Paryża, aby chłopiec mógł uczyć się muzyki. Nie został przyjęty do konserwatorium, jednak od 14 roku życia tworzy szkice. Taki wiek XIX jak Berlioz, Paganini, wywarł na niego wielki wpływ.
Paganini stał się prawdziwym idolem Liszta, który postanowił doskonalić swoje umiejętności pianistyczne. Działalności koncertowej lat 1839-1847 towarzyszył błyskotliwy triumf. W tych latach Ferenc stworzył słynną kolekcję sztuk „Lata wędrówek”. Wirtuoz gry na fortepianie i ulubieniec publiczności stał się prawdziwym ucieleśnieniem epoki.
Franciszek Liszt komponował muzykę, napisał kilka książek, nauczał i prowadził otwarte lekcje. Przybywali do niego XIX-wieczni kompozytorzy z całej Europy. Można powiedzieć, że prawie całe życie zajmował się muzyką, bo pracował przez 60 lat. Do dziś jego talent muzyczny i umiejętności są wzorem dla współczesnych pianistów.
Ryszard Wagner
Geniusz stworzył muzykę, która nie mogła pozostawić nikogo obojętnym. Miała zarówno wielbicieli, jak i zaciekłych przeciwników. Wagner od dzieciństwa był zafascynowany teatrem iw wieku 15 lat postanowił stworzyć tragedię muzyką. W wieku 16 lat przywiózł swoje kompozycje do Paryża.
Przez 3 lata na próżno próbował wystawić operę, ale nikt nie chciał mieć do czynienia z nieznanym muzykiem. Tacy popularni kompozytorzy XIX wieku, jak Franz Liszt i Berlioz, których poznał w Paryżu, nie przynoszą mu szczęścia. Jest w biedzie i nikt nie chce wspierać jego muzycznych pomysłów.
Po porażce we Francji kompozytor wraca do Drezna, gdzie rozpoczyna pracę jako dyrygent w teatrze dworskim. W 1848 wyemigrował do Szwajcarii, gdyż po udziale w powstaniu został uznany za przestępcę. Wagner był świadomy niedoskonałości społeczeństwa burżuazyjnego i zależnej pozycji artysty.
W 1859 śpiewał o miłości w operze Tristan i Izolda. U Parsifala uniwersalne braterstwo zostało przedstawione w sposób utopijny. Zło zostaje pokonane, a sprawiedliwość i mądrość wygrywają. Wszyscy wielcy kompozytorzy XIX wieku byli pod wpływem muzyki Wagnera i uczyli się z jego twórczości.
W XIX wieku w Rosji powstała narodowa szkoła kompozytorska i wykonawcza. W muzyce rosyjskiej są dwa okresy: wczesny romantyzm i klasyka. Pierwsza obejmuje takich rosyjskich kompozytorów XIX wieku jak A. Varlamov, A. Verstovsky, A. Gurilev.
Michaił Glinka
Michaił Glinka założył w naszym kraju szkołę kompozytorską. Rosyjski duch jest obecny we wszystkich jego słynnych operach, takich jak „Rusłan i Ludmiła”, „Życie dla cara” są przesiąknięte patriotyzmem. Glinka podsumowała charakterystyczne cechy muzyki ludowej, wykorzystując dawne melodie i rytmy muzyki ludowej. Kompozytor był także innowatorem dramaturgii muzycznej. Jego praca to rozwój kultury narodowej.
Rosyjscy kompozytorzy dali światu wiele wspaniałych dzieł, które do dziś podbijają serca ludzi. Wśród genialnych rosyjskich kompozytorów XIX wieku uwieczniono takie nazwiska jak M. Balakirev, A. Glazunov, M. Musorgsky, N. Rimsky-Korsakov, P. Czajkowski.
Muzyka klasyczna żywo i zmysłowo odzwierciedla wewnętrzny świat człowieka. Ścisły racjonalizm został zastąpiony romansem XIX wieku.
