W drugiej połowie XVIII wieku w sztuce rosyjskiej ukształtował się styl. klasycyzm. Osobliwością rosyjskiego klasycyzmu było to, że jego mistrzowie zwrócili się nie tylko ku starożytności, ale także rodzima historiaże dążyli do prostoty, naturalności i człowieczeństwa. Znaleziono w klasycyzmie ekspresja artystyczna idee państwa absolutystycznego, które zastąpiły rozdrobnienie feudalne. Absolutyzm wyrażał ideę mocnej władzy; promowano wieczność systemu absolutystycznego. W drugiej połowie XVII wieku, podobnie jak inne formy sztuki w Rosji, malarstwo przechodziło duże zmiany. W pewnym stopniu przygotowują one te zasadnicze reformy, które zachodzą w nim na początku XVIII wieku. Wchodząc na pozycję sztuki nowych czasów ze znacznym opóźnieniem w porównaniu z innymi zaawansowanymi artystycznie krajami europejskimi, malarstwo rosyjskie na swój sposób odzwierciedla ogólne prawa tego etapu rozwoju. Wysuwam się na pierwszy plan sztuka świecka. Początkowo malarstwo świeckie rozwijało się w Petersburgu i Moskwie, jednak już od drugiej połowy XVIII w. rozprzestrzeniło się szeroko w innych miastach i majątkach. Tradycyjna gałąź malarstwa – ikonografia jest nadal szeroko stosowana we wszystkich sektorach społeczeństwa.
Malarstwo rosyjskie rozwijało się przez cały XVIII wiek w ścisłym kontakcie ze sztuką szkół zachodnioeuropejskich, przechodząc do domeny publicznej – dzieła sztuki renesansu i baroku, a także szeroko korzystając z doświadczeń państw sąsiednich. W tym samym czasie. jak badacze od dawna ustalili, sztuka w ogóle, a malarstwo w szczególności, przez cały XVIII wiek łączy jeden kierunek i mają wyraźny charakter narodowy. W tym okresie w Rosji pracowali najwięksi mistrzowie swojego rzemiosła - przedstawiciele krajowej szkoły artystycznej i malarze zagraniczni. Najciekawszym zjawiskiem w sztuce epoki Piotrowej był portret. U początków portretu leży nowy czas I.N. Nikitin (ok. 1680-1742).
I.N. Nikitinżywo ucieleśnia siłę ludzkich możliwości odkrytych w epoce Piotrowej. Największy reformator malarstwa rosyjskiego dzieli z nim triumfy, a w końcu tragiczne trudy. Portrety stworzone przez Nikitina we wczesnym okresie są już dość europejskimi obrazami natury, najbliższymi dziełom szkoły francuskiej z początku XVIII wieku. Korzystając z ogólnoeuropejskiego doświadczenia, rosyjski artysta realizuje własne wyobrażenia o świecie, pięknie i indywidualnych cechach modela. Istnieje więc wersja portretu, ogólnie zrozumiała i dość wyjątkowa. W pędzlu tego wielkiego artysty znajdują się takie dzieła jak: portret Cezarewny Anny Pietrowna i księżnej Praskovyi Ioannovny (prawdopodobnie 1714). Być może najpotężniejszym dziełem po powrocie Nikitina z Włoch jest portret kanclerza stanu G.I. Gołowkina (lata dwudzieste XVIII wieku). Oprócz zwiększonej znajomości techniki rysunkowej i malarskiej demonstruje duchowość ekspresji i interakcji obrazu z widzem. Nie mniejszą powagę cechuje „Portret hetmana plenerowego” (lata 20. XVIII w.). Niezależność autora przejawia się także w portrecie S.G. Stroganowa (1726) oraz w obrazie „Piotr I na łożu śmierci” (1725). Wraz ze śmiercią Piotra życie samego artysty zakończyło się tragicznie – został osądzony pod fałszywymi zarzutami i zesłany do Tobolska. Twórczość innego rosyjskiego malarza również należy duchowo do epoki Piotrowej - Andriej Matwiejew (1701-1739). Dekretem Piotra został wysłany do Holandii na studia, co zapewniło niezbędny poziom wiedzy. Już w okresie szkolenia tworzył obrazy - „Alegoria malarstwa” (1725) oraz „Wenus i Kupidyn”. Najbardziej znanym dziełem Matwiejewa jest „Autoportret z żoną” (1729). Twórczość Makiejewa rysuje pozytywnie wyróżnionego artystę. Nowa kultura stosunków dla Rosji. Mąż i żona nie tylko zachowują się jak równi sobie: artysta ostrożnie i dumnie przedstawia widzowi swoją żonę. Zainteresowanie sztuką i pracowitość. W połowie XVIII wieku głównym mistrzem portretu malarskiego był A. Antropow, łączący różne techniki artystyczne. Syn żołnierza, w wieku szesnastu lat rozpoczął naukę u Matwiejewa, z którym stworzył szereg obrazów dekoracyjnych w Petersburgu, Moskwie i innych miastach. W portrecie Piotra III nie ma idealizacji, jak zwykle w przypadku ceremonialnych portretów królewskich tworzonych przez artystów zagranicznych, choć rozwiązanie kompozycyjne jest takie samo. Antropow napisał bardzo prawdziwy, ostry, niemal karykaturalny obraz cara - o wąskich ramionach, na długich, chudych nogach. Wspaniałe otoczenie – kolumna, baldachim, tron i złocony stół z królewskimi regaliami – podkreślają fizyczną i duchową małość króla. Wielu artystów XVIII wieku pochodziło z poddanych, a niektórzy pozostali w niewoli do końca swoich dni. Sługą hrabiego Szeremietiewa był Iwan Pietrowicz Argunow, przedstawiciel bardzo utalentowanej rodziny, która dała sztuce rosyjskiej wielu artystów. Najbardziej znany jest jako malarz portretowy. Na zlecenie właściciela musiał malować portrety szlachty petersburskiej, znajomych Szeremietiewa i członków jego rodziny. Zwykle nie pozowali, a Argunow, jak sam powiedział, malował je, obserwując podczas uroczystych świąt w pałacu właściciela. Szeremietiew nie cenił artysty w Argunowie, często zlecał mu różne zadania, aż w końcu wysłał go do Moskwy, aby zarządzał jego moskiewskim domem, tym samym niemal pozbawiając artystę możliwości malowania. Twórczość Argunowa rozwijała się w latach 1750–1760. Sławę przyniosły mu portrety B. Szeremietiewa i W. Szeremietiewy, pewnych siebie i aroganckich szlachciców z rodziny szlacheckiej. Argunov, który studiował u Groota, opanował styl zachodnioeuropejskiego portretu formalnego. To nie przypadek, że otrzymał zlecenie namalowania portretu nowej cesarzowej – Katarzyny II. Co prawda klasycyzm osiąga pełną dojrzałość na początku XIX wieku, ale już w drugiej połowie XVIII wieku sztuka portretowa osiąga swój pełny potencjał. W tym czasie tworzą najwięksi malarze F. Rokotow, D. Levitsky i V. Borovikovsky który stworzył genialną galerię portretów współczesnych, dzieł pełnych głębokiej refleksji, opiewających piękno i szlachetność ludzkich dążeń. Portrety te nie tylko przekazały nam obrazy wielu osób wspaniali ludzie, ale także były świadectwem wysokiego kunsztu artystów rosyjskich, ich oryginalności, a także dojrzałości kultury malarskiej i plastycznej. Artyści potrafili odtworzyć prawdziwy obraz za pomocą różnych środków obrazowych: wykwintnych odcieni kolorów, dodatkowe kolory i refleksy, najbogatszy system wielowarstwowego nakładania farb. Wśród największych rosyjskich portrecistów drugiej połowy XVIII wieku najbardziej oryginalnym był F. Rokotow. Był już młodym człowiekiem, powszechnie znanym jako zdolny i oryginalny malarz. Jego twórcze dziedzictwo dużo. Rokotow był już w 1760 r. studentem Akademii Sztuk Pięknych, a trzy lata później jej nauczycielem, a następnie akademikiem. Usługa odrywała artystę od kreatywności, a oficjalne zamówienia były ciężarem. W 1765 Rokotow opuścił Akademię Sztuk Pięknych i przeniósł się na stałe do Moskwy. Rozpoczął się nowy, twórczy i bardzo owocny okres w jego życiu. Został artystą oświeconej szlachty w niezależnej i czasem wolnomyślącej Moskwie. Jego dzieła odzwierciedlały charakterystyczne dla tamtych czasów pragnienie najlepszej, oświeconej części rosyjskiej szlachty, przestrzegania wysokich standardów moralnych. Artysta lubił przedstawiać osobę bez otoczenia paradnego, nie pozując. Osoby na późniejszych portretach Rokotowa stają się coraz atrakcyjniejsze pod względem intelektualnym i duchowym. Rokotov zwykle korzysta z miękkiego oświetlenia i całą swoją uwagę skupia na twarzach. Osoby na jego portretach niemal zawsze uśmiechają się lekko, często uważnie, czasem tajemniczo patrząc na widza. Łączy ich coś wspólnego, jakiś rodzaj głębokiego człowieczeństwa i duchowego ciepła. Pod względem duchowości, malowniczości i ogólnego wyrafinowania wiele portretów Rokotowa ma analogię z portretami najlepszych angielskich mistrzów XVIII wieku. Wraz z rozkwitem twórczości Rokotowa rozpoczęła się działalność innego ważnego malarza, Dmitrija Lewickiego, który stworzył serię prawdziwych, głęboko scharakteryzowanych portretów. Prawdopodobnie urodził się w Kijowie i początkowo studiował sztuki piękne u swojego ojca, znanego ukraińskiego rytownika. W 1770 roku na wystawie w Akademii Sztuk Pięknych Lewicki przedstawił szereg portretów, które wydawały się natychmiast dojrzałe i główny mistrz. Za jednego z nich - architekta A. Kokorinowa - otrzymał tytuł akademika. Artysta nadal odwołuje się do tradycji portretu barokowego. Wkrótce Lewicki stworzył słynną serię portretów smoleńskich kobiet – uczennic Instytutu Smolnego. Zamówiony przez cesarzową Katarzynę II, przyniósł mu prawdziwą sławę. Artysta przedstawił każdego z uczniów tego uprzywilejowanego szlachcica instytucja edukacyjna dla ulubionej rozrywki, w charakterystycznej pozie. Lewicki doskonale przekazał urok młodości, szczęście młodego życia, różne postacie. Intymne portrety Lewickiego z okresu świetności jego twórczości, przypadającego na lata 1770-1780, stanowią szczyt dorobku artysty. W Petersburgu napisał gościa do stolicy Rosji Filozof francuski Denis Diderot, celowo przedstawiając go w szlafroku i bez peruki. Pełna wdzięku, kobiecości w portretach M. Lwowa Ursula Mniszek jawi się jako pusta świecka piękność, rozważna kokieteria wpisana jest w primadonnę włoskiego śpiewaka opery komicznej A. Bernuzziego. Inaczej Lewicki odnosił się do modeli swoich portretów: dla niektórych - z ciepłem i współczuciem, dla innych - jakby obojętnie, potępiał trzeciego. Podobnie jak wielu rosyjskich artystów tamtych czasów, Lewicki otrzymywał za swoje portrety znacznie mniej niż odwiedzanie zagranicznych malarzy. Wcześniej umarł pilnie potrzebując głębokiego starca ostatnie dni nie zostawiając pędzla. V.L. Borovikovsky (1757-1825) jakby zamykał galaktykę największych rosyjskich portrecistów XVIII wieku. Borowikowski, jak Lewicki, pochodzący z Ukrainy. Już w pierwszych latach pobytu w Petersburgu związał się z kręgiem, na którego czele stał N.A. Lwów, wielokrotnie portretował osoby bliskie temu społeczeństwu. Dość szybko, dzięki wsparciu przyjaciół, znajomych i sukcesom na dworze austriackiego malarza I.B. Lampiego, Borovikovsky stał się popularny wśród szerokiego kręgu szlachty petersburskiej. Artysta portretuje całe rodzinne „klany” – Łopukhinów, Tołstoja, Arseniewów, Gagarinów, Bezborodko, którzy szerzą swoją sławę kanałami rodzinnymi. W tym okresie jego życia znajdują się portrety Katarzyny II, jej licznych wnuków, ministra finansów AI Wasiliewa i jego żony. Dominujące miejsce w twórczości Borowikowski zajmują portrety kameralne. Płótna artystki są bardzo eleganckie dzięki wdzięku inscenizacji modelek, wdzięcznym gestom i umiejętnemu prowadzeniu kostiumu. Bohaterowie Borowikowski zwykle nieaktywne, większość modeli jest odurzona własną wrażliwością. Wyraża to portret M.I. Lopukhiny (1797) i portret Skobeevy (połowa lat 90. XVIII w.) oraz wizerunek córki Katarzyny II i A.G. Potiomkina - E.G. Temkiny (1798) . Artysta przywiązuje dużą wagę do portretów małoformatowych i miniaturowych, co mu się udało znakomicie. Również Borowikowski- autor szeregu portretów zbiorowych podwójnych i rodzinnych powstałych po XIX w. Z powyższego możemy wywnioskować, że przez cały XVIII wiek rosyjska sztuka malarstwa przeszła długą drogę, dostosowując się do praw współczesnych. Potrzeby epoki znalazły odzwierciedlenie w dominującym rozwoju malarstwa świeckiego – portretowego, pejzażowego, historycznego i codziennego.
Bibliografia
- 1. Historia sztuki rosyjskiej. W 6 tomach, 1956
- 2. słownik encyklopedyczny Rosyjski artysta. Pedagogia. 1983
- 3. Album „Rosyjscy artyści od„ A ”do„ Z ”, M., Word 1996
- 4. Encyklopedia Dziecięca 12, Moskwa, Wydawnictwo Pedagogiczne, 1977
- 5. G. Ostrovsky „Historia malarstwa rosyjskiego”, Moskwa, Sztuki wizualne, 1987
Za początek historii malarstwa rosyjskiego uważa się epokę przyjęcia chrześcijaństwa - koniec X wieku. Z ideologią chrześcijańską na Rusi, tradycjami bizantyjskimi Sztuka obrazowa który dominował aż do XV wieku. Obrazy Musiy (musiy - wykonane na farbującym drzewie) powstają w pierwszej kolejności od wizytujących mistrzów z Grecji, którzy kształcą utalentowaną młodzież rosyjską. Jednym z nich jest mnich Alympius z jaskiń, pierwszy rosyjski malarz ikon.
Ścisły nadzór władz kościelnych, pozwalający jedynie na kopiowanie wzorów greckich i tłumienie wszelkich prób odstępstw od kanonu, na długi czas utrudnia rozwój sztuki malarskiej. Do XV wieku istniała tylko jedna szkoła malarstwa – Korsun (grecka). Jednak w XV wieku sytuacja uległa zmianie w związku z rozpowszechnieniem się europejskich, ozdobionych politypami i rycinami. Do tego okresu zalicza się twórczość Andrieja Rublowa, przedstawiciela szkoły bizantyjskiej, autora malowideł ściennych Moskwy Katedra Zwiastowania, katedry Trójcy Świętej-Ławry Sergiusza itp.
W XVII w. zacofanie rosyjskiej szkoły malowania ikon stało się oczywiste nawet dla władz kościelnych. Suweren Aleksiej Michajłowicz zaprasza zachodnich mistrzów, którzy potrafią malować z natury, do malowania komnat pałacowych - takiej umiejętności absolutnie nie było w szkole domowej. Szymon Uszakow, malarz ikon królewskich, próbuje połączyć techniki bizantyjskie i europejskie, tworząc nowy styl malowania ikon - Fryażski.
XVII wiek. Początek rozwoju malarstwa świeckiego
Od XVII w. na Rusi zaczęło się rozwijać malarstwo świeckie, szczególnie zdecydowanie – za panowania Piotra Wielkiego. We Włoszech i Holandii Matwiejew, Zacharow i bracia Nikitin studiują zachodni styl pisania, a w Akademii Nauk otwierają się zajęcia z grawerowania i rysowania.
Moda i pragnienie luksusu stały się przyczyną dużego popytu na malarstwo w czasach Elżbiety Pietrowna. Ale dzieła zagranicznych artystów są poszukiwane - rosyjscy malarze są daleko w tyle pod względem umiejętności.
W 1757 r. w Petersburgu utworzono Akademię Sztuk Pięknych składającą się z 5 wydziałów: malarstwa, rzeźby i rzeźby, grawerowania, medalierstwa (wyrób monet i medali) oraz architektury. Przyjmowano do niej ludzi wszystkich warstw społecznych, a nawet kobiety (za zgodą ojca lub męża) – takie było zapotrzebowanie na domowe talenty. Jednak francuskie kierownictwo pedagogiczne przez długi czas określiło główne rodzaje malarstwa - pejzaż historyczny i heroiczny w stylu Poussisa i Claude'a Lorraina, co spowodowało monotonię i dużą umowność obrazów.
Ale rozwój, choć powolny, postępuje. W portretach najlepsi artyści W tym czasie Lewickiego, Borowikowskiego, Rokotowa, Kiprenskiego prawdziwość natury stawała się coraz bardziej wyraźna. D. G. Levitsky staje się najmodniejszym portrecistą czasów Katarzyny II. Jego uroczyste, bardzo piękne dzieła cieszą się dużym zainteresowaniem w środowisku arystokratycznym, charakterystycznym przykładem manier Lewickiego jest pełnometrażowy portret Katarzyny II. Orest Kiprensky zaliczany jest do najlepszych rosyjskich malarzy portretowych. Jego najlepsze prace to portret Thordvalsena, obrazy „Sybilla Tiburtinskaya”, „Dziewczyna z owocami” itp.
Przez bardzo długi czas, aż do pierwszej połowy XIX wieku, malarstwo rosyjskie miało charakter głównie odtwórczy. Malarze kopiowali techniki i tematykę mistrzów francuskich, włoskich (bolońskich). Powodem było wykształcenie akademickie i świecka prośba, która podobnie jak władze kościelne zaszczepiała ideę naśladownictwa.
Pierwszymi artystami, którzy zrobili krok w stronę niezależności i ożywienia obrazu byli Basin, Warnek, Bruni. Jednak zasadniczego zerwania z tradycją klasycyzmu dokonuje Karl Bryullov, pisząc „Ostatni dzień Pompejów”. Bryulłowowi udało się wzbudzić zainteresowanie żywą sztuką w społeczeństwie, a jego romantyczny sposób pisania stał się zwiastunem rosyjskiego realizmu.
XIX wiek. Powstawanie malarstwa narodowego
Druga połowa XIX wieku charakteryzuje się ciągłym wzrostem miłości i prostego zainteresowania sztuką. Jest wiele wystaw. Pojawiają się zamożni koneserzy, wykupujący płótna i tworzący prywatne galerie. Istnieją prywatne szkoły rysunku.
W 1825 r. w Ermitażu zorganizowano ogólnodostępny wydział malarstwa rosyjskiego. Zerwanie z akademizmem odtwórczym wyraża się w odwołaniu do życia codziennego i chłopskiego, wątków prostej rzeczywistości. I chociaż w obrazach Wenecjanowa jest to raczej poszukiwanie piękna niż, mają one ogromne znaczenie dla kształtowania się rosyjskiej szkoły realistycznej.
W 1863 r. Grupa artystów pod przewodnictwem Kramskoja, potępiająca politykę Akademii Sztuk Pięknych, opuściła jej skład, aw 1872 r. Utworzyli „stowarzyszenie wystaw objazdowych”, w przyszłości – centrum narodowej rosyjskiej szkoły malarstwa . Z biegiem czasu dołączają do nich najbardziej utalentowani i oryginalni artyści.
W ciągu tych lat Galeria Trietiakowska, wiele muzeów nie tylko w obu stolicach, ale także w miastach prowincjonalnych. Dominującym kierunkiem staje się społecznie tendencyjny, mający na celu portretowanie, wpływanie, walkę, potępianie i głoszenie. Idee literatury i myśli społecznej inspirowały obrazy Perowa, Pukirewa, Pryanishnikowa, Korzukhina, Savitsky'ego, Myasoedova, Klodta.
Czas nazmianę
Koniec XIX - początek XX wieku to czas rewolucyjnych zmian i oczekiwania na odrodzenie Rosji. W tym okresie pojawiły się słynne „Bogatyry” Wasnetsowa i „Kozacy” Repina, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa. Obrazy wyrażają patriotyczne idee wielkości narodowej i najgłębszą myśl o jej odrodzeniu.
Ale nie tylko odwoływanie się do wielkich kart historii jest charakterystyczne dla tamtych czasów duże zmiany. Młodsi Wędrowcy - S. Korovin, S. Iwanow, N. Kasatkin i inni - zwracają się w stronę głuchego życia, tworząc płótna ostro społeczne, rewolucyjne w swojej prawdzie.
Nazwa: Historia malarstwa rosyjskiego - XVIII wiek.
Szybki rozwój Rosji w epoce Piotrowej wiąże ją częściowo z zachodnią Europą renesansu. Sztuka portretu zaczęła się szybko rozwijać; w połowie stulecia, dzięki ogólnemu wzrostowi kultury, rosyjskie sztuki piękne stały się profesjonalne. Po Piotrze martwe natury i desudeporty stały się popularnym tematem malarstwa. Klasycyzm stał się symbolem panowania Katarzyny w sztuce. Rozwija się malarstwo historyczne, a sztuka portretu przestaje być elitarna. Pod koniec wieku następuje pojawienie się gatunku codziennego i oddzielenie krajobrazu w odrębnym kierunku.
Nazwa: Historia malarstwa rosyjskiego – pierwsza połowa XIX wieku.
Nazwa: Historia malarstwa rosyjskiego – pierwsza połowa XIX wieku.
Dla sztuk pięknych, pierwsze dziesięciolecia 19 wiek- początek złotego wieku. To było w tym czasie Rosyjscy artyści osiągnęli najwyższe umiejętności, co pozwoliło im stanąć na równi najlepsi rzemieślnicy Sztuka europejska. Prace zebrane w tym tomie odzwierciedlają powstanie klasycyzmu, rozprzestrzenianie się romantyzmu i narodziny realizmu we wszystkich aspektach malarstwa rosyjskiego.
Pobierz i przeczytaj Historia malarstwa rosyjskiego - Pierwsza połowa XIX wieku - Mayorova N., Skokov G.
Nazwa: Historia malarstwa rosyjskiego - przełom XIX i XX wieku.
Układ sił poszedł w zapomnienie życie artystyczne Rosja drugiej połowy XIX wieku: z jednej strony rutynowa sztuka Akademii Sztuk Pięknych, z drugiej Wędrowcy.
Pod koniec XIX wieku młodzi artyści zaczęli szukać własnych dróg w malarstwie. W tym samym czasie powstało koło Abramcewo, które postawiło nowe zadania, nie wpisane w program Partnerstwa. A potem - w XX wieku - po raz pierwszy w rosyjskim życiu artystycznym powstało mnóstwo różnych stowarzyszeń: wszystkie wyszły ze swoimi programami, manifestami, platformami.
„Dar wnikliwości historycznej jest jednym z najrzadszych zjawisk na świecie, choć niemal wszyscy odczuwają naszą tajemniczą, mistyczną więź ze zmarłymi, z zaginionymi. Zagłębianie się w przeszłość, życie przez jakiś czas w interesie tych zmarłych to dla każdego wielka przyjemność... Jednak wskrzeszanie przeszłości, ukazywanie jej z całą ostrością i pewnością rzeczywistości to los nielicznych. Wymaga to czegoś więcej niż tylko wiedzy.”
1. Anton Losenko „Władimir i Rogneda”, 1770
Założyciel rosyjskiego malarstwa gatunkowego historycznego nazywany jest zwykle Antonem Losenko (1737–1773), artystą studiującym we Francji i Włoszech, pierwszym emerytem petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych. Płótno „Władimir i Rogneda” po raz pierwszy w sposób wyrazisty i zwięzły przedstawił rosyjską starożytność. Dzięki twórczości Antona Losenki sceny z starożytna historia Rosji zaczęto uważać w akademii za nie mniej uzasadnione niż wątki z historii starożytnej i biblijnej.
„Przedstawiłem Władimira w ten sposób: kiedy po zwycięstwie i zdobyciu miasta Połocka wszedł do Rognedy i zobaczył ją po raz pierwszy, dlaczego fabułę obrazu można nazwać pierwszą randką Władimira z Rognedą, w której Władimir jest przedstawiany jako zwycięzca, a dumna Rogneda jako jeniec.Włodzimierz na Rognedzie ożenił się wbrew jej woli, ale skoro się z nią ożenił, to musiało być tak, że ją kochał, dlatego przedstawiłem go jako kochanka, który widząc swoją narzeczoną zhańbioną i pozbawiony wszystkiego, musiał ją pieścić i przepraszać, a nie jak inni dochodzą do wniosku, że sam ją zhańbił, a potem się z nią ożenił, co wydaje mi się bardzo nienaturalne, ale jeśli tak było, to mój obraz przedstawia jako zaraz po pierwszej randce.
Anton Losenko
2. Grigorij Ugryumov „Wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa do królestwa 14 marca 1613 r.” Nie później niż w 1800 r.
Malarze historii często nawiązywali do wydarzeń historia narodowa który odegrał znaczącą rolę w rozwoju państwa. Wśród nich jest wybór Michaiła Fiodorowicza Romanowa na tron w Soborze Zemskim na Kremlu, co zapoczątkowało nową dynastię. Młody król jest przedstawiany jako młodzieniec przypominający anioła, który postrzega swój wybór jako ciężkie brzemię, jakie nałożył na niego los. Gestem zdaje się próbować odizolować od woli Bożej, na którą duchowny, podnosząc rękę, wskazuje na niego. Młodzieniec nawet nie patrzy na klęczącego mężczyznę, który wyciąga do niego berło i leżącą na poduszce czapkę Monomacha. Cała scena jest teatralna. Główni bohaterowie są wyniesieni i jasno oświetleni. Ich gesty są celowo wyraziste. Ludzie wypełniający katedrę i wyciągający ręce w prośbie o objęcie wysokiej rangi i położenie kresu zamieszaniu w państwie wyglądają jak statyści, podkreślający i wzmacniający wagę głównych bohaterów.
3. Wasilij Sazonow „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo”, 1824
© Foto: ru.wikipedia.org W pierwszych dziesięcioleciach swojego istnienia (koniec XVIII – początek XIX w.) Akademia Sztuk Pięknych przywiązywała dużą wagę do rosyjskiej linii w malarstwie historycznym.
Program dla akademików, za który Wasilij Kondratiewicz Sazonow otrzymał małe srebrne i złote medale (1811), nosił tytuł „Car Jan Wasiljewicz oddaje wodę przyniesioną mu przez żołnierzy w hełmie prostemu topiącemu się z pragnienia wojownikowi, którego sam napoje."
Nie mniej patriotycznie brzmiał program „Wierność Bogu i Władcy obywateli rosyjskich, którzy rozstrzelani w Moskwie w 1812 r., w duchu stanowczym i szlachetnym poszli na śmierć, nie zgadzając się na wykonanie rozkazu Napoleona”, za który W. Sazonow otrzymał w 1813 duży złoty medal oraz prawo do wyjazdu na emeryturę za granicę, opóźnione do 1818 r. ze względu na wydarzenia wojenne w Europie. Podróż V.K. Sazonova zakończyła się sukcesem: przywiózł kopie z Włoch obrazy Caravaggia i Tycjan. Za nich i swoje oryginalne dzieło „Dmitrij Donskoj na polu Kulikowo” malarz otrzymał tytuł akademika w 1830 roku.
4. Nikołaj Ge „Piotr I przesłuchuje carewicza Aleksieja w Peterhofie”, 1871
© Foto: ru.wikipedia.org „Wszędzie i we wszystkim odczuwałem wpływ i ślad reformy Piotra. Uczucie to było tak silne, że mimowolnie zainteresowałem się Piotrem i pod wpływem tej pasji powstał mój obraz „Piotr I i Carewicz Aleksiej” .
Nikołaj Ge „Teraz trudno wyobrazić sobie scenę przesłuchania inaczej niż na płótnie Ge”.… Każdy, kto widział te dwie proste, wcale nie spektakularnie umieszczone postacie, pisał Saltykov-Szchedrin, był świadkiem jednego z tych niesamowitych dramatów, których nigdy artysta ponownie wybiera na obraz moment, gdy w relacji ojca z synem wszystko już zostało przesądzone. Piotr wpatruje się w żałosną, bezbronną postać syna. Wyraz spuszczonych oczu Aleksieja zdradza upór i nadzieję na odwrócenie wszystkiego. Krwawoczerwony obrus z wyraźnym wzorem spada na podłogę, rozdzielając na zawsze ojca i syna. Osobisty dramat w obrazie Ge jest także dramatem historycznym” .
Władimir Sklyarenko, historyk sztuki
5. Ilya Repin „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”, 1880–1891
© Foto: ru.wikipedia.org Według legendy list został napisany w 1676 roku przez atamana Iwana Sirko „ze wszystkimi zaporoskimi koszami” w odpowiedzi na ultimatum sułtana Imperium Osmańskiego Mehmeda (Mahometa) IV. Oryginał listu nie zachował się, ale w latach 70. XIX w. etnograf-amator z Jekaterynosława Jakowa Nowickiego odnalazł kopię wykonaną w XVIII w. Podarował go słynnemu historykowi Dmitrijowi Jawornickiemu, który kiedyś przeczytał go jako ciekawostkę dla swoich gości, wśród których był zwłaszcza Ilja Repin. Artysta zainteresował się fabułą i w 1880 roku rozpoczął pierwszą serię szkiców.
„Pracowałem nad ogólną harmonią obrazu. Cóż to za robota! Każdy punkt, kolor, linia jest potrzebna, aby w spójny sposób oddać ogólny nastrój fabuły, aby był spójny i charakteryzował każdy temat na zdjęciu. Musiałem wiele poświęcam i zmieniam zarówno kolory, jak i osobowość… Czasami po prostu pracuję, aż upadnę… Jestem bardzo zmęczony.
Ilia Repin
6. Wasilij Surikow „Poranek egzekucji Streltsy”, 1881
© Foto: ru.wikipedia.org „Dostojewski mówił, że nie ma nic bardziej fantastycznego niż rzeczywistość. Potwierdzają to szczególnie obrazy Surikowa. Jego egzekucja łuczników na ponurym Placu Czerwonym, ze złowrogą sylwetką św. Bazylego Błogosławionego, z nędznymi świecami migoczącymi w porannej mgle, z procesją kalekich ludzi, wlokących się pod groźnym spojrzeniem cara Antychrysta, znakomicie oddaje całą nadprzyrodzoną grozę początkowej tragedii Piotra.
Alexandre Benois artysta, krytyk
7. Wasilij Perow „Nikita Pustosvyat. Spór o wiarę”, 1881
© Foto: ru.wikipedia.org Wasilij Perow wybrał temat schizmy religijnej XVII wieku, która powstała w wyniku reform kościelnych patriarchy Nikona. Nikita Pustosvyat (prawdziwe nazwisko - Dobrynin Nikita Konstantinowicz; przydomek „Pustosvyat” nadali zwolennicy oficjalnego kościoła), ksiądz Suzdal, jeden z ideologów schizmy. Sobór Kościoła w latach 1666–1667 potępił go i zdetronizował. W 1682 r. schizmatycy, wykorzystując powstanie łuczników w Moskwie, wysunęli żądanie powrotu Kościoła do „starej wiary”. Na Kremlu odbyła się „debata o wierze”, której głównym mówcą był Nikita Pustoswiat.
W centrum sam Nikita, obok niego mnich Sergiusz z petycją, na podłodze Atanazy, arcybiskup Kholmogory, na którego policzku Nikita „odcisnął krzyż”. W głębinach - przywódca łuczników, książę I. A. Khovansky. Wściekła księżniczka Zofia wstała z tronu, zirytowana zuchwałością schizmatyków. Następnego dnia Nikita i jego zwolennicy zostali ścięci pod zarzutem podżegania ludu.
„Artysta musi być poetą, marzycielem i co najważniejsze czujnym pracownikiem… Kto chce być artystą, musi stać się kompletnym fanatykiem – osobą, która żyje i żywi się jedną sztuką i tylko sztuką”.
Wasilij Perow
8. Konstantin Makovsky „Uczta weselna bojarska w XVII wieku”, 1883
© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Konstantin Makovsky jednak pozostanie, jeśli nie artystycznie, to przynajmniej historycznie ciekawy przykład. W nim ... odzwierciedlona została wyższa społeczna strona rosyjskiego życia i gusta wyższych sfer lat 70. i 80.
Zamieszanie rosyjskiej opinii publicznej w ocenie dzieła sztuki najbardziej uderzająco odzwierciedlało to fakt, że K. Makovsky przez długi czas był uniwersalnym sługą.
Szczególnie ciekawy jest szczery i hałaśliwy entuzjazm dla niego w naszej postępowej prasie, która ogłosiła Święto Bojarów i Wybór Panny Młodej jako pierwszorzędne przykłady najnowszego malarstwa.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
© Foto: ru.wikipedia.org „Pewnego wieczoru w Moskwie, w 1881 roku, wysłuchałem nowego utworu Rimskiego-Korsakowa „Zemsta”. Wywarło to na mnie nieodparte wrażenie. Te dźwięki mnie zawładnęły i pomyślałem czy można było oddać w malarstwie nastrój, jaki powstał we mnie pod wpływem tej muzyki. Przypomniałem sobie cara Iwana.
„Napisałem - salwami, cierpiałem, martwiłem się, raz po raz poprawiałem to, co już zostało napisane, ukrywałem to z bolesnym rozczarowaniem swoimi umiejętnościami, ponownie to wydobywałem i znowu szedłem do ataku. Przez kilka minut czułem strach. Odwróciłem się od to zdjęcie, ukryłam je. Zrobiła to samo wrażenie. Ale coś mnie przyciągnęło do tego zdjęcia i znowu nad nim pracowałam. "
Ilia Repin
10. Wasilij Surikow „Bojar Morozowa”, 1887
© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Surikow stworzył teraz taki obraz, który moim zdaniem jest pierwszym ze wszystkich naszych obrazów na temat wątków historii Rosji. Ponad tym obrazem jest nasza sztuka, która podejmuje to zadanie przedstawiania historii dawnej Rosji jeszcze nie minął.”
Władimir Stasow, krytyk
„... Strona techniczna obrazów Surikowa jest nie tylko zadowalająca, ale wręcz piękna, ponieważ w pełni oddaje intencje autora, a w zasadzie wszystkie… niedociągnięcia, a nawet zalety, a nie niedociągnięcia. To znowu odczuwa jego związek z geniuszem Z powodu braku głębi perspektywicznej w Morozowej Surikow był w stanie podkreślić typową, a w tym przypadku symboliczną ciasnotę moskiewskich ulic, nieco prowincjonalny charakter całej sceny, która tak potwornie kontrastuje z entuzjastycznym krzykiem główny bohater. Obraz ten nazwano, myśląc, że zostanie przez to potępiony, dywanem, ale tak naprawdę jest niesamowity w swojej harmonii kolorowych i żywe kolory dzieło to zasługuje na miano pięknego dywanu już samą swą tonacją, bardzo barwną muzyką, która przenosi w dawną, wciąż oryginalną i piękną Ruś.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
11. Wasilij Wierieszczagin „Napoleon na wzgórzach Borodino”, 1897
© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Przed Vereshchaginem wszystkie obrazy batalistyczne, które można było zobaczyć w naszych pałacach, na wystawach, w rzeczywistości przedstawiały eleganckie parady i manewry… Sama natura otaczająca te sceny została tak czesana i wygładzona jak w rzeczywistości nie mogło to nastąpić nawet w najcichsze i najspokojniejsze dni, a jednocześnie wszystkie takie obrazy i obrazy były zawsze wykonywane w ten słodki sposób, jaki przyniesiono nam w czasach Mikołaja Pierwszego ...
Wszyscy byli tak przyzwyczajeni do przedstawiania wojny wyłącznie w formie zabawnego, wygładzonego i różowego święta, jakiejś zabawy z przygodami, że nikomu nie przyszło do głowy, że w rzeczywistości tak to nie wyglądało. Tołstoj w „Sewastopolu” i „Wojnie i pokoju” zniszczył te złudzenia, a Wierieszczagin powtórzył w malarstwie to, co Tołstoj zrobił w literaturze. Kiedy... rosyjska opinia publiczna zobaczyła obrazy Wierieszczagina, który nagle tak prosto, cynicznie zdemaskował wojnę i pokazał ją jako brudną, obrzydliwą, ponurą i kolosalną nikczemność, że publiczność krzyczała na wszystkie strony i zaczęła nienawidzić i kochać takich śmiałek z całej siły.
© Zdjęcie: ru.wikipedia.org „Goście o północy pływają. Łagodny brzeg Zatoki Fińskiej rozciąga się jasnym paskiem. Woda wydaje się nasycona błękitem czystego wiosennego nieba; wiatr marszczy wzdłuż niej , odpędzając matowe fioletowe paski i koła. Zakołysali się i dopiero pod samym kilem przedniej łodzi błysnęli skrzydłami - coś nieznanego, niespotykanego obudziło ich spokojne życie. - zobaczą rzadkich, nieznanych gości, zachwycą się ich ściśle walczącymi, zgodnie z ich zamorskim zwyczajem. Długie rzędy łodzi płyną!
Mikołaj Roerich
14. Walentin Sierow „Piotr I”, 1907
© Foto: www.wikipaintings.org Obraz został zamówiony przez wydawcę i księgarza Iosifa Nikołajewicza Knebla i miał być reprodukowany w serii „obrazów szkolnych” poświęconych historii Rosji.
„Strasznie, konwulsyjnie, jak automat, Piotr chodzi... Wygląda jak Bóstwo Skały, prawie jak śmierć, wiatr szumi mu w skroniach i napiera na pierś, na oczy. Doświadczone, zatwardziałe „pisklęta” z które obmył i ostatni najazd pańskiego sybarytyzmu, którego zamienił w pałkarzy i posłańców. Patrząc na to dzieło, ma się wrażenie, że… groźny, straszny bóg, zbawiciel i karzący, geniusz o tak gigantycznej sile wewnętrznej, że całość świat musiał być mu posłuszny, a nawet żywioły.
Alexandre Benois, artysta, krytyk
15. Wasilij Efanow „Niezapomniane spotkanie. Liderzy partii i rządu w Prezydium Ogólnozwiązkowej Konferencji Żon dyrektorów przedsiębiorstw oraz pracowników inżynieryjno-technicznych przemysłu ciężkiego na Kremlu, 1936-1937
© Zdjęcie: www.school.edu.ru Pomysł zdjęcia podsunął Efanowowi komisarz ludowy przemysłu ciężkiego Grigorij Ordzhonikidze, który jest przedstawiony na zdjęciu wśród innych przywódców. W tej pracy Efanov po raz pierwszy łączy popularne w socrealizmie elementy portretu zbiorowego i malarstwa historycznego, komponując kompozycję jako zwieńczenie sceny teatralnej z charakterystycznymi „inscenizowanymi” detalami – rytmem oklasków rąk, kwiatem który spadł na dokumenty przewodniczącego, niestabilne, przechylone krzesło.
Federalna Agencja Transportu Kolejowego
Syberyjski Państwowy Uniwersytet Transportu
Krzesło " Filozofia i kulturoznawstwo»
(nazwa działu)
Wielkie nazwiska malarstwa rosyjskiego
Praca pisemna
W dyscyplinie „Kulturologia”
Zaprojektowana głowa
Student gr. D-113
Bystrova A.N. ___________ Fitkova I.V.
(podpis) (podpis)
_______________ ______________
(data kontroli) (data złożenia do kontroli)
2011
- Wstęp ………………………………………………………………...2
- Rozwój sztuki w XIII………………………………………………4
- Sztuka na przełomie XI V–XV ………………………………………....5
- Sztuka XVI…………………………………………………………..7
- Rozwój sztuki w X V II wiek………………………………………..7
- Sztuka w XV III………………………………………………...10
- Sztuka XIX – początek XX wieku………………………………………………………………………………………………………………… ………………………………………………………………………………………………………………………
- Rozwój sztuki w epoce rewolucyjnej ZSRR…………………16
- Zakończenie…………………………………………………………………17
- Referencje………………………………………………………..18
Wstęp
Uwielbiam malarstwo, poeci!
Dana jest tylko ona, ta jedyna
Dusze zmiennych znaków
Przenieś na płótno.
Nikołaj Zabolotski.
Nikołaj Zabolotski słusznie zauważa, że wszelkie zmiany w przestrzeni społecznej znajdują odzwierciedlenie w twórczości poetów, pisarzy, malarzy, osoby publiczne
Wśród wielu rodzajów sztuki istnieją trzy szczególne, moim zdaniem najważniejsze: literatura, muzyka, sztuki piękne. Słowo, dźwięk, obraz – bez nich nie są możliwe żadne inne formy sztuki: ani performans, ani film, ani koncert rozrywkowy. Słuchają muzyki, czytelnicy wyobrażają sobie w myślach, w swojej wyobraźni bohaterów dzieł literackich. Na własne oczy widzimy dzieła sztuki. Jest najstarszym z trzech głównych, których ludzie jeszcze nie umieli mówić, ale obrazy już powstały, rysunki jaskini, Na przykład. Sztukę piękną tworzą artyści. Przedstawiają świat takim, jakim go wszyscy widzimy, a zarazem takim, jakim widzi go pojedynczy człowiek, czyli sam artysta. Możesz zobrazować wszystko: i widzialny świat przedmioty, ludzie, zwierzęta i niewidzialny świat zmysłów, radość i smutek, prawda i kłamstwo, dobro i zło. . Historię naszego państwa można badać nie tylko na podstawie dokumentów, artefaktów, ale także dziedzictwa artystycznego wielkich przodków. Malarstwo nie jest wyjątkiem. Do napisania eseju skorzystałem z „Esejów o kulturze rosyjskiej IX-XVIIstuleci” (autorzy A.V. Muravyov, A.M. Sacharow), „Eseje o historii kultury rosyjskiej XVIIIwiek” B.I. Krasnobaeva, „Historia sztuki rosyjskiej” V.N. Aleksandrowa. Książki te przedstawiają główne etapy historii kultury naszego kraju, ich cechy i cechy charakterystyczne. Rozwój kultury traktowany jest jako część historii, która pomaga ujawnić obiektywne wzorce proces historyczny. W różne epoki w Rosji tak wybitni malarze jak Andriej Rublow, Dionizjusz, Lewicki i Rokotow, Kiprenski i Fedotow, Bryułow i Iwanow, Repin i Surikow, Vrubel i Serow oraz wielu innych mistrzów, którzy przynieśli prawdziwą i niezaprzeczalną chwałę.
Malarstwo rosyjskie przeszło wiele zmian w trakcie swojego powstawania, zachowało jednak swoją oryginalność, w ramach tego projektu uważam za konieczne prześledzenie procesu kształtowania się rosyjskiej tradycji malarskiej.
Cel: dokonać przeglądu twórczości wielkich artystów rosyjskich (od XIV do XX wieku) w kontekście społeczno-kulturowej charakterystyki okresu twórczości artysty. Teoretyczny przedmiot badań: przedstawiciele malarstwa rosyjskiego reprezentowani przez artystów, szkoły, nurty
Rozwój sztuki w XIII
Sztuka rosyjska w ogóle, a malarstwo rosyjskie w szczególności, wyłoniła się ze sztuki Rus Kijowska, którego nie można jeszcze nazwać całkowicie oryginalnym, ponieważ wraz z chrześcijaństwem książę Włodzimierz przywiózł tradycje artystyczne z Bizancjum. Są one misternie splecione z kulturą pogańską, stopniowo zmieniającą się z biegiem czasu. Najważniejszymi źródłami sztuki rosyjskiej na etapie jej powstawania były ludowe sztuki dekoracyjne i plastyczne, a także próbki bizantyjskie. Szybki rozwój społeczny, polityczny i kulturalny ziem rosyjskich prowadzi do twórczego przetwarzania tych źródeł i pojawienia się na Rusi oryginalnego i majestatycznego stylu w architekturze, freskach i sztuce zdobniczej. Rozpoczyna się rozwój oryginalnego rosyjskiego malarstwa ikonowego. Jednak w XIII wieku, w związku z najazdem mongolsko-tatarskim, procesy te w kulturze uległy spowolnieniu, a nawet zatrzymaniu, znaczna część zabytków przedmongolskiej kultury rosyjskiej została bezpowrotnie utracona. Inwazja mongolska, zniszczenie wielu rosyjskich miast spowodowało ogromne szkody w rosyjskiej kulturze miejskiej, ale od połowy XI V stulecia naznaczone są znakami odrodzenia. Na przełomie XI V–XV Przez wieki Moskwa znała nie tylko dzieła mistrzów Konstantynopola, ale także dzieła artystów południowosłowiańskich: pracował tu jeden z najwybitniejszych malarzy tamtych czasów, Grek Teofan, który przybył z Nowogrodu jako uznany mistrz. Umiejętności Greka Teofana sprawiły, że moskiewscy malarze zapragnęli go naśladować. Wiele dzieł Greka Teofanesa nie dotarło do nas, z wyjątkiem ikon katedry Zwiastowania.
Sztuka na przełomie XI V–XV
Powstanie sztuki moskiewskiej przygotowało dzieło wielkiego rosyjskiego artysty Andrieja Rublowa. Najważniejszy kamień milowy w sztuce przełomu XI V–XV wieków było powstanie moskiewskiej szkoły malarstwa, na której czele stał wybitny artysta Andriej Rublow. W swoich ikonach i obrazach Rublow rozwinął tak doskonały język artystyczny, że w XV wieku jego styl stał się wiodącym.
Niestety nie wiadomo dokładnie, kiedy urodził się Andriej Rublow. Większość badaczy warunkowo przyjmuje rok 1360 za datę urodzin artysty. Andriej Rublow był mnichem Trójcy-Sergiusa, a następnie klasztorów Spas-Andronikov. W 1405 roku wraz z Teofanem Grekiem i Prochorem z Gorodca namalował Sobór Zwiastowania. Dominujący, surowy, bogaty emocjonalnie język obrazkowy Teofana, naruszający tradycyjne schematy ikonograficzne, niezwykła zmiana obrazów, nie mogła nie wywrzeć głębokiego wrażenia na Rublevie. Znaczące jest, że nazwisko Rublowa w annałach tamtych czasów pojawia się na trzecim miejscu. Z tego możemy wywnioskować, że Andriej Rublow był wówczas nie tylko najmłodszym, ale także najmniej znanym autorem.
Andriej Rublow i pod jego kierownictwem namalowali wiele świątyń, a także namalowali wiele ikon deesis, świątecznych i proroczych.
W 1425 14 27 Rublow wraz z Daniel Cherny i inni mistrzowie malowaliKatedra Trójcy Świętej w klasztorze Trójcy Sergiuszai stworzył ikony jego ikonostasu. Ikony zostały zachowane; są wykonywane na różne sposoby i nie mają równych walorów artystycznych. Czas, w którym na Rusi szykowały się nowe wojny wewnętrzne, a wypracowany w poprzednim okresie harmonijny ideał człowieka, nie znalazł oparcia w rzeczywistości i odbił się na twórczości Rublowa. W wielu pracach Rublowowi udało się stworzyć imponujące obrazy, wyczuwalne są dramatyczne nuty, które wcześniej nie były dla niego charakterystyczne („Apostoł Paweł”). Niektóre źródła nazywają obraz katedry SpasskiejKlasztor Andronikow(wiosną 1428 r.; zachowały się jedynie fragmenty ozdób) Ostatnia praca Rublow.
Przypisuje się mu także szereg dzieł, których przynależność do pędzla Rublowa nie została jednoznacznie udowodniona: freskiKatedra Wniebowzięcia na „Gorodku”w Zvenigorodzie (koniec XIV początek XV w.; zachowały się fragmenty) ikony Matki Bożej Włodzimierskiej (ok. 1409 , Katedra Wniebowzięcia, Włodzimierz), „Zbawiciel w mocy” ( 1408 , Galeria Trietiakowska), część ikon świątecznego obrzędu („Zwiastowanie”, „Narodzenie Chrystusa”, „Spotkanie”, „Chrzest”, „Zmartwychwstanie Łazarza”, „Przemienienie”, „Wejście do Jerozolimy” 1405 ) Katedra Zwiastowania Kremla Moskiewskiego (ikonostas tej katedry, według najnowszych badań, pochodzi zKlasztor Simonow), część miniatur”Ewangelia Chitrowo„(około 1395 r., Rosyjska Biblioteka Państwowa, Moskwa).
Twórczość Rublowa jest jednym ze szczytów kultury rosyjskiej i światowej. Najbardziej znanym dziełem Rublowa jest ikona „Trójca”, napisana w latach 1425–1427 dla klasztoru Trójcy-Sergiusza. Fabuła jest oparta legenda biblijna, opowiadając, jak trzej piękni młodzi mężczyźni ukazali się starszemu Abrahamowi i jak on wraz ze swoją żoną Sarą traktował ich pod baldachimem dębu mamryjskiego. W ikonie Rublowa odrzucono wszystko, co drugorzędne i nieistotne, nie ma postaci Abrahama i Sary, liczne naczynia, pozostały tylko trzy postacie aniołów. Pośrodku aniołów jest Chrystus. Wszystkie trzy postacie tworzą okrąg. Obraz jest bardzo spokojny, ale jednocześnie ma spójny i wyraźny rytm ruchu okrężnego, któremu podporządkowana jest cała kompozycja, kolory są czyste i harmonijne. Wybrane przez Rublowa zestawienie zieleni, błękitu i żółci oraz barwa dojrzałego żyta jeszcze nigdy w malarstwie rosyjskim nie brzmiały tak jasno.
Tym samym moskiewska szkoła malarstwa ikon różni się od ikon nowogrodzkich duchowością obrazów, elastycznością postaci i harmonijną konsystencją koloru. W przeciwieństwie do energetycznych czerwieni, żółci, bieli, granatów i oliwkowych zieleni, do których nieustannie odwołują się nowogrodzcy mistrzowie, w malarstwie moskiewskim dominują jasne, przezroczyste tony i odcienie błękitu, złocistego brązu, bladozielonego, wiśniowego brązu i bzu.
W twórczości Andrieja Rublowa sztuka rosyjska zrobiła ogromny i bardzo ważny krok w kierunku stworzenia realistycznego początku z indywidualną swobodą twórczości artystycznej, przezwyciężono surową ascetyczną tradycję sztuki bizantyjskiej. Prace Andrieja Rublowa są humanistyczne, ukazują piękno i siłę ludzka dusza są przepojone miłością do człowieka.
Sztuka XVI
W latach 80-tych XV wieku, powstaje rosyjskie scentralizowane państwo i znikają pozostałości zależności od chanów mongolsko-tatarskich, Moskwa staje się stolicą dużego państwa. Jego znaczenie jako ośrodka jednoczącego dziedzictwo kulturowe zjednoczone ziemie. Głównym zadaniem sztuki jest gloryfikacja Rusi, która nadaje znaczenie polityczne wielu dziełom sztuki. X V I wiek. Wiodąca pozycja w malarstwie pod koniec X V wieku zajmowała szkoła moskiewska. Centralizacja władzy i wzmocnienie roli Kościoła w życiu państwa doprowadziło do jeszcze większego podporządkowania sztuki oficjalnej ideologii. Zjawiska te objawiły się w pewnym stopniu w twórczości największego moskiewskiego mistrza końca X V początek X VI I wiek - Dionizjusz. Urodził się najprawdopodobniej w roku 1440, w przeciwieństwie do Andrieja Rublowa nie był mnichem. Jego dwaj synowie Włodzimierz i Teodozjusz również byli malarzami i pomagali mu w pracy. Twórcza działalność Dionizego była ściśle związana z najwyższymi kręgami świeckimi i duchowymi państwa. Mistrz wykonywał najważniejsze rozkazy metropolity i wielkiego księcia, w szczególności w związku ze zwycięstwem odniesionym w 1480 roku nad armią tatarskiego chana Achmata. Z największą kompletnością twórczości Dionisy'ego znalazło to odzwierciedlenie w malowidłach ściennych klasztoru Ferapontow, obraz ten poświęcony jest tematowi uwielbienia Matki Bożej.Jasne kombinacje kolorów, kolorowe wzory ubrań, dużo ziół i kwiatów przedstawione stwarzają świąteczne i uroczyste wrażenie. Sztuka Dionizjusza, przy całej swojej świetności, traci pewne niezwykłe cechy w porównaniu z erą Rublowa: jeśli Rublow interesował się przede wszystkim wewnętrznym, duchowym światem człowieka, Dionizjusz pragnie zewnętrznego piękna i dekoracyjnego przepychu.
Rozwój sztuki w X VI wiek.
W malarstwie rosyjskim X VI wieku, szereg innowacji sprzyjających dalszy rozwój sztuka. Rosyjscy mistrzowie po raz pierwszy zaczynają reprodukować obrazy życia codziennego, przyrody i ludzi w ich nowoczesnej formie. Tak więc w malarstwie XVI wieku pojawiają się cechy, które przygotowały rozwój realistycznych początków X wieku. VI wiek.
Przez długi czas w literaturze pogląd X V II wiek, podobnie jak w okresie schyłku starożytnego malarstwa rosyjskiego, sztukę tego czasu, w porównaniu z czasami Andrieja Rublowa i Teofana Greka, uważano za słabszą pod względem siły i środków artystycznego przedstawienia.Rzeczywiście w obrazie X V II w. Nie ma dzieł charakteryzujących się taką doskonałością kompozycji malarskiego kunsztu i duchowości, jak w twórczości wielkich mistrzów X V–XV wieki. Czas kłopotów, „wiek buntu”, schizma kościelna, wszystkie te wydarzenia wpłynęły na rozwój sztuki rosyjskiej X VI wiek.
X V II wiek to punkt zwrotny w historii malarstwa, wówczas miały miejsce niezwykle ważne procesy, przede wszystkim dążenie do „sekularyzacji”, umacnianie się elementów świeckich i tendencja do realizmu.
Najwyższy etap rozwoju sztuki malarskiej w X VII wieku związanego z działalnością wybitny artysta Szymon Uszakow (1626-1686). Pochodzący z mieszczan Szymon Uszakow pracował w Zbrojowni i został podniesiony do rangi szlachty. Znaczenie tego mistrza nie ogranicza się do licznych dzieł, które stworzył, w których starał się przełamać dogmaty artystyczne i osiągnąć prawdziwy obraz – „jak to w życiu bywa”.
Dowodem zaawansowanych poglądów Uszakowa jest spisane przez niego, oczywiście, w latach 60. „Słowo do miłośnika malowania ikon”. W tym traktacie Uszakow bardzo docenia powołanie artysty, który jest w stanie stworzyć obrazy „wszystkich inteligentnych stworzeń i rzeczy… stworzyć te obrazy z różną doskonałością i za pomocą różnych sztuk, aby intencja była łatwo widoczna”.
Przede wszystkim za „sztukę istniejącą na ziemi” Uszakow uważa malarstwo, które „ponieważ przewyższa wszystkie inne rodzaje, ponieważ delikatniej i żywoj przedstawia przedstawiany przedmiot, wyraźniej oddając wszystkie jego walory…”.
Uszakow porównuje malarstwo do lustra, w którym odbija się życie i wszystkie przedmioty
„Słowo do miłośnika malarstwa ikonowego” Uszakowowie zadedykowali Józefowi Władimirowiczowi, moskiewskiemu malarzowi pochodzącemu z Jarosławia, cieszącemu się znaczną sławą w latach czterdziestych i sześćdziesiątych XX wieku. Iosif Władimirow jest autorem wcześniejszego traktatu o malarstwie ikon, w którym on, choć nie tak wyraźnie jak Uszakow, również deklarował się: zwolennik innowacji i domagał się większej żywotności w sztuce.
Uszakow – artysta, naukowiec, teolog, nauczyciel – był człowiekiem nowej ery, nowym typem myśliciela i twórcy. Będąc innowatorem w sztuce, jednocześnie rozumiał wartość starożytnych tradycji kultury rosyjskiej i starannie ich strzegł. Właśnie dzięki tym cechom, naznaczonym rzadką szerokością poglądów, był w stanie stać na czele sztuki rosyjskiej przez ponad trzydzieści lat.
Angażując się w edukację uczniów i starając się na wszelkie możliwe sposoby przekazać im swoją wiedzę, wpadł nawet na pomysł wydania szczegółowego atlasu anatomicznego. „Mając talent malowania ikon od Pana Boga… nie chciałem go chować w ziemi… ale starałem się… umiejętnym malowaniem ikon wypełnić ten alfabet sztuki, który obejmuje wszystkich członków ludzkiego ciała, które w naszej sztuce są wymagane w różnych przypadkach, i postanowiliśmy wyrzeźbić je na miedzianych tablicach…” Uszakow pisał o swoim planie, ale atlas najwyraźniej nie został opublikowany.
Od pierwszych lat niezależnej twórczości zdeterminowano zainteresowanie Uszakowa obrazem. ludzka twarz. słynne dzieło Uszakow to jego „Zbawiciel nie stworzony rękami”, w którym artysta przedstawił klasycznie poprawną twarz, bardzo dobrze oddaną jej objętość, tkaninę, na której według darów kościelnych powstał wizerunek Chrystusa.
Konsekwentnie powtarzając ten temat, artysta starał się pozbyć konwencjonalnych kanonów obrazu malarskiego i uzyskać cielistą cerę, powściągliwą, ale wyraźnie wyrażoną trójwymiarową konstrukcję i niemal klasyczną regularność rysów. To prawda, że ikonom Zbawiciela Uszakowa brakuje duchowości rosyjskich ikon z XIV-XV wieku, ale w pewnym stopniu zostaje to odkupione szczerym wysiłkiem artysty, aby jak najbardziej wiarygodnie odtworzyć żywą ludzką twarz na ikonie .
Uszakow namalował ikonę Matki Bożej Włodzimierskiej zwaną „Sadzeniem drzewa państwa rosyjskiego” (1668). Ikonę tę należy uznać za obraz triumfu państwowości rosyjskiej. W dolnej części przedstawiono - mur Kremla moskiewskiego, za nim Katedra Wniebowzięcia, główna świątynia państwa rosyjskiego. U stóp katedry sadzą drzewo państwa rosyjskiego książę Iwan Kalita, kolekcjoner ziem rosyjskich i metropolita Piotr, który jako pierwszy przeniósł stolicę metropolitalną z Włodzimierza do Moskwy. Na jego gałęziach znajdują się medaliony z portretami wszystkich najważniejszych politycy Starożytna Ruś. W centralnym, największym medalionie znajduje się ikona Matki Bożej Włodzimierskiej czczona jako patronka Moskwy. Poniżej, na murze Kremla, car Aleksiej Michajłowicz i caryca Maria Ilyinichna z Carewiczem Aleksiejem i Fiodorem. Portrety króla i królowej Uszakowa próbowały być może bardziej podobne.
Zachowała się informacja o szeregu portretów namalowanych przez Uszakowa. Część z nich została wykonana w nowej odsłonie starożytna sztuka rosyjska technika obraz olejny. Niestety, dotychczas nie odnaleziono żadnego z tych portretów. Aby scharakteryzować niezwykle wszechstronną osobowość Uszakowa, należy zauważyć, że był on nie tylko teoretykiem, malarzem, rysownikiem - „sygnatariuszem”, autorem wielu rysunków do rycin reprodukowanych przez rytowników rosyjskich drugiej połowy XVII wieku, ale , najwyraźniej wygrawerował: przypisuje się mu arkusze „Ojczyzna” (Trójca) i „Siedem grzechów głównych” wygrawerowanych w latach 60. na miedzi za pomocą suchej igły.
Uszakow wywarł ogromny wpływ na rozwój malarstwa rosyjskiego końca X V II wiek, kiedy jego uczniowie Grigorij Zinowjew, Tichon Filatiew, Fiodor Zubow wykonali szereg dzieł w duchu tradycji Uszakowa. Niezwykłe zjawisko w historii sztuki rosyjskiej X V II wiek był szkołą mistrzów Jarosławia. Wyraźnie uwidoczniły się tu wpływy świeckiej, mieszczańskiej kultury. Rozszerzył się zakres działek, świecki początek zdecydowanie wkracza w dogmat kościelny. Artyści odważnie wykorzystują znane obrazy rosyjskiego życia w scenach historii sakralnej: w scenie orki Kaina przedstawiony jest chłopski koń, żniwiarze w różowych i niebieskich koszulach wymachują rosyjskimi sierpami. Kościół zaciekle sprzeciwiał się nowemu kierunkowi w malarstwie, ale to nie mogło już przeszkodzić mu w uwolnieniu się od tradycji malowania ikon kościelnych.
Sztuka w XV III
Pod koniec XV II, na początku X V III wieku sztuka rosyjska przechodzi zdecydowany punkt zwrotny, następuje przejście od średniowiecznych form religijnych do form świeckich, bliskich europejskiej sztuce czasów nowożytnych. Rosyjscy artyści, szybko opanowując wzorce europejskie, wprowadzając do nich swoje rozumienie formy i treści narodowych. W 1757 roku powołano Cesarską Akademię Sztuk Pięknych, która podjęła kształcenie wysoko wykwalifikowanych artystów, łączących w swojej twórczości doświadczenie i dziedzictwo artystyczne poprzednich pokoleń z potrzebami rosyjskiego życia artystycznego. Styl barokowy staje się powszechny w sztuce Rosji, wiodącym gatunkiem malarstwa i grafiki staje się portret, znacznie rozwijają się także gatunki historyczne i krajobrazowe.
Chciałbym bardziej szczegółowo omówić twórczość Dmitrija Grigoriewicza Lewickiego (1735–1822).Już we wczesnych pracach dał się poznać jako pierwszorzędny mistrz portretu formalnego, potrafiący odnaleźć wyrazistą pozę i gest, połączyć intensywność koloru z jednością tonalną i bogactwem odcieni.
Sława przyszła do artysty w 1770 r., kiedy na wystawie w Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu publiczność zobaczyła 6 pierwszorzędnych portretów jego pędzla. Wśród nich szczególną uwagę poświęcono portret formalny architekt A.F. Kokorinov (1769), autor projektu budowy Akademii Sztuk Pięknych i jej pierwszy dyrektor.
Za ten portret Lewicki otrzymał tytuł akademika malarstwa. Następnie zaproponowano mu kierowanie klasą portretu Akademii Sztuk Pięknych, której kierownikiem pozostał do 1788 roku. Stworzona przez artystę galeria portretów współczesnych mu przyniosła mu zasłużoną sławę.
W latach 80. XVIII wieku artysta stworzył unikalną galerię portretów postaci kultury rosyjskiej. Szczególnie ciepłe są intymne portrety Lewickiego, powstałe w okresie największego rozkwitu twórczości artysty (połowa lat 70. XVIII w., początek lat 80. XVIII w.). Także w 1773 mistrz namalował portret D. Diderota, który zaimponował współczesnym sobie życiową przekonywalnością, wyjątkową prawdomównością w odtwarzaniu wizerunku filozofa. Encyklopedystę, pisarza i krytyka Levitsky ukazuje bardzo prosto: Diderot ukazany jest bez peruki, łysy, z fałdami skóry pod oczami, jednak na pierwszy plan wysuwa się silna i złożona natura osoby ukrytej za zewnętrznymi rysami. Twarz świadczy o talencie twórczym, odwadze, harcie ducha i dociekliwym umyśle. Jeden z najlepsze stworzenia Portret Lewickiego młodej M. Dyakowej (1778), poetycki, wesoły, malowany w bogatej gamie ciepłych kolorów.
Realizm i humanizm zaawansowanej sztuki rosyjskiej XV III wieki zostały w pełni ujawnione w twórczości D.G. Levitsky'ego.
Sztuka XIX - początek XX wieku
W pierwszej połowie XIX w. na rozwój sztuki w Rosji znaczący wpływ miały procesy społeczno-historyczne – narodowo-patriotyczny zryw związany ze zwycięstwem nad Napoleonem w Wojnie Ojczyźnianej w 1812 r. oraz pojawienie się ruchu antymonarchistycznego co doprowadziło do powstania dekabrystów w 1825 r. W malarstwie pojawiły się tendencje romantyczne (portret, gatunek historyczny), a już w połowie stulecia nasilała się demokratyczna orientacja sztuki (gatunek codzienny). W systemie gatunkowym W Akademii Sztuki malarstwo codzienne miało drugorzędne znaczenie, ale postępowy rosyjski artysta Wenecjanow Aleksiej Gawrilowicz (1780-1780)1847) uznał gatunek codzienny i w ogóle malarstwo realistyczne za równorzędną i ważną dziedzinę sztuki.
Pędzel Venetsianova należy do galerii portretów jego współczesnych: artysta namalował N. V. Gogola (1834), V. P. Kochubeya (lata 30. XIX w.), N. M. Karamzina (1828). Aby uzyskać tytuł akademika, Wenecjanow został poproszony o namalowanie portretu inspektora Szkoły Edukacyjnej Akademii, K. I. Gołowaczewskiego. A. G. Venetsianov przedstawił go w otoczeniu trzech chłopców, co symbolizowało połączenie „trzech najszlachetniejszych sztuk”: malarstwa, rzeźby i architektury. Jednak A. G. Venetsianov zasłynął przede wszystkim z malowanych przez siebie wizerunków chłopów. „Żniwiarze”„Śpiący pasterz”, „Zakharka”, „klepisko”, „w żniwach”. Jeden z najlepszych portrety chłopskie Venetsianova jest uważana za „Dziewczynę z chabrami”. Venetsianov z przenikliwym liryzmem dotyka najsubtelniejszych nut intymnego doświadczenia człowieka, odsłania jego drżący świat duchowy. To sprawia, że stworzony przez niego obraz jest duchowy i piękny.
Najważniejszym miejscem w malarstwie Rosji jest środek XIX stulecie zajmuje artysta Karol Pawłowicz Bryulłow, który stworzył portrety hrabiny Samoilovej, E.P. Saltykowej, O.P. Ferzena, K.A. Tonny, A.N. Lwowa, namalował ponad 80 portretów. Jego charakterystyczne dramatyczne spojrzenie na życie zostało ucieleśnione w obrazie „Ostatni dzień Pompejów” (1830–1833).
Rozprzestrzenianie się ideałów demokratycznych wśród inteligencji rosyjskiej doprowadziło do powstania nowych poglądy estetyczne. Artyści włączyli się w walkę o sprawiedliwy porządek społeczny, w malarstwie rozpowszechnił się realizm krytyczny.
Ważną rolę w życiu artystycznym kraju drugiej połowy XIX wieku odegrało założone w 1870 roku Towarzystwo Objazdowych Wystaw Artystycznych.
Partnerstwo zrzeszało wokół siebie wszystkich najlepszych malarzy i rzeźbiarzy drugiej połowy XIX - początku XX wieku. Są to Perow i Kramskoj, Myasoedov i V. Makovsky, Savitsky i Maximov, Pryanishnikov i Ge, Savrasov i Shishkin, Kuindzhi i Dubovskoy, V. Vasnetsov i Polenov, Kostandi i Pimonenko, Gun i Nevrev, Repin i Surikov, Serow i Lewitan, Jaroszenko i Niestierow, Kasatkin i S. Iwanow, Pozen i Andriejew, Popow i Arkhipow, Bakszew i Bialinicki-Birulia i wielu innych. Antokolsky, Vereshchagin, K. Korovin, S. Korovin, Malyavin i inni uczestniczyli jako wystawcy w niektórych wystawach Wędrowców.
W latach 70. i 80. działalność Partnerstwa osiągnęła swój szczyt. Wiodące miejsce na wystawach objazdowych należały do obrazów Repina, a także Surikowa, Kramskoja, Polenowa, Niestierowa, Myasojedowa, Makowskiego, Perowa. W swojej twórczości odzwierciedlali najważniejsze zjawiska otaczającej rzeczywistości w całej ich złożoności i sprzecznościach. Wędrowcy wywarli ogromny wpływ na wszystkie aspekty życia artystycznego Rosji, na powstawanie narodowych szkół artystycznych. Wśród członków Stowarzyszenia i wystawców znaleźli się artyści różnych narodowości. Wielu z nich stało się twórcami realistycznej, demokratycznej sztuki swoich narodów.
Na początku lat 70. po raz pierwszy wyraźnie i mocno ujawnił się talent jednego z najwybitniejszych malarzy XIX wieku.Repin Ilja Efimowicz (1844-1930). Jednym z pierwszych obrazów Repina, który zyskał szerokie uznanie, był duży portret grupowy Słowiańska kompozytorów, na zlecenie przedsiębiorcyA. A. Porokhovshchikova.
W 1872 r za pracę programową „Zmartwychwstanie córki Jaira” otrzymał Wielki Złoty Medal i prawo do 6-letnich studiów we Włoszech i Francji, gdzie uzupełnił edukację artystyczną.
Od 1873 r Repin podróżuje za granicę jakoemeryt Akademii. W Paryżu pisze „Paris Cafe” i bajeczne „Sadko”.
Dziełem, które natychmiast postawiło Repina w pierwszym rzędzie rosyjskich artystów, był obraz „Przewoźnicy barek na Wołdze” (1870–1873), który wzbudził współczucie dla ludzi uciskanych niewolniczą pracą. Po powrocie Repina z Francji w 1876 roku rozpoczyna się okres największego rozkwitu jego twórczości. Uprawia portret malarza, mistrza malarstwa codziennego i historycznego. Portret był nie tylko wiodącym gatunkiem, ale także podstawą twórczości Repina w ogóle. Tworzy galerię obrazów wybitnych przedstawicieli rosyjskiej myśli społecznej, nauki i kultury. W swoich najlepszych portretach V.V. Stasova, L.N. Tołstoja, poseł Musorgski Repin osiąga pełnię życia i wszechstronność charakteryzacji dzięki niesamowitej figuratywności kompozycyjnej i aktywności środków obrazowych. Tendencję do dramatu psychologicznego w przedstawianiu sytuacji widać także w obrazie historycznym Repina: „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszą list do tureckiego sułtana”.
Przejrzystość i przystępność najbardziej obrazowego języka, najwyższe umiejętności realistyczne, prawda postaci, zainteresowanie palącymi problemami naszych czasów, gwarancja trwałej wartości sztuki RepinaOczywiście na tym historia malarstwa rosyjskiego się nie kończy. Koniec XIX i początek XX wieku był punktem zwrotnym we wszystkich sferach życia społecznego, politycznego i duchowego Rosji. Wszystkie rodzaje sztuki opowiadały się za aktualizacją języka artystycznego, powstał styl, który wpłynął na wszystkie sztuki plastyczne, który nazwano secesją. Ważną rolę w popularyzacji sztuki krajowej i zachodnioeuropejskiej odegrali artyści stowarzyszenia „Świat sztuki” (1898–1924), „Związek Artystów Rosyjskich” (1903–1923). Na początku XX wieku doszło do penetracji sztuki rosyjskiej ostatnie trendy Zachodnia symbolika, prymitywizm, inny kierunek sztuki modernistycznej. Pojawiają się awangardowe stowarzyszenia artystów „Błękitna Róża”, „Jack of Diamonds”, „Donkey's Tail”, szerzy się kubofuturyzm i abstrakcjonizm.
Zatrzymajmy się na twórczości Malewicza Kazimierza Sewerinowicza (1878–1935). K.S. Malewicz - Rosyjski artysta awangardowy , nauczyciel, teoretyk sztuki, filozof, założyciel Kierunek suprematyzmu w Sztuka abstrakcyjna, połączenie kolorowych pierwotniaków figury geometryczne(kwadrat, okrąg, trójkąt), a także formy trójwymiarowe nałożone na płaszczyznę.
Malewicz lubił impresjonizm. Przykładem jest serialobrazy wiosenny ogród: « Kwitnące jabłonie”, „Wiosna”, „Wiosennie kwitnący ogród”.W twórczości Malewicza pod koniec pierwszej dekady XX wieku współistnieją różne trendy. Jest to impresjonizm połączony z cezanizmem („Rzeka w lesie”) i secesją, która przejawiała się w szkicach malarstwa freskowego („Triumf nieba”) oraz coraz liczniejszych elementach ekspresjonizmu i fowizmu. To zagęszczenie, nakładanie się na siebie różnych stylów i manier jest charakterystyczne zarówno dla najnowszej sztuki rosyjskiej, jak i twórczości Malewicza.
Na drugiej „Ostatniej Futurystycznej Wystawie Malarstwa” w 1915 r., zorganizowanej w Piotrogrodzie, zatytułowanej „0,10 (zero-dziesięć)”, Malewicz pokazał 39 nowych obrazów. Były to prace nieobiektywne prezentowane pod tytułem „Nowy realizm obrazowy”. Wśród obrazów był słynny Czarny Kwadrat. „Czarny kwadrat” w pomyśle Malewicza ucieleśnia ideę nowej duchowości, jest swego rodzaju ikoną, plastikowym symbolem nowej religii. To był początek suprematyzmu.
Malewicz zmarł 15 maja 1935 r. Urnę z jego prochami pochowano w pobliżu daczy w Niemczinówce. Lokacja oznaczona jest białym sześcianem z czarnym kwadratem.
Sztuka lat przedrewolucyjnych w Rosji charakteryzuje się niezwykłą złożonością i niekonsekwencją poszukiwań artystycznych, ale wraz z eksperymentatorami w dziedzinie form abstrakcyjnych „Świat sztuki”, „Błękitne Niedźwiedzie”, „sojusznicy” nadal twórczość w ówczesnej sztuce rosyjskiej. Istniał także potężny nurt nurtów neoklasycznych, czego przykładem jest twórczość Zinaidy Evgenievny Serebryakovej. Ma swoje korzenie w wysokich tradycjach narodowych sztuki rosyjskiej, przede wszystkim Wenecjanowa - „Chłopi” (1914), „Żniwa” (1915), „Wybielanie płótna” (1917)
Rozwój sztuki w epoce rewolucyjnej ZSRR
Era rewolucyjna zajmuje szczególne miejsce w historii sztuki rosyjskiej. Całkowita transformacja społeczno-gospodarcza i życie polityczne przyczynił się do wejścia na arenę życia artystycznego najbardziej radykalnych dziedzin sztuki. Liczne grupy i indywidualni mistrzowie uczynili z eksperymentu główną zasadę swojej pracy. Sztuka ta otrzymała później ogólną nazwę rosyjskiej awangardy. (Prace P.N. Filonova, A.M. Rodczenki).
Już na początku lat trzydziestych władze ustanowiły ścisłą kontrolę nad art. Lata stalinizmu to jeden z najtragiczniejszych okresów w historii Rosji i jej sztuki. Naruszona została wolność wypowiedzi artysty, ukształtowała się metoda socrealizmu, artyści musieli gloryfikować ideę socjalizmu, triumf świadomości zbiorowej. Jednak wraz z początkiem Wielkiego Wojna Ojczyźniana artyści biorą czynny udział w walce z wrogiem, pokazując swoje stanowisko cywilne i patriotyzm. Okres ten obejmuje twórczość takich artystów jak A.A. Plastow, S.V. Gerasimov, A.A. Deineka. W ostatnie lata wojna, jeden z ich najlepszych obrazów został stworzony przez Kukryniksy (związek trzech artystów M.V. Kupriyanov, P.N. Krylov, N.A. Sokolova) „Ucieczka nazistów z Nowogrodu”.
W reakcji na odrzucenie socrealizmu na początku lat 60. XX wieku w malarstwie ukształtował się „styl surowy”. Artyści P. Nikonow, N. Andronow, W. Popkow, O. Filatchev, M. Savitsky i inni w poszukiwaniu prawdy życia zwrócili się ku powściągliwej formie warunkowej, odrzucając wszelką opisowość. Bohaterski początek w dziełach ” surowy styl„rodzi się z prawdziwości w przekazywaniu trudnych dni pracy stąd i nazwy. V. Popkov „Budownicy elektrowni wodnej Brack”. P. Nikonow „Nasza codzienność” i inni.
Wniosek
Po przestudiowaniu wskazanej literatury zapoznałem się z twórczością wielkich rosyjskich artystów XV-XX wieku i doszedłem do wniosku:
Przestarzałe formy organizacji społecznej odeszły na zawsze w przeszłość, zmieniła się struktura życia i poglądy ludzi, ale tak jak kilkaset lat temu, współczesny człowiek jest podekscytowany wspaniałymi wytworami kultury duchowej stworzonymi dawno temu;
cecha charakterystyczna Rosyjscy artyści, a przede wszystkim wielcy mistrzowie, istniał ścisły, nierozerwalny związek między ich sztuką a życie towarzyskie, postępowa myśl naukowa;
Wzbogacili tradycje sztuki rosyjskiej, utwierdzili jej narodowość i humanizm, wysokie ideały moralne;
Sztuka rosyjska zawsze wyróżniała się obywatelstwem i patriotyzmem.
Wierzę, że poznanie i kochanie wszystkiego, co bezcenne, co swoim talentem stworzyli wybitni mistrzowie Rosji, jest nie tylko obowiązkiem, ale także obowiązkiem każdego współczesnego wykształconego człowieka.
Dzięki pracy nad tym tematem zbliżyłam się do świata sztuki.
Bibliografia
1. B.I. Krasnobaev. „Eseje o historii kultury rosyjskiej XVIII wieku” Moskwa: Edukacja, 1987.
2. AV Muravyov, A.M. cukry. „Eseje o historii kultury rosyjskiej w IX-XVII wieku” Moskwa: Oświecenie, 1984
3. V.N. Aleksandrow. „Historia sztuki rosyjskiej” Mińsk: Żniwa, 2007.
