Gdzie urodził się Rembrandt? Rembrandt – wszystko, co musisz wiedzieć o słynnym holenderskim artyście. Przeprowadzka do Amsterdamu

Sztuka czyni nasze życie ciekawszym i piękniejszym. Są ludzie, o których będziemy pamiętać przez wieki, a których twórczość przejmą kolejne pokolenia.

Po przeczytaniu tego artykułu przybliżysz się do zrozumienia dziedzictwa sztuki światowej, które pozostawił po sobie wielki mistrz – artysta Rembrandt van Rijn.

Biografia

Dziś nazywany jest mistrzem cieni, a także człowiekiem, który potrafił przelać na płótno absolutnie każdą emocję. Następnie zapoznamy się ze ścieżką życia, którą musiał przejść.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn (1606-1669) urodził się w Holandii, w mieście Leiden. Od najmłodszych lat interesował się malarstwem, a od 13 roku życia studiował sztuki piękne u Jacoba van Swanenbürcha, który był malarzem historycznym.

Potem wiadomo, że Rembrandt studiował u Petera Lastmana w wieku 17 lat, po przybyciu do Amsterdamu. Jego nauczyciel specjalizował się w motywach biblijnych i mitologii.

Zająłem się swoimi sprawami

Już w wieku 21 lat Rembrandt van Rijn wraz ze swoim przyjacielem otworzył pracownię rysunkową i prowadził regularne spotkania studentów i zajęcia ze sztuk pięknych. Zajęło mu to zaledwie kilka lat, a zyskał popularność m.in. jako mistrz w swoim rzemiośle.

Razem ze swoim przyjacielem Lievensem tworzyli już wówczas arcydzieła, a zauważył je Konstantyn Huygens, który był sekretarzem księcia Orańskiego. Obraz z Judaszem nazwał jednym z najlepszych dzieł sztuki starożytnej. Odegrał dużą rolę w rozwoju artysty, pomagając w nawiązywaniu kontaktów z zamożnymi klientami.

Nowe życie w Amsterdamie

W 1631 roku Rembrandt van Rijn całkowicie przeprowadził się do Amsterdamu. Życie w tym mieście było pełne zleceń od znaczących klientów, którzy widzieli w nim wspaniałego młodego artystę. W tym czasie jego przyjaciel wyjechał na studia do Anglii, gdzie również próbował odnieść sukces pod okiem nowego nauczyciela.

Tymczasem artysta zaczyna angażować się w obraz twarzy. Interesuje go mimika każdej osoby, próbuje eksperymentować z pomalowanymi głowami ludzi. Rembrandt van Rijn był w stanie dokładnie przekazać wszystko, co mówiły oczy osoby, od której napisał arcydzieło.

To właśnie portrety w tamtym czasie przyniosły artyście komercyjny sukces. Ponadto lubił autoportrety. Można znaleźć wiele jego prac, w których portretował siebie w wyimaginowanych kostiumach i strojach, w ciekawych pozach.

czas chwały

Rembrandt Harmenszoon van Rijn zyskał powszechne uznanie w Amsterdamie po namalowaniu w 1632 roku obrazu „Lekcja anatomii doktora Tulpa”, na którym przedstawił chirurgów, których lekarz uczył przeprowadzać sekcje na przykładzie zwłok.

Jeśli spojrzysz na to zdjęcie, zobaczysz cienką linię, za pomocą której mistrz przedstawił wyraz twarzy każdego z nich. To nie są tylko twarze ludzi, udało mu się oddać ogólną ostrożność całej grupy uczniów.

A sposób, w jaki przedstawił cień na zdjęciu, zadziwił wielu ówczesnych ekspertów. Jednomyślnie zaczęli twierdzić, że Rembrandt Harmenszoon van Rijn dojrzewał wraz ze swoimi obrazami.

Można powiedzieć, że ten czas uważany jest za jeden z najkorzystniejszych w życiu młodego artysty. Po ślubie z Saskią van Uilenbürch w 1634 roku na jego głowę spadł deszcz zleceń w ilości, której nie był w stanie malować.

W pierwszych latach życia w nowym mieście młodemu Rembrandtowi van Rijnowi udało się namalować ponad 50 obrazów. Zdjęcia były wyjątkowe i jasne, pisarze niejednokrotnie pamiętali jego dzieła. Na przykład Jost van den Vondel, wówczas najsłynniejszy poeta i dramaturg, złożył hołd autorowi w swoich wierszach na temat namalowanego przez niego portretu Cornelisa Anslo.

W tym czasie miał wystarczająco dużo pieniędzy, aby kupić własną rezydencję. Lubiąc sztukę i studiując dzieła klasyków i innych mistrzów, wypełnił swój dom słynnymi dziełami zarówno współczesnych, jak i dzieł starożytnych.

Życie rodzinne

Dzisiejsi krytycy sztuki zwracają uwagę na dobre dzieła tamtych czasów, których autorem był Rembrandt van Rijn. Obrazy jego żony Saskii w różnych strojach i na różnym tle wskazują, że mistrz w pełni dojrzał i zaczął tworzyć swoją sztukę na płótnach.

Był też smutek – trójka dzieci, które miał w trakcie małżeństwa, zmarła w młodym wieku. Ale w 1641 r. parze urodził się syn Tytus, który był ujściem dla młodych rodziców. Ten burzliwy czas doskonale odcisnął się na obrazie artysty „Syn marnotrawny w karczmie”.

Nieprzyjemne wydarzenie

Podobnie jak we wczesnych latach wyobraźnia wielkiego artysty zawsze pchała go do tworzenia obrazów o określonych tematach biblijnych. Ile wart jest jego obraz „Ofiara Abrahama”, który namalował w 1635 roku! Emocje i nastrój są tak wyraźnie oddane, że zaczynasz się martwić, że gdy tylko mrugniesz, nóż natychmiast wbije się w ciało.

W sztuce współczesnej to uczucie mogą oddać tylko fotografowie, którzy robią wyraźne zdjęcie w ruchu. Rzeczywiście, uderzająca jest jego umiejętność oddania atmosfery sytuacji przetworzonych wyobraźnią wielkiego mistrza.

Początek problemów

Porażki artysty nie zakończyły się wraz ze śmiercią żony. Poglądy artysty stopniowo się zmieniały. Ten młody Rembrandt van Rijn, którego twórczość podziwiali współcześni, stopniowo znikał.

W 1642 roku otrzymał doskonałą propozycję namalowania portretu muszkieterów, który miał zostać umieszczony w nowo wybudowanym budynku Towarzystwa Strzeleckiego. Był to jeden z największych obrazów, jakie kiedykolwiek namalował mistrz – sięgał czterech metrów.

Zgodnie z wizją klientów artysta miał stworzyć zwyczajny portret żołnierzy, z którego emanowałaby siła i pewność siebie. Niestety artysta Rembrandt van Rijn wykonał to zadanie na swój własny sposób.

Jak widać na pokazanym poniżej obrazie „Nocna straż”, jego twórczość trudno nazwać portretem. Płótno przedstawia całą scenę przygotowania kompanii strzeleckiej do nagłej kampanii.

I widać, jak ruch na zdjęciu został zamrożony. To odrębny kadr z życia żołnierzy. Klienci wywołali w związku z tym wiele oburzenia. Część muszkieterów zepchnięto na dalszy plan, innych schwytano w niezręcznej pozycji.

Ponadto ostra gra światła i cienia, której być może nikt nie był w stanie tak jasno i odważnie przedstawić na płótnie, również nie wzbudziła podziwu.

Potem Rembrandt van Rijn, którego dzieła wczoraj uważano za jedne z najlepszych, zaczął tracić zainteresowanie wysokiej rangi publicznością. A to oznaczało wówczas, że nikt nie będzie u niego wykonywał drogich zamówień.

Teraz wyobraźmy sobie osobę, która przez całe życie żyła w wielkim stylu, a potem nagle straciła źródło dochodu. Czy będzie w stanie porzucić dotychczasowe życie?

Nowoczesność wymagała szczegółowości obrazów

Uczniowie stopniowo go opuszczają. Wizja Rembrandta stopniowo odchodzi od ówczesnej mody – nowe trendy zmierzały w stronę maksimum szczegółowości. Oznacza to, że gdyby artysta zaczął malować tak, jak robił to w młodości, byłoby na niego spore zapotrzebowanie.

Ale życie jest nieprzewidywalne, zupełnie jak prawdziwa kreatywna osoba. Ręka mu twardniała, lubił bawić się cieniem, zacierając wyraźne krawędzie obiektów.

Brak możliwości zarobienia dobrych pieniędzy wpłynął na jego sytuację finansową. Biorąc pod uwagę, że jego zmarła żona była damą z zamożnej rodziny, jej posag przeszedł w całości na jego własność. A nie mając dochodów, po prostu je wydawał, czyli „spalał” na własne potrzeby.

Pod koniec lat czterdziestych XVII wieku dogadał się ze swoją służącą Hendrikje. Można to zobaczyć na niektórych jego obrazach. W tamtych czasach prawa były surowe w odniesieniu do więzi rodzinnych, a jego muza została potępiona przez sąd, gdy urodziła się córeczka Kornelia.

Trudno znaleźć słynne płótna z tego okresu życia artysty. Stopniowo odchodził od wielu zawierających motywy i sceny, które pisał w niedawnej przeszłości.

Ale on, jako osoba kreatywna, pokazał się w innych obszarach. Już wtedy po mistrzowsku wykonywał ryciny. Ukończenie arcydzieła zatytułowanego „Chrystus uzdrawiający chorych” zajęło mu 7 lat.

Udało mu się go sprzedać za 100 guldenów, co jak na tamte czasy było dość dużą kwotą. uważany za najlepszy z tych, jakie Rembrandt mógł stworzyć.

Zachód słońca Rembrandt

Starszy artysta coraz częściej borykał się z problemami materialnymi. W 1656 roku stał się całkowitym bankrutem, przekazując cały swój spadek synowi. Nie było z czego żyć. Rok później musiał sprzedać swój majątek. Dochody pomogły mu przenieść się na ciche przedmieścia Amsterdamu. Osiedlił się w dzielnicy żydowskiej.

Najbliższą mu osobą na starość był jego syn. Ale Rembrandt nie miał szczęścia, bo doczekał swojej śmierci. Nie mógł już znieść ciosów losu, a rok później również zmarł.

Dzisiejszy Rembrandt

Sztuka nigdy nie umiera. Twórcy żyją w swoich dziełach, a artyści są zawsze częścią ich płócien. Istota człowieka wyraża się w jego stylu i umiejętnościach malarskich.

Do tej pory Rembrandt van Rijn uważany jest za artystę z dużej litery i cieszy się uznaniem wszystkich krytyków. Jego praca jest wysoko ceniona. Przykładowo w 2009 roku na aukcji jego obraz „Półmetrowy portret nieznanego mężczyzny stojącego na biodrach”, napisany w 1658 roku, został sprzedany za rekordową cenę 41 milionów dolarów amerykańskich (w przeliczeniu na kurs dolara ten czas).

Doceniono także jego obraz „Portret starszej kobiety”, który w 2000 roku został sprzedany za około 32 miliony dolarów. To płótno nie odważy się nawet nazwać „obrazem”. Wygląda po prostu jak duża fotografia – tylko wielki mistrz był w stanie tak szczegółowo opisać twarz.

Ludzie tacy jak Rembrandt Harmenszoon van Rijn są naprawdę inspirujący. I nie trzeba zostać artystą, wystarczy robić to, co lubisz i co najważniejsze - z serca.

Zawsze trudno jest rozmawiać o tym, co naprawdę kochasz. Starannie dobierasz odpowiednie słowa, zwroty mowy, nie wiesz od czego zacząć… Dlatego zacznę od małej rewelacji: Rembrandta Harmenszoona van Rijna- mój ulubiony artysta, poznałem go bardzo długo.

Jako dziecko – w Ermitażu, z opowieściami profesora-ojca. W młodości - na lekcjach Moskiewskiego Teatru Artystycznego w instytucie, ze starymi slajdami w ciemnej publiczności w długie grudniowe wieczory. W młodości – w niesamowitym Amsterdamie, radośnie śmiejąc się w promieniach zachodzącego sierpniowego słońca. Przeczytałem już setki wykładów o Rembrandcie, przeprowadziłem kilkanaście wycieczek, a mimo to mam wrażenie, że teraz trzeba zanurzyć się w coś nieznanego, wielkiego, niezrozumiałego.

To jak skok z molo do wód morza, gdzie byłeś po raz pierwszy. Nie wiesz, czy woda jest tam zimna, ile kamieni jest na dnie. To oczekiwanie i zwątpienie sprawiają, że ręce drżą nerwowo. Można to pokonać tylko w jeden sposób – podskoczyć z rozbiegu, czując bicie serca i to, jak w jednej chwili cały otaczający Cię świat zostaje porwany gdzieś w dal, a teraz zostajesz sam na sam z czymś zupełnie nowym… No cóż. , Dobrze! Skaczmy, otwórzmy oczy i zobaczmy!

W wieku 27 lat miał wszystko, o czym mógł marzyć artysta. Sława, sława, pieniądze, ukochana kobieta, setki zamówień. Uważany był za najlepszego portrecistę w jednym z najbogatszych miast swoich czasów, w perle północnej Europy – Amsterdamie.

Tak, nigdy nie było na świecie artysty, który byłby w stanie coś takiego stworzyć! Portret musiał być idealny, miał rozjaśniać wszystkie mankamenty danej osoby, ale Rembrandt myślał inaczej. Jego portrety były żywe. Przekazywały charakter, był w nich konflikt. Przed Państwem fragment portretu głównego poborcy podatkowego prowincji holenderskiej, Jana Wtenbogarta.

Prawie całe państwo republiki przeszło przez ręce tego człowieka. A jego ubiór – zwiewny koronkowy kołnierzyk, długie futro z rosyjskiego futra sobolowego – wyraźnie świadczy o jego kondycji. Teraz spójrz tylko na te oczy. Widzisz w nich smutek… I od razu zapada w pamięć płótno wielkiego poprzednika Rembrandta. Czy apostoł nie patrzy z takim samym wyrazem na Chrystusa, kiedy go do siebie przywołuje? Ten portret to historia bardzo bogatego, ale bardzo nieszczęśliwego człowieka i holenderskiemu malarzowi udało się to ukazać w jednym zamrożonym momencie.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn cały swój wolny czas spędzał na studiowaniu mimiki twarzy. Godzinami stał przed lustrem i robił miny, które następnie przenosił węglem na papier. Ważne było dla niego wyłapanie najdrobniejszych odcieni emocji.

Według artysty twarz człowieka jest zwierciadłem duszy, zdał sobie z tego sprawę na długo przed Oscarem Wilde'em w swoim „Portrecie Doriana Graya”. Ale portrety nie są jedyną rzeczą, w której Rembrandt był wybitny. Jego duże płótna robią na nas nie mniejsze wrażenie. Gra światłocienia, którą Caravaggio tak rozwinął w swoim malarstwie, zyskuje od naszego mistrza naprawdę gigantyczny zakres.

Miał zaledwie 28 lat, kiedy stworzył swoje pierwsze absolutne arcydzieło. Ten obraz to „Zejście z krzyża”. Obok tego obrazu w Ermitażu po prostu nie można przejść obojętnie. W jednej chwili artyście udało się oddać całą istotę chrześcijaństwa, opowiedzieć jedną z najwspanialszych ludzkich historii tak szczerze i wzruszająco, jak to tylko możliwe, w sposób, jakiego nikt przed nim i po nim nie zrobił.

Jerozolima w tle pogrąża się w ciemności. Zbawiciel nie żyje. W centrum zdjęcia widzimy jego martwe ciało. To moment największej rozpaczy, nikt jeszcze nie wierzy w zmartwychwstanie. Ludzie widzą tylko zwłoki mężczyzny, którego kochali i czcili jako boga, a Dziewica Maryja mdleje, jej skóra jest śmiertelnie blada – właśnie straciła jedynego syna.

Jest jeden szczegół na tym płótnie, który nie jest od razu widoczny. To jest oświetlenie. Źródłem światła jest latarnia w rękach chłopca, lecz ciało Chrystusa i szaty trzymającego go w ramionach apostoła odbijają światło jak lustro. I to dzięki światłu opowiadana jest tu prawdziwa historia, ujawnia się filozoficzne znaczenie obrazu.

Światło latarni jest światłem wiary, a to, co widzimy na obrazie, jest wtajemniczeniem w jej tajemnicę. Można odnieść wrażenie, że źródłem światła staje się samo ciało Zbawiciela. Oblicze Matki Bożej i całun, oświetlone przyćmionym światłem świecy, wyróżniają się z ciemności, w którą powinno być owinięte Ciało Chrystusa. Na tym płótnie Rembrandt po raz pierwszy zastosował technikę, która w ostatnich latach jego życia stała się główną w jego twórczości.

I teraz widzimy, jak osoba, która doskonale opanowała technikę pisania, spisywała na płótnie wszystkie centralne postacie w najdrobniejszych szczegółach, ale w miarę oddalania się od światła twarze ludzi stawały się coraz bardziej zamazane, prawie nie do odróżnienia. Wszystko jest bardzo proste - tajemnica tego, co się dzieje, ominęła ich.

Jednak na tym płótnie pojawia się jeszcze jedna postać, której na pierwszy rzut oka nie widać. Pomimo tego, że znajduje się w cieniu, Rembrandt przedstawia go bardzo wyraźnie. W prawym dolnym rogu płótna, z najciemniejszego miejsca, kryjąc się za łodygami ostu, patrzy na Ciebie Diabeł w postaci psa i jakby zadawał Ci pytanie:

– Czy jesteś zamieszany w to, co się dzieje?

Tak, holenderski mistrz zawsze nie był zadowolony z ramy obrazu, marzył, że jego płótna staną się częścią tego świata, a widz stanie się bezpośrednim uczestnikiem tego, co się dzieje. Ale to właśnie to pragnienie strąciło go z wyżyn chwały w otchłań wieków zapomnienia.

Nieszczęścia i zapomnienie przychodzą równie szybko, jak szczęście i chwała. Rembrandt Harmenszoon van Rijn doświadczył tego na własnej skórze w 1642 roku. Oczywiście wcześniej były skargi: jego dzieci zmarły w niemowlęctwie. Przeżył tylko jeden syn, Tytus, urodzony w 1641 r. Ale rok później jego ukochana żona Saskia, z którą żył przez wiele lat, odeszła z tego świata. A wraz z tą stratą od artysty odwróciło się także szczęście, w momencie tworzenia jednego ze swoich najwspanialszych obrazów.

O Straży Nocnej Rembrandta można mówić bez końca. Płótno to jest tak obszerne w treści, tak wyjątkowe w budowie kompozycji, że historia jego powstania zasługuje na osobną książkę, a nie artykuł. Ale, jak to często bywa w życiu, to właśnie to dzieło, które później radykalnie zmieniło cały rozwój malarstwa światowego, zostało odrzucone przez współczesnych.

Klientom nie podobał się sposób ich przedstawiania, wielu z nich odmówiło zapłaty za dzieło artysty. Najsłynniejszy malarz Holandii nigdy nie doświadczył takiego upokorzenia. W ciągu jednego roku Rembrandt stracił ukochaną żonę i poniósł porażkę w swoim najlepszym dziele. Wydawałoby się, że to wystarczy, ale nie, to był dopiero początek tragedii. Zakonów było coraz mniej (wszedł w modę klasycyzm i styl portretów ceremonialnych), a wkrótce majątek artysty został sprzedany za długi. Z ogromnej rezydencji w samym centrum Amsterdamu zmuszony został przenieść się na obrzeża miasta, do dzielnicy żydowskiej, gdzie wraz ze swoim ukochanym synem Tytusem wynajął kilka pokoi.

Najciekawsze jest to, że Rembrandt z łatwością potrafił dostosować się do najnowszych trendów mody w sztuce i ponownie otrzymać za swoje płótna duże pieniądze. Malarz był jednak przekonany, że musi stworzyć zupełnie nowy styl. Na jego portretach nie byli teraz bogaci ludzie, ale najzwyklejsi obywatele Amsterdamu. Taki jest na przykład „Portret starego Żyda”.

Rembrandta nie interesowało szczegółowe przedstawienie wszystkich elementów ubioru, dążył do większej abstrakcji, starał się z idealną dokładnością oddać uczucia swoich bohaterów. Za swą wytrwałość otrzymał jedynie cierpienie i policzki. Stało się tak z jego obrazem „Spisek Juliusa Civilisa”.

Zamiast klasycznego, pompatycznego, towarzyskiego obrazu patriotyzmu, stary mistrz przedstawił go społeczeństwu.

Przed nami obraz barbarzyńskiej uczty, prymitywnej, brzydkiej. Płótno to wyprzedzało swoje czasy o prawie 300 lat, wyprzedzając malarstwo ekspresjonistyczne. Nic dziwnego, że arcydzieło mistrza zostało odrzucone, a jego imię okryło się niezatartym wstydem. Ale to właśnie ostatnie osiem lat jego życia, spędzone w absolutnym, nieprzeniknionym ubóstwie, jest jednym z najbardziej owocnych okresów w twórczości Rembrandta.

Myślę, że o malarstwie tego okresu, w tym o Powrocie syna marnotrawnego, napiszę w osobnym artykule. Teraz chcę porozmawiać o czymś innym. Zawsze byłem zdumiony, jak Rembrandt mógł pracować i rozwijać swój talent, gdy zewsząd spadały na niego ciosy losu. Długo nie mogło tak być i artysta to przewidział.

Ostateczny cios zawsze zadawany jest w najbardziej bolesne miejsce. Byli jedynym synem Tytusa – bardzo chorowitym chłopcem, podobnym do swojej zmarłej matki. To właśnie jego Rembrandt przedstawiał wówczas najczęściej: zarówno w postaci anioła na obrazie „Mateusz i anioł”, jak i czytającego, a także w różnych strojach. Być może malarz myślał, że przy pomocy swojego talentu uda mu się jakoś opóźnić to, co nieuniknione... Nie udało mu się...

Moim zdaniem „Portret Tytusa w sutannie klasztornej” to jeden z najbardziej uduchowionych obrazów Rembrandta. Przejawiła się w niej cała miłość ojca, cały talent malarza. We wszystkich tych szorstkich pociągnięciach, w tej ciemności nacierającej na młodego człowieka z lewej strony, w roślinach już otaczających jego ciało, wyróżnia się jedno - blada twarz syna artysty o spuszczonych, pełnych pokory oczach.

Tytus zmarł w 1668 r., Rembrandt przeżył go zaledwie o rok.

Umierał na obrzeżach Amsterdamu, zupełnie sam, wszystko w tym życiu zyskał i wszystko stracił. Długo zapomnieli o jego płótnach... Minęło jednak 150 lat, a już inni artyści usłyszeli, co mistrz chciał powiedzieć swoim współczesnym, wybierając własną, niepowtarzalną drogę zamiast sławy i pieniędzy.

Republika Baszkortostanu

Dziecięca Szkoła Artystyczna nr 2

Streszczenie na temat:

Rembrandta Harmenszoona van Rijna

Wykonano Uczeń 33 gr.

Anna Pilyugina

Sprawdzone przez Sevastyanovą I.A.

Ufa, 2007

1. Wstęp

2. Biografia

3. Kreatywność

4. Analiza pracy

5. Wniosek

Wstęp.

Holandia w XVII wieku była jednym z najbogatszych krajów Europy. Do jego stolicy, Amsterdamu, przybywały towary z całego świata. Bogaci holenderscy kupcy i bankierzy chcieli, aby dzieła sztuki odzwierciedlały całe ich życie. Malarstwo było wówczas najpopularniejszą i najbardziej rozwiniętą formą sztuki. Każdy mniej lub bardziej zamożny Holender uważał obraz za najlepszą ozdobę swojego domu. Według współczesnego, w holenderskich miastach „wszystkie domy były wypełnione obrazami”. Choć niektórzy artyści malowali głównie portrety, inni - sceny rodzajowe, jeszcze inni - martwe natury, po czwarte - pejzaże, wszyscy dążyli do realistycznego przedstawienia otaczającego życia: zgodnie z prawdą, prosto, bez upiększeń. Udało im się, a wielu z nich zasłynęło na wieki. Ale bez względu na to, jak wysokie były umiejętności holenderskich malarzy XVII wieku, ich wielka sztuka przewyższyła Rembrandta van Rijna - holenderskiego malarza, rytownika i rysownika, największego artystę wszechczasów i narodów. Żył w czasach, gdy rozum próbował już zatriumfować nad wiarą, gdy prawo silnych było kwestionowane przez prawo bogatych, a słabi i biedni byli pogardą i wyrzutami. Świat rozszerzył się w swoich granicach dzięki wielkim odkryciom geograficznym i studiom wszechświata, ale jednocześnie zawęził się do skali prywatnego domu, a nawet pojedynczej duszy, ponieważ wiarę uznano za sprawę prywatną, która nie nie wpływają na procesy zachodzące w społeczeństwie. Czasami skala jednej duszy może przekroczyć skalę wszechświata i wtedy dusza ta jest w stanie wygenerować swoje własne światy, swoje własne wszechświaty. Tacy ludzie rodzą się raz na sto lat, jeśli nie rzadziej. Rembrandt był właśnie taką osobą, w której żył wszechświat, a nie tylko jedną. Jest wielki w niesamowitej prostocie i człowieczeństwie. Za pomocą malarstwa Rembrandt potrafił, jak nikt przed nim, odsłonić wewnętrzny świat człowieka, jego złożone przeżycia emocjonalne.

Rembrandta nigdy nie otaczały zaszczyty, nigdy nie znajdował się w centrum uwagi, nie siedział w czołówce, żaden poeta za życia Rembrandta nie śpiewał o nim. Podczas oficjalnych uroczystości, w dni wielkich uroczystości, zapominano o nim. Nie kochał i nie stronił od tych, którzy go zaniedbywali. Zwykłą i ukochaną firmą byli sklepikarze, filistyni, chłopi, rzemieślnicy - najprostsi ludzie. Lubił odwiedzać portowe tawerny, w których bawili się marynarze, handlarze śmieciami, wędrowni aktorzy, drobni złodziejaszki i ich dziewczyny. Z radością przesiadywał tam godzinami, przyglądając się krzątaninie i czasami szkicując ciekawe twarze, które następnie przeniósł na swoje płótna.

Biografia.

15 lipca 1606 roku w Leiden zamożny młynarz Harmen Gerrits i jego żona Neeltge Willems van Zeitbroek urodziła szóste dziecko, któremu nadano imię Rembrandt. Młyn znajdował się niedaleko Renu, który przecinał miasto, dlatego Harmen Gerrits zaczęto nazywać van Rijn, a cała rodzina otrzymała ten dodatek do nazwiska.

Rodzice, dając Rembrandtowi dobre wykształcenie, chcieli, aby został naukowcem lub urzędnikiem. Uczy się w szkole łacińskiej, a następnie od 1620 roku na uniwersytecie w Leiden, który opuszcza bez ukończenia. Pragnienie rysowania, które objawiało się już w dzieciństwie, zaprowadziło go do pracowni miejscowego malarza Jacoba van Swanenburga, który nauczył Rembrandta podstaw rysunku i malarstwa, zapoznał go z historią sztuki. Po trzech latach nauki u niego Rembrandt przeniósł się w 1623 r. do Amsterdamu i kontynuował naukę u słynnego malarza Pietera Lastmana (1583–1633). Ale szkolenie trwało tylko sześć miesięcy. W 1624 Rembrandt powrócił do Lejdy i tam wraz ze swoim przyjacielem Janem Lievensem otworzył własną pracownię malarską.

Rembrandt uczy się od artystów przeszłości i współczesnych, opanowuje technikę malowania i grawerowania. Studiuje sztukę Włoch z odlewów, rycin, kopii i dostrzega humanistyczną zasadę sztuki włoskiej. Pod koniec 1631 roku Rembrandt, słynny portrecista i autor obrazów historycznych, przeniósł się do Amsterdamu, największego miasta handlowego. Jednym z pierwszych obrazów namalowanych przez Rembrandta w Amsterdamie był obraz „Lekcja anatomii doktora Tulpa” (1632, Haga, Mauritshuis), który wpisuje się w tradycję portretu grupowego. Obraz wzbudził ogromne zainteresowanie, a Rembrandt stał się jednym z najmodniejszych młodych portrecistów w Amsterdamie.

W 1634 roku Rembrandt poślubia córkę byłego burmistrza Leeuwarden, Saskię van Uylenburg, szlachetnego i zamożnego patrycjusza. Jej wizerunek Rembrandt uwieczniał na wielu portretach z niezwykłą czułością i miłością. Z tego małżeństwa urodził się syn Tytus, dziecko rodzi się miłość i radość. W swojej pracy Rembrandt odnosi sukcesy i jest szczęśliwy jak w małżeństwie. Najbogatsi ludzie w mieście zamawiają dla niego portrety, bogate korporacje rzemieślnicze zamawiają portrety grupowe, magistrat prosi o namalowanie obrazów o różnej tematyce, w tym religijnej, jego ryciny sprzedawane są w sklepach najsłynniejszych antykwariuszy. Ma wielu uczniów. Rembrandt kupuje duży trzypiętrowy dom przy Breestraat, w którym ma warsztat, salony, a nawet sklep. Wyposażając dom w luksusowe rzeczy, artysta tworzy bogatą kolekcję, w której znalazły się dzieła Rafaela, Giorgione, Durera, Mantegny, van Eycka, ryciny z dzieł Michała Anioła, Tycjana. Rembrandt kolekcjonował perskie miniatury, wazony, muszle, autentyczne antyczne popiersia, porcelanę chińską i japońską, szkło weneckie, drogie tkaniny orientalne, stroje różnych narodów, gobeliny i instrumenty muzyczne.

Na początku lat czterdziestych Rembrandt był popularnym i dobrze opłacanym malarzem. W latach trzydziestych namalował około 60 portretów na zamówienie. Ma około 15 uczniów. Jednym z najsłynniejszych obrazów Rembrandta z tego okresu jest Danae (1636-1646, St. Petersburg, Państwowe Muzeum Ermitażu). Pracę nad obrazem rozpoczął w okresie rodzinnego szczęścia, u szczytu sławy. Ale w kolejnych latach wiele się zmieniło: trójka dzieci Rembrandta umiera, kilka miesięcy później zmarła jego ukochana żona Saskia (1642), która zostawia młodego Tytusa w ramionach. Wkrótce traci matkę i siostry. Po śmierci Saskii życie Rembrandta zdawało się pęknąć, które nie trwało do końca jego dni. W latach pięćdziesiątych XVII wieku miał coraz mniej zleceń. Bogaci ludzie nie zamawiają już u niego portretów, magistrat nie przekazuje środków na obrazy do budynków użyteczności publicznej. W kościołach tamtych czasów obrazy również nie były wymagane, gdyż w Holandii zwyciężył protestantyzm, negatywnie nastawiony do sztuki religijnej. Ryciny Rembrandta, które kilka lat temu sprzedawały się tak dobrze, obecnie nie znajdują nabywcy. Przez pewien czas Rembrandt, przyzwyczajony do życia na wielką skalę, żyje jak dawniej, ale to przekracza jego możliwości. W związku z niespłacanymi długami wierzyciele składają formalne pozwy, ubiegają się o wydanie przez sąd postanowienia o karze pozbawienia wolności. W 1656 roku decyzją sądu amsterdamski ratusz uznał Rembrandta za niewypłacalnego dłużnika, przeprowadzono inwentaryzację majątku, który w latach 1656-1658 został sprzedany. Rzeczywista wartość majątku artysty była kilkakrotnie większa niż wielkość jego długów: kolekcję wyceniono na 17 000 guldenów. Sprzedano go jednak za jedyne 5 tys., dom wyceniono za połowę pierwotnej ceny. Jednak nie wszyscy wierzyciele zostali usatysfakcjonowani. A sąd orzekł, że wszystkie obrazy, które artysta namaluje, muszą zostać sprzedane, aby spłacić długi, sąd pozbawił Rembrandta prawa do posiadania majątku, z wyjątkiem rzeczy do noszenia i przyborów do rysowania, co oznaczało żebraczą egzystencję. W kampanię prześladowań artystki, z którą Rembrandt popadł w konflikt za życia Saskii, włączają się także bliscy Saskii. utrzymywali, że artysta roztrwonił majątek żony. Choć w tym czasie Rembrandt swoją pracą zgromadził majątek przewyższający darowizny żony, zgromadził wspaniałą kolekcję skarbów sztuki. Słynny malarz, który wcześnie zaznał sławy i fortuny, w wieku pięćdziesięciu lat okazał się biedakiem, żyje samotnie, zapomniany przez wielbicieli i przyjaciół. To prawda, że ​​​​nadal dużo pisze, ale wszystkie jego płótna są natychmiast odbierane przez wierzycieli...
Pocieszeniem w trudnej sytuacji Rembrandta, oprócz malarstwa, jest jego druga żona, Hendrikje Stoffels. Była raczej jego gospodynią i mieszkał z nią, jak mówią, w małżeństwie cywilnym. Społeczeństwo purytańskie surowo skarciło go za to „współżycie”. Artysta nie mógł oficjalnie się z nią ożenić, ponieważ. zgodnie z wolą Saskii Rembrandt w momencie zawarcia nowego małżeństwa miałby zostać pozbawiony prawa do bycia stróżem dziedzictwa swego syna Tytusa. Jednak Hendrikje była nie tylko kobietą ekonomiczną, ale także życzliwą, dla Tytusa stała się prawdziwą matką. W 1654 urodziła córkę Rembrandta, Kornelię. Wizerunek Hendrikje Stoffels jest także przedstawiany na płótnach Rembrandta. Nie jest tak młoda i piękna jak Saskia, ale artysta patrzy na nią oczami pełnymi miłości, portretuje ją z wielkim ciepłem. Kościół ponownie potępia jego wspólne pożycie z Hendrikje, a ich córka Cornelia zostaje uznana za nieślubną. Rodzina Rembrandtów przeprowadza się do najbiedniejszej dzielnicy Amsterdamu. Tytus po upadku ojca, aby uczynić swój majątek całkowicie niedostępnym dla wierzycieli Rembrandta, sporządza testament, w którym cały swój majątek pozostawia swojej siostrze Kornelii i wyznacza Rembrandta na opiekuna z prawem dysponowania pieniędzmi . Pomimo trudnej sytuacji Rembrandt nadal pisze.

W 1660 roku Tytus i Hendrickier otwierają antykwariat, w którym Rembrandt został zatrudniony przez znawcę. I choć decyzją sądu nowo namalowane przez Rembrandta obrazy miały zostać przekazane do dyspozycji wierzycieli, to jednak umowa o zatrudnienie go do pracy umożliwiła artyście przekazanie swoich dzieł do antykwariatu. Pozwoliło to rodzinie zwiększyć dochody i kupić dom.

Kłopoty nie przestają spadać na artystę: w 1663 roku stracił ukochaną Hendrikje Stoffels, która zgodnie z jej wolą pozostawia Tytusowi antykwariat, a Rembrandtowi niewielki spadek. W 1668 r. umiera syn Tytus. Pozostała przy nim jedynie córka Kornelia, która miała wówczas 14 lat. Rembrandt zostaje opiekunem swojej córki Kornelii. A jednak mimo wszystko Rembrandt nadal maluje, wycina ryciny, knuje coraz to nowe plany.

W lutym 1668 Tytus poślubił Magdalenę van Loo, ale wkrótce potem zmarł. To zadało Rembrandtowi miażdżący cios i 8 października 1669 roku umiera on w ramionach swojej córki Corneli.

Kreacja.

Twórczość Rembrandta jest bez wątpienia szczytem szkoły holenderskiej. Ten mistrz był sam wśród innych artystów. Uważali go za „pierwszego heretyka w malarstwie”, choć później sami zaczęto nazywać ich „małymi Holendrami” – aby podkreślić, jak bardzo Rembrandt z nich wyrósł.

Duży wpływ na jego twórczość miał także styl barokowy, który powstał w XVII wieku, ale wyrafinowanie, przepych i podkreślona teatralność tego stylu były dalekie od poszukiwań Rembrandta. Był wielbicielem twórczości Michelangelo Merisi da Caravaggio (1573–1510), twórcy nurtu realistycznego w malarstwie europejskim XVII wieku.

Rembrandt napisał to, co zaobserwował w życiu, a wszystko, co przedstawił, stało się niezwykle poetyckie. Cudu tego dokonał pędzel wielkiego mistrza. Na obrazach Rembrandta dominuje zmierzch, a miękkie złote światło podkreśla postacie z niego. Same kolory, jakby ocieplone wewnętrznym ciepłem, mienią się niczym

kamienie szlachetne Szczególne miejsce w twórczości Rembrandta zajmuje temat religijny, to tutaj manifestuje się oryginalność mistrza. Głównym źródłem inspiracji dla Rembrandta była Biblia. Nawet gdy na obrazy o tematyce religijnej nie było popytu, artysta malował je dla siebie, bo odczuwał realną potrzebę. Obrazy te ucieleśniają jego duszę, jego modlitwę, głębokie czytanie Ewangelii.Artysta czytał Biblię w swoim ojczystym języku, który nie wyróżnia się elegancją. Ubiera go w formę zrozumiałą i bliską swoim współczesnym, ludziom prostego życia i prostej wiary. Taka stodoła, w której narodził się Zbawiciel, znajduje się w każdej holenderskiej wiosce. Świątynia w Jerozolimie, gdzie Starszy Symeon przyjmuje w ramionach Boskie Dzieciątko, przypomina starożytne katedry Amsterdamu. A wszystkie postacie na jego biblijnych obrazach, a nawet anioły, wyglądają jak mieszczanie i chłopi, których można spotkać wszędzie w tym kraju.

Z biegiem lat coraz większe znaczenie w manierze artysty zyskuje światłocień, za pomocą którego umieszcza akcenty duchowe i emocjonalne, wszędzie tam, gdzie światło jest „bohaterem” obrazu i kluczem do interpretacji fabuły. Interesuje go ukryta istota zjawisk, złożony wewnętrzny świat ludzi.W 1648 namalował obraz „Chrystus w Emaus”, w którym światłocień tworzy napiętą atmosferę emocjonalną. „Wypędzenie kupców ze świątyni” zostało napisane przez Rembrandta w wieku dwudziestu lat. Niektóre cechy tego dzieła mówią o braku doświadczenia mistrza nowicjusza, choć wiele już wróży jego przyszłym arcydziełom. Łatwo zauważyć wady zawodowe w obraz: błędy w perspektywie i proporcjach dążenia młodego malarza. Wbrew przywiązaniom większości malarzy holenderskich do gatunku codziennego, zwraca się on ku obrazowi historycznemu na podstawie opowieści biblijnej i maluje go z niezwykłą dla literatury intensywnością dramatycznych namiętności. „mały Holender”. Odtworzone na płótnie skrajne stany emocjonalne – strach, przerażenie, złość – świadczą o wczesnym zainteresowaniu artysty wewnętrznym światem człowieka. To nieco groteskowe wyostrzenie przejawów duchowych było punktem wyjścia na twórczej drodze Rembrandta, która później doprowadziła go do odkrycia wielostronnego życia ludzkiej duszy.

Mimo to język malarski Rembrandta jest zaskakująco subtelny i wyrafinowany, artysta osiąga niesamowite niuanse barwne, grę światła i cienia, po mistrzowsku buduje kompozycję. Typami jego obrazów są celowo zwykli ludzie, ale ich uczucia i doświadczenia są głębokie i wzniosłe. To właśnie ten kontrast sprawia, że ​​obrazy mistrza są wyjątkowe. Rembrandt osiąga szczególne wyrafinowanie w grafice. Osiąga tu niesamowitą subtelność linii i kreski, ale jest to jedynie środek do głębokiego wniknięcia w fabułę. W istocie Rembrandt jest twórcą ryciny, ale nawet po nim niewielu osobom udało się tak psychologicznie dokładnie przekazać stan duchowy bohaterów. Temat biblijny jest tu także dominujący. Graficzne wersje przypowieści o synu marnotrawnym zadziwiają intensywnością dramatyzmu i oddziałują na widza nie mniej niż słynny obraz o tej tematyce.

Obrazy i ryciny Rembrandta są znacznie szerzej znane publiczności niż jego rysunki, które przez długi czas pozostawały przedmiotem zainteresowań wąskiego kręgu kolekcjonerów i koneserów. Tymczasem postać rysownika Rembrandta w niczym nie ustępuje Rembrandtowi malarzowi czy rytownikowi. Rysunki mistrza, zachowane w ogromnej ilości – około 1700 arkuszy, stanowią autonomiczny obszar jego twórczości. A jedną z najbardziej niezwykłych cech rysunków Rembrandta jest ich zdolność uczynienia widza świadkiem i współsprawcą narodzin myśli artystycznej genialnego mistrza. Wśród tych arkuszy znajduje się mały szkic „Kobieta z dzieckiem”. Wykonany piórem trzcinowym, zachowuje całą swobodę i bezpośredniość błyskawicznego szkicu z natury lub z pamięci, gdy ręce artysty ledwo mają czas na zarysowanie głównych linii.

Najnowsze prace mistrza zadziwiają wyrafinowaniem stylu, głębią wnikania w wewnętrzny świat obrazów, efekty światłocienia są jeszcze bardziej wzmocnione, zamieniając płótna w murale mieniące się jak szlachetne kamienie. W grafice Rembrandt osiąga także niesamowite wyżyny umiejętności.

Nawet teraz często maluje autoportrety, zaglądając w nie jak w lustro, być może próbując rozwikłać własny los lub zrozumieć plan Boga, który tak przedziwnie prowadzi go przez życie. Autoportrety Rembrandta są nie tylko szczytem jego twórczości, ale nie mają odpowiednika w światowej galerii portretów. W autoportretach z ostatnich lat widzimy człowieka bohatersko znoszącego ciężkie próby i gorycz straty. Jako portrecista był twórcą swoistego gatunku portretu-biografii, w którym długie życie człowieka i jego wewnętrzny świat zostały ujawnione w całej jego złożoności i niespójności. Twórczość Rembrandta lat pięćdziesiątych XVII wieku charakteryzuje się przede wszystkim osiągnięciami w dziedzinie portretu. Na zewnątrz portrety tego okresu wyróżniają się z reguły dużymi rozmiarami, monumentalnymi formami i spokojnymi pozami. Modelki zwykle siedzą na głębokich krzesłach z rękami na kolanach i twarzą prosto w stronę widza. Światło podkreśla twarz i dłonie. Są to zawsze ludzie starsi, mądrzy długim doświadczeniem życiowym, starzy mężczyźni i kobiety z pieczęcią ponurych myśli na twarzy i ciężką pracą na rękach. Takie modele dały artyście znakomite możliwości ukazania nie tylko zewnętrznych oznak starości, ale także duchowego obrazu człowieka. W niezwykle ekscytujących i serdecznych portretach Rembrandta wydaje się, że czujesz życie danej osoby. Przedstawiając swoich bliskich, przyjaciół, żebraków, starców, za każdym razem z niezwykłą czujnością oddawał zmienne ruchy duchowe, żywe drżenie wyrazu twarzy, zmianę nastroju.

Analiza pracy.

1. “ Powrót syna marnotrawnego ”

W połowie lat sześćdziesiątych XVII wieku Rembrandt ukończył swoje najbardziej poruszające dzieło „Powrót syna marnotrawnego”. Można go postrzegać jako świadectwo Rembrandta-człowieka i Rembrandta-artysty. To tutaj idea, której Rembrandt służył przez całe życie, znajduje swoje najwyższe, najdoskonalsze ucieleśnienie. I właśnie w tej pracy spotykamy całe bogactwo i różnorodność technik obrazowych i technicznych, które artysta rozwinął przez wiele dziesięcioleci twórczości. Obdarty, wyczerpany i chory, roztrwoniwszy majątek i porzucony przez przyjaciół, syn pojawia się w progu domu ojca i tu, w ramionach ojca, znajduje przebaczenie i pocieszenie. Niezmierzona jasna radość tych dwóch starców, którzy stracili wszelką nadzieję na spotkanie z synem, oraz syn, ogarnięty wstydem i skruchą, chowający twarz na piersi ojca, jest główną treścią emocjonalną dzieła. W milczeniu, zszokowani, mimowolni świadkowie tej sceny zamarli. Artysta ogranicza się do maksimum w kolorze. Na obrazie dominują odcienie złocistej ochry, cynamonowo-czerwonej i czarnobrązowej z nieskończonym bogactwem najdrobniejszych przejść w tej skąpej gamie. Do nakładania farb na płótno służy pędzel, szpatułka i rączka pędzla; ale nawet to wydaje się Rembrandtowi niewystarczające. Nakłada farbę na płótno bezpośrednio palcem (tak na przykład zapisana jest pięta lewej stopy syna marnotrawnego). Dzięki różnorodnym technikom uzyskuje się zwiększoną wibrację kolorowej powierzchni. Kolory teraz płoną, potem błyszczą, potem matowo się tlą, a potem zdają się świecić od środka i żaden szczegół, ani jeden, nawet najbardziej nieistotny róg płótna nie pozostawia widza obojętnym. Tylko osoba mądra, z ogromnym doświadczeniem życiowym i wspaniały artysta, który przeszedł długą drogę, mogła stworzyć to genialne i proste dzieło. W Powrocie syna marnotrawnego nic się nie dzieje i nic nie jest powiedziane. Wszystko zostało powiedziane, przemyślane, przecierpiane i przeżyte dawno temu, przez lata długiego oczekiwania, ale jest radość spotkania, cisza i jasność... Powrót syna marnotrawnego był ostatnim wielkim dziełem gospodarz. 2. “ Danae ”

Kiedy król starożytnego greckiego miasta Argos dowiedział się o proroctwie, według którego przeznaczona była mu śmierć z rąk syna Danae, jego córki, uwięził ją w lochu i przydzielił jej służącą. Bóg Zeus jednak przeniknął Danae w postaci złotego deszczu, po czym urodziła syna, Perseusza.

Rembrandt zaczyna malować obraz „Danaë” w 1636 roku, 2 lata po ślubie z Saskią van Uilenbürch. Artysta bardzo kocha swoją młodą żonę, często przedstawiając ją na swoich obrazach. Nie był wyjątkiem i „Danae”, napisany przez Rembrandta nie na sprzedaż, ale dla jego domu. Obraz pozostał u artysty aż do sprzedaży jego majątku w 1656 roku. Długo pozostawało zagadką, dlaczego podobieństwo do Saskii nie jest tak oczywiste, jak w innych obrazach artysty z lat trzydziestych XVII w., a zastosowany przez niego styl miejscami bardziej przypomina twórczość z późniejszego okresu jego twórczości. Dopiero stosunkowo niedawno, w połowie XX wieku, za pomocą fluoroskopii udało się znaleźć odpowiedź na tę zagadkę. Na zdjęciach rentgenowskich podobieństwo do żony Rembrandta jest bardziej widoczne. Okazuje się, że obraz został zmieniony po śmierci żony artysty (1642), w czasie, gdy pozostawał on w intymnym związku z Gertierem Dirksem. Rysy twarzy Danae na zdjęciu zostały zmienione w taki sposób, że łączyły w sobie obie ulubione kobiety artysty. Ponadto fluoroskopia wykazała, że ​​na oryginalnym obrazie Danae padał złoty deszcz, a jej wzrok był skierowany w górę, a nie w bok. Anioł u wezgłowia łóżka miał roześmianą twarz, a prawa ręka kobiety była zwrócona dłonią do góry.

Na obrazie młoda naga kobieta w łóżku oświetlana jest przez przesuwany przez pokojówkę strumień ciepłego światła słonecznego wpadającego przez baldachim. Kobieta uniosła głowę nad poduszkę, wyciągając prawą rękę w stronę światła, próbując poczuć je dłonią. Jej ufne spojrzenie zwrócone jest w stronę światła, usta lekko rozchylone w półuśmiechu. Splątana fryzura, zmięta poduszka – wszystko wskazuje na to, że minutę temu pogrążona w sennej błogości kobieta śniła w swoim luksusowym łóżku słodkie sny. Danae otrzymała dogłębną charakterystykę psychologiczną oraz sprzeczny zakres swoich uczuć i doświadczeń. „Danae”, dzięki któremu odsłonięty został sekretny wewnętrzny świat kobiety, cały złożony i sprzeczny wachlarz jej uczuć i przeżyć. „Danae” jest zatem wyraźnym, konkretnym przykładem powstania słynnego psychologizmu Rembrandta. Obraz „Danae” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. 3. “ Lekcja anatomii prowadzona przez doktora Tulpa ”

Znana jest tożsamość dwóch osób na tym portrecie. Jednym z nich jest dr Nicholas Tulp, który pokazuje widzom budowę mięśni ludzkiej dłoni. Drugi to trup: Aris Kindt, nazywany Dzieciątkiem, tak naprawdę nazywał się Adrian Adrianzon. Zamordowany ciężko ranił strażnika więziennego w Utrechcie oraz pobił i okradł mężczyznę w Amsterdamie. W tym celu 31 stycznia 1632 roku został powieszony i przekazany na publiczną sekcję zwłok amsterdamskiej gildii chirurgów.

Takie otwarte lekcje anatomii były powszechne nie tylko w Holandii, ale w całej Europie. Odbywały się tylko raz w roku, najczęściej w miesiącach zimowych, w celu lepszej konserwacji ciała, miały charakter uroczysty i trwały zwykle kilka dni. Widzami byli koledzy, studenci, szanowani obywatele i zwykli obywatele.

Sekcje zwłok odbywały się w salach anatomicznych, które miały okrągły kształt z wznoszącymi się rzędami. Stół z ciałem, stojący na środku teatru, był dobrze widoczny z każdego miejsca. O Amsterdamie Teatr Anatomiczny niewiele wiadomo, Rembrandt jedynie zaznaczył to na swoim płótnie. Na miejscu obserwatora można sobie wyobrazić salę wypełnioną widzami.

Tulpa ma wyższą rangę niż reszta postaci, on sam jest przedstawiony na zdjęciu w kapeluszu. Najprawdopodobniej pozostali bracia w sklepie nie mają wykształcenia akademickiego. Być może wspólnie sfinansowali ten obraz – portret zbiorowy miał służyć gloryfikacji przedstawionych na nim osób i ozdobić rezydencję cechową.

Rembrandt inaczej niż jego poprzednicy przedstawiał postacie na swoim płótnie. Z reguły przedstawiano ich siedzących w rzędach i patrzących nie na ciało, ale bezpośrednio na widza. Artysta przedstawił chirurgów z profilu lub w półobrocie i zgrupował ich w formie piramidy, przy czym główny bohater nie znajduje się na jej szczycie.

Ponadto celowo podkreśla autentyczne zainteresowanie publiczności. Dwie osoby pochyliły się do przodu, ich postawa i wygląd wskazują, że z pewnością chcą zobaczyć wszystko tak blisko i jak najdokładniej, jak to możliwe, choć trudno uwierzyć, że obaj chirurdzy byli naprawdę porwani trwającą akcją ceremonialną i starają się zaspokoić swoje naukowe odsetki. Jest mało prawdopodobne, aby publiczność siedziała tak blisko sceny, Rembrandt skoncentrował się na tym, co działo się w wąskiej przestrzeni, otaczając zmarłego z intensywną uwagą i życiem.

Autopsja

Co zaskakujące, sekcja zwłok rozpoczęła się od ręki. Zwykle chirurdzy najpierw otwierali jamę brzuszną i wyjmowali narządy wewnętrzne. 24 lata później Rembrandt namalował płótno „Wykład o anatomii doktora Deimana”, które przedstawia ciało z otwartą jamą brzuszną - zgodnie z obowiązującymi wówczas kanonami.

Może to wynikać z dwóch powodów. Pierwsza jest hołdem złożonym Andreasowi Vesaliusowi, twórcy współczesnej anatomii, który zasłynął dzięki studiom nad anatomią dłoni. Po drugie, przedstawiając rękę, artysta mógł łatwiej przekazać obrazowi przesłanie religijne. Tak jak ścięgna rządzą ręką, tak Bóg rządzi ludźmi. Nauka miała udowodnić ludziom moc Boga.

Doktor Nicholas Tulp

Prawdziwe nazwisko doktora Nicholasa Tulpa brzmiało Klaus Pietersohn, urodził się w 1593 r., a zmarł w 1674 r. Nazwisko Tulp wywodzi się z domu rodzinnego, w którym niegdyś odbywała się aukcja sprzedaży kwiatów.

Tulp należał do ścisłej czołówki amsterdamskiego towarzystwa, kilkakrotnie był burmistrzem Amsterdamu. W chwili pisania płótna był członkiem rady miejskiej i prelektorem (prezydentem) cechu chirurgów. Tulp był praktykującym lekarzem w Amsterdamie, a anatomia była jedną z jego dziedzin, w których się specjalizował. Rembrandt podkreślił jego szczególną pozycję, przedstawiając go z boku siedzących blisko siebie chirurgów. Ponadto artysta przedstawił Tulpę jako jedyną noszącą kapelusz – w pomieszczeniach zamkniętych przywilej noszenia nakrycia głowy zawsze był oznaką przynależności do wyższych sfer.

Ciało Arisa Kindta

Artyści przed Rembrandtem zazwyczaj przedstawiali twarz zmarłego z zakrytą chusteczką lub osobą stojącą przed nim. Obserwatorzy musieli zapomnieć, że przed nimi stoi mężczyzna, który na ich oczach jest rozczłonkowany. Rembrandt zaproponował rozwiązanie pośrednie - przedstawił swoją twarz w połowie zakrytą cieniem. Typowa dla Rembrandta gra kontrastem światła i cienia, jakby widoczna w półmroku ombra mortis- cień śmierci.

Choć główną postacią jest Doktor Tulp, to ciało Arisa Kindta zajmuje na płótnie większą powierzchnię. Główne światło również pada na niego, jego nagość i sztywność odróżniają go od osób przedstawionych na zdjęciu. Wydaje się, że Rembrandt dopiero wtedy tak blisko przedstawił chirurgów i nadał płótnu taką dynamikę, aby podkreślić bezruch ciała, uczynić jego martwotę namacalną.

Wniosek.

Twórcze dziedzictwo mistrza jest ogromne, Rembrandt wykazał się niesamowitą sprawnością: stworzył ponad 250 obrazów, 300 rycin i 1000 rysunków. Artysta zmarł w biedzie, ale po jego śmierci jego twórczość stała się niezwykle cenna.

Twórczość Rembrandta wywarła ogromny wpływ na rozwój światowych sztuk pięknych. Jego prace znajdują się dziś w wielu muzeach na całym świecie oraz w kolekcjach prywatnych. A w Holandii urodziny Rembrandta – 15 lipca – obchodzone są jako święto narodowe.

Artysta wyniósł sztukę plastyczną na nowy poziom, wzbogacając ją o coś niespotykanego

Witalność i głębia psychologiczna. Rembrandt stworzył nowy język obrazowy, w którym główną rolę odegrały doskonale rozwinięte techniki światłocienia i bogate,

emocjonalna kolorystyka.

Rembrandt Harmensz van Rijn (1606-1669) największy holenderski artysta, malarz, rytownik i rysownik. Urodzony w rodzinie młynarskiej w Lejdzie, gdzie pracował do około 1632 roku, po czym przeniósł się do Amsterdamu. W 1634 roku Rembrandt poślubił dziewczynę z zamożnej rodziny, Saskię van Uylenburgh, której wizerunek uwieczniał na wielu portretach z niezwykłą czułością i miłością.

Od lat czterdziestych XVII wieku w twórczości Rembrandta, zwłaszcza w obrazach o tematyce religijnej, nabiera znaczenia światłocień, który tworzy napiętą atmosferę emocjonalną. Artystę interesuje ukryta istota zjawisk, złożony wewnętrzny świat ukazanych postaci.

W 1642 roku los zadaje Rembrandtowi ciężki cios – Saskia umiera. W tym samym roku maluje swój najwybitniejszy i najsłynniejszy obraz „Straż nocna”, którego rozwiązanie kompozycyjne nie ma nic wspólnego z tradycyjnym portretem grupowym.

Jego najnowsze dzieło uderza wyrafinowaniem rzemiosła. Na ostatnich autoportretach Rembrandta, które stały się zwieńczeniem jego niezrównanej galerii portretów, przed widzem pojawia się mężczyzna ze stoickim spokojem znoszący ciężkie próby i gorycz straty (w 1668 stracił ukochaną Hendrikje Stoffels, a w 1668 – swoją syn Tytus).

Rembrandt stworzył wspaniałe dzieła niemal we wszystkich gatunkach, stosował różnorodne techniki pisarskie (malarstwo, rysunek, akwaforta). Największy mistrz, wywarł wpływ na wielu znanych artystów. Aureola chwały wokół nazwiska Rembrandta nie przygasła, a po jego śmierci zyskał prawdziwe uznanie jako jeden z najwybitniejszych malarzy wszechczasów.

Obrazy Rembrandta:

Rembrandt Harmenszoon van Rijn to światowej sławy malarz i rytownik. Biografia Rembrandta jest bardzo interesująca, nic więc dziwnego, że ogromna liczba studiów artystycznych i monografii naukowych poświęcona jest badaniu jego życia i twórczości.

wczesne lata

Artysta Rembrandt, którego biografia została omówiona w tym artykule, urodził się w rodzinie młynarza Harmena Gerritsa w 1606 roku. Jego matka nazywała się Neltje Willemsdochter van Rijn.

Dzięki temu, że jego ojciec radził sobie wówczas dobrze, przyszły malarz otrzymał dość dobre wykształcenie. Przydzielono go do szkoły łacińskiej, ale młody człowiek nie lubił się tam uczyć, więc jego sukcesy pozostawiały wiele do życzenia. W rezultacie ojciec uległ prośbom syna i pozwolił mu studiować w pracowni plastycznej Jacoba van Swanenbürcha.

Biografia Rembrandta jest interesująca, ponieważ jego pierwszy mentor nie miał silnego wpływu na styl artystyczny artysty. Największy wpływ na początkującego artystę wywarł jego drugi nauczyciel, do którego przeniósł się po trzech latach pracy w Swanenbürch. Stali się Peterem Lastmanem, studentem, na którego Rembrandt zdecydował się zamieszkać w Amsterdamie.

Twórczość i biografia artysty

Krótka biografia Rembrandta van Rijna nie pozwala na szczegółowy opis całej jego kariery i życia, ale nadal możliwe jest wyodrębnienie głównych punktów.

W 1623 roku artysta wrócił do rodzinnego miasta Leiden, gdzie w 1628 roku pozyskał już własnych uczniów. Informacje o jego pierwszych znanych dziełach pochodzą z 1627 roku.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn systematycznie i pilnie dążył do swojego twórczego sukcesu – biografia utalentowanego malarza wskazuje, że na wczesnych etapach swojej twórczości pracował niestrudzenie.

Malował wówczas głównie swoich bliskich i przyjaciół, a także sceny z życia rodzinnego miasta. W Galerii Kassel znajduje się portret mężczyzny z podwójnym złotym łańcuszkiem na szyi, pochodzący z tego okresu w życiu artysty, znanego całemu światu jako Rembrandt. Biografia i twórczość tego malarza już wtedy zaczęły przyciągać uwagę.

Przeprowadzka do Amsterdamu

W 1631 roku młody człowiek zamieszkał w stolicy – ​​Amsterdamie. Odtąd pojawia się niezwykle rzadko w swoich rodzinnych stronach. Biografia Rembrandta na tym etapie jego życia i twórczości jest pełna dowodów na to, że szybko zyskał sławę i twórczy sukces w zamożnych kręgach Amsterdamu.

To bardzo owocny etap w życiu artysty. Rembrandt, którego krótka biografia została przedstawiona w naszym artykule, pracował bardzo ciężko, wykonując wiele zleceń, a jednocześnie nie zapominając o ciągłym doskonaleniu. Artysta czerpał z życia i rytował ciekawe postacie, na które natknął się w żydowskiej dzielnicy miasta.

Następnie namalowano tak słynne obrazy, jak „Lekcja anatomii” (1632), „Portret Coppenola” (1631) i wiele innych.

Sukces twórczy i finansowy

W 1634 roku Rembrandt poślubił Saskię van Uhlenborch, córkę odnoszącego sukcesy prawnika. Pod wieloma względami był to najbardziej udany okres w życiu i twórczości artysty. Ma wystarczająco dużo pieniędzy i wiele zamówień, które chętnie realizuje.

Biografia Rembrandta z tego okresu wskazuje, że bardzo lubił malować swoją żonę i to nie tylko na portretach, ale często jej wizerunek można zobaczyć także na innych obrazach malarza.

Do najsłynniejszych obrazów przedstawiających młodą żonę artysty należą:

• „Portret panny młodej – Rembrandt”;
• „Portret Saskii”;
• „Rembrandt z żoną”.

Rembrandt: krótka biografia po śmierci pierwszej żony

Szczęśliwe małżeństwo młodego mężczyzny nie trwało długo. Po siedmiu latach małżeństwa Saskia zmarła nagle w roku 1642. I od tego momentu całe życie artysty zaczyna się zmieniać na gorsze.

Pomimo tego, że Rembrandt ożenił się po raz drugi, nie zaznał już takiego szczęścia, jak w pierwszym małżeństwie. Jego życiową partnerką była jego była pokojówka Gendrikie Jagers.

Artysta w tym okresie życia doświadcza poważnych trudności finansowych, i to nie z powodu braku pracy i zamówień, ale z powodu własnej pasji kolekcjonowania dzieł sztuki, na którą przeznaczał większość swoich dochodów.

Jego zamiłowanie kolekcjonerskie doprowadziło do tego, że w 1656 roku uznano go za dłużnika, który nie był w stanie spłacić swoich długów, a w 1658 roku musiał zrezygnować z własnego domu w celu spłaty długów. Od tego momentu artysta mieszkał w hotelu.

Pogorszenie

Syn Hendrikiego i Rembrandta, Tityus, założył firmę handlową zajmującą się sprzedażą dzieł sztuki. Jednak sprawy nadal nie układały się pomyślnie, a po śmierci Gendrikiego w 1661 roku sytuacja jeszcze się pogorszyła. Siedem lat później umiera także syn, który prowadził firmę.

Sytuacja finansowa wielkiego artysty staje się po prostu okropna, ale bieda nie zabiła w nim chęci tworzenia. Nadal z uporem maluje obrazy, które jednak nie cieszą się już u współczesnych takim powodzeniem, jak dawniej, bo na przestrzeni lat zmieniły się gusta publiczności.

Rembrandt Harmenszoon van Rijn zmarł w październiku 1669 roku, zupełnie sam i w skrajnej biedzie.

Rembrandt: biografia, malarstwo

W przeciwieństwie do współczesnych wielkiemu malarzowi, kolejne pokolenia wysoko ceniły nie tylko wczesną twórczość artysty, ale także późniejsze dzieła i płótna Rembrandta. Dziś mistrz jest uosobieniem malarstwa holenderskiego i jednym z jego najwybitniejszych przedstawicieli.

Główny motyw przewodni całej jego twórczości można nazwać realizmem, który przenika wszystkie dzieła autora. Nawet przedstawiając sceny mitologiczne, Rembrandt ukazuje starożytnych greckich bogów i boginie w przebraniu współczesnych mieszkańców Holandii. Uderzającym tego przykładem jest obraz „Danae”, przechowywany w Państwowym Muzeum Ermitażu w Petersburgu.

Niektóre obrazy mitologiczne przedstawiają na wpół kreskówkowe przedstawienia bogów i bogiń. Można to prześledzić w dziele „Porwanie Ganimedesa” (drugie imię to „Ganimedes w szponach orła”), przechowywanym w Muzeum Drezdeńskim. Tutaj proporcje ciała Ganimedesa nie odpowiadają rzeczywistości, co nie świadczy o niskim poziomie umiejętności wykonawcy obrazu, ale o jego celowym, karykaturalnym podejściu do przedstawiania postaci na płótnie, gdyż na wielu obrazach Rembrandt z łatwością wykonuje nawet złożone elementy przedstawiające części fizjologii i anatomii człowieka.

Prace portretowe artysty charakteryzują się na ogół niespotykanym w jego czasach realizmem i wiarygodnością, co świadczy o niesamowitym talencie i umiejętności mistrza przeniesienia na płótno tego, co widział za życia, a także o jego dość głębokiej znajomości anatomii i fizjologii człowieka.

Do tego rodzaju prac artysta bardzo ostrożnie i dokładnie podchodzi do różnych drobiazgów i drobnych akcesoriów. Widać to wyraźnie na zdjęciach:

• „Kaligraf” (Państwowe Muzeum Ermitażu);
• „Lekcja anatomii” (Mauritshuis);
• „Cech tkaczy” (Muzeum w Amsterdamie).

kreatywny styl

Twórczość Rembrandta charakteryzuje się tym, że wszystkie istotne elementy obrazu zawsze są przez artystę wysuwane na pierwszy plan, niezależnie od cech kompozycyjnych. Artysta nie zawsze stara się pokazać, że ukazane osoby czy przedmioty są prawidłowe z punktu widzenia rzeczywistości. Charakteryzuje się celową przesadą.

Główną cechą, która przeszła przez wszystkie jego prace, jest brak jasnych kolorów i barwności. Co więcej, widać to już w najwcześniejszych pracach artysty. I to znacznie odróżnia je od malarstwa włoskich mistrzów czy np. od twórczości flamandzkiego malarza Rubensa.

Rembrandt największy nacisk kładł na grę kolorów ze światłem i cieniem. Pod tym względem jego umiejętności są uważane za uznane i niezrównane do dziś. Czasami gra kolorów na płótnach artysty jest tak silna, że ​​znawcy sztuki wciąż spierają się, jaka pora dnia jest przedstawiona na obrazie.

Jednym z najwyraźniejszych przykładów malarstwa Rembrandta z tak wspaniałą paletą jest być może jego najsłynniejszy obraz „Nocna straż”, o który spory nie kończą się dzisiaj.

„Nocna straż”

To zdjęcie nosi oficjalny tytuł „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga”, ale na całym świecie powszechnie nazywa się go po prostu „Nocną strażą”.

Jednak ze względu na zamiłowanie artysty do opisanej powyżej gry kolorów światło-cień, spory o to, jaka pora dnia jest przedstawiona na obrazie, dzień czy noc, wciąż trwają i nie ma jednoznacznej odpowiedzi.

Płótno to jest symbolem i najbardziej uderzającym dziełem nie tylko samego Rembrandta, ale całej holenderskiej szkoły malarstwa. Uważany jest za własność Królestwa Niderlandów i w ogóle sztuki światowej.

Co roku miliony turystów z całego świata przybywają do Amsterdamu, aby odwiedzić Rijksmuseum i podziwiać słynny obraz. Każdy widzi w tym coś własnego, każdy ma swoje wrażenia i zdanie na temat tego płótna. Ale fakt, że to wspaniałe dzieło słynnego twórcy nie pozostawia nikogo obojętnym, zawsze pozostaje niezmienny.

Wniosek

Dziś malarz i rytownik Rembrandt, którego krótki życiorys i twórczość opisano w tym artykule, jest dumą nie tylko rodzinnego kraju. Znany jest na całym świecie, a jego obrazy podziwiają koneserzy sztuki i malarstwa na całej planecie. Obrazy artysty chętnie kupuje się za bajeczne pieniądze na aukcjach, na których sprzedaje się obrazy i dzieła sztuki, a nazwisko Rembrandta jest dobrze znane każdemu, kto ma choćby najmniejsze pojęcie o sztuce.

Trudno przecenić twórczy wkład tego wielkiego artysty w sztukę i kulturę swojego kraju i całego świata. Nic dziwnego, że dziś holenderska szkoła malarstwa kojarzona jest przede wszystkim z nazwiskiem Rembrandta Harmensza van Rijna.