Malarstwo to rodzaj plastyki, który polega na tworzeniu obrazów, obrazów najpełniej i najbardziej realistycznych oddających rzeczywistość.
Dzieło sztuki wykonane farbami (olej, temperą, akwarelą, gwaszem itp.) nakładanymi na twardą powierzchnię nazywamy malarstwem. Głównym środkiem wyrazu malarstwa jest kolor, jego zdolność do wywoływania różnych uczuć, skojarzeń, wzmacnia emocjonalność obrazu. Artysta zazwyczaj rysuje kolor niezbędny do malowania na palecie, a następnie zamienia farbę na kolor na płaszczyźnie obrazu, tworząc porządek kolorystyczny - kolorowanie. Natura kombinacje kolorów może być ciepła i zimna, wesoła i smutna, spokojna i napięta, jasna i ciemna.
Obrazy malarskie są bardzo wyraźne i przekonujące. Malarstwo jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń, naturę na płaszczyźnie, odsłaniając złożony świat ludzkich uczuć i postaci, ucieleśniając uniwersalne idee, wydarzenia z historycznej przeszłości, obrazy mitologiczne i fantazję.
W przeciwieństwie do malarstwa niezależne gatunki w sztukach plastycznych podejście (metodę) malarską można zastosować również w innych jej odmianach: w rysunku, grafice, a nawet w rzeźbie. Istota podejścia malarskiego polega na przedstawieniu obiektu w relacji do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w delikatnej gradacji przejść tonalnych.
Różnorodność przedmiotów i wydarzeń z otaczającego świata, z bliska
zainteresowanie artystów nimi doprowadziło do powstania w XVII -
XX wieki gatunki malarstwa: portret, martwa natura, pejzaż, zwierzęce, codzienne (malarstwo gatunkowe), mitologiczne, historyczne, batalistyczne. W dziełach malarskich można znaleźć połączenie gatunków lub ich elementów. Na przykład martwa natura lub krajobraz może z powodzeniem się uzupełniać obraz portretowy.
Za pomocą techniki oraz użytych materiałów malowanie można podzielić na następujące rodzaje: olej, temperę, wosk (enkaustyka), emalię, klej, farby wodne na mokrym tynku (fresk) itp. W niektórych przypadkach trudno jest rozdzielić malowanie z grafiki. Prace wykonane akwarelą, gwaszem, pastelami mogą nawiązywać zarówno do malarstwa, jak i grafiki.
Malowanie może być jednowarstwowe, wykonywane natychmiast, jak i wielowarstwowe, w tym podmalówki i glazury, przezroczyste i półprzezroczyste warstwy farby nakładane na wyschniętą warstwę farby. Pozwala to osiągnąć najdrobniejsze niuanse i odcienie koloru.
ważne środki artystyczna ekspresja w malarstwie są oprócz koloru (koloru), plamy i charakteru kreski, obróbka kolorowej powierzchni (faktury), valera, ukazująca najsubtelniejsze zmiany tonu w zależności od oświetlenia, refleksy powstające w wyniku interakcji sąsiednich zabarwienie.
Budowa objętości i przestrzeni w malarstwie kojarzy się z perspektywą liniową i powietrzną, przestrzennymi właściwościami barw ciepłych i zimnych, modelowaniem formy światłem i cieniem, przenoszeniem ogólnej tonacji kolorystycznej płótna. Aby stworzyć obraz, oprócz koloru, potrzebujesz dobrego rysunku i wyrazistej kompozycji. Artysta z reguły rozpoczyna pracę na płótnie od poszukiwania najbardziej udanego rozwiązania w szkicach. Następnie w licznych rysunkowych szkicach z natury
opracowuje niezbędne elementy kompozycji. Pracę nad obrazem można rozpocząć od narysowania kompozycji pędzlem, podmalowania i
bezpośrednio pisząc płótno w taki czy inny sposób obrazkowy. Co więcej, nawet szkice i szkice przygotowawcze mają czasem niezależny wartość artystyczna, zwłaszcza jeśli należą do pędzli znanego malarza. Malarstwo to bardzo starożytna sztuka, która ewoluowała przez wiele stuleci od paleolitycznych malowideł naskalnych po najnowsze trendy w malarstwie XX wieku. Malarstwo ma szerokie możliwości urzeczywistniania idei od realizmu po abstrakcjonizm. W trakcie jej rozwoju nagromadziły się ogromne skarby duchowe. W epoka starożytna pragnienie reprodukcji prawdziwy świat sposób, w jaki osoba to widzi. Spowodowało to pojawienie się zasad światłocienia, elementów perspektywy, pojawienie się trójwymiarowych obrazów malarskich. Ujawniły się nowe tematyczne możliwości obrazowania rzeczywistości za pomocą środków malarskich. Malarstwo służyło do ozdabiania świątyń, mieszkań, grobowców i innych budowli, było w artystycznej jedności z architekturą i rzeźbą.
Malarstwo średniowieczne było w przeważającej mierze treścią religijną. Wyróżniał się ekspresją dźwięcznych, głównie lokalnych barw, wyrazistych konturów.
Tło fresków i obrazów było z reguły warunkowe, abstrakcyjne lub złote, uosabiając boską ideę w jej tajemniczym blasku. Ważną rolę odegrała symbolika kolorów.
W renesansie poczucie harmonii wszechświata, antropocentryzm (człowiek w centrum wszechświata) znalazł odzwierciedlenie w kompozycjach malarskich o tematyce religijnej i mitologicznej, w portretach, scenach domowych i historycznych. Wzrosła rola malarstwa po rozwinięciu naukowo opartego systemu perspektywy liniowej i powietrznej, światłocienia.
Pojawia się malarstwo abstrakcyjne, które oznaczało odrzucenie figuratywności i aktywne wyrażanie osobistego stosunku artysty do świata, emocjonalność i umowność koloru, przerysowanie i geometryzację
formy, dekoracyjność i asocjatywność rozwiązań kompozycyjnych.
W XX wieku. trwają poszukiwania nowych kolorów i technicznych środków tworzenia obrazów, co niewątpliwie doprowadzi do powstania nowych stylów w malarstwie, ale malarstwo olejne jest nadal jedną z najbardziej lubianych przez artystów technik.
Malarstwo to chyba najstarsza forma sztuki. Także w prymitywna epoka na ścianach jaskiń nasi przodkowie wykonali wizerunki ludzi i zwierząt. To pierwsze przykłady malarstwa. Od tego czasu ten rodzaj sztuki zawsze pozostaje towarzyszem ludzkiego życia. Przykłady malarstwa dzisiejszego są liczne i różnorodne. Postaramy się jak najbardziej objąć ten rodzaj sztuki, opowiedzieć o głównych w nim gatunkach, stylach, kierunkach i technikach.
techniki malarskie
Rozważmy najpierw podstawowe techniki malowania. Jednym z najczęstszych jest olej. Jest to technika, w której farby powstają na na bazie oleju. Te farby są nakładane pociągnięciami. Mogą tworzyć różnorodność różne odcienie, a także przekazywać niezbędne obrazy z maksymalnym realizmem.
Tempera to kolejna popularna technika. Mówimy o tym, gdy stosuje się farby emulsyjne. Spoiwem w tych farbach jest jajko lub woda.
Gwasz- technika szeroko stosowana w grafice. Farba gwaszowa wykonana jest na bazie kleju. Może służyć do pracy na kartonie, papierze, kości czy jedwabiu. Obraz jest trwały, a linie wyraźne. Pastel- Jest to technika rysowania suchymi ołówkami, przy czym powierzchnia musi być szorstka. No i oczywiście warto wspomnieć o akwarelach. Farba ta jest zwykle rozcieńczana wodą. Dzięki tej technice uzyskuje się miękką i cienką warstwę farby. Szczególnie popularne Oczywiście wymieniliśmy tylko główne techniki, które są najczęściej używane w malarstwie. Są inni.
Na czym zazwyczaj maluje się obrazy? Najpopularniejszy obraz na płótnie. Jest naciągnięty na ramę lub przyklejony do kartonu. Zauważ, że w przeszłości często używano desek drewnianych. Dziś popularne jest nie tylko malowanie na płótnie, ale do stworzenia obrazu można wykorzystać dowolne inne płaskie materiały.
Rodzaje malowania
Istnieją dwa główne jego rodzaje: malarstwo sztalugowe i monumentalne. Ta ostatnia związana jest z architekturą. Ten typ obejmuje obrazy na sufitach i ścianach budynków, dekorowanie ich obrazami z mozaiki lub innych materiałów, witraże i tak dalej. Malarstwo sztalugowe nie kojarzy się z konkretnym budynkiem. Można go przenosić z miejsca na miejsce. W malarstwie sztalugowym istnieje wiele odmian (inaczej nazywa się je gatunkami). Przyjrzyjmy się im bardziej szczegółowo.
Gatunki malarstwa
Słowo „gatunek” ma pochodzenie francuskie. Tłumaczy się to jako „rodzaj”, „gatunek”. Oznacza to, że pod nazwą gatunku znajduje się jakaś treść, a wymawiając jej nazwę, rozumiemy, o czym jest obraz, co w nim znajdziemy: osobę, przyrodę, zwierzę, przedmioty itp.
Portret
Najstarszym gatunkiem malarstwa jest portret. To wizerunek osoby, która wygląda tylko jak on i nikt inny. Innymi słowy, portret to obraz w malarstwie o indywidualnym wyglądzie, ponieważ każdy z nas ma indywidualną twarz. Ten gatunek malarstwa ma swoje odmiany. Portret może być pełnometrażowy, sięgający do klatki piersiowej lub namalowana jest tylko jedna osoba. Zauważ, że nie każdy obraz osoby jest portretem, ponieważ artysta może stworzyć na przykład „osobę w ogóle”, nie skreślając jej z nikogo. Kiedy jednak przedstawia konkretnego przedstawiciela rasy ludzkiej, pracuje nad portretem. Nie trzeba dodawać, że jest wiele przykładów malarstwa w tym gatunku. Ale poniższy portret jest znany prawie każdemu mieszkańcowi naszego kraju. Mówimy o wizerunku A. S. Puszkina, stworzonym w 1827 roku przez Kiprensky'ego.
Do tego gatunku można również dodać autoportret. W tym przypadku artysta przedstawia siebie. Jest portret sparowany, gdy na zdjęciu są ludzie w parze; oraz portret grupowy, gdy przedstawiana jest grupa ludzi. Można również zwrócić uwagę na portret uroczysty, którego odmiana jest konna, jedna z najbardziej uroczystych. Był bardzo popularny w przeszłości, ale takie prace są obecnie rzadkością. Jednak kolejny gatunek, o którym będziemy rozmawiać, jest aktualny w każdej chwili. O czym to jest? Można się tego domyślić, sortując gatunki, których jeszcze nie wymieniliśmy, charakteryzując malarstwo. Jedną z nich jest martwa natura. To o nim teraz porozmawiamy, kontynuując rozważanie malarstwa.
Martwa natura
To słowo również ma pochodzenie francuskie, oznacza "martwą naturę", chociaż znaczenie byłoby dokładniejsze "natura nieożywiona". Martwa natura - obraz przedmiotów nieożywionych. Są bardzo różnorodne. Zwróć uwagę, że martwe natury mogą również przedstawiać „żywą naturę”: motyle opadły na płatki, piękne kwiaty, ptaki, a czasami wśród darów natury można zobaczyć człowieka. Jednak nadal będzie to martwa natura, ponieważ wizerunek żywych nie jest w tym przypadku najważniejszy dla artysty.
Krajobraz
Krajobraz to kolejne francuskie słowo oznaczające „widok kraju” w tłumaczeniu. Jest to analogiczne do niemieckiej koncepcji „krajobrazu”. Krajobraz to obraz natury w jej różnorodności. Do tego gatunku dołączają następujące odmiany: pejzaż architektoniczny i bardzo popularny pejzaż morski, który często nazywany jest pojedynczym słowem „marina”, a pracujący w nim artyści nazywani są malarzami marynistycznymi. Liczne przykłady malarstwo z gatunku pejzażu morskiego można znaleźć w twórczości IK Aivazovsky'ego. Jednym z nich jest „Tęcza” z 1873 roku.
Ten obraz jest namalowany olejem i jest trudny do wykonania. Ale tworzenie pejzaży akwarelowych nie jest trudne, więc w szkole, na lekcjach rysunku, zadanie to otrzymał każdy z nas.
Gatunek zwierząt
Następny gatunek to animalistyczny. Tutaj wszystko jest proste - to obraz ptaków i zwierząt w naturze, w naturalnym środowisku.
gatunek gospodarstwa domowego
gatunek gospodarstwa domowego to przedstawienie scen z życia, życia codziennego, zabawnych „wypadków”, życia domowego i historii zwykłych ludzi w zwyczajnym otoczeniu. I możesz obejść się bez historii - po prostu uchwyć codzienne czynności i sprawy. Takie obrazy określane są niekiedy mianem malarstwa rodzajowego. Jako przykład weźmy ziemniaka Van Gogha (1885), przedstawiony powyżej.
gatunek historyczny
Tematyka malarstwa jest różnorodna, ale osobno wyróżnia się gatunek historyczny. To obraz historycznych bohaterów i wydarzeń. Przylega do niej gatunek bitewny, przedstawia epizody wojny, bitwy.
Gatunek religijny i mitologiczny
W gatunku mitologicznym obrazy pisane są na temat starożytnych i starożytnych legend o bogach i bohaterach. Należy zauważyć, że obraz ma charakter świecki i tym różni się od wizerunków bóstw przedstawionych na ikonie. Nawiasem mówiąc, malarstwo religijne to nie tylko ikony. Skupia różne dzieła napisane na tematy religijne.
Zderzenie gatunków
Im bogatsza zawartość gatunku, tym więcej pojawia się jego „towarzyszy”. Gatunki mogą się łączyć, więc istnieje obraz, którego w ogóle nie da się umieścić w ramach żadnego z nich. W sztuce występuje zarówno ogólne (techniki, gatunki, style), jak i indywidualne (traktowane osobno). konkretna praca). Osobny obraz ma coś wspólnego. Dlatego wielu artystów może mieć jeden gatunek, ale malowane w nim obrazy nigdy nie są do siebie podobne. Takie cechy ma kultura malarstwa.
Styl
Styl w to aspekt wizualnej percepcji obrazów. Może łączyć twórczość jednego artysty lub twórczość artystów z określonego okresu, kierunku, szkoły, obszaru.
Malarstwo akademickie i realizm
Malarstwo akademickie to szczególny kierunek, którego powstanie wiąże się z działalnością akademii artystycznych w Europie. Pojawił się w XVI wieku w Akademii Bolońskiej, której tubylcy starali się naśladować mistrzów renesansu. Od XVI wieku metody nauczania malarstwa zaczęły opierać się na ścisłym przestrzeganiu zasad i norm, zgodnie z wzorcami formalnymi. sztuka w Paryżu była uważana za jedną z najbardziej wpływowych w Europie. Promowała estetykę klasycyzmu, która zdominowała Francję w XVII wieku. Akademia paryska? przyczyniając się do usystematyzowania edukacji, stopniowo przekształcił zasady klasycznego kierunku w dogmat. Tak więc malarstwo akademickie stało się szczególnym kierunkiem. W XIX wieku jednym z najwybitniejszych przejawów akademizmu były prace J. L. Gerome, Alexandre Cabannel, J. Ingres. Kanony klasyczne zostały zastąpione realistycznymi dopiero na przełomie XIX i XX wieku. To właśnie realizm stał się na początku XX wieku podstawową metodą nauczania w akademiach, przekształcając się w system dogmatyczny.
Barokowy
Barok to styl i era sztuki, która charakteryzuje się arystokracją, kontrastem, dynamizmem obrazów, prostymi detalami przedstawiającymi obfitość, napięcie, dramat, luksus, połączenie rzeczywistości i iluzji. Ten styl pojawił się we Włoszech w 1600 roku i rozprzestrzenił się w całej Europie. Jej najwybitniejszymi przedstawicielami są Caravaggio i Rubens. Barok jest często porównywany z ekspresjonizmem, jednak w przeciwieństwie do tego ostatniego nie wywołuje zbyt odpychających efektów. Obrazy w tym stylu charakteryzują się dziś złożonością linii i bogactwem ozdób.
Kubizm
Kubizm to awangardowy ruch artystyczny, który powstał w XX wieku. Jej twórcą jest Pablo Picasso. Kubizm dokonał prawdziwej rewolucji w rzeźbie i malarstwie Europy, inspirując tworzenie podobnych nurtów w architekturze, literaturze i muzyce. Malarstwo artystyczne w tym stylu charakteryzuje się zrekombinowanymi, połamanymi przedmiotami, które mają abstrakcyjną formę. Podczas ich przedstawiania wykorzystuje się wiele punktów widzenia.
Ekspresjonizm
Ekspresjonizm to kolejny ważny nurt sztuki współczesnej, który pojawił się w Niemczech w pierwszej połowie XX wieku. Początkowo obejmował tylko poezję i malarstwo, a następnie rozprzestrzenił się na inne dziedziny sztuki.
Ekspresjoniści przedstawiają świat subiektywnie, zniekształcając rzeczywistość, by wywołać większy efekt emocjonalny. Ich celem jest skłonienie widza do myślenia. Ekspresja w ekspresjonizmie dominuje nad obrazem. Można zauważyć, że wiele prac charakteryzuje się motywami udręki, bólu, cierpienia, krzyku (przedstawiona powyżej praca Edvarda Muncha nosi tytuł „Krzyk”). Artyści ekspresjonistyczni wcale nie interesują się materialną rzeczywistością, ich obrazy są przepełnione głębokim znaczeniem i emocjonalnymi przeżyciami.
Impresjonizm
Impresjonizm - kierunek malarstwa, ukierunkowany głównie na pracę w plenerze (plener), a nie w pracowni. Swoją nazwę zawdzięcza obrazowi „Wrażenie, wschód słońca” Claude'a Moneta, który widać na poniższym zdjęciu.
Słowo „wrażenie” język angielski- wrażenie. Obrazy impresjonistyczne przekazują przede wszystkim wrażenie świetlne artysty. Główne cechy malarstwa w tym stylu to: ledwo widoczne, cienkie kreski; zmiana oświetlenia, dokładnie przekazana (uwaga często skupia się na efekcie upływu czasu); otwarta kompozycja; prosty wspólny cel; ruch jako kluczowy element ludzkiego doświadczenia i percepcji. Najwybitniejszymi przedstawicielami takiego nurtu jak impresjonizm są Edgar Degas, Claude Monet, Pierre Renoir.
Modernizm
Kolejnym kierunkiem jest modernizm, który powstał jako zespół nurtów w różnych dziedzinach sztuki na przełomie XIX i XX wieku. Paryski „Salon Odrzuconych” został otwarty w 1863 roku. Wystawiano tu artystów, których obrazy nie miały wstępu do oficjalnego salonu. Datę tę można uznać za datę pojawienia się modernizmu jako odrębnego kierunku w sztuce. W przeciwnym razie modernizm bywa nazywany „inną sztuką”. Jego celem jest tworzenie unikalne obrazy nie tak jak inni. Główna cecha prace - szczególna wizja świata autora.
Artyści w swojej twórczości zbuntowali się przeciwko wartościom realizmu. Uderzającą cechą tego trendu jest samoświadomość. Prowadzi to często do eksperymentowania z formą, a także do zamiłowania do abstrakcji. Przedstawiciele modernizmu zwracają szczególną uwagę na użyte materiały i proces pracy. Jednymi z jego najwybitniejszych przedstawicieli są Henry Matisse (powyżej przedstawiono jego pracę „Czerwony pokój” z 1908 r.) i Pablo Picasso.
Neoklasycyzm
Neoklasycyzm jest głównym kierunkiem malarstwa w Europie Północnej od połowy XVIII wieku do końca XIX wieku. Charakteryzuje się powrotem do cech starożytnego renesansu, a nawet czasów klasycyzmu. Pod względem architektonicznym, artystycznym i kulturowym neoklasycyzm pojawił się jako odpowiedź na rokoko, który był postrzegany jako płytki i artystyczny styl sztuki. Artyści neoklasycy, dzięki dobrej znajomości praw kościelnych, starali się wprowadzić do swojej twórczości kanon. Unikali jednak prostego odtwarzania klasycznych motywów i tematów. Artyści neoklasycy starali się umieścić swoje malarstwo w ramach tradycji i tym samym zademonstrować mistrzostwo gatunku. Neoklasycyzm pod tym względem jest wprost przeciwny modernizmowi, gdzie improwizacja i autoekspresja są uważane za cnoty. Do jej najsłynniejszych przedstawicieli należą Nicolas Poussin, Rafael.
Pop Art
Ostatnim kierunkiem, który rozważymy, jest pop-art. Pojawił się w Wielkiej Brytanii w połowie lat 50. ubiegłego wieku, a pod koniec lat 50. w Ameryce. Uważa się, że pop-art powstał jako reakcja na idee abstrakcyjnego ekspresjonizmu, który dominował w tym czasie. Mówiąc o tym kierunku, nie sposób nie wspomnieć. W 2009 roku „Eight Elvis”, jeden z jego obrazów, został sprzedany za 100 milionów dolarów.
Obraz - widok przedstawienia wyspy, przedstawienie na samolocie; pr-e art-va, wykonane farbami nakładanymi na dowolną powierzchnię. Zaleta: wizerunek człowieka w jego różnorodnych powiązaniach z otoczeniem. Zh-s jest w stanie przekazać objętość i przestrzeń w samolocie, trudno to ujawnić. świat ludzi chuv-in i hard-ditch. Podejście piktorialne to przedstawienie obiektu w odniesieniu do otaczającego go przestrzennego środowiska świetlnego i powietrznego, w najdrobniejszej gradacji przejść tonalnych.
Rodzaje malowania przeznaczenie: monumentalne (najstarszy typ) i monumentalno-dekoracyjne, sztalugowe, miniaturowe, ikoniczne, teatralno-dekoracyjne, dekoracyjno-użytkowe. Malarstwo ikon i miniatura (ilustracja księgi rękopiśmiennej) - sztuka średniowieczna. Malarstwo sztalugowe - renesans.
Wyświetlenia przez technika. Monumentalne techniki malarskie: fresk(technika malowania farbami wodnymi na mokrym tynku; malowanie ścian); płyta(obraz do dekoracji ściany lub sufitu); mozaika(obraz lub wzór cząstek jednorodnych lub różniących się materiałem: z kamienia - kamyków, ze smalty - stopu szkła, z płytek ceramicznych); witraże(kompozycje ze szkła kolorowego); grisaille(tworzenie iluzji ulgi). Techniki malowania sztalugowego: inne wyposażenie enkaustyka(malowanie woskiem, wykonywane na gorąco, roztopionymi farbami); tempera(podstawowe malowanie ikon - farby na żółtku); oleisty dobrze (materialna namacalność obrazu - renesans); pastel(z suchymi, miękkimi kredkami bez oprawek); akwarela(no, farby na bazie wody, które wymagają szybkiej, dokładnej pracy); gwasz(Cóż, przy farbach wodorozcieńczalnych z dodatkiem kleju i bieli odcienie po wyschnięciu rozjaśniają się).
Cóż, według tematy: religijno-mitologiczna i świecka. System gatunkowy w dziennikarstwie świeckim w XVII wieku: portret- indywidualne, para i grupowe, ceremonialne i intymne, psychologiczne i gatunkowe, poza środowiskiem iw środowisku. środowisko, autoportret. Sztuka portretu sięga starożytnego rytuału n-tu (Fajum n-t). Krajobraz- jako niezależny gatunek pojawił się w malarstwie egipskim. Rozkwit - sztuka XIX wieku: romantyczna i realistyczna - pejzaż narodowy (liryczny i epicki), plenerowy, nastrojowy, filozoficzny. Wiejskie i miejskie (Veduta - Venetian miejski m-f 18 wiek - Canaletto, Guardi) ms, morski. Martwa natura- przedstawiające przedmioty nieożywione i formy naturalne - owoce, kwiaty, naczynia. Rozkwit gatunku: flamandzki (gatunek sklepów), holenderski (gatunek śniadań lub wanita- „próżność nad marnościami”, przedstawiona z czaszką) i hiszpańska studnia z XVII wieku. → w sztuce awangardowej. animalistyczny gatunek - przedstawienie istot żywych, ptaków, ryb (gatunki historyczne, alegoryczne, bitewne, codzienne). nagi- przedstawienie nagiego ciała: sięga do mitologicznego f-si. Impresjonizm to mieszanka gatunków.
Wyrazić. Śr w-si: rysunek (linia), kolor (kolor), światłocień, kompozycja. kolorowanie- system kolorów pr-i, charakter relacji elementów kolorystycznych. Są kolory ciepłe-zimne, jasno-ciemne, spokojne-napięte. Obraz- sztaluga pr-e w-si, która ma samodzielną wartość. Orientalny typ malarstwa to tradycyjna forma swobodnie wiszącego, rozwiniętego jedwabnego zwoju (poziomego lub pionowego). Obraz składa się z podstawy (płótno lniane, deska drewniana, tektura), na kota nakłada się podkład - przygotuje. specjalna warstwa. skład (klej, olej, emulsja) i warstwa farby. W-s m/b jednowarstwowe i wielowarstwowe. Według tekstury (rozróżnia się har-ru na wierzchu kolorowej warstwy walerianowy oraz pasztecik dobrze. Valer to niuans tonalny, subtelna różnica 1. koloru w lekkości, przekazuje związek postaci, obiektów ze światłem i powietrzem (D. Velasquez, Jan Vermeer Delftsky, J. B. Chardin, C. Corot, V. Surikov). Olej pasta - praca z gęstymi warstwami, tekstura, relief, objętość oleju (Tycjan, Rembrandt, W. van Gogh). Kompozycja obrazu: podział na plany bliskie, średnie i dalekie, kompozycja piramidalna (klasycyzm); diagonal (barok, romantyzm, realizm); podział na elementy większe i mniejsze lub brak tego podziału (impresjonizm). Sztab- drugorzędne elementy kompozycji obrazowej - przedstawiające małe postacie ludzi lub zwierząt nie pełniące roli fabularnej.
Obraz- rodzaj plastyki związanej z przekazywaniem obrazów wizualnych poprzez nakładanie farby na powierzchnię stałą lub elastyczną.Wyróżniamy dwa rodzaje malarstwa: sztalugowe i monumentalne. Malarstwo sztalugowe obejmuje dzieła, które istnieją niezależnie od miejsca powstania. W zasadzie są to obrazy wykonane na sztalugach (czyli na obrabiarce) artysty. W malarstwie sztalugowym przeważają prace wykonane farbami olejnymi, ale można też stosować inne barwniki (tempera, farby akrylowe itp.). Obrazy maluje się głównie na płótnie naciągniętym na ramę lub naklejonym na tekturę, na tekturze, dawniej powszechnie stosowano drewniane deski, można było użyć dowolnych materiałów płaskich. Malowanie monumentalne odbywa się bezpośrednio na ścianach i sufitach budynków i innych konstrukcji. W przeszłości dominowało malowanie farbami wodnymi na wilgotnym tynku (fresk). We Włoszech do początku XVI wieku temperą malowano detale na wyschniętym „czystym fresku”. Technika „czystego fresku” wymaga od artysty szczególnych umiejętności, dlatego zastosowano również inne technologie, na przykład niezbyt stabilne malowanie na suchym tynku - secco, późniejsze obrazy wykonywano farbami olejnymi, które nie nadawały się zbytnio do malarstwa monumentalnego. Kolorowe obrazy na papierze (akwarelowe, gwaszowe, pastelowe itp.) formalnie (np. według miejsca w kolekcji) nawiązują do grafiki, ale i te prace są często uważane za malownicze. Wszystkie inne metody obrazowania kolorowego są związane z grafiką, w tym obrazami tworzonymi przy użyciu technologii komputerowej. Najczęściej obrazy powstają na płaskich lub prawie płaskich powierzchniach, takich jak naciągnięte płótno, drewno, płótno, obrobione powierzchnie ścienne itp. Istnieje również zawężona interpretacja tego terminu obraz jako prace wykonane farbami olejnymi na płótnie, tekturze, płycie pilśniowej i innych podobnych materiałach. rosyjskie słowo obraz wskazuje na realizm tej sztuki w epoce baroku, kiedy w Rosji zaczęto malować obrazy w stylu zachodnim, głównie farbami olejnymi. W malowaniu ikon używa się czasownika „pisać”, tak jak w grecki. Jednocześnie „malarstwo” może być rozumiane jako energiczny, oryginalny sposób pisania, czyli rodzaj pisania. W związku z malarstwem i pismem semiotycy dostrzegają także pewien sposób tworzenia znaków. Historia malarstwa rozwija się i wędruje właśnie w tych dwóch znaczeniach: w figuratywności, realizmie i - symbolice: od ikony (obrazu) do abstrakcji. Techniki i kierunki malowania: olej; tempera; emalia; gwasz (ponieważ artysta posługuje się papierem jako głównym materiałem, co jest typowe dla graficznych rodzajów sztuk plastycznych - zalicza się go również do grafiki; świadczy o tym również wykorzystanie ostatni do tworzenia prac monochromatycznych), pastel (do tej techniki obowiązuje uwaga podobna do tej poczynionej w odniesieniu do poprzedniej), tusz (i w tym przypadku, podobnie jak w poprzednich dwóch, nie można go jednoznacznie przypisać grafice; w Na przykład kaligrafia wschodnia, która w większości wykorzystuje ten materiał, jest tradycyjnie uważana za malarstwo, jako jednak i akademickie. Sztuka chińska Używałem głównie atramentu - achromatyczna gamma); malowanie na tynku: fresk i secco, malowanie klejem sfumato; malowanie woskiem: enkaustyka, tempery woskowe i zimna droga (farby woskowe na terpentynie); malowanie farbami ceramicznymi; malowanie farbami silikatowymi; malarstwo akwarelowe (technika akwareli jest inna, niektóre techniki są bliższe malarstwu, inne grafice; dlatego nieprzypadkowo w tezaurusie występuje takie zdanie: „rysuj akwarelą”) suchy pędzel; akryl; technika mieszana; Techniki malarskie są prawie niewyczerpane. Wszystko, co pozostawia na czymś ślad, ściśle mówiąc, jest malarstwem: malarstwo tworzy natura, czas i człowiek. Zauważył to już Leonardo da Vinci. Tradycyjne techniki malarskie: enkaustyka, tempera (z jajkiem), ścienne (wapno), klej i inne. Od XV wieku popularne stało się malarstwo olejne; w XX wieku pojawiły się farby syntetyczne ze spoiwem wykonanym z polimerów (akryl, winyl itp.). Farby można przygotować z naturalnych i sztucznych pigmentów.Gwasz, akwarela, tusz chiński oraz technika półrysunkowa – pastel – określana jest również mianem malarstwa. Malowanie można wykonać na dowolnym podłożu: na kamieniu, gipsie, płótnie, jedwabiu, papierze, skórze (w tym na ciele zwierzęcia lub człowieka - tatuaże), metalu, asfalcie, betonie, szkle, ceramice itp. itp. itp. Malarstwo spotyka się i współistnieje ze sztukami plastycznymi, w tym architekturą i rzeźbą; może uczestniczyć w tworzeniu środowiska sztucznego i naturalnego. Malarstwo, podobnie jak inne sztuki wizualne, jest iluzoryczne: jest imitacją trójwymiarowej przestrzeni w płaszczyźnie, osiągniętą poprzez perspektywę linearną i barwną. Ale jego aspekt wizualny, a ponadto barwny (oko odbiera niemal nieskończone informacje w jednej chwili) wyznacza wyłączne miejsce malarstwa wśród wszystkich sztuk wizualnych. Jednocześnie rozwój sztuki, metod wizualnych i środków wyrazu już dawno wykroczył poza rozumienie swoich głównych zadań - "odtwarzania rzeczywistości". Więcej Plotyn mówi: „Nie kopiuj natury, ale ucz się z niej”; i ta zasada przyświecała wielu artystom na przestrzeni wieków. Dlatego zadania malarskie implikują nie tylko taką organizację przestrzeni na płaszczyźnie, która jest kierowana i ograniczana przez rekonstrukcję trójwymiarowego środowiska na niej, co więcej, poszczególne metody od dawna postrzegane są jako „ślepe zaułki” na ścieżka rozwoju sztuki (w kontekście rozumienia i przemyślenia adekwatności percepcji). Płaszczyzna, podobnie jak kolor, ma niezależną integralność i wartość, razem dyktują swoje warunki w syntezie form i na płaszczyźnie jako takiej oraz w interakcji z przestrzenią trójwymiarowo-czasową. Artysta nie może już zadowolić się zestawem iluzorycznych technik („iluzjonizm”), podąża za potrzebą nowego rozumienia piękna, rezygnując z nieistotnych sposobów wyrażania siebie i wpływania na widza, szukając nowych form takiego, dialektycznie powraca do najlepszych z odrzuconych, a tym samym dochodzi do zrozumienia i realizacji nowych wartości. Takie rozumienie metod i technicznych, ekspresyjnych zadań sztuki kultywowali wśród innych teoretyków i mistrzów V. A. Favorsky i ks. Pavel Florensky, a później samodzielnie opracowany przez samego V. A. Favorsky'ego. Oczywiście nie jest to jedyna „właściwa” droga rozwoju współczesnej sztuki i malarstwa, jednak wiele zapisów takiej wizji jest bardzo przekonujących i owocnych. Jeśli chodzi o błąd polegający na ścisłym wyłączeniu malarstwa ze sztuk plastycznych, to nawet teoria „ortodoksyjnej” historii sztuki również dawno została zrewidowana. Oto, co zostało powiedziane nie w jakimś zawiłym studium konceptualnym, ale w Encyklopedii Sztuki Popularnej: „Sztuki z tworzyw sztucznych dzielą się z kolei na obrazowe i nieobrazowe. Do tych pierwszych zalicza się malarstwo, rzeźbę, grafikę, sztukę monumentalną… Do nieobrazowych zalicza się architekturę, rzemiosło artystyczne, wzornictwo artystyczne… Granice między sztukami pięknymi i niepięknymi nie są absolutne…” Funkcje malarstwa. Podobnie jak inne formy sztuki malarstwo może pełnić funkcje poznawcze, estetyczne, religijne, ideologiczne, filozoficzne, społeczno-edukacyjne czy dokumentalne. Jednak główną i podstawową wartością ekspresyjną i znaczeniową w malarstwie jest kolor, który sam w sobie jest nośnikiem idei (m.in. ze względu na psychologiczne czynniki oddziaływania i percepcji). Bardzo przekonująco wyjaśnia to i pokazuje np. teoria I. Ittena. Nie jest przypadkiem, że istnieje coś takiego jak „literacki”, gdy malarstwo z tego czy innego powodu, nie posiadając wystarczających właściwości plastycznych i ekspresyjnych, wciąga do swojego arsenału składnik czysto narracyjny, „literacki”. Niemniej jednak, ewoluując wraz z człowiekiem i całym światem, malarstwo zyskało zarówno nową interpretację, jak i nowe rozumienie zadań. Tak więc początkowo posiadając wyraźne oznaki samodzielnych właściwości plastycznych (nieprzypadkowo jednym z głównych parametrów oddzielających technikę malarską od grafiki jest pociągnięcie pędzla, co daje szeroki wachlarz możliwości plastycznych – w największym stopniu oczywiście najczęściej forma - malarstwo olejne, ale także oczywiście - wiele jego nowych rodzajów i technik, zakładających syntezę form). Na ideę sposobów i zadań malarstwa, a także wszelkich środków i metod wyrażania siebie, historii sztuki i środowiska twórczego wyraźnie wpłynął rozwój ogólnego procesu poznawczego, ale naturalnie one same wywarł na nią wpływ, dotykając wielu aspektów światopoglądu i działalności człowieka. Ponowne przemyślenie funkcji malarstwa, jak zresztą wszelkiej twórczości, przeszło przez zaprzeczenie jego celowości jako takiej („Dopiero zdając sobie sprawę, że jest to całkowicie bezsensowne, można zacząć tworzyć” – mówi R.-M. Rilke); - poprzez uświadomienie sobie, że "to jest głęboko irracjonalny proces" - nie tylko sam R.-M. Rilkego i właściwie postrzeganego, dobrze przez niego rozumianego P. Klee, ale także wielu artystów i filozofów; co więcej, sam ich rozwój przygotował nowe rozumienie sztuki i jej zadań: nie dało się zmieścić pełni ulotnego życia, przeobrażeń technicznych i technologicznych, wreszcie społecznych i obyczajowych. Łóżko prokrustowe ideologiczne i akademickie dogmaty i klisze, które kapłańsko izolują sztukę od samego rozwoju życia, redukując sam ten głęboki proces twórczy do funkcji „dobrze rozumianych i od dawna znanych”. Wyróżniają się obrazy tworzone przez ludzi, którzy w różnym stopniu nieadekwatnie postrzegają otaczającą rzeczywistość, w których pracach nie próbuje się zbliżyć do jej realistycznego ukazania. W niektórych przypadkach takie płótna są tworzone przez osoby z odchyleniami psychicznymi od ogólnie przyjętej normy, a nawet przez pacjentów placówek medycznych. gatunki malarstwa. Portret. Portret to wizerunek osoby lub grupy osób, które istnieją lub istniały w rzeczywistości. „Portret przedstawia wygląd zewnętrzny (a przez to świat wewnętrzny) konkretnej, rzeczywistej osoby, która istniała w przeszłości lub istnieje w teraźniejszość.” [Granice gatunku portretowego są bardzo ruchome i często sam portret można połączyć w jednym dziele z elementami innych gatunków. portret historyczny- przedstawia jakąś postać z przeszłości i stworzoną według wspomnień lub wyobraźni mistrza. Portret pośmiertny (retrospektywny)- wykonane po śmierci przedstawionych osób według ich życiowych obrazów lub nawet w całości skomponowane. portret-malarstwo- portretowana osoba jest przedstawiona w relacji semantycznej i fabularnej ze światem rzeczy ją otaczających, naturą, motywami architektonicznymi i innymi ludźmi. Spacer portretowy- wizerunek chodzącego człowieka na tle przyrody powstał w Anglii w XVIII wieku i stał się popularny w dobie sentymentalizmu Typ portretowy- wizerunek zbiorowy, zbliżony strukturalnie do portretu Portret w kostiumie- osoba jest przedstawiana jako postać alegoryczna, mitologiczna, historyczna, teatralna lub literacka. autoportret- Zwyczajowo wyróżnia się osobny podgatunek. portret religijny (dawcy lub kota)- starożytna forma portretu, kiedy osoba przekazująca darowiznę została przedstawiona na obrazie (np. obok Madonny) lub na jednym ze skrzydeł ołtarza (często klęcząc). Z natury obrazu: Uroczysty portret - z reguły polega na pokazaniu osoby w pełni wzrostu. pół-front- ma taką samą koncepcję jak portret formalny, ale zwykle ma talię lub krój pokoleniowy i dość rozbudowane dodatki. portret komory- wykorzystywany jest obraz talii, klatki piersiowej, ramion. Postać często podawana jest na neutralnym tle. Portret intymny - to rzadka odmiana muzyki kameralnej z neutralnym tłem. Wyraża ufną relację między artystą a portretowaną osobą. portrety małoformatowe i miniaturowe, wykonane w akwareli i tuszu. Krajobraz- gatunek malarstwa, w którym głównym tematem obrazu jest pierwotna lub natura, w pewnym stopniu przekształcona przez człowieka. Istniał od starożytności, ale stracił na znaczeniu w średniowieczu i pojawił się ponownie w renesansie, stając się stopniowo jednym z najważniejszych gatunków malarskich. przystań- gatunek sztuki przedstawiający widok na morze, a także scenę bitwy morskiej lub innych wydarzeń odbywających się na morzu. To rodzaj pejzażu. Jako niezależny gatunek pejzaż marina wyróżniała się na początku XVII wieku w Holandii. Malarstwo historyczne - gatunek malarstwa wywodzący się z renesansu, obejmujący dzieła nie tylko tematyczne prawdziwe wydarzenie, ale także obrazy mitologiczne, biblijne i ewangeliczne. Przedstawia wydarzenia z przeszłości, które są ważne dla pojedynczego narodu lub całej ludzkości. Malowanie bitewne - gatunek sztuki poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew lądowych, morskich i kampanii wojskowych. Artysta dąży do uchwycenia szczególnie ważnego lub charakterystycznego momentu bitwy, ukazania bohaterstwa wojny, a często także ukazania historycznego znaczenia wydarzeń militarnych. martwa natura - reprezentacja obiektów nieożywionych w sztukach wizualnych. Powstał w XV-XVI w., ale jako samodzielny gatunek ukształtował się dopiero w XVII w. w twórczości Holendrów i Artyści flamandzcy. Od tego czasu jest ważny gatunek w malarstwie, w tym w twórczości rosyjskich artystów. Malarstwo rodzajowe jest częścią codziennego gatunku w sztukach wizualnych. Sceny codzienne były przedmiotem malarstwa od starożytności, ale jako odrębny gatunek malarstwo ukształtowało się dopiero w średniowieczu, a szczególnie silnie rozwinęło się w dobie przemian społecznych w czasach nowożytnych. Malarstwo architektoniczne. Malarstwo, którego głównym tematem nie był krajobraz naturalny, ale krajobraz architektoniczny. Obejmuje nie tylko obraz obiektów architektonicznych, ale także obraz wnętrz. Malowanie zwierząt To obraz, którego głównym wątkiem jest wizerunek zwierząt. Sztuka futrzana to obraz antropomorficznych zwierząt. Malarstwo dekoracyjne. Malarstwo monumentalne jest częścią sztuki monumentalnej, malarstwa na budynkach i budowlach. Malarstwo teatralne i dekoracyjne to projekty scenografii i kostiumów do spektakli teatralnych i filmów; szkice poszczególnych scen mise-en-scen. Malarstwo dekoracyjne - ozdobne i kompozycje fabularne, tworzony za pomocą malarstwa na różnych częściach konstrukcji architektonicznych, a także na wyrobach sztuki dekoracyjnej i użytkowej.
Malarstwo wyróżnia się różnorodnością gatunków i rodzajów. Każdy gatunek jest ograniczony zakresem tematów: wizerunek osoby (portret), otaczający świat (krajobraz) itp.
Odmiany (rodzaje) malarstwa różnią się przeznaczeniem.
W związku z tym istnieje kilka rodzajów malarstwa, o których dzisiaj porozmawiamy.
malarstwo sztalugowe
Najpopularniejszym i najbardziej znanym rodzajem malarstwa jest malarstwo sztalugowe. Tak nazywa się to z tego powodu, że jest wykonywane na maszynie - sztalugach. Podstawą jest drewno, tektura, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na blejtram. Obraz sztalugowy jest dziełem samodzielnym, wykonanym w pewien gatunek. Ma bogactwo kolorów.
Farby olejne
Najczęściej malowanie sztalugowe wykonuje się farbami olejnymi. Farby olejne można stosować na płótnie, drewnie, kartonie, papierze, metalu.
Farby olejne
Farby olejne to zawiesiny pigmentów i wypełniaczy nieorganicznych w schnących olejach roślinnych lub schnących olejach lub na bazie żywic alkidowych, czasami z dodatkiem substancji pomocniczych. Służą do malowania lub do malowania powierzchni drewnianych, metalowych i innych.
W. Pierow „Portret Dostojewskiego” (1872). Płótno, olej
Ale malowniczy obraz można również stworzyć za pomocą tempery, gwaszu, pasteli, akwareli.
Akwarela
Farby akwarelowe
Akwarela (francuski Aquarelle - wodnisty; włoski acquarello) to technika malarska przy użyciu specjalnych farb akwarelowych. Po rozpuszczeniu w wodzie tworzą przezroczystą zawiesinę drobnego pigmentu, dzięki czemu powstaje efekt lekkości, zwiewności i subtelnych przejść kolorystycznych.
J. Turner „Jezioro Fierwaldstadt” (1802). Akwarela. Tate Britain (Londyn)
Gwasz
Gwasz (francuski gwasz, włoska farba wodna guazzo, splash) to rodzaj klejących farb wodorozcieńczalnych, bardziej gęstych i matowych niż akwarele.
farby gwaszowe
Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem bieli. Domieszka bieli nadaje gwaszowi matową aksamitność, ale po wyschnięciu kolory są nieco wybielone (rozjaśnione), co artysta musi wziąć pod uwagę w procesie rysowania. Za pomocą farb gwaszowych możesz pokryć ciemne odcienie jasnymi.
Vincent van Gogh „Korytarz w Asulum” (czarna kreda i gwasz na różowym papierze)
Pastelowy [e]
Pastel (od łac. makaron - ciasto) - materiały artystyczne stosowany w grafice i malarstwie. Najczęściej produkowane w formie kredek lub ołówków bez oprawek, mających postać sztabek o przekroju okrągłym lub kwadratowym. Istnieją trzy rodzaje pasteli: suche, olejne i woskowe.
I. Lewitan "Dolina Rzeki" (pastel)
Tempera
Tempera (tempera włoska, od temper łacińskiej - do mieszania farb) - farby wodorozcieńczalne przygotowane na bazie suchych pigmentów proszkowych. Spoiwem farb temperowych jest żółtko kurzego jaja rozcieńczone wodą lub całe jajko.
Farby temperowe są jednymi z najstarszych. Przed wynalezieniem i dystrybucją farb olejnych do XV-XVII wieku. farby temperowe były głównym materiałem malarstwa sztalugowego. Są używane od ponad 3000 lat. Słynne obrazy sarkofagów starożytnych egipskich faraonów wykonane są farbami temperowymi. Tempera było głównie malarstwem sztalugowym przez mistrzów bizantyjskich. W Rosji do końca XVII wieku dominowała technika pisania temperą.
R. Streltsov „Stokrotki i fiołki” (tempera)
Enkaustyczny
Enkaustyka (z innej greki ἐγκαυστική - sztuka wypalania) to technika malarska, w której spoiwem farb jest wosk. Malowanie odbywa się za pomocą roztopionych farb. W tej technice namalowano wiele wczesnochrześcijańskich ikon. Pochodzi ze starożytnej Grecji.
"Anioł". Technika enkaustyczna
Zwracamy uwagę, że można znaleźć również inną klasyfikację, według której akwarele, gwasze i inne techniki z użyciem farb papierowych i wodnych są klasyfikowane jako grafika. Łączą w sobie cechy malarstwa (bogactwo tonalne, budowa formy i przestrzeni z kolorem) i grafiki (aktywna rola papieru w budowie obrazu, brak charakterystycznego dla powierzchni malarskiej swoistego reliefu).
malarstwo monumentalne
Malarstwo monumentalne - malowanie włączone konstrukcje architektoniczne lub z innych powodów. To najstarszy rodzaj malarstwa, znany od czasów paleolitu. Ze względu na stacjonarność i trwałość zachowały się liczne jej przykłady z niemal wszystkich kultur, które tworzyły rozwiniętą architekturę. Główne techniki malarstwa monumentalnego to fresk, secco, mozaika, witraże.
Fresk
Fresco (z wł. fresk - świeży) - malowanie na mokrym tynku farbami wodorozcieńczalnymi, jedna z technik malowania ścian. Wapno zawarte w tynku po wyschnięciu tworzy cienką, przezroczystą warstwę wapnia, która sprawia, że fresk jest trwały.
Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.
Klasztor Gelati (Gruzja). Kościół Najświętszej Bogurodzicy. Fresk na górnej i południowej stronie Łuku Triumfalnego
secco
A secco (z wł. secco - suche) - malowanie ścian, wykonywane, w przeciwieństwie do fresków, na twardym, wysuszonym tynku, ponownie zwilżonym. Stosowane są farby, rozcierane na kleju roślinnym, jajecznym lub mieszane z wapnem. Secco pozwala na pomalowanie większej powierzchni w ciągu dnia pracy niż malowanie freskami, ale nie jest tak trwałą techniką.
Technika asecco rozwinęła się w malarstwie średniowiecznym wraz z freskami i była szczególnie powszechna w Europie w XVII-XVIII wieku.
Leonardo da Vinci Ostatnia Wieczerza (1498). Technika secco
Mozaika
Mozaika (fr. mosaïque, wł. mosaico z łac. (opus) musivum - (dzieło poświęcone muzom) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków. Obrazy w mozaice powstają poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
Panel mozaikowy "Kot"
witraż
Witraż (fr. vitre - szkło okienne, od łac. vitrum - szkło) - dzieło z kolorowego szkła. W kościołach od dawna używa się witraży. W okresie renesansu witraż istniał jako obraz na szkle.
Witraż Pałacu Kultury „Meżsojuzny” (Murmańsk)
Diorama i panorama również należą do odmian malarstwa.
Diorama
Budowa dioramy „Napaść na Góry Sapun 7 maja 1944” w Sewastopolu
Diorama - wstążkowa, wygięta w półkole malowniczy obraz z przednim planem tematycznym. Powstaje iluzja obecności widza w naturalnej przestrzeni, co osiąga się poprzez syntezę środków artystycznych i technicznych.
Dioramy przeznaczone są do sztucznego oświetlenia i znajdują się głównie w specjalnych pawilonach. Większość dioram poświęcona jest bitwom historycznym.
Najbardziej znane dioramy to: „Szturm na Góry Sapun” (Sewastopol), „Obrona Sewastopola” (Sewastopol), „Walki o Rżewa” (Rżew), „Przełom w oblężeniu Leningradu” (Petersburg), „Burza Berlin” (Moskwa) itp.
Panorama
W malarstwie panorama to obraz z widokiem kołowym, w którym płaskie tło obrazowe łączy się z trójwymiarowym pierwszym planem tematu. Panorama tworzy iluzję realnej przestrzeni otaczającej widza pełnym kołem horyzontu. Panoramy służą głównie do przedstawiania wydarzeń obejmujących duży obszar i duża liczba Uczestnicy.
Panorama-muzeum „Bitwa pod Borodino” (budynek muzeum)
W Rosji najbardziej znane panoramy to Panorama-Muzealna „Bitwa pod Borodino”, „Bitwa pod Wołoczajewem”, „Klęska wojsk nazistowskich pod Stalingradem” w panoramie muzealnej „ Bitwa pod Stalingradem”, „Obrona Sewastopola”, panorama Kolei Transsyberyjskiej.
Franza Rubo. Panorama na płótnie "Bitwa pod Borodino"
Malarstwo teatralne i dekoracyjne
Sceneria, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty pomagają głębiej odsłonić treść spektaklu (filmu). Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się ostro oddać indywidualny charakter postaci w szkicach kostiumów i charakteryzacji. status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
W Rosji rozkwit sztuki teatralnej i dekoracyjnej przypada na przełom XIX i XX wieku. W tym czasie w teatrze rozpoczęli pracę wybitni artyści mgr. Vrubel, W.M. Wasniecow, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, NK Roericha.
M. Vrubel „Miejscowy lizak”. Szkic scenografii do opery autorstwa N.A. Rimski-Korsakow „Opowieść o carze Saltanie” dla języka rosyjskiego prywatna opera w Moskwie. (1900)
Miniaturowy
Miniatura to malarskie dzieło małych form. Szczególnie popularna była miniatura portretowa - portret małego formatu (od 1,5 do 20 cm), charakteryzujący się szczególną subtelnością pisma, osobliwą techniką wykonania i użyciem środków właściwych tylko tej formie malarskiej.
Rodzaje i formaty miniatur są bardzo różnorodne: malowano je na pergaminie, papierze, kartonie, kości słoniowej, metalu i porcelanie, akwarelą, gwaszem, specjalnymi emaliami artystycznymi lub farbami olejnymi. Autor może wpisać obraz, zgodnie z własną decyzją lub na życzenie klienta, w okrąg, owal, romb, ośmiokąt itp. Klasyczna miniatura portretowa to miniatura wykonana na cienkiej płytce z kości słoniowej.
Cesarz Mikołaj I. Fragment miniatury G. Morselli
Istnieje kilka miniaturowych technik.
Lakier miniaturowy (Fedoskino)
Miniatura z portretem księżniczki Zinaidy Nikołajewnej (klejnoty Jusupowa)
GATUNKI MALARSTWA(gatunek francuski - rodzaj, gatunek) - historyczny podział dzieł sztuki zgodnie z tematami i przedmiotami obrazu. W malarstwie współczesnym wyróżnia się następujące gatunki: portret, historyczny, mitologiczny, bitewny, życie codzienne, pejzaż, martwa natura, gatunek zwierzęcy.
Chociaż pojęcie „gatunku” pojawiło się w malarstwie stosunkowo niedawno, pewne różnice gatunkowe istniały od czasów starożytnych: wizerunki zwierząt w jaskiniach epoki paleolitu, portrety starożytnego Egiptu i Mezopotamii z 3000 pne, pejzaże i martwe natury w hellenistycznym i rzymskim mozaiki i freski. Kształtowanie się gatunku jako systemu w malarstwie sztalugowym rozpoczęło się w Europie w XV i XVI wieku. a zakończył się głównie w XVII wieku, kiedy oprócz podziału sztuk pięknych na gatunki, koncepcja tzw. Gatunki „wysokie” i „niskie”, w zależności od tematu obrazu, motywu, fabuły. Gatunek „wysoki” obejmował gatunki historyczne i mitologiczne, podczas gdy gatunek „niski” obejmował portret, pejzaż i martwą naturę. Ta gradacja gatunków trwała do XIX wieku. choć z wyjątkami.
Tak więc w XVII wieku. w Holandii to właśnie gatunki „niskie” (pejzaż, gatunek codzienny, martwa natura) stały się wiodącymi w malarstwie, a portret ceremonialny, który formalnie należał do „niskiego” gatunku portretu, nie należał do takich . Stając się formą refleksji życia, gatunków malarskich, z całą stabilnością wspólne cechy nie są niezmienne, rozwijają się wraz z życiem, zmieniając się wraz z rozwojem sztuki. Niektóre gatunki wymierają lub zyskują nowe znaczenie(np. gatunek mitologiczny), powstają nowe, zwykle w ramach już istniejących (np. w ramach gatunku pejzażowego, krajobraz architektoniczny oraz przystań). Pojawiają się prace łączące różne gatunki (np. połączenie gatunku codziennego z pejzażem, portret zbiorowy z gatunkiem historycznym).
Nazywa się gatunek sztuki, który odzwierciedla zewnętrzny i wewnętrzny wygląd osoby lub grupy ludzi portret. Gatunek ten jest szeroko rozpowszechniony nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, grafice itp. Główne wymagania dotyczące portretu to transfer podobieństwo i ujawnienie świata wewnętrznego, istoty charakteru osoby. Ze względu na charakter obrazu wyróżnia się dwie główne grupy: portrety ceremonialne i kameralne. Portret ceremonialny ukazuje osobę w pełni wzrostu (na koniu, stojącą lub siedzącą), na tle architektonicznym lub krajobrazowym. W portrecie kameralnym stosuje się obraz w połowie długości lub obraz klatki piersiowej na neutralnym tle. Są portrety podwójne i grupowe. Pary nazywane są portretami malowanymi na różnych płótnach, ale skoordynowanymi między sobą pod względem kompozycji, formatu i koloru. Portrety mogą tworzyć zespoły - galerie portretowe zjednoczone według cech zawodowych, rodzinnych i innych (galerie portretów członków korporacji, cechów, oficerów pułków itp.). W szczególnej grupie wyróżnia się autoportret - wizerunek samego artysty.
Portret jest jednym z najstarszych gatunków plastycznych, pierwotnie miał cel kultowy, utożsamiany był z duszą zmarłego. W świecie starożytnym portret rozwinął się bardziej w rzeźbie, a także w portretach malarskich - portretach Fajum z I-III wieku. W średniowieczu pojęcie portretu zostało zastąpione uogólnionymi obrazami, choć w przedstawieniu postaci historycznych na freskach, mozaikach, ikonach i miniaturach występują pewne cechy indywidualne. Późny gotyk i renesans to burzliwy okres w rozwoju portretu, kiedy wyłania się gatunek portretowy, osiągając wyżyny humanistycznej wiary w człowieka i rozumienia jego życia duchowego. W XVI wieku występują następujące typy portretów: tradycyjny (w połowie lub w pełnej długości), alegoryczny (z atrybutami boskości), symboliczny (na podstawie dzieła literackiego), autoportret i portret grupowy: Giotto Enrico Scrovegni(ok. 1305, Padwa), Jan van Eyck Portret pary Arnolfini(1434, Londyn, Galeria Narodowa), Leonardo da Vinci Mona Lisa(ok. 1508, Paryż, Luwr), Rafael pani z welonem(ok. 1516, Florencja, Galeria Pitti), Tycjan Portret młodego mężczyzny w rękawiczce(1515-1520, Paryż, Luwr), A. Durer Portret młodego człowiek(1500, Monachium, Stara Pinakoteka), H. Holbein Posłańcy(Londyn, National Gallery), Rembrandt Nocna straż(1642, Amsterdam, Rijksmuseum), Autoportret z Saskia na kolanach(ok. 1636, Drezno, Galeria Sztuki). Dzięki Van Dyckowi, Rubensowi i Velazquezowi pojawia się typ królewskiego, dworskiego portretu: model jest ukazany w pełnej długości na tle draperii, pejzażu, motywu architektonicznego (Van Dyck Portret Karola I, OK. 1653, Paryż, Luwr).
Jest linia równoległa portret psychologiczny, portret-postać, portret grupowy: F. Hals Portret grupowy św. Adrianna(1633, Haarlem, Muzeum Fransa Halsa), Rembrandt Syndycy(1662, Amsterdam, Rijksmuseum), El Greco Portret Niño de Guevara(1601, Nowy Jork, Metropolitan Museum of Art), D. Velasquez Portret Filipa IV(1628, Madryt, Prado), F. Goya Dojarka z Bordeaux(1827, Madryt, Prado), T. Gainsborough Portret aktorki Sarah Siddons(1784-1785, Londyn, National Gallery), F.S. Rokotów Portret Majkowa(ok. 1765, Moskwa, Galeria Tretiakowska), D.G. Levitsky Portret mgr Dyakowa(1778, Moskwa, Galeria Tretiakowska). Ciekawy i różnorodny portret XIX–XX wieku: D. Ingres Portret Madame Recamier(1800, Paryż, Luwr), E. Manet Flecista(1866, Paryż, Luwr), O. Renoir Portret Jeanne Samary(1877, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), V. Van Gogh Autoportret z zabandażowanym uchem(1889, Chicago, kolekcja Block), O.A. Kiprensky Portret poety Puszkina(1827, Moskwa, Galeria Tretiakowska), IN Kramskoy Portret pisarza Lwa Tołstoja(1873, Moskwa, Galeria Tretiakowska), IE Repin Musorgski(1881, Moskwa, Galeria Tretiakowska).
Nazywa się gatunek sztuki poświęconej wydarzeniom i postaciom historycznym gatunek historyczny. Gatunek historyczny, który charakteryzuje się monumentalnością, od dawna rozwija się w malarstwie ściennym. Od renesansu do XIX wieku. artyści używali scen starożytna mitologia, legendy chrześcijańskie. Często rzeczywiste wydarzenia historyczne przedstawione na obrazie były nasycone mitologicznymi lub biblijnymi postaciami alegorycznymi. Gatunek historyczny przeplata się z innymi - gatunkiem codziennym (sceny historyczne i codzienne), portretem (obraz postaci historycznych z przeszłości, kompozycjami portretowo-historycznymi), pejzażem (" historyczny krajobraz”), łączy się z gatunkiem bitewnym.
Gatunek historyczny ucieleśniony jest w formach sztalugowych i monumentalnych, w miniaturach i ilustracjach. Wywodzący się z starożytności gatunek historyczny łączył prawdziwe wydarzenia historyczne z mitami. W krajach starożytnego Wschodu istniały nawet rodzaje kompozycji symbolicznych (apoteoza militarnych zwycięstw monarchy, przekazanie mu władzy przez bóstwo) oraz cykle narracyjne murali i płaskorzeźb.
W starożytnej Grecji istniały rzeźbiarskie wizerunki bohaterów historycznych ( Tyranobójstwo, 477 pne), w starożytnym Rzymie powstały płaskorzeźby ze scenami kampanii wojennych i triumfów ( Kolumna Trajana w Rzymie ok. godz. 111-114). W średniowieczu w Europie wydarzenia historyczne znalazły odzwierciedlenie w miniaturach kronik, w ikonach. Historyczny gatunek malarstwa sztalugowego zaczął kształtować się w Europie w okresie renesansu, w XVII i XVIII wieku. uważano go za gatunek „wysoki”, wysuwający się na pierwszy plan (wątki religijne, mitologiczne, alegoryczne, a właściwie historyczne). Jednym z pierwszych realistycznych obrazów sztalugowych był Kapitulacja Bredy Velazquez (1629-1631, Madryt, Prado). Obrazy gatunek historyczny wypełnione dramaturgią, wysokimi ideałami estetycznymi, głębią relacji międzyludzkich: Tintoretto Bitwa pod Zara(ok. 1585, Wenecja, Pałac Dożów), N. Poussin Hojność Scypiona(1643, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), J. L. David Przysięga Horatii(1784, Paryż, Luwr), E. Manet Wykonanie Cesarz Maksymilian(1871, Budapeszt, Muzeum Sztuk Pięknych). Początek XIX wieku - Nowa scena w rozwoju gatunku historycznego, który rozpoczął się wraz z pojawieniem się romantyzmu, powstanie utopijnych oczekiwań: E. Delacroix Zdobycie Konstantynopola przez krzyżowców(1840, Paryż, Luwr), K. Bryullov Ostatni dzień Pompejów(1830-1833, Petersburg, Muzeum Rosyjskie), AA Iwanow Pojawienie się Chrystusa ludowi(1837-1857, Moskwa, Galeria Tretiakowska). Realizm 2 poł. XIX wieku. odnosi się do rozumienia tragedii historycznych ludów i jednostek: IE Repin Iwan Grozny i jego syn Iwan(1885, Moskwa, Galeria Tretiakowska), VI Surikov Mieńszikow w Bieriezów(1883, Moskwa, Galeria Tretiakowska). W sztuce XX wieku istnieje zainteresowanie starożytnością jako źródłem piękna i poezji: V.A. Serov Piotr I(1907, Moskwa, Galeria Tretiakowska), artyści stowarzyszenia „Świat Sztuki”. W sztuce sowieckiej wiodące miejsce zajmowane przez skład historyczno-rewolucyjny: B.M. Kustodiev bolszewicki(1920, Moskwa, Galeria Tretiakowska).
Nazywa się gatunek sztuki poświęconej bohaterom i wydarzeniom, o których opowiadają mity starożytnych ludów gatunek mitologiczny(z greckiego mythos - tradycja). Gatunek mitologiczny zetknął się z historycznym i ukształtował się w okresie renesansu, kiedy to starożytne legendy dawały najbogatsze możliwości wcielania się w historie i postacie o złożonej etycznej, często alegorycznej wydźwięku: S. Botticelli Narodziny Wenus(ok. 1484, Florencja, Uffizi), A. Mantegna Parnas(1497, Paryż, Luwr), Giorgione spanie Wenus(ok. 1508-1510, Drezno, Galeria Sztuki), Raphael Szkoła ateńska(1509-1510, Rzym, Watykan). W XVII wieku - wczesny 19 wiek w utworach gatunku mitologicznego poszerza się wachlarz problemów moralnych, estetycznych, które ucieleśnione są w wysokich ideałach artystycznych i albo zbliżają się do życia, albo tworzą odświętny spektakl: N. Poussin Śpiąca Wenus(1620, Drezno, Galeria Sztuki), P.P. Rubens Bachanalia(1619–1620, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), D. Velasquez Bachus (Pijacy) (1628-1629, Madryt, Prado), Rembrandt Danae(1636, Petersburg, Ermitaż), GB Tiepolo Triumf Amfitryty(ok. 1740, Drezno, Galeria Sztuki). Od XIX do XX wieku popularne stały się motywy mitów germańskich, celtyckich, indyjskich, słowiańskich.
gatunek bitwy(z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek malarstwa, który należy do gatunku historycznego, mitologicznego i specjalizuje się w przedstawianiu bitew, wyczynów wojskowych, operacji wojskowych, gloryfikowania waleczności wojskowej, furii bitwy, triumfu zwycięstwa. Bitwa może zawierać elementy innych gatunków - codziennego, portretowego, pejzażowego, zwierzęcego, martwej natury. Artyści regularnie podchodzili gatunek bitwy: Leonardo da Vinci Bitwa pod Anghiari(nie zachowany), Michał Anioł Bitwa pod Kaszynem(nie zachowany), Tintoretto Bitwa pod Zara(ok. 1585, Wenecja, Pałac Dożów), N. Poussin, A. Watteau Trudy wojny(ok. 1716, Petersburg, Ermitaż), F. Goya Katastrofy wojenne(1810-1820), T. Gericault Ranny kirasjer(1814, Paryż, Luwr), E. Delacroix Masakra w Chios(1824, Paryż, Luwr), VM Vasnetsov Po bitwie Igora Światosławowicza z Kumanowie(1880, Moskwa, Galeria Tretiakowska).
Gatunek sztuki, który pokazuje sceny z życia codziennego, osobistego człowieka, życia codziennego z życia chłopskiego i miejskiego, nazywa się gatunek na co dzień. Odwołanie do życia i zwyczajów ludzkich znajdujemy już w obrazach i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, w starożytnym malarstwie i rzeźbie wazowej, w średniowiecznych ikonach i księgach godzinowych. Ale codzienny gatunek wyróżniał się i nabierał charakterystycznych form dopiero jako fenomen świeckiej sztuki sztalugowej. Jego główne cechy zaczęły nabierać kształtu w XIV-XV wieku. w obrazach ołtarzowych, płaskorzeźbach, gobelinach, miniaturach w Holandii, Niemczech, Francji. W XVI wieku w Holandii gatunek gospodarstwa domowego zaczął się szybko rozwijać i stał się odizolowany. Jednym z jej założycieli był I. Bosch ( Siedem grzechów głównych, Madryt, Prado). Na rozwój gatunku codziennego w Europie duży wpływ miała twórczość P. Brueghla: przechodzi on do gatunku czysto codzienności, pokazuje, że codzienność może być przedmiotem badań i źródłem piękna ( chłopski taniec, wesele chłopskie- OK. 1568, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum). XVII wiek można nazwać wiekiem „gatunkowym” we wszystkich szkołach malarstwa w Europie: Michelangelo da Caravaggio wróżka(Paryż, Luwr), PP Rubens Chłop taniec(1636-1640, Madryt, Prado), J. Jordanes Festiwal Króla Fasoli(ok. 1638, Petersburg, Ermitaż), A. van Ostade Flecista(ok. 1660, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), Jan Steen Pacjent i lekarz(ok. 1660, Amsterdam, Rijksmuseum), F. Hals cygański(ok. 1630, Paryż, Luwr), Jan Vermeer z Delft Dziewczyna z listem(koniec 1650, Drezno, Galeria Sztuki). W XVIII wieku we Francji malarstwo rodzajowe kojarzy się z obrazem scen szarmanckich, „pasterskich”, staje się wyrafinowane i pełne wdzięku, ironiczne: A. Watteau Biwak(ok. 1710, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), J.B. Chardin Modlitwa przed obiadem(ok. 1737, Petersburg, Ermitaż). Dzieła rodzimego gatunku są różnorodne: pokazywały ciepło domowego życia i egzotykę odległe kraje, sentymentalne przeżycia i romantyczne namiętności. Gatunek gospodarstwa domowego w XIX wieku. w malarstwie głosił ideały demokratyczne, często o krytycznym wydźwięku: O. Daumier Praczka(1863, Paryż, Luwr), G. Courbet Warsztat artysty(1855, Paryż, Musee d'Orsay). Gatunek życia codziennego, skoncentrowany na ukazaniu życia chłopskiego i życia mieszkańca miasta, rozwinął się żywo w malarstwie rosyjskim XIX wieku: A.G. Venetsianov Na gruntach ornych. Wiosna(1820, Moskwa, Galeria Tretiakowska), PA Fedotov Swatanie Majora(1848, Moskwa, Galeria Tretiakowska), V.G. Perov Ostatnia tawerna na placówce(1868, Moskwa, Galeria Tretiakowska), IE Repin Nie czekałem(1884, Moskwa, Galeria Tretiakowska).
Pejzaż (fr. paysage) nazywany jest gatunkiem sztuki, w którym najważniejszy jest obraz przyrody, środowiska, widoków wsi, miast, zabytków. Są to krajobrazy wiejskie, miejskie (w tym weduta), architektoniczne, przemysłowe, wizerunki żywiołu wodnego - morskiego (marina) i rzecznego
W starożytności i średniowieczu pejzaż pojawia się na obrazach świątyń, pałaców, ikon i miniatur. W sztuka europejska pierwsi zwrócili się ku obrazowi natury weneccy malarze renesansu (A. Canaletto). Od XVI wieku pejzaż staje się samodzielnym gatunkiem, kształtują się jego odmiany i kierunki: pejzaż liryczny, heroiczny, dokumentalny: P. Brueghel To paskudny dzień (Wiosenna Wigilia) (1565, Wiedeń, Kunsthistorisches Museum), P.P. Rubens polowanie na lwa(ok. 1615, Monachium, Stara Pinakoteka), Rembrandt Krajobraz ze stawem i mostem łukowym(1638, Berlin-Dahlem), J. van Ruisdael leśne bagno(1660, Drezno, Galeria Sztuki), N. Poussin Krajobraz z Polifem(1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), C. Lorrain Południe(1651, Petersburg, Ermitaż), F. Guardi Piazza San Marco, widok na bazylikę(ok. 1760-1765, Londyn, Galeria Narodowa). W 19-stym wieku twórcze odkrycia mistrzów krajobrazu, jego nasycenie sprawami społecznymi, rozwój pleneru (obraz środowiska naturalnego) zwieńczyły dokonania impresjonizmu, który dał nowe możliwości w malarskim przekazie głębi przestrzennej, zmienności światła -środowisko powietrza, złożoność zabarwienie: Barbizon, K. Coro Poranek w Wenecji(ok. 1834, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), A.K. Savrasov Przybyły gawrony(1871, Moskwa, Galeria Tretiakowska), II Szyszkin Żyto V.D. Polenov Moskiewski dziedziniec(1878, Moskwa, Galeria Tretiakowska), II Lewitan złota jesień(1895, Moskwa, Galeria Tretiakowska), E. Manet Śniadanie na trawie(1863, Paryż, Luwr), C. Monet Boulevard Kapucynów w Paryżu(1873, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), O. Renoir Brodzik dla dzieci(1869, Sztokholm, Muzeum Narodowe).
przystań(wł. marina, od łac. marinus - morze) - jeden z rodzajów krajobrazu, którego przedmiotem jest morze. Marina powstała jako niezależny gatunek w Holandii na początku XVII wieku: J. Porsellis, S. de Vlieger, V. van de Velle, J. Vernet, W. Turner Pogrzeb na morzu(1842, Londyn, Tate Gallery), C. Monet wrażenie, wschód słońca słońce(1873, Paryż, Muzeum Marmottan), SF Szczedrin Mały port w Sorrento(1826, Moskwa, Galeria Tretiakowska).
krajobraz architektoniczny- rodzaj pejzażu, jeden z rodzajów malarstwa perspektywicznego, obraz architektury rzeczywistej lub wyimaginowanej w środowisku naturalnym. Dużą rolę w krajobrazie architektonicznym odgrywa perspektywa liniowa i powietrzna, łącząca naturę i architekturę. W krajobrazie architektonicznym wyróżniają się widoki perspektywiczne urbanistyczne, które nazwano w XVIII wieku. vedutami (A. Canaletto, B. Bellotto, F. Guardi w Wenecji), widoki osiedli, zespoły parkowe z budynkami, krajobrazy z antycznymi lub średniowiecznymi ruinami (J. Robert; K. D. Friedrich Opactwo w Oak gaj, 1809–1810, Berlin, Państwowe Muzeum; S.F. Szczedrin), krajobrazy z wyimaginowanymi budynkami i ruinami (D.B. Piranesi, D. Pannini).
Weduta(wł. veduta, dosł. - widziane) - pejzaż, który dokładnie oddaje udokumentowany widok okolicy, miasta, jeden z początków sztuki panoramicznej. Termin pojawił się w XVIII wieku, kiedy do reprodukcji widoków użyto camera obscura. Czołowym artystą pracującym w tym gatunku był A. Canaletto: Plac św. Marka(1727-1728, Waszyngton, Galeria Narodowa).
Gatunek sztuki, który pokazuje przedmioty gospodarstwa domowego, pracę, kreatywność, kwiaty, owoce, ubitą zwierzynę, złowioną rybę, umieszczony w prawdziwym środowisku domowym, nazywany jest martwą naturą (fr. natura morte - martwa natura). Martwa natura może być obdarzona kompleksem znaczenie symboliczne pełnią rolę panelu dekoracyjnego, pełnią funkcję tzw. „oszustwo”, które daje iluzoryczną reprodukcję rzeczywistych przedmiotów lub postaci, wywołując efekt obecności prawdziwej natury.
Obraz przedmiotów znany jest w sztuce starożytności i średniowiecza. Ale za pierwszą martwą naturę w malarstwie sztalugowym uważa się obraz weneckiego artysty Jacopo de Barbari Kuropatwa ze strzałą i rękawiczkami(1504, Monachium, Stara Pinakoteka). Już w XVI wieku. martwa natura dzieli się na wiele rodzajów: wnętrze kuchni z ludźmi lub bez, zastawiony stół w wiejskim otoczeniu, „vanitas” z symbolicznymi przedmiotami (wazon z kwiatami, zgaszona świeca, instrumenty muzyczne). W XVII wieku kwitnie gatunek martwej natury: monumentalność obrazów F. Snydersa ( Martwa natura z łabędziem, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), F. Zurbaran, który z kilku przedmiotów wykonał proste kompozycje ( Martwa natura z czterema naczyniami, 1632-1634, Madryt, Prado). Szczególnie bogata, skromna kolorystycznie i w przedstawionych rzeczach była holenderska martwa natura, ale wykwintna w wyrazistej fakturze przedmiotów, w grze koloru i światła (P. Klas, V. Heda, V. Kalf, A. Beyeren) . W XVIII wieku Lakoniczne martwe natury J. B. Chardina potwierdzają wartość i godność ukrytą w codziennym życiu: Atrybuty sztuki(1766, Petersburg, Ermitaż). Martwe natury XIX wieku są zróżnicowane: wydźwięk społeczny w płótnach O. Daumiera; przejrzystość, zwiewność w obrazach E. Maneta; monumentalność, konstruktywność, wierne oddanie formy kolorem wg P. Cezanne'a. W XX wieku otwierają się nowe możliwości martwej natury: P. Picasso, J. Braque uczynili z podmiotu główny obiekt eksperymentu artystycznego, badając i analizując jego strukturę geometryczną.
Nazywa się gatunek sztuki przedstawiającej zwierzęta gatunek zwierząt(od łac. zwierzę - zwierzę). Artysta zwierzęcy zwraca uwagę na artystyczne i figuratywne cechy zwierzęcia, jego przyzwyczajenia, dekoracyjną ekspresję postaci, sylwetkę. Często zwierzęta są obdarzone cechami tkwiącymi w ludziach, działaniach i doświadczeniach. Obrazy zwierząt często znajdują się w starożytnej rzeźbie, malarstwie wazonowym.
Nina Bayor
Literatura:
Suzdalew P. O gatunkach malarstwa.- magazyn „Kreatywność”, 1964, nr 2, 3
Historia sztuki obcej. M., Sztuki wizualne, 1984
Vipper B.R. Wstęp do studium historyczne sztuka. M., Sztuki wizualne, 1985
Historia sztuki światowej. BMM AO, M., 1998
