Praca symfoniczna. Zobacz znaczenie Symfonii w innych słownikach. Wielcy twórcy symfonii

Wśród licznych gatunków muzycznych jedno z najbardziej zaszczytnych miejsc należy do symfonii. Zawsze, od momentu powstania do dnia dzisiejszego, z wyczuciem odzwierciedlała swój czas: symfonie Mozarta i Beethovena, Berlioza i Mahlera, Prokofiewa i Szostakowicza są refleksją o epoce, o człowieku, o drogach świata, sposoby życia na ziemi. jako niezależny gatunek muzyczny powstał stosunkowo niedawno: jakieś dwa i pół wieku temu. Jednak w tym historycznie krótkim okresie przeszła długą drogę.
Słowo symfonia w języku greckim oznacza po prostu współbrzmienie. W Starożytna Grecja tak zwana przyjemna kombinacja dźwięków. Później zaczęli wyznaczać albo orkiestrę, albo wstęp do suity tanecznej. W początek XVIII W wieku tym termin ten zastąpił obecną koncepcję uwertury. Pierwsze symfonie w obecnym znaczeniu pojawiły się w centrum Europy w drugiej połowie XVIII wieku. A miejsce i czas jej narodzin nie są przypadkowe. Powstała równolegle w różnych częściach Europy, w głębi dawnych, utrwalonych wcześniej form muzycznych - suity tanecznej i uwertury operowej, symfonia ostatecznie ukształtowała się w krajach języka niemieckiego.
We Włoszech opera była sztuką narodową. W przedrewolucyjnej Francji, już przesiąkniętej atmosferą wolnej myśli i buntu, do głosu doszły inne sztuki. Takich jak literatura, malarstwo i teatr - bardziej konkretne, wprost i zrozumiale wyrażające nowe idee, które niepokoją świat. Kiedy kilkadziesiąt lat później przyszło do muzyki, pieśń „Carmagnola”, „Sa ira”, „La Marseillaise” weszła w szeregi wojsk rewolucyjnych jako pełnoprawny wojownik. ale - i do tej pory najbardziej złożona ze wszystkich rodzajów muzyki niezwiązanej z innymi sztukami - wymagała innych warunków do jej powstania, do pełnej percepcji: wymagała zamyślenia, uogólnienia - spokojnej i skupionej pracy. To nie przypadek, że centrum myśl filozoficzna, który odzwierciedlał przemiany społeczne w Europie pod koniec XVIII wieku, okazał się być w Niemczech, z dala od społecznych burz.
W tym samym czasie w Niemczech i Austrii rozwinęła się bogata tradycja muzyki instrumentalnej. Stąd pochodzi symfonia. Powstał w twórczości kompozytorów czeskich i austriackich, a ostateczną formę uzyskał w twórczości Haydna, aby rozkwitnąć wraz z Mozartem i Beethovenem. Ta klasyczna symfonia (Haydn, Mozart i Beethoven weszli do historii muzyki jako „klasycy wiedeńscy”, ponieważ większość ich twórczości związana jest z tym miastem) rozwinęła się jako cykl czterech części, które zawierały różne aspekty życie człowieka. Pierwsza część symfonii jest szybka, aktywna, czasem poprzedzona powolnym wstępem. Pisze w forma sonatowa(przeczytacie o tym w opowiadaniu o sonacie). Druga część jest powolna – zazwyczaj zadumana, elegijna lub pastoralna, czyli poświęcona spokojnym obrazom natury, spokojnemu wypoczynkowi czy snom. Są części drugie i żałobne, skupione, głębokie. Trzecia część symfonii to menuet, a później u Beethovena scherzo. To jest gra, zabawa, zdjęcia na żywo życie ludowe, fascynujący taniec... Finał jest wynikiem całego cyklu, wnioskiem ze wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, wyczuwalne w poprzednich częściach. Często finał jest afirmujący życie, uroczysty, zwycięski lub świąteczny. Z ogólnym schematem symfonia różni kompozytorzy są bardzo różne. Jeśli więc symfonie Haydna są w większości bezchmurne, radosne i tylko w nielicznych ze 104 stworzonych przez niego utworów tego gatunku pojawiają się tony poważne lub smutne, to symfonie Mozarta są znacznie bardziej indywidualne. czasami uważany za prekursorów sztuka romantyczna.
Symfonie Beethovena pełne są obrazów walki. Odzwierciedlały one w pełni czas - epokę Rewolucji Francuskiej, inspirowane nią wysokie, obywatelskie idee. Symfonie Beethovena są prace monumentalne, pod względem głębi treści, szerokości i siły uogólnienia nie ustępują operze, dramatowi, powieści. Wyróżnia je głęboki dramat, heroizm, patos. Ostatnia z symfonii Beethovena, Dziewiąta, zawiera chór śpiewający entuzjastyczny i majestatyczny hymn „W objęciach miliony” do wersów ody Schillera „Do radości”. Kompozytor maluje tu wspaniały obraz wolnej, radosnej ludzkości, dążącej do powszechnego braterstwa. W tym samym czasie co Beethoven, w tym samym Wiedniu mieszkał inny wspaniały austriacki kompozytor Franz Schubert. Jego symfonie brzmią jak wiersze liryczne jako głęboko osobiste, intymne wypowiedzi. z Schubertem w muzyka europejska, w gatunku symfonicznym pojawił się nowy trend - romantyzm. Przedstawiciele muzyczny romantyzm w symfonii - Schumann, Mendelssohn, Berlioz. Jako pierwszy stworzył Hector Berlioz, wybitny francuski kompozytor symfonia programu(patrz opowieść o muzyce programowej) pisząc do niej poetycki program w formie opowiadania o życiu artysty. w Rosji jest to przede wszystkim Czajkowski. Jego kompozycje symfoniczne to ekscytujące, ekscytujące historie o walce człowieka o życie, o szczęście. Ale to także Borodin: jego symfonie wyróżniają się epickim rozmachem, siłą i prawdziwie rosyjskim zasięgiem. Są to Rachmaninow, Skriabin i Głazunow, którzy stworzyli osiem symfonii – pięknych, jasnych, zrównoważonych. Symfonie D. Szostakowicza ucieleśniają XX wiek z jego burzami, tragediami i dokonaniami. Odzwierciedlają wydarzenia z naszej historii i obrazy ludzi - współczesnych kompozytorowi, budujących, walczących, poszukujących, cierpiących i zwycięskich. Symfonie S. Prokofiewa wyróżniają epicka mądrość, głęboki dramat, czyste i jasne teksty oraz ostre żarty.
Każda symfonia jest cały świat. Świat artysty, który go stworzył. Świat czasu, który go zrodził. Słuchając klasycznych symfonii stajemy się bogatsi duchowo, łączymy się ze skarbami ludzkiego geniuszu, równymi tragediom Szekspira, powieściom Tołstoja, wierszom Puszkina, obrazom Rafaela. Wśród autorów symfonii sowieckich są N. Myaskovsky, A. Chaczaturian, T. Khrennikov, V. Salmanov, R. Shchedrin, B. Tiszczenko, B. Czajkowski, A. Terteryan, G. Kancheli, A. Schnittke.

Oglądaj wartość Symfonia w innych słownikach

Symfonia- dobrze. grecki muzyka harmonia, współbrzmienie dźwięków, współbrzmienie polifoniczne. | specjalny rodzaj polifoniczna kompozycja muzyczna. Haydena. | do starego, do Nowy Testament, zestaw, wskazanie miejsc, ........
Słownik wyjaśniający Dahla

Symfonia- symfonie, (Symfonia grecka - harmonia dźwięków, współbrzmienie). 1. Duży utwór na orkiestrę, zwykle składający się z 4 części, z których pierwsza i często ostatnia ........
Słownik wyjaśniający Uszakowa

Symfonia J.- 1. Duży utwór na orkiestrę, zwykle składający się z 3-4 części, różniących się między sobą charakterem muzyki i tempem. // przeł. Dźwięk harmoniczny...
Słownik wyjaśniający Efremovej

Symfonia- -I; dobrze. [z greckiego. symfonia - współbrzmienie]
1. Wielkoformatowy utwór muzyczny na orkiestrę (zazwyczaj składający się z czterech części). Zasady budowy symfonii. Dramaturgia........
Słownik wyjaśniający Kuzniecowa

Symfonia- Ta nazwa gatunku muzycznego została zapożyczona z francuskiego i wywodzi się z łacińskiego słowa pochodzenie greckie symfonia, do której (syn - jest (o)), telefon - "dźwięk, głos") .........
Słownik etymologiczny Kryłowa

Symfonia- (z gr. symfonia - współbrzmienie) - utwór na orkiestrę symfoniczną, napisany w sonacie forma cykliczna; najwyższa forma muzyki instrumentalnej. Zwykle........
Duży słownik encyklopedyczny

Symfonia- - zbiór słów - zbiór in kolejność alfabetyczna wszystkie słowa, wyrażenia i zwroty znalezione w Biblii, ze wskazaniem miejsca, w którym się znajdują. Są też S. do Koranu, do ........
Słownik historyczny

symfonia kameralna- rodzaj symfonii, która powstała na początku. XX wiek jako rodzaj reakcji na duży cykl. XIX-wieczna symfonia i jej przerośnięty ork. aparat. K. s. wcześnie XX wiek charakteryzuje się skromnymi...
Encyklopedia muzyczna

koncert symfoniczny- (włoska symfonia koncertująca, a także koncertująca, niemiecka Konzertante Symphonie, a także Konzertante) - termin używany na II piętrze. 18 wiek wyznaczyć kompozycje cykliczne dla kilku osób. instrumenty solowe........
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (z greckiego symponia - współbrzmienie) - muzyka. utwór na orkiestrę, rozdz. przyb. symfoniczny, zwykle w formie sonatowo-cyklicznej. Zwykle składa się z 4 części; są S. z dużym ........
Encyklopedia muzyczna

Symfonia- (gr., dosł. - zbiór słów) - zbiór w porządku alfabetycznym wszystkich słów, wyrażeń i fraz występujących w Biblii, ze wskazaniem miejsca, w którym się one znajdują. Są też S.........
Słownik filozoficzny

SYMFONIA- SYMFONIA, -i, f. 1. Duży (zwykle czteroczęściowy) utwór muzyczny na orkiestrę. 2. przeł. Harmoniczne połączenie, połączenie czegoś. (książka). C. kwiaty. C. kolory .........
Słownik wyjaśniający Ożegowa

Wykład

Gatunki symfoniczne

Historia narodzin symfonii jako gatunku

Historia symfonii jako gatunku ma około dwóch i pół wieku.

Pod koniec średniowiecza we Włoszech podjęto próbę ożywienia antycznego dramatu. To zapoczątkowało zupełnie inny rodzaj musicalu - sztuka teatralna- opera.
We wczesnoeuropejskiej operze chór nie odgrywał tak ważnej roli, jak śpiewacy solowi z towarzyszącą mu grupą instrumentalistów.Aby nie przeszkadzać widzom w zobaczeniu artystów na scenie, orkiestrę umieszczono w specjalnej wnęce między stragany i scena. Początkowo miejsce to zaczęto nazywać „orkiestrą”, a potem samych wykonawców.

SYMFONIA(Grecki) - współbrzmienie. W okresie od XVI-XVIII wieku. ta koncepcja oznacza „harmonijne połączenie dźwięków”, „harmonijny śpiew chóralny” i „utwór polifoniczny”.

« Symfonie” nazywa się orkiestrowe przerwy między aktami opery. « Orkiestry„(starożytna greka) nazywano perony przed sceną teatralną, na której pierwotnie znajdował się chór.

Dopiero w latach 30. i 40. lata XVIII wieku powstał niezależny gatunek orkiestrowy, który zaczęto nazywać symfonią.

Nowy gatunek reprezentowany utwór składający się z kilku części (cyklu) oraz części pierwszej, która zawiera: Głównym punktem dzieła, z pewnością muszą odpowiadać „formie sonatowej”.

Miejscem narodzin orkiestry symfonicznej jest miasto Mannheim. Tutaj, w kaplicy elektora miejscowego, powstała orkiestra, której sztuka miała ogromny wpływ na twórczość orkiestrową, na cały dalszy rozwój muzyki symfonicznej.
« Ta niezwykła orkiestra ma wystarczająco dużo miejsca i faset- napisał słynny historyk muzyki Charles Burney. Tutaj wykorzystano efekty, jakie może wytworzyć taka masa dźwięków: to tutaj narodziło się „crescendo” „diminuendo”, a „fortepian”, który wcześniej był używany głównie jako echo i był zwykle jego synonimem, oraz „ forte” były rozpoznawane jako kolory muzyczne, dostępne we własnych odcieniach, jak czerwień lub niebieski kolor w malarstwie...

Niektórzy z pierwszych kompozytorów, którzy pracowali w gatunku symfonicznym, to:

Włoch - Giovanni Sammartini, Francuz - Francois Gossec i czeski kompozytor - Jan Stamitz.

Mimo to Joseph Haydn jest uważany za twórcę klasycznego gatunku symfonii. Jest właścicielem pierwszych genialnych przykładów sonaty clavier, tria smyczkowego i kwartetu. To właśnie w twórczości Haydna narodził się i ukształtował gatunek symfonii, nabierając ostatecznych, jak teraz mówimy, klasycznych zarysów.

I. Haydna i W. Mozarta podsumowane i stworzone w twórczość symfoniczna wszystkiego najlepszego, że muzyka orkiestrowa była przed nimi bogata. A jednocześnie symfonie Haydna i Mozarta otwierały naprawdę niewyczerpane możliwości nowego gatunku. Pierwsze symfonie tych kompozytorów były przeznaczone na małą orkiestrę. Ale później I. Haydn rozbudowuje orkiestrę nie tylko ilościowo, ale także poprzez ekspresyjność brzmieniowych kombinacji instrumentów, które odpowiadają tylko jednemu z jego pomysłów.

To jest sztuka instrumentacji lub orkiestracji.

Orkiestracja to żywy akt twórczy, projekt pomysłów muzycznych kompozytora. Instrumentacja to kreatywność - jedna ze stron duszy samej kompozycji.

W okresie twórczości Beethovena ostatecznie ukształtował się klasyczny skład orkiestry, który obejmował:

Smyczki,

Sparowana kompozycja instrumentów drewnianych,

2 (czasem 3-4) rogi,

2 kotły. Ta kompozycja nazywa się mały.

G. Berlioz i R. Wagner dążyli do zwiększenia skali brzmienia orkiestry poprzez 3-4-krotne zwiększenie kompozycji.

Szczytem radzieckiej muzyki symfonicznej była twórczość S. Prokofiewa i D. Szostakowicza.

Symfonia... Porównywany jest z powieścią i opowiadaniem, epopeją filmową i dramatem, malowniczym freskiem. Oznaczający wszystkie te analogie są zrozumiałe. W tym gatunku można wyrazić coś ważnego, czasem najważniejszego, dla którego istnieje sztuka, dla którego człowiek żyje w świecie - dążenie do szczęścia, do światła, sprawiedliwości i przyjaźni.

Symfonia to utwór na orkiestrę symfoniczną napisany w formie cyklicznej sonatowej. Zwykle składa się z 4 części, wyrażających złożone artystyczne przemyślenia na temat ludzkiego życia, ludzkiego cierpienia i radości, aspiracji i impulsów. Są symfonie coraz mniej częściowe, aż do jednej części.

Aby wzmocnić efekty dźwiękowe, czasami wprowadzane są symfonie chóralne i solowe głosy wokalne. Istnieją symfonie na orkiestrę smyczkową, kameralną, sakralną i inne, na orkiestrę z instrumentem solo, organami, chórem i zespół wokalny... . Cztery części symfonie wyrażają typowe kontrasty stanów życiowych: sceny walki dramatycznej (część pierwsza), epizody humorystyczne lub taneczne (menuet lub scherzo), wzniosłą kontemplację (ruch powolny) oraz finał uroczysty lub tańca ludowego.

Muzyka symfoniczna to muzyka przeznaczona do wykonywania przez symfonię
orkiestra; najważniejszy i najbogatszy obszar muzyki instrumentalnej,
obejmujących również duże, wieloczęściowe dzieła, nasycone złożonymi ideowymi i
treść emocjonalna i małe utwory muzyczne Głównym tematem muzyki symfonicznej jest temat miłości i temat wrogości.

Orkiestra symfoniczna,
łącząc różnorodne instrumenty, zapewnia bogatą paletę
barwy dźwięku, środki wyrazu.

Nadal bardzo popularny dzieła symfoniczne: L. Beethoven Symfonia nr 3 („Heroiczna”), nr 5, Uwertura Egmont;

P Czajkowski Symfonia nr 4, nr 6, uwertura „Romeo i Julia”, koncerty (phono,

VII Symfonia S. Prokofiewa

I. Strawiński fragmenty baletu „Pietruszka”

J. Gershwin symfo-jazz „Rapsodia w stylu bluesa”

Muzyka orkiestrowa rozwijała się w nieustannej interakcji z innymi rodzajami sztuki muzycznej: kameralną, organową, chóralną i operową.

Charakterystyczne gatunki XVII-XVIII wieku: suita, koncert- zespół i orkiestra uwertura model operowy. Odmiany XVIII-wiecznej suity: divertissement, serenada, nokturn.

Silny rozwój muzyki symfonicznej wiąże się z rozwojem symfonii, jej rozwojem jako cyklicznej formy sonatowej oraz udoskonaleniem klasycznego typu orkiestry symfonicznej. W symfonii i innych rodzajach muzyki symfonicznej często zaczęli wprowadzać głosy wokalne chóru i solowe. Wzmocniono symfoniczny początek w kompozycjach wokalnych i orkiestrowych, operze i balecie. Do gatunków muzyki symfonicznej należą również: symfonieta, wariacje symfoniczne, fantazja, rapsodia, legenda, capriccio, scherzo, potpourri, marsz, różne tańce, różnego rodzaju miniatury itp. W repertuarze koncertów symfonicznych znajdują się również: wyodrębnić fragmenty orkiestrowe z oper, baletów, dramatów, sztuk teatralnych, filmów.

Muzyka symfoniczna XIX wieku wcielony ogromny świat pomysły i emocje. Odzwierciedla tematy o szerokim oddźwięku publicznym, najgłębsze uczucia, obrazy natury, życia codziennego i fantazji, postacie narodowe, obrazy sztuki przestrzennej, poezji, folkloru.

istnieje różne rodzaje orkiestra:

Orkiestra wojskowa (składająca się z instrumentów dętych - dętych i drewnianych)

Orkiestra Smyczkowa:.

Orkiestra symfoniczna jest największa w składzie i najbogatsza pod względem możliwości; przeznaczony do wykonania koncertowego muzyka orkiestrowa. Orkiestra symfoniczna w swojej nowoczesnej formie ukształtowała się nie od razu, ale w wyniku długiego procesu historycznego.

Koncertowa orkiestra symfoniczna, w przeciwieństwie do operowej, znajduje się bezpośrednio na scenie i jest stale w polu widzenia publiczności.

Na mocy tradycje historyczne orkiestry symfoniczne koncertowe i operowe przez długi czas różniły się składem, ale dziś to rozróżnienie prawie zanikło.

Całkowita liczba muzyków w orkiestrze symfonicznej nie jest stała: może wahać się od 60 do 120 (a nawet więcej) osób. Tak duża liczba uczestników skoordynowanej gry wymaga umiejętnego przywództwa. Ta rola należy do dyrygenta.

Do początku XIX wieku sam dyrygent grał podczas występu na jakimś instrumencie - na przykład na skrzypcach. Jednak z biegiem czasu treść muzyki symfonicznej stała się bardziej złożona, co stopniowo zmuszało dyrygentów do rezygnacji z takiego połączenia.

Tannhäuser: Otwieram nowy dział o formach i gatunkach muzycznych. A pierwsza strona od razu otwiera się "SYMFONIA"... Do tekstu dodam portrety wielkich kompozytorów i inne zdjęcia. Nie zacząłem dodawać wszystkie nazwiska znanych mi symfonistów.Ale dalej zapoznaj się będę z "nowymi" zapomnianymi nazwiskami.Nie będę przeładowywał postu klipami audio i wideo...Możesz je znaleźć sam bez zmartwień...A w mój pamiętnik, w tym. Do zobaczenia w tej sekcji.

Symfonia(z greckiego „consonance”) – utwór na orkiestrę, składający się z kilku części. Symfonia jest najbardziej muzyczną formą wśród koncertowej muzyki orkiestrowej.

klasyczny budynek

Ze względu na względne podobieństwo konstrukcji do sonaty symfonię można nazwać wielką sonatą na orkiestrę. Sonata i symfonia, a także koncert, trio, kwartet itp. należą do „cyklu sonatowo-symfonicznego” – cyklicznej formy muzycznej utworu, w której zwyczajowo występuje przynajmniej jedna z części (najczęściej pierwsza ) w formie sonatowej. Cykl sonatowo-symfoniczny jest największą formą cykliczną wśród form czysto instrumentalnych.

Podobnie jak sonata, klasyczna symfonia składa się z czterech części:
- część pierwsza, w szybkim tempie, napisana jest w formie sonatowej;
- część druga, w zwolnionym tempie, napisana jest w formie ronda, rzadziej sonaty lub forma wariacyjna;
- część III, scherzo lub menuet w formie trzyczęściowej;
- część czwarta, w szybkim tempie, w formie sonatowej lub w formie ronda, rondo-sonaty.
Jeśli pierwsza część jest napisana w umiarkowanym tempie, to przeciwnie, może następować po niej szybka część druga i wolna część trzecia (np. IX symfonia Beethovena).

Biorąc pod uwagę, że symfonia przeznaczona jest na duże siły orkiestry, każda jej część jest napisana w szerszy i bardziej szczegółowy sposób niż np. w zwykłym sonata fortepianowa, gdyż bogactwo środków wyrazowych orkiestry symfonicznej pozwala na szczegółową prezentację myśli muzycznej.

Historia symfonii

Terminu „symfonia” używano w starożytnej Grecji, średniowieczu i renesansie głównie na określenie różnych instrumentów, zwłaszcza tych, które potrafią wydawać więcej niż jeden dźwięk na raz. Tak więc w Niemczech do połowy XVIII wieku symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynu - szpinetów i dziewicli, we Francji nazywano ją organami beczkowymi, klawesynami, bębnami dwugłowymi itp.

Słowo symfonia na „brzmiące razem” utwory muzyczne zaczęło pojawiać się w tytułach niektórych dzieł XVI i XVII-wiecznego baroku, m.in. Sinfonie , 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629).

Za pierwowzór symfonii można uznać Uwerturę włoską, stworzoną pod kierunkiem Domenico Scarlattiego koniec XVII stulecie. Forma ta już wtedy nazywana była symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które zlewały się w jedną. To właśnie ta forma jest często uważana za bezpośredniego prekursora symfonii orkiestrowej. Terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie przez większą część XVIII wieku.

Innymi ważnymi protoplastami symfonii była suita orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji oraz ripieno concerto (ripieno concerto) – forma przypominająca koncert na smyczki i continuo, ale bez solówki. instrumenty. W tej formie powstały dzieła Giuseppe Torelli i Antonio Vivaldiego, bodaj najsłynniejszym koncertem ripieno jest „III Koncert brandenburski” Jana Sebastiana Bacha.

Za twórcę klasycznego modelu symfonicznego uważa się Josepha Haydna. W symfonii klasycznej tylko pierwsza i ostatnia część mają tę samą tonację, a środkowe zapisuje się w tonacjach powiązanych z główną, która określa tonację całej symfonii. Wybitnymi przedstawicielami symfonii klasycznej są Wolfgang Amadeus Mozart i Ludwig van Beethoven. Beethoven dramatycznie rozszerzył symfonię. Jego III Symfonia („Heroiczna”), której skala i zakres emocjonalny przewyższa wszystkie wcześniejsze dzieła, jego V Symfonia jest prawdopodobnie najsłynniejszą symfonią, jaką kiedykolwiek napisano. Jego IX Symfonia staje się jedną z pierwszych „symfonii chóralnych” z włączeniem partii solistów i chóru w ostatniej części.

Symfonia romantyczna stała się połączeniem klasycznej formy z romantyczną ekspresją. Rozwija się również trend programowania. Pojawiają się motywy przewodnie. Dom piętno Romantyzm to wzrost formy, skład orkiestry i gęstość dźwięku. Do najwybitniejszych autorów symfonii tej epoki należą Franz Schubert, Robert Schumann, Felix Mendelssohn, Hector Berlioz, Johannes Brahms, P. I. Czajkowski, A. Bruckner i Gustav Mahler.

Począwszy od drugiej połowy XIX wieku, a zwłaszcza w wieku XX, nastąpiły dalsze przeobrażenia symfonii. Czteroczęściowa struktura stała się opcjonalna: symfonie mogą zawierać od jednej (VII Symfonia Jana Sibeliusa) do jedenastu (XIV Symfonia D. Szostakowicza) części lub więcej. Wielu kompozytorów eksperymentowało z wielkością symfonii, więc Gustav Mahler stworzył swoją VIII symfonię zatytułowaną „Symfonia tysiąca uczestników” (ze względu na siłę orkiestry i chórów potrzebnych do jej wykonania). Użycie formy sonatowej staje się opcjonalne.
Po IX symfonii L. Beethovena kompozytorzy zaczęli coraz częściej wprowadzać do symfonii partie wokalne. Jednak skala i zawartość materiału muzycznego pozostają niezmienne.

Józef Haydn- 108 symfonii

Wolfgang Amadeus Mozart - 41 (56) symfonii

Ludwig van Beethoven - 9 symfonii

Franz Schubert - 9 symfonii

Robert Schumann - 4 symfonie

Anastazja Flegontova

klasa 7specjalizacja „Teoria muzyki”,MAOUDOD DSHI nr 46, Kemerowo

Zaigraeva Valentina Afanasievna

dyrektor naukowy,nauczyciel dyscyplin teoretycznych MAOU DOD „DSHI No. 46”

Wstęp

W każdym duże miasto jest orkiestra symfoniczna. Jest poszukiwany w opery oraz w filharmonii. Ale sam gatunek symfonii jest jednym z najbardziej czcigodnych gatunków. muzyka akademicka- jest dziś wypierana przez muzykę kameralną i elektroniczną. I może się zdarzyć, że nadejdzie godzina, kiedy tak wspaniały gatunek jak symfonia w ogóle przestanie być wykonywany na koncertach. Przynajmniej komponowanie symfonii prawie się skończyło. Stosowność tematy badawcze: niesłabnące zainteresowanie pytaniem o przyszłe istnienie gatunku „symfonia”, co czeka symfonię w XXI wieku: odrodzenie czy zapomnienie? Przedmiot studiów to symfonia, jako gatunek i jako poważny sposób poznawania świata i wyrażania siebie. Przedmiot badań: ewolucja gatunku symfonicznego od jego początków do współczesności. Cel: zbadać cechy rozwoju gatunku symfonicznego. Cele badań: analizować materiał naukowy i teoretyczny dotyczący problemu; opisać symfoniczne prawa, normy, modele i kierunki rozwoju gatunku.

Rozdziałi. Historia słowa „symfonia”.

Symfonia (z gr. symphonía - współbrzmienie, od sýn - razem i telefon - dźwięk), utwór muzyczny w formie sonatowej cyklicznej, przeznaczony do wykonania przez orkiestrę symfoniczną; jeden z najważniejszych gatunków muzyki symfonicznej. W niektórych symfoniach zaangażowany jest również chór i soliści. Symfonia to jeden z najbardziej złożonych gatunków muzycznych. „Dla mnie tworzenie symfonii oznacza wszelkimi nowoczesnymi środkami” technika muzyczna buduj świat” – powiedział austriacki kompozytor Gustav Mahler.

Początkowo w starożytnej Grecji „symfonię” nazywano eufonicznym brzmieniem tonów, wspólnym śpiewem unisono. W starożytnym Rzymie była to już nazwa zespołu, orkiestry. W średniowieczu muzyka świecka ogólnie była uważana za „symfonię” (we Francji znaczenie to zachowało się do XVIII wieku), niektóre instrumenty muzyczne można było tak nazwać (w szczególności lira korbowa) . W Niemczech do połowy XVIII w. symfonia była ogólnym określeniem odmian klawesynu - szpinetów i dziewicli, we Francji nazywano ją organami beczkowymi, klawesynami, bębnami dwugłowymi itp. .

U schyłku epoki baroku niektórzy kompozytorzy, tacy jak Giuseppe Torelli (1658-1709), tworzyli utwory na orkiestrę smyczkową i basso continuo w trzech częściach, z sekwencją tempa szybko-wolno-szybko. Choć takie kompozycje nazywano zwykle „koncertami”, nie różniły się niczym od kompozycji zwanych „symfonią”; na przykład motywy taneczne były wykorzystywane w finałach zarówno koncertów, jak i symfonii. Różnica dotyczyła przede wszystkim budowy pierwszej części cyklu: w symfoniach była prostsza - z reguły binarna dwuczęściowa forma barokowej uwertury, sonaty i suity (AA BB). Dopiero w XVI wieku został zastosowany do prace indywidualne, pierwotnie wokalno-instrumentalny, autorstwa takich kompozytorów jak Giovanni Gabrieli (Sacrae symphoniae, 1597 i Symphoniae sacrae 1615), Adriano Bankieri (Eclesiastiche Sinfonie, 1607), Lodovico Grossi da Viadana (Sinfonie musicali, 1610) i Heinrich Schütz (Symphoniae sacrae, 1629). Włoscy kompozytorzy XVII wieku często oznaczany słowem „symfonia” (sinfonia) instrumentalne wstępy do opery, oratorium lub kantaty, a termin ten w znaczeniu zbliżył się do pojęć „preludium” lub „uwertury”.

Za pierwowzór symfonii uznać można uwerturę włoską, która ukształtowała się za czasów Domenico Scarlattiego pod koniec XVII wieku. Forma ta już wtedy nazywana była symfonią i składała się z trzech kontrastujących ze sobą części: allegro, andante i allegro, które łączyły się w jedną całość, cechy formy sonatowej zarysowały się w części pierwszej. To właśnie ta forma jest często uważana za bezpośredniego prekursora symfonii orkiestrowej. Z kolei poprzedniczką symfonii była sonata orkiestrowa, składająca się z kilku części w najprostszych formach i przeważnie w tej samej tonacji. Terminy „uwertura” i „symfonia” były używane zamiennie przez większą część XVIII wieku.

W XVIII wieku. symfonia oddzieliła się od opery i stała się samodzielnym gatunkiem koncertowym, zwykle w trzech częściach („szybko – wolno – szybko”). Wykorzystując cechy barokowej suity tanecznej, opery i koncertu, wielu kompozytorów, a przede wszystkim J.B. Sammartini stworzył wzór klasycznej symfonii - trzyczęściowej kompozycji na orkiestrę smyczkową, w której części szybkie przybierały zwykle formę prostej formy ronda lub wczesnej sonaty. Stopniowo do smyczków dodawano kolejne instrumenty: oboje (lub flety), rogi, trąbki i kotły. Dla słuchaczy XVIII wieku. Symfonię określały normy klasyczne: faktura homofoniczna, harmonia diatoniczna, kontrasty melodyczne, określony ciąg zmian dynamicznych i tematycznych. Ośrodkami kultywowania klasycznej symfonii były niemieckie miasto Mannheim (tu Jan Stamitz i inni autorzy rozbudowali cykl symfoniczny do czterech części, wprowadzając do niego dwa tańce z barokowej suity – menueta i trio) oraz Wiedeń, gdzie Haydn , Mozart, Beethoven (a także ich poprzednicy, wśród których wyróżniają się Georg Monn i Georg Wagenseil, podnieśli gatunek symfoniczny na nowy poziom... Również "symfonie" nazwali jego 15 utworów (w tych samych tonacjach, co dwugłosowe wynalazków, ale w trzygłosowej prezentacji) Johann Sebastian Bach (1685-1750, Niemcy).

RozdziałII. Symfonie kompozytorów zagranicznych

1. Klasyka wiedeńska

1.1. Franciszek Józef Haydn

W twórczości Franciszka Józefa Haydna (1732-1809) ostatecznie uformował się cykl symfoniczny. Jego wczesne symfonie są nadal zasadniczo takie same jak muzyka kameralna i prawie nie wykraczają poza zwykłe gatunki rozrywkowe dla tej epoki. Dopiero w latach 70. pojawiły się prace wyrażające głębszy świat obrazów („ Symfonia żałobna”, „Symfonia pożegnalna” itp.). Stopniowo jego symfonie nasycone są głębszą treścią dramatyczną. Najwyższym osiągnięciem symfonii Haydna jest dwanaście symfonii „londyńskich”.

Struktura sonatyAllegro. Każda z symfonii (z wyjątkiem c-moll) rozpoczyna się krótkim powolnym wstępem o charakterze uroczyście dostojnym, przemyślanie skoncentrowanym, lirycznie zamyślonym lub spokojnie kontemplacyjnym (najczęściej w tempie Largo lub Adagia). Powolny wstęp ostro kontrastuje z następującym po nim Allegro (będącym pierwszą częścią symfonii) i jednocześnie ją ustawia. Nie ma jasnego kontrastu figuratywnego między motywami części głównej i bocznej. Zarówno te, jak i inne mają zazwyczaj charakter pieśni i tańca ludowego. Jest tylko kontrast tonalny: tonacja główna partii głównych jest skontrastowana z tonacją dominującą partii bocznych. W symfoniach Haydna rozwinięcia, które są budowane przez motywiczną izolację, zostały znacznie rozwinięte. Krótki, ale najbardziej aktywny segment jest oddzielony od tematu części głównej lub bocznej i przechodzi dość długi samodzielny rozwój (ciągłe modulacje w różnych tonacjach, gra na różnych instrumentach i w różnych rejestrach). Nadaje to projektom dynamiczny i dążący charakter.

Druga (wolna) część mieć inny charakter: czasem przemyślanie liryczny, czasem śpiewny, czasem marszowy. Różnią się również kształtem. Najczęściej są to złożone formy trójdzielne i wariacyjne.

Menuety. Trzecie części symfonii „londyńskich” noszą zawsze nazwę Menuetto. Wiele menuetów Haydna ma charakter tańców country, z ich nieco ciężkimi krokami, zamaszystą melodią, nieoczekiwanymi akcentami i zmianami rytmicznymi, często tworzącymi humorystyczny efekt. Potrójny metrum tradycyjnego menueta zostaje zachowany, ale traci arystokratyczne wyrafinowanie i staje się demokratycznym, chłopskim tańcem.

Egzaminy końcowe. W finale symfonii Haydna uwagę zwykle przykuwają obrazy rodzajowe, także wywodzące się z ludowej muzyki tanecznej. Formą najczęściej jest sonata lub rondo-sonata. W niektórych finałach „londyńskich” symfonii szeroko stosowane są metody rozwoju wariacyjnego i polifonicznego (imitacyjnego), co dodatkowo podkreśla szybki ruch muzyki i dynamizuje całą tkankę muzyczną. [ 4, s. 76-78]

Orkiestra. W twórczości Haydna ustalił się także skład orkiestry. Opiera się na czterech grupach instrumentów. Smyczki, wiodąca grupa orkiestry, to skrzypce, altówki, wiolonczele i kontrabasy. W skład zespołu drewnianego wchodzą flety, oboje, klarnety (nie we wszystkich symfoniach), fagoty. Grupa instrumentów dętych Haydna składa się z rogów i trąbek. Od instrumenty perkusyjne Haydn używał w orkiestrze tylko kotłów. Wyjątkiem jest XII „Symfonia londyńska” G-dur („Wojskowa”). Oprócz kotłów Haydn wprowadził do niego trójkąt, talerze i bęben basowy. W sumie twórczość Franza Josepha Haydna obejmuje ponad 100 symfonii.

1.2. Wolfgang Amadeusz Mozart

Wolfgang Amadeus Mozart (1756-1791) wraz z Haydnem stał u początków europejskiego symfonizmu, a najlepsze symfonie Mozart pojawił się jeszcze przed London Symphonies Haydna. Bez powielania Haydna Mozart rozwiązał problem cyklu symfonicznego na swój własny sposób. Łączna liczba jego symfonii przekracza 50, chociaż zgodnie z ciągłą numeracją przyjętą w rosyjskiej muzykologii ostatnia symfonia – „Jowisz” – uważana jest za 41. Wygląd większości symfonii Mozarta nawiązuje do wczesnych lat jego twórczości. W okresie wiedeńskim powstało tylko 6 ostatnich symfonii, w tym: „Linz” (1783), „Praga” (1786) oraz trzy symfonie z 1788 roku.

Na pierwsze symfonie Mozarta duży wpływ miała twórczość J.S. Kawaler. Przejawiało się to zarówno w interpretacji cyklu (3 małe części, brak menueta, mały kompozycja orkiestrowa), a także w różnych szczegółach ekspresyjnych (melodyjność tematów, ekspresyjne kontrasty dur i moll, wiodąca rola skrzypiec).

Zwiedzanie głównych ośrodków symfonii europejskiej (Wiedeń, Mediolan, Paryż, Mannheim) przyczyniło się do ewolucji myślenia symfonicznego Mozarta: wzbogaca się treść symfonii, rozjaśniają się kontrasty emocjonalne, aktywizuje się rozwój tematyczny, skala partii jest powiększona faktura orkiestrowa staje się bardziej rozwinięta. W przeciwieństwie do Londyńskich Symfonii Haydna, które na ogół rozwijają jeden rodzaj symfonii, najlepszych symfonii Mozarta (nr 39-41) nie da się opisać na maszynie, są one absolutnie wyjątkowe. Każdy z nich ucieleśnia całkowicie nową ideę artystyczną. Dwie z czterech ostatnich symfonii Mozarta mają powolne wstępy, pozostałe dwie nie. Symfonia nr 38 („Praga”, D-dur) ma trzy części („symfonia bez menueta”), pozostałe – cztery.

Do najbardziej charakterystycznych cech mozartowskiej interpretacji gatunku symfonicznego należą:

dramaturgia konfliktu. Na najróżniejszych poziomach poszczególnych części cyklu w symfoniach Mozarta pojawiają się poszczególne tematy, różne elementy tematyczne w obrębie tematu, kontrast i konflikt. Wiele tematów symfonicznych Mozarta działa początkowo jako „postać złożona”: są one zbudowane na kilku kontrastujących elementach (na przykład główne tematy w finale 40., I część symfonii „Jowisz”). Te wewnętrzne kontrasty są najważniejszym bodźcem dla późniejszego dramatycznego rozwoju, w szczególności w wydarzeniach:

1. preferencja dla formy sonatowej. Z reguły Mozart odwołuje się do niego we wszystkich częściach swoich symfonii, z wyjątkiem menueta. To forma sonatowa, z ogromnymi możliwościami przekształcania tematów inicjalnych, jest zdolna do najgłębszego ujawnienia. świat duchowy osoba. W rozwoju sonaty Mozarta każdy temat ekspozycji może nabrać samodzielnego znaczenia, m.in. wiążące i ostateczne (na przykład w symfonii „Jowisz” w rozwoju pierwszej części rozwijane są tematy z.p. i sv.p., aw drugiej części - sv.t.);

2. ogromna rola technologii polifonicznej. W dużej mierze na dramaturgię składają się różne środki polifoniczne, zwłaszcza w późniejszych utworach (najbardziej uderzającym przykładem jest finał Symfonii Jowiszowej);

3. odejście od gatunku otwartego w symfonicznych menuetach i finałach. Dla nich, w przeciwieństwie do Haydna, nie można zastosować definicji „gatunku na co dzień”. Wręcz przeciwnie, Mozart w swoich menuetach często „neutralizuje” zasadę tańca, wypełniając swoją muzykę albo dramatem (w symfonii nr 40), albo liryzmem (w symfonii „Jowisz”);

4. ostateczne przezwyciężenie logiki suity cyklu symfonicznego, jako alternatywy różnych części. Cztery części symfonii Mozarta reprezentują organiczną jedność (zostało to szczególnie widoczne w Symfonii nr 40);

5. bliski związek z gatunki wokalne. Na klasyczną muzykę instrumentalną duży wpływ miała opera. U Mozarta ten wpływ operowej ekspresji jest bardzo silnie odczuwalny. Przejawia się to nie tylko w posługiwaniu się charakterystycznymi intonacjami operowymi (jak np. in główny temat 40. symfonia, którą często porównuje się z tematem Cherubina „Nie umiem powiedzieć, nie umiem wyjaśnić…”). Muzyka symfoniczna Mozarta przesycona jest kontrastowymi zestawieniami tragizmu i błazeństwa, wzniosłości i przyziemności, co wyraźnie przypomina jego kompozycje operowe.

1.3. Ludwig van Beethoven

Ludwig van Beethoven (1770-1827) dodatkowo wzbogacił gatunek symfoniczny. w jego symfoniach bardzo ważne nabył heroizm, dramat, początek filozoficzny. Części symfonii są ściślej powiązane tematycznie, a cykl osiąga większą jedność. Zasada wykorzystania pokrewnego materiału tematycznego we wszystkich czterech częściach, zrealizowana w V Symfonii Beethovena, doprowadziła do powstania tzw. symfonia cykliczna. Beethoven zastępuje spokojnego menueta żywszym, często żywiołowym scherzem; podnosi rozwinięcie tematyczne na nowy poziom, poddając swoje tematy przeróżnym zmianom, w tym rozwinięciu kontrapunktowemu, wyodrębnieniu fragmentów tematów, zmianie trybu (dur-moll), przesunięciom rytmicznym.

Mówiąc o symfoniach Beethovena, należy podkreślić jego orkiestrową innowacyjność. Z innowacji:

1. faktyczna formacja grupa miedzi. Choć na trąbkach nadal gra się i nagrywa razem z kotłami, funkcjonalnie zaczynają one i rogi traktować jako jedną grupę. Dołączają do nich puzony, których nie było w Orkiestra symfoniczna Haydna i Mozarta. Puzony grają w finale V Symfonii (3 puzony), w scenie burzy w VI (tu są tylko 2), a także w niektórych partiach IX (w scherzo i w modlitewnym odcinku finał, a także w kodzie);

2. zagęszczenie „poziomu środkowego” powoduje konieczność zwiększenia pionu od góry i od dołu. Z góry pojawia się flet piccolo (we wszystkich wskazanych przypadkach, z wyjątkiem epizodu modlitewnego w finale IX), a od dołu kontrafagot (w finale V i IX symfonii). W każdym razie w orkiestrze Beethovena są zawsze dwa flety i fagoty;

3. Kontynuując tradycje Symfonii Londyńskich Haydna i późnych symfonii Mozarta, Beethoven wzmacnia niezależność i wirtuozerię partii niemal wszystkich instrumentów, w tym trąbki (słynne solo poza sceną w Uwerturze Leonory nr 2 i nr 3) oraz kotły. Często ma 5 partii smyczkowych (kontrabasy są oddzielone od wiolonczel), a czasem więcej (gra divisi). Wszystkie instrumenty dęte drewniane, w tym fagot, a także rogi (w refrenie, jak w trio scherzo III Symfonii lub osobno) mogą występować solo, wykonując bardzo jasny materiał.

2. Romantyzm

Głównym wyróżnikiem romantyzmu był wzrost formy, skład orkiestry i gęstość dźwięku, pojawiające się motywy przewodnie. Kompozytorzy romantyczni zachowali tradycyjny schemat cyklu, ale wypełnili go nową treścią. Poczesne miejsce wśród nich zajmuje symfonia liryczna, której jednym z najjaśniejszych przykładów była symfonia h-moll F. Schuberta. Wątek ten kontynuowany był w symfoniach F. Mendelssohna-Bartholdy'ego, często o charakterze malowniczym i krajobrazowym. W ten sposób symfonie nabrały cech programu, tak charakterystycznych dla kompozytorów romantycznych. Hector Berlioz, wybitny kompozytor francuski, jako pierwszy stworzył symfonię programową, pisząc do niej poetycki program w formie opowiadania o życiu artysty. Jednak idee programowe w muzyce romantycznej częściej ucieleśniały się w postaci jednoczęściowych poematów symfonicznych, fantazji itp. Najwybitniejszy autor symfonii na końcu XIX- wczesny XX wieki był G. Mahler, czasami przyciągający wokalny początek. Znaczące na Zachodzie symfonie tworzyli przedstawiciele nowej szkoły narodowe: w II połowie XIX wieku. - A. Dvorak w Czechach, w XX wieku. - K. Szymanowski w Polsce, E. Elgar i R. Vaughan Williams w Anglii, J. Sibelius w Finlandii. Symfonie francuskich kompozytorów A. Honeggera, D. Milhauda i innych wyróżniają się nowatorskimi cechami. Jeśli dominowała duża symfonia (często na rozbudowaną orkiestrę), to później coraz większą rolę zaczyna odgrywać „symfonia kameralna”, skromna w skali i przeznaczona dla zespołu solistów.

2.1. Franciszek Schubert (1797-1828)

Romantyczny symfonizm Schuberta zdeterminowany został głównie w dwóch ostatnich symfoniach – VIII w h-moll, która otrzymała nazwę „Niedokończona”, i IX w C-dur-noy. Są zupełnie inne, przeciwstawne sobie. Epicki dziewiąty jest nasycony poczuciem wszechogarniającej radości istnienia. „Niedokończone” zawierało w sobie temat deprywacji, tragicznej beznadziejności. Takie uczucia, odzwierciedlające losy całego pokolenia ludzi, nie znalazły jeszcze przed Schubertem symfonicznej formy wyrazu. Stworzony dwa lata wcześniej niż IX symfonia Beethovena (w 1822 r.), „Niedokończony” oznaczał pojawienie się nowego gatunku symfonicznego – liryczno-psychologicznego.

Jedna z głównych cech symfonii h-moll dotyczy jej cyklu, który składa się tylko z dwóch części. Wielu badaczy próbowało wniknąć w „tajemnicę” tego dzieła: czy genialna symfonia rzeczywiście pozostała niedokończona? Z jednej strony nie ulega wątpliwości, że symfonia pomyślana była jako cykl 4-częściowy: jej oryginalny szkic fortepianowy zawierał duży, trzyczęściowy fragment – scherzo. Brak równowagi tonalnej między częściami (h-moll w I-cie i E-dur w II-cie) jest również mocnym argumentem przemawiającym za tym, że symfonia nie została z góry pomyślana jako dwuczęściowa. . Z drugiej strony Schubert miał wystarczająco dużo czasu, aby dokończyć symfonię, jeśli chciał: po „Niedokończonym” stworzył dużą liczbę utworów, w tym 4-częściową IX symfonię. Istnieją inne argumenty za i przeciw. Tymczasem „Niedokończona” stała się jedną z najbardziej repertuarowych symfonii, absolutnie nie wywołując wrażenia niedopowiedzenia. Jej plan w dwóch częściach został w pełni zrealizowany.

Bohater „Niedokończonego” jest zdolny do jasnych wybuchów protestu, ale ten protest nie prowadzi do zwycięstwa zasady afirmacji życia. Pod względem napięcia konfliktu ta symfonia nie ustępuje dzieła dramatyczne Beethoven, ale ten konflikt ma inny plan, zostaje przeniesiony do sfery liryczno-psychologicznej. To dramat doświadczenia, a nie akcja. Jego podstawą nie jest walka między dwojgiem przeciwne zasady ale walka toczy się w samej osobowości. To najważniejsza cecha symfonii romantycznej, której pierwszym przykładem była symfonia Schuberta.

RozdziałIII. Symfonia w Rosji

Dziedzictwo symfoniczne kompozytorów rosyjskich - P.I. Czajkowski, A.P. Borodina, AG Głazunow, Skriabin, S.V. Rachmaninow. Począwszy od drugiego połowa XIX wieku, surowe formy symfonii zaczęły się rozpadać. Symfonie czterogłosowe stały się opcjonalne: są zarówno jednoczęściowe (Myaskowski, Kanczeli, Borys Czajkowski), jak i jedenastoczęściowe (Szostakowicz), a nawet dwudziestoczteroczęściowe (Khovaness). Pojawiły się powolne finały, niemożliwe w klasycznej symfonii (VI Symfonia Czajkowskiego, III i IX Symfonia Mahlera). Po IX symfonii Beethovena kompozytorzy coraz częściej zaczęli wprowadzać do symfonii partie wokalne.

Druga symfonia Aleksandra Porfiriewicza Borodina (1833-1887) jest jednym ze szczytów jego twórczości. Należy do światowych symfonicznych arcydzieł ze względu na swoją jasność, oryginalność, monolityczny styl i pomysłową realizację obrazów rosyjskiej epopei ludowej. W sumie napisał trzy symfonie (trzecia nie jest jeszcze ukończona).

Alexander Konstantinovich Glazunov (1865-1936) - jeden z najwybitniejszych rosyjskich symfonistów. W jego stylu twórcze tradycje Glinki i Borodina, Bałakiriewa i Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego i Taniejewa zostały w szczególny sposób zerwane. Był łącznikiem między przedpaździernikową klasyką rosyjską a młodym sowieckim sztuka muzyczna.

3.1. Piotr Czajkowski (1840 .)-1893)

Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Pierwsza symfonia „Zimowe sny” była jego pierwszą główna praca po ukończeniu Konserwatorium Petersburskiego. To wydarzenie, które dziś wydaje się tak naturalne, w 1866 roku było dość niezwykłe. Symfonia rosyjska – wieloczęściowy cykl orkiestrowy – była na samym początku swojej wędrówki. W tym czasie istniały tylko pierwsze symfonie Antona Grigorievicha Rubinsteina i pierwsze wydanie I Symfonii Nikołaja Andriejewicza Rimskiego-Korsakowa, które nie zyskały sławy. Czajkowski postrzegał świat w sposób dramatyczny, a jego symfonia – w przeciwieństwie do epickiego symfonizmu Borodina – ma charakter liryczno-dramatyczny, ostro sprzeczny charakter.

Sześć symfonii Czajkowskiego i symfonia programowa „Manfred” są do siebie niepodobne światy artystyczne, są to budynki budowane "według indywidualnego" projektu każdy. Chociaż „prawa” gatunku, który powstał i rozwinął się na ziemiach Europy Zachodniej, są respektowane i interpretowane z niezwykłą kunsztem, treść i język symfonii są prawdziwie narodowe. Dlatego tak organicznie brzmią pieśni ludowe w symfoniach Czajkowskiego.

3.2. Aleksander Nikołajewicz Skriabin (1872-1915)

Symfonizm Skriabina powstał na podstawie twórczej refrakcji różne tradycje klasyka symfoniczna XIX wieku. Jest to przede wszystkim tradycja symfonizmu dramatycznego Czajkowskiego i częściowo Beethovena. Wraz z tym kompozytor wprowadził też pewne cechy programowego symfonizmu romantycznego Liszta. Niektóre funkcje styl orkiestrowy Symfonie Skriabina łączą go częściowo z Wagnerem. Ale wszystkie te różne źródła były przez niego głęboko przetwarzane niezależnie. Wszystkie trzy symfonie są ze sobą ściśle powiązane wspólną koncepcja ideologiczna. Jej istotę można określić jako walkę osobowości ludzkiej z wrogimi siłami, które stoją na jej drodze do ustanowienia wolności. Ta walka niezmiennie kończy się zwycięstwem bohatera i triumfem światła.

3.3. Dmitrij Dmitrijewicz Szostakowicz (1906-1975)

Szostakowicz jest kompozytorem i symfonistą. Jeśli dla Prokofiewa, przy całej różnorodności jego twórczych zainteresowań, najważniejsze jest: Teatr Muzyczny, to dla Szostakowicza przeciwnie, głównym gatunkiem jest symfonia. To tutaj główne idee jego twórczości znajdują głębokie i wszechstronne ucieleśnienie. Świat symfonii Szostakowicza jest ogromny. Widzimy w nich całe życie ludzkości w XX wieku ze wszystkimi jego zawiłościami, sprzecznościami, wojnami i konfliktami społecznymi.

Symfonia VII („Leningradzka”) jest jedną z najbardziej znaczące prace kompozytor. Ona jest poczwórna. Jej skala jest ogromna: symfonia trwa ponad 70 minut, z czego prawie połowę zajmuje część pierwsza. „Co u diabła może pokonać ludzi zdolnych do tworzenia takiej muzyki” – napisała jedna z amerykańskich gazet w 1942 roku. Siódma Symfonia Szostakowicza może być słusznie nazwana „Symfonią Bohaterską” XX wieku.

3.4. Alfred Garrievich Schnittke (1934-1998)

Schnittke - kompozytor radziecki i rosyjski, teoretyk muzyki i pedagog (autor artykułów o kompozytorach rosyjskich i sowieckich), jeden z najważniejszych figury muzyczne Druga połowa XX wieku, Czczony Robotnik Sztuki RFSRR. Schnittke to jeden z liderów muzycznej awangardy. Mimo wielkiej popularności muzyki tego wybitnego kompozytora, partytury wielu jego symfonii nie zostały jeszcze wydane i są niedostępne w Rosji. Schnittke wychował się w swoich pracach problemy filozoficzne, z których głównym jest człowiek i środowisko. Pierwsza symfonia zawierała cały kalejdoskop różnych stylów, gatunków i kierunków muzycznych. Punktem wyjścia do powstania I Symfonii była równowaga między stylami poważnymi i lekka muzyka. II i IV Symfonia w dużej mierze odzwierciedlają kształtowanie się samoświadomości religijnej kompozytora. W II Symfonii słychać pradawną mszę. Trzecia symfonia była wynikiem wewnętrznej potrzeby wyrażenia swojego stosunku do kultury niemieckiej, niemieckich korzeni swojego pochodzenia. W III Symfonii, w postaci krótkich fragmentów, przed słuchaczem przechodzi cała historia muzyka niemiecka. Alfred Schnittke marzył o stworzeniu dokładnie dziewięciu symfonii – i tym samym przekazaniu swego rodzaju ukłonu Beethovenowi i Schubertowi, którzy napisali ten sam numer. Alfred Schnittke napisał IX Symfonię (1995-97), gdy był już poważnie chory. Doznał trzech uderzeń i w ogóle się nie ruszał. Kompozytor nie zdążył wreszcie dokończyć partytury. Po raz pierwszy jego zakończenie i wersję orkiestrową wykonał Giennadij Rożdiestwienski, pod którego kierunkiem odbyło się prawykonanie w Moskwie 19 czerwca 1998 roku. Nowa wersja redakcyjna symfonii została przeprowadzona przez Aleksandra Raskatowa i wykonana w Dreźnie 16 czerwca 2007 roku.

W drugiej połowie XX wieku największą popularność zyskało połączenie w jednym utworze zasad różnych gatunków – symfonicznego, chóralnego, kameralnego, instrumentalnego i wokalnego. Na przykład w XIV Symfonii Szostakowicza synteza symfonii, kameralna muzyka wokalna i instrumentalna; w Gavrilin występy chóralne łączą cechy oratorium, symfonii, cykl wokalny, balet, spektakl dramatyczny.

3.5. Michaił Żurawlew

W XXI wieku jest wielu utalentowanych kompozytorów, którzy składają hołd symfonii. Jednym z nich jest Michaił Żurawlew. Swoim muzycznym i politycznym manifestem kompozytor śmiało wkroczył w takie postacie. historia muzyki jak L. Beethoven, P. Czajkowski i D. Szostakowicz. X Symfonię M. Żurawlewa można już śmiało nazwać „Symfonią bohaterską XXI wieku”. Oprócz ogólnych aspektów etycznych tej symfonii należy zwrócić uwagę na aspekty czysto zawodowe. Autor nie poszukuje innowacji dla samej innowacji. Czasem wręcz dobitnie akademicki, stanowczo przeciwstawiając się wszystkim dekadentom i awangardystom sztuki. Ale udało mu się powiedzieć coś naprawdę nowego, własne słowo w gatunek symfoniczny. Kompozytor M. Żurawlew z niezwykłym mistrzostwem posługuje się zasadami formy sonatowej, za każdym razem demonstrując jej nieskończone możliwości. Połączone części 3 i 4 w rzeczywistości stanowią rodzaj „supersonaty”, w której cała 4 część może być uważana za wyrośnięcie w osobną część kody. Naukowcy w przyszłości muszą jeszcze poradzić sobie z tą niezwykłą decyzją kompozytorską.

Wniosek

Symfonie nazywano pierwotnie tymi utworami, które nie mieściły się w ramach tradycyjnych kompozycji - pod względem liczby głosów, tempa, połączenia różnych magazynów - polifonicznych (co w XVII wieku uznawano za dominujące) i homofonicznych (z głosem). akompaniament), który się pojawił. W XVII wieku symfonię (co oznaczało „współbrzmienie, harmonię, poszukiwanie nowych dźwięków”) nazywano wszelkiego rodzaju niezwykłymi kompozycje muzyczne, aw XVIII wieku rozpowszechniły się tzw. symfonie dywersyjne, które powstały w celu nagłośnienia przestrzeni na balach i różnych imprezach towarzyskich. Symfonia stała się określeniem gatunkowym dopiero w XVIII wieku. Pod względem wykonawczym symfonia słusznie uważana jest za bardzo złożony gatunek. Wymaga ogromnego składu, obecności wielu rzadkich instrumenty muzyczne, umiejętności orkiestry i wokalistów (jeśli jest to symfonia z tekstem), doskonała akustyka. Jak każdy gatunek muzyczny, symfonia rządzi się swoimi prawami. Normą klasycznej symfonii jest więc czteroczęściowy cykl, z formą sonatową (najbardziej złożoną) na obrzeżach, z partiami wolnymi i tanecznymi w środku utworu. Ta struktura nie jest przypadkowa. Symfonia odzwierciedla procesy relacji człowieka ze światem: aktywne – w pierwszej części, społeczne – w czwartej, kontemplacyjne i zabawowe – w centralnych odcinkach cyklu. W punkty zwrotne W swoim rozwoju muzyka symfoniczna zmieniła stabilne zasady. I te zjawiska na polu sztuki, które najpierw wywołały szok, potem się oswoiły. Na przykład symfonia z wokalem i poezją stała się nie tylko przypadkiem, ale jednym z trendów rozwoju gatunku.

Współcześni kompozytorzy preferują dziś gatunki kameralne od form symfonicznych, które wymagają mniej duża kompozycja wykonawców. W tego rodzaju koncertach stosuje się nawet fonogramy z zapisem szumów lub jakiegoś rodzaju efektów elektroniczno-akustycznych. Język muzyczny, który kultywuje się dziś we współczesnej muzyce, jest bardzo eksperymentalny, odkrywczy. Uważa się, że pisanie muzyki dla orkiestry oznacza dziś wyłożenie jej na stół. Wielu uważa, że czasy symfonii jako gatunku, w którym pracują młodzi kompozytorzy, z pewnością się skończyły. Ale czy tak jest naprawdę, na to pytanie odpowie czas.

Bibliografia:

Averyanova O.I. Krajowa literatura muzyczna XX wieku: Proc. dodatek do szkoły muzycznej: czwartek. rok studiów. - M.: Muzyka, 2009. - 256 s.
Borodin. Druga Symfonia ("Bogatyrskaya") / Artykuł - [ Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://belcanto.ru/s_borodin_2.html
Heroiczna symfonia XXI wieku / Artykuł V. Filatova // Proza. ru - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://www.proza.ru/2010/08/07/459
Levik B.V. Literatura muzyczna obce kraje: pomoc nauczania. Sprawa. 2. - M.: Muzyka, 1975. - 301 s.
Prochorowa I. Literatura muzyczna obcych krajów: dla 5 klasy. Szkoła muzyczna dla dzieci: Podręcznik M.: Muzyka, 2000. - 112 s.
Rosyjska literatura muzyczna. Sprawa. 4. Wyd. M.K. Michajłowa, E.L. Smażony. - Leningrad: „Muzyka”, 1986. - 264 s.
Symfonia // Yandex. Słowniki › TSB, 1969-1978 - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://slovari.yandex.ru/~books/TSB/Symfonia/
Symfonia. // Wikipedia. Darmowa encyklopedia - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://www.tchaikov.ru/symphony.html
Schubert, symfonia „Niedokończona” // Wykłady na literatura muzyczna musike.ru - [Zasób elektroniczny] - Tryb dostępu - URL: http://musike.ru/index.php?id=54

Symfonia jako niezależny gatunek muzyczny powstała stosunkowo niedawno: jakieś dwa i pół wieku temu. Jednak w tym historycznie krótkim okresie przeszła długą drogę. Słowo symfonia po grecku znaczy tylko współbrzmienie. W starożytnej Grecji tak nazywano przyjemną kombinację dźwięków.

Później zaczęli wyznaczać albo orkiestrę, albo wstęp do suity tanecznej.

Na początku XVIII w. termin ten zastąpił dotychczasową koncepcję uwertury.

Pierwsze symfonie w obecnym znaczeniu pojawiły się w centrum Europy w drugiej połowie XVIII wieku. A miejsce i czas jej narodzin nie są przypadkowe. Powstała równolegle w różnych częściach Europy, w głębi dawnych, utrwalonych wcześniej form muzycznych - suity tanecznej i uwertury operowej, symfonia ostatecznie ukształtowała się w krajach języka niemieckiego. We Włoszech opera była sztuką narodową.

W przedrewolucyjnej Francji, już nasyconej atmosferą wolnomyślicielstwa i buntu, pojawiły się inne sztuki, takie jak literatura, malarstwo i teatr - bardziej konkretne, wprost i w sposób zrozumiały wyrażające nowe, niepokojące świat idee. Kiedy kilkadziesiąt lat później do muzyki, pieśni „Carmagnola”, „Sa ira”, „La Marseillaise” wkroczyły w szeregi wojsk rewolucyjnych jako pełnoprawny wojownik.

Symfonia jednak, wciąż najbardziej złożona ze wszystkich rodzajów muzyki niezwiązanej z innymi sztukami, wymagała innych warunków do jej powstania, do pełnego odbioru: wymagała zamyślenia, uogólnienia - spokojnej i skupionej pracy. Nieprzypadkowo centrum myśli filozoficznej, odzwierciedlające przemiany społeczne w Europie końca XVIII wieku, okazało się właśnie w Niemczech, z dala od społecznych burz. W tym samym czasie w Niemczech i Austrii rozwinęła się bogata tradycja muzyki instrumentalnej. Stąd pochodzi symfonia.

Powstał w twórczości kompozytorów czeskich i austriackich, a ostateczną formę uzyskał w twórczości Haydna, aby rozkwitnąć wraz z Mozartem i Beethovenem. Ta klasyczna symfonia (Haydn, Mozart i Beethoven weszli do historii muzyki jako „klasycy wiedeńscy”, ponieważ większość ich twórczości jest związana z tym miastem) powstała jako cykl czterech części, które ucieleśniały różne aspekty ludzkiego życia.

Pierwsza część symfonii jest szybka, aktywna, czasem poprzedzona powolnym wstępem. Jest napisany w formie sonatowej.

Druga część jest powolna – zazwyczaj zadumana, elegijna lub pastoralna, czyli poświęcona spokojnym obrazom natury, spokojnemu wypoczynkowi czy snom. Są części drugie i żałobne, skupione, głębokie.

Trzecia część symfonii to menuet, a później u Beethovena scherzo. To gra, zabawa, żywe obrazy życia ludowego, fascynujący okrągły taniec ...

Finał jest wynikiem całego cyklu, wnioskiem ze wszystkiego, co zostało pokazane, przemyślane, wyczuwalne w poprzednich częściach. Często finał jest afirmujący życie, uroczysty, zwycięski lub świąteczny.

Przy ogólnym schemacie symfonie różnych kompozytorów są bardzo różne. Jeśli więc symfonie Haydna są w większości bezchmurne, radosne i tylko nieliczne ze 104 stworzonych przez niego dzieł tego gatunku wydają się tony poważne lub smutne, to symfonie Mozarta są znacznie bardziej indywidualne, czasami postrzegane jako prekursory sztuki romantycznej.

Symfonie Beethovena pełne są obrazów walki. Odzwierciedlały one w pełni epokę Wielkiej Rewolucji Francuskiej, inspirowane przez nią wzniosłe idee obywatelskie. Symfonie Beethovena są dziełami monumentalnymi, w głębi treści, w rozpiętości i sile uogólnienia, nie ustępują operze, dramatowi, powieści. Wyróżnia je głęboki dramat, heroizm, patos. Ostatnia z symfonii Beethovena, Dziewiąta, zawiera chór śpiewający entuzjastyczny i majestatyczny hymn „W objęciach miliony” do wersów ody Schillera „Do radości”. Kompozytor maluje tu wspaniały obraz wolnej, radosnej ludzkości, dążącej do powszechnego braterstwa.

Ludwiga van Beethovena. Oda „Do radości” z IX Symfonii

W tym samym czasie co Beethoven, w tym samym Wiedniu mieszkał inny wspaniały austriacki kompozytor Franz Schubert. Jego symfonie brzmią jak liryczne wiersze, jak głęboko osobiste, intymne wypowiedzi. Wraz z Schubertem w muzyce europejskiej pojawił się nowy nurt, w gatunku symfonicznym - romantyzm. Przedstawicielami muzycznego romantyzmu w symfonii są Schumann, Mendelssohn, Berlioz.

Hector Berlioz, wybitny kompozytor francuski, jako pierwszy stworzył symfonię programową (patrz opowieść o muzyce programowej), pisząc do niej program poetycki w formie opowiadania o życiu artysty.

Symfonia w Rosji to przede wszystkim Czajkowski. Jego kompozycje symfoniczne to ekscytujące, ekscytujące historie o walce człowieka o życie, o szczęście. Ale to także Borodin: jego symfonie wyróżniają się epickim rozmachem, siłą i prawdziwie rosyjskim zasięgiem. To Rachmaninow, Skriabin i Głazunow, którzy stworzyli osiem pięknych, jasnych, zrównoważonych symfonii.

Symfonie D. Szostakowicza ucieleśniają XX wiek z jego burzami, tragediami i dokonaniami. Odzwierciedlają wydarzenia z naszej historii oraz obrazy współczesnych kompozytorowi ludzi budujących, walczących, poszukujących, cierpiących i zwycięskich. Symfonie S. Prokofiewa wyróżniają epicka mądrość, głęboki dramat, czyste i jasne teksty oraz ostre żarty.

D. Szostakowicz. Symfonia nr 7 op. 60 „Leningradzka” C-dur. Część 1

Każda symfonia to cały świat. Świat artysty, który go stworzył. Świat czasu, który go zrodził. Słuchając klasycznych symfonii stajemy się bogatsi duchowo, łączymy się ze skarbami ludzkiego geniuszu, równymi tragediom Szekspira, powieściom Tołstoja, wierszom Puszkina, obrazom Rafaela.