Jaka rosyjska dziewczyna przynajmniej raz w życiu nie marzyła o balecie? Można to nazwać naszą sztuką narodową. Uwielbiamy balet i znamy z imienia prawie wszystkie prawybory i premiery teatrów Bolszoj i Maryjskiego.

W przeddzień Międzynarodowego Dnia Baletu - w tym roku obchodzonego po raz trzeci - proponujemy podziwiać najlepsze z najlepszych, boginie rosyjskiego baletu: Swietłanę Zacharową, Dianę Wiszniewą i Ulianę Łopatkinę.

Ucieleśnienie łaski i łaski

A także żelazną wolę i nieugięty duch. To jest prima Teatru Bolszoj i mediolańskiej La Scala—Swietłana Zacharowa. Zadebiutowała w Teatrze Maryjskim w wieku 17 lat i od dwudziestu lat w jej karierze nie było ani jednego niewypału. Z powodzeniem wykonuje taniec klasyczny i współczesny.

„Zatańczyłam już wszystkie partie, o jakich można marzyć, w różnych wydaniach. Na przykład „Jezioro łabędzie” grano w kilkunastu wersjach na różnych scenach świata. Chcę poeksperymentować, przetestować możliwości swojego ciała w czymś innym. Taniec nowoczesny to ruch, który daje wolność. Z drugiej strony klasyki mają ograniczenia i zasady, których nie można przekroczyć.”- Svetlana podzieliła się w wywiadzie.

Co Zacharowa najbardziej lubi w swoim zawodzie? Według baletnicy jest szczęśliwa podczas przygotowań do występu. Próbki, próby. W tej chwili czasami nie śpi w nocy - w jej głowie rozbrzmiewa muzyka.

Sama premiera nie sprawia już tyle radości. Jest to nawet trochę smutne, bo to, na co byłem tak przygotowany, już się wydarzyło.

Nawiasem mówiąc, Svetlana nie uważa się za gwiazdę. „Jestem tylko człowiekiem, który codziennie orki” ona mówi.

Wyrafinowany i szybki jednocześnie

Prima Teatru Maryjskiego i Amerykańskiego Teatru Baletowego Diana Vishneva obchodził w tym roku 40-lecie istnienia. Ale wcześniej uważano, że kariera baletnic była irytująco ulotna. Diana nie tylko stale cieszy fanów premierami, ale także organizuje międzynarodowy festiwal Context.

Wykonuje tańce klasyczne i współczesne. W wywiadzie Vishneva przyznał, że łączenie różnych kierunków w choreografii jest jak nauka innego języka. W zeszłym roku Diana nakręciła nawet film Język – o języku własnej plastyczności.

Wisznewa mówi o sobie przede wszystkim jako osoba uparta. Jest pewna: bez wytrwałości i poświęcenia balet nie jest wart myślenia. „Ile poświęceń trzeba składać każdego dnia! Musisz oswoić swoje ciało i umysł. Wyczerpująca fizycznie praca jest warunkiem koniecznym, jeśli chcesz coś osiągnąć. „Ciężka praca” nie jest przesadą. Musisz umieć latać, szybować, przynosić piękno, miłość... Sztuka wymaga od ciebie ogromnej siły emocjonalnej, moralnej i fizycznej.”

Niesamowicie artystyczny

Delikatne i jednocześnie odważne... Primabalerina Teatru Maryjskiego, Artystka Ludowa Rosji Uliana Łopatkina w październiku obchodzić będzie swoje 43. urodziny. Znana jest całemu światu, ale nie lubi mówić o sobie. Ulyana jest bardzo praktyczna i woli akcję od słów.

„To nie jest Hollywood, w balecie wszystko jest bliższe sedna. W balecie wszystko udowadnia praca. Praca jest bardzo trudna, fizycznie, psychicznie, emocjonalnie, a ludzie zajmujący wysokie stanowiska w balecie usprawiedliwiają to miejsce swoją pracą.”- zauważył Łopatkina w wywiadzie.

Uliana nazywana jest „ikoną rosyjskiego baletu”.

Ale artysta wcale nie cierpi na chorobę gwiezdną i wierzy, że każdy z nas w pewnym sensie może być „ikoną”.

Nosimy w sobie świętość. Przejawia się w różnym stopniu, ale potencjalnie jest nieodłączną częścią każdego z nas. Może dlatego o ikonie mówią ludzie szczególnie wrażliwi na sztukę. Formułują więc uczucie, którego mogli doświadczyć podczas występu.

Sekcja publikacji Teatry

Współczesne rosyjskie baleriny. Top 5

Wśród proponowanych pięciu najlepszych balerin znaleźli się artyści, którzy swoją karierę zaczynali w głównych teatrach muzycznych naszego kraju - Maryjskim i Bolszoj - w latach 90., kiedy sytuacja w polityce, a potem w kulturze, szybko się zmieniała. Teatr baletowy stał się bardziej otwarty dzięki poszerzeniu repertuaru, pojawieniu się nowych choreografów, pojawieniu się na Zachodzie dodatkowych możliwości, a jednocześnie bardziej wymagających umiejętności wykonawczych.

Tę krótką listę gwiazd nowego pokolenia otwiera Uliana Łopatkina, która dołączyła do Teatru Maryjskiego w 1991 roku i obecnie prawie kończy swoją karierę. Na końcu listy znajduje się Victoria Tereshkina, która również rozpoczęła pracę w epoce pierestrojki w sztuce baletowej. A tuż za nią idzie kolejne pokolenie tancerzy, dla których sowiecka spuścizna jest tylko jednym z wielu kierunków. Są to Ekaterina Kondaurova, Ekaterina Krysanova, Olesya Novikova, Natalia Osipova, Oksana Kardash, ale o nich innym razem.

Uliana Łopatkina

Dzisiejsze media nazywają studentkę Natalii Dudinskiej Uljanę Łopatkinę (ur. 1973) „ikoną stylu” rosyjskiego baletu. W tej chwytliwej definicji jest ziarno prawdy. Jest idealną Odetą-Odylą, prawdziwą „dwutwarzową” bohaterką „Jeziora łabędziego” z chłodno wyrafinowanej sowieckiej wersji Konstantina Siergiejowa, której udało się również rozwinąć i przekonująco wcielić na scenie jeszcze jeden łabędzi wizerunek w dekadenckiej miniaturze Michaiła Fokine „Umierający”. Łabędź” Camille Saint-Saens. Według tych dwóch jej prac, nagranych na wideo, Lopatkina jest rozpoznawana na ulicy przez tysiące fanów na całym świecie, a setki młodych studentów baletu próbuje zrozumieć rzemiosło i rozwikłać tajemnicę reinkarnacji. Wyrafinowana i zmysłowa Lebed to Uliana i jeszcze przez długi czas, nawet gdy nowe pokolenie tancerzy przyćmi genialną plejadę baletnic lat 90.-2000, Odette-Lopatkina będzie czarująca. Była też nieosiągalna, dokładna technicznie i wyrazista w „Raymonda” Aleksandra Głazunowa, „Legendzie miłości” Arifa Melikova. Nie zostałaby nazwana „ikoną stylu” bez wkładu w balety George'a Balanchine'a, którego amerykańskie dziedzictwo, przesycone kulturą rosyjskiego baletu cesarskiego, opanował Teatr Maryjski, gdy Łopatkina była u szczytu kariery ( 1999-2010). Jej najlepsze role, a mianowicie role, a nie partie, ponieważ Łopatkina umie dramatycznie wypełnić kompozycje bez fabuły, były solowe utwory w „Diamentach”, „II Koncercie fortepianowym”, „Temacie i wariacjach” do muzyki Piotra Czajkowskiego, „ Walc” Maurice'a Ravela. Baletnica brała udział we wszystkich awangardowych projektach teatru i bazując na wynikach współpracy z nowoczesnymi choreografami da szanse wielu.

Uliana Łopatkina w miniaturze choreograficznej „Umierający łabędź”

Dokument „Ulyana Lopatkina, czyli tańce w dni powszednie i święta”

Diana Wiszniewa

Druga z urodzenia, tylko o trzy lata młodsza od Łopatkiny, uczennicy legendarnej Ludmiły Kowalowej Diany Wiszniewej (ur. 1976 r.) w rzeczywistości nigdy nie „zajęła” drugiego miejsca, a tylko pierwsze. Tak się złożyło, że oddzielone od siebie trzy lata Łopatkina, Wisznewa i Zacharowa szły obok siebie w Teatrze Maryjskim, pełen zdrowej rywalizacji i jednocześnie podziwiając swoje ogromne, ale zupełnie inne możliwości. Tam, gdzie Lopatkina panował jako ospały, pełen wdzięku Łabędź, a Zacharowa tworzył nowy - miejski - wizerunek romantycznej Giselle, Wiszniewa pełniła funkcję bogini wiatru. Przed ukończeniem Akademii Baletu Rosyjskiego tańczyła już na scenie Teatru Maryjskiego Kitri - głównej bohaterki Don Kichota, kilka miesięcy później pokazała swoje osiągnięcia w Moskwie na scenie Teatru Bolszoj. A w wieku 20 lat została primabaleriną Teatru Maryjskiego, choć na awans do tego statusu wielu musi czekać nawet 30 lat lub dłużej. W wieku 18 (!) Wisznewa przymierzyła się do roli Carmen w utworze specjalnie dla niej skomponowanym przez Igora Belskiego. Pod koniec lat 90. Wiszniewa słusznie została uznana za najlepszą Julię w kanonicznej wersji Leonida Ławrowskiego, stała się także najwdzięczniejszą Manon Lesko w balecie Kennetha MacMillana. Od początku 2000 roku, równolegle z Petersburgiem, gdzie brała udział w wielu produkcjach takich choreografów jak George Balanchine, Jerome Robbins, William Forsyth, Alexei Ratmansky, Angelin Preljocaj, zaczęła gościnnie występować za granicą jako étoile („gwiazda baletu” ). Teraz Vishneva często pracuje nad własnymi projektami, zamawiając dla siebie balety u znanych choreografów (John Neumeier, Alexei Ratmansky, Caroline Carlson, Moses Pendleton, Dwight Rodin, Jean-Christophe Maillot). Balerina regularnie tańczy na premierach moskiewskich teatrów. Ogromny sukces towarzyszył Wiszniewie w balecie Teatru Bolszoj w choreografii „Mieszkanie” Matsa Eka (2013) oraz spektaklu „Tatyana” Johna Neumeiera na podstawie „Eugeniusza Oniegina” Aleksandra Puszkina w Moskiewskim Teatrze Muzycznym im. 2014. W 2013 roku została jednym z organizatorów listopadowego festiwalu tańca współczesnego Kontekst, który od 2016 roku odbywa się nie tylko w Moskwie, ale także w Petersburgu.

Dokument „Zawsze w ruchu. Diana Wiszniewa»

Swietłana Zacharowa

Najmłodsza w pierwszej trójce słynnych piskląt Akademii A. Vaganova z lat 90., Swietłana Zacharowa (ur. 1979) natychmiast wyprzedziła rywalki i nieco ich wyprzedziła, zachowując się jak niegdyś świetne baleriny Leningradu Marina Siemionowa i Galina Ulanova ” służyć” w Moskiewskim Teatrze Bolszoj w 2003 roku. Za jej plecami nauka u znakomitej nauczycielki ARB Eleny Evteeva, doświadczenie w pracy z Olgą Moiseevą, gwiazdą Baletu Kirowa lat 70. i gigantyczne osiągnięcia. W każdym z przedstawień okresu petersburskiego Zacharowa wyraźnie się wyróżniała. Jej mocną stroną była z jednej strony interpretacja bohaterek w starych baletach Mariusa Petipy, odrestaurowanych przez Siergieja Wichariwa, a z drugiej solistów w awangardowych przedstawieniach czołowych choreografów. Pod względem danych przyrodniczych i „cech technicznych” Zacharowa nie tylko przewyższyła swoich kolegów z Teatru Maryjskiego, a następnie w Bolszoj, weszła do kohorty najbardziej rozchwytywanych baletnic na świecie, które tańczą wszędzie w statusie gościa. A najważniejszy balet we Włoszech - balet La Scala - zaproponował jej stałą umowę w 2008 roku. Zacharowa w pewnym momencie przyznała, że ​​tańczyła Jezioro łabędzie, Bajaderę i Śpiącą królewnę we wszystkich możliwych wersjach scenicznych od Hamburga po Paryż i Mediolan. Na Bolszoj, krótko po przeprowadzce Zacharowej do Moskwy, John Neumeier wystawił swój program baletowy Sen nocy letniej, a baletnica wystąpiła w nim w podwójnej roli Hippolyta-Tytanii w parze z Oberonem Nikołaja Ciskaridzego. Wzięła również udział w produkcji Damy kameliowej Neumeiera w Bolszoj. Zacharowa z powodzeniem współpracuje z Jurijem Possokhovem - w 2006 roku tańczyła premierę jego Kopciuszka w Teatrze Bolszoj, a w 2015 roku wystąpiła w roli Księżniczki Marii w Bohaterze naszych czasów.

Film dokumentalny „Prima balerina Teatru Bolszoj Swietłana Zacharowa. Objawienie"

Maria Aleksandrowa

W tym samym czasie, gdy triada petersburskich tancerzy podbiła Północną Palmirę, w Moskwie powstała gwiazda Marii Aleksandrowej (ur. 1978). Jej kariera rozwinęła się z lekkim opóźnieniem: kiedy przyszła do teatru, baleriny poprzedniego pokolenia - Nina Ananiaszwili, Nadieżda Gracheva, Galina Stepanenko - tańczyły swój wiek. W baletach z ich udziałem Aleksandrowa - jasna, temperamentna, a nawet egzotyczna - była na uboczu, ale to ona dostała wszystkie eksperymentalne premiery teatru. Krytycy widzieli bardzo młodą baletnicę w Dreams of Japan Aleksieja Ratmańskiego, wkrótce już interpretowała Katarzynę II w Rosyjskim Hamlecie Borysa Ejfmana itp. I debiutowała w głównych częściach takich baletów jak Jezioro łabędzie, Śpiąca królewna ”, „Raymonda”, „ Legenda o miłości”, cierpliwie czekała latami.

Rok 2003 okazał się brzemienny w skutki, kiedy to Alexandrova została wybrana Julią przez choreografa nowej fali Radu Poklitaru. To był ważny spektakl, który otworzył drogę do nowej choreografii (bez pointy, bez klasycznych pozycji) w Teatrze Bolszoj, a Aleksandrowa trzymała sztandar rewolucji. W 2014 roku powtórzyła swój sukces w innym balecie szekspirowskim – „Poskromieniu złośnicy” w choreografii Mayo. W 2015 roku Alexandrova rozpoczęła współpracę z choreografem Wiaczesławem Samodurowem. W Jekaterynburgu wystawił balet o teatralnym zapleczu „Kurtyna”, a latem 2016 roku wybrał rolę Ondine w balecie o tej samej nazwie w Teatrze Bolszoj. Baletnicy udało się wykorzystać wymuszony czas oczekiwania na dopracowanie dramatycznej strony roli. Tajne źródło jej twórczej energii, mające na celu działanie, nie wysycha, a Alexandrova jest zawsze czujna.

Film dokumentalny „Monologi o sobie. Maria Aleksandrowa”

Wiktoria Tereszkina

Podobnie jak Alexandrova w Bolszoj, Victoria Tereshkina (ur. 1983) była w cieniu wspomnianego tria balerinek. Ale nie czekała, aż ktoś przejdzie na emeryturę, zaczęła energicznie uchwycić przestrzenie równoległe: eksperymentowała z początkującymi choreografami, nie gubiła się w trudnych baletach Williama Forsytha (np. Sonata przybliżona). Często robiła to, czego inni nie podejmowali lub nie podejmowali, ale nie mogła sobie poradzić, ale Tereshkina odniosła sukces i nadal robi absolutnie wszystko. Jej główną mocną stroną było nienaganne posiadanie techniki, wytrzymałość i pomogła obecność niezawodnego nauczyciela w pobliżu, Ljubowa Kunakowej. Ciekawe, że w przeciwieństwie do Aleksandrowej, która weszła w prawdziwy dramat, możliwy tylko na scenie baletowej, Tereshkina „postawiła” na doskonalenie techniki i triumfalną bezmyślność podniosła do kultu. Jej ulubiony temat, który zawsze odgrywa na scenie, wyrasta z poczucia formy.

Film dokumentalny „Królewska skrzynia. Wiktoria Tereszkina”

Teatr Maryjski przywiózł do Moskwy balet „Anna Karenina”. Powalczy o prestiżową nagrodę Złotej Maski. 40 lat temu Rodion Szczedrin napisał muzykę i zaprezentował balet Mai Plisieckiej. Jako pierwsza zatańczyła Kareninę. Teraz główną część wykonują trzy gwiazdy. Na scenie prawie nie ma dekoracji. Najważniejsze jest taniec, jasny i namiętny.

Przyznaje, że marzyłaby o życiu w XIX wieku, choćby ze względu na takie sukienki i kapelusze. Ekaterina Kondaurova, wschodząca gwiazda Teatru Maryjskiego, ma w swojej ogromnej torbie baletki, 6 par, tyle, ile możesz potrzebować do tego szalonego występu rytmicznego, i zniszczony tom Tołstoja. Jej Karenina jest zmysłowa i samolubna.

Anna Karenina na prima Teatru Maryjskiego Diana Vishneva to kobieta na skraju załamania nerwowego.

„Dręczy ją miłość do swojej rodziny, do syna i Wrońskich - to kobieta, która jest na krawędzi”, mówi primabalerina Maryjskiego Baletu, Artystka Ludowa Rosji Diana Wisznewa.

Samotna w ciszy lekcji baletu Uliana Lopatkina jest skupiona i zamyślona. Jestem pewna, że ​​tak silne kobiety jak jej Karenina żyją dzisiaj i choć noszą dżinsy i jeżdżą samochodami, wciąż marzą o prawdziwej miłości.

Już na premierze w Petersburgu jej taniec podziwiał ten, dla którego 40 lat temu ten balet napisał Szczedrin. Pierwsza Anna Karenina - Maya Plisetskaya.

Choreograf Aleksiej Ratmanski postanowił zatańczyć powieść Tołstoja od końca. Anna już nie żyje. A Wroński wspomina ich wszechogarniającą pasję, która zaczęła się od fatalnego spotkania na peronie. Na scenie jest minimum scenografii, a świat, w którym istnieje Anna i inne postacie, odtwarzany jest za pomocą projekcji wideo - dworzec, dom Kareninów, hipodrom. A same wydarzenia toczą się z ogromną prędkością przy odgłosie kół.

Wagon naturalnej wielkości jest pełnoprawną postacią tragedii i jednym z najbardziej imponujących obrazów. Zwróci się do publiczności z zaszronionymi oknami, a potem do przytulnego świata przedziału pierwszej klasy. I to jak życie własnym życiem.

Za stoiskiem dyrygenta stoi maestro Valery Gergiev. W końcu to jego pomysł wystawił na scenie Teatru Maryjskiego współczesną „Annę Kareninę” – balet, który natychmiast stał się hitem w całej Europie.

„Wydaje mi się, że dla teatru Moskwa jest to także do pewnego stopnia ciekawa podróż przez trzy spektakle, jeśli ktoś ma szczęście zobaczyć wszystkie trzy” – powiedział Valery Gergiev, Ludowy Artysta Rosji, dyrektor artystyczny Teatru Maryjskiego „Może będzie to dla fanów baletu ciekawa, a może w pewnym sensie nawet fascynująca podróż przez ten sam spektakl trzy razy.

Trzy Anny. Impulsywna - Diana Vishneva, namiętna - Ekaterina Kandaurova, majestatyczna - Ulyana Lopatkina - na scenie Teatru Stanisławskiego przez trzy wieczory z rzędu historię miłosną jednej kobiety opowie trzy prima Marinka - genialna i zupełnie inna.

Zapomniany balet

Przeprowadziłeś się do pracy z Petersburga do Korei Południowej. Jak popularna jest teraz Azja wśród naszych tancerzy baletowych?

Szczerze mówiąc, moi koledzy wielokrotnie częściej wyjeżdżają do Europy i USA. W Korei Południowej balet ma dopiero około 50 lat, a firma Universal Ballet (największa firma baletowa w Korei Południowej, z siedzibą w Seulu - wyd.), w której obecnie pracuję, ma 33 lata. Oprócz tego w kraju działa także Koreański Balet Narodowy, w którym mogą pracować tylko Koreańczycy. Brak dyskryminacji: podobne firmy istnieją w innych krajach, na przykład we Francji. Tam też tylko taniec francuski.

- Dlaczego zdecydowałeś się opuścić Teatr Maryjski?

Wszystko zaczęło się od tego, że mój kolega dostał pracę w Universal Ballet. Pewnego dnia zapytałem ją, czy potrzebują tam tancerzy. Wysłałem do firmy nagranie z moich występów i wkrótce wezwano mnie do pracy. Od razu się zgodziłem, bo od dawna chciałem zmienić swoje życie baletowe na lepsze. A zespół „Universal Ballet” okazał się mieć bardzo bogaty repertuar: jest co tańczyć.

Problem w tym, że w Teatrze Maryjskim w tej chwili więcej uwagi poświęca się operze i muzyce niż baletowi, który wydaje się być zapomniany. Początkowo w Teatrze Maryjskim wciąż wystawiano nowe spektakle, zapraszano choreografów, w tym zagranicznych. Ale potem wszystko się zatrzymało.

Ostatni z kultowych choreografów przyszedł dwa lata temu Aleksiej Ratmansky (stały choreograf American Ballet Theatre. - red.), który w Teatrze Maryjskim wystawił balet Concerto DSCH do muzyki Dymitra Szostakowicza. Przez długi czas tańczyłem w tych samych klasycznych produkcjach. Ale chciałem też trochę nowego repertuaru, nowoczesnej choreografii.

Ale jeśli mamy wspaniały klasyk – Dziadek do orzechów, Fontanna Bachczysaraju, Jezioro łabędzie, to może nowoczesna choreografia nie jest potrzebna?

Bez nowych spektakli nie będzie rozwoju teatru i artystów. Za granicą to zrozum. Na przykład w Korei Południowej ostatnio zatańczyliśmy „Little Death” Jiriego Kiliana (czeski tancerz i choreograf – red.). To nowoczesny klasyk, który gra w kinach na całym świecie. Ale z jakiegoś powodu nie w Maryjskim. A tu m.in. balet „Romeo i Julia” w reżyserii Kennetha Macmillana (choreograf brytyjski, kierownik Baletu Królewskiego w latach 1970-1977. – red.), „Eugeniusz Oniegin” Johna Neumeiera (choreograf, kierownik Hamburskiego Baletu od 1973 r. - Wyd.), W środku, nieco podniesiony („Coś górowało w środku”) Williama Forsytha (amerykańskiego choreografa, jego trupa baletowa Forsyth Company eksperymentuje w dziedzinie tańca współczesnego. - Wyd. .).

Fabryka Gergiev

- Czy stajemy się prowincją baletową?

Nie powiedziałbym. Tyle, że Teatr Maryjski zamienia się w swego rodzaju fabrykę. Artysta może mieć tam 30-35 przedstawień baletowych miesięcznie. Na przykład czasami musiałem występować nawet dwa razy dziennie. Początkowo ludzie, otwierając taki napięty plakat na miesiąc wcześniej, robili zdziwione okrągłe oczy. Ale do wszystkiego można się przyzwyczaić. Do tego z biegiem czasu przyzwyczailiśmy się. Codziennie pracowali, wychodzili na scenę, wykonywali to, co musieli. Ale nikomu nie starczyło czasu ani energii na przygotowanie nowych spektakli, bo stare rzeczy, wystawiany repertuar, też trzeba przećwiczyć. Wielu tancerzy baletowych odeszło właśnie z powodu tej rutynowej, monotonnej pracy.

Miesięcznie odbywa się 6-7 występów. A do każdego z nich starannie się przygotowujemy, bo czas na to pozwala. Na przykład ostatnio tańczyli nowoczesny program, a od każdego zagranicznego choreografa (którego występy znalazły się w tym programie - przyp. red.) Przyszedł asystent, z którym razem pracowaliśmy: wyjaśnił pewne niuanse, szczegóły. Od stycznia, kiedy tu jestem, dostałam już tyle emocji i tyle rzeczy przetańczyłam!

- Jak myślisz, dlaczego w Teatrze Maryjskim jest taki przenośnik taśmowy?

Tyle, że osoba, która stoi na czele teatru (Valery Gergiev. - red.) Sam jest taki sam. Jest bardzo wydajny. Pewnego dnia jest w Moskwie na spotkanie, trzy godziny później leci do Monachium dyrygować orkiestrą symfoniczną, a pięć godzin później wraca do Moskwy na przyjęcie. Najwyraźniej uznał, że jego teatr powinien działać bardzo aktywnie. Oczywiście nie jest źle. Ale czasami czułem się jak górnik w Teatrze Maryjskim: pracowałem od rana do wieczora. Na przykład często wychodził z domu o 10 rano i wracał o północy. Oczywiście było bardzo ciężko. Z drugiej strony każdy teatr na świecie ma swoje problemy.

„Bomby z Korei Północnej się tu nie boją”

Jak zostałeś przyjęty przez innych tancerzy w Korei Południowej? Czy było jakieś większe zainteresowanie tobą, skoro jesteś z Teatru Maryjskiego?

Nie zauważyłem specjalnego entuzjazmu. Być może wcześniej Europejczycy w baletowym świecie Korei byli ciekawostką, ale teraz wszyscy od dawna są do nas przyzwyczajeni. Na przykład w Universal Ballet około połowa wszystkich tancerzy pochodziła z Europy. Są też Amerykanie. Nawiasem mówiąc, w balecie koreańskim wiele zaczerpnięto z baletu rosyjskiego. W szczególności jest tu wiele spektakli Teatru Maryjskiego. Dlatego jest mi tu bardzo łatwo: tańczyłem Dziadka do orzechów czy Don Kichota w Teatrze Maryjskim, a tańczę tutaj.

- Jakie warunki zapewniają naszym tancerzom Koreańczycy?

Warunki są bardzo dobre, pod tym względem są świetne. Na przykład od razu zapewnili mi mieszkanie - małe mieszkanie, dobrą pensję, wielokrotnie wyższą niż w Petersburgu (jednak ceny są tutaj wyższe) i ubezpieczenie medyczne. Nawiasem mówiąc, w Teatrze Maryjskim tancerze baletowi też to zrobili. Na przykład kilka lat temu miałam na nim operację kolana.

- Czy konkurencja w świecie baletu jest wyższa w Rosji czy Korei Południowej?

Konkurencja jest wszędzie, bez niej po prostu się nie rozwijasz. Ale jest sprawna i zdrowa. Nie czułem żadnych ukradkowych spojrzeń ani rozmów za plecami ani w Petersburgu, ani w Seulu. Ale nawet jeśli coś o mnie mówią, jestem tak pochłonięty pracą, że tego nie zauważam. W ogóle opowieści o odłamkach szkła w pointach i zamazanych garniturach to mit. W całej mojej karierze baletowej nigdy się z tym nie spotkałem. I nawet o tym nie słyszałem. Brak zasad.

- Azja to zupełnie inny świat. Do czego najtrudniej było ci się przyzwyczaić w Korei Południowej?

Kiedy koledzy z Teatru Maryjskiego dowiedzieli się o moim wyjeździe, powiedzieli, że będzie mi tam żyć psychicznie. Ale w Seulu byłem tak pochłonięty swoim zawodem, że nie czułem absolutnie nic. Po prostu tańczę bez tego petersburskiego wyścigu i czuję się absolutnie szczęśliwy. Chyba że musisz nauczyć się języka. Ale można bez tego żyć w Korei. Faktem jest, że miejscowa ludność jest bardzo przyjazna. Gdy zgubisz się w metrze lub na ulicy, natychmiast podchodzą i oferują pomoc w języku angielskim, pytając, gdzie mam iść.

- A co myślą o Korei Północnej? Czy czujesz napięcie ze strony tak trudnego sąsiada?

Nie. Wydaje mi się, że nikt nawet o tym nie myśli i nie boi się koreańskich bomb. Wszystko jest tu bardzo spokojne i wydaje się, że nic się nie dzieje. Nie ma ataków terrorystycznych, katastrof, nawet większych skandali. Ale pomimo tego, że jest tu tak wygodnie, nadal tęsknię za Petersburgiem, moją rodziną i Maryjskimi. Ten teatr dał mi naprawdę dużo. Studiowałem tam, zdobywałem doświadczenie, kształtowałem swój gust, tam tańczyłem. I na zawsze pozostanie w mojej pamięci.