Tak więc w centrum naszej uwagi znajdują się dziś najsłynniejsze utwory muzyki klasycznej. Muzyka klasyczna od kilku stuleci ekscytuje słuchaczy, wywołując w nich burzę uczuć i emocji. Od dawna wpisuje się w historię i splata się z teraźniejszością cienkimi nitkami.
Niewątpliwie w odległej przyszłości muzyka klasyczna będzie nie mniej poszukiwana, ponieważ takie zjawisko w świecie muzycznym nie może stracić na aktualności i znaczeniu.
Wymień dowolne dzieło klasyczne - będzie godne pierwszego miejsca w każdej muzycznej paradzie przebojów. Ponieważ jednak najsłynniejszych dzieł muzyki klasycznej nie można porównać ze sobą, ze względu na ich artystyczną wyjątkowość, wymienione tu opusy prezentowane są jedynie jako utwory do zaznajomienia.
"Sonata księżycowa"
Ludwig van Beethoven
Latem 1801 roku genialne dzieło L.B. Beethoven, który miał stać się sławny na całym świecie. Nazwa tego dzieła „Moonlight Sonata” znana jest absolutnie każdemu, od starego do młodego.
Ale początkowo dzieło nosiło tytuł „Prawie Fantazja”, który autor zadedykował swojej młodej uczennicy, ukochanej Juliet Guicciardi. A nazwa, pod którą jest znana do dziś, została wymyślona przez krytyka muzycznego i poetę Ludwiga Relshtab po śmierci L.V. Beethovena. Dzieło to należy do jednego z najsłynniejszych dzieł muzycznych kompozytora.
Nawiasem mówiąc, doskonałą kolekcję muzyki klasycznej reprezentują wydania gazety Komsomolskaja Prawda - kompaktowe książki z płytami do słuchania muzyki. Możesz czytać i słuchać jego muzyki - bardzo wygodne! Zalecana zamów płyty z muzyką klasyczną bezpośrednio z naszej strony : naciśnij przycisk „kup” i od razu przejdź do sklepu.
"Marsz Turecki"
Wolfgang Amadeusz Mozart
Utwór ten jest trzecią częścią Sonaty nr 11, narodził się w 1783 roku. Początkowo nazywano je „Tureckim Rondem” i cieszyło się dużą popularnością wśród austriackich muzyków, którzy później zmienili jego nazwę. Utworowi przypisano nazwę „Marsz turecki” także dlatego, że współbrzmi on z tureckimi orkiestrami Janissary, dla których brzmienie perkusji jest bardzo charakterystyczne, co można prześledzić także w „Marszu tureckim” V.A. Mozarta.
"Ave Maria"
Franz Schubert
Sam kompozytor napisał to dzieło do wiersza „Pani Jeziora” W. Scotta, a raczej do jego fragmentu i nie zamierzał pisać tak głęboko religijnej kompozycji dla Kościoła. Jakiś czas po pojawieniu się utworu nieznany muzyk, zainspirowany modlitwą „Ave Maria”, ustawił swój tekst do muzyki genialnego F. Schuberta.
„Fantasy Impromptu”
Fryderyk Chopin
F. Chopin, geniusz epoki romantyzmu, zadedykował to dzieło swojemu przyjacielowi. I to on, Julian Fontana, nie posłuchał instrukcji autora i opublikował ją w 1855 roku, sześć lat po śmierci kompozytora. F. Chopin uważał, że jego twórczość jest podobna do improwizowanej twórczości I. Moschelesa, ucznia Beethovena, słynnego kompozytora i pianisty, co było przyczyną odmowy wydania Fantazji-Impromptu. Jednak to genialne dzieło nigdy nie zostało przez nikogo uznane za plagiat, z wyjątkiem samego autora.
"Lot trzmiela"
Nikołaj Rimski-Korsakow
Kompozytor tego utworu był miłośnikiem rosyjskiego folkloru - interesowały go bajki. Doprowadziło to do powstania opery „Opowieść o carze Saltanie” opartej na fabule A.S. Puszkina. Częścią tej opery jest interludium „Lot trzmiela”. Po mistrzowsku, niesamowicie plastycznie i genialnie naśladowała w pracy odgłosy lotu tego owada N.A. Rimski-Korsakow.
„Kaprys nr 24”
Niccolo Paganini
Początkowo autor wszystkie swoje kaprysy komponował wyłącznie w celu doskonalenia i doskonalenia umiejętności gry na skrzypcach. Ostatecznie wnieśli do muzyki skrzypcowej wiele nowych i nieznanych wcześniej. A dwudziesty czwarty kaprys, ostatni ze skomponowanych kaprysów N. Paganiniego, niesie ze sobą szybką tarantellę z ludowymi intonacjami, a także uznawany jest za jedno z utworów, jakie kiedykolwiek powstały na skrzypce, które nie ma sobie równych pod względem złożoności.
„Wokaliza, opus 34, nr 14”
Siergiej Wasiljewicz Rachmaninow
Dzieło to kończy 34. opus kompozytora, które łączy czternaście pieśni napisanych na głos z towarzyszeniem fortepianu. Wokaliza, zgodnie z oczekiwaniami, nie zawiera słów, lecz jest wykonywana na jednej samogłosce. S.V. Rachmaninow zadedykował go śpiewaczce operowej Antoninie Nieżdanowej. Bardzo często utwór ten wykonywany jest na skrzypcach lub wiolonczeli przy akompaniamencie fortepianu.
"Światło księżyca"
Claude Debussy
Utwór ten kompozytor napisał pod wrażeniem linijek wiersza francuskiego poety Paula Verlaine'a. Nazwa bardzo wyraźnie oddaje miękkość i wzruszającą melodię, która oddziałuje na duszę słuchacza. To popularne dzieło genialnego kompozytora C. Debussy'ego wybrzmiewa w 120 filmach różnych pokoleń.
Jak zawsze, najlepsza muzyka jest w naszej grupie w kontakcie .
Przyznam się, że mówię o klawesynie jako o temacie głęboko osobistym dla mnie. Występując na nim od prawie czterdziestu lat, nabrałem głębokiego przywiązania do niektórych autorów i grałem na koncertach całe cykle wszystkiego, co napisali na ten instrument. Przede wszystkim dotyczy to Francois Couperina i Johanna Sebastiana Bacha. To, mam nadzieję, będzie usprawiedliwieniem dla moich nałogów, których obawiam się, że nie będę w stanie uniknąć.
URZĄDZENIE
Znana jest duża rodzina instrumentów strunowych szarpanych. Różnią się wielkością, kształtem i zasobami dźwiękowymi (kolorowymi). Niemal każdy rzemieślnik, który robił takie instrumenty w dawnych czasach, starał się dodać coś własnego do swojego projektu.
Jest wiele zamieszania co do tego, jak je nazywano. Najogólniej mówiąc, instrumenty dzielą się ze względu na ich kształt na podłużne (przypominające mały fortepian, ale o kanciastych kształtach – fortepian ma kształty zaokrąglone) i prostokątne. Oczywiście ta różnica nie jest bynajmniej dekoracyjna: przy innym układzie strun względem klawiatury, miejsce na strunie, w którym wykonywany jest charakterystyczny dla wszystkich tych instrumentów szarpnięcie, ma bardzo istotny wpływ na barwę instrumentu. dźwięk.
I. Vermeera z Delft. Kobieta siedząca przy klawesynie
OK. 1673-1675 Galeria Narodowa, Londyn
Klawesyn to największy i najbardziej złożony instrument z tej rodziny.
w Rosji od XVIII wieku. Najczęściej używaną francuską nazwą instrumentu jest klawesyn ( klawesyn), ale występuje głównie w praktyce muzycznej i akademickiej, a włoski - cembalo ( cymbały; Znane są również włoskie imiona clavicembalo, gravicembalo). W literaturze muzykologicznej, zwłaszcza jeśli chodzi o angielską muzykę baroku, angielska nazwa tego instrumentu pojawia się bez tłumaczenia klawesyn.
W klawesynie główną cechą wydobycia dźwięku jest to, że tak zwany skoczek (czyli popychacz) jest zainstalowany na tylnym końcu klawisza, w górnej części którego zamocowane jest pióro. Kiedy muzyk naciska klawisz, jego tył unosi się (ponieważ klawisz jest dźwignią), a skoczek unosi się, a piórko szarpie strunę. Po zwolnieniu klawisza piórko ślizga się bezgłośnie dzięki sprężynie, która pozwala mu się lekko odchylić.
Różne rodzaje instrumentów klawiszowych
Warto zauważyć, że opis akcji skoczka, i to niezwykle trafny, podał W. Szekspir w swoim 128 sonecie. Spośród wielu możliwości przekładu istotą gry na klawesynie najdokładniej – oprócz strony artystycznej i poetyckiej – jest tłumaczenie Modesta Czajkowskiego:
Kiedy ty, moja muzyka, grasz
Wpraw te klawisze w ruch
I tak delikatnie pieszcząc je palcami,
Współbrzmienie strun budzi podziw,
Potem z zazdrością patrzę na klucze,
Jak trzymają się dłoni w twoich dłoniach;
Piekące usta i tęsknota za pocałunkiem
Patrzą z zazdrością na swoją zuchwałość.
Ach, gdyby los nagle się odwrócił
Ja w rzędzie tych suchych tancerzy!
Cieszę się, że wsunęłaś się po nich, -
Ich bezduszność jest bardziej błogosławiona niż żywe usta.
Ale jeśli są szczęśliwi, to
Niech całują palce, a ja całuję usta.
Ze wszystkich typów instrumentów strunowych szarpanych, klawesyn jest największym i najbardziej złożonym. Jest używany zarówno jako instrument solowy, jak i akompaniament. Jest niezastąpiony w muzyce barokowej jako zespół. Ale zanim zaczniemy mówić o ogromnym repertuarze tego instrumentu, trzeba jeszcze coś wyjaśnić w jego konstrukcji.
Na klawesynie wszystkie barwy (barwy) i dynamika (czyli moc dźwięku) zostały pierwotnie zapisane w samym instrumencie przez twórcę każdego klawesynu. W tym jest do pewnego stopnia podobny do organu. Na klawesynie nie można zmienić brzmienia poprzez zmianę siły tonacji. Dla porównania: na pianinie cała sztuka interpretacji polega na bogactwie dotyku, czyli na różnorodności sposobów naciskania lub uderzania w klawisz.
Schemat mechanizmu klawesynowego
Ryż. ALE: 1. Łodyga; 2. Amortyzator; 3. Zworka (popychacz); 4. Pasek rejestru; 5. Jeleń;
6. Zworka ramki (popychacz); 7. Klucz
Ryż. B. Zworka (popychacz): 1. Amortyzator; 2. Ciąg; 3. Pióro; 4. Język; 5. Polster; 6. Wiosna
Oczywiście od wrażliwości gry klawesynisty zależy, czy instrument zabrzmi muzycznie, czy „jak rondel” (z grubsza ujął to Voltaire). Ale siła i barwa dźwięku nie zależą od klawesynisty, ponieważ między palcem klawesynisty a struną znajduje się skomplikowany mechanizm transmisji w postaci zworki i piórka. Znowu dla porównania: na pianinie uderzenie w klawisz bezpośrednio wpływa na uderzenie młotka w strunę, natomiast na klawesynie wpływ na pióro jest pośredni.
FABUŁA
Wczesna historia klawesynu sięga daleko w mgłę czasu. Po raz pierwszy pojawia się w traktacie Jana de Murisa Zwierciadło muzyki (1323). Jedno z najwcześniejszych przedstawień klawesynu znajduje się w Weimarskiej Księdze Cudów (1440).
Przez długi czas wierzono, że najstarszy instrument, jaki do nas dotarł, został wykonany przez Hieronima z Bolonii i datowany jest na 1521 rok. Jest przechowywany w Londynie, w Muzeum Wiktorii i Alberta. Ostatnio jednak ustalono, że istnieje instrument o kilka lat starszy, również stworzony przez włoskiego mistrza – Wincentego z Livigimeno. Został on podarowany papieżowi Leonowi X. Jego produkcja, zgodnie z napisem na kopercie, rozpoczęła się 18 września 1515 r.
Klawesyn. Weimarska Księga Cudów. 1440
Aby uniknąć monotonii brzmienia, mistrzowie klawesynu już na wczesnym etapie rozwoju instrumentu zaczęli wyposażać każdy klawisz nie w jedną strunę, ale w dwie, oczywiście o innej barwie. Wkrótce jednak stało się jasne, że z przyczyn technicznych nie można użyć więcej niż dwóch zestawów strun na jedną klawiaturę. Wtedy zrodził się pomysł zwiększenia liczby klawiatur. Do XVII wieku najbogatsze muzycznie klawesyny to instrumenty z dwoma klawiszami (innymi słowy podręczniki, od łac. manus- "ręka").
Z muzycznego punktu widzenia taki instrument jest najlepszym sposobem na wykonanie różnorodnego repertuaru barokowego. Wiele dzieł klasyków klawesynu zostało napisanych specjalnie dla efektu gry na dwóch instrumentach klawiszowych, na przykład kilka sonat Domenico Scarlattiego. F. Couperin wyraźnie zastrzegł w przedmowie do trzeciego zbioru swoich utworów klawesynowych, że umieścił w nim utwory, które nazywa "Kawałki Croises"(gra ze skrzyżowaniem [ręce]). „Utwory o takiej nazwie” – kontynuuje kompozytor – „należy grać na dwóch klawiszach, z których jeden powinien brzmieć przytłumiony przez zmieniające się rejestry”. Dla tych, którzy nie mają klawesynu z dwoma manuałami, Couperin udziela wskazówek, jak grać na instrumencie za pomocą jednej klawiatury. Ale w wielu przypadkach wymóg klawesynu dwumanukowego jest nieodzownym warunkiem pełnoprawnego wykonania artystycznego utworu. I tak na stronie tytułowej zbioru zawierającego słynną „Uwerturę francuską” i „Koncert włoski” Bach zaznaczył: „za clavichembalo z dwoma podręcznikami”.
Z punktu widzenia ewolucji klawesynu dwa podręczniki nie były ograniczeniem: znamy przykłady klawesynów z trzema klawiszami, choć nie znamy utworów, które kategorycznie wymagałyby takiego instrumentu do ich wykonania. Są to raczej techniczne sztuczki poszczególnych twórców klawesynów.
Na klawesynie w okresie swojego wspaniałego rozkwitu (XVII-XVIII w.) grali muzycy, którzy posiadali wszystkie istniejące wówczas instrumenty klawiszowe, a mianowicie organy i klawikord (stąd nazwano je clavierami).
Klawesyn tworzyli nie tylko twórcy klawesynów, ale także budowniczowie organów. I naturalne było zastosowanie w konstrukcji klawesynu pewnych fundamentalnych idei, które były już szeroko stosowane w projektowaniu organów. Innymi słowy, twórcy klawesynów podążali ścieżką organmistrzów, poszerzając zasoby rejestrowe swoich instrumentów. Jeśli na organach było coraz więcej kompletów piszczałek rozdzielonych między podręczniki, to na klawesynie zaczęto używać większej liczby kompletów strun, również rozdzielonych wśród podręczników. Pod względem głośności rejestry klawesynu nie różniły się zbytnio, ale pod względem barwy były dość znaczące.
Strona tytułowa pierwszego zbioru muzyki
dla dziewiczej „Partenii”. Londyn. 1611
Tak więc, oprócz dwóch zestawów strun (po jednym na każdą klawiaturę), które brzmiały unisono i odpowiadały wysokością dźwiękom nagranym w nutach, mogły istnieć rejestry czterostopowe i szesnastostopowe. (Nawet oznaczenie rejestrów zostało zapożyczone przez wytwórców klawesynów od organmistrzów: Rury organy są oznaczone stopami, a główne rejestry odpowiadające notacji muzycznej to tak zwane ośmiostopowe, podczas gdy piszczałki wydające dźwięki o oktawę wyższe od notowanych nazywane są czterostopowymi, o oktawę niższymi – odpowiednio szesnastostopowymi. Na klawesynie, w tych samych taktach, rejestry utworzone przez zbiory smyczki.)
Tak więc zasięg dźwięku dużego klawesynu koncertowego z połowy XVIII wieku. był nie tylko nie węższy od pianoforte, ale nawet szerszy. I to pomimo tego, że zapis muzyczny muzyki klawesynowej wygląda na węższy zakres niż muzyka fortepianowa.
MUZYKA
Do XVIII wieku klawesyn zgromadził niezwykle bogaty repertuar. Jako instrument niezwykle arystokratyczny rozprzestrzenił się w całej Europie, wszędzie mając swoich najzdolniejszych apologetów. Ale jeśli mówimy o najsilniejszych szkołach XVI - początku XVII wieku, to przede wszystkim musimy wymienić angielskich wirgilistów.
Nie będziemy tu opowiadać historii wirginalizmu, zwrócimy jedynie uwagę, że jest to rodzaj instrumentów strunowych szarpanych na klawiszach, podobnych w brzmieniu do klawesynu. Warto zauważyć, że w jednym z ostatnich gruntownych studiów nad historią klawesynu ( Kotticka E. Historia klawesynu. Bloomington. 2003), dziewicza, a także szpinet (inna odmiana) są uważane za zgodne z ewolucją klawesynu właściwego.
Odnośnie nazwy dziewicza, warto zauważyć, że jedna z proponowanych etymologii podnosi ją do angielskiego dziewica i dalej na łacinę panna, czyli „dziewica”, ponieważ Elżbieta I, królowa dziewica, uwielbiała grać dziewicę. W rzeczywistości dziewicze pojawiło się jeszcze przed Elżbietą. Pochodzenie terminu „dziewica” jest bardziej poprawne, jeśli pochodzi z innego łacińskiego słowa - dziewica(„różdżka”), co oznacza ten sam zworka.
Ciekawe, że na rycinie, która zdobi pierwsze drukowane wydanie muzyki dziewiczej („Partenia”), muzyk jest przedstawiony w przebraniu chrześcijańskiej dziewicy - św. Cecylia. Nawiasem mówiąc, sama nazwa kolekcji pochodzi z języka greckiego. partenos co oznacza „dziewicę”.
Do dekoracji tego wydania grawerunek z obrazu holenderskiego artysty Hendrika Goltziusa „St. Cecylia". Grawer nie wykonał jednak lustrzanego odbicia obrazu na tablicy, więc zarówno sam grawer, jak i wykonawca okazały się do góry nogami – jej lewa ręka jest znacznie bardziej rozwinięta niż prawa, co oczywiście nie mogło był dziewicą tamtych czasów. Takich błędów w rycinach są tysiące. Oko nie-muzyka tego nie zauważa, ale muzyk od razu dostrzega błąd grawera.
Kilka wspaniałych stron, pełnych entuzjastycznego uczucia, poświęcił muzyce angielskich wirginalistów twórca odrodzenia klawesynu w XX wieku. cudowna polska klawesynistka Wanda Landowska: „Wyrzucając z serc godniejszych niż nasze, a karmionych ludowymi pieśniami, staroangielską muzykę - żarliwą lub pogodną, naiwną lub żałosną - opiewa natury i miłości. Ona wychwala życie. Jeśli zwraca się ku mistycyzmowi, uwielbia Boga. Bez wątpienia mistrzowski, a jednocześnie spontaniczny i odważny. Często wydaje się bardziej nowoczesny niż najnowsze i najlepsze. Otwórz swoje serce na urok tej muzyki, w gruncie rzeczy nieznany. Zapomnij, że jest stara i nie myśl, że przez to jest pozbawiona ludzkich uczuć.
Te wiersze zostały napisane na początku XX wieku. W ciągu ostatniego stulecia zrobiono wiele, aby odsłonić i docenić w całości bezcenne dziedzictwo muzyczne wirgilistów. A jakie to imiona! Kompozytorzy William Bird i John Bull, Martin Pearson i Gil Farnaby, John Munday i Thomas Morley...
Między Anglią a Holandią istniały bliskie kontakty (dowodzi tego już rycina „Partenia”). Klawesyny i dziewiczele mistrzów holenderskich, zwłaszcza dynastii Ruckers, były dobrze znane w Anglii. Jednocześnie, w dziwny sposób, sami Holandia nie może pochwalić się tak błyskotliwą szkołą kompozytorską.
Na kontynencie pierwotnymi szkołami klawesynowymi były: włoska, francuska i niemiecka. Wymienimy tylko trzech z ich głównych przedstawicieli - Francois Couperina, Domenico Scarlattiego i Johanna Sebastiana Bacha.
Jednym z wyraźnych i oczywistych przejawów talentu wybitnego kompozytora (co dotyczy każdego kompozytora każdej epoki) jest wypracowanie własnego, czysto osobistego, niepowtarzalnego stylu wypowiedzi. A w całej masie niezliczonych pisarzy nie będzie tylu prawdziwych twórców. Te trzy nazwiska z pewnością należą do twórców. Każdy z nich ma swój niepowtarzalny styl.
 Francois Couperin |
Francois Couperin(1668–1733) - prawdziwy poeta klawesynu. Mógłby chyba uważać się za człowieka szczęśliwego: wszystkie (lub prawie wszystkie) jego utwory klawesynowe, czyli dokładnie to, co składa się na jego sławę i światowe znaczenie, zostały wydane przez niego i składają się z czterech tomów. Mamy więc wyczerpujące wyobrażenie o jego dziedzictwie klawesynowym. Autor tych linii miał szczęście wykonać pełny cykl kompozycji klawesynowych Couperina w ośmiu programach koncertowych, które zostały zaprezentowane na festiwalu jego muzyki odbywającym się w Moskwie pod patronatem Pierre'a Morela, ambasadora Francji w Rosji.
Żałuję, że nie mogę wziąć czytelnika za rękę, zaprowadzić go do klawesynu i zagrać np. Francuskiej Maskarady Couperina, czy Domino Masks. Ile w tym uroku i piękna! Ale ile głębi psychologicznej. Tutaj każda maska ma określony kolor i - co bardzo ważne - charakter. Uwagi autora wyjaśniają obrazy i kolory. W sumie jest dwanaście masek (i kolorów) i pojawiają się one w określonej kolejności.
Miałem już kiedyś powód, aby przypomnieć tę sztukę Couperina w związku z opowieścią o „Czarnym kwadracie” K. Malewicza (zob. Art. nr 18/2007). Faktem jest, że kolorystyka Couperina, zaczynając od bieli (pierwsza odmiana, symbolizująca Dziewictwo), kończy się czarną maską (Wściekłość lub Rozpacz). Dwóch twórców różnych epok i różnych sztuk stworzyło więc dzieła o głęboko symbolicznym znaczeniu: dla Couperina cykl ten symbolizuje okresy życia człowieka – wiek człowieka (dwanaście na liczbę miesięcy, każde przez sześć lat – to jest alegoria znana w epoce baroku). W rezultacie Couperin ma czarną maskę, Malewicz ma czarny kwadrat. W obu pojawienie się czerni jest wynikiem działania wielu sił. Malewicz bez ogródek stwierdził: „Uważam, że biel i czerń wywodzą się z kolorów i schematów kolorystycznych”. Couperin wprowadził nas w tę kolorową gamę.
Widać, że Couperin miał do dyspozycji wspaniałe klawesyny. Nic w tym dziwnego – był przecież nadwornym klawesynistą Ludwika XIV. Instrumenty swoim brzmieniem potrafiły oddać pełną głębię idei kompozytora.
Domenico Scarlatti(1685-1757). Ten kompozytor ma zupełnie inny styl, ale podobnie jak Couperin, niewątpliwy charakter pisma jest pierwszą i oczywistą oznaką geniuszu. Ta nazwa jest nierozerwalnie związana z klawesynem. Choć w młodości Domenico pisał inną muzykę, później zasłynął właśnie jako autor ogromnej liczby (555) sonat klawesynowych. Scarlatti niezwykle rozszerzył możliwości wykonawcze klawesynu, wprowadził niespotykaną wirtuozerię w technikę jego gry.
Swoistym odpowiednikiem Scarlattiego w późniejszej historii muzyki fortepianowej jest twórczość Franciszka Liszta, który, jak wiadomo, specjalnie studiował techniki wykonawcze Domenico Scarlattiego. (Swoją drogą, skoro mówimy o paralelach ze sztuką fortepianową, to Couperin też miał w pewnym sensie duchowego spadkobiercę - był nim oczywiście F. Chopin.)
Przez drugą połowę swojego życia Domenico Scarlatti (nie mylić z ojcem, słynnym włoskim kompozytorem operowym Alessandro Scarlattim) był nadwornym klawesynistą hiszpańskiej królowej Marii Barbary, a zdecydowana większość jego sonat została napisana specjalnie dla niej. . Można śmiało stwierdzić, że była doskonałą klawesynistką, jeśli grała te niekiedy niezwykle techniczne sonaty.
I. Vermeera z Delft. Dziewczyna na szpinecie. OK. 1670. Kolekcja prywatna
W związku z tym przypominam sobie jeden list (1977), który otrzymałem od wybitnej czeskiej klawesynistki Zuzanny Ruzickovej: „Drogi panie Maikapar! Mam dla ciebie jedną prośbę. Jak wiecie, zainteresowanie autentycznymi klawesynami jest obecnie duże i toczy się wokół tego wiele dyskusji. Jednym z kluczowych dokumentów w dyskusji o tych instrumentach w związku z D. Scarlattim jest obraz Vanloo, który przedstawia Marię Barbarę z Portugalii, żonę Filipa V. (pomylił się Z. Ruzickova - Maria Barbara była żoną Ferdynanda VI , syn Filipa V. - JESTEM.). Rafael Pouyana (znany współczesny francuski klawesynista - JESTEM.) uważa, że obraz powstał po śmierci Marii Barbary i dlatego nie może być źródłem historycznym. Obraz znajduje się w Ermitażu. Byłoby bardzo ważne, gdybyś mógł przesłać mi dokumenty dotyczące tego obrazu.”
Fragment. 1768. Ermitaż, Petersburg
Obraz, o którym mowa w liście to „Sextet” L.M. Vanloo (1768).
Znajduje się w Ermitażu, w magazynie działu malarstwa francuskiego XVIII wieku. Kierownik działu I.S. Nemilova, dowiedziawszy się o celu mojej wizyty, zaprowadziła mnie do dużej sali, a raczej sali, w której znajdują się obrazy, które nie zostały uwzględnione na wystawie głównej. Ileż, okazuje się, dzieł bardzo interesujących z punktu widzenia muzycznej ikonografii, jest tu przechowywanych! Kolejno wystawialiśmy duże ramy, na których zainstalowano 10–15 obrazów i rozważaliśmy interesujące nas tematy. I wreszcie „Sextet” L.M. Vanloo.
Według niektórych przekazów obraz ten przedstawia hiszpańską królową Marię Barbarę. Gdyby ta hipoteza została potwierdzona, moglibyśmy mieć klawesyn, na którym grałby sam Scarlatti! Jakie są powody, by rozpoznać u klawesynistki przedstawionej na obrazie Vanloo, Marii Barbarze? Po pierwsze, wydaje mi się, że pomiędzy przedstawioną tu damą a znanymi portretami Marii Barbary rzeczywiście istnieje powierzchowne podobieństwo. Po drugie, Vanloo stosunkowo długo mieszkał na dworze hiszpańskim i dlatego mógł z powodzeniem namalować obraz na temat z życia królowej. Po trzecie, znana jest również inna nazwa obrazu - „Koncert hiszpański”, a po czwarte niektórzy zagraniczni muzykolodzy (na przykład K. Zaks) są przekonani, że na obrazie jest Maria Barbara.
Ale Nemilova, podobnie jak Rafael Puyana, wątpił w tę hipotezę. Obraz powstał w 1768 roku, czyli dwanaście lat po wyjeździe artysty z Hiszpanii i dziesięć lat po śmierci Marii Barbary. Historia jej zakonu jest znana: Katarzyna II przekazała Vanloo za pośrednictwem księcia Golicyna chęć posiadania przez niego obrazu. Ta praca natychmiast trafiła do Petersburga i była tu cały czas przechowywana, Golicyn podarował ją Katarzynie jako „Koncert”. Jeśli chodzi o nazwę „Koncert hiszpański”, to hiszpańskie kostiumy, w których przedstawione są postacie, odegrały rolę w jej wyglądzie i, jak wyjaśniła Nemilova, są to kostiumy teatralne, a nie modne.
 W. Landowskiej |
Na zdjęciu oczywiście zwraca uwagę klawesyn - instrument dwumanualny o charakterystycznym dla pierwszej połowy XVIII wieku. kolorystyka klawiszy, rewers współczesnej (te, które na fortepianie są czarne, na tym klawesynie są białe i odwrotnie). Ponadto nadal brakuje w nim pedałów do przesuwania rejestrów, choć były one już wówczas znane. To ulepszenie można znaleźć w większości nowoczesnych klawesynów koncertowych z podwójnym manuałem. Konieczność ręcznego przełączania rejestrów podyktowała pewne podejście do wyboru rejestracji na klawesynie.
Obecnie w praktyce wykonawczej wyraźnie zarysowują się dwa kierunki: zwolennicy pierwszego uważają, że należy wykorzystać wszystkie współczesne możliwości instrumentu (taką opinię podzielała m.in. V. Landowska i notabene Zuzanna Ruzickova). ), inni uważają, że wykonując muzykę dawną na współczesnym klawesynie, nie należy wykraczać poza środki wykonawcze, na podstawie których pisali dawni mistrzowie (jak uważają Erwin Bodki, Gustav Leonhardt, ten sam Rafael Puyana i inni).
Ponieważ tak wiele uwagi poświęciliśmy obrazowi Vanloo, zauważamy, że sam artysta okazał się z kolei postacią w muzycznym portrecie: znany jest utwór klawesynowy francuskiego kompozytora Jacquesa Dufly'ego, który nazywa się „Vanloo ”.
 Jan Sebastian Bach |
Jan Sebastian Bach(1685-1750). Jego dziedzictwo klawesynowe ma wyjątkową wartość. Moje doświadczenie koncertowe wszystkiego, co Bacha napisał na ten instrument, świadczy o tym, że jego spuścizna mieści się w piętnastu (!) programach koncertowych. Jednocześnie osobno należy liczyć koncerty na klawesyn i smyczki, a także masę dzieł zespołowych, które bez klawesynu są nie do pomyślenia.
Należy uznać, że mimo całej wyjątkowości Couperin i Scarlatti, każdy z nich kultywował jeden indywidualny styl. Bach był uniwersalny. Wspomniane już "Koncert włoski" i "Uwertura francuska" to przykłady bachowskiego studium muzyki tych szkół narodowych. A to tylko dwa przykłady, których nazwy odzwierciedlają świadomość Bacha. Tutaj możesz dodać jego cykl „Francuskie Suity”. Można by spekulować na temat wpływów angielskich w jego angielskich suitach. A ile muzycznych próbek różnych stylów znajduje się w tych jego utworach, które nie odzwierciedlają tego w swoich tytułach, ale zawierają w samej muzyce! Nie trzeba dodawać, jak szeroko jego rodzima, niemiecka tradycja clavier jest zsyntetyzowana w jego twórczości.
Nie wiemy dokładnie, na jakich klawesynach grał Bach, ale wiemy, że interesowały go wszelkie nowinki techniczne (w tym organy). O jego zainteresowaniu poszerzeniem możliwości wykonawczych klawesynu i innych instrumentów klawiszowych najlepiej świadczy słynny cykl preludiów i fug we wszystkich tonacjach „The Well-Tempered Clavier”.
Bach był prawdziwym mistrzem klawesynu. I. Forkel, pierwszy biograf Bacha, relacjonuje: „Nikt nie mógł wymienić zużytych piór na swoim klawesynie na nowe, żeby był zadowolony – sam to zrobił. Zawsze sam stroił swój klawesyn i był pod tym względem tak zręczny, że strojenie nigdy nie zajmowało mu więcej niż kwadrans. Dzięki swojej metodzie strojenia wszystkie 24 klawisze były do jego dyspozycji i improwizując, robił z nimi, co mu się podobało.
Już za życia genialnego twórcy muzyki klawesynowej klawesyn zaczął tracić grunt pod nogami. W 1747 roku, gdy Bach odwiedził w Poczdamie króla pruskiego Fryderyka Wielkiego, dał mu temat do improwizacji, a Bach podobno już improwizował na „pianoforte” (tak nazywał się wówczas nowy instrument). raz) - jeden z czternastu lub piętnastu, które wykonał dla króla przyjaciel Bacha, słynny organmistrz Gottfried Zilberman. Bach aprobował jego brzmienie, choć wcześniej nie lubił fortepianu.
Mozart jeszcze we wczesnej młodości pisał na klawesyn, ale ogólnie jego twórczość jest oczywiście skierowana w stronę pianoforte. Wydawcy wczesnych kompozycji Beethovena zaznaczyli na kartach tytułowych, że jego sonaty (proszę o tym pomyśleć, nawet Pathetique, wydane w 1799 r.) były przeznaczone „na klawesyn lub pianoforte”. Wydawcy poszli do sedna: nie chcieli stracić klientów, którzy mieli w swoich domach stare klawesyny. Coraz częściej jednak z klawesynów pozostawało tylko ciało: klawesynowe „nadzienie” zostało usunięte jako niepotrzebne i zastąpione nowym, młotkowym, czyli pianinem, mechaniką.
Powstaje pytanie: dlaczego ten instrument o tak długiej historii i tak bogatym dziedzictwie artystycznym powstał pod koniec XVIII wieku. wyparte z praktyki muzycznej i zastąpione przez pianino? I nie tylko wyparte, ale całkowicie zapomniane w XIX wieku? A przecież nie można powiedzieć, że kiedy rozpoczął się ten proces wypierania klawesynu, fortepian był pod względem walorów instrumentem najlepszym. Wręcz przeciwnie! Carl Philipp Emanuel Bach, jeden z najstarszych synów Jana Sebastiana, napisał swój Koncert podwójny na klawesyn i pianoforte z orkiestrą, chcąc na własne oczy zademonstrować przewagi klawesynu nad fortepianem.
Odpowiedź jest tylko jedna: zwycięstwo fortepianu nad klawesynem stało się możliwe w warunkach radykalnej zmiany preferencji estetycznych. Estetyka barokowa, która opiera się albo na jasno sformułowanej, albo wyraźnie odczuwalnej koncepcji teorii afektów (w skrócie istota: jeden nastrój, wpłynąć, - jednodźwiękowa farba), dla której klawesyn był idealnym środkiem wyrazu, ustąpił miejsca najpierw światopoglądowi sentymentalizmu, potem silniejszemu kierunkowi - klasycyzmowi i wreszcie romantyzmowi. We wszystkich tych stylach najbardziej atrakcyjny i kultywowany był wręcz przeciwnie pomysł zmienność- uczucia, obrazy, nastroje. I fortepian był w stanie to wyrazić.
Ten instrument nabył pedał o swoich fantastycznych możliwościach i stał się zdolny do tworzenia niesamowitych wzrostów i spadków brzmienia ( crescendo oraz diminuendo). Klawesyn w zasadzie nie mógł tego wszystkiego zrobić - ze względu na specyfikę jego konstrukcji.
Zatrzymajmy się i zapamiętajmy ten moment, abyśmy mogli od niego rozpocząć naszą kolejną rozmowę - o pianinie, a konkretnie o wielkim koncercie fortepian, czyli „instrument królewski”, prawdziwy mistrz wszelkiej muzyki romantycznej.
W naszej opowieści historia i nowoczesność mieszają się, ponieważ dziś klawesyn i inne instrumenty z tej rodziny okazały się niezwykle powszechne i poszukiwane ze względu na ogromne zainteresowanie muzyką renesansu i baroku, czyli czasu, w którym powstało i przetrwało swój złoty wiek.
Kompozytor i sztuka wykonawcza to dwa niewyczerpane źródła, które wzajemnie się zasilają: ręce wykonawcy napełniają tchnieniem życia myśl kompozytora, a twórca muzyki czerpie inspirację z umiejętności wykonawcy. Podobnie jak wielu innych kompozytorów, Sofia Asgatovna Gubaidulina stworzyła wiele kompozycji skupionych na konkretnych wykonawcach, a jednym z tych muzyków jest Mark Ilyich Pekarsky, który poświęcił swoje życie instrumentom perkusyjnym. Jest nie tylko wybitnym wykonawcą i twórcą zespołu perkusyjnego - Mark Iljicz napisał wiele artykułów i książek o tej dziedzinie instrumentów muzycznych, założył klasę zespołu perkusyjnego w Konserwatorium Moskiewskim.
„Na perkusji możesz zrobić wszystko, co możesz zrobić na skrzypcach, na pianinie, na organach, tylko trochę innymi środkami, ale w zasadzie bębny są w stanie przekazać zarówno zabawę, jak i cierpienie i smutek , i radość, i cokolwiek chcesz” – mówi muzyk. Jednym z najlepszych potwierdzeń tego pomysłu jest niesamowita różnorodność instrumentów perkusyjnych tworzonych przez różne narody w różnych epokach. Wiele z tych instrumentów jest reprezentowanych w unikalnej kolekcji zgromadzonej przez Pekarsky'ego. Ten przepych nie mógł nie zainteresować Gubajduliny - w końcu Sofia Asgatovna zawsze próbowała znaleźć nowe brzmienie nawet dla najbardziej popularnych i znanych europejskich instrumentów publicznych, a w tym przypadku kompozytor miał do czynienia z naprawdę cennym rozproszeniem niezwykłych barwy: crotali (talerze pompejańskie), chińskie, koreańskie bębenek chang, chińskie dzwonki bian-zhong... Ale kompozytor robi coś jeszcze bardziej niezwykłego - łączy wszystkie te barwy, które przyszły z tajemniczego świata Wschodu, z instrumentem zachodnioeuropejskim - klawesynem... czy powstaje nierozwiązalna sprzeczność z takim połączeniem Wschodu i Zachodu? Sofia Gubaidulina tak nie uważa – jest przekonana, że instrumenty orientalne „w połączeniu z klawesynem tracą swój lokalny niuans geograficzny i zaliczają się do bardziej uogólnionego typu muzykowania, w którym wszystkie różne właściwości barwy mają tendencję do zbiegania się”.
Z takiego „zbliżenia” rodzi się w twórczości Gubaiduliny zaskakująco zgrany zespół, którego słuchając aż trudno uwierzyć, że tworzące go instrumenty pochodzą z różnych stron świata i epok – naprawdę „mówią” tym samym językiem. ..tak, robią! W dziele zatytułowanym niezwykle prosto - "Muzyka na klawesyn i instrumenty perkusyjne z kolekcji Marka Pekarskiego" - pojawia się rodzaj "mowy muzycznej" z jej "fonemami" (dźwiękami mowy) układającymi się w "słowa". To nie przypadek, że Sofia Asgatovna pierwotnie planowała nadać tej pracy inny tytuł - „Logogryph”, to nazwa gry słownej, w której litera po literze jest stopniowo usuwana z danego słowa i pojawiają się nowe słowa (na przykład „źródło - zlew - prąd”). Coś podobnego robi kompozytor z kompleksami dźwiękowymi. Na przykład na początku utworu pojawia się falowe „nawarstwianie” chińskich cymbałów, wchodzących na różnych wysokościach, a następnie stopniowo „wyłączają się” - po „zagęszczeniu” tkaniny muzycznej następuje jej „ rozrzedzenie". W tej fascynującej „grze” dźwiękowej na pierwszy plan wysuwa się nie tyle wysokość dźwięku, ile jego barwa (ta technika muzyczna nazywana jest sonoryką). Muzyczne „logogryfy” stają się podstawą konstrukcji formy. W pierwszej części budowana jest seria ośmiu muzycznych „słów” ze stopniowym wzrostem liczby dźwięków, a w części repryzowej te same kompleksy dźwiękowe budowane są w innej kolejności: nie ma dokładnego „odbicia lustrzanego” w w tym przypadku, ale pojawia się ogólna tendencja do stopniowego spadku. Widoczne jest połączenie przeciwnych kierunków rozwoju nie tylko w postaci odrębnej części, ale także w proporcji części utworu: pierwsza część skierowana jest głównie do rejestru wysokiego, druga - do niskiego.
Wrażenie „intelektualnej gry” tworzy nie tylko harmonijny „matematyczny stosunek”, ale także użycie cytatów muzycznych. W części pierwszej pojawia się krótki, trzydźwiękowy, ale rozpoznawalny motyw z walca c-moll, a także niewielki fragment fugi g-moll z I tomu Jana Sebastiana Bacha. Wygląd obu cytatów ulega dziwacznej zmianie: motyw z walca Chopina pojawia się w tonacji dalekiej od oryginału (b-moll), wykładanej przez czynele bian-zhun i pompejańskie. Motyw z fugi Bacha wykonuje chang (choć później brzmi to w bardziej „tradycyjnym” przekazie – przy klawesynie, ale jego zarysy są tak zmienione, że powstaje wrażenie fałszywego brzmienia).
„Muzyka na klawesyn i perkusję” Sofii Gubaiduliny to wyrafinowana gra umysłu, ale błędem byłoby nazwanie jej wytworem „zimnego rozumu”. W grze barw, krótkich motywów i dźwiękowych kompleksów czuć żywy „oddech” emocji.
Wszelkie prawa zastrzeżone. Kopiowanie zabronione
Posłuchaj czegoś z klasyki - co może być lepszego?! Zwłaszcza w weekendy, kiedy chcesz odpocząć, zapomnieć o troskach dnia, troskach tygodnia pracy, marzyć o pięknie i po prostu pocieszyć się. Pomyśl tylko, klasyczne dzieła zostały stworzone przez genialnych autorów tak dawno temu, że aż trudno uwierzyć, że coś może przetrwać tyle lat. A te prace są nadal kochane i słuchane, tworzą aranżacje i nowoczesne interpretacje. Nawet w nowoczesnym przetwarzaniu dzieła genialnych kompozytorów pozostają muzyką klasyczną. Jak sam przyznaje, dzieła klasyczne są genialne i wszystkie genialne nie mogą być nudne.
Chyba wszyscy wielcy kompozytorzy mają szczególne ucho, szczególną wrażliwość na ton i melodię, co pozwoliło im tworzyć muzykę, którą cieszą się dziesiątki pokoleń nie tylko ich rodaków, ale także fanów muzyki klasycznej na całym świecie. Jeśli nadal masz wątpliwości, czy lubisz muzykę klasyczną, to musisz się z nią spotkać, a przekonasz się, że już od dawna jesteś fanem pięknej muzyki.
A dzisiaj porozmawiamy o 10 najsłynniejszych kompozytorach na świecie.
Jan Sebastian Bach
Pierwsze miejsce należy do zasłużonych. W Niemczech urodził się geniusz. Najzdolniejszy kompozytor pisał muzykę na klawesyn i organy. Kompozytor nie stworzył nowego stylu w muzyce. Ale był w stanie stworzyć doskonałość we wszystkich stylach swoich czasów. Jest autorem ponad 1000 esejów. W jego pracach Kawalerłączył różne style muzyczne, z którymi spotykał się przez całe życie. Często muzyczny romantyzm łączony był ze stylem barokowym. W życiu Johann Bach jako kompozytor nie cieszący się uznaniem, na jakie zasługiwał, zainteresowanie jego muzyką wzrosło prawie 100 lat po jego śmierci. Dziś nazywany jest jednym z największych kompozytorów żyjących na ziemi. Jego wyjątkowość jako osoby, nauczyciela i muzyka znalazła odzwierciedlenie w jego muzyce. Kawaler położył podwaliny pod muzykę współczesną i współczesną, dzieląc historię muzyki na pre-Bach i post-Bach. Uważa się, że muzyka Kawaler ponuro i ponuro. Jego muzyka jest raczej fundamentalna i solidna, powściągliwa i skoncentrowana. Jak refleksje dojrzałej, mądrej osoby. kreacja Kawaler wpłynął na wielu kompozytorów. Niektórzy z nich wzięli przykład z jego prac lub wykorzystali z nich motywy. A muzycy na całym świecie grają muzykę Kawaler podziwiając jej piękno i doskonałość. Jedna z najbardziej znanych prac „Koncerty brandenburskie” jest doskonałym dowodem na to, że muzyka Kawaler nie można uznać za zbyt ponure:
Wolfgang Amadeusz Mozart
Słusznie uważany za geniusza. W wieku 4 lat grał już swobodnie na skrzypcach i klawesynie, w wieku 6 lat zaczął komponować, a już w wieku 7 lat umiejętnie improwizował na klawesynie, skrzypcach i organach, rywalizując ze znanymi muzykami. Już w wieku 14 lat Mozart- uznany kompozytor, aw wieku 15 lat członek akademii muzycznych w Bolonii i Weronie. Z natury miał fenomenalne wyczucie muzyki, pamięć i umiejętność improwizacji. Stworzył niesamowitą liczbę dzieł - 23 opery, 18 sonat, 23 koncerty fortepianowe, 41 symfonii i wiele innych. Kompozytor nie chciał naśladować, starał się stworzyć nowy model, odzwierciedlający nową osobowość muzyki. To nie przypadek, że muzyka w Niemczech Mozart nazywany „muzyką duszy”, w swoich utworach kompozytor ukazywał cechy swojej szczerej, kochającej natury. Największy melodyjny przywiązywał do opery szczególną wagę. opery Mozart- era w rozwoju tego rodzaju sztuki muzycznej. Mozart powszechnie uznawany za jednego z największych kompozytorów: jego wyjątkowość polega na tym, że pracował we wszystkich formach muzycznych swoich czasów i we wszystkich odniósł największy sukces. Jedna z najbardziej rozpoznawalnych prac "Marsz Turecki":
Ludwig van Beethoven
Inny wielki Niemiec był ważną postacią okresu romantyczno-klasycystycznego. Wiedzą o nim nawet ci, którzy nic nie wiedzą o muzyce klasycznej. Beethoven jest jednym z najczęściej wykonywanych i cenionych kompozytorów na świecie. Wielki kompozytor był świadkiem wielkich wstrząsów, jakie miały miejsce w Europie i przerysował jej mapę. Te wielkie przewroty, rewolucje i konfrontacje militarne znajdują odzwierciedlenie w twórczości kompozytora, zwłaszcza symfonicznej. Wcielał się w muzyczne obrazy heroicznej walki. W nieśmiertelnych dziełach Beethoven usłyszysz walkę o wolność i braterstwo ludzi, niezachwianą wiarę w zwycięstwo światła nad ciemnością, a także marzenia o wolności i szczęściu ludzkości. Jednym z najbardziej znanych i zdumiewających faktów z jego życia jest to, że choroba ucha przekształciła się w całkowitą głuchotę, ale mimo to kompozytor nadal pisał muzykę. Uchodził też za jednego z najlepszych pianistów. Muzyka Beethoven zaskakująco proste i przystępne dla zrozumienia najszerszego grona słuchaczy. Zmieniają się pokolenia, a nawet epoki i muzyka Beethoven wciąż podnieca i cieszy serca ludzi. Jedna z jego najlepszych prac - "Sonata księżycowa":
Ryszard Wagner
Z imieniem wielkiego Ryszard Wagner najczęściej kojarzony z jego arcydziełami „Chór weselny” lub "Cwał Walkirii". Ale znany jest nie tylko jako kompozytor, ale także jako filozof. Wagner uważał swoją twórczość muzyczną za sposób wyrażenia pewnej koncepcji filozoficznej. Z Wagner rozpoczęła się nowa era muzyczna oper. Kompozytor starał się przybliżyć operę do życia, muzyka jest dla niego tylko środkiem. Ryszard Wagner- twórca dramatu muzycznego, reformator oper i sztuki dyrygenckiej, innowator harmonicznego i melodycznego języka muzyki, twórca nowych form wyrazu muzycznego. Wagner- autor najdłuższej na świecie arii solowej (14 minut 46 sekund) i najdłuższej na świecie opery klasycznej (5 godzin i 15 minut). W życiu Ryszard Wagner był uważany za osobę kontrowersyjną, która była albo uwielbiana, albo nienawidzona. A często jedno i drugie jednocześnie. Mistyczna symbolika i antysemityzm uczyniły go ulubionym kompozytorem Hitlera, ale zablokowały mu drogę do Izraela. Jednak ani zwolennicy, ani przeciwnicy kompozytora nie negują jego wielkości jako kompozytora. Świetna muzyka od samego początku Ryszard Wagner pochłania Cię bez śladu, nie pozostawiając miejsca na spory i nieporozumienia:
Franz Schubert
Austriacki kompozytor to geniusz muzyczny, jeden z najlepszych kompozytorów piosenek. Miał zaledwie 17 lat, kiedy napisał swoją pierwszą piosenkę. W jeden dzień był w stanie napisać 8 piosenek. W swoim życiu twórczym stworzył ponad 600 kompozycji opartych na wierszach ponad 100 wielkich poetów, m.in. Goethego, Schillera i Szekspira. Więc Franz Schubert w pierwszej 10. Chociaż kreatywność Schubert bardzo zróżnicowane pod względem wykorzystania gatunków, idei i reinkarnacji, w jego muzyce przeważają i determinują teksty wokalno-pieśniowe. Zanim Schubert piosenka została uznana za gatunek mało znaczący i to on podniósł ją do stopnia artystycznej doskonałości. Co więcej, łączył pozornie niezwiązany śpiew i muzykę kameralno-symfoniczną, co dało początek nowemu kierunekowi symfonii liryczno-romantycznej. Teksty wokalno-piosenki to świat prostych i głębokich, subtelnych, a nawet intymnych ludzkich przeżyć, wyrażanych nie słowami, ale dźwiękiem. Franz Schubert przeżył bardzo krótkie życie, mając zaledwie 31 lat. Losy dzieł kompozytora są nie mniej tragiczne niż jego życie. Po śmierci Schubert pozostało wiele niepublikowanych rękopisów, przechowywanych w regałach i szufladach krewnych i przyjaciół. Nawet najbliżsi nie wiedzieli wszystkiego, co napisał, a przez wiele lat uznawany był głównie za króla pieśni. Niektóre utwory kompozytora ukazały się dopiero pół wieku po jego śmierci. Jedno z najbardziej lubianych i znanych dzieł Franz Schubert – „Wieczorna serenada”:
Roberta Schumanna
Z nie mniej tragicznym losem niemiecki kompozytor jest jednym z najlepszych kompozytorów epoki romantyzmu. Stworzył niesamowicie piękną muzykę. Aby zorientować się w XIX-wiecznym niemieckim romantyzmie, wystarczy posłuchać "Karnawał" Roberta Schumanna. Udało mu się wyrwać z muzycznych tradycji epoki klasycznej, tworząc własną interpretację stylu romantycznego. Roberta Schumanna był obdarzony wieloma talentami i nawet przez długi czas nie mógł wybierać między muzyką, poezją, dziennikarstwem i filologią (był poliglotą i swobodnie tłumaczył z angielskiego, francuskiego i włoskiego). Był też niesamowitym pianistą. A jednak główne powołanie i pasja Schumana była muzyka. Jego poetycka i głęboko psychologiczna muzyka w dużej mierze odzwierciedla dwoistość natury kompozytora, wybuch namiętności i wycofanie się w świat marzeń, świadomość wulgarnej rzeczywistości i dążenie do ideału. Jedno z arcydzieł Roberta Schumanna które każdy musi usłyszeć:
Fryderyk Chopin
Być może najsłynniejszy Polak w świecie muzyki. Ani przed, ani później kompozytor nie był geniuszem muzycznym tego poziomu urodzonym w Polsce. Polacy są niezwykle dumni ze swojego wielkiego rodaka, a kompozytor w swojej twórczości często śpiewa o swojej ojczyźnie, podziwia piękno krajobrazów, lamentuje nad tragiczną przeszłością i marzy o wielkiej przyszłości. Fryderyk Chopin- jeden z nielicznych kompozytorów, którzy pisali muzykę wyłącznie na fortepian. W jego dziedzictwie twórczym nie ma oper ani symfonii, ale utwory fortepianowe prezentowane są w całej ich różnorodności. Jego utwory stanowią podstawę repertuaru wielu znanych pianistów. Fryderyk Chopin to polski kompozytor, znany również jako utalentowany pianista. Żył zaledwie 39 lat, ale zdołał stworzyć wiele arcydzieł: ballady, preludia, walce, mazurki, nokturny, polonezy, etiudy, sonaty i wiele, wiele więcej. Jeden z nich - „Ballada nr 1 g-moll”.
Franciszek Liszt
Jest jednym z najwybitniejszych kompozytorów na świecie. Wiódł stosunkowo długie i zaskakująco bogate życie, znał biedę i bogactwo, spotykał miłość i spotykał się z pogardą. Oprócz talentu od urodzenia miał fantastyczną zdolność do pracy. Franciszek Liszt zasłużył nie tylko na podziw koneserów i fanów muzyki. Zarówno jako kompozytor, jak i pianista zyskał powszechną aprobatę dziewiętnastowiecznej europejskiej krytyki. Stworzył ponad 1300 prac i lubi Fryderyk Chopin preferowane utwory na fortepian. genialny pianista, Franciszek Liszt umiał odtworzyć na fortepianie dźwięk całej orkiestry, po mistrzowsku improwizował, miał fantastyczną pamięć kompozycji muzycznych, nie miał sobie równych w czytaniu nut z kartki. Miał żałosny styl wykonania, co znalazło odzwierciedlenie również w jego muzyce, namiętnej emocjonalnie i bohatersko optymistycznej, tworzącej barwne muzyczne obrazy i wywierającej niezatarte wrażenie na słuchaczach. Znakiem rozpoznawczym kompozytora są koncerty fortepianowe. Jedna z tych prac. Jedna z najbardziej znanych prac Liszt – „Sny o miłości”:
Johannes Brahms
Ważną postacią okresu romantyzmu w muzyce jest Johannes Brahms. Słuchaj i kochaj muzykę Brahmsa Jest uważany za dobry smak i charakterystyczny znak romantycznego charakteru. Brahmsa nie napisał ani jednej opery, ale stworzył dzieła we wszystkich innych gatunkach. szczególna chwała Brahmsa przyniósł swoje symfonie. Już w pierwszych utworach ujawnia się oryginalność kompozytora, która ostatecznie przekształciła się we własny styl. Biorąc pod uwagę wszystkie prace Brahmsa, nie można powiedzieć, aby kompozytor był pod silnym wpływem twórczości swoich poprzedników czy współczesnych. A jeśli chodzi o kreatywność Brahmsa często porównywany do Kawaler oraz Beethoven. Być może porównanie to jest uzasadnione w tym sensie, że twórczość trzech wielkich Niemców stanowi kulminację całej epoki w historii muzyki. w odróżnieniu Franciszek Lisztżycie Johannes Brahms była pozbawiona burzliwych wydarzeń. Preferował spokojną kreatywność, za życia zdobył uznanie dla swojego talentu i powszechny szacunek, a także otrzymał znaczne wyróżnienia. Najwybitniejsza muzyka, w której twórcza moc Brahmsa miał szczególnie żywy i oryginalny efekt, jest jego „Niemieckie Requiem”, dzieło, które autor tworzył przez 10 lat i dedykował swojej matce. W Twojej muzyce Brahmsaśpiewa o odwiecznych wartościach ludzkiego życia, które tkwią w pięknie natury, sztuce wielkich talentów przeszłości, kulturze ojczyzny.
Giuseppe Verdi
Bez czego jest dziesięciu najlepszych kompozytorów?! Włoski kompozytor jest najbardziej znany ze swoich oper. Stał się narodową chwałą Włoch, jego twórczość jest zwieńczeniem rozwoju włoskiej opery. Jego dokonania i zasługi kompozytorskie są nie do przecenienia. Do tej pory, sto lat po śmierci autora, jego utwory pozostają najpopularniejszymi, szeroko wykonywanymi, znanymi zarówno koneserom, jak i miłośnikom muzyki klasycznej.
Do Verdi W operze najważniejszy stał się dramat. Muzyczne obrazy Rigoletta, Aidy, Violetty, Desdemony stworzone przez kompozytora organicznie łączą jasną melodię i głębię postaci, demokratyczne i wyrafinowane cechy muzyczne, gwałtowne namiętności i jasne sny. Verdi był prawdziwym psychologiem w zrozumieniu ludzkich namiętności. Jego muzyka to szlachetność i siła, niesamowite piękno i harmonia, niewypowiedzianie piękne melodie, cudowne arie i duety. Gotują się pasje, komedia i tragedia przeplatają się i łączą. Fabuły oper według Verdi, powinno być „oryginalne, ciekawe i… namiętne, z pasją ponad wszystko”. A większość jego utworów jest poważna i tragiczna, demonstruje emocjonalne sytuacje dramatyczne i muzykę wielkich Verdi nadaje wyrazistości temu, co się dzieje i podkreśla akcenty sytuacji. Wchłonąwszy wszystko, co najlepsze, co osiągnęła włoska szkoła operowa, nie wypierał się tradycji operowych, ale zreformował operę włoską, wypełnił ją realizmem i nadał jedności całości. Jednocześnie nie deklarował swojej reformy, nie pisał o niej artykułów, po prostu pisał opery w nowy sposób. Triumfalny pochód jednego z arcydzieł Verdi- opera - przetoczyła się przez sceny włoskie i kontynuowała w Europie, a także w Rosji i Ameryce, zmuszając nawet sceptyków do uznania talentu wielkiego kompozytora.
10 najsłynniejszych kompozytorów na świecie aktualizacja: 13 kwietnia 2019 r. przez: Elena
