G. Lomakin(1811-1885). Sława utalentowanego nauczyciela śpiewu dotarła do Lomakina wcześnie i szybko się rozprzestrzeniła północna stolica. Został zaproszony do nauczania w wielu placówki edukacyjne: korpus kadetów, marynarki wojennej i paź, do liceum, szkoły teatralnej, szkoły prawniczej (gdzie studiował w tym czasie P.I. Czajkowski). W tej szkole spotkał się G.Ya. Lomakin z krytykiem sztuki V.V. Stasow. Wybitny krytyk rosyjski wielokrotnie zwracał uwagę na „doskonałą szkołę”, „właściwą ścieżkę nauki”, „wrodzony talent”, „znaczenie i umiejętność prowadzenia chóru”, które odegrały znaczącą rolę w karierze naszego rodaka. W 1862 r. wraz z słynny kompozytor MAMA. Balakirev, Lomakin zorganizował darmową szkołę muzyczną - aby oświecić i edukować ludzi. W szkole G.Ya. Lomakin nie tylko stworzył wspaniały nowy chór, ale także zorganizował kształcenie przyszłych nauczycieli muzyki. Wielu z jego uczniów zostało znani muzycy: śpiewacy, dyrygenci chóralni, nauczyciele. Ostatnie lata Gavriil Yakimovich poświęcił swoje życie komponowaniu: wcześniej komponował muzykę tylko z przerwami, w krótkich godzinach przerw między zajęciami z chórami. W tym okresie stworzył szereg kompozycji na chór, napisał kilka romansów. A w 1883 roku, kiedy mgr inż. Balakirev, Lomakin również otrzymał rzadką okazję do opublikowania swoich prac. Poświęcił ostatnie dni swojego życia na ich weryfikację i redagowanie arkuszy próbnych.

A. Archangielski (1846-1924)

Kaplica dworska.

Chór Niezależny (1880).

Kaplica hrabiego Szeremietiewa.

CV Smoleński (1848-1909)

Dyrektor Szkoły Synodalnej (1889-1901).

Dyrektor chóru dworskiego (1901-1903).

Dyrektor prywatnych kursów regencyjnych (St. Petersburg)

VS. Orłow (1856-1907).

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1878-1886).

Kaplica Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1882-1888).

Regent Chóru Synodalnego (1886-1907).

Aleksander Dmitriewicz Kastalski (1856-1926).

Chór synodalny (regent od 1901).

Paweł Grigoriewicz Czesnokow (1877-1944).

Prywatny chór duchowy A.P. Kajutowa.

Chór Rosyjskiego Towarzystwa Chóralnego (1916-1917).

Regent cerkwi moskiewskich.

Nikołaj Michajłowicz Danilin (1856-1945).

Chór synodalny (1910-1918).

Prywatny chór Kayutov (1915-1917).

Leningradzka Kaplica Akademicka.

Chór Państwowy ZSRR.

Swiesznikow Aleksander Wasiliewicz(1890-1980), dyrygent chóru, Artysta narodowy ZSRR (1956), Bohater Socjalistyczna praca(1970). W latach 1936-37 dyrektor artystyczny Chór Państwowy ZSRR, zorganizowany na bazie utworzonego przez niego w 1928 Ogólnounijnego Radiowego Zespołu Wokalnego; w latach 1937-1941 - Leningrad. kaplice; od 1941 - Państwowy Rosyjski Chór Pieśni (później Państwowy Akademicki Chór Rosji ZSRR). Organizator (1944) i dyrektor Moskwy. szkoła chóralna (od 1991 Akademia Sztuki Chóralnej im. S.). Profesor (od 1946), rektor (1948-74) Moskwa. konserwatorium. Nagroda Państwowa ZSRR (1946).

JURLOW Aleksander Aleksandrowicz (1927-73), dyrygent chóralny, Artysta Ludowy RSFSR (1970), Azerbejdżan. SSR (1972). Uczeń A.V. Swiesznikow. Od 1958 dyrektor artystyczny i główny dyrygent Rep. Rosyjski kaplica chóru(od 1973 jego nazwisko). Profesor Pedagogiki Muzycznej. instytut. Gnezyny (od 1970). Nagroda Państwowa ZSRR (1967).

Tevlin Boris Grigorievich dyrygent chóru, profesor (1981), kierownik katedry dyrygentura chóralna Konserwatorium Moskiewskie im. P. I. Czajkowskiego (1993-2007). Artysta Ludowy Federacji Rosyjskiej (1995).

Kazaczkow Siemion Abramowicz (1909-2005) – pedagog, profesor, kierownik katedry dyrygentury chóralnej w Państwowym Konserwatorium Kazańskim.

Mini Władimir Nikołajewicz (ur. 1929), dyrygent chórów, Artysta Ludowy ZSRR (1988). Uczeń V.G. Sokolova, A.V. Swiesznikow. Od 1972 ręce. założona przez niego Moskwa. chór kameralny, od 1987 roku (w tym samym czasie) dyrektor artystyczny Państwa. Rosyjski chór. Od 1978 profesor (w latach 1971-79 rektor) Musical-ped. instytut. Gnezyny. Nagroda Państwowa ZSRR (1982).

Dmitriak Giennadij Aleksandrowicz - dyrygent chóralny, operowy i symfoniczny, Czczony Artysta Rosji, dyrektor artystyczny i główny dyrygent Państwowego Chóru Akademickiego Rosji im. A.A. Jurłow i Capella „Kreml moskiewski”, docent Wydziału Dyrygentury Chóralnej Rosyjskiej Akademii Muzycznej. Gnesinik.

Wymagania dla dyrygenta chóru

Doskonała znajomość techniki dyrygenckiej;

Umiejętność prawidłowego rozmieszczenia członków chóru w częściach zgodnie z ich śpiewający głos i zasięg;

Z łatwością poruszaj się po całej gamie utworów muzycznych różnych stylów, epok, kierunków, poznaj teoretyczne podstawy nagrywania i czytania partytury chóralne;

mieć cienkie ucho do muzyki, poczucie rytmu i rozwinięty gust artystyczny.

Gatunki muzyka chóralna

VILLANELLA(włoska pieśń wiejska) – pieśń włoska XV-XVI w., głównie 3-głosowa, z par al. ruch głosów, żywy charakter, treść liryczna lub humorystyczna.

KANON(norma grecka, zasada) - polifoniczny. musical. na podstawie formularza. na ścisłej ciągłej, imitacji, pod którą. głosy powtarzają melodię głosu wiodącego, wchodząc przed jego zakończeniem z poprzednim. Kanon wyróżnia liczba głosów, odstępy między nimi (kanon w prima, kwincie, oktawie itp.), liczba tematów imitowanych jednocześnie (kanon prosty; podwójny, na przykład w nr 4 Requiem Mozarta, itd.), forma naśladownictwa (kanon wzrasta, maleje). W tak zwanym kanonie nieskończonym koniec melodii przechodzi w jej początek, więc głosy mogą wchodzić wielokrotnie. W kanonie ze „wskaźnikiem zmiennym” (Vl. Protopopov) podczas imitacji zachowany jest wzór melodyczny i rytm, ale zmienia się interwał. Imitacja kanoniczna, w takiej czy innej formie, jest często używana w chórze. op.; są sztuki napisane w formie K. („Echo” O. Lasso, „Pieśń skowronka” F. Mendelssohna, arr. N.A. Rimsky-Korsakov „Chodzę z mokasynem” itp.).

KANT(od lat, cantus - śpiew, pieśń) - rodzaj starej pieśni chóralnej lub zespołowej czapka. Powstał w XVI wieku. w Polsce, później - na Ukrainie, od 2 płci. XVII wiek - w Rosji, rozpowszechniony jako wczesny rodzaj pieśni miejskiej; do początku XVIII wiek - ulubiony gatunek muzyki domowej, codziennej. Z początku pieśń jest hymnem-pieśnią o treści religijnej, później przesycona jest motywami świeckimi; pojawiają się krawędzie. liryczne, duszpasterskie, pijackie, komiczne, marszowe itp. W epoce Piotra Wielkiego kanty panegiryczne, tzw. wiwat; wykonywane przez chóry śpiewaków podczas uroczystości i procesji triumfalnych, przy akompaniamencie ognia armatniego, fanfar i bicia dzwonów. Znaki stylu kanta: forma kupletowa, podporządkowanie rytmu muzycznego poetyce; klarowność rytmiczna i gładkość melodii; głównie 3-głosowa hurtownia z równoległym ruchem 2 wyższych głosów, bas jest często rozwijany melodycznie; jest też imitacja. W kancie występuje naturalna korelacja melodii i harmonii, równowagi funkcje harmoniczne- subdominanty, dominanty, toniki. B. Asafjew ​​zwraca uwagę, że „w ewolucji muzyki drugiej połowy XVIII wieku i początek XIX w. obrzeże staje się rodzajem krótka encyklopedia triumfalny styl homofoniczny” („ forma muzyczna jako proces”, L., 1963, s. 288). Kanty były rozpowszechniane w zbiorach rękopiśmiennych, bez wskazywania autorów tekstu i muzyki, chociaż często używano wierszy współczesnych poetów Trediakowskiego, Łomonosowa, Sumarokowa i innych. nar. piosenki. Stopniowo obrzeże stawało się bardziej skomplikowane, nabierając cech romansu. Później (w XIX w.) na podstawie kantu powstawały pieśni żołnierskie, pijackie, studenckie, a częściowo rewolucyjne. Wpływ Kanta odnajdujemy także w języku rosyjskim. muzyka klasyczna, Glinki („Chwała” z opery „Iwan Susanin”) itp.

KANTATA(włoski cantare - śpiewać) - utwór na śpiewaków-solistów, chór i orkiestrę, o charakterze uroczystym lub liryczno-epickim. Kantaty mogą być chóralne (bez solistów), kameralne (bez chóru), z towarzyszeniem fortepianu lub bez, jednoczęściowe lub składać się z kilku pełnych numerów. Od oratorium (podobnego do niego pod względem środków wyrazu) kantata różni się zwykle mniejszym rozmiarem, jednolitością treści i mniej rozwiniętą fabułą. Kantata powstała we Włoszech (XVII w.), początkowo jako utwór do śpiewu (w przeciwieństwie do sonaty). Oznacza to, że kantata zajmuje swoje miejsce w twórczości J.S. Bacha, który pisał kantaty o tematyce duchowej, mitologicznej i codziennej. W Rosji kantata zamanifestowała się w XVIII w., a swój rozwój osiągnęła w XIX i XX w.: solowa kantata teatralna („Czarny szal” Wierstowskiego), pozdrowienia, rocznice, liryczne, liryczno-filozoficzne kantaty („Pieśni pożegnalne”). uczniów instytutów Katarzyny i Smolnego” Glinki ; „Moskwa”, „Do radości” Czajkowskiego; „Świtezianka” Rimskiego-Korsakowa; „Jan z Damaszku”, „Po przeczytaniu Psalmu” Tanejewa; „Wiosna ", "Dzwony" Rachmaninowa; "Kantata na otwarcie pomnika Glinki" Bałakiriewa itp. d.).

Gatunek kantat rozwinął się w kreatywności kompozytorzy radzieccy, zwłaszcza w pismach o tematyce historycznej, patriotycznej i nowoczesny motyw(„Aleksander Newski” Prokofiewa, Symfonia-kantata „Na polu Kulikovo” Shaporina, „Kantata o ojczyźnie” Arutyuniana itp.). Nowoczesny niemiecki kompozytor K. Orff pisał kantaty sceniczne (Carmina Burana i in.).

MADRYGAŁ(Włoski) -piosenka liryczna w ojczystym języku. (w przeciwieństwie do pieśni w łac.), pierwotnie monofoniczny. W epoce wczesny renesans(XIV w.) wykonywany był w 2-3 głosach. W epoce późny renesans(XVI w.) zajmował centrum, miejsce w muzyce świeckiej, reprezentując jednoczęściową lub wieloczęściową kompozycję wokalną magazynu polifonicznego na 4-5 głosów; był dystrybuowany poza Włochami. Gatunek madrygałów jest przeważnie liryczny, ściśle związany z tekstem poetyckim (aż do ilustracji poszczególnych słów). Tworzący się w kręgach arystokratycznych madrygał melodyczny (w przeciwieństwie do frotolli, villanelli, chanson itp.) daleki jest od muzyki ludowej, często zbyt wyrafinowanej; jednocześnie miała też znaczenie progresywne, poszerzające zakres obrazów i środków wyrazu. Prostszy, kojarzony z folklorem, emocjonalny madrygał angielski z XVI-XVII wieku. (T. Morley, D. Dowland, D. Wilby). Do XVII wieku madrygał odchodzi od stylu wokalno-polifonicznego, podkreślając głos solowy z akompaniamentem instrumentalnym. Wybitnymi mistrzami madrygału (na różnych etapach jego rozwoju) byli Arkadelt, Villart, A. Gabrieli, Palestrina, Marenzio, Gesualdo, Monteverdi.

MOTET(z francuskiego mot - słowo) - gatunek wokalny. polifoniczny. muzyka. Początkowo we Francji (12-14 w.) kilka łączono w motecie. (najczęściej 3) samodzielne melodie z różnymi tekstami: w dolnym głosie (tenor) - cerkiew. chorał w tekście łacińskim, w środku (motet) i górnym (triplum) - pieśni miłosne lub komiczne w języku potocznym Francuski. Kościół katolicki zwalczał takie „wulgarne motety”, przeciwstawiając je (z XV w.) polifonicznymi hymnami jednemu tekstowi łacińskiemu. Madrygały zostały napisane na chór w czapce. (z końca XVI w. iz akompaniamentem), składał się z kilku (2, 3 lub więcej) odcinków, w formie polifonicznej, często w składzie akordowym. W XVII wieku były motety dla śpiewaków solowych z towarzyszeniem instrumentalnym.

CHÓR OPEROWY- jeden z głównych elementów współczesnego spektaklu operowego. W związku z epoką, gatunkiem, indywidualnością kompozytora chór w operze pełni inną rolę niż tworzenie rodzimego tła, elementu zdobniczego, uczestnika prologu, przerywników do ch. osoba działająca. W operze seria („opera poważna”, XVII–XVIII w.) chór był prawie nieobecny, w operze buffa („opera komiczna”, XVIII w.) pojawiał się sporadycznie (np. w finale). Wzmocniona została rola chóru jako nośnika wizerunku ludu w operach Glucka i Cherubiniego, choć często jest to chór. sceny w nich mają charakter oratoryjno-statyczny. Większe znaczenie dramatyczne przypisywano chórowi w operach zachodnioeuropejskich pierwszej tercji XIX w. Rossiniego (William Tell), Verdiego (Nabucco, Bitwa pod Legnano), z ich wizerunkami bohaterskiego ludu; w operze Meyerbeera udział chóru podkreśla dramatyczne kulminacje, w lirycznej operze XIX wieku. chór przyczynia się do stworzenia odpowiedniej atmosfery, barwy narodowej, nastroju (op. Bizet, Verdi, Gounod); w operze ludowo-domowej chóry mają charakter rodzajowy, bliski ludowej pieśni, tańcowi (op. Moniuszko, Smetana). Rus. świecką sztukę chóralną najpierw reprezentowały chóry operowe (XVIII w., op. Fomin, Paszkiewicz i in.); i w dalsze chóry zajmują duże miejsce w języku rosyjskim. opery, będące „podstawowym dogmatem i afirmacją narodowości i demokracji” (B. Asafiev). Twórczość operowa i chóralna Rus. kompozytorów jest wyjątkowo zróżnicowana.

W operach historyczno-patriotycznych („Iwan Susanin” Glinki, „Książę Igor” Borodina, „Służąca z Pskowa” Rimskiego-Korsakowa itp.) chór staje się głównym aktor wraz z bohaterami. Szczególnie ( bardzo ważne kupił chór dramaty z muzyką ludową Musorgski („Boris Godunov”, „Khovanshchina”), gdzie obraz ludu jest prezentowany na wiele sposobów, w rozwoju. W rosyjskich operach codziennych Wierstowskiego („Grób Askolda”), Dargomyżskiego („Syrenka”), Sierowa („Wroga siła”), Czajkowskiego („Czerewiczki”, „Czarodziejka”) itp. istnieje ścisły związek z Piosenka ludowa. Tożsamość narodową odzwierciedlają sceny chóralne oper o tematyce orientalnej (Rusłan i Ludmiła Glinki, Demon Rubinsteina, Książę Igor Borodina itp.). W przedstawieniu baśniowych, fantastycznych wątków stosuje się środki chóralne (op. Glinka, Wierstowski, Rimski-Korsakow). Chór jest również wykorzystywany w planie oratorskim, najczęściej w prologu, epilogu (opery Glinki, Sierowa, Rubinsteina, Borodina itp., w wykonywaniu hymnów itp. („Służebnica orleańska” Czajkowskiego, „Chowanszczina Musorgskiego itp.). Tradycje aktywnego udziału chóru w rosyjskiej operze klasycznej są kontynuowane w ZSRR muzyczna kreatywność: opery rosyjskich kompozytorów radzieckich „Wojna i pokój”, „Siemion Kotko” Prokofiewa, „Dekabryści” Szaporina, „Katerina Izmaiłowa” Szostakowicza, „Emelyan Pugachev” Kovala, „ Cichy Don” i „Virgin Soil Upturned” Dzierżyńskiego, „Październik” Muradeli, „Virineya” Słonimskiego i innych, wiele opery narodowe zawierają oddzielne chóry i rozbudowane sceny chóralne. Chór operowy ma swoją specyfikę wykonawczą: to przede wszystkim wielka jasność, wypukłość niuansów (podobnie jak w dekoracyjnym projekcie), akcentowanie tekstu, jego umiejętność „przelatywania przez orkiestrę” w audytorium. Ponieważ chór operowy jest często w ruchu, konieczne jest szczególne zaufanie i niezależność każdego z jego członków. Aby rozwinąć te cechy, w niektórych grupach śpiewacy uczą się wyczucia czasu podczas studiowania swoich partii. Obecność mise-en-scens, w których chór nie widzi dyrygenta, wymusza tzw. audycje (tempo dyrygenta) prowadzone zza kulis przez chórmistrzów; jednocześnie, aby osiągnąć synchronizację wykonania, wprowadza się pewne prowadzenie do „punktów” dyrygenta (mniej lub bardziej, w zależności od głębokości chóru).

ORATORIUM(od lat, wow - mówię, modlę się) - duży utwór muzyczny dla chóru, solistów, orków.; komp. z zespoły wokalne, arie, recytatywy, uzupełnione numery orkiestrowe. Oratorium powstało we Włoszech, na przełomie XVI-XVII wieku, niemal równocześnie z kantatą i operą i jest im bliskie w strukturze. Różni się od kantaty większym rozmiarem, szczegółową fabułą, epicko-dramatycznym charakterem, a od opery przewagą elementu narracyjnego nad dramatycznym przetworzeniem. Oratorium rozwinęło się z udramatyzowanych jutrzni (pieśni laudacyjnych duchowych) wykonywanych w specjalnych salach kościoła - oratoriach. Szczególnym typem oratorium jest Pasja; pod względem struktury i typu oratorium obejmuje także mszę, requiem, Stabat Mater itp. Gatunek oratorium osiąga szczyt w twórczości Bacha, a zwłaszcza Haendla, który stworzył typ oratorium heroiczno-epickiego; Oratoria Haydna odznaczają się cechami gatunkowo-domowymi i liryczno-filozoficznymi. W 19-stym wieku szturchać. Gatunek oratoryjny został stworzony przez Mendelssohna, Schumanna, Berlioza, Brahmsa, Dvoraka, Liszta, Verdiego i innych w XX wieku. - Honegger, Britten i inni Pierwszy oznacza rosyjskie oratorium „Minin i Pożarski” Degtyareva; szereg oratoriów stworzył A. Rubinstein („pandemonium babilońskie”, „Raj utracony” itp.). Opery rosyjskiej klasyki szeroko wykorzystują techniki stylu oratoryjnego w postaci dużych scen chóralnych (Iwan Susanin, Rusłan i Ludmiła Glinki, Judyta Sierowa, Książę Igor Borodina, Sadko Rimskiego-Korsakowa itp.). Gatunek oratorium jest szeroko stosowany przez kompozytorów sowieckich, ucieleśniając wątki historyczne i współczesne („Emelyan Pugachev” Kovala, „Legenda bitwy o ziemię rosyjską” Shaporina, „Pieśń lasów” Szostakowicza, „Na straży” dla pokoju” Prokofiewa, „Requiem” Kabalewskiego, „Mahoń” Zarina i inni).

UTWÓR MUZYCZNY- najprostsza i najczęstsza forma muzyka wokalna, który łączy obraz poetycki z muzycznym. Charakterystyczne dla utworu jest obecność kompletnej, samodzielnej, melodyjnej melodii, prostota konstrukcji (najczęściej okres lub forma 2, 3 częściowa). Muzyka pieśni odpowiada ogólnej treści tekstu, bez uszczegóławiania jej (na przykład w bardzo popularnej piosence dwuwierszowej). Istnieją pieśni ludowe i profesjonalne (produkowane przez kompozytorów), które różnią się gatunkiem, pochodzeniem, strukturą itp. Gatunek pieśni chóralnej jest powszechny: Piosenka ludowa(chłopsko-miejskiej), sowiecka pieśń masowa, wyd. chóry kompozytorów rosyjskich i radzieckich. W muzyce zachodnioeuropejskiej pieśń chóralną kultywowali kompozytorzy romantyczni (Weber, Schubert, Mendelssohn, Schumann, Brahms). W przenośni termin pieśń. lub pieśń (dla podkreślenia epickiej, uroczystej, poetyckiej wzniosłości dzieła) używane są w tytule najważniejszych dzieł muzycznych, kantat (np. Pieśń o losie Brahmsa, Pieśń o triumfie).

CHÓRALNY- śpiew religijny w kościołach katolickich i protestanckich. Protestancki chorał polifoniczny (wprowadzony w XVI w. przez przywódców reformacji) wykonywany był przez całą gminę na Niemiecki(w przeciwieństwie do unisono chorału gregoriańskiego, śpiewanego po łacinie przez specjalnych śpiewaków męskich). Melodie chorału wyróżniają siedzący rytm. Magazyn chóralny (lub po prostu chorał) jest zwykle nazywany. prezentacja akordów przez jednolite czasy trwania w zwolnionym tempie.

Cykl programów koncertowych(Rosja, 2010). 10 numerów.

We współczesnym świecie nie ma bardziej autorytatywnych postaci kultura muzyczna niż przedstawiciele światowej elity dyrygenckiej. Twórcy cyklu wybrali dziesięć znaczących nazwisk – Simon Rattle, Lorin Maazel, Daniel Barenboim, Maris Jansons, a także ich słynne rosyjscy koledzy,. Dziś są powszechnie uznanymi mistrzami i liderami największych orkiestr.

Każdy program oparty jest na wykonaniu jednego z wymienionych mistrzów z jego orkiestrą.

Soliści: skrzypkowie Vadim Repin i Siergiej Kryłow, oboista Aleksiej Utkin, pianista Denis Matsuev i inni.

Program jest najbardziej zróżnicowany – od I.S. Bacha do A. Schoenberga i A. Pärta. Wszystkie utwory należą do arcydzieł światowej muzyki.

Gospodarzem cyklu jest pianista Denis Matsuev.

Pierwsze wydanie. .
Solista Vadim Repin.
Program: I. Strawiński. Symfonia w trzech częściach; M. Bruch. I Koncert skrzypcowy g-moll; L. Beethovena. Symfonia nr 7.

Drugie wydanie. Vladimir Fedoseev i Bolszoj Orkiestra Symfoniczna. LICZBA PI. Czajkowski.
Program: L. Beethoven. Symfonia nr 4.
Nagrany w Złotej Sali Musikverein w Wiedniu.

Wydanie III. „Maris Jansons i Orkiestra Symfoniczna Radia Bawarskiego”.
Program: R. Wagner. Introdukcja i „Śmierć Izoldy” z opery „Tristan i Izolda”; R. Straussa. Suita walców z opery „Der Rosenkavalier”.

4. wydanie. „Daniel Barenboim i West-Eastern Divan Orchestra”.
Program: V.A. Mozarta. Koncert nr 7 F-dur na trzy fortepiany i orkiestrę. Soliści - Daniel Barenboim, Yael Karet, Karim Said. A. Schönberga. Wariacje na orkiestrę. G. Verdiego. Uwertura do opery „Siła przeznaczenia”.

Piąte wydanie. „Vladimir Spivakov i Orkiestra Filharmonii Narodowej Rosji.
Siergiej Prokofiew. Koncert nr 3 na fortepian i orkiestrę. Symfonia nr 1 „Klasyczna”. Solista Denis Matsuev. Nagrywanie w Wielka Sala Konserwatorium Moskiewskie w 2008 roku.

Wydanie VI. „Lauryn Maazel i Orkiestra Symfoniczna Arturo Toscanini”
W programie: Giacchino Rossini. Uwertura do opery „Włoski w Algierze”; Johannes Brahms. Symfonia nr 2.
Nagrany w Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskiego.

7. wydanie. Yuri Temirkanov i Akademicka Orkiestra Symfoniczna Filharmonii Petersburskiej. D.D. Szostakowicz.

Wydanie ósme. Jurij Bashmet i zespół kameralny„Solości Moskwy”.
W programie: Joseph Haydn - Koncert na wiolonczelę i orkiestrę. Solista Steven Isserlis (Wielka Brytania), Niccolo Paganini - 5 kaprysów (opracowanie E. Denisova na skrzypce i orkiestrę kameralną). Solista Sergey Krylov (Włochy); V.A. Mozart - Divertimento nr 1.
Nagranie w BZK.

Wydanie IX. Michaił Pletnew i Rosyjska Orkiestra Narodowa
Rosyjska Orkiestra Narodowa wykona suitę z baletu P.I. Czajkowski” jezioro łabędzie”, opracowane przez Michaiła Pletnewa. Nagranie w Państwowym Teatrze Akademickim Rosji w ramach Wielkiego Festiwalu RNO, 2009.

10. wydanie. Valery Gergiev i Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego
Orkiestra Symfoniczna Teatru Maryjskiego pod batutą Walerego Gergiewa wykonuje przeboje orkiestrowe - uwertury z oper Rossiniego, Verdiego, Wagnera, walce z baletów Czajkowskiego, fragmenty z Romea i Julii Prokofiewa.

Era sowiecka obfitowała w talenty. Do historii światowej kultury weszły nazwiska wybitnych sowieckich pianistów, skrzypków, wiolonczelistów, śpiewaków i oczywiście dyrygentów. W tym czasie powstał nowoczesny pomysł o roli dyrygenta - lidera, organizatora, mistrza.

Kim oni byli, muzyczni liderzy? epoka sowiecka?

Pięć portretów z galerii wybitnych dyrygentów.

NIKOLAY GOLOVANOV (1891–1953)

Już w wieku sześciu lat, podczas spaceru, Nikołaj próbował prowadzić orkiestrę wojskową. W 1900 młody meloman został przyjęty do Szkoły Synodalnej. Tutaj ujawniły się jego umiejętności wokalne, dyrygenckie i kompozytorskie.

Będąc już dojrzałym mistrzem, Golovanov z Wielka miłość pisze o latach studiów: „Szkoła Synodalna dała mi wszystko – zasady moralne, zasady życia, umiejętność ciężkiej i systematycznej pracy, zaszczepioną świętą dyscyplinę”.

Po kilku latach pracy jako regent Nikołaj wstąpił do klasy kompozycji Konserwatorium Moskiewskiego. W 1914 ukończył ją z małym złotym medalem. Przez całe życie Nikołaj Semenowicz pisał pieśni duchowe. Kontynuował pracę w tym gatunku nawet wtedy, gdy religię ogłoszono „opium ludu”.

Fragment wykonania uwertury Czajkowskiego „1812”

W 1915 Golovanov został przyjęty do Teatru Bolszoj. Wszystko zaczęło się od skromnego stanowiska asystenta chórmistrza, aw 1948 roku został głównym dyrygentem. Relacje ze słynnym teatrem nie zawsze były płynne: Nikołaj Gołowanow musiał znosić wiele obelg i rozczarowań. Ale nie pozostały w historii, ale genialne interpretacje rosyjskiej opery i klasyki symfonicznej, jasne premiery kompozycje współczesnych kompozytorów i pierwsze audycje radiowe muzyki klasycznej w ZSRR z jego udziałem.

Dyrygent Giennadij Rozhdestvensky tak wspomina mistrza: „Nie mógł znieść środka. Obojętny środek. I w niuansach, w frazowaniu iw odniesieniu do przypadku.

Chociaż Golovanov nie miał studentów-dyrygentów, jego interpretacje rosyjskiej klasyki stały się wzorami dla młodych muzyków. Aleksander Gauk miał zostać założycielem sowieckiej szkoły dyrygenckiej.

ALEKSANDER GAUK (1893-1963)

Alexander Gauk studiował w Konserwatorium Piotrogrodzkim. Studiował kompozycję w klasie Aleksandra Głazunowa, dyrygenturę - w klasie Nikołaja Czerepnina.

W 1917 rozpoczął się muzyczno-teatralny okres jego życia: pracował w Piotrogrodzkim Teatrze Dramatu Muzycznego, a następnie w Leningradzkim Teatrze Opery i Baletu.

W latach 30. muzyka symfoniczna znajdowała się w centrum zainteresowań Gauka. Przez kilka lat kierował orkiestrą symfoniczną Filharmonii Leningradzkiej, aw 1936 kierował nowo utworzoną Państwową Orkiestrą Symfoniczną ZSRR. Nie tęsknił za teatrem, żałował tylko, że nie miał szansy wystawić Damy pikowej swojego ukochanego Czajkowskiego.

A. Honegger
Pacyfik 231

W 1953 Gauk został głównym dyrygentem Orkiestry Symfonicznej Bolszoj Państwowego Radia i Telewizji ZSRR. Ta praca była bardzo intensywna i interesująca. Orkiestra grała programy, jak to mówią, w na żywo. W 1961 roku maestro „uprzejmie” przeszedł na emeryturę.

Radość dla Gauka była działalność pedagogiczna. Evgeny Mravinsky, Alexander Melik-Pashaev, Evgeny Svetlanov, Nikolai Rabinovich - wszyscy byli uczniami mistrza.

Evgeny Mravinsky, sam już znany mistrz, napisze do swojego nauczyciela w liście gratulacyjnym: „Jesteś naszym jedynym dyrygentem, który niesie tradycje naprawdę wielkiej kultury”.

Eugeniusz Mrawiński (1903-1988)

Całe życie Mravinsky'ego związane było z Petersburgiem-Leningradem. Urodził się w rodzina szlachecka, ale w trudnych latach miał do czynienia ze sprawami „nieszlachetnymi”. Na przykład do pracy jako statysta w Teatrze Maryjskim. Ważną rolę w jego losach odegrała osobowość szefa teatru – Emila Coopera: „To on wprowadził we mnie to „ziarno trucizny”, które do końca życia wiązało mnie ze sztuką dyrygencką ”.

Ze względu na muzykę Mravinsky opuścił uniwersytet i wstąpił do Konserwatorium w Piotrogrodzie. Początkowo student pilnie zajmował się kompozycją, później zainteresował się dyrygenturą. W 1929 roku trafił do klasy Gauka i bardzo szybko opanował podstawy tego złożonego (lub „ciemnego”, jak mawiał Rimski-Korsakow) biznesu. Po ukończeniu konserwatorium Mravinsky został asystentem dyrygenta w Leningradzkim Teatrze Opery i Baletu.

W 1937 odbyło się pierwsze spotkanie dyrygenta z muzyką Dymitra Szostakowicza. Mravinsky'emu powierzono prawykonanie V Symfonii.

Początkowo Szostakowicz był nawet przerażony metodą pracy dyrygenta: „O każdym miarze, o każdej myśli Mrawiński uczynił mnie prawdziwym przesłuchaniem, żądając ode mnie odpowiedzi na wszystkie wątpliwości, które w nim powstały. Ale już piątego dnia naszej wspólnej pracy zdałem sobie sprawę, że ta metoda jest zdecydowanie właściwa.”

Po tej premierze muzyka Szostakowicza będzie stałym towarzyszem życia mistrza.

W 1938 roku Mravinsky wygrał I Ogólnounijny Konkurs Dyrygencki i został natychmiast mianowany szefem Orkiestry Filharmonii Leningradzkiej. Wielu artystów orkiestry było znacznie starszych od dyrygenta, więc nie wahali się udzielić mu „cennych wskazówek”. Ale minie bardzo mało czasu, na próbach wytworzy się atmosfera pracy, a zespół ten stanie się chlubą narodowej kultury.

Próba Orkiestry Filharmonii Leningradzkiej

Rzadko w historii muzyki zdarzają się przypadki, kiedy dyrygent od kilkudziesięciu lat współpracuje z jednym zespołem. Jewgienij Mrawiński prowadził Orkiestrę Filharmoniczną przez pół wieku, jego młodszy kolega Jewgienij Swietłanow prowadził Orkiestrę Państwową przez 35 lat.

Dymitr Szostakowicz, Symfonia nr 8

Jewgienij Swietłanow (1928–2002)

Dla Svetlanova Teatr Bolszoj był rodzimy w szczególnym znaczeniu tego słowa. Jego rodzice są solistami trupy operowej. Przyszły mistrz zadebiutował na słynnej scenie w młodym wieku: grał mały syn Cio-Cio-san w Madame Butterfly Pucciniego.

Niemal natychmiast po ukończeniu konserwatorium Svetlanov przychodzi do Teatru Bolszoj, opanowując wszystkie klasyki teatralne. W 1963 został naczelnym dyrygentem teatru. Wraz z nim trupa wyrusza w trasę koncertową do Mediolanu, do La Scali. Swietłanow stawia Borysa Godunowa, księcia Igora, Sadko na osąd wymagającej publiczności.

W 1965 kierował Państwową Orkiestrą Symfoniczną ZSRR (tej samej, którą kiedyś kierował jego nauczyciel Aleksander Gauk). Wraz z tym zespołem, który stał się akademikiem w 1972 roku, Svetlanov zrealizował projekt na dużą skalę - „Antologia języka rosyjskiego muzyka symfoniczna w gramofonie." Znaczenie tego dzieła bardzo dokładnie określił dyrektor muzyczny Radia France Rene Goering, który dużo pracował z dyrygentem: „To prawdziwy wyczyn! Svetlanov, kolejny dowód jego wielkości.

M. Bałakiriew, symfonia nr 2, finał

Współpracując z GASO dyrygent nie zapomina o Teatrze Bolszoj. W 1988 roku sensacją stała się inscenizacja Złotego Kogucika (reż. Georgy Ansimov). Svetlanov zaprosił piosenkarza „nie-operowego” Aleksandra Gradskiego do super-złożonej części Astrologera, co dodało występowi jeszcze więcej oryginalności.

Koncert „Hity minionego stulecia”

Wśród najważniejszych osiągnięć Jewgienija Swietlanowa jest wprowadzenie szeroki zasięg słuchacze muzyki wybitny kompozytor Nikołaj Myaskowski, bardzo rzadko wykonywany przez orkiestry sowieckie.

Powrót na scenę koncertową mało znanych kompozycji stał się jednym z kluczowych zadań maestro Giennadija Rozhdestvensky'ego.

GENNADY Rozhdestvensky (ur. 1931)

Dyrygenci grający na instrumentach lub komponujący muzykę nie są rzadkością. Ale dyrygenci, którzy potrafią mówić o muzyce, są rzadkością. Giennadij Rozhdestvensky to naprawdę wyjątkowa osoba: potrafi opowiadać i pisać utwory muzyczne różne epoki.

Rozhdestvensky studiował dyrygenturę u swojego ojca, słynnego dyrygenta Nikołaja Anosowa. Mama, piosenkarka Natalya Rozhdestvenskaya, wiele zrobiła, aby rozwinąć artystyczny gust syna. Giennadij Rozhdestvensky, który jeszcze nie ukończył konserwatorium, został przyjęty do Teatru Bolszoj. Jego debiutem była Śpiąca królewna Czajkowskiego. W 1961 Rozhdestvensky kierował Wielką Orkiestrą Symfoniczną Centralnej Telewizji i Radiofonii. W tym czasie pojawiły się preferencje repertuarowe dyrygenta.

Z wielkim zainteresowaniem opanował muzykę XX wieku, a także zapoznał publiczność z „nieprzebojowymi” kompozycjami. Muzykolog, doktor historii sztuki Viktor Zukkerman przyznał w liście do Rozhdestvensky'ego: „Przez długi czas chciałem wyrazić głęboki szacunek, a nawet podziw dla twojej bezinteresownej, a może nawet ascetycznej działalności w wykonywaniu dzieł niezasłużenie zapomnianych lub mało znanych”.

Twórcze podejście do repertuaru zdeterminowało pracę mistrza z innymi orkiestrami – znanymi i mniej znanymi, młodzieżowymi i „dorosłymi”.

Wszyscy aspirujący dyrygenci marzą o studiowaniu u prof.

Profesor zna odpowiedź na pytanie „Kto jest dyrygentem?”: „To jest medium między autorem a słuchaczem. Lub, jeśli chcesz, jakiś filtr, który przepuszcza przez siebie strumień emitowany przez partyturę, a następnie próbuje przekazać to publiczności.

Film „Trójkąty życia”
(z fragmentami występów dyrygenta), w trzech częściach

Publikacje sekcji muzycznej

Machnięciem ręki

Walerij Gergiew. Zdjęcie: Michał Dolezal / TASS

Top-5 rosyjskich dyrygentów.

Valery Gergiev

Zespół autorytatywnego magazynu o muzyce klasycznej postanowił kiedyś dowiedzieć się, kiedy śpi Maestro Gergiev. Porównaliśmy rozkłady wycieczek, prób, lotów, konferencji prasowych i przyjęć galowych. I okazało się: nigdy. Okazuje się, że on też nie je, nie pije, nie widzi swojej rodziny i oczywiście nie odpoczywa. Cóż, w zdolności do pracy - klucz do sukcesu. To jedyny sposób, aby stać się jednym z najbardziej poszukiwanych i najpopularniejszych dyrygentów na świecie – takim jak Valery Gergiev.

W wieku 7 lat Valera została zabrana przez rodziców do szkoły muzycznej. Chłopiec wyglądał na bardzo zaabsorbowanego i cały czas wyglądał przez okno. Mimo to był odciągnięty od futbolu i tam nasza przegrywa! Po wysłuchaniu nauczyciel zwrócił się do matki: „Wydaje mi się, że nie ma słuchu. Może stanie się Pele ... "Ale serce matki nie oszukasz. Zawsze wiedziała, że ​​jej Valera jest geniuszem i upewniła się, że został przyjęty do szkoły muzycznej. Miesiąc później nauczyciel cofnął jego słowa. zwycięstwo młody muzyk, który wyjechał z Władykaukazu do Leningradu do konserwatorium, odniósł zwycięstwo w konkursie Herberta von Karajana - najbardziej prestiżowym ze wszystkich. Od tego czasu Gergiev zna cenę zwycięstw - i najlepiej jak potrafi opiekuje się młodymi i utalentowani muzycy którzy są w pobliżu.

W wieku 35 lat jest dyrektorem artystycznym Teatru Maryjskiego! Nie do pomyślenia: ogromny kolos z dwoma zespołami – operą i baletem – oraz znakomitą orkiestrą symfoniczną, odziedziczoną po Juriju Temirkanowie, jest do Państwa dyspozycji. I możesz odtwarzać dowolną muzykę. Nawet Wagner, tak bardzo kochany przez Gergieva. Valery Abisalovich wystawi w swoim teatrze Der Ring des Nibelungen - wszystkie cztery opery wystawione przez cztery noce z rzędu. Dziś może to zrobić tylko Teatr Maryjski.

Ale cicha rywalizacja z Moskwą wciąż trwa. Zbudowano nowy etap dla Bolszoj, zamknięty z powodu odbudowy - a Gergiev buduje nowy w Petersburgu hala koncertowa, bez grosza państwowego (Mariinsky-3), to - luksusowy nowa scena Maryjski-2.

Gergiev podbił Moskwę poważnie i przez długi czas na początku 2000 roku, kiedy założył festiwal wielkanocny i oczywiście poprowadził. Co wydarzyło się w stolicy w Niedzielę Wielkanocną! Bolshaya Nikitskaya została zablokowana przez policję, w drodze do Wielkiej Sali Konserwatorium były solidne twarze mediów, nie tylko poprosili o dodatkowy bilet - wyciągnęli go z rąk za jakiekolwiek pieniądze. Moskwianie tak bardzo tęsknili za dobrymi orkiestrami, że byli gotowi modlić się za Gergiewa, który wraz ze swoją orkiestrą zapewniał im nie tylko jakość - czasem zdarzały się rewelacje. I tak generalnie trwa do dziś. Dopiero teraz to już nie kilka koncertów, jak w 2001 roku, ale 150 – w całej Rosji, a nawet poza jej granicami. Duzy człowiek!

Władimir Spiwakow. Zdjęcie: Sergey Fadeichev / TASS

Władimir Spiwakow

Profesor Yankelevich wręczył utalentowanemu uczniowi Centralnej Szkoły Muzycznej Wołodii Spiwakowowi te same skrzypce, na których wykona kariera muzyczna. Narzędzie Mistrz wenecki Gobetti. Miała „zawał serca” – drewnianą wkładkę na piersi, a lutnicy uważali, że w rzeczywistości to nie powinno brzmieć. Ale nie ze Spivakovem. „Vovochka, dobrze jest sprzedawać z tobą skrzypce: każda patelnia zaczyna brzmieć za trzy minuty”, powiedział mu kiedyś stary lutnik. Znacznie później, dzięki staraniom swojej żony Sati, Władimir Teodorowicz będzie miał upragnionego Stradivariusa. Skrzypek Vladimir Spivakov podbił świat z Gobetti: wygrał kilka prestiżowych konkursów i zwiedził wszystkie najlepsze etapy planety w trasie, nie gardząc jednak zapleczem, w tym rosyjskim - tam też czekała publiczność.

Genialny skrzypek podbił cały świat. Ale w połowie lat 70., u szczytu kariery, zaczął studiować zawód dyrygenta. Starszy w szkole dyrygenckiej, Lorin Maazel, zapytał, czy postradał zmysły. Po co mu to, skoro gra tak bosko. Ale Spivakov był nieugięty. Jego świetny nauczyciel Leonard Bernstein był tak urzeczony wytrwałością i talentem studenta, że ​​dał mu swoją dyrygencką batutę. Ale jedną rzeczą jest nauczyć się dyrygowania, inną rzeczą jest znalezienie do tego zespołu. Spivakov go nie szukał, on go stworzył: wiosną 1979 roku pojawiła się orkiestra kameralna Moscow Virtuosos. Orkiestra szybko stała się sławna, ale przed oficjalnym uznaniem muzycy musieli ćwiczyć w nocy – w palaczach, ZhEKach, w klubie Akademii Wojskowej Frunze. Według samego Spivakowa, kiedyś w Tomsku orkiestra dała trzy koncerty tego samego dnia: o piątej, siódmej i dziewiątej. A słuchacze przynieśli muzykom jedzenie - ziemniaki, paszteciki, pierogi.

Droga do Wielkiej Sali Konserwatorium Moskiewskich Wirtuozów nie była długa: powiedzieć, że orkiestra była popularna, nie wystarczy, tylko superlatyw. Wzorem swojego festiwalu we francuskim Colmar zorganizował festiwal w Moskwie, na który zaprasza światowe gwiazdy. Obok sił twórczych pojawiła się kolejna linia – charytatywna, Fundacja Spivakov umie wyszukiwać i wspierać talenty, a stypendyści konkurują tylko ze sobą (jednym z pierwszych był Evgeny Kissin).

W 2000 roku Władimir Teodorowicz stworzył kolejną grupę - Orkiestrę Filharmonii Narodowej Rosji. Z siedzibą w Moskwie międzynarodowy dom muzyka, której prezesem jest Vladimir Spivakov.

Jurij Bashmet. Zdjęcie: Valentin Baranovsky / TASS

Jurij Bashmet

Oto człowiek ze szczęśliwym losem. On, podobnie jak Jurij Gagarin, jest pierwszy. Oczywiście nie jest on przewożony limuzyną z otwartym dachem ulicami naszej stolicy i wszystkich innych stolic świata, nie nazywa się go po ulicach i placach. Jednak... Szkoły muzyczne noszą jego imię, a entuzjastyczni fani na całym świecie złożyli u jego stóp prawdopodobnie milion szkarłatnych róż - a nawet więcej.

Czy wiedział, kiedy przeniósł się ze skrzypiec na altówkę we Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej, że ten instrument, który do tej pory uchodził za bezpretensjonalny, będzie gloryfikować? A za wszystko winni są Beatlesi. Można powiedzieć, że dali światu zarówno altówkę, jak i Bashmet. Jak każdy nastolatek dał się ponieść emocjom – do tego stopnia, że ​​stworzył własną grupę i potajemnie występował na wakacjach z rodzicami. A potem nie wiedział, jak przyznać, że miał ukrytą paczkę banknotów o dużych nominałach, podczas gdy moja mama wydała jeden na miesiąc.

Po Lwowskiej Centralnej Szkole Muzycznej wstąpił do Konserwatorium Moskiewskiego, pojechał na pierwszy zagraniczny konkurs - od razu zaatakował prestiżową ARD w Monachium (a innych nie było w altówce) i wygrał! Myślisz, że jego kariera zaczęła się tutaj? Po prostu nie w domu. W Wielkiej Sali Konserwatorium grał solo, gdy jego altówka zabrzmiała już w Nowym Jorku, Tokio i na scenach europejskich. W Moskwie obserwowali podporządkowanie: „Jak możemy dać ci salę, skoro w naszym zespole mamy ludzi zasłużonych i popularnych?” (Nie miało znaczenia, że ​​byli członkami orkiestry.)

Nie chcesz wypuszczać z programami solo? Stworzę orkiestrę. Fani i wielbiciele podróżowali po całej Rosji dla moskiewskich solistów, był to jeden z najlepszych orkiestry kameralne ZSRR. A potem – dźwięk altówki usłyszeli kompozytorzy, którzy szczęśliwym trafem (XX wiek!) szukali nowych środków wyrazu. Stworzyli idola dla siebie i publiczności, zaczęli pisać nowe i nowe dzieła na altówkę. Dziś poświęcono mu dziesiątki utworów, a pasja kompozytora nie ustaje: każdy chce pisać dla Bashmet.

Yuri Bashmet prowadzi dziś dwie orkiestry („Moscow Soloists” i „Moscow Soloists” Nowa Rosja”), kieruje kilkoma festiwalami (najsłynniejszym z nich jest Zima w Soczi), dużo czasu poświęca pracy z dziećmi: organizuje kursy mistrzowskie i angażuje się w młodzieżową orkiestrę symfoniczną, gdzie oczywiście najlepsi najlepsza gra.

Jurij Temirkanow. Zdjęcie: Aleksander Kurow / TASS

Jurij Temirkanow

Czy Siergiej Prokofiew domyślił się, że mały chłopiec, syn szefa Komitetu Sztuki Kabardyno-Bałkarii (podczas ewakuacji opiekował się moskiewskim muzycznym „zrzutem”), zostanie jednym z najlepszych dyrygentów w świat? A poza tym namiętny wielbiciel muzyki samego Prokofiewa: ze względu na Jurija Temirkanowa nie tylko wykonanie słynnych partytur kompozytora, ale także wskrzeszenie zapomnianych. Jego interpretacje symfonii Szostakowicza czy oper Czajkowskiego uważane są za standard, są nimi kierowane. Jego orkiestra - o długiej nazwie, która w mowie potocznej zamieniła się w "Zasługę" (od zasłużonego zespołu Rosji - Akademickiej Orkiestry Symfonicznej Filharmonii Petersburskiej im. D. D. Szostakowicza) - weszła do rankingu najlepszych orkiestr w świat.

W wieku 13 lat Temirkanow przybył do Leningradu i związał swój los z tym miastem. Centralna Szkoła Muzyczna przy konserwatorium, samo konserwatorium, najpierw wydział orkiestrowy, potem wydział dyrygencki z legendarnym Ilyą Musinem. Jego kariera rozwijała się szybko: po konserwatorium zadebiutował w Małym Teatrze Operowym (Michajłowski), na Następny rok wygrał konkurs i wyruszył w trasę koncertową - do Ameryki - z Kirill Kondrashin i David Oistrakh. Następnie kierował Orkiestrą Filharmonii Leningradzkiej, aw 1976 został naczelnym dyrygentem Teatru Kirowa. Tam stworzył te same referencyjne interpretacje oper Czajkowskiego, a jedną z nich wystawił - Damę pikową. Nawiasem mówiąc, Valery Gergiev niedawno przywrócił tę produkcję i zwrócił ją na scenę Teatru Maryjskiego. W 1988 roku jest to szczególna duma dyrygenta: został wybrany – a nie mianowany „z góry”! - główny dyrygent samego „Zasługi”, a następnie dyrektor artystyczny Filharmonii Petersburskiej.

Algis Zhuraitis. Zdjęcie: Alexander Kosinets / TASS

Algis Zhuraitis

Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowej Nagrody ZSRR Algis Zhuraitis mieszkał 70 lat, a 28 z nich pracowało w najlepszy teatr duży kraj - Duży. Pochodzący z Litwy, ukończył Konserwatorium Wileńskie (a później kolejne wykształcenie w Konserwatorium Moskiewskim) i zadebiutował w Litewskim Teatrze Opery i Baletu. Utalentowany dyrygent został szybko zauważony w stolicy - a Zhuraitis dostał miejsce w Moskwie: najpierw był asystentem dyrygenta Bolszoj Orkiestry Symfonicznej Radia Wszechzwiązkowego, następnie dyrygentem Mosconcert, a wreszcie w 1960 roku dostał do Teatru Bolszoj.

Zhuraitis zasłynął współpracą z Jurijem Grigorowiczem: słynny choreograf zrealizował z Zhuraitisem większość spektakli w Bolszoj, w tym legendarnego Spartaka.

Skandaliczną sławę przyniósł dyrygentowi artykuł w gazecie Prawda, poświęcony eksperymentalnemu wykonaniu Alfreda Schnittkego i Jurija Ljubimowa Dama pikowa: w wyniku publikacji produkcja nie doczekała się premiery, została zakazana . Znacznie później w swoich wywiadach Schnittke sugerował, że za pojawieniem się tej publikacji stał sekretarz KC KPZR ds. ideologii – Michaił Susłow, znany ze swoich zręcznych intryg.

Dyrygent od 20 lat jest żonaty z piosenkarką Eleną Obrazcową. „W jednej chwili zakochałem się w Algisie Zhuraitisie. Nie rozumiem, jak to się stało - w sekundę! Wracali z wycieczki i znaleźli się w tym samym przedziale... Nie było prowokacji z obu stron. Siedzieliśmy i rozmawialiśmy. I nagle między nami wybuchła iskra! I nie mogłem już bez niego żyć”.

włoski talgam

Znany izraelski dyrygent i konsultant, który pomaga liderom biznesu, edukacji, rządu, medycyny i innych dziedzin stać się „dyrygentami” ich zespołów i osiągnąć harmonię poprzez współpracę.

Itay Talgam twierdzi, że umiejętności przywódcze są uniwersalne, a style komunikacji dyrygenta z orkiestrą są pod wieloma względami podobne do relacji szefa z pracownikami w firmie. Ale nie ma uniwersalnej zasady organizowania takich relacji. Autor dzieli się swoimi spostrzeżeniami na temat sposobów zarządzania orkiestrą, które obserwowali wielcy dyrygenci, i dzieli je na sześć kategorii warunkowych.

1. Dominacja i kontrola: Ricardo Mutti

Włoski dyrygent Ricardo Mutti zwraca uwagę na szczegóły i bardzo skrupulatnie kieruje orkiestrą zarówno na próbach, jak i podczas występów. Wszystkie niuanse gry skupiają się w jego gestach: powiadamia muzyków o zmieniającym się tonie na długo przed koniecznością odbudowy. Mutti kontroluje każdy krok swoich podwładnych, nikt i nic nie pozostaje bez jego uwagi.

Całkowita kontrola wynika z faktu, że sam dyrygent odczuwa presję ze strony najwyższego kierownictwa: zarządu czy wszechobecnego ducha wielkiego kompozytora. Taki przywódca zawsze podlega potępieniu ze strony bezwzględnego superego.

Dominujący lider jest nieszczęśliwy. Jego podwładni szanują go, ale go nie lubią. Szczególnie wyraźnie pokazał to przykład Mutti. Między nim a najwyższym kierownictwem Milanese Opera"La Scala" doszło do konfliktu. Dyrygent przedstawił władzom swoje żądania, jeśli nie zostaną spełnione, zagroził opuszczeniem teatru. Miał nadzieję, że orkiestra stanie po jego stronie, ale muzycy powiedzieli, że stracili zaufanie do lidera. Mutti musiał przejść na emeryturę.

Czy uważasz, że stoisko tego dyrygenta jest tronem? Dla mnie to bezludna wyspa, na której króluje samotność.

Ricardo Mutti

Mimo to Ricardo Mutti uważany jest za jednego z najwybitniejszych dyrygentów XX wieku. Itay Talgam mówi, że na seminariach z zarządzania personelem większość studentów powiedziała, że ​​nie chciałaby takiego lidera. Ale na pytanie: „Czy jego przywództwo jest skuteczne? Czy może zmusić podwładnych do wykonywania ich pracy? Prawie wszyscy odpowiedzieli twierdząco.

Dominujący lider nie wierzy w zdolność pracowników do samoorganizacji. Bierze pełną odpowiedzialność za wynik, ale wymaga bezwzględnego posłuszeństwa.

Kiedy to działa

Ta taktyka jest uzasadniona w przypadku problemów z dyscypliną w zespole. Autor podaje przykład z biografii Muttiego i opowiada o swoich doświadczeniach z Israel Philharmonic Orchestra. To wspaniały zespół, ale styl jego pracy ukształtował się na styku kultur europejskich, śródziemnomorskich i bliskowschodnich. Różnorodność tradycji doprowadziła do braku formalnej dyscypliny w orkiestrze.

W tym momencie, gdy kij Muttiego zawisł w powietrzu w oczekiwaniu na pierwsze nuty, jeden z muzyków postanowił przesunąć krzesło. Rozległo się skrzypienie. Konduktor zatrzymał się i powiedział: „Panowie, nie widzę w mojej partyturze słów „trzeszczenie krzesła”. Od tego momentu w sali rozbrzmiewała tylko muzyka.

Kiedy to nie działa

We wszystkich innych przypadkach, a zwłaszcza gdy praca pracowników jest związana. Styl zarządzania Mutti wyklucza występowanie błędów, a w rzeczywistości często prowadzą one do nowych odkryć.

2 Ojciec chrzestny: Arturo Toscanini

Znakomity dyrygent Arturo Toscanini wykazał się maksymalnym udziałem w życiu orkiestry na próbach i na scenie. Nie był nieśmiały w wyrazach twarzy i skarcił muzyków za ich błędy. Toscanini zasłynął nie tylko talentem dyrygenckim, ale także temperamentem zawodowym.

Toscanini wziął sobie do serca każdą porażkę swoich podwładnych, ponieważ błąd jednego jest błędem wszystkich, zwłaszcza dyrygenta. Wymagał od innych, ale nie bardziej niż od siebie: wcześniej przychodził na próby i nie prosił o przywileje. Każdy muzyk rozumiał, że dyrygent był szczerze zaniepokojony wynikiem i nie był urażony obelgami za niedokładne granie.

Toscanini zażądał od muzyków pełnego zaangażowania i oczekiwał nienagannego wykonania. Wierzył w ich talent i zbierał się na koncertach. Widać było, jak bardzo był dumny ze swojej „rodziny” po udanym występie.

Ważnym motywatorem pracowników takiego zespołu jest chęć dobrej pracy „dla ojca”. Tacy liderzy są kochani i szanowani.

Kiedy to działa

W przypadkach, gdy zespół jest gotowy zaakceptować trzy podstawowe zasady kultury rodzinnej: stabilność, empatię i wzajemne wsparcie. Ważne jest również, aby menedżer posiadał autorytet, był kompetentny w swojej dziedzinie i miał dorobek zawodowy. Taki lider powinien być traktowany jak ojciec, więc powinien być mądrzejszy i bardziej doświadczony niż jego podwładni.

Ta zasada zarządzania jest często stosowana, gdy zespół przechodzi trudne chwile. W okresie wzmacniania związków zawodowych duże firmy wprowadzić hasła z kategorii „Jesteśmy jedną rodziną!” Kierownictwo dąży do poprawy warunków pracy, daje pracownikom możliwość otrzymywania dodatkowa edukacja, prowadzi imprezy firmowe i zapewnia podwładnym pakiet socjalny. Wszystko to ma na celu motywowanie pracowników do pracy na rzecz władz, którym zależy na nich.

Kiedy to nie działa

W niektórych nowoczesnych organizacjach, gdzie relacje między ludźmi są czasami ważniejsze niż formalna hierarchia. W takich grupach nie zakłada się głębokiego zaangażowania emocjonalnego.

Taka zasada zarządzania wymaga nie tylko autorytetu i kompetencji lidera, ale także zdolności podwładnych do uzasadnienia stawianych im oczekiwań. Itay Talgam opowiada o swoich doświadczeniach ze studiowania pod kierunkiem dyrygenta Mendy Rodan. Wiele wymagał od ucznia i każdą porażkę uważał za osobistą klęskę. Ta presja, połączona z przekleństwami, uciskała autora. Zdał sobie sprawę, że taki nauczyciel pomoże mu w zdobyciu dyplomu, ale nie wychowa w nim osoby twórczej.

3. Zgodnie z instrukcją: Richard Strauss

Autor mówi, że wielu obecnych na jego seminariach menadżerów tylko bawiło zachowanie Straussa na scenie. Odwiedzający wybrali go jako potencjalnego lidera tylko na tej podstawie, że z takim szefem nie można tak naprawdę zawracać sobie głowy pracą. Powieki dyrygenta są opuszczone, on sam wygląda z daleka i tylko sporadycznie rzuca spojrzenia na tę lub inną sekcję orkiestry.

Ten dyrygent nie ma na celu inspirowania, ogranicza jedynie orkiestrę. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie, stanie się jasne, co jest podstawą takiej zasady zarządzania - przestrzeganie instrukcji. Strauss nie skupia się na muzykach, ale na nutach, nawet jeśli orkiestra gra jego dzieło. W ten sposób pokazuje, jak ważne jest ścisłe przestrzeganie zasad i jasne wykonywanie pracy, nie dopuszczanie do własnych interpretacji.

Należy zrozumieć, że brak interpretacji i odkrycia w muzyce wcale nie jest zły. Takie podejście pozwala na wyeksponowanie struktury dzieła, odtworzenie go w sposób zamierzony przez autora.

Taki lider ufa podwładnym, wymaga od nich wykonywania poleceń i wierzy, że będą w stanie się do nich zastosować. Taka postawa schlebia i motywuje pracowników, nabierają pewności siebie. Główną wadą tego podejścia jest to, że nikt nie wie, co się stanie, jeśli zaistnieje sytuacja, która nie jest określona w instrukcjach.

Kiedy to działa

Ta zasada kontroli działa w różne okazje. Czasami najwygodniej jest dla spokojnych profesjonalistów, przyzwyczajonych do pracy zgodnie z literą prawa. Czasami po prostu konieczne jest przekazanie pracownikom obowiązkowych instrukcji, na przykład w przypadku interakcji różnych grup podwładnych.

Autor podaje przykład swoich doświadczeń z orkiestrą i zespołem rockowym Natasha's Friends. Problem powstał w związku z tym, że muzycy z zespołu doszli do końca drugiej godziny trzygodzinnej próby. Byli pewni, że nic nie przeszkodzi im w poświęceniu reszty dnia muzyce, nie myśląc o tym, że próby orkiestry podlegają bardziej restrykcyjnym ramom czasowym.

Kiedy to nie działa

Zasada zarządzania opartego na przestrzeganiu instrukcji nie sprawdza się tam, gdzie należy zachęcać do tworzenia i tworzenia nowych pomysłów. Podobnie jak bezwzględne posłuszeństwo liderowi, przestrzeganie instrukcji oznacza brak błędów prowadzących do nowych odkryć. Może też pozbawić pracowników zawodowego zapału.

Autor podaje przykład z biografii dyrygenta Leonarda Bernsteina. Izraelska Orkiestra Filharmoniczna pod jego kierownictwem odbyła próbę finałową symfonii Mahlera. Kiedy konduktor dał sygnał do wejścia dętą, w odpowiedzi zapadła cisza. Bernstein podniósł wzrok: niektórzy muzycy odeszli. Faktem jest, że zakończenie próby zaplanowano na godzinę 13:00. Zegar był 13:04.

4. Guru: Herbert von Karajan

Maestro Herbert von Karajan ledwo otwiera oczy na scenę i nie patrzy na muzyków. Oczekuje tylko, że jego podwładni w magiczny sposób rozważą jego pragnienia. To było poprzedzone prace wstępne: dyrygent dokładnie wyjaśnił niuanse gry na próbach.

Guru nie wyznaczał muzykom ram czasowych ani nie wyznaczał rytmu, tylko uważnie słuchał i przekazywał orkiestrze miękkość i głębię brzmienia. Muzycy byli dla siebie idealni. Sami stali się współzależnymi dyrygentami i nieustannie doskonalili swoje umiejętności wspólnego grania.

Takie podejście świadczy o arogancji lidera: działa on z pominięciem przyjętych postulatów i zawsze jest pewny sukcesu. Jednocześnie członkowie zespołu są znacznie bardziej zależni od siebie niż od instrukcji kierownictwa. Przysługuje im możliwość bezpośredniego wpływania na wyniki pracy. Na nich ciąży dodatkowa odpowiedzialność, więc bycie w takim zespole dla niektórych może być trudnym psychologicznie sprawdzianem. Ten styl zarządzania jest podobny do dominacji Mutti, że lider jest również niedostępny na dialog i narzuca swoją wizję organizacji podwładnym.

Kiedy to działa

Gdy praca zespołu wiąże się z kreatywnością pracowników np. w zakresie sztuki. Amerykański artysta Saul LeWitt zatrudnił młodych artystów (w sumie kilka tysięcy), wyjaśnił koncepcje i udzielił wskazówek. Potem podwładni zaczęli tworzyć bez kontroli Levitta. Interesował go wynik, a nie poddanie się w procesie. Rozsądny i mądry lider rozumiał, że wspólna kreatywność tylko wzbogaca projekt. To właśnie uczyniło go najczęściej wystawianym artystą na świecie: w całym swoim życiu zrealizował ponad 500 wystaw indywidualnych.

Kiedy to nie działa

W każdym zespole adekwatność tej zasady zarządzania zależy od wielu indywidualnych czynników. Takie podejście często prowadzi do niepowodzeń, dlatego np. Cadbury & Schweppes stworzył kod ład korporacyjny Cadbury, który opisuje procedury mające na celu ochronę firmy przed nadmiernym ego lidera i przekazanie ważnych informacji wszystkim uczestnikom procesu.

Autor mówi również Przestroga z własnego doświadczenia. Chciał rozpocząć swoją pracę z Orkiestrą Symfoniczną w Tel Awiwie od głośnej innowacji. Itai Talgam podzielił sekcję smyczkową na kwartety i umieścił między nimi instrumenty dęte. Zasugerował, aby w ten sposób każdy z muzyków mógł poczuć się jak solista. Eksperyment się nie powiódł: uczestnicy nie byli w stanie się porozumieć, będąc daleko od siebie, więc grali wyjątkowo słabo.

5 Główny taniec: Carlos Kleiber

Carlos Klaiber tańczy na scenie: wyciąga ramiona, podskakuje, pochyla się i kołysze z boku na bok. Kiedy indziej prowadzi orkiestrę tylko opuszkami palców, a czasem po prostu stoi i słucha muzyków. Na scenie dyrygent dzieli się swoją radością i ją pomnaża. Ma jasną wizję formy i prowadzi muzyków, ale robi to nie jako lider, ale jako tancerz solowy. Nieustannie wymaga od podwładnych udziału w interpretacjach i nie obciąża szczegółowych instrukcji.

Taki lider zarządza nie ludźmi, ale procesami. Daje podwładnym pole do innowacji, stymuluje ich do samodzielnego tworzenia. Pracownicy dzielą władzę i odpowiedzialność z liderem. W takim zespole łatwo jest naprawić błąd, a nawet przekształcić go w coś nowego. „Tańczący” menedżerowie cenią ambitnych pracowników, preferując ich od tych, którzy potrafią sumiennie wykonywać swoją pracę zgodnie z instrukcjami.

Kiedy to działa

Podobna zasada obowiązuje, gdy zwykły pracownik może mieć bardziej istotne informacje niż szef. Jako przykład autor przytacza swoje doświadczenie we współpracy z agencjami do walki z terroryzmem. Agent w warunki terenowe musi umieć podejmować decyzje samodzielnie, czasami z naruszeniem bezpośrednich rozkazów dowództwa, ponieważ ma najpełniejszą i aktualną wiedzę o sytuacji.

Kiedy to nie działa

Gdy pracownicy nie są zainteresowani losem firmy. Autor twierdzi również, że takiego podejścia nie można sztucznie narzucić. To zadziała tylko wtedy, gdy będziesz w stanie naprawdę cieszyć się sukcesem pracowników i rezultatem pracy.

6. Poszukiwanie sensu: Leonard Bernstein

Sekret interakcji Leonarda Bernsteina z orkiestrą ujawnia się nie na scenie, ale poza nią. Dyrygent nie chciał rozdzielać emocji, doświadczenie życiowe i aspiracje z muzyki. Dla każdego z muzyków Bernstein był nie tylko liderem, ale także przyjacielem. Zaprosił do pracy nie profesjonalistę, ale człowieka: w jego orkiestrach przede wszystkim występują jednostki, słuchają i komponują muzykę, a dopiero potem podwładni.

Bernstein postawił przed muzykami główne pytanie: "Czemu?" To było: nie zmuszał go do grania, ale sprawiał, że sam człowiek chciał grać. Każdy miał własną odpowiedź na pytanie Bernsteina, ale wszyscy w równym stopniu odczuli swoje zaangażowanie we wspólną sprawę.

Kiedy to działa

Dialog kierownictwa z pracownikami i nadawanie sensu ich działaniom przyniesie korzyści każdej organizacji, w której praca członków zespołu nie jest sprowadzona do zestawu podobnych działań. Ważnym warunkiem tego jest to, że pracownicy muszą szanować lidera i uważać go za kompetentnego.

Kiedy to nie działa

Itay Talgam opowiada o sytuacji, kiedy próbował zastosować metodę Bernsteina, ale spotkał się tylko z nieporozumieniem ze strony swoich podwładnych. Powodem było to, że wielu muzyków Orkiestry Symfonicznej w Tel Awiwie było znacznie starszych iw ogóle go nie znało. Pierwsza próba nie poszła dobrze. — Coś jest nie tak — powiedział Talgam orkiestrze. - Po prostu nie wiem co. Tempo, intonacja, coś jeszcze? Co myślisz? Co można naprawić? Jeden ze starszych muzyków wstał i powiedział: „Skąd przyszliśmy, dyrygent nie pytał nas, co robić. Wiedział, co robić”.

W książce „Ignorant Maestro” Itay Talgam nie tylko opowiada o zasadach zarządzania wielkimi dyrygentami, ale także ujawnia trzy ważne cechy skuteczny lider: ignorancja, nadawanie znaczenia pustym przestrzeniom i motywujące słuchanie. Autorka mówi nie tylko o tym, jaki powinien być lider, ale także o roli podwładnych w komunikacji w pracy. Nie ma uniwersalnej zasady zarządzania, każdy skuteczny lider rozwija ją samodzielnie. Możesz się czegoś nauczyć i zaadoptować techniki od sześciu wielkich dyrygentów, o których piszemy w tej książce.