Wyślij swoją dobrą pracę do bazy wiedzy jest prosta. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy, będą Państwu bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Wstęp

3. Gatunki pop-artu

Wniosek

Wykaz używanej literatury

Wstęp

dyrektor gatunku artystycznego różnorodności

Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, której ślady można odnaleźć w sztuce Egiptu i Grecji. Elementy sceny obecne były w występach podróżujących ludzi – bufonów (Rosja), szpilmanów (Niemcy), kuglarzy (Francja) i tak dalej. Ruch trubadurów we Francji (koniec XI w.) był nośnikiem nowej idei społecznej. Jego osobliwością było pisanie muzyki na zamówienie, różnorodność gatunkowa piosenek, od wątków tekstów miłosnych po gloryfikację wojskowych wyczynów dowódców wojskowych. Wynajęci śpiewacy i podróżujący artyści szerzą twórczość muzyczną.

Satyra na życie miejskie i moralność, ostre dowcipy na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, sceny komiczne, dowcipy, gry i muzyczne dziwactwa były początkiem przyszłych gatunków popowych, zrodzonych w zgiełku karnawału i placowych zabaw. Barkerzy, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów i zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się poprzednikami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było niezbędnym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Nie występowali wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi. Podstawą spektaklu była miniatura, co odróżniało je od teatru, którego główną cechą są elementy spajające akcję. Artyści ci nie portretowali postaci, ale zawsze działali we własnym imieniu, bezpośrednio komunikując się z publicznością. To wciąż główna, charakterystyczna cecha współczesnego show-biznesu.

Nieco później (połowa i koniec XVIII wieku) w obcych krajach pojawiły się różne placówki rozrywkowe - sale muzyczne, występy rozrywkowe, kabarety, przedstawienia ministerialne, które łączyły w sobie całe doświadczenie występów jarmarkowych i karnawałowych i były poprzednikami współczesnych organizacji rozrywkowych . Wraz z przejściem wielu gatunków ulicznych do przestrzeni zamkniętych zaczął kształtować się szczególny poziom sztuki performatywnej, ponieważ nowe warunki wymagały bardziej skoncentrowanej percepcji ze strony widza. Powstała w drugiej połowie XIX wieku działalność kawiarniano-chantanowych, kawiarniano-koncertowych, przeznaczonych dla niewielkiej liczby zwiedzających, pozwoliła na rozwój takich gatunków kameralnych, jak śpiew liryczny, artysta estradowy, taniec solowy, ekscentryczność. Sukces takich kawiarni spowodował pojawienie się większych, bardziej spektakularnych przedsięwzięć - kawiarnio-koncertów, takich jak „Ambasador”, „Eldorado” i inne.

Tę formę aktów wykonawczych cechowały takie cechy, jak otwartość, lakonizm, improwizacja, świąteczność, oryginalność i rozrywka. W tym czasie Francja zyskuje status centrum kulturalnego i rozrywkowego. „Theatre Montassier” (widowisko rozrywkowe) – łączy w sobie sztuki muzyczne, teatralne i cyrkowe. W 1792 roku teatr wodewilowy stał się bardzo popularny. W repertuarze teatru znajdują się przedstawienia komediowe przeplatające się dialogami z kupletami, pieśniami i tańcami. Dużym zainteresowaniem cieszyły się kabaret (miejsce rozrywki łączące gatunki pieśni i tańca o charakterze rozrywkowym) oraz operetka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do oryginalności i różnorodności. Świąteczny nastrój powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii i zmianie kształtu przestrzeni scenicznej.

Od lat 20. ubiegłego wieku muzyka popowa była w centrum uwagi osobistości kultury i sztuki, badaczy różnych dziedzin wiedzy, będąc przedmiotem kontrowersji na łamach czasopism i sporów w kręgach naukowych. W historii rosyjskiego pop-artu podejście do niego wielokrotnie się zmieniało. „W nauce krajowej istnieje tradycja uznawania pop-artu, a w tym kontekście jazzu, a następnie muzyki rockowej, za przejawy kultury masowej, która stała się przedmiotem badań w ramach socjologii, psychologii społecznej i innych dziedzin społecznych. Zainteresowanie kulturoznawców i politologów problematyką współczesnej muzyki popularnej i generowanych przez nią zjawisk społeczno-kulturowych nie słabnie do dziś.”

Rozwój kina wywarł oszałamiający wpływ na cały świat, stając się później bezpośrednią cechą każdego społeczeństwa. Od końca lat 80. XIX w. i początku XX w. ściśle przylega do powstającej sceny krajowej, jako instytucja i jako spektakl stanowi bezpośrednią kontynuację stoiska. Taśmy były przewożone z miasta do miasta przez przedsiębiorców samochodami dostawczymi wraz ze sprzętem projekcyjnym. Brak prądu utrudniał rozwój kina na dużych obszarach kraju. Biorąc ten fakt pod uwagę, przedsiębiorcy kupują małe przenośne elektrownie, które znacznie rozszerzyły możliwości dystrybucji filmów.

Zatem „rozwój kultury muzycznej nie jest możliwy bez realizacji całego szeregu zadań zarządczych, których rozwiązanie wymaga szkolenia wykwalifikowanej kadry zgodnie ze współczesnymi warunkami społeczno-kulturowymi”.

Istnieje też proces odwrotny – komercjalizacja (bez negatywnej konotacji) sceny. Tym samym ceny fanów za koncerty Madonny w Londynie w sierpniu 2007 roku wahały się od 80 do 160 funtów (od 140 do 280 dolarów) plus 13 funtów za rezerwację. Trasa koncertowa Re-Invention, z którą dwa lata temu koncertowała po Stanach Zjednoczonych i Europie, przyniosła 125 milionów dolarów, więcej niż jakikolwiek inny występ w tym roku. Bilety na koncerty w Londynie kosztują wówczas nawet 150 funtów.

Tak naprawdę Madonna jest jednym z głównych beneficjentów zmian, jakie potężne siły gospodarcze przyniosły przemysłowi rozrywkowemu.

1. Liczba - wiodący element pop-artu

Performance to odrębny, kompletny występ jednego lub większej liczby artystów. To podstawa pop-artu – „Numer Jego Królewskiej Mości” – powiedział N. Smirnow-Sokolski. Sekwencja, „montaż” liczb jest istotą koncertu, programu teatralnego, przedstawienia rozrywkowego. Początkowo pojęcia „liczba” używano w sensie dosłownym, wyznaczało ono kolejność następujących po sobie artystów: pierwszy, drugi, piąty... w programie rozrywkowym (lub cyrkowym) (również naprzemienność poszczególnych scen w opera – „opera liczbowa”, w balecie).

Dla artysty występującego na scenie numer jest małym występem, mającym swój początek, kulminację i zakończenie. Krótki czas trwania spektaklu (nie dłuższy niż 15-20 minut) wymaga ekstremalnej koncentracji środków wyrazu, lakonizmu i dynamiki. Na przedstawienia sceniczne zapraszani są reżyserzy, a czasem także kompozytorzy, choreografowie i artyści, w tym projektanci kostiumów i oświetlenia.

W skrypcie liczbę można zdefiniować jako odrębny segment działania, który ma własną wewnętrzną strukturę.

Struktura liczby jest identyczna ze strukturą każdej akcji dramatycznej. Powinien istnieć swego rodzaju moment ekspozycyjny, niezbędny wątek akcji. Spektakl nie może istnieć bez rozwoju, którego intensywność zależy od konkretnych zadań reżysera. Punkt kulminacyjny w akcie wyraża się najczęściej jako kontrastujący punkt zwrotny, bez którego nie może nastąpić niezbędna kompletność opracowania całego scenariusza. Numer kończy się z reguły momentem rozstrzygnięcia, który doprowadza akcję do względnej kompletności.

Liczba powinna być stosunkowo krótka, ale nie krótka. Jego czas trwania zależy bezpośrednio od jego funkcji, celu, zadania w ogólnym rozwiązaniu tematu: nie mniej i nie więcej niż to, co przypisuje mu logika artystyczna.

Kolejnym wymogiem aktu jest wysoka koncentracja treści: w niezwykle krótkim czasie trzeba przekazać maksimum informacji, a nie tylko przekazać je widzowi, ale artystycznie je uporządkować w celu wywarcia wrażenia emocjonalnego i estetycznego.

Każdy gatunek muzyczny ma swoją własną formę istnienia. W teatrze operowym przedstawienie to jest dziełem całościowym, kompleksowym, artystycznie ukończonym. W przypadku orkiestry symfonicznej, orkiestry dętej, orkiestry ludowej, zespołów kameralnych i solistów formą tą jest koncert obejmujący wykonanie jednego lub większej liczby utworów. Dla sceny muzycznej to także koncert, tyle że szczególnego rodzaju. Opiera się na numerach muzycznych różnych gatunków i stylów. Na przykład, gdy śpiewają z towarzyszeniem orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych, jest to koncert akademicki, a gdy towarzyszy im zespół instrumentalny, również instrumentów ludowych, jest to koncert popowy. Różnica ta wynika ze specyfiki wykonania każdego gatunku. Jedną z głównych cech występu muzycznego, wokalnego lub instrumentalnego, jest specyfika komunikacji z publicznością. Wykonawca sceniczny zawsze zwraca się do publiczności, do publiczności. Ta cecha sceny muzycznej ma korzenie historyczne. Nawet bufony na festiwalach folklorystycznych nawiązywały bezpośredni kontakt ze słuchaczami. Obecnie bezpośrednia komunikacja z widzem stała się bardziej złożona i wieloaspektowa. A. Aleksiejew bardzo trafnie i interesująco wyraził tę myśl w swojej książce „Poważne i zabawne”. Na scenie, w przeciwieństwie do koncertu akademickiego, „zawsze masz wrażenie, że nie mówią tego za ciebie, ale że mówią do ciebie…”.

Ta cecha sztuki performatywnej – czy to felieton muzyczny, wiersz, piosenka, utwór instrumentalny – określa istotę i różnicę między numerem popowym a występem akademickim. Kiedy solista-instrumentalista lub wokalista podchodzi do krawędzi sceny, śpiewa piosenkę lub gra utwór muzyczny – to nie jest tylko występ, ale głęboko osobisty, szczery apel do siedzących na sali, do wszystkich na raz i każdemu indywidualnie.

Różnorodność jest bardzo ściśle związana z teatrem, różne są formy teatru i dzieł popu. Jeśli w pierwszym przypadku, jak zauważył A. Anastasjew, jest to performans, to w sztuce różnorodności jest to performans, który, jak powiedział Yu.Dmitriev, „jest podstawą sztuki różnorodności”.

Jednocześnie istnieje luka w nauce o muzyce pop. Jednomyślne uznanie, że podstawą i „jednostką miary” sztuki różnorodności jest z jednej strony liczba, a z drugiej – faktyczny brak teorii tworzenia aktu różnorodności, stwarza swego rodzaju „paradoks dotyczący ustawy o różnorodności”. Dominująca pozycja aktu w strukturze pop-artu zmusza do wyciągnięcia następującego zasadniczego wniosku: to walory artystyczne aktu pop-artu ostatecznie wyznaczają wektor rozwoju pop-artu jako całości. Dlatego też analizę struktury artystycznej aktu odmiany w ścisłym powiązaniu z metodologią jego tworzenia można uznać za jeden z wiodących problemów badań nad różnorodnością, wymagający wnikliwych badań.

Stworzenie aktu różnorodności koncentruje twórczość autora, aktora, reżysera i artysty. Pewne zagadnienia twórczości autora i artysty poruszane są w rozprawie przy analizie struktury artystycznej zagadnienia, jednak główna uwaga skupia się na twórczości aktora i reżysera.

W kreowaniu obrazu artystycznego w akcie rozrywkowym aktor, podobnie jak w teatrze, zajmuje pozycję wiodącą. Ale na scenie jest to szczególnie widoczne ze względu na jego skrajną personifikację. Praktyka pokazuje, że artyści popu, w odróżnieniu od teatru, często są autorami własnych dzieł sztuki – liczb. Ponadto sztuka improwizacji aktora, która jest podstawą niektórych gatunków pop, powoduje konieczność zbadania osobliwości procesu tworzenia numeru bezpośrednio w momencie jego wykonania.

Reżyseria spektaklu rozrywkowego koncentruje wszystkie elementy inscenizacji aktu na współpracy z autorem tekstu, kompozytorem, choreografem, artystą i aktorem. Aksjomat ten trzeba powtórzyć, bo z żalem trzeba stwierdzić, że nawet podstawowe aspekty teorii i praktyki pracy reżysera nad aktem różnorodnym nie są prawie sformułowane i wcale nie uogólnione. „Moim zdaniem niewiele mówiono o pracy reżysera w akcie” – słusznie zauważyła na przykład N. Zawadska – „Tymczasem jest to potrzebne artyście, nawet jeśli ma wszystkie umiejętności zawodowe”. Wszelkie, nawet najwybitniejsze umiejętności zawodowe artysty popowego stają się pozbawionym znaczenia zestawem chwytów, powtórek i innych środków wyrazu, jeśli nie zostaną sprowadzone do wspólnego mianownika holistycznego obrazu artystycznego, który jest jednym z głównych elementów zawodu reżysera ogólnie. I nie ma powodu uważać ustawy o odmianie za wyjątek od tej reguły.

2. Klasyfikacja aktów odmianowych według gatunków odmian rodzajowych

Jakakolwiek klasyfikacja w sztuce jest niepełna, dlatego możemy wyróżnić tutaj gatunki i grupy gatunkowe, skupiając się jedynie na liczbach często spotykanych w scenariuszach performatywnych. Numery odmian są klasyfikowane według cech w czterech grupach.

Pierwsza grupa typów obejmuje numery konwersacyjne (lub mowy). Są też numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Gatunki konwersacyjne obejmują: artystę estradowego, powtórkę, grę słów, przerywnik, miniaturę, skecz, monolog popowy, felieton popowy, felieton muzyczny, mozaikę muzyczną, kuplety, ditties, parodie.

Gatunki plastycznych numerów choreograficznych: taniec (folk, charakter, pop, nowoczesny), pantomima i szkic plastyczny.

Gatunki należące do grupy typowej „aktów oryginalnych”: ekscentryczność, sztuczki magiczne, bufonada, gra na niezwykłych instrumentach muzycznych, onomatopeja, grafika popularna, tantamoreski, akrobatyka, występy cyrkowe, występy sportowe.

Włączanie widzów w bezpośrednią akcję przedstawienia teatralnego jest jedną ze specyficznych cech tego rodzaju sztuki. Dlatego właśnie tutaj numer gry w różnych formach gatunkowych (związanych z liczbami mieszanymi lub „oryginalnymi”) jest szeroko rozpowszechniony.

Do grupy numerów muzycznych zaliczamy przede wszystkim numer muzyczny koncertu. O jego kompletności decyduje sama forma muzyczna. Jeśli fragment dużego dzieła potraktujemy jako liczbę, powinien on być w miarę kompletny i sprawiać całościowe wrażenie. Głównym gatunkiem muzycznym jest piosenka: folk, liryczny, pop, romans miejski, romans cygański, felieton muzyczny.

Ulubionym gatunkiem muzycznym ludzi jest ditty. Cechuje ją aktualność, wyjątkowa zwięzłość, wyrazistość formy i pojemność treści. Ditty tworzony na konkretnym materiale jest gatunkiem niezbędnym ze względu na skuteczność. Mowa w piosence zawsze brzmi zindywidualizowana, uzasadniona artystycznie, jak mowa konkretnej osoby lub jak gwara charakterystyczna dla określonego obszaru, regionu, krańca.

Lakonicznie wyrażona treść ditty odpowiada klarownej kompozycji zdeterminowanej formą i strukturą czterowierszu. Jedną z charakterystycznych cech tej formy jest organiczne połączenie intonacji konwersacyjnej ze strukturą muzyczną. Ale ogólnie rzecz biorąc, cyfra jest skonstruowana jako skuteczny element programu zakończonego w sobie.

Śpiewana czterowierszowa zwrotka dzieli się na dwie półzwrotki z głęboką pauzą pośrodku. Pauza przygotowuje na nowy, zwykle nieoczekiwany zwrot, rozwiązanie tematu „zadeklarowanego” na początku. Z reguły dwuwiersz pełni rolę początku, daje niejako początek narracji lirycznej; drugi dwuwiersz to zakończenie: rozwinięcie tematu i zakończenie. To właśnie ta dramatyczna struktura utworu sprawia, że ​​jest to gatunek niezwykle wyrazisty, efektowny i łatwo przyswajalny przez słuchaczy.

Ditties z „rezerwami” mają ogromny wpływ emocjonalny.

3. Gatunki pop-artu

Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, której ślady można odnaleźć w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jego elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komediantów-bufonów (Rosja), szpilmanowa (Niemcy), żonglerów (Francja), dandysów (Polska), przebierańców (Azja Środkowa) itp.

Satyra na życie miejskie i moralność, ostre dowcipy na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, sceny komiczne, dowcipy, gry, pantomima klauna, żonglerka i muzyczne dziwactwa były początkiem przyszłych gatunków pop, zrodzonych w zgiełku karnawału i kwadratowe rozrywki.

Barkerzy, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów i zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i targowiskach, stali się później poprzednikami artystów. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było niezbędnym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Nie występowali wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi.

W Rosji początki gatunków popowych przejawiały się w błazeńskiej zabawie, zabawie i masowej kreatywności, festiwalach folklorystycznych. Ich przedstawicielami są żartownisie Rausa z obowiązkową brodą, którzy bawili i zapraszali publiczność z górnej platformy stoiska Rausa, pietruszkowicze, raeshnicy, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-błazny wykonujący „szkice” i „powtórki” wśród tłum, grający na piszczałkach, harfie, pociągający nosem i zabawiający ludzi.

Sztukę różnorodną charakteryzują takie cechy, jak otwartość, lakonizm, improwizacja, świąteczność, oryginalność i rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Sam nastrój uroczystości powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu przestrzeni scenicznej itp. Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

Scena koncertowa (dawniej zwana „divertissement”) łączy wszystkie rodzaje występów w różnorodne koncerty;

Scena teatralna (przedstawienia kameralne teatrów miniaturowych, teatrów kabaretowych, teatrów kawiarnianych lub wielkoformatowych rewii koncertowych, sal muzycznych, z liczną obsadą sceniczną i pierwszorzędną technologią sceniczną);

Scena świąteczna (uroczystości ludowe, święta na stadionach, pełna występów sportowych i koncertowych, a także balów, karnawałów, maskarad, festiwali itp.).

Są też takie:

1. Teatry różnorodne

2. Sale muzyczne

Jeśli podstawą spektaklu rozrywkowego jest ukończony numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiemu, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników spektaklu: albo liczby, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas realizacji „Cuda XX wieku” – spektakl rozpadł się na kilka niezależnych, luźno powiązanych epizodów. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych występów cyrkowych odniosło sukces wśród publiczności. Zespół baletowy w inscenizacji Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, krzyczmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie imponujące było wykonanie „Snake”. Wśród występów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba oraz „Australian Lumberjacks” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką pisała kredą na dwóch tablicach różne słowa. Drwale na końcu pomieszczenia ścigali się, by ściąć dwie grube kłody. Niemiecki Strodi pokazał doskonałe balansowanie na drucie. Wykonywał salta na linie. Spośród artystów radzieckich jak zawsze wielki sukces odnieśli Smirnow-Sokolski i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród występów cyrkowych wyróżniał się występ Zoe i Marty Koch na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 r. odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. Teatr Miniatur – zespół teatralny działający przede wszystkim na małych formach: małych sztukach, skeczach, operach, operetkach wraz z numerami wariacyjnymi (monologami, kupletami, parodiami, tańcami, pieśniami). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, nie wyklucza się liryzmu. Zespół jest niewielki, możliwy jest teatr jednego lub dwóch aktorów. Lakoniczne w swej formie spektakle przeznaczone są dla stosunkowo małej publiczności i stanowią swego rodzaju mozaikowe płótno.

4. Gatunki konwersacyjne na scenie – symbol gatunków kojarzonych przede wszystkim ze słowami: artysta estradowy, sidehow, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, feuilleton, mikrominiatura (żart inscenizowany), burime.

Animator - animator może być sparowany, pojedynczy lub masowy. Gatunek konwersacyjny zbudowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Monolog popowy może mieć charakter satyryczny, liryczny lub humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub utwór muzyczny o charakterze humorystycznym, wykonywany jako niezależny numer.

Skecz to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła opiera się na nieoczekiwanych zabawnych, przejmujących sytuacjach, zwrotach akcji, pozwalając na powstanie całej serii absurdów podczas akcji, ale gdzie wszystko z reguły kończy się szczęśliwym rozwiązanie. 1-2 znaki (ale nie więcej niż trzy).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek mówiony na scenie. Na dzisiejszej scenie popularny żart (niepublikowany, nie drukowany - z języka greckiego) to krótka, tematyczna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby odtworzyć podobieństwo brzmieniowe równoważnych słów lub kombinacji.

Repryza to najpopularniejszy gatunek krótkich konwersacji.

Kuplety to jedna z najbardziej zrozumiałych i popularnych odmian gatunku konwersacyjnego. Kupletysta stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i konwersacyjne obejmują kuplet, ditty, chansonette i muzyczny felieton.

Parodia powszechnie występująca na scenie może mieć charakter „rozmówczy”, wokalny, muzyczny lub taneczny. Kiedyś do gatunków mowy zaliczały się recytacje, recytacje melodyczne, montaże literackie i „czytanie artystyczne”.

Niemożliwe jest podanie dokładnie zarejestrowanej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słów z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, ventrologia itp.) Dają początek nowym formacjom gatunkowym. Żywa praktyka nieustannie dostarcza najróżniejszych odmian, nieprzypadkowo na starych plakatach zwyczajowo do nazwiska aktora dodawano „w swoim gatunku”.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, swoją historię i strukturę. Rozwój społeczeństwa i warunków społecznych podyktował pojawienie się tego czy innego gatunku. Właściwie tylko artystę urodzonego w kabarecie można uznać za gatunek „różnorodny”. Reszta pochodziła z budek, teatrów i ze stron magazynów humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w odróżnieniu od innych, które skłaniają się ku innowacjom zagranicznym, rozwijały się zgodnie z rodzimą tradycją, w ścisłym powiązaniu z teatrem i literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy jest związany z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. Jednak samoistna wartość aktorstwa nie umniejsza wagi autora, od którego w dużej mierze zależy powodzenie aktu. Autorami często stali się sami artyści. Tradycje I. Gorbunowa przejęli gawędziarze popowi - Smirnow-Sokolski, Afonin, Nabatow i inni stworzyli własny repertuar.Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali z oczekiwaniem na ustne wykonanie, biorąc pod uwagę uwagę na maskę performera. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie trwa dyskusja, czy utwór napisany z myślą o występie scenicznym można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstały Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenia Autorów Popowych, które pomogły w legitymizacji tego typu działalności literackiej. „Anonimowość” autora należy już do przeszłości, na scenę wkroczyli sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skomponowany na wzór koncertu, ale wyłącznie z występów autorów popu. Jeśli w poprzednich latach własne programy prezentowali tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin), teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu w ogromnym stopniu przyczynił się fenomen M. Żwaneckiego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Twórczej Inteligencji, które podobnie jak pieśni Wysockiego rozprzestrzeniły się po całym kraju.

5. Jazz na scenie

Pod pojęciem „jazz” powszechnie rozumie się: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnym natężeniu rytmicznym, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Do określenia grup używa się również terminów „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” (czasami wskazujących liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, „orkiestra jazzowa”, „big band”).

6. Piosenka na scenie

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie często rozwiązuje się to jako miniaturę sceniczną „gry” za pomocą tworzyw sztucznych, kostiumów, światła, mise-en-scène („teatr pieśni”); Duże znaczenie nabiera osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, dwuwiersz, ditty, chansonette itp.; Różnorodne są także sposoby wykonania: solo, zespołowo (duety, chóry, zespoły wokalno-instrumentalne).

Wśród muzyków popowych istnieje również grupa kompozytorska. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Łoza, Kuźmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni. Poprzednia piosenka była głównie piosenką kompozytorską, obecna jest piosenką „wykonawczą”.

Współistnieje ze sobą wiele stylów, obyczajów i trendów – od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tym samym dzisiejsza piosenka jest wielokolorowym i wielostylowym panelem, zawierającym dziesiątki kierunków, od imitacji rodzimego folkloru po napary kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

7. Tańcz na scenie

Jest to krótki numer taneczny, solo lub w grupie, prezentowany na ogólnokrajowych koncertach muzyki pop, programach rozrywkowych, salach muzycznych i teatrach miniaturowych; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (towarzyskiego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki oraz na skrzyżowaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca podyktowany jest współczesnymi rytmami i kształtuje się pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były początkowo włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wsi, miasta i wojska, suity wokalno-taneczne z rosyjskimi pieśniami i tańcami ludowymi.

W latach 90. taniec na scenie był ostro spolaryzowany, jakby powracał do sytuacji z lat 20. Grupy taneczne zajmujące się showbiznesem, jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce – występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

8. Lalki na scenie

Od czasów starożytnych w Rosji ceniono rękodzieło, kochano zabawki i szanowano zabawne gry z lalkami. Pietruszka rozprawił się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią, odważnie wymachiwał pałką, zabijał tych, których lud nie lubił, obalał zło i utwierdzał moralność ludu.

Pietruszkowicze wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, sami byli reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scène i lalki wydziwianie. Lalkarze byli prześladowani.

Były też inne przedstawienia, w których występowały lalki. Na drogach Rosji można było spotkać samochody dostawcze wyładowane lalkami na sznurkach – marionetkami. A czasem z pudełkami ze szczelinami w środku, przez które lalki były przesuwane od dołu. Takie skrzynki nazywano szopkami. Lalki opanowały sztukę naśladowania. Uwielbiali wcielać się w śpiewaków, kopiowali akrobatów, gimnastyczek i klaunów.

9. Parodia na scenie

Jest to numer lub performans oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnej maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów pierwowzoru, jak i całych kierunków i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznego (obraźliwego) do humorystycznego (przyjaznego komiksu) zależy od stosunku parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w błazenskich zabawach i farsowych przedstawieniach.

10. Małe teatry

Tworzenie teatrów kabaretowych w Rosji „Nietoperz”, „Zakrzywione lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo zespołami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniatur (z moskiewskich Pietrowski, którego reżyserem był D.G. Gutman, wyróżniał się ponad inni , Mamonovsky, kultywujący sztukę dekadencką, gdzie Aleksander Vertinsky zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Petrovsky.Wśród Petersburga - Troicki A.M. Fokina - reżyser V.R. Rappoport, gdzie z ditties i jak Artysta odniósł sukces w wykonaniu V. O. Toporkowa, późniejszego artysty teatru artystycznego.).

4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria

Wyróżnia się gatunki pop:

1. Muzyka latynoamerykańska

Muzyka latynoamerykańska (hiszpański: musica latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy żyją zwartie na terytorium innych stanów i tworzą duże społeczności Ameryki Łacińskiej ( na przykład w USA). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka latynoska” (hiszp. musica latina).

Muzyka latynoamerykańska, której rola w życiu codziennym Ameryki Łacińskiej jest bardzo duża, jest fuzją wielu kultur muzycznych, jednak opiera się na trzech komponentach: kulturze muzycznej Hiszpanii (lub Portugalii), Afryki i Indii. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są w języku hiszpańskim lub portugalskim, rzadziej po francusku. Artyści z Ameryki Łacińskiej mieszkający w Stanach Zjednoczonych są zazwyczaj dwujęzyczni i często używają tekstów w języku angielskim.

Właściwie muzyka hiszpańska i portugalska nie należy do muzyki latynoamerykańskiej, jest jednak z nią ściśle związana dużą liczbą powiązań; Co więcej, wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na muzykę latynoamerykańską jest wzajemny.

Pomimo tego, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle niejednorodna i każdy kraj Ameryki Łacińskiej ma swoją własną charakterystykę, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:

* Muzyka andyjska;

* Muzyka środkowoamerykańska;

* Muzyka karaibska;

* Muzyka argentyńska;

* Muzyka meksykańska;

* Muzyka brazylijska.

Należy jednak mieć na uwadze, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych są bardzo niewyraźne.

Blues (angielski: blues od niebieskich diabłów) to gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstał z takich etnicznych nurtów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń robocza”, „duchowość” i cholera. Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „pop” (angielski rock „n” roll), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock „n” roll). Dominującą formą bluesa jest 4/4, gdzie pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominancie i tonice oraz po 2 na dominacji i tonice. Ta zmiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosowany jest rytm trójek ósemkowych z pauzą – tzw. shuffle. Cechą charakterystyczną bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest w oparciu o strukturę „pytanie – odpowiedź”, wyrażającą się zarówno w treści lirycznej utworu, jak i w treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu między instrumentami. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często korzystają jedynie z głównego wspierającego „szkieletu”, jakim są instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesowy opiera się na zmysłowym społecznym elemencie życia populacji afroamerykańskiej, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnego człowieka.

Jazz to forma sztuki muzycznej, która pojawiła się na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie stała się szeroko rozpowszechniona. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych.

Muzyka country łączy w sobie dwa rodzaje amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII w. oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Muzyka ta ma silne korzenie w madrygałach elżbietańskich oraz irlandzkiej i szkockiej muzyce ludowej. Głównymi instrumentami muzycznymi tego stylu są gitara, banjo i skrzypce.

„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country, napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddin John Carson nagrał tę kompozycję na płytę. W październiku 1925 roku rozpoczął działalność program radiowy Grand Ole Opry, w którym do dziś transmitowane są na żywo koncerty gwiazd country.

Muzyka country jako przemysł muzyczny zaczęła nabierać rozpędu pod koniec lat czterdziestych XX wieku. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko ugruntował wizerunek piosenkarza country na kilka następnych pokoleń, ale także nakreślił typowe dla tego gatunku tematy – tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w country panowały różne style: western swing, który przejął zasady aranżacyjne z Dixielandu – tutaj królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; Styl muzyków takich jak Hank Williams nazywano wówczas „hillbilly”. W połowie lat pięćdziesiątych. muzyka country, wraz z elementami innych gatunków (ewangelia, rytm i blues), dała początek rock and rollowi. Od razu wyłonił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to właśnie z nim swoje kariery twórcze rozpoczęli tacy piosenkarze jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – to nie przypadek, że wszyscy nagrywali w tym samym studiu Memphis Sun Records. Dzięki sukcesowi albumu „Gunfighter Ballads and Trail Songs” (1959) Marty’ego Robbinsa, jako gatunek wyłonił się gatunek country i western, w którym dominowały opowieści z życia Dzikiego Zachodu.

Chanson (francuski chanson - „piosenka”) to gatunek muzyki wokalnej; słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:

2) Francuska piosenka popowa w stylu kabaretowym (po rosyjsku się pochyla).

Piosenka Blatnaya (folklor blatnoy, blatnyak) to gatunek pieśni gloryfikujący życie i zwyczaje środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich światu przestępczemu. Pochodzi z Imperium Rosyjskiego i rozprzestrzenił się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z biegiem czasu zaczęto pisać piosenki z gatunku muzyki kryminalnej, które wykraczały poza tematykę kryminalną, ale zachowały swoje charakterystyczne cechy (melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. piosenka kryminalna w rosyjskim przemyśle muzycznym sprzedawana jest pod nazwą „Russian chanson” (por. stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).

Romans w muzyce to utwór wokalny napisany do krótkiego wiersza o treści lirycznej, głównie miłosnej.

Pieśń autorska, czyli muzyka bardów, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwinął się w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku. z przedstawień amatorskich, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk położony jest na poezję tekstu.

6. Muzyka elektroniczna

Muzyka elektroniczna (z angielskiego Electronic music, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, który odnosi się do muzyki tworzonej przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX w., muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinęła się w drugiej połowie XX w. i na początku XXI w. obejmuje kilkadziesiąt odmian.

7. Muzyka rockowa

Muzyka rockowa to ogólna nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „skałać” - huśtać się - w tym przypadku wskazuje na wrażenia rytmiczne charakterystyczne dla tych ruchów, związane z określoną formą ruchu, przez analogię do „przewracania się”, „skręcania”, „huśtania”, „trząśnięcia” itp. Takie przejawy muzyki rockowej, jak używanie elektrycznych instrumentów muzycznych, samowystarczalność twórcza (muzycy rockowi zazwyczaj wykonują własne kompozycje) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu kwestionowana jest tożsamość niektórych stylów muzycznych jako rocka. Rock jest także szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury takie jak modowie, hipisi, punki, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z określonymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma wiele kierunków: od lekkich gatunków, takich jak dance rock and roll, pop rock, britpop, po gatunki brutalne i agresywne - death metal i hardcor. Treść piosenek waha się od jasnej i swobodnej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Muzykę rockową często przeciwstawia się muzyce pop i tzw. „pop”, choć pomiędzy pojęciami „rock” i „pop” nie ma wyraźnej granicy, a wiele zjawisk muzycznych balansuje na granicy między nimi.

Początki muzyki rockowej sięgają bluesa, z którego wywodzą się pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką folkową i popową - przede wszystkim folk, country, skiffle i music Hall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki - z muzyką akademicką (art rock, pojawia się pod koniec lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się w późnych latach 60. - początek 70. -x) , muzyka latynoska (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (raga rock, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie największe podgatunki muzyki rockowej, z których najważniejsze, oprócz wymienionych, to hard rock, punk rock i rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej, jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcor (duży podgatunek punk rocka), a także a także brutalne podgatunki metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), Britpop (pojawił się w połowie lat 60.) i metal alternatywny (pojawił się pod koniec lat 80.).

Głównymi ośrodkami powstania i rozwoju muzyki rockowej są Stany Zjednoczone i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest w języku angielskim. Jednak choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się w prawie wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rock rosyjski) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80. XX wieku, a następnie rozwijał się w latach 90.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska to styl muzyczny, który pojawił się na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku. Pojawienie się tego stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się systemów dźwiękowych, które umożliwiły taniec na ulicy.

Instalacje dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale specyficzna forma dyskotek ulicznych, w których biorą udział DJ-e i ich mobilne systemy stereo, przy rosnącej konkurencji między tymi DJ-ami o najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.

Styl charakteryzuje się wahadłowym rytmem 2/4, w którym gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla nieparzyste. Melodię wykonują instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.

Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) to styl muzyczny, który istniał na Jamajce i w Anglii w latach sześćdziesiątych XX wieku. Podstawą stylu są rytmy karaibskie w metrum 4/4, ze zwiększoną uwagą na instrumenty klawiszowe i gitary.

Reggae (angielskie reggae, inna pisownia „reggae” i „reggae”), jamajska muzyka popularna, została po raz pierwszy wspomniana pod koniec lat sześćdziesiątych. Czasami używana jako ogólna nazwa całej muzyki jamajskiej. Ściśle powiązany z innymi gatunkami jamajskimi - rocksteady, ska i innymi.

Dub to gatunek muzyczny, który pojawił się na Jamajce na początku lat 70. XX wieku. Początkowo nagrania tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętym wokalem. Od połowy lat 70. dub stał się zjawiskiem niezależnym, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną formę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój nowej fali i takich gatunków jak hip-hop, house, Drum and Bass, trip-hop, dub-techno , dubstep i inne.

Muzyka pop (angielski: Pop-music z Popular music) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.

Termin „muzyka pop” ma podwójne znaczenie. W szerokim znaczeniu jest to każda muzyka masowa (m.in. rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim znaczeniu jest to odrębny gatunek muzyki popularnej, sama muzyka pop, posiadająca pewne cechy charakterystyczne.

Główne cechy muzyki pop jako gatunku to prostota, melodia, oparcie się na wokalu i rytmie, przy mniejszym skupieniu na partii instrumentalnej. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop zwykle dotyczą osobistych uczuć.

Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak europop, muzyka latynoska, disco, electropop, muzyka taneczna i inne.

10. Rap ​​(Hip-hop)

Hip-hop to ruch kulturalny, który powstał wśród klasy robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zdefiniował pięć filarów kultury hip-hopowej: MCing, DJing), breaking, pisanie graffiti i wiedza. Inne elementy to beatboxing, moda hip-hopowa i slang.

Pochodzący z południowego Bronksu hip-hop stał się w latach 80. częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90. z ulicznego undergroundu o wysoce społecznej orientacji hip-hop stopniowo stał się częścią przemysłu muzycznego, a już w połowie pierwszej dekady tego stulecia subkultura stała się „modna” i „ głównego nurtu”. Jednak pomimo tego wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” – protestuje przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciwia się obowiązującej władzy.

Wiadomo, że reżyseria spektaklu rozrywkowego dzieli się na reżyserię spektaklu rozrywkowego i reżyserię spektaklu rozrywkowego.

Metodologia pracy nad różnorodnym wykonaniem (koncert, przegląd, pokaz) z reguły nie obejmuje zadania tworzenia liczb, z których się składa. Reżyser łączy gotowe liczby z fabułą, jednym tematem, buduje od początku do końca akcję spektaklu, porządkuje jego strukturę temporalno-rytmiczną, rozwiązuje problemy oprawy muzycznej, scenograficznej i oświetleniowej. Oznacza to, że stoi przed całym szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w programie jako całości i nie są bezpośrednio związane z samą ustawą odmianową. Stanowisko to potwierdza teza słynnego reżysera spektakli rozrywkowych I. Szarojewa, który napisał, że „najczęściej reżyser przyjmuje akty od specjalistów różnych gatunków, a następnie tworzy z nich program rozrywkowy. Akt ma dużą niezależność. ”

Praca nad spektaklem rozrywkowym wymaga od reżysera rozwiązania szeregu specyficznych problemów, z którymi nie spotyka się przy realizacji dużego programu. To przede wszystkim umiejętność ujawnienia indywidualności twórcy, budowania dramaturgii aktu, pracy z repryzą, trikiem, gagiem, znajomości i uwzględnienia natury specyficznych środków wyrazu aktu oraz wiele więcej.

Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych, podstawowych zasadach obowiązujących w teatrze dramatycznym, muzycznym i cyrku. Ale potem na fundamencie budowane są zupełnie inne konstrukcje. Zauważalna jest swoistość reżyserii scenicznej, zdeterminowana przede wszystkim typologią gatunkową aktu odmiany.

Na scenie reżyser jako twórca osiąga w spektaklu ostateczny cel każdej sztuki – stworzenie obrazu artystycznego, który stanowi twórczą stronę zawodu. Ale w procesie inscenizacji spektaklu specjalista pracuje nad technologią środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: powiedzmy, większość podgatunków sportu i cyrku wymaga prób i pracy szkoleniowej z trenerem w zakresie elementów sportowych i specjalnych trików; praca nad numerem wokalnym nie jest możliwa bez lekcji u specjalistycznego nauczyciela śpiewu; W gatunku choreograficznym istotna jest rola choreografa-wychowawcy.

Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami scenicznymi, choć w rzeczywistości ich działalność ogranicza się jedynie do budowania specjalnego wyczynu kaskaderskiego lub technicznego elementu rutyny - nie ma znaczenia, czy jest to akrobatyka, taniec czy śpiew. Trudno tu mówić o kreowaniu obrazu artystycznego. Kiedy czołowi mistrzowie popu (zwłaszcza gatunków oryginalnych) dzielą się w drukach tajnikami swoich umiejętności, opisują głównie techniki magicznych sztuczek, akrobatyki, żonglerki itp.

Jeszcze raz pragnę podkreślić, że struktura artystyczna aktu odmiany jest złożona, różnorodna, a często konglomeratywna. Dlatego wystawienie spektaklu rozrywkowego jest jednym z najtrudniejszych zajęć reżysera. "Bardzo trudno jest zrobić dobry występ, nawet jeśli trwa tylko kilka minut. I wydaje mi się, że te trudności są niedoceniane. Może dlatego tak bardzo szanuję i doceniam sztukę tych, których czasami nieco pogardliwie nazywa się artystami, przyznając im niezbyt zaszczytne miejsce w niepisanej skali zawodów.” Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu odmianowego, której ostatecznym celem jest poznanie podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza pod kątem pracy reżyserskiej i produkcyjnej.

Wniosek

Sztuka różnorodna (z francuskiego estrada - platforma, elewacja) to syntetyczny rodzaj sztuki scenicznej, łączący w sobie małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu, sztuki. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Mimo międzynarodowego charakteru zachowuje swoje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy charakter. Pochodząca z renesansu na scenie ulicznej i począwszy od klaunady, prymitywnych fars, bufonada ewoluowała różnie w różnych krajach, preferując ten czy inny gatunek, ten czy inny obraz maski.

W różnorodnych programach salonów, kół i klubów, które powstały później, w kabinach, salach muzycznych, kawiarniach, kabaretach, teatrach miniaturowych i na zachowanych ogrodach, wesoły humor, dowcipne parodie i karykatury, zjadliwa satyra społeczna, ostrożna hiperbola, slapstick, groteska, figlarna ironia, uduchowione teksty, modny taniec i muzyczne rytmy. Poszczególne numery polifonicznej odmiany dywersyfikacji spajają często na scenie konferansjer lub prosta fabuła, a teatry jedno- lub dwuosobowe, zespoły (baletowe, muzyczne itp.) - autorskim repertuarem, własną dramaturgią. Sztuka różnorodna jest zorientowana na jak najszerszą publiczność i opiera się przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, technice ich wcielania się, umiejętności tworzenia widowiskowej rozrywki za pomocą lakonicznych środków i pogodnym charakterze - częściej komediowo-negatywnym niż pozytywnym . Eksponując swoich antybohaterów, zwraca się ku metaforycznym rysom i szczegółom, ku przedziwnemu splotowi prawdopodobieństwa i karykatury, rzeczywistej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych prototypów, sprzeciwu wobec ich dobrobytu w rzeczywistości. Sztukę popularną charakteryzuje aktualność, połączenie w najlepszych przykładach rozrywki z poważnymi treściami, funkcjami edukacyjnymi, gdy zabawę uzupełnia różnorodna paleta emocjonalna, a czasem patos społeczno-polityczny, obywatelski. Show-biznes, generowany przez burżuazyjną kulturę masową, pozbawiony jest tej drugiej cechy. Prawie wszystkie operacyjne odmiany „małe”, „lekkie”, w tym „kapusta pospolita”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką amortyzacją masek, która uzależniona jest od wyczerpania się aktualności tematu, realizacji porządków społecznych, zmiany zainteresowań i potrzeb odbiorców. Będąc jedną z najbardziej dynamicznych form sztuki, a zarazem sztuką starszą, pop-art narażony jest na chorobę stemplowania, spadek wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do ich przekształcenia w kicz. Na rozwój duży wpływ mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, które często włączają do swoich programów programy rozrywkowe i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki sceniczne zyskują nie tylko większą skalę i powszechność, ale także głębię psychologiczną (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i wyrazistych środków sztuki ekranowej) oraz żywą rozrywkę.

W systemie sztuk performatywnych muzyka pop zajmuje dziś zdecydowanie odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność muzyki pop wśród najszerszej i najbardziej zróżnicowanej publiczności zmusza ją do odpowiadania na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w wartościach zawodowych, estetycznych i gustownych dzieł pop. Ogromna liczebność publiczności pop-artu w przeszłości i obecnie, jej heterogeniczność, konieczność łączenia funkcji rozrywkowej i edukacyjnej w pop-artie, nakłada na twórców dzieł pop-artu specyficzne wymagania i nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.

...

Podobne dokumenty

Rozważenie życia i analiza ścieżki twórczej profesora I.G. Szarojewa. Jego rola i znaczenie w rozwoju radzieckiej muzyki i pop-artu. Wspomnienia absolwentów wydziału - piosenkarki Alli Pugaczowej i reżysera Andrieja Dennikowa.

praca na kursie, dodano 04.06.2011


Koncepcja, konstrukcja i cechy inscenizacji spektaklu jako całościowego spektaklu jednego artysty. Charakterystyka liczb konwersacyjnych, plastyczno-choreograficznych, muzycznych, mieszanych i „oryginalnych”. Historia rozwoju spektakularnych gatunków pop-artu.

praca na kursie, dodano 11.11.2010


Taniec jako forma sztuki, jego aspekty filozoficzne. Znaczenie społeczne i pedagogiczne tańca towarzyskiego, historyczne aspekty jego rozwoju. Krajowy i międzynarodowy w obrazie choreograficznym. Programy tańca latynoamerykańskiego i europejskiego.

praca na kursie, dodano 25.06.2009


Specyfika i charakter aktorstwa. Jedność tego, co fizyczne i psychiczne, obiektywne i subiektywne w działaniu. Podstawowe zasady szkolenia aktora. Pojęcie technologii wewnętrznej i zewnętrznej. Charakterystyczne cechy twórczości aktora popowego.

test, dodano 29.12.2010


Rozwój różnych form sztuki teatralnej w Japonii. Cechy występów w Teatrze Noo. Charakterystyka teatru Kabuki, będącego syntezą śpiewu, muzyki, tańca i dramatu. Bohaterskie i miłosne przedstawienia teatru Kathakali.

prezentacja, dodano 04.10.2014


Historia i nowoczesność cyrku chińskiego, cztery słynne szkoły sztuki cyrkowej. Rozwój sztuki cyrkowej w Nowych Chinach, jej cechy, cechy charakterystyczne. Znane zespoły, ich udział w 9. Chińskim Międzynarodowym Festiwalu Cyrkowym „Wuqiao”.

praca na kursie, dodano 08.05.2009


Wiodące kierunki twórcze w rozwoju teatru radzieckiego w latach 20.-30. XX wieku. Wpływ myśli społeczno-politycznej na rozwój sztuki teatralnej lat 20. i 30. XX wieku. Łunaczarski A.V. jako teoretyk i ideolog teatru radzieckiego. Cenzura polityczna repertuaru.

praca magisterska, dodana 30.04.2017


Położenie Indii w strefie podrównikowej i tropikalnej, bogata flora i fauna, różnorodność populacji. Historia narodowości i religii. Rozwój literatury, filozofii, sztuki, dramatu. Znaczenie tańców indyjskich i powstanie teatru.

test, dodano 12.11.2009


Opowieści biblijne jako podstawa systemu figuratywnego i semantycznego sztuki średniowiecznej. Cechy stylów romańskiego i gotyckiego w architekturze. Liryczna poezja rycerska trubadurów w średniowiecznej Europie, jej wpływ na rozwój muzyki, tańca i teatru.

prezentacja, dodano 23.09.2011


Pasja Viscontiego do muzyki i teatru. Pracuj jako asystent reżysera Jeana Renoira. Udział w kręceniu filmów „Tosca”, „Days of Glory”. Działalność jako reżyser teatralny. Sztuka pracy z aktorami. Powstanie ruchu artystycznego - neorealizm.

1.1 Historia pop-artu

Słowo „scena” (od łacińskiego warstwy) oznacza podłogę, podest, elewację, podest.

Najtrafniejszą definicję pop-artu jako sztuki łączącej różne gatunki podaje słownik D.N. Uszakowa: „Różnorodność to sztuka małych form, obszar widowiskowo-muzycznych występów na otwartej scenie. Jej specyfika polega na łatwej zdolność przystosowania się do różnych warunków publicznych demonstracji i krótkotrwałych działań, środkami artystycznymi i ekspresyjnymi, sztuką, która przyczynia się do żywej identyfikacji twórczej indywidualności wykonawcy, pod względem aktualności, ostrego znaczenia społeczno-politycznego poruszanych tematów, przewagi elementów humoru, satyry, dziennikarstwa.”

Encyklopedia radziecka definiuje muzykę pop jako wywodzącą się z francuskiej estrady - formę sztuki obejmującą drobne formy sztuki dramatycznej i wokalnej, muzykę, choreografię, cyrk, pantomimę itp. Na koncertach występują oddzielne pełne liczby, które łączy artysta i fabuła . Jako sztuka niezależna pojawiła się pod koniec XIX wieku.

Istnieje również następująca definicja etapu:

Powierzchnia sceniczna, stała lub tymczasowa, przeznaczona na występy koncertowe artysty.

Pop-art ma swoje korzenie w odległej przeszłości, sięgającej sztuki starożytnego Egiptu i starożytnej Grecji. Choć sztuka odmianowa ściśle współdziała z innymi sztukami, takimi jak muzyka, teatr dramatyczny, choreografia, literatura, kino, cyrk, pantomima, jest to rodzaj sztuki niezależny i specyficzny. Podstawą pop-artu jest „Numer Jego Królewskiej Mości” - jak powiedział N. Smirnov-Sokolsky 1.

Performance to niewielki występ jednego lub kilku artystów, mający własną fabułę, punkt kulminacyjny i rozwiązanie. Specyfiką performansu jest bezpośrednia komunikacja artysty z publicznością, w jego imieniu lub za pośrednictwem postaci.

W sztuce średniowiecznej artystów podróżujących, teatry farsowe w Niemczech, bufony na Rusi, teatr masek we Włoszech itp. istniało już bezpośrednie zwracanie się artysty do publiczności, co pozwalało kolejnemu artyście stać się bezpośrednim uczestnikiem akcji. Krótki czas trwania spektaklu (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga ekstremalnej koncentracji środków wyrazu, lakonizmu i dynamiki. Numery odmian są klasyfikowane według cech w czterech grupach. Pierwsza grupa typów obejmuje numery konwersacyjne (lub mowy). Są też numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Sztuka komedii zbudowana została na otwartym kontakcie z publicznością del- sztuka (maska) XVI- s.XVII wiek.

Przedstawienia były zazwyczaj improwizowane w oparciu o standardowe sceny fabularne. Dźwięki muzyczne w postaci przerywników (wstawek): pieśni, tańców, numerów instrumentalnych lub wokalnych - były bezpośrednim źródłem aktu wariacyjnego.

Pojawiły się w XVIII wieku opera komiczna I wodewil. Wodewile były ekscytującymi występami z muzyką i dowcipami. Ich główni bohaterowie – zwykli ludzie – zawsze pokonywali głupich i okrutnych arystokratów.

W połowie XIX wieku narodził się ten gatunek operetka(dosłownie mała opera): rodzaj sztuki teatralnej łączący muzykę wokalną i instrumentalną, taniec, balet, elementy pop-artu i dialogi. Operetka jako gatunek niezależny pojawiła się we Francji w 1850 roku. „Ojcem” francuskiej operetki i operetki w ogóle był Jacques Offenbach (1819-1880). Później gatunek ten rozwinął się we włoskiej „komedii masek”.

Scena jest ściśle związana z życiem codziennym, z folklorem, z tradycjami. Co więcej, są one przemyślane, unowocześnione, „ekstradyzowane”. Różne formy popowej kreatywności są wykorzystywane jako rozrywka.

To nie przypadek. W Anglii puby (publiczne instytucje publiczne) powstały w XVIII wieku i stały się prototypami sal muzycznych (sal muzycznych). Puby stały się miejscami rozrywki dla szerokich, demokratycznych grup społeczeństwa. W przeciwieństwie do salonów arystokratycznych, gdzie grano głównie muzykę klasyczną, w pubach wykonywano pieśni i tańce przy akompaniamencie fortepianu, występowali komicy, mimowie, akrobaci, pokazywano sceny z popularnych przedstawień składających się z imitacji i parodii. Nieco później, w pierwszej połowie XIX w., upowszechniły się koncerty kawiarniane, początkowo mające charakter kawiarni literackich i artystycznych, w których swoje improwizacje wykonywali poeci, muzycy i aktorzy. W różnych modyfikacjach rozprzestrzeniły się po całej Europie i stały się znane jako kabaret (cukinia). Rozrywka nie wyklucza czynnika duchowości, dla artysty popowego szczególnie ważna jest postawa obywatelska.

Łatwe dostosowywanie pop-artu do publiczności niesie ze sobą niebezpieczeństwo flirtu z publicznością i ulegania złemu gustowi. Aby nie wpaść w otchłań wulgarności i wulgarności, artysta potrzebuje prawdziwego talentu, smaku i polotu. Reżyser ułożył program z pojedynczych numerów popowych, co także było mocnym środkiem wyrazu. Swobodny montaż małych form oddzielił się od różnych rodzajów twórczości artystycznej i zaczął żyć samodzielnie, co doprowadziło do narodzin sztuki kolorowej pokaz odmian. Sztuka widowiska jest ściśle związana z teatrem i cyrkiem, jednak w odróżnieniu od teatru nie wymaga zorganizowanej akcji dramatycznej. Konwencjonalność fabuły, brak rozwinięcia akcji (głównego dramatu) to także cechy charakterystyczne dużego przedstawienia rewia(z francuskiego - recenzja). Poszczególne części rewii łączy wspólna idea performatywna i społeczna. Rewia, jako gatunek dramatu muzycznego, łączy w sobie elementy kabaretu, baletu i rozrywkowego show. W występach rewiowych dominuje muzyka, śpiew i taniec. Program odmian ma swoje własne modyfikacje:

- pokaz odmian z oddzielnych numerów

- pokaz odmian

- kabaret taneczny

- recenzja

W XX wieku rewia stała się wystawnym widowiskiem rozrywkowym. W USA pojawiły się odmiany rewii tzw pokazywać.

Na scenie muzycznej znalazły się różne gatunki muzyki rozrywkowej: pieśni, fragmenty operetek, musicale, występy rozrywkowe w różnorodnych adaptacjach utworów instrumentalnych. W XX wieku scenę wzbogacił jazz i muzyka popularna.

Tym samym pop-art przeszedł długą drogę i dziś możemy obserwować ten gatunek w innej formie i wykonaniu, co sugeruje, że jego rozwój nie stoi w miejscu.

Amatorska twórczość muzyczna autora polega na tworzeniu i wykonywaniu utworów muzycznych przez autora w sposób amatorski. Zgodnie z tradycją, która rozwinęła się w naszym kraju, AMST jest najczęściej rozumiany jako kompozycja przede wszystkim pieśni (tj....

Charakterystyka akustyczna ukulele

Rysunek 1 Ukulele to miniaturowe ukulele czterostrunowe, które pojawiło się pod koniec XIX wieku na wyspach archipelagu hawajskiego, położonych w północnej części Oceanu Spokojnego. Jej twórcami są portugalscy imigranci...

Problem wartości artystycznej muzyki

Muzyka... Co to jest? Jaka jest jej siła? Ludzie zaczęli o tym myśleć bardzo dawno temu. „Wszystkie dźwięki muzyczne pochodzą z ludzkiego serca; muzyka jest związana z relacją międzyosobową. ...Dlatego trzeba rozumieć głosy...

Niezwykle szybkie zmiany warunków współczesnego życia wymagają od człowieka dokonywania odpowiednich ocen i szybkich decyzji, aby skuteczniej realizować swój potencjał...

Proces kształtowania zdolności muzycznych i twórczych uczestników amatorskich grup popowych

Wiek młodości od 17 do 20 lat zajmuje ważną fazę w ogólnym procesie kształtowania się osoby jako jednostki, gdy w procesie budowania nowego charakteru, struktury i kompozycji działań nastolatka powstają podstawy świadomego zachowania. położony...

Rozwój gustu muzycznego dzieci w wieku szkolnym na lekcjach muzyki

Różne trendy w muzyce współczesnej mają bardzo poważny wpływ na rozwój gustu muzycznego uczniów. To muzyka rockowa, techno, pop, rap i inne style. Jedno z pierwszych pytań zadawanych podczas spotkania...

Problematyka opery narodowej zajmuje centralne miejsce we wszystkich działaniach Webera. Jego 3 najlepsze opery – „Free Shooter”, „Euryanthe”, „Oberon” – pokazywały ścieżki i różne kierunki…

Muzyka pop jako środek rozwijania gustu muzycznego młodzieży

Różnorodność to rodzaj sztuki scenicznej, który zakłada zarówno odrębny gatunek, jak i syntezę gatunków. Obejmował śpiew, taniec, autorskie występy, sztuki cyrkowe, iluzje...

Pierwsze przedstawienia teatralne odbywały się kiedyś na ulicy. Zasadniczo przedstawienia wystawiali podróżujący artyści. Mogli śpiewać, tańczyć, zakładać różne kostiumy, portretować zwierzęta. Każdy zrobił to, co potrafił najlepiej. Nowa forma sztuki stopniowo się rozwijała, aktorzy doskonalili swoje umiejętności.

Pierwszy teatr na świecie

Słowo „teatr” w tłumaczeniu z języka greckiego oznacza miejsce wystawiania spektakli i samo widowisko. Pierwsza taka instytucja kulturalna powstała podobno w Grecji. Stało się to w V-IV wieku p.n.e. mi. Epokę tę nazwano „klasyczną”. Charakteryzuje się harmonią i równowagą wszystkich elementów i komponentów. Teatr starożytnej Grecji powstał z kultu różnych bogów.

Teatr Dionizosa jest najstarszym budynkiem teatralnym. Bóg wina, roślinności i natury był bardzo czczony przez starożytnych Greków. Dionizosowi poświęcono kultowe rytuały, które stopniowo przekształciły się w prawdziwe tragedie i komedie. Rytualne uroczystości zamieniły się w prawdziwe przedstawienia teatralne. Konstrukcja była przestrzenią na świeżym powietrzu. Widzowie początkowo siedzieli na drewnianych siedzeniach. był tak czczony w starożytnej Grecji, że władze dawały biednym obywatelom pieniądze na występy. Zamężnym kobietom nie wolno było oglądać przedstawień.

Pierwsza świątynia sztuki składała się z trzech głównych części:

• orkiestra – występowali tam tancerze i chór;
• widownia – zlokalizowana wokół orkiestry;
• Budynek Skena, w którym znajdowały się pokoje dla artystów.

Nie było kurtyny ani zwykłej sceny, a wszystkie role kobiece grali mężczyźni. Aktorzy podczas jednego przedstawienia kilkukrotnie zmieniali role, dlatego musieli znakomicie tańczyć i śpiewać. Wygląd aktorów zmieniono za pomocą masek. Obok budynku znajdowała się świątynia Dionizosa.

Teatr starożytny położył podwaliny i istotę teatru współczesnego. Najbliższy gatunek można nazwać teatrem dramatycznym. Z biegiem czasu pojawiało się coraz więcej różnych gatunków.

Gatunki teatralne

Gatunki teatralne we współczesnym świecie są tak różnorodne. Sztuka ta stanowi syntezę literatury, muzyki, choreografii, wokalu i sztuk wizualnych. Wyrażają różne emocje i sytuacje. Ludzkość stale się rozwija. W związku z tym pojawiają się różne gatunki. Zależą one od kraju, z którego pochodzą, od rozwoju kulturalnego ludności, od nastroju publiczności i jej potrzeb.

Wymieńmy niektóre rodzaje gatunków: dramat, komedia, monodram, wodewil, ekstrawagancja, parodia, mim, farsa, moralitet, pastoralny, musical, tragikomedia, melodramat i inne.

Gatunki sztuki teatralnej nie mogą ze sobą konkurować. Każdy z nich jest interesujący na swój sposób. Widzowie, którzy kochają teatr operowy, z nie mniejszą przyjemnością odwiedzają teatr komediowy.

Najpopularniejsze gatunki teatralne to dramat, komedia, tragikomedia, musical, parodia i wodewil.

W dramacie można zobaczyć zarówno momenty tragiczne, jak i komiczne. Obserwowanie pracy aktorów tutaj jest zawsze bardzo interesujące. Role tego gatunku nie są łatwe i łatwo angażują widza w empatię i analizę.

Celem przedstawień komediowych jest przede wszystkim rozśmieszenie publiczności. Aby ośmieszyć pewne sytuacje, aktorzy również muszą się bardzo postarać. W końcu widz musi im wierzyć! Role komediowe są równie trudne do zagrania jak role dramatyczne. Element satyry ułatwia oglądanie spektaklu.

Tragedia zawsze wiąże się z sytuacją konfliktową i o tym jest spektakl. Gatunek ten jako jeden z pierwszych pojawił się w starożytnej Grecji. Podobnie jak komedia.

Musical ma wielu fanów. To zawsze świetna akcja z tańcem, piosenkami, ciekawą fabułą i dawką humoru. Drugą nazwą tego gatunku jest komedia muzyczna. W USA pojawił się pod koniec XIX wieku.

Odmiany

Rodzaje teatrów są bezpośrednio powiązane z gatunkami, które są w nich reprezentowane. Chociaż wyrażają nie tyle gatunek, co formę gry aktorskiej. Wymieńmy niektóre z nich:

• operowy;
• dramatyczny;
• dziecięce;
• autorski;
• teatr jednoosobowy;
• teatr światła;
• komedia muzyczna;
• teatr satyry;
• teatr poetycki;
• teatr tańca;
• Muzyka pop;
• teatr robotów;
• balet;
• teatr zwierząt;
• teatr dla osób niepełnosprawnych;
• poddany;
• gra cieni;
• teatr pantomimy;
• teatr piosenki;
• ulica.

Teatr Opery i Baletu

Opera i balet pojawiły się we Włoszech w okresie renesansu. Pierwszy pojawił się w Wenecji w 1637 roku. Balet wyłonił się we Francji jako odrębny gatunek teatralny, przekształcając się z tańców dworskich. Bardzo często tego typu teatry są łączone w jednym miejscu.

Operze i baletowi towarzyszy orkiestra symfoniczna. Muzyka staje się integralną częścią tych produkcji. Oddaje nastrój i atmosferę wszystkiego, co dzieje się na scenie i podkreśla grę aktorów. Śpiewacy operowi pracują głosem i emocjami, a tancerze baletowi przekazują wszystko poprzez ruch. Teatry opery i baletu to zawsze najpiękniejsze instytucje teatralne. Mieszczą się one w najbogatszych budynkach miasta o unikalnej architekturze. Luksusowe wyposażenie, piękna kurtyna, duże orkiestrony – tak to wygląda od środka.

Teatr Dramatyczny

Tutaj główne miejsce zajmują aktorzy i reżyser. To oni tworzą osobowości bohaterów, przekształcając się w niezbędne obrazy. Reżyser przekazuje swoją wizję i kieruje zespołem. Teatr dramatyczny nazywany jest teatrem „doświadczeń”. K. S. Stanisławski pisał swoje dzieła studiując twórczość aktorów dramatycznych. Organizują nie tylko spektakle - zabawy o skomplikowanych fabułach. Teatr dramatyczny ma w swoim repertuarze komedie, musicale i inne przedstawienia muzyczne. Wszystkie spektakle oparte są wyłącznie na literaturze dramatycznej.

Teatr na każdy gust

Teatr Muzyczny to miejsce, w którym można obejrzeć każdy akt teatralny. Znajdują się tu opery, komedie, operetki, musicale i wszystkie te przedstawienia, które zawierają dużo muzyki. Pracują tu tancerze baletowi, muzycy i aktorzy. Teatr muzyczny łączy teatry opery, baletu i operetki. Każdy rodzaj sztuki teatralnej związany z muzyką popularną czy klasyczną może znaleźć w tym teatrze swoich fanów.

Przedstawienie kukiełkowe

To szczególne miejsce. Tutaj zanurzysz się w świat dzieciństwa i radości. Dekoracja jest tu zawsze kolorowa i przyciąga uwagę najmłodszych widzów. Teatr lalek jest często pierwszym teatrem, do którego uczęszczają dzieci. A od tego, jakie wrażenie zrobi na niedoświadczonym widzu, zależy od przyszłego stosunku dziecka do teatru. Różnorodne akcje teatralne opierają się na wykorzystaniu różnego rodzaju lalek.

Ostatnio aktorzy-lalkarze nie chowają się za ekranami, lecz wchodzą w interakcję z lalkami na scenie. Pomysł ten należy do słynnego S.V. Obraztsova. Włożył na rękę kukiełkę w rękawiczce o imieniu Tyapa i znakomicie grał na scenie miniatury, wcielając się w rolę swojego ojca.

Początki tego rodzaju teatru sięgają daleko w starożytną Grecję. Tworząc lalki do rytuałów, ludzie nie wiedzieli, że rozwinie się to w prawdziwą sztukę. Teatr lalek to nie tylko wstęp do sztuki, ale także metoda psychologicznej korekty najmłodszych.

Teatr Komedia

Połączeni aktorzy, którzy potrafią śpiewać i tańczyć. Powinny łatwo przyzwyczaić się do postaci komediowych i nie bać się być zabawnymi. Bardzo często można zobaczyć „Teatry Dramatu i Komedii”, „Teatry Komedii Muzycznej”. Połączenie kilku gatunków w jednym teatrze nie przeszkadza w zachowaniu jego pikanterii. W repertuarze mogą znajdować się operetki, komedie satyryczne, musicale, dramaty i przedstawienia muzyczne dla dzieci. Ludzie z przyjemnością chodzą do teatru komediowego. Sala jest zawsze pełna.

Teatrzyk rewiowy

Uzupełnienie typów teatrów stosunkowo niedawno. I publiczność od razu się w nim zakochała. Pierwszy teatr popowy pojawił się w połowie ubiegłego wieku. Stał się teatrem w Leningradzie, który został otwarty w 1939 roku. W 2002 roku otrzymał nazwę „Teatr Rozmaitości im. AI Raikin.” Różnorodni artyści to współcześni piosenkarze, tancerze i prezenterzy. Artyści różnorodni to gwiazdy show-biznesu, tancerze i showmani, jak się ich obecnie nazywa.

W różnych teatrach często odbywają się koncerty solowe, koncerty poświęcone pamiętnym datom i występy współczesnych autorów. Humoryści organizują tu koncerty, sceniczne przedstawienia komiksowe i przedstawienia dzieł klasycznych. Teatr muzyczny może oferować podobne przedstawienia.

Teatr Satyry

Bardzo kochamy publiczność! Od chwili pojawienia się odzwierciedla życie mieszczan, pokazując wszystkie niedociągnięcia i ośmieszając je. Aktorzy byli zawsze znani z widzenia, grali doskonałe role komiczne nie tylko na scenie, ale także w filmach. Teatry satyryczne zawsze znajdowały się w czołówce tych, którym zakazano wystawiania niektórych przedstawień. Było to spowodowane cenzurą. Wyśmiewając negatywne aspekty ludzkich zachowań, często można było przekroczyć granicę dopuszczalności. Zakazy przyciągnęły jeszcze więcej widzów. Wspaniali aktorzy teatru satyrycznego, którzy są dobrze znani: A. A. Mironow, Olga Aroseva, Spartak Mishulin, Michaił Derzhavin, Alexander Shirvindt. Dzięki tym ludziom teatry satyryczne pokochały publiczność.

Z biegiem czasu pojawiają się typy teatrów, które albo już dawno zostały zapomniane, albo zupełnie nie przypominają niczego, co istnieje.

Nowe trendy

Nowe typy świątyń sztuki zaskakują najbardziej wyrafinowanego widza. Niedawno w Polsce pojawił się pierwszy Teatr Robotów. Przedstawia aktorów-robotów, którzy za pomocą oczu i gestów przekazują swoje emocje. Spektakle przeznaczone są obecnie dla dziecięcej widowni, jednak liderzy projektu zamierzają stale poszerzać repertuar.

Latem przedstawienia teatralne odbywają się na świeżym powietrzu. Stało się to już tradycją. W tym roku wiele festiwali odbyło się na świeżym powietrzu. Tuż obok teatrów zbudowano małe sceny, na których odbywało się całe przedstawienie. Nawet artyści opery i baletu wychodzą już poza teatr, aby przyciągnąć jak najwięcej widzów.

Temat 6. Panorama głównych trendów w dziedzinie światowej rozrywki

Temat 7 Muzyka popowa lat 90. i początków XXI wieku

Lekcja próbna

ROZDZIAŁ III. Kultura rockowa
Temat 1. Muzyka rockowa jako fenomen kultury muzycznej XX wieku.

Temat 2. Amerykańska muzyka rockowa lat 50-tych.

Temat 4. Przegląd trendów w muzyce rockowej lat 70.-80. XX wieku.

Temat 5. Przegląd trendów w muzyce rockowej lat 90-tych.

Temat 6. Przegląd trendów w muzyce rockowej XXI wieku.

Temat 7. Muzyka rockowa w ZSRR

Temat 8. Panorama głównych kierunków współczesnego rocka krajowego

Dział IV Masowe gatunki teatru muzycznego

Temat

Temat 4. Musical rockowy

Temat 5. Opera rockowa

Raporty studentów

Zróżnicowany kredyt

CAŁKOWITY:

1. 3. WARUNKI REALIZACJI PROGRAMU DYSCYPLINARNEGO

3.1. Minimalne wymagania logistyczne

Placówka oświatowa realizująca program kształcenia specjalistów średniego szczebla w specjalności średnie kształcenie zawodowe musi posiadać bazę materialno-techniczną zapewniającą prowadzenie wszelkiego rodzaju zajęć praktycznych, kształcenia dyscyplinarnego, interdyscyplinarnego i modułowego, praktyki edukacyjnej, przewidzianych w art. program nauczania instytucji edukacyjnej. Realizacja programu dyscypliny wymaga obecności sali do zajęć grupowych.

Wyposażenie sali: stoły, krzesła (w zależności od liczby uczniów), tablica demonstracyjna, sprzęt wideo i audio (telewizor, odtwarzacz DVD, odtwarzacz winyli i CD, projektor, laptop, pianino)

Techniczne pomoce dydaktyczne: telewizor, odtwarzacz DVD, odtwarzacz winyli i CD, projektor, laptop (dostęp do Internetu)

1. 3.2. Wsparcie informacyjne dla szkoleń

2. Bibliografia

1. Konen V. Narodziny jazzu.-M., 1984.
2. Menshikov V. Encyklopedia muzyki rockowej. – Taszkent, 1992.
3. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
4. Feofanov O. Muzyka rockowa wczoraj i dziś - M., 1978.
5. Schneerson G. Piosenka amerykańska.-M., 1977.
6. Facet Erismana. Piosenka francuska.-M., 1974.

Temat 1. Jazz jako zjawisko sztuki muzycznej

Definicja jazzu. Mieszany charakter kultury jazzowej. Historyczne, społeczne i artystyczne przesłanki powstania jazzu. Periodyzacja historii jazzu.

Otwartość komunikacyjna kultury jazzowej. Interakcja z muzyką akademicką („Trzeci Prąd”), z folklorem narodów świata („Czwarty Prąd”).

Wykorzystanie środków wyrazu i technik jazzowych przez kompozytorów akademickich.

Temat 2. Początki jazzu

Mieszany charakter początków muzyki jazzowej.

Murzyńskie korzenie (muzykowanie improwizacyjne, specjalna organizacja rytmiczna - swing, specyficzne techniki wokalne - labilność - intonacja. Twarde tony, efekty wyłączenia, warczenia, wrzasku).

Europejskie tradycje jazzowe (tradycja muzykowania koncertowego, wykonywania kompozycji, harmonia tonalna, organizacja metrorytmiczna, prostopadłość struktur kompozycyjnych)

Amerykańska kultura codzienności. Teatr Minstrela.

Temat 3. Gatunki folkloru afroamerykańskiego

Wspólnymi cechami gatunku są zasada responsora, labilna intonacja, rola początku rytmicznego.

Gatunki duchowe – duchowość, gospel, ring-shout, jubileusze.

Piosenki robocze - piosenka robocza: ulica, pole, plantacja.

Temat 4 Blues: etapy rozwoju gatunku

Archaiczny („wiejski”) blues to gatunek folkowy o charakterze improwizacyjnym.

Blues klasyczny – cechy gatunkowe (treść figuratywna, forma bluesowa, tryb bluesowy, intonacja bluesowa, obszar niebieski, harmonia kwadratu bluesowego). Wykonawcy bluesowi - B. Smith, I. Cox, A. Hunter i inni.

Blues we współczesnym jazzie. Instrumentalny blues; rozwój gatunku w różnych stylach współczesnego jazzu.

Temat 5. Ragtime

Geneza gatunku; szmaciana muzyka, spacer po ciastach.

Charakterystyka gatunku: „melodia synkopowana na tle precyzyjnego metronomicznie ruchu ósemek w akompaniamencie”, „suita” zasada organizacji formy. Cechy techniki wykonawczej.

Kompozytorzy ragtime: Scott Joplin, Thomas Tarpen, James Scott i inni.

Rozwój ragtime’u – gatunki Advanced, Novetly.

Opera ragtime’owa. „Trimonisha” (S. Joplin)

Temat 6. Wczesne style jazzowe

Migracja Afroamerykanów ze wsi do miast i powstanie pierwszych ośrodków jazzowych (Nowy Orlean, Chicago, Kansas City, Nowy Jork).

Styl nowoorleański. Zespół marszowy, ich rola w powstaniu pierwszych zespołów jazzowych. Skład instrumentalny orkiestr jazzowych, funkcje instrumentów.

Prace D. R. Mortona, S. Becheta, L. Armstronga.

Rozprzestrzenianie się jazzu na wschodnim wybrzeżu i środkowym zachodzie (Kansas City, Memphis itp.)

Chicagowski styl. Dixieland i jego rola w rozwoju jazzu. Działalność „Original Dixieland Jazz Band” (lider Jack Lane). Styl domu w beczce. Gatunek boogie-woogie.

Temat 7. 1920-1930. Powstanie jazzu. Era swingu

Lata dwudzieste XX wieku to „wiek jazzu” (F. S. Fitzgerald). Przeniesienie centrum rozwoju jazzu do Nowego Jorku.

Jazz symfoniczny, jako przykład zbliżenia jazzu z tradycjami muzyki akademickiej. Twórczość J. Gershwina. Porgy and Bess to pierwsza opera napisana w oparciu o czarny folklor.

Muzyka słodka to kierunek tanecznego i rozrywkowego jazzu. Prace J. Kerna, K. Portera i innych.

Lata 30. – „era swingu”. Poszerzenie sfery istnienia jazzu (sale taneczne, restauracje, hotele; oprawa muzyczna przedstawień, musicali, filmów). Taneczna i rozrywkowa funkcja muzyki jazzowej w konsekwencji jej komercjalizacji.

Przeważająca pozycja big bandów. Zasady przekrojowego grupowania instrumentów. Funkcje aranżera i improwizatora. „Standardyzacja” języka muzycznego.

„Nazwij” big bandy (F. Henderson, C. Basie, D. Ellington, B. Goodman, G. Miller, V. Herman itp.)

Temat 8. Początek ery współczesnego jazzu. Lata 40. W stylu Bebopa.

Społeczno-polityczne przyczyny powstania bebopu – pierwszego stylu współczesnego jazzu. Reorientacja jazzu z obszaru kultury masowej do statusu sztuki elitarnej.

Skupienie się na muzyce kameralnej, czego efektem jest powstawanie małych grup wykonawczych – combo. Wzmocnienie roli improwizacji.

Komplikowanie systemu muzycznych środków wyrazu jazzu poprzez „zapożyczanie” dorobku współczesnej muzyki akademickiej. Odrodzenie tradycji labilnej intonacji ludowej i ich manifestacja w harmonicznym polu jazzu.

luminarze Bebopu – D. Gillespie, C. Parker, T. Monk.

Temat 9. Lata 50. XX w. Styl Kul i inne ruchy

Cool (cool) – jako reakcja na gorący bebop. Rozwój trendów w latach 40. - tendencja do muzykowania intymnego, aktualizacji języka muzycznego, wzmacniania zasady improwizacji. Intelektualizacja jazzu, przybliżanie go do muzyki tradycji akademickiej.

Przedstawicielami stylu fajnego są D. Brubeck, P. Desmond, B. Evans. „Nowoczesny kwartet jazzowy”.

Styl progresywny to styl koncertowego jazzu oparty na tradycjach swingowego big bandu. Liderzy orkiestry S. Kenton, V. German, B. Raeburn i inni.

Temat 10. Lata 60-te. Awangardowe style jazzowe

Free jazz to pierwszy awangardowy styl jazzu. Społeczne przesłanki powstania stylu. Tendencja do posługiwania się nowoczesnymi złożonymi środkami języka muzycznego ze swobodnym podejściem do formacji, tematyki, „siatki” harmonicznej, jednolitej pulsacji metrycznej.

Jazz „modalny”, jako odmiana free jazzu. Główną oprawą stylu jest improwizacja w wybranej skali.

Przedstawiciele free jazzu – O. Cowelman, J. Coltrane, C. Mingus, A. Shepp i inni.

Temat 11. Style jazzowe lat 1960-1970

Interakcja jazzu z różnymi kulturami muzycznymi w celu znalezienia źródeł wzbogacenia języka jazzowego.

Style etniczne. Afrocuba i bossa nova – muzyka jazzowa o latynoamerykańskim posmaku. Cechami charakterystycznymi są taneczno-gatunkowa rytmika, rozbudowa grupy perkusyjnej poprzez wykorzystanie różnych egzotycznych instrumentów.

Jazz-rock to ruch oparty na syntezie jazzu ze stylistyką rockową. Wzbogacanie brzmienia jazzowego poprzez zastosowanie specyficznych instrumentów elektromuzycznych. Jazz-rock w muzyce M. Davisa, C. Corei i innych.

„Część trzecia” to ruch łączący akademickie tradycje muzyczne („część pierwsza”) z jazzem („część druga”). Koncentracja na pisaniu kompozycji orkiestrowych w dużych formach, pozostawiając improwizację na drugim planie. Przedstawiciele „trzeciej części” – G. Schuller, „Swingle Singers”.

„Czwarty nurt”, czyli „world music”, to nowa fala etno-jazzu pojawiająca się od lat 70. XX wieku. Opiera się na oryginalnym folklorze narodowym świata. Prace Johna McLaughlina, Jana Garbarka, Johna Zorna, Sun Ra.

Temat 18. Jazz w Rosji Sowieckiej

Lata 20. w Rosji – „boom jazzowy”. Wyjazdy zagranicznych zespołów jazzowych i solistów jazzowych po ZSRR. Pierwsze zespoły jazzowe: „Eccentric Jazz Band of V. Parnakh” (1922), A. Tsfasman Orchestra (1926), Tea Jazz of L. Utesov-Ya. Skomorowski (1929). Popularyzacja jazzu poprzez kino („Jolly Fellows” G. Aleksandrowa z orkiestrą L. Utesowa). Utworzenie Państwowego Jazzu ZSRR (pod przewodnictwem M. Blantera i W. Knuszewskiego) oraz Orkiestry Jazzowej Ogólnounijnego Radia (pod przewodnictwem A. Warlamowa, później - A. Tsfasmana)

Różnorodność i rozrywkowa orientacja muzyki jazzowej lat 30.-40. XX w.; zbliżenie z sowiecką piosenką masową. „Piosenka jazzowa”. Działalność orkiestr pod kierunkiem O. Lundstrema, E. Rosnera. Twórczość kompozytorów I. Dunaevsky'ego, N. Bogoslovsky'ego i innych.

Lata 40.-50. to czas ostrej krytyki i zakazu jazzu, jako wyrazu ideologii państwa i polityki zagranicznej ZSRR. „Podziemny” jazz. Kreatywność Yu Saulsky'ego.

Lata 50.-60. XX w. – „odwilż Chruszczowa” – czas powstawania klubów jazzowych, organizacji festiwali jazzowych. Trasy zagranicznych jazzmanów. Udział muzyków radzieckich w zagranicznych festiwalach jazzowych.

Stopniowa legalizacja jazzu w latach 80. Powstanie pierwszego niezależnego klubu jazzowego w Leningradzie (1986), publikacje o jazzie w czasopiśmie „Musical Life”, premiera filmu „We are from Jazz” (reż. K. Szachnazarowa) z udziałem orkiestry pod dyrekcją A. Krolla (1983).

Temat 19. Jazz w poradzieckiej Rosji

Krajowi jazzmani, którzy pojawili się w latach 1960-1980: A. Kuznetsov, A. Kozlov, G. Golshtein, I. Bril, L. Chizhik, D. Kramer, V. Ganelin, V. Chekasin, A. Kondakov i inni. Wokaliści – L. Dolina, I. Otieva, V. Ponomareva.

Różnorodność stylów w działalności krajowych grup i solistów lat 80.: style retro (Leningrad Dixieland), bebop (D. Goloshchekin), fajny jazz (G. Lukyanov i jego zespół „Kadans”), free jazz (V. Gaivoronsky , W. Wołkow).

Pojawienie się nowych postaci krajowego jazzu w latach 90. - A. Rostotsky, A. Shilkloper, V. Tolkachev, N. Kondakov, A. Podymkin i inni.

Sekcja 2

Temat 1. Gatunek piosenki popularnej jako składnik muzyki pop

Piosenka jest jednym z najpopularniejszych gatunków pop. Początki popularnej piosenki. Chronologia rozwoju gatunku: epoka antyczna (synteza poezji i muzyki), średniowiecze (pieśni trubadurów, truwerów, minnesingerów, minstreli itp.), renesans (pieśni z towarzyszeniem instrumentalnym w sztuce zawodowej i codziennym muzykowaniu) , druga połowa XVIII-XX w. - odgałęzienie gatunku pieśni romantycznej, XIX w. podział gatunku pieśni na dwa kierunki – pop (zorientowany na masową publiczność) i „poważny” (sfera działalności kompozytorów akademickich).

Specyficznymi cechami gatunku są komunikatywność, demokracja, cechy tekstowe („poezja pieśniowa”). Różnorodność gatunków piosenek:

· według form egzystencji (dziecięca, studencka, żołnierska, miejska itp.)

· zgodnie z wytycznymi gatunkowymi (hymn, lament, hymn itp.)

Centralne miejsce gatunku piosenki w kulturze muzyki pop

Temat 2. Piosenka francuska

Początki chanson sięgają pieśni ludowych, twórczości trubadurów i truwerów. W XV-XVI w. chanson to polifoniczna pieśń będąca podsumowaniem narodowych tradycji pieśniarskich muzyki francuskiej.

XVII w. – wykonanie pieśni miejskich w wykonaniu profesjonalnych muzyków – Grosa Guillaume’a, Jeana Solomona i in.) Różnorodność tematów.

XVIII w. – działalność „teatrów chansonnier”. Wykonawcy Chanson - Jean Joseph Vade, Pierre-Jean-Gara i inni.

XIX wiek to dzieło chansonniera. Różnorodne maski artystyczne - „chłopiec ze wsi” (Chevalier), „dandy” (Frant) itp. W stylu wykonawczym nacisk kładziony jest nie tyle na sztukę wokalną, ile na kunszt.

XX w. – pieśń w twórczości Jacques’a Brela, Gilberta Becauda, ​​Charlesa Aznavoura, Edith Piaf, Yvesa Montanda. Tradycje pieśni w twórczości Joe Dassina i Mireille Mathieu.

Temat 3. Radziecka pieśń masowa

Rola gatunku pieśni w radzieckiej sztuce muzycznej lat 20. i 30. XX wieku.

Pieśń mszalna jako przykład porządku społecznego; środek masowej propagandy. Demokracja gatunku, dystrybucja masowa. Kino jako środek umasowienia gatunku. „Piosenki filmowe” I. Dunajewskiego.

Znaczenie pieśni masowych w okresie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i okresu powojennego.

1950-1060. Wzmocnienie wpływu gatunku pieśniowego na gatunki akademickie (opera pieśniowa) i muzykę masową (piosenka jazzowa).

Twórczość radzieckich kompozytorów i autorów tekstów - M. Blantera, S. Tulikova, V. Solovyova-Sedoya, Y. Frenkla, A. Pakhmutovej i innych.

Temat 4. Gatunek piosenki pop: etapy rozwoju rodzimej muzyki rozrywkowej

Pojawienie się gatunku na przełomie XIX i XX wieku. Pierwszymi gatunkami muzycznymi w Rosji były kuplety, „okrutne” i romanse cygańskie. Popularni śpiewacy pierwszej połowy XX wieku - I. Yuryeva, A. Vyaltseva, P. Leshchenko i inni.

Rozwój piosenki pop w Rosji Radzieckiej jest dziełem L. Utesova, M. Bernesa, M. Kristallinskiej, E. Piekhy i innych wykonawców. Twórczość VIA („Earthlings”, „Electroclub”, „Jolly Fellows”). Grupy skupiające się na stylu retro („Bravo”, „Doktor Watson”), na folklorystycznej specyfice republik związkowych („Yalla”, „Pesnyary”, „Mziuri”).

Współcześni wykonawcy piosenek popowych - A. Pugaczowa, S. Rotaru, L. Vaikule, F. Kirkorov, V. Leontyev i inni. Postawa definiująca współczesne występy popowe, wizualna jasność i skuteczność, dewaluacja umiejętności wokalnych (śpiewanie do ścieżki dźwiękowej).

Piosenka autorska jako alternatywa dla pop-artu. Kameralne występy, maksymalna bliskość słuchacza. Wykonawcami oryginalnej piosenki są Alexander Galich, Yuri Vizbor, Novella Matveeva, Sergei i Tatyana Nikitin, Alexander Dolsky, Yuliy Kim i inni.

Twórczość Bułata Okudżawy. „Motyw moskiewski”; piosenki-wspomnienia, piosenki-stylizacje.

Oryginalność twórczości pieśniowej Włodzimierza Wysockiego; skrajna emocjonalność, żywa charakterystyka bohaterów, satyra. „Cykliczność” pieśni – militarnych, historycznych, codziennych i innych.

Temat 6. Panorama głównych nurtów w dziedzinie krajowej współczesnej muzyki pop

Gatunek piosenki jest dominujący we współczesnej muzyce pop. Twórcy piosenek skupiają się głównie na przeboju; stereotypowy, uproszczony język muzyczny. Zmiany w specyfice gatunkowej utworu autorskiego pod wpływem popu (A. Rosenbaum, O. Mityaev), „Russian chanson” (M. Shufutinsky, A. Novikov). Współczesna piosenka popowa jako tło w życiu codziennym.

Alternatywnym sposobem rozwoju piosenki popowej jest „teatr pieśni” E. Kamburowej w syntezie z folk rockiem (I. Zhelannaya).

Sekcja 3

Temat 1. Rock jako fenomen kultury muzycznej XX wieku

Kultura rockowa jako zjawisko społeczno-kulturowe; forma współczesnego folkloru miejskiego, która zapewnia możliwość wyrażania siebie. Specyficzne środki muzyki rockowej opierają się na wzorcach (country, blues, muzyka komercyjna), ale jednocześnie problematyczna jest treść, dążenie do głębi tematów i obrazów.

Instrumenty elektroniczne jako określenie specyficznego rockowego brzmienia.

Temat 2. Amerykańska muzyka rockowa lat 50-tych

„Eksplozja” rock and rolla w Stanach Zjednoczonych w latach pięćdziesiątych. Początki: rytm i blues, country, western.

Wykonawcy rock and rolla - B. Haley, J. Lewis, E. Presley. Specyfiką stylu jest kompozycja barwy (trzy gitary elektryczne i perkusja), orientacja taneczna.

Temat 3. Brytyjski beat z lat 60-tych

Muzyka beatowa jako jedna z form młodzieżowej muzyki tanecznej i rozrywkowej lat 60-tych. Charakterystyka muzyczna muzyki beatowej.

Rodzaje muzyki beatowej (hard beat, soft beat, mainstream beat i inne). Dystrybucja w USA i Europie.

Twórczość Beatlesów. Kształtowanie się oryginalnego stylu wykonawczego. Trendy twórcze, które wyznaczyły główne kierunki rozwoju skał.

Temat 4. Przegląd trendów w muzyce rockowej lat 70. - 80. XX wieku

Koniec lat 1960-1970 to dojrzały okres w rozwoju muzyki rockowej. „Rozgałęzienie” trendów twórczych.

Rock psychodeliczny jako odzwierciedlenie ideologii hipisowskiej. Kompozycje medytacyjne, komplikacja języka muzycznego. Twórczość grupy „Pink Floyd”.

Rock progresywny jest tematem protestu przeciwko polityce rządu, rasizmowi, wojnie i bezrobociu. Album „Pink Floyd”

"Ściana".

Art rock to kierunek charakteryzujący się skomplikowaniem języka muzycznego na skutek zbieżności z tradycjami muzyki akademickiej i jazzu. Kreatywność grup „Emerson, Lake & Palmer”, „King Crimson”.

„Hard rock” – wzmożone elektroniczne brzmienie, ostry rytm, ciężkość brzmienia. Twórczość grup „Uriah Heep” „Black Sabbath”.

Glam rock to kierunek rocka kojarzony ze zwiększoną rozrywką i teatralizacją występów koncertowych. Przedstawiciele glam rocka - Freddie Mercury, Frank Zappa.

Temat 5. Muzyka rockowa w ZSRR

Koniec lat 60. to czas penetracji zachodniej muzyki rockowej do ZSRR. Postrzeganie rocka jako formy protestu przeciwko oficjalnej ideologii ustroju państwa.

„Zalegalizowany” rock w wykonaniu filharmonii VIA („Jolly Fellows”, „Singing Guitars”, „Pesnyary”); tematyka liryczna, taneczna i rozrywkowa orientacja piosenek.

Przeciwieństwem „filharmonicznego rocka” jest grupa „Time Machine”.

Kierunek folklorystyczny w kulturze rockowej - „Pesnyary”, „Syabry”, „Yalla”.

VIA i teatr muzyczny. „Śpiewające gitary” – „Orfeusz i Eurydyka” (muzyka A. Zhurbina), „Ariel” – „Opowieść o Emelyanie Pugaczowie” (muzyka V. Yarushina), „Araks” – „Gwiazda i śmierć Joaquina Murriety” (muzyka A. Rybnikowa ), „Rock Studio” - „Juno i Avos” (muzyka A. Rybnikowa).

Rock underground - kluby w Leningradzie (grupy „Akwarium”, „Alisa”, „Kino”), Moskwie („Zvuki Mu”, „Brygada S”), Ufie „DDT” i innych miastach. Swierdłowsk jest jednym z ośrodków krajowego rocka (zespoły „Urfin Juice”, „Nautilus Pompilius”, „Chaif”, „Agatha Christie”, „Sansara”, „Sahara”, „Semantic Hallucinations” i inne).

Temat 6. Panorama głównych nurtów współczesnego rocka.

Konsekwencje współczesnych trendów rockowych. Wpływ technologii komputerowej na rozwój kultury rockowej. Standaryzacja języka muzycznego, wyrównanie pochodzenia autora, dominacja form studyjnych nad formami koncertowymi.

Nowoczesne trendy technologiczne:

Hip-hop to kierunek łączący malowidła ścienne - graffiti, breakdance i kierunek muzyczny - rap.

House to ruch oparty na połączeniu muzyki techno i disco. Opiera się na mieszance teksturowanego basu perkusyjnego (disco) i „ciężkiego” brzmienia elektronicznego (bas, beaty, różne efekty dźwiękowe itp.)

Rave to trend, który reprezentuje sposób życia w ogóle. Impreza rave – wielka dyskoteka klubowa. Rave to rodzaj muzyki techno, charakteryzujący się dominacją rytmu nad melodią i maksymalną głośnością.

Sekcja 4

Temat 1. Musical: historia powstania, etapy rozwoju gatunku

Musical to jeden z czołowych masowych gatunków teatru muzycznego. Początki gatunku to teatr minstreli, rewia, wodewil, sala muzyczna, skecze muzyczne. Różnorodność gatunków środków wyrazu stosowanych w musicalu (operetka, wodewil, współczesna kultura pop i rock, choreografia). Rola sztuki jazzowej w kształtowaniu specyfiki gatunkowej musicalu.

Etapy rozwoju gatunku (lata 20.-30., 30.-60., 70.-80., musical współczesny).

Powstanie gatunku w latach dwudziestych XX wieku, jako odzwierciedlenie zwiększonego zapotrzebowania społeczeństwa na kulturę rozrywkową. Cechami sztuki masowej w musicalu są schematyczna fabuła, rozrywka, „sztuczny” język i uproszczone słownictwo.

Cechy dramaturgii klasycznego musicalu na przykładzie dzieł J. Gershwina („Lady, Be Kind”), J. Kerna („Excellent, Eddie”), K. Portera „Kiss Me, Kat”), I. Blakeya i innych.

Temat 3. Powstanie gatunku muzycznego (lata 40.-60. XX w.)

Nowe cechy gatunku

Rozszerzanie tematów; „opanowanie” fabuły klasycznych dzieł literackich – K. Portera „Pocałuj mnie, Kate” (na podstawie „Poskromienia złośnicy” W. Szekspira, F. Lowe’a „Moja piękna dama” (na podstawie „Pigmaliona B. Shawa ”), L. Bernsteina „West Side Story” „(na podstawie „Romea i Julii” W. Szekspira) itp.

Wzmocnienie roli tańca. Zaangażowanie w spektakl znanych choreografów: B. Fosse w „Chicago” i „Cabaret”, J. Robbins i P. Gennaro w „West Side Story”

Musicale filmowe - przeniesienie musicalu teatralnego do kina, a także stworzenie musicalu na podstawie filmu („Oliver!”, „My Fair Lady”, „Man of La Mancha”)

Temat 4. Opera rockowa

Lata 60.-1070. XX w. – pojawienie się opery rockowej. Tradycja łączenia kompozycji opartych na jednej fabule w album („The Wall” zespołu Pink Floyd).

Wczesne opery rockowe - „Hair” G. McDermotta, „Salvation” T. Leana itp.

Specyfika opery rockowej na przykładzie „Jesus Christ Superstar” E. L. Webbera. Inne opery rockowe kompozytora to „Evita”, „Koty”, „Upiór w operze”.

Temat 5. Musicale rockowe

Musicale rockowe w Rosji - „Orfeusz i Eurydyka” A. Zhurbina, „Gwiazda i śmierć Joaquina Murriety”, „Juno i Avos” A. Rybnikowa, „Giordano” L. Quinta i innych.

Współczesna muzyka jazzowa i popowa podlega ciągłemu rozwojowi. Obejmuje zarówno ustalone gatunki i formy muzyczne, jak i nowe nurty stylistyczne. Dlatego kurs ten jest stale uzupełniany i aktualizowany o materiał. Program podzielony jest na kilka sekcji. Pierwsza część poświęcona jest rozwojowi muzyki jazzowej. Studenci powinni poznać główne etapy rozwoju muzyki jazzowej, zrozumieć ogólne wzorce rozwoju jej stylów, zapoznać się z najlepszymi przykładami zagranicznej i krajowej klasyki jazzu, a także twórczością kompozytorów, aranżerów i wybitni wykonawcy jazzowi. Druga część programu poświęcona jest przeglądowi głównych kierunków twórczości piosenek popowych. W trzeciej części prześledzimy rozwój muzyki rockowej, a w czwartej, ostatniej rock operze i musicalu.

Celem zajęć „Historia różnorodnych stylów muzycznych” w szkole średniej zawodowej jest poszerzenie horyzontów artystycznych uczniów, a także rozwinięcie umiejętności poruszania się po różnych stylach i kierunkach muzycznych w praktyce artystycznej. Dlatego głównym wymogiem samodzielnej pracy ucznia jest przestudiowanie zalecanej literatury i wysłuchanie materiału audio na lekcję.

Przedmiot ten uzupełnia cykl dyscyplin specjalistycznych i teoretycznych. Studiowanie kursu”Historia stylów muzycznych pop„obejmuje interdyscyplinarne powiązania z takimi dyscyplinami jak literatura muzyczna, specjalność, zespół, orkiestra.

Opanowanie przedmiotu sprzyja rozwojowi twórczego myślenia uczniów. Systematyczne, systematyczne odrabianie zadań domowych pomoże odkryć potencjał twórczy ucznia i poszerzyć jego horyzonty.

1. Praca z ankietą.
2. Praca z dodatkową literaturą poleconą przez nauczyciela (polega na robieniu notatek).
3. Uzupełnianie abstraktów.
4. Słuchać muzyki.

1. 4. KONTROLA I OCENA WYNIKÓW Opanowania dyscypliny

1. Monitorowania i oceny efektów opanowania dyscypliny dokonuje nauczyciel w procesie prowadzenia zajęć praktycznych i prac laboratoryjnych, kolokwium, a także studentów realizujących indywidualne zadania, projekty i badania.

Wyniki nauki (opanowane umiejętności, zdobyta wiedza)	Formy i metody monitorowania i oceniania efektów uczenia się
Umiejętności: poruszać się po głównych odmianach stylistycznych muzyki pop i jazzu; poruszać się po zagadnieniach filozofii i psychologii muzyki pop-jazzowej; odróżnić mistrzów jazzu od ich komercyjnych odpowiedników.	Bieżąca kontrola - wykonanie abstraktów
Wiedza: główne etapy historyczne powstawania i rozwoju muzyki rozrywkowej i jazzu w kontekście zjawisk społeczno-gospodarczych, narodowo-etnicznych i artystyczno-estetycznych; główne odmiany stylistyczne jazzu, które wyłoniły się w procesie jego rozwoju; specyficzne techniki jazzowe (improwizacja, cechy metryczno-rytmiczne, swing, artykulacja); środki wyrazu muzycznego i wykonawczego muzyki rozrywkowej i jazzowej; cechy rozwoju i stylistyki krajowego jazzu; interakcja jazzu z innymi formami sztuki muzycznej	Kwestionariusze, quizy, komunikaty wykorzystujące dodatkową literaturę i podsumowujące materiał przestudiowany na zajęciach

5. WYKAZ LITERATURY PODSTAWOWEJ I DODATKOWEJ

Literatura główna

1. Ovchinnikov, E. Historia jazzu: podręcznik. W 2 numerach. / E. Owczinnikow. – Moskwa: Muzyka, 1994. – Wydanie. 1.
2. Klitin, S. Sztuka rozmaita XIX-XX w. / S. Klitin. – Petersburg: SPbGATI, 2005.
3. Konen, V. Narodziny jazzu / V. Konen. – Moskwa: kompozytor radziecki, 1990.
4. Muzyka rockowa w ZSRR: doświadczenia popularnej encyklopedii / komp. A. Troicki. – Moskwa: Książka, 1990.

dodatkowa literatura

1. Ayvazyan A. Rock 1953/1991.- St.Petersburg, 1992
2. Batashev A. Radziecki jazz.-M., 1972.
3. Bensona Rossa. Paula McCartneya. Osobowość i mit. – M., 1993.
4. Bril I. Praktyczny przewodnik po improwizacji jazzowej - M., 1979.
5. Bychkov E. Pink Floyd (Legends of Rock) - Karaganda, 1991.
6. Vorobyova T. Historia zespołu Beatlesów.-L., 1990.
7. Dmitriev Yu Leonid Utesov.-M., 1983.
8. Davisa Huntera. Beatlesi. Autoryzowana biografia.-M., 1990.
9. Kozlov, A. Rock: historia i rozwój / A. Kozlov. – Moskwa: Synkopa, 2001.
10. Kokorev, A. Punk rock od A do Z / A. Kokorev. – Moskwa: Muzyka, 1991.
11. Collier J. Louis Armstrong. M., 1987
12. Collier J. Powstanie jazzu.-M., 1984.
13. Korolev, O. Zwięzły encyklopedyczny słownik muzyki jazzowej, rockowej i popowej: terminy i pojęcia / O. Korolev. – Moskwa: Muzyka, 2002 Collier J. Duke Ellington. M., 1989
14. Notatnik Kurbanovsky A. Rock. Petersburg, 1991
15. Markhasev L. W gatunku lekkim.-L., 1984.
16. Menshikov V. Encyklopedia muzyki rockowej. –Taszkent, 1992
17. Moszkow, K. Blues. Wprowadzenie do historii / K. Moshkov. – Petersburg: Łan, 2010
18. Moshkov, K. Przemysł jazzowy w Ameryce / K. Moshkov. – Petersburg: Łan, 2008
19. Muzyka naszych czasów / wyd. D. Wołochin – Moskwa: Avanta+, 2002
20. Panasier Południe. Historia autentycznego jazzu.-M., 1990
21. Pereverzev L. Eseje o historii jazzu. // Życie muzyczne.-1966.-№3,5,9,12
22. Pereverzev L. Duke Ellington i jego orkiestra // Życie muzyczne.-1971.-nr 22.
23. Pereverzev L. Charlie Parker.// Życie muzyczne.-1984.-nr 10.
24. Pereverzev L. Oleg Lundstrem Orchestra // Życie muzyczne.-1973.-nr 12.
25. Porozmawiajmy o jazzie: refleksje wielkich muzyków o życiu i muzyce / przeł. z angielskiego Yu Vermenich. – Rostów nad Donem: Phoenix, 2009.
26. Sargent W. Jazz.-M., 1987.
27. Simonenko P. Melodie jazzu.-Kijów, 1984
28. Niebiański Rick. Freddie Mercury.-M., 1993.
29. Radziecki jazz: problemy. Wydarzenia. Masters.-M., 1987.
30. Troitsky A. Muzyka młodzieżowa lat 80. // Życie muzyczne.-1980.-nr 12.
31. Fedorov E. Rock w kilku twarzach.-M., 1989.
32. Feiser L. Książka o jazzie. Tłumaczenie: Yu Vermenich. Woroneż, 1971
33. Feofanov O. Muzyka buntu.-M., 1975.
34. Feyertag, V. Jazz w Rosji. Krótka encyklopedyczna książka referencyjna / V. Feyertag. – Petersburg: SKIFIA, 2009.
35. Fischer, A. Styl jazzowego bebopu i jego luminarze: podręcznik) / A. Fischer, L. Shabalina. – Tiumeń: RIC TGAKIST, 2010.
36. Chugunov Y. Harmonia w jazzie.-M., 1980.
37. Schmiedel G. Beatlesi. Życie i pieśni.-M., 1977.

1. Wybrana dyskografia według kursu

1. „AVVA” s60-08353-54
2. Zespół „Arsenał”. Drugi wiatr s60-2369002
3. Antologia radzieckiego jazzu. Pierwsze kroki M6045827006
4. Armstronga Ludwika. s60-05909-10
5. Basie Count i siedem z Kansas City s60-10279-80
6. Hrabia Basi. Gdy słońce zachodzi. M60-47075-009
7. Hrabia Basi. 14 złotych melodii (2pln). s60-18653-4
8. Beatlesi. Smak miodu. s60-26581-006
9. Beatlesi. Ciężki dzień, noc. s60-23579-008
10. Beatlesi. Piosenki miłosne VTA 1141/42
11. Bril Igor, zespół jazzowy. Orkiestra przyjechała w dniach 60-14065-66
12. Brubeck Dave w Moskwie (2pl.) s.60-301903007, s.60-30195-001
13. Gershwina George’a. Popularne melodie s60-08625-26
14. Dyskoteka-9. Kompozycje jazzowe s60-19673-000
15. Gołoszczekin Dawid. Leningradzki Zespół Jazzowy. 15 lat później. s60-20507-007
16. Goodmana Benny’ego. Co może zrobić światło księżyca? M6047507006
17. Davis Miles i giganci współczesnego jazzu M60-48821-006
18. James Harry i jego orkiestra. Mężczyzna, którego kocham M60-49229-006
19. Głęboki fiolet. W skale P91-00221-2
20. Johna Eltona. Miejski włóczęga. s60-24123-002
21. Johna Eltona. Twoja piosenka s60-26003-002
22. Johna Eltona. Ten BL1027
23. Dorota Donegan s60-20423-005
24. "Królowa." Największe hity A60-00703-001
25. Grupa „Wierność”. Podróżująca Orkiestra. S60-27093-009
26. Zespół „Led Zeppelin”. Schody do nieba s60-27501-005
27. Oleg Lundstrem i jego orkiestra. Pamięci Duke'a Ellingtona s60-08473-74
28. Leningrad Dixieland 33SM02787-88
29. Oleg Lundstrem i jego orkiestra. W bogatych kolorach s60-1837-74
30. Oleg Lundstrem i jego orkiestra. Serenada z Doliny Słońca s. 60-18651-52
31. McCartney Paul. Z powrotem w ZSRR. A6000415006
32. Miller Glenn i jego orkiestra. W nastroju M60-47094-002
33. Sklep muzyczny. Pamięci L. Utesova M6044997-001
34. Parkera Charliego. M60-48457-007
35. Pink Floydów. Na żywo A60 00543-007
36. Peterson Oscar i Dizzy Gillespie s60-10287-88
37. Oskar Petersona. Trio O. Petersona. s60-16679-80
38. Presleya Elvisa. Wszystko jest w porządku M60-48919-003
39. Zespół Rolling Stones. Igranie z ogniem M60 48371 000
40. Zespół Rolling Stones. Lady Jane s60 27411-006
41. Ross Diana s60-12387-8
42. Whiteman Paul, orkiestra p/u M60 41643-44
43. Cudowny StevieSun mojego życia S60 26825-009
44. Fitzgerald Ella S60-06017-18
45. Fitzgerald Ella śpiewa dzieła Duke'a Ellingtona C90 29749004
46. Fitzgeralda Ellę. Taniec w Sabaudii. С6027469006
47. Hendrix Barbara. Negro Spirits A 1000185005
48. Tsfasman Aleksander. Spotkania i rozstania M6047455-008
49. Webbera Andrew Lloyda. Jezus Chrystus - supergwiazda P9100029
50. Zimowy Paweł. Ziemia Koncertowa s6024669003
51. Charlesa Raya. Wybrane utwory. VTA 11890
52. Ellington Duke spotyka Colemana Hawkinsa c60-10263-64
53. Ellington Duke i jego orkiestra. Koncert (pl.2) с6026783007

Załącznik 2

Kwestionariusz

1. Afroamerykańskie korzenie jazzu.
2. Czym jest improwizacja?
3. Periodyzacja ewolucji stylistycznej jazzu.
4. Duchowe:

Czas wystąpienia;

Definicja;

1. Wczesny folklor afroamerykański:

2 grupy;

Krótki opis gatunków;

1. Pieśni robotnicze
2. Poetyckie obrazy (teksty) duchowości.
3. Styl muzyczny czy charakterystyczne cechy gatunkowe duchowości.
4. Ewangelia:

Krótki opis;

Różnica od duchowości;

1. Wykonawcy pieśni robotniczych i duchowych.
2. Ragtime:

Definicja;

Charakterystyka (występowanie, czas);

1. "Sportowe życie":

Znaczenie słowa;

1. Scotta Joplina
2. Kiedy ukazał się ragtime „Maple Leaf”?

Wyjaśnij wygląd.

1. Dzielnice rozrywkowe Nowego Orleanu, Chicago,

Nowy Jork.

1. Cechy sceny minstrela (czarnej).
2. Jakie tańce zakończyły ewolucję ragtime'u.
3. W jakich dziełach muzyki klasycznej pojawiają się cechy duchowości i ragtime'u?
4. Wymień gatunki i nazwy duchów.
5. Znaczenie słowa „blues”.
6. Czas pojawienia się wczesnego bluesa.
7. Odmiany bluesa (klasyfikacja).
8. Znani przedstawiciele i wykonawcy wiejskiego bluesa.
9. Charakterystyka wiejskiego bluesa.
10. Charakterystyka bluesa miejskiego (czas wystąpienia).
11. Pierwsza piosenkarka bluesowa.
12. „Królowie” i „Królowe” bluesa.
13. Charakterystyka bluesa miejskiego (czas powstania).
14. Różnica między bluesem a duchowością.
15. Charakterystyka gatunkowa bluesa.
16. Poetyckie obrazy bluesa i jego treść.
17. Wykonawcy bluesa.
18. Pierwszy drukowany blues. Kompozytorzy. Tytuły.
19. Tytuł utworu J. Gershwina wykorzystującego motywy bluesowe.
20. Modyfikacje gatunkowe i stylistyczne bluesa. Przedstawiciele.
21. Jazz - znaczenie tego słowa. Pochodzenie.
22. Miasto jest „kolebką jazzu”.
23. Wczesne style jazzowe. Różnice.
24. Euroamerykański rodzaj muzyki jazzowej. Dixieland. Przedstawiciele.
25. Orkiestry marszowe i orkiestry uliczne Nowego Orleanu.
26. Jazzmani nowej generacji (Nowy Orlean, Chicago).
27. Uliczny jazz:

Czas wystąpienia;

Charakterystyka;

Przedstawiciele;

Dodatek 3

Lista terminów dyktowania terminologicznego

ROZDZIAŁ I. Sztuka jazzowa

Archaiczny blues, archaiczny jazz, muzyka afroamerykańska, harmonia fryzjerska, styl baryłkowy, big beat, big band, akordy blokowe, wędrujący bas, blues, tryb bluesowy, orkiestra dęta, break, bridż, boogie-woogie, tło, Harlem jazz , growl, Ground Beat, brud tony, jazzowanie, forma jazzowa, styl dżungli, Dixieland, spacer po ciastku, klasyczny blues, refren, teatr minstrel, off beat, dźwięki off pitch, riff, huśtawka, jazz symfoniczny, styl stride

Jazz awangardowy, jazz afro-kubański, jazz barokowy, bebop, wersja, jazz z zachodniego wybrzeża, combo, mainstream, progresywny, scat, jazz nowoczesny, technika stop-time, „część trzecia”, jazz folkowy, mocny beat, free jazz , fusion, hard bop, ohler, hot jazz, „fourth current”, chicagowski jazz, shuffle, jazz elektroniczny, „era jazzu”.

ROZDZIAŁ II. Muzyka popowa

ROZDZIAŁ III. Kultura rockowa

rock awangardowy, rock alternatywny, underground rock, art rock, beatnicy, black metal, breakdance, gitter rock, glam rock, grunge, rock industrialny, rock intelektualny, rock mainstreamowy, punk rock, rock progresywny, rytm i blues, rockabilly, rock and roll, reggae, rave, rap, rock symfoniczny, rock folk, hard rock, heavy metal,

Dodatek 4

Przykładowe bilety dla zróżnicowanych rankingów

Bilet nr 1

1. Początki muzyki jazzowej

2. Piosenka francuska

Bilet numer 2

1. Gatunki folkloru afroamerykańskiego

2. Etapy rozwoju piosenki popowej w krajowej i zagranicznej muzyce rozrywkowej

Bilet numer 3.

1. Ragtime

2. Amerykańska muzyka rockowa lat 50. i 60. XX wieku

Bilet nr 4

1. Blues: etapy rozwoju gatunku

2. Radziecka pieśń masowa

Bilet nr 5

1. Klasyczny jazz. Styl swingowy

2. Muzyka rockowa w ZSRR

Bilet numer 6

1. Fajny styl i inne ruchy jazzowe lat 50

Bilet numer 7

1. Style jazzowe 1960-1970

2. Brytyjski beat z lat 60. XX wieku

Bilet numer 8

1. Styl Bebopa.

2. Opera rockowa i musical rockowy

Bilet numer 9

1. Drogi rozwoju jazzu w poradzieckiej Rosji

2. Musical klasyczny (lata 20.-30. XX w.)

Bilet numer 10

1. Awangardowe style jazzowe. Darmowy jazz

2. Musical klasyczny (lata 20.-30. XX w.)

Bilet nr 11

1. Jazz w Rosji Sowieckiej

2. Gatunek muzyczny: historia powstania, etapy rozwoju

Dodatek 5

Kryteria oceny odpowiedzi uczniów w trakcie kolokwium:

Ocena „doskonała” zostaje przyznana, jeśli odpowiedź na materiał teoretyczny jest merytoryczna, logicznie ustrukturyzowana, wystarczająco szczegółowo ukazuje omawiane zagadnienie, opiera się na prawidłowej interpretacji terminologii oraz jest opatrzona przykładami muzycznymi i ilustracyjnymi.

Ocena „dobra” zostaje przyznana, jeśli odpowiedź na materiał teoretyczny nie jest wystarczająco szczegółowa i występują drobne błędy w użyciu terminologii.

Ocena „dostateczna” zostaje przyznana, jeśli odpowiedź teoretyczna opiera się na dyskretnie przedstawionych informacjach, które nie dają pełnego obrazu rozpatrywanego zagadnienia i ujawnia się słaba znajomość terminologii.

Korzenie pop-artu sięgają odległej przeszłości, której ślady można odnaleźć w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jego elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komediantów-bufonów (Rosja), szpilmanowa (Niemcy), żonglerów (Francja), dandysów (Polska), przebierańców (Azja Środkowa) itp.

Satyra na życie miejskie i moralność, ostre dowcipy na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, sceny komiczne, dowcipy, gry, pantomima klauna, żonglerka i muzyczne dziwactwa były początkiem przyszłych gatunków pop, zrodzonych w zgiełku karnawału i kwadratowe rozrywki.

Barkerzy, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów i zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i targowiskach, stali się później poprzednikami artystów. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było niezbędnym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Nie występowali wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi.

W Rosji początki gatunków popowych przejawiały się w błazeńskiej zabawie, zabawie i masowej kreatywności, festiwalach folklorystycznych. Ich przedstawicielami są raus jokers z obowiązkową brodą, którzy bawili i zapraszali publiczność z górnej platformy rausu, pietruszkowi, raeshnicy, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-bufony wykonujący „szkice” i „powtórki” wśród tłum, grający na piszczałkach, harfie, pociągający nosem i zabawiający ludzi.

Sztukę różnorodną charakteryzują takie cechy, jak otwartość, lakonizm, improwizacja, świąteczność, oryginalność i rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Sam nastrój uroczystości powstał dzięki zabawom zewnętrznym, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu przestrzeni scenicznej itp. Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

Scena koncertowa (dawniej zwana „divertissement”) łączy wszystkie rodzaje występów w różnorodne koncerty;

Scena teatralna (przedstawienia kameralne teatrów miniaturowych, teatrów kabaretowych, teatrów kawiarnianych lub wielkoformatowych rewii koncertowych, sal muzycznych, z liczną obsadą sceniczną i pierwszorzędną technologią sceniczną);

Scena świąteczna (uroczystości ludowe, święta na stadionach, pełna występów sportowych i koncertowych, a także balów, karnawałów, maskarad, festiwali itp.).

Są też takie:

3. 1. TEATRY ROZMIAROWE

3.1.1.SALE MUZYCZNE

Jeśli podstawą spektaklu rozrywkowego jest ukończony numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiemu, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników spektaklu: albo liczby, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas realizacji „Cuda XX wieku” – spektakl rozpadł się na kilka niezależnych, luźno powiązanych epizodów. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych występów cyrkowych odniosło sukces wśród publiczności. Zespół baletowy w inscenizacji Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, krzyczmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie imponujący był występ „Snake”. Wśród występów cyrkowych najlepsi byli: Tea Alba oraz „Australian Lumberjacks” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką pisała kredą na dwóch tablicach różne słowa. Drwale na końcu pomieszczenia ścigali się, by ściąć dwie grube kłody. Niemiecki Strodi pokazał doskonałe balansowanie na drucie. Wykonywał salta na linie. Spośród artystów radzieckich, jak zawsze, wielki sukces odnieśli Smirnow-Sokolski i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród występów cyrkowych wyróżniał się występ Zoe i Marty Koch na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 r. odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. 1.2 TEATR MINIATUR – zespół teatralny działający przede wszystkim na małych formach: małych sztukach, skeczach, operach, operetkach oraz numerach wariacyjnych (monologach, kupletach, parodiach, tańcach, pieśniach). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, nie wyklucza się liryzmu. Zespół jest niewielki, możliwy jest teatr jednego lub dwóch aktorów. Lakoniczne w swej formie spektakle przeznaczone są dla stosunkowo małej publiczności i stanowią swego rodzaju mozaikowe płótno.

3. 1.3. GATUNKI KONWERSACYJNE na scenie - symbol gatunków kojarzonych przede wszystkim ze słowem: artysta estradowy, sidehow, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, feuilleton, mikrominiatura (żart inscenizowany), burime.

Animator - animator może być sparowany, pojedynczy lub masowy. Gatunek konwersacyjny zbudowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Różnorodny monolog może mieć charakter satyryczny, liryczny lub humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub utwór muzyczny o charakterze humorystycznym, wykonywany jako niezależny numer.

Skit to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła opiera się na nieoczekiwanych zabawnych, przejmujących sytuacjach, zwrotach akcji, pozwalając na powstanie całej serii absurdów w trakcie akcji, ale gdzie wszystko zwykle kończy się szczęśliwym rozwiązaniem. 1-2 znaki (ale nie więcej niż trzy).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek mówiony na scenie. Na dzisiejszej scenie popularny żart (niepublikowany, nie drukowany - z języka greckiego) to krótka, tematyczna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby odtworzyć podobieństwo brzmieniowe równoważnych słów lub kombinacji.

Repryza to najpopularniejszy gatunek krótkich konwersacji.

Kuplety to jeden z najbardziej zrozumiałych i popularnych rodzajów konwersacji. Kupletysta stara się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i konwersacyjne obejmują kuplet, ditty, chansonette i muzyczny felieton.

Parodia powszechnie występująca na scenie może mieć charakter „rozmówczy”, wokalny, muzyczny lub taneczny. Kiedyś do gatunków mowy zaliczały się recytacje, recytacje melodyczne, montaże literackie i „czytanie artystyczne”.

Niemożliwe jest podanie dokładnie zarejestrowanej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słów z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, ventrologia itp.) Dają początek nowym formacjom gatunkowym. Żywa praktyka nieustannie dostarcza najróżniejszych odmian, nieprzypadkowo na starych plakatach zwyczajowo do nazwiska aktora dodawano „w swoim gatunku”.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, swoją historię i strukturę. Rozwój społeczeństwa i warunków społecznych podyktował pojawienie się tego czy innego gatunku. Właściwie tylko artystę urodzonego w kabarecie można uznać za gatunek „różnorodny”. Reszta pochodziła z budek, teatrów i ze stron magazynów humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w odróżnieniu od innych, które skłaniają się ku innowacjom zagranicznym, rozwijały się zgodnie z rodzimą tradycją, w ścisłym powiązaniu z teatrem i literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy jest związany z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. Jednak samoistna wartość aktorstwa nie umniejsza wagi autora, od którego w dużej mierze zależy powodzenie aktu. Autorami często stali się sami artyści. Tradycje I. Gorbunowa przejęli gawędziarze popowi - Smirnow-Sokolski, Afonin, Nabatow i inni stworzyli własny repertuar.Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali z oczekiwaniem na ustne wykonanie, biorąc pod uwagę uwagę na maskę performera. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie trwa dyskusja, czy utwór napisany z myślą o występie scenicznym można uznać za literaturę. Na początku lat 80. powstały Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenia Autorów Popowych, które pomogły w legitymizacji tego typu działalności literackiej. „Anonimowość” autora należy już do przeszłości, na scenę wkroczyli sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skomponowany na wzór koncertu, ale wyłącznie z występów autorów popu. Jeśli w poprzednich latach własne programy prezentowali tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin), teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu w ogromnym stopniu przyczynił się fenomen M. Żwaneckiego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Twórczej Inteligencji, które podobnie jak pieśni Wysockiego rozprzestrzeniły się po całym kraju.

3. JAZZ NA STANIE

Pod pojęciem „jazz” powszechnie rozumie się: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnym natężeniu rytmicznym, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Do określenia grup używa się również terminów „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” (czasami wskazujących liczbę wykonawców - trio jazzowe, kwartet jazzowy, „orkiestra jazzowa”, „big band”).

4. PIOSENKA NA STANIE

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie często rozwiązuje się to jako miniaturę sceniczną „gry” za pomocą tworzyw sztucznych, kostiumów, światła, mise-en-scène („teatr pieśni”); Duże znaczenie nabiera osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, dwuwiersz, ditty, chansonette itp.; Różnorodne są także sposoby wykonania: solo, zespołowo (duety, chóry, zespoły wokalno-instrumentalne).

Wśród muzyków popowych istnieje również grupa kompozytorska. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Łoza, Kuźmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni. Poprzednia piosenka była głównie piosenką kompozytorską, obecna jest piosenką „wykonawczą”.

Współistnieje ze sobą wiele stylów, obyczajów i trendów – od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tym samym dzisiejsza piosenka jest wielokolorowym i wielostylowym panelem, zawierającym dziesiątki kierunków, od imitacji rodzimego folkloru po napary kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

5. TANIEC NA STANIE

Jest to krótki numer taneczny, solo lub w grupie, prezentowany na ogólnokrajowych koncertach muzyki pop, programach rozrywkowych, salach muzycznych i teatrach miniaturowych; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (towarzyskiego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki sportowej, akrobatyki oraz na skrzyżowaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca podyktowany jest współczesnymi rytmami i kształtuje się pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były początkowo włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wsi, miasta i wojska, suity wokalno-taneczne z rosyjskimi pieśniami i tańcami ludowymi.

W latach 90. taniec na scenie był ostro spolaryzowany, jakby powracał do sytuacji z lat 20. Grupy taneczne zajmujące się showbiznesem, jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce – występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

6. LALKI NA STOJAKU

Od czasów starożytnych w Rosji ceniono rękodzieło, kochano zabawki i szanowano zabawne gry z lalkami. Pietruszka rozprawił się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią, odważnie wymachiwał pałką, zabijał tych, których lud nie lubił, obalał zło i utwierdzał moralność ludu.

Pietruszkowicze wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, sami byli reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scène i lalki wydziwianie. Lalkarze byli prześladowani.

Były też inne przedstawienia, w których występowały lalki. Na drogach Rosji można było spotkać samochody dostawcze wyładowane lalkami na sznurkach – marionetkami. A czasem z pudełkami ze szczelinami w środku, przez które lalki były przesuwane od dołu. Takie skrzynki nazywano szopkami. Lalki opanowały sztukę naśladowania. Uwielbiali wcielać się w śpiewaków, kopiowali akrobatów, gimnastyczek i klaunów.

7. PARODIA NA SCENIE

Jest to numer lub performans oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnej maniery, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów pierwowzoru, jak i całych kierunków i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznego (obraźliwego) do humorystycznego (przyjaznego komiksu) zależy od stosunku parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w błazenskich zabawach i farsowych przedstawieniach.

8. TEATRY MAŁYCH FORM

Tworzenie teatrów kabaretowych w Rosji „Nietoperz”, „Zakrzywione lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo grupami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (z moskiewskich Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inne, reżyserem był D.G. Gutman , Mamonovsky, kultywujący sztukę dekadencką, gdzie Aleksander Vertinsky zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Petrovsky.Wśród Petersburga - Troitsky A.M. Fokina - reżyser V.R. Rappoport, gdzie z ditties i V.O. Toporkovem, później artysta teatru artystycznego, z sukcesem występował jako artysta estradowy.

4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria.

Wyróżnia się gatunki pop:

1 Muzyka latynoamerykańska

Muzyka latynoamerykańska (hiszpański: musica latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów Ameryki Łacińskiej, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy żyją zwartie na terytorium innych stanów i tworzą duże społeczności Ameryki Łacińskiej ( na przykład w USA). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka latynoska” (hiszp. musica latina).

Muzyka latynoamerykańska, której rola w życiu codziennym Ameryki Łacińskiej jest bardzo duża, jest fuzją wielu kultur muzycznych, jednak opiera się na trzech komponentach: kulturze muzycznej Hiszpanii (lub Portugalii), Afryki i Indii. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są w języku hiszpańskim lub portugalskim, rzadziej po francusku. Artyści z Ameryki Łacińskiej mieszkający w Stanach Zjednoczonych są zazwyczaj dwujęzyczni i często używają tekstów w języku angielskim.

Właściwie muzyka hiszpańska i portugalska nie należy do muzyki latynoamerykańskiej, jest jednak z nią ściśle związana dużą liczbą powiązań; Co więcej, wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na muzykę latynoamerykańską jest wzajemny.

Pomimo tego, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle niejednorodna i każdy kraj Ameryki Łacińskiej ma swoją własną charakterystykę, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:

* Muzyka andyjska;

* Muzyka środkowoamerykańska;

* Muzyka karaibska;

* Muzyka argentyńska;

* Muzyka meksykańska;

* Muzyka brazylijska.

Należy jednak mieć na uwadze, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych są bardzo niewyraźne.

Blues (angielski blues od niebieskich diabłów) to gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstał z takich etnicznych ruchów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń robocza”, „duchowość” i cholera. Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza na takie gatunki jak „pop” (angielski rock’n’roll), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock’n’roll). Dominującą formą bluesa jest 4/4, gdzie pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominancie i tonice oraz po 2 na dominacji i tonice. Ta zmiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosowany jest rytm trójek ósemkowych z pauzą – tzw. shuffle. Cechą charakterystyczną bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest w oparciu o strukturę „pytanie – odpowiedź”, wyrażającą się zarówno w treści lirycznej utworu, jak i w treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu między instrumentami. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często korzystają jedynie z głównego wspierającego „szkieletu”, jakim są instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesowy opiera się na zmysłowym społecznym elemencie życia populacji afroamerykańskiej, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnego człowieka.

Jazz to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w USA w wyniku syntezy kultur afrykańskiej i europejskiej, a następnie rozpowszechniła się. Cechami charakterystycznymi języka muzycznego jazzu były początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej – swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych wzorców rytmicznych i harmonicznych.

Muzyka country łączy w sobie dwa rodzaje amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII w. oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Muzyka ta ma silne korzenie w madrygałach elżbietańskich oraz irlandzkiej i szkockiej muzyce ludowej. Głównymi instrumentami muzycznymi tego stylu są gitara, banjo i skrzypce.

„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country, napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddin John Carson nagrał tę kompozycję na płytę. W październiku 1925 roku rozpoczął działalność program radiowy Grand Ole Opry, w którym do dziś transmitowane są na żywo koncerty gwiazd country.

Muzyka country jako przemysł muzyczny zaczęła nabierać rozpędu pod koniec lat czterdziestych XX wieku. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko ugruntował wizerunek piosenkarza country na kilka następnych pokoleń, ale także nakreślił typowe dla tego gatunku tematy – tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w country panowały różne style: western swing, który przejął zasady aranżacyjne z Dixielandu – tutaj królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; Styl muzyków takich jak Hank Williams nazywano wówczas „hillbilly”. W połowie lat pięćdziesiątych. muzyka country, wraz z elementami innych gatunków (ewangelia, rytm i blues), dała początek rock and rollowi. Od razu wyłonił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to właśnie z nim swoje kariery twórcze rozpoczęli tacy piosenkarze jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – to nie przypadek, że wszyscy nagrywali w tym samym studiu w Memphis, Sun Records. Dzięki sukcesowi albumu Marty’ego Robbinsa Gunfighter Ballads and Trail Songs (1959) wyłonił się jako gatunek gatunek country i western, w którym dominowały opowieści z życia Dzikiego Zachodu.

Chanson (francuski chanson - „piosenka”) to gatunek muzyki wokalnej; słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:

2) Francuska piosenka popowa w stylu kabaretowym (po rosyjsku się pochyla).

Piosenka Blatnaya (folklor blatnoy, blatnyak) to gatunek pieśni gloryfikujący życie i zwyczaje środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich światu przestępczemu. Pochodzi z Imperium Rosyjskiego i rozprzestrzenił się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z biegiem czasu zaczęto pisać piosenki z gatunku muzyki kryminalnej, które wykraczały poza tematykę kryminalną, ale zachowały swoje charakterystyczne cechy (melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. piosenka kryminalna w rosyjskim przemyśle muzycznym sprzedawana jest pod nazwą „Russian chanson” (por. stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).

Romans w muzyce to kompozycja wokalna napisana na podstawie krótkiego wiersza o treści lirycznej, głównie miłosnej.

Pieśń autorska, czyli muzyka bardów, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwinął się w latach pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XX wieku. z przedstawień amatorskich, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk położony jest na poezję tekstu.

6 Muzyka elektroniczna

Muzyka elektroniczna (z języka angielskiego Muzyka elektroniczna, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, oznaczający muzykę tworzoną przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX w., muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinęła się w drugiej połowie XX w. i na początku XXI w. obejmuje kilkadziesiąt odmian.

7 Muzyka rockowa

Muzyka rockowa to ogólna nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „skałać” - huśtać się - w tym przypadku wskazuje na wrażenia rytmiczne charakterystyczne dla tych kierunków, związane z określoną formą ruchu, przez analogię do „przewracania się”, „skręcania”, „huśtania”, „trząśnięcia” itp. Takie oznaki muzyki rockowej, takie jak użycie elektrycznych instrumentów muzycznych, samowystarczalność twórcza (muzycy rockowi zazwyczaj wykonują własne kompozycje) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu kwestionowana jest tożsamość niektórych stylów muzycznych jako rocka. Rock jest także szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury takie jak modowie, hipisi, punki, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z określonymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma wiele kierunków: od lekkich gatunków, takich jak dance rock and roll, pop rock, britpop, po gatunki brutalne i agresywne - death metal i hardcor. Treść piosenek waha się od jasnej i swobodnej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Muzykę rockową często przeciwstawia się muzyce pop i tzw. „pop”, choć pomiędzy pojęciami „rock” i „pop” nie ma wyraźnej granicy, a wiele zjawisk muzycznych balansuje na granicy między nimi.

Początki muzyki rockowej sięgają bluesa, z którego wywodzą się pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką folkową i popową - przede wszystkim folk, country, skiffle i music Hall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki - z muzyką akademicką (art rock, pojawia się pod koniec lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się w przełomie lat 60. i 70.), muzyką latynoską muzyka (rock latynoski, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (rock raga, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie główne gatunki muzyki rockowej, z których najważniejszymi, oprócz wymienionych, są hard rock, punk rock i rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej, jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć pierwsi przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcor (duży podgatunek punk rocka), a także a także brutalne podgatunki metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), Britpop (pojawił się w połowie lat 60.) i metal alternatywny (pojawił się pod koniec lat 80.).

Głównymi ośrodkami powstania i rozwoju muzyki rockowej są Stany Zjednoczone i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest w języku angielskim. Jednak choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się w prawie wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rock rosyjski) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80. XX wieku, a następnie rozwijał się w latach 90.

8 Ska, rocksteady, reggae

Ska to styl muzyczny, który pojawił się na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych XX wieku. Pojawienie się tego stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się systemów dźwiękowych, które umożliwiły taniec na ulicy.

Instalacje dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale specyficzna forma dyskotek ulicznych, w których biorą udział DJ-e i ich mobilne systemy stereo, przy rosnącej konkurencji między tymi DJ-ami o najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.

Styl charakteryzuje się wahadłowym rytmem 2/4, w którym gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla nieparzyste. Melodię wykonują instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.

Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) to styl muzyczny, który istniał na Jamajce i w Anglii w latach 60. XX wieku. Podstawą stylu są rytmy karaibskie w metrum 4/4, ze zwiększoną uwagą na instrumenty klawiszowe i gitary.

Reggae (angielskie reggae, inna pisownia „reggae” i „reggae”), jamajska muzyka popularna, została po raz pierwszy wspomniana pod koniec lat sześćdziesiątych. Czasami używana jako ogólna nazwa całej muzyki jamajskiej. Ściśle powiązany z innymi gatunkami jamajskimi - rocksteady, ska i innymi.

Dub to gatunek muzyczny, który pojawił się na Jamajce na początku lat 70. XX wieku. Początkowo nagrania tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętym wokalem. Od połowy lat 70. dub stał się zjawiskiem niezależnym, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną formę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój nowej fali i takich gatunków jak hip-hop, house, Drum and Bass, trip-hop, dub-techno , dubstep i inne.

Muzyka pop (angielski: Pop-music z Popular music) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.

Termin „muzyka pop” ma podwójne znaczenie. W szerokim znaczeniu jest to każda muzyka masowa (m.in. rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim znaczeniu jest to odrębny gatunek muzyki popularnej, sama muzyka pop, posiadająca pewne cechy charakterystyczne.

Główne cechy muzyki pop jako gatunku to prostota, melodia, oparcie się na wokalu i rytmie, przy mniejszym skupieniu na partii instrumentalnej. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop zwykle dotyczą osobistych uczuć.

Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak europejski pop, muzyka latynoska, disco, electropop, muzyka taneczna i inne.

10 Rap (Hip-Hop)

Hip-hop to ruch kulturalny, który powstał wśród klasy robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zdefiniował pięć filarów kultury hip-hopowej: MCing, DJing, breaking, pisanie graffiti i wiedza . Inne elementy to beatboxing, moda hip-hopowa i slang.

Pochodzący z południowego Bronksu hip-hop stał się w latach 80. częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90. z ulicznego undergroundu o silnej orientacji społecznej hip-hop stopniowo przekształcał się w część przemysłu muzycznego, a już w połowie pierwszej dekady tego stulecia subkultura stała się „modna” i „mainstreamowa”. ”. Jednak pomimo tego wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” – protestuje przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciwia się obowiązującej władzy.

Wiadomo, że reżyseria spektaklu rozrywkowego dzieli się na reżyserię spektaklu rozrywkowego i reżyserię spektaklu rozrywkowego.

Metodologia pracy nad różnorodnym wykonaniem (koncert, przegląd, pokaz) z reguły nie obejmuje zadania tworzenia liczb, z których się składa. Reżyser łączy gotowe liczby z fabułą, jednym tematem, buduje od początku do końca akcję spektaklu, porządkuje jego strukturę temporalno-rytmiczną, rozwiązuje problemy oprawy muzycznej, scenograficznej i oświetleniowej. Oznacza to, że stoi przed całym szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w programie jako całości i nie są bezpośrednio związane z samą ustawą odmianową. Stanowisko to potwierdza teza słynnego reżysera rozrywkowych I. Szarojewa, który napisał, że „najczęściej reżyser przyjmuje spektakle od specjalistów różnych gatunków, a następnie tworzy z nich program rozrywkowy. Pokój charakteryzuje się dużą niezależnością.”

Praca nad spektaklem rozrywkowym wymaga od reżysera rozwiązania szeregu specyficznych problemów, z którymi nie spotyka się przy realizacji dużego programu. To przede wszystkim umiejętność ujawnienia indywidualności twórcy, budowania dramaturgii aktu, pracy z repryzą, trikiem, gagiem, znajomości i uwzględnienia natury specyficznych środków wyrazu aktu oraz wiele więcej.

Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych, podstawowych zasadach obowiązujących w teatrze dramatycznym, muzycznym i cyrku. Ale potem na fundamencie budowane są zupełnie inne konstrukcje. Zauważalna jest swoistość reżyserii scenicznej, zdeterminowana przede wszystkim typologią gatunkową aktu odmiany.

Na scenie reżyser jako twórca osiąga w spektaklu ostateczny cel każdej sztuki – stworzenie obrazu artystycznego, który stanowi twórczą stronę zawodu. Ale w procesie inscenizacji spektaklu specjalista pracuje nad technologią środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: powiedzmy, większość podgatunków sportu i cyrku wymaga prób i treningów z trenerem w zakresie elementów sportowych i specjalnych trików; praca nad numerem wokalnym nie jest możliwa bez lekcji u specjalistycznego nauczyciela śpiewu; W gatunku choreograficznym istotna jest rola choreografa-wychowawcy.

Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami scenicznymi, choć w rzeczywistości ich działalność ogranicza się jedynie do budowania specjalnego wyczynu kaskaderskiego lub technicznego elementu rutyny - nie ma znaczenia, czy jest to akrobatyka, taniec czy śpiew. Trudno tu mówić o kreowaniu obrazu artystycznego. Kiedy czołowi mistrzowie popu (zwłaszcza gatunków oryginalnych) dzielą się w drukach tajnikami swoich umiejętności, opisują głównie techniki magicznych sztuczek, akrobatyki, żonglerki itp.

Jeszcze raz pragnę podkreślić, że struktura artystyczna aktu odmiany jest złożona, różnorodna, a często konglomeratywna. Dlatego wystawienie spektaklu rozrywkowego jest jednym z najtrudniejszych zajęć reżysera. „Bardzo trudno jest dać dobry występ, nawet jeśli trwa tylko kilka minut. I wydaje mi się, że te trudności są niedoceniane. Może dlatego tak szanuję i cenię sztukę tych, których czasami nieco lekceważąco nazywa się artystami, przyznając im niezbyt honorowe miejsce w niepisanej skali zawodów. Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu odmianowego, której ostatecznym celem jest poznanie podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza pod kątem pracy reżyserskiej i produkcyjnej.

Wniosek.

SZTUKA RÓŻNORODNOŚCI (z francuskiego estrada - platforma, elewacja) to syntetyczny rodzaj sztuki scenicznej, łączący w sobie małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu, sztuki. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Mimo międzynarodowego charakteru zachowuje swoje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy charakter. Wywodzące się z renesansu na scenie ulicznej i począwszy od klaunady, prymitywnych fars, bufonady, E. i. w różnych krajach ewoluował inaczej, preferując ten czy inny gatunek, ten czy inny obraz maski. W różnorodnych programach salonów, kół i klubów, które powstały później, w kabinach, salach muzycznych, kawiarniach, kabaretach, teatrach miniaturowych i na zachowanych ogrodach różnorodnych, wesoły humor, dowcipne parodie i karykatury, zjadliwa satyra społeczna, ostrożna hiperbola i Dominuje bufonada. , groteskowa, figlarna ironia, uduchowione teksty, modny taniec i muzyczne rytmy. Poszczególne numery polifonicznej odmiany rozrywki często spajane są na scenie przez artystę lub prostą fabułę, a teatry jedno- lub dwuosobowe, zespoły (baletowe, muzyczne itp.) - autorskim repertuarem, własną dramaturgią. Sztuka różnorodna jest skierowana do jak najszerszego grona odbiorców i opiera się przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, technice transformacji, umiejętności tworzenia efektownej rozrywki przy użyciu lakonicznych środków i pogodnym charakterze - częściej komediowo-negatywnym niż pozytywnym. Eksponując swoich antybohaterów, zwraca się ku metaforycznym rysom i szczegółom, ku przedziwnemu splotowi prawdopodobieństwa i karykatury, rzeczywistej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych prototypów, sprzeciwu wobec ich dobrobytu w rzeczywistości. Sztukę popularną charakteryzuje aktualność, połączenie w najlepszych przykładach rozrywki z poważnymi treściami, funkcjami edukacyjnymi, gdy zabawę uzupełnia różnorodna paleta emocjonalna, a czasem patos społeczno-polityczny, obywatelski. Show-biznesowi, wytworzonemu przez burżuazyjną kulturę masową, brakuje tej drugiej cechy. Prawie wszystkie operacyjne odmiany „małe”, „lekkie”, w tym „kapusta pospolita”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką amortyzacją masek, która uzależniona jest od wyczerpania się aktualności tematu, realizacji porządków społecznych, zmiany zainteresowań i potrzeb odbiorców. Będąc jedną z najbardziej dynamicznych form sztuki, a zarazem sztuką starszą, pop-art narażony jest na chorobę stemplowania, spadek wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do ich przekształcenia w kicz. Na rozwój duży wpływ mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, które często włączają do swoich programów programy rozrywkowe i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki sceniczne zyskują nie tylko większą skalę i powszechność, ale także głębię psychologiczną (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i wyrazistych środków sztuki ekranowej) oraz żywą rozrywkę.

W systemie sztuk performatywnych muzyka pop zajmuje dziś zdecydowanie odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność muzyki pop wśród najszerszej i najbardziej zróżnicowanej publiczności zmusza ją do odpowiadania na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w wartościach zawodowych, estetycznych i gustownych dzieł pop. Ogromna liczebność publiczności pop-artu w przeszłości i obecnie, jej heterogeniczność, konieczność łączenia funkcji rozrywkowej i edukacyjnej w pop-artie, nakłada na twórców dzieł pop-artu specyficzne wymagania i nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.

Złożoność badania dzieł popu, a także opracowywania metodologicznych podejść do ich tworzenia, wynika z faktu, że jako całość jest to konglomerat różnych sztuk. Syntetyzuje aktorstwo, muzykę instrumentalną, wokal, choreografię, malarstwo (na przykład gatunek „artysta natychmiastowy”). W tę syntezę sztuk wpleciony jest sport (akrobacje akrobatyczne i gimnastyczne) oraz nauka (wśród gatunków popowych znajduje się akt matematyczny - „żywa maszyna licząca”). Ponadto istnieją gatunki różnorodne oparte na elemencie kaskaderskim, który wymaga manifestacji unikalnych zdolności i możliwości danej osoby (na przykład szereg podgatunków różnorodności i cyrku, hipnoza, eksperymenty psychologiczne). Wielość środków wyrazu, ich nieoczekiwane i niezwykłe połączenia w różnych syntetycznych formach na scenie są często bardziej zróżnicowane niż w innych sztukach performatywnych.

Wykaz używanej literatury.

Konkurs odmianowy Bermonta E. //Teatr. 1940, nr 2, s. 75-78

Birzhenyuk G.M., Buzene L.V., Gorbunova N.A.

Kober. Najważniejszy punkt programu: Tłum. z nim. L., 1928. S. 232-233; Stanishevsky Yu Liczba i kultura jego prezentacji // SEC. 1965. Nr 6.

Konnikov A. Świat różnorodności. M., 1980.

Ozhegov S.I. i Shvedova N.Yu Słownik objaśniający języka rosyjskiego: 80 000 słów i wyrażeń frazeologicznych

Rozovsky M. Reżyser spektaklu. M., 1973.

Rosyjska scena radziecka // Eseje o historii. Reprezentant. wyd. doktor. twierdzić, prof. E. Uvarova. W 3 T. M., 1976, 1977, 1981.

Uvarova E. Teatr rozmaitości: Miniatury, recenzje, sale muzyczne (1917-1945). M., 1983; Arkadij Raikin. M., 1986; Jak się bawili w rosyjskich stolicach. Petersburg, 2004.

Sharoev I. Reżyseria sceniczna i występy masowe. M., 1986; Wiele twarzy sceny. M., 1995.