Rozwój malarstwa w Rosji na przełomie XIX i XX wieku. Rosyjskie malarstwo pejzażowe i dzieła G.I. Gurkin i A.O. Nikulin

Podobnie jak w literaturze, w sztukach wizualnych było wiele miejsc docelowych: od realizmu, który kontynuował tradycje Wędrowców XIX wieku, po awangardę, która stworzyła sztukę współczesną, sztukę jutra. Każdy trend miał swoich fanów i przeciwników.

W tym czasie następował stopniowy upadek malarstwa rodzajowego - podstawy sztuki Wędrowców, a rozkwit sztuki portretowej, graficznej, teatralnej i zdobniczej.

W tym okresie wraz ze „Stowarzyszeniem Wystaw Wędrownych” powstało szereg nowych stowarzyszeń artystów: „Świat Sztuki” w Petersburgu (1899-1924; S. Diagilew - założyciel, A. Benois, K. Somow, L. Bakst, I. Grabar, A. Ostroumova-Lebiediew i inni), „Związek Artystów Rosyjskich” w Moskwie (1903-1923; K. Korovin, K. Yuon, A. Arkhipov i inni), „Niebieska róża ” (1907; P. Kuzniecow , V. Maryan, S. Sudeikin i inni), „Jack of Diamonds” (1910-1916; P. Konczałowski, R. Falk, A. Lentułow i inni). Skład stowarzyszeń był płynny i mobilny. Dynamika rozwoju wydarzeń była wysoka, często sami organizatorzy, a członkowie wychodzili z jednego związku i przenosili się do drugiego. Szybkość ewolucji artystycznej stopniowo rosła.

Charakterystyczne cechy okres to:

wyrównanie nierównomiernego rozwoju różnych rodzajów sztuki: obok malarstwa, architektury, sztuki dekoracyjnej i użytkowej, grafiki książkowej, rzeźby, sceneria teatralna; hegemonia malarstwa sztalugowego połowy wieku należy już do przeszłości;
kształtuje się nowy typ uniwersalnego artysty, który "może wszystko" - namalować obraz i panel dekoracyjny, wykonać winietę do książki i monumentalnego obrazu, wyrzeźbić rzeźbę i „skomponować” kostium teatralny(Vrubel, artyści Świata Sztuki);
nadzwyczajna aktywność życia wystawienniczego w porównaniu z poprzednim okresem;
zainteresowanie sztuką środowisk finansowych, powstawanie kultury mecenatu itp.

Realistyczny nurt w malarstwie reprezentował I. E. Repin. Od 1909 do 1916 namalował wiele portretów: P. Stołypina, psychiatry W. Bechteriewa itp. Od 1917 artysta okazał się „emigrantem”, po uzyskaniu przez Finlandię niepodległości.

Nowe malarstwo i nowi artyści

Burzliwy czas poszukiwań dał światu nowe malarstwo i wielkie nazwiska artystów. Przyjrzyjmy się bliżej pracy niektórych z nich.

Walentyn Aleksandrowicz Sierow (1865-1911)

Valentin Aleksandrowicz Sierow(1865-1911). V. A. Serov urodził się w rodzinie wybitnego rosyjskiego kompozytora Aleksandra Nikołajewicza Serowa, autora oper Judith, Rogneda, Enemy Force. Matka artysty, również kompozytorka i pianistka, odegrała dużą rolę w ukształtowaniu jego osobowości. Od 10 roku życia V. Serov studiował rysunek i malarstwo u I. Repina, za jego radą w 1880 roku wstąpił do Akademii Sztuk i studiował u słynnego nauczyciela Pawła Pietrowicza Chistyakova (1832-1919), który łączył tradycje akademickie edukacja z tradycjami realizmu. Fenomenalne wykonanie i poświęcenie, naturalny, oryginalny talent sprawiły, że Serov stał się jednym z najlepszych i najbardziej różnorodnych artystów przełomu wieków.

Odegrał szczególną rolę w twórczej biografii Sierowa Koło Abramcewa (Krąg mamuta). To właśnie w Abramtsevo 22-letni Sierow napisał „Dziewczynę z brzoskwiniami” (1887, Vera Mamontova) (zdj. 27), a rok później nowe arcydzieło - „Dziewczyna oświecona przez słońce” (Masha Simonovich ). Chwała Sierowa zaczyna się od tych prac. Valentin był młody, szczęśliwy, zakochany, miał się ożenić, chciał napisać coś satysfakcjonującego, pięknego, by odłożyć na bok wątki Wędrowców. Tutaj gatunki mieszają się portret zmieszany z pejzażem, z wnętrzem. Ta mieszanka była kochana przez impresjonistów. Są powody, by sądzić, że Sierow zaczął jako impresjonista.

Okres upojenia światem jest krótkotrwały, stopniowo zanika impresjonizm, artysta ma głębokie, poważne poglądy. W latach 90. zostaje znakomitym portrecistą. Sierowa interesuje tożsamość twórcy: artysty, pisarza, artysty. Do tego czasu zmienił się jego pogląd na model. Był zainteresowany ważne cechy charakteru. W pracy nad portretami rozwinął ideę „racjonalnej sztuki”, artysta podporządkował oko rozumowi. W tym czasie pojawił się „Portret artysty Lewitana”, sporo wizerunków dzieci, portrety smutnych kobiet.

Drugi nurt w malarstwie Sierowa w latach 1890-1900 to prace poświęcone Rosyjska wieś w którym łączą się początki gatunku i krajobrazu. „Październik. Domotkanovo” to prosta wiejska Rosja z krowami, pasterzem, rozklekotanymi chatami.

Burzliwe czasy początku XX wieku. zmienił artystę i jego malarstwo. Sierow zaczyna zajmować się przekształcaniem rzeczywistości, pisaniem, a nie pisaniem z natury.

W portrecie przechodzi do formy monumentalnej. Rozmiary płótna rosną. Coraz częściej postać rysowana jest w pełnym wzroście. Są to słynne portrety M. Gorkiego, M. N. Ermolovej, F. I. Chaliapina (1905). Nie pominięto Serowa i pasji do nowoczesności. Widać to na portrecie słynnej tancerki „Idy Rubinstein” (1910). Nagie ciało podkreśla ekstrawaganckie zachowanie i jednocześnie jej tragiczne zerwanie. Ona, jak piękny motyl, jest przypięta do płótna. A postać wydaje się krucha i bezcielesna. Na zdjęciu są tylko 3 kolory. Bliski temu stylowi i „Portretowi O. K. Orłowej” (1911).

W latach 1900-1910. Adresy Serov do gatunków historycznych i mitologicznych. „Piotr I” (1907) to małe zdjęcie wykonane w temperze. Nie ma tu punktów zwrotnych, ale jest duch epoki. Król na Wyspie Wasiljewskiej jest zarówno wielki, jak i straszny.

W końcu dał się ponieść emocjom starożytna mitologia. Po podróży do Grecji ukazuje się fantastyczny i prawdziwy obraz „Uprowadzenie Europy” (1910). Dotarł w nim do źródeł mitu i przybliżył nam starożytność - Sierow stanął na progu nowego odkrycia, ponieważ nigdy nie zatrzymał się na miejscu. Odbył ogromną twórczą podróż, próbując się w kilku kierunkach i w wielu gatunkach malarskich.

W latach I rewolucji rosyjskiej Sierow udowodnił, że jest człowiek humanistycznych ideałów. W odpowiedzi na przeprowadzenie pokojowej demonstracji 9 stycznia zrezygnował z tytułu akademika i zrezygnował z pracy w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury, gdzie od 1901 wykładał u Konstantina Korovina i szkolił plejadę wybitnych artystów, m.in. P. Kuzniecow, K. Pietrow-Wodkin, S. Sudeikin, R. Falk, K. Yuon, I. Maszkow i inni.

Wiktor Elpidiforowicz Borysow-Musatow (1870-1905)

Viktor Elpidiforovich Borisov-Musatov(1870-1905). Artysta pochodził z najzwyklejszej rodziny Saratowów, jego ojciec służył jako księgowy na kolei. W wieku trzech lat przydarzyło mu się nieszczęście - w wyniku upadku chłopiec uszkodził kręgosłup, co następnie spowodowało zaprzestanie wzrostu i pojawienie się garbu. Pojawienie się sprawiło, że artysta cierpiał z powodu samotności, odmienności wobec innych, fizycznego bólu. Ale to wszystko nie przeszkodziło mu być liderem wśród młodych artystów w latach studiów. Był osobą rzucającą się w oczy - powściągliwą, poważną, czarującą, dobitnie elegancką, ubraną starannie, a nawet elegancko. Nosił modne jasne krawaty i ciężką srebrną bransoletkę z wężem.

W latach studiów (1890 - MUZHVZ, 1891 - Akademia Sztuk Pięknych, 1893 - Moskwa, 1895 - Paryż) dodał drugą część nazwiska Borisov, nazwaną na cześć jego dziadka, co nadało mu arystokratyczny dźwięczność. Przez te lata w Moskwie ma silne uczucie do uroczej, wesołej dziewczyny Eleny Vladimirovna Alexandrova. Który dopiero w 1902 roku zostanie jego żoną i urodzi córkę. Artysta przedstawił Elenę Vladimirovnę na obrazie „Reservoir” wraz z siostrą.

Osobliwa twórczość Borysowa-Musatowa zaliczana jest do różnych dziedzin. Ktoś go klasyfikuje artyści symbolistyczni ktoś uważa, że jego sztuka, począwszy od impresjonizmu, stała się postimpresjonistyczna w wersji malarskiej i dekoracyjnej. Niezależnie od kierunku, do którego należy, jego sztuka była oryginalna i miała bezpośredni wpływ na grupę artystów, którzy pojawili się w 1907 roku na wystawie Blue Rose (niebieska róża jest symbolem niespełnionego marzenia).

Jego obrazy- to tęsknota za utraconym pięknem i harmonią, elegijna poezja opustoszałych starych osiedli i parków. Te umierające „szlachetne gniazda” są niemożliwe bez kobiecych wizerunków. Ulubionym modelem był jego młodszy siostra Elena(„Autoportret z siostrą”, 1898, „Gobelin”, 1901 itd.), była także jego asystentką i bliską przyjaciółką. W większości obrazów Borysowa-Musatowa nie ma początku narracji, nie ma fabuły. Najważniejsza jest tutaj gra kolorów, światła, linii. Widz podziwia piękno samego obrazu, jego muzykalność. Borisov-Musatov, lepiej niż inni, potrafił odkryć związek między dźwiękiem a malarstwem. Świat Musatowa jest jakby poza czasem i przestrzenią. Jego obrazy są podobne do starych gobelinów („Naszyjnik szmaragdowy” 1903-1904, „Staw”, 1902 itd.), które są wykonane w wykwintnej zimnej „skali Musatowa” z przewagą odcieni niebieskiego, zielonego i fioletowego. Kolor dla artysty był głównym środkiem wyrazu jego muzycznych i poetyckich płócien, w których wyraźnie zabrzmiała „melodia antycznego smutku”.

Michaił Aleksandrowicz Wrubel (1856-1910)

Michaił Aleksandrowicz Wrubel(1856-1910). Michaił Vrubel urodził się 17 marca 1856 r. w Omsku, jego ojciec był wojskowym, a rodzina często zmieniała miejsce zamieszkania.

Vrubel wstąpił do Akademii Sztuk Pięknych w 1880 roku (razem z Sierowem), wcześniej ukończył wydział prawa Uniwersytetu w Petersburgu i Gimnazjum im. Richelieu w Odessie ze złotym medalem.

W 1884 opuścił warsztat Czystyakowa i wyjechał do Kijowa, gdzie nadzorował renowację fresków kościoła św. Cyryla i wykonał szereg monumentalnych kompozycji. Marzeniem Vrubela było namalowanie katedry Włodzimierza w Kijowie, ale Wasniecow już tam pracował, ale w tym czasie pojawiła się seria akwareli z motywami „Nagrobek” i „Zmartwychwstanie”, w których ukształtował się unikalny styl Vrubela. Styl Vrubela opiera się na kruszeniu powierzchni formy na ostre, ostre krawędzie, porównywaniu przedmiotów do pewnego rodzaju formacji krystalicznych. Kolor jest rodzajem iluminacji, światła przenikającego fasety form krystalicznych.

Vrubel wprowadza do malarstwa sztalugowego monumentalność. Tak więc napisano „Siedzący demon” (1890). Światło pochodzi z wnętrza, przypominając efekt witrażu. Demon Vrubela nie jest diabłem, można go porównać do proroka Fausta, Hamleta. To uosobienie tytanicznej siły i bolesnej wewnętrznej walki. Jest piękny i majestatyczny, ale w jego oczach patrzących w otchłań, w geście splecionych dłoni wyczytana jest bezgraniczna tęsknota. Obraz Demona będzie przewijał się przez wszystkie prace Vrubela („The Demon Flying”, 1899, „The Demon Downtrodden”, 1902; jak mówią współcześni i świadkowie, nie przyszły do nas najlepsze wersje Demonów). W 1906 r. Organy symboliczne - magazyn „Złote runo” - opublikował wiersz V. Bryusowa „Do M. I. Vrubela”, napisany pod wrażeniem „Demon Defeated”:

A w godzinie ognistego zachodu słońca
Widziałeś między starożytnymi górami,
Jak duch wielkości i przekleństw
Wpadł do dziury z wysokości.
A tam, na uroczystej pustyni,
Tylko ty zrozumiałeś do końca
Rozpostarte skrzydła błyszczą pawie
I smutek oblicza Edenu!

Pracując w Kijowie, Vrubel był żebrakiem, zmuszony był do pracy w szkole rysunku, dawania prywatnych lekcji, kolorowych fotografii. W 33 genialny artysta opuścił Kijów na zawsze (1889) i wyjechał do Moskwy. Osiadł w warsztacie Sierowa i Korowina. Korovin wprowadził go do kręgu mamuta. A sam Savva Ivanovich Mamontov odegrał ogromną rolę w życiu Vrubela. Zaproponował mu osiedlenie się w jego rezydencji przy ulicy Sadowo-Spasskiej, a latem pracę w Abramcewie. Dzięki Mamontowowi wielokrotnie podróżował za granicę.

Moskiewski okres twórczości był najintensywniejszy, ale najbardziej tragiczny. Vrubel często znajdował się w centrum kontrowersji. Jeśli Stasov nazywał go dekadentem, to Roerich podziwiał geniusz jego pracy. Jest to zrozumiałe, ponieważ sama praca Vrubela nie była pozbawiona sprzeczności i zaprzeczeń. Jego prace zostały nagrodzone najwyższymi nagrodami na międzynarodowych wystawach (złoty medal w Paryżu w 1900 r. za majolikowy kominek) i brudną klątwą oficjalnej reakcyjnej krytyki. Na płótnach artysty dominuje zimny, nocny kolor. Poezja nocy triumfuje w malowniczym panelu „Bzu”, w pejzażu „Ku nocy” (1990), w obrazie mitologicznym „Pan” (1899), w bajecznej „Księżniczce łabędzi” (1900) (il. 28). Wiele obrazów Vrubela jest autobiograficznych.

W życiu przeszedł okres nierozpoznania, tułaczki, niespokojnego życia. Gwiazda nadziei rozbłysła od momentu spotkania Nadieżdy Zabeli - Śpiewak operowy(1896), który wprowadził go w świat muzyki, połączył go z Rimskim-Korsakowem (pod wpływem przyjaźni z kompozytorem i jego muzyką Vrubel namalował swoje bajeczne płótna „Księżniczka łabędzia”, „Trzydzieści trzy bogatyry” , itp., wykonali rzeźby „Wołchow”, „Mizgir” itp.). Ale silny Napięcie nerwowe dał się poznać. W 1903 roku, po śmierci dwuletniego syna Savvy, sam poprosił o przewiezienie do szpitala dla psychicznie chorych. W chwilach oświecenia świadomości napisał wśród namalowanych jeszcze 2 portretów swojej Nadieżdy (pierwszy na tle nagich jesiennych brzóz, drugi po przedstawieniu, przy otwartym kominku). Pod koniec życia stracił wzrok. 14 kwietnia 1910

Michaił Aleksandrowicz Wrubel zmarł w petersburskiej klinice dr Bari. W 1910 r. Wiele osób wzięło udział w pogrzebie artysty 16 kwietnia na cmentarzu petersburskiego klasztoru Nowodziewiczy. A. Blok przemówił przy grobie: „...Zanim Vrubel i jemu podobni objawiają ludzkości raz na sto lat - mogę tylko drżeć. Nie widzimy tych światów, które oni widzieli”. Dziedzictwo twórcze Vrubela jest bardzo zróżnicowane, od obrazów sztalugowych po monumentalne, od majoliki po krzywe, od projektów spektakli w prywatnej operze Mamontowa po wystrój wnętrz rezydencji Morozowa przez architekta Fiodora Osipowicza Szechtela. Może dlatego niektórzy nazywają go artystą-symbolistą i porównują jego twórczość z symfoniami Skriabina, wczesną poezją Błoka i Bryusowa, inni - artystą nowoczesnego stylu. Być może obaj mają rację. On sam nie uważał się za członka żadnego nurtu, jedynym kultem dla niego było piękno, ale z Vrubelskim odcieniem melancholii i „boskiej nudy”.

„Świat Sztuki” (1899-1924)

Pod koniec lat 90. XIX wieku, przy wsparciu finansowym księżniczki Tenishevy i Mamontova, założył Siergiej Pawłowicz Diagilew magazyn "Świat Sztuki", na który wydał większość własnej fortuny. Wkrótce nazwa magazynu stała się powszechna i stała się definicją całej platformy estetycznej.

„Świat Sztuki” był rodzajem reakcji twórczej inteligencji Rosji na nadmierną publicystykę Dzieła wizualne Wędrowców, do upolitycznienia całej kultury jako całości, ze względu na zaostrzenie się ogólnego kryzysu Imperium Rosyjskiego. Trzon redakcji pisma stanowili młodzi artyści i pisarze, którzy przyjaźnili się od czasów szkolnych: Somow, Benois, Bakst, Dobuzhinsky, Roerich, Serov, Korovin, Vrubel, Bilibin. Ich prace były wyspami piękna w sprzeczności złożony świat. Zwracając się do sztuki z przeszłości ze szczerym odrzuceniem współczesnej rzeczywistości, Świat Sztuki wprowadził rosyjską publiczność w nowe trendy artystyczne w Rosji (impresjonizm), a także ujawnił wielkie nazwiska Rokotowa, Ławickiego, Borowikowskiego i innych zapomnianych przez współczesnych .

Pismo miało najwyższą jakość druku z wieloma ilustracjami - była to kosztowna publikacja. Mamontow w 1904 roku poniósł ciężkie straty finansowe. Diagilew zrobił wszystko, co możliwe, aby uratować magazyn. Większość własnego kapitału wydał na dalsze jej publikowanie, ale koszty rosły w niekontrolowany sposób i trzeba było przerwać publikację.

A w 1906 r. Diagilewowi udało się zorganizować wystawę malarstwa rosyjskiego w Paryżu w ramach Salonu Jesiennego.

Po raz pierwszy na tej wystawie Paryż zobaczył Rosyjscy malarze i rzeźbiarze. Reprezentowana była każda szkoła malarstwa, od wczesnych ikon po fantazje najbardziej awangardowych eksperymentatorów. Sukces wystawy był ogromny.

Przyjrzyjmy się bliżej niektórym członkom tego towarzystwa (zmienił się skład „Świata Sztuki”).

Estetycznym prawodawcą i ideologiem „Świata Sztuki” był Aleksander Benois. Miriskusnicy nie chcieli zależeć w swojej pracy od tematu dnia, jak realiści, Wędrowcy. Opowiadali się za indywidualną wolnością artysty, który może czcić wszystko i przedstawiać to na płótnach. Ale było bardzo istotne ograniczenie: tylko piękno i podziw dla piękna może być źródłem kreatywności. Współczesna rzeczywistość jest obca pięknu, co oznacza, że sztuka i chwalebna przeszłość mogą być źródłem piękna. Stąd izolacja Świata Sztuki od życia, ataki na chłopski realizm Wędrowców, pogarda dla prozy społeczeństwa burżuazyjnego.

Aleksander Nikołajewicz Benois (1870-1961)

Aleksandra Nikołajewicz Benois (1870-1961) urodził się w rodzinie nadwornego architekta petersburskiego. Dorastał w atmosferze przesyconej zainteresowaniem dawną sztuką pałacową. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych i uczęszczał do warsztatu I. E. Repina.

Benois był ideologiem "Świat Sztuki". Ulubionym motywem jego obrazów był królewski przepych sztuki arystokratycznej. Odmawiając szukania piękna w chaosie życia, Benoit zwrócił się ku dawnym artystycznym epokom. Przedstawiając czasy Ludwika XIV, Elżbiety i Katarzyny, porwany pięknem Wersalu, Carskiego Sioła, Peterhofu i Pawłowska, czuł, że wszystko to przeminęło na zawsze („Łaźnia markizy”, 1906, „Król”, 1906, „Parada pod Pawłem I”, 1907 i inne, te same motywy spotykamy w E. Lansenre (1875-1946), „Cesarzowej Elizawiecie Pietrownej w Carskim Siole” i innych).

Ale Benoit musiał stawić czoła prawdzie życia poprzez dzieła Puszkina, Dostojewskiego, Tołstoja, Czajkowskiego, Musorgskiego, kiedy pracował nad ilustracjami książkowymi i scenografią teatralną do ich dzieł.

Swoboda, pomysłowość i wewnętrzna energia rysunku wyróżniały ilustracje Benois do Brązowego jeźdźca Puszkina. Kiedy Benois opowiada o pogoni królewskiego jeźdźca za Eugeniuszem, wznosi się do prawdziwego patosu: artysta ściąga zemstę za „bunt” mały człowiek przeciwko geniuszowi założyciela Petersburga.

Praca na planach teatralnych Benois korzystał z programu World of Art, ponieważ spektakl teatralny to dziwaczna fikcja, „magia sceniczna”, sztuczne miraże. Nazywano go „teatralnym czarnoksiężnikiem”. Jest to bezpośrednio związane ze świetnością sztuki rosyjskiej w Paryżu w okresie sezony teatralne Siergiej Diagilew (Benois jest dyrektorem artystycznym sezonów teatralnych w Paryżu 1908-1911). Stworzył scenografię do opery Śmierć bogów Wagnera (Teatr Maryjski, 1902-1903), baletu Pawilon Artemidy Czerepnina w Teatrze Maryjskim, 1907 i 1909, baletu Pietruszka Strawińskiego (Teatr Bolszoj, 1911) -12), opera „Słowik” (przedsięwzięcie Diagilewa w Paryżu, 1909).

Benois chętnie sięgał w swoich pracach do form teatru dworskiego XVII-XVIII wieku, do metod dawnych komedii obcych, bufonady, farsy, w której istniał fantastyczny fikcyjny „Świat Sztuki”.

Benois przyjął sugestię Stanisławskiego i zaprojektował kilka spektakli Moskiewskiego Teatru Artystycznego, m.in. „Choroba wyobrażona”, „Małżeństwo w niewoli” Moliera (1912), „Gospodyni gospody” Goldoniego (1913), Kamienny gość, „Uczta podczas zarazy”, „Mozart i Salieri” Puszkina (1914) Benois wniósł do tych scenerii prawdziwy dramatyczny patos.

Malarz i grafik, znakomity ilustrator i wyrafinowany projektant książek, światowej sławy artysta teatralny i reżyser, jeden z największych rosyjskich krytyków sztuki, Benois zrobił wiele, aby malarstwo rosyjskie zajęło należne mu miejsce w historii świata sztuka.

Konstantin Andriejewicz Somow (1869-1939)

Konstantin Andriejewicz Somow(1869-1939) - syn znanego historyka i krytyka sztuki, jednego z największych mistrzów „świata sztuki” w swojej twórczości również ulegał kaprysom wyobraźni. Somow ukończył Akademię Sztuk Pięknych w Petersburgu, jest genialnym członkiem Repina, kontynuował naukę w Paryżu.

Jego „Dama w kolorze niebieskim”(1900) nazywany jest muzą „Świata Sztuki”, pogrążonego w snach z przeszłości.

Ten portret artystki E. M. Martynovej (1897-1900) (zdj. 30) jest pracą programową Somowa. Ubrana w starą sukienkę bohaterka, z wyrazem zmęczenia i melancholii, niezdolności do walki w życiu, sprawia, że mentalnie czuje głębię otchłani, która oddziela przeszłość od teraźniejszości. W tym dziele Somowa najszczerzej wyraża się pesymistyczne tło „porzucenia w przeszłość” i niemożności znalezienia zbawienia przez współczesnego człowieka przed samym sobą.

Jakie są postacie i wątki innych obrazów Somowa?

Gra miłosna - daktyle, nuty, pocałunki w alejkach, altany w ogrodach lub bogato zdobione buduary - zwykła rozrywka bohaterów Somowa z ich pudrowanymi perukami, wysokimi fryzurami, haftowanymi kamizelkami i sukienkami z krynolinami ("Szczęście rodzinne", "Wyspa miłości" ", 1900," Dama w różowej sukience, 1903, Śpiąca markiza, 1903, Fajerwerki, 1904, Arlekin i śmierć, 1907, Śmieszny pocałunek, 1908, Pierrot i dama, 1910, Dama i diabeł, 1917 oraz inni).

Ale w zabawie obrazów Somowa nie ma prawdziwej radości. Ludzie cieszą się nie z pełni życia, ale z tego, że nic więcej nie wiedzą. To nie jest wesoły świat, ale świat skazany na zabawę, na męczące wieczne wakacje, które zamieniają ludzi w marionetki upiornej pogoni za przyjemnościami życia.

Życie jest porównywane do teatru lalek, więc poprzez obrazy przeszłości dokonano oceny życia współczesnego Somowowi.

W drugiej połowie XX wieku Somow stworzył serię portretów środowiska artystycznego i arystokratycznego. Do tej serii należą partrety A. Błoka, M. Kuzmina, M. Dobuzhinsky'ego, E. Lansere.

Od 1923 Somow mieszkał za granicą i zmarł w Paryżu.

Mścisław Walerianowicz Dobużyński (1875-1957)

Mścisław Walerianowicz Dobużyński(1875-1957), Litwin z narodowości, urodził się w Nowogrodzie. Wykształcenie artystyczne odebrał w szkole rysunkowej Towarzystwa Zachęty Artystów w Petersburgu, do której uczęszczał równocześnie ze studiami na uniwersytecie w latach 1885-1887. Następnie kontynuował studia artystyczne w Monachium w pracowniach A. Ashbe i S. Holloshi (1899-1901). Po powrocie do Petersburga w 1902 został członkiem „Świata Sztuki”.

Wśród artystów „Świata Sztuki” Dobuzhinsky wyróżniał się swoim repertuar tematyczny poświęcony nowoczesnemu miastu, jeśli Benois i Lansere stworzyli obraz miasta minionych epok pełnego harmonijnego piękna, to miasto Dobuzhinsky jest niezwykle nowoczesne.

Ciemne, ponure podwórka-studnie Petersburga, jak u Dostojewskiego („Podwórko”, 1903, „Dom w Petersburgu”, 1905), wyrażają wątek nędznej egzystencji człowieka w kamiennej torbie Stolica Rosji.

Na zdjęciach z przeszłości Dobużyński śmieje się jak Gogol przez łzy. „Rosyjska prowincja lat 30. XIX wieku”. (1907-1909) przedstawia także brud na placu, leniwego wartownika i przebraną młodą damę oraz stado wron krążących nad miastem.

Na obraz mężczyzny Dobużyński wnosi także moment bezwzględnego, dramatycznego poczucia czasu. W obrazie poety K. A. Sunnenberga („Człowiek w okularach”, 1905-1997) (zdj. 31) mistrz koncentruje cechy rosyjskiego intelektualisty. W tym człowieku jest jednocześnie coś demonicznego i żałosnego. Jest strasznym stworzeniem i jednocześnie ofiarą współczesnego miasta.

Urbanistyka współczesnej cywilizacji wywiera presję na kochanków („Kochankowie”), którzy raczej nie będą w stanie zachować czystości swoich uczuć w zepsutej rzeczywistości.

Dobuzhinsky nie unikał pasji do teatru. Jak wielu, Dobuzhinsky miał nadzieję wpłynąć na porządek życia poprzez sztukę. Najkorzystniejsze do tego warunki stwarzał teatr, w którym malarze i muzycy pracowali obok pisarza-dramaturga, reżysera i aktorów, tworząc jedno dzieło dla wielu widzów.

W Teatrze Antycznym wykonał scenografię do średniowiecznego spektaklu Adama de la Halle „Gra w Robina i Marion” (1907), stylizując średniowieczną miniaturę, artysta stworzył wspaniały w swej fantastyce spektakl. Stylizując luboka, scenografia do „Akcji demonicznej” A. M. Remizowa (1907) powstała w teatrze V. F. Komissarzhevskaya.

Według szkiców Dobużyńskiego wykonano scenografię do sztuki A. A. Bloka „Róża i krzyż” (1917).

W Moskiewskim Teatrze Artystycznym Dobuzhinsky zaprojektował spektakl „Nikołaj Stawrogin” oparty na sztuce Dostojewskiego „Demony”. Teraz, już na scenie, Dobuzhinsky wyraził swój stosunek do nieludzkiego świata, okaleczającego dusze i życie.

Dobuzhinsky wykonał szkice kostiumów i dekoracje do występów muzycznych.

W 1925 Dobuzhinsky opuścił Związek Radziecki, mieszkał na Litwie, od 1939 - Anglia, USA, zmarł w Nowym Jorku.

Lew Bakst

Wyróżniał się ciekawymi dziełami sztuki teatralnej i dekoracyjnej. Lew Bakst(1866-1924). Jego arcydziełami były scenografie i kostiumy do Szeherezady Rimskiego-Korsakowa (1910), Ognistego ptaka Strawińskiego (1910), Dafnis i Chloe Ravela (1912), baletu” popołudniowy odpoczynek Faun” Debussy'ego (1912) w inscenizacji Wacława Niżeńskiego. Wszystkie te spektakle zachwycały paryską publiczność podczas przedsięwzięcia Siergieja Diagilewa.

Borys Michajłowicz Kustodiew (1878-1927)

Do Borys Michajłowicz Kustodiew(1878-1927) były źródłem twórczej inspiracji tradycyjne cechy rosyjskiego życia narodowego. Lubił przedstawiać spokojną patriarchalną prowincję, wesołe wiejskie święta i jarmarki z wielobarwnymi perkalami i sukieneczkami, skrzące się mroźnym śniegiem karnawały i słońce z karuzelami, straganami, śmiałymi trojkami, a także sceny z życia kupieckiego - zwłaszcza kupców, ubrany w luksusowe suknie, uroczyście pijący herbatę lub robiący tradycyjne zakupy w towarzystwie lokajów („Kupiec”, 1915, „Maslenica”, 1916 itp.).

Edukacja artystyczna Kustodiew rozpoczął w swojej ojczyźnie, w Austrachanie. W 1896 został przeniesiony do warsztatu Repina, po 5 latach ukończył studia z prawem do emerytury do Paryża.

Powiedzmy kilka słów o studiowaniu na Akademii Sztuk Pięknych. W 1893 r. w Akademii nastąpiła reforma, zmieniła się jej struktura i charakter nauczania. Uczniowie po zajęciach ogólnych zaczęli pracować w warsztatach, prowadzonych przez wybitnych artystów tamtych czasów: w 1894 r. I. E. Repin, V. D. Polenov, A. I. Kuindzhi, I. I. Shishkin, V. A. Makovsky, V. V. Mate, P. O. Kovalevsky.

Najpopularniejszy był Warsztat Repina. Było to przedmiotem zaawansowanych zainteresowań artystycznych i publicznych. „Cała siła poreformacyjnej Akademii jest teraz skoncentrowana w miastach Repin i Mate” – napisał A. N. Benois w artykule „Wystawy studenckie w Akademii”. Repin rozwinął w swoich uczniach ducha kreatywności, aktywności społecznej, chronił ich indywidualność. Nic dziwnego, że z warsztatu Repina wyszli tacy różni i niepodobni do siebie artyści jak K. A. Somow, I. Ya Bilibin, F. A. Malyavin, I. I. Brodsky, B. M. Kustodiev, A. P. Ostroumova - Lebiediew i inni To uczniowie Repina dokonali druzgocącej krytyki starego system w latach I rewolucji rosyjskiej, który aktywnie przemawiał w prasie podczas rewolucji 1905-1907. z karykaturami na cara i generałów, którzy przeprowadzali represje na zbuntowanych ludziach. W tym czasie pojawiło się wiele czasopism ("Sting", "Zhupel" itp.), około 380 tytułów odpowiadających na temat dnia, w których prace graficzne(tym razem uważany jest za rozkwit grafiki). Wśród nich był Kustodiew.

Ostateczne dojrzewanie twórczości artysty Kustodiewa przypada na lata 1911-1912. W tych latach jego malarstwo nabiera tej odświętności i przewagi, tej dekoracyjności i koloru, które stały się charakterystyczne dla dojrzałego Kustodiewa ("Kobieta kupca", 1912. "Kobieta kupca", 1915, "Zapusty", 1916, "Uczta na Wioska” itp. ). Impuls twórczy okazał się silniejszy od choroby w latach 1911-1912. długoletnia choroba przekształciła się w poważną nieuleczalną chorobę dla artysty - całkowity bezruch nóg ... W tych latach poznał Bloka, którego wiersze o klasie kupieckiej:

... A pod lampką przy ikonce
pijąc herbatę, odrywając rachunek,
Następnie odwróć kupony
Garbnik otwierający komodę.
A na puchowych łóżkach z pierza
Zapadam w głęboki sen...

Zbliżają się do kupców Kustodiewa, jego „picia herbaty”, kupca liczącego pieniądze, pulchnej piękności, zatopionej w gorących puchowych kurtkach.

W latach 1914-1915. Kustodiev inspiruje się pracą na zaproszenie Stanisławskiego w Moskiewskim Teatrze Artystycznym, gdzie zaprojektował spektakle „Śmierć Pazuchina” M.E. Sałtykowa-Szczedrina, „Skrzypce jesienne” D.S.

Jego arcydzieła związane są z ostatnim okresem twórczości:

obrazy „Balagany”, „Kupiec na herbatę”, „Niebieski dom”, „Rosyjska Wenus”,
scenografia do spektakli „Burza z piorunami”, „Snow Maiden”, „Enemy Force” A. N. Serova, „ królewska panna młoda"," Pchła ",
ilustracje do dzieł N. S. Leskova, N. A. Niekrasowa,
litografie i linoryty.

Dom Kustodiewa był jednym z centrów artystycznych Piotrogrodu - A. M. Gorkiego, A. N. Tołstoja, K. A. Fedina, W. Szyszkowa, M. W. Niestierowa (zdj. 29), S. T. Konenkowa, F. I. Chaliapina i wielu innych: przyjechał tu chłopiec Mitya Szostakowicz bawić się.

Kustodiev stworzył całość galeria portretów jego współczesnych:

artyści („Portret grupowy artystów „Świata Sztuki”, 1916-1920, portret I. Ya. Bilibina, 1901, portret V. V. Mate, 1902, autoportrety z różnych lat itp.),
artyści (Portret I. V. Erszowa, 1905, portret E. A. Polevitskaya, 1095, portret V. I. Chaliapina, 1920-1921 itd.),
pisarze i poeci (Portret F. Sologuba, 1907, portret V. Ya. Shishkov, 1926, portret Bloka, 1913, niezachowany i wiele innych),
kompozytorzy Skriabin, Szostakowicz.

Jeśli artysta w swoim malarstwie rodzajowym ucieleśniał życie we wszystkich jego formach, tworząc często obrazy hiperboliczne, to jego portrety tworzone w malarstwie, rzeźbie, rysunku i rycinie są zawsze ściśle autentyczne, realistyczne.

„Człowiek wielkiego ducha” zwany Kustodiev V. I. Chaliapin, który nie rozstał się ze swoim portretem, wykonanym przez Borysa Michajłowicza.

Podział „Świata Sztuki”

W połowie XX wieku. w redakcji magazynu World of Art dochodzi do rozłamu, ponieważ poglądy artystów ewoluowały, a początkowe postawy estetyczne przestały odpowiadać wielu. Działalność wydawnicza ustała, a od 1910 r. „Świat Sztuki” funkcjonuje wyłącznie jako organizacja wystawiennicza, niezwiązana, jak dotychczas, jednością zadań twórczych i orientacji stylistycznych. Niektórzy artyści kontynuowali tradycję starszych towarzyszy.

Mikołaj Roerich (1874-1947)

Znacząca rola w zaktualizowanym „Świacie Sztuki” już w latach 1910-tych. grał Mikołaja Roericha(1874-1947), w latach 1910-1919 był prezesem towarzystwa.

Roerich, uczeń Kuindzhi na Akademii Sztuk Pięknych, odziedziczył po nim zamiłowanie do wzmożonych efektów barwnych, do wyjątkowej kompozycji malarskiej. Twórczość Roericha związana jest z tradycjami symboliki. W latach 1900-1910. poświęcił swoją pracę starożytnym Słowianom i starożytnej Rosji pierwszych lat chrześcijaństwa, w tym czasie Roerich lubił archeologię i historię starożytnej Rosji („Goście zagraniczni”, 1901). Drewniany statek Varangian przypomina "brata" - starożytną chochlę, która jednoczy przyjaciół i zaciekłych wrogów podczas uczt. Jasne kolory obrazu sprawiają, że fabuła jest bardziej bajeczna niż prawdziwa.

W wielu obrazach Roericha wyczuwalny jest wpływ malarstwa ikonowego, oczywiście było to ważne źródło w rozwijaniu jego własnego stylu.

W 1909 został akademik malarstwa. W latach 1900 dużo pracował dla Moskiewskiego Teatru Artystycznego, dla "Rosyjskich Pór Roku" S. P. Diagilewa i jako muralista (kościół w Tałaszkinie). Roerich jest autorem wielu artykułów o sztuce, a także prozy, wierszy, notatek z podróży. Dużo czasu i energii poświęcał działaniom społecznym.

W 1916 roku, ze względów zdrowotnych, Roerich osiedlił się w Serdobol (Karelia), które w 1918 zostało scedowane na Finlandię. W 1919 Roerich przeniósł się do Anglii, a następnie do Ameryki. W latach 1920-1930. wykonuje wyprawy w Himalaje, Azję Środkową, Mandżurię, Chiny. Wszystko to znajduje odzwierciedlenie w jego pracach. Od lat dwudziestych mieszkał w Indiach.

Pietrow-Wodkin

Mówiąc o „świecie sztuki”, nie sposób nie przywołać sztuki monumentalnej Pietrowa-Wódkina którzy szukali syntezy między współczesnością język artystyczny i dziedzictwo kulturowe przeszłości. Bardziej szczegółowo przyjrzymy się jego pracy w następnym rozdziale.

Wyniki „Świata Sztuki”

Podsumowując rozmowę o „Świacie Sztuki”, zauważamy, że jest to najjaśniejsze zjawisko w życiu kulturalnym „Srebrnego Wieku”, a znaczenie artystów tej grupy polega na tym, że

odrzucił salonizm akademizmu,
odrzucił tendencyjność (zbudowanie) Wędrowców,
stworzył ideowo-artystyczną koncepcję sztuki rosyjskiej,
ujawniono współczesnym nazwiska Rokotowa, Lewickiego, Kiprenskiego, Wiecjanowa,
były w ciągłym ruchu szukam nowego,
osiągnął światowe uznanie dla kultury rosyjskiej ("Pory Rosyjskie" w Paryżu).

„Związek Artystów Rosyjskich” (1903-1923)

Jedno z największych stowarzyszeń wystawienniczych początku XX wieku. był „Związek Artystów Rosyjskich”. Inicjatywa jej stworzenia należała do moskiewskich malarzy - uczestników wystaw World of Art, którzy byli niezadowoleni z ograniczonej program estetyczny„Miriskusnikov” – petersburski. Powstanie „Związku” datuje się na rok 1903. Uczestnikami pierwszych wystaw byli Vrubel, Borisov-Musatov, Serov. Do 1910 roku wszyscy najważniejsi mistrzowie Świata Sztuki byli członkami „Związku”. Ale oblicze „Związku” zostało określone głównie przez malarzy szkoły moskiewskiej, absolwentów szkoły moskiewskiej, którzy rozwinęli tradycje liryczny krajobraz Lewitan. Wśród członków „Związku” byli Wędrowcy, którzy również nie akceptowali „westernizmu” „Świata Sztuki”. Tak więc A. E. Arkhipov (1862-1930) zgodnie z prawdą opowiada o ciężkim życiu zawodowym ludzi („Praczki”, 1901). W trzewiach Związku powstała rosyjska wersja obrazowego impresjonizmu ze świeżym charakterem i poezją chłopskich obrazów Rosji.

Ujawniła się poezja rosyjskiej natury I. E. Grabar(1874-1960). Harmonia kolorów i kolorowe rewelacje uderzają na zdjęciu” luty niebieski„(1904), które sam artysta nazwał „świętem lazurowego nieba, perłowych brzóz, koralowych gałęzi i szafirowych cieni na liliowym śniegu”. W tym samym roku powstał kolejny obraz, wyróżniający się wyjątkowym wiosenne kolory, „Marcowy śnieg”. Faktura obrazu imituje powierzchnię topienia marcowy śnieg, a pociągnięcia przypominają szmer źródlanych wód.

W tych pejzażach Grabar zastosował metodę dywizjonizmu - dekompozycji widoczny kolor na spektralnie czystych kolorach palety.

Motywy chłopskie spotykamy na: F. A. Malyavina(1969-1940). W Whirlwind (1906) chłopskie perkal zostały rozrzucone w dzikim, okrągłym tańcu, tworząc dziwaczny dekoracyjny wzór, w którym wyróżniają się twarze roześmianych dziewcząt. Bunt pędzla artysty jest porównywalny z elementami buntu chłopskiego. A.P. Riabuszkin, potomek zwykłych chłopów, który większość życia spędził w skromnej wsi Korodyn, zwraca nas do przedpetrynowego życia chłopów i kupców, opowiada o obrzędach, świętach ludowych i życiu codziennym. Jego postacie, nieco konwencjonalne, nieco baśniowe, zamarły, jak w antycznych ikonach ("Pociąg weselny", 1901 itd.).

Ciekawym artystą „Unii” jest KF Yuon(187 5-1958). Jego obrazy są oryginalnym stopem gatunek gospodarstwa domowego z krajobrazem architektonicznym. Podziwia panoramę starej Moskwy, starożytnych rosyjskich miast ze zwykłym ulicznym życiem.

Artyści „Unii” kojarzyli narodowy rosyjski smak z zimą i wczesną wiosną. I to nie przypadek, że jeden z najlepsze krajobrazy Yuon to „marcowe słońce” (1915).

Zdecydowana większość artystów „Unii” kontynuowała linię rosyjskiego krajobrazu Savrasov-Levitan.

Kuindzhi kontynuował tradycje komponowanego dekoracyjnego krajobrazu A. A. Ryłow(1870-1939). W jego „Zielonym szumie” (1904) czuć optymizm i dynamikę, głębokie zrozumienie i heroiczny początek pejzażu. Uogólnienie obrazu natury jest wyczuwalne w obrazach „Łabędzie nad Kamą” (1912), „Grzmiąca rzeka”, „Niespokojna noc” (1917) itp.

Jednym z najbardziej znanych artystów „Unii” był Korowin. Wiążą się z nim pierwsze kroki rosyjskiego impresjonizmu malarskiego.

Stowarzyszenie „Niebieska Róża”

Innym ważnym stowarzyszeniem artystycznym było "Niebieska róża". Pod tą nazwą, w 1907 roku w Moskwie, w domu M. Kuzniecowa na Miaśnickiej, wystawa 16 artystów- absolwenci i studenci Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, w tym P. V. Kuzniecow, M. S. Saryan, N. N. Sapunov, S. Yu Sudeikin, N. Krymov, rzeźbiarz A. Matveev. Wystawa nie miała ani manifestu, ani statutu. „Niebieską różę” wspierał i promował magazyn „Golden Fleece”, który uważał się za bastion modernizmu i tubę „najnowszego” (w stosunku do „świata sztuki”) kierunku w sztuce.

Artyści Błękitnej Róży byli wyznawcami Borysowa-Musatowa i starali się stworzyć symbol niezniszczalnego piękna. Symboliczna jest również nazwa stowarzyszenia. Ale Kuzniecow i Saryan wkrótce uciekli z niewoli sztucznych aromatów „tajemniczych ogrodów”. Przez pryzmat snu o baśniowym, oświeconym świecie, oni – czołowi artyści „róży” – otworzyli temat Wschodu. P. W. Kuzniecow(1878-1968) tworzy cykl płócien „Suita kirgiska”. Przed nami prymitywna patriarchalna sielanka, „złoty wiek”, urzeczywistniony sen o harmonii człowieka z naturą („Miraż na stepie”, 1912 itd.). MS Saryan(1880-1972), który wraz z Kuzniecowem ukończył klasę MUZHVZ, do końca życia trzymał w swoim barwnym, obrazy wierność epickiej pierwotności surowej górskiej przyrody Armenii. Styl twórczy Saryana wyróżnia lakonizm („Ulica. Południe. Konstantynopol”, 1910, „Mułłowie obładowani sianem”, 1910, „Maski egipskie”, 1911 itd.). Zgodnie z teorią symbolizmu artyści „Błękitnej Róży” zostali poddani instalacji wizualnej transformacji obrazów rzeczywistości w celu wykluczenia możliwości dosłownego postrzegania rzeczy i zjawisk. Teatr staje się sferą najskuteczniejszej uniwersalnej transformacji rzeczywistości. Obraz „Niebieskiej Róży” był więc zgodny z symbolicznymi przedstawieniami V. Meyerholda.

N. N. Sapunow(1880-1912) i S. Yu Sudeikin(1882-1946) jako pierwsi w Rosji zaprojektowali symboliczne dramaty M. Maeterlincka (w Teatrze Studio na Powarskiej, 1905). Sapunov w Meyerhold zaprojektował inscenizacje Ibsena Hedda Gabler, Blok's Puppet Show (1906). „Niebieska róża” to jasna karta w historii sztuki rosyjskiej początku XX wieku, pełna poezji, snów, fantazji, wyjątkowe piękno i duchowość.

Grupowanie „Jack of Diamonds”

Na przełomie lat 1910-1911. na arenie życie artystyczne pojawia się nowa grupa z pogrubioną nazwą „Walet diamentów”. Trzon społeczeństwa do 1916 roku stanowili artyści

P. P. Konczałowski („Portret Jakułowa”, „Agawa”, 1916, „Portret Sieny, 1912 itd.),
I. i Maszkow. („Owoce na półmisku”, 1910, „Chleb”, lata 1910, „Martwa natura z niebieskimi śliwkami”, 1910 itd.),
A. V. Lentulov („Błogosławiony Wasilij”, 1913; „Pierścień”, 1915 itd.),
A. V. Kuprin („Martwa natura z glinianym dzbanem”, 1917 itp.),
R. R. Falk („Krym. Topola piramidalna”, „Sun. Krym. Kozy”, 1916 itp.).

„Jack of Diamonds” miał swój statut, wystawy, kolekcje artykułów i stał się nowym wpływowym nurtem w sztuce rosyjskiej. W przeciwieństwie do impresjonizmu i artystów Błękitnej Róży, sprzeciwiających się wyrafinowanemu estetyzmowi Świata Sztuki, malarze Jack of Diamonds oferowali widzowi naturę prostą, pozbawioną intelektualnego sensu, nie budzącą skojarzeń historycznych i poetyckich. . Meble, naczynia, owoce, warzywa, kwiaty w kolorowych zestawieniach artystycznych – to jest piękno.

W swoich poszukiwaniach malarskich artyści skłaniają się ku zmarłemu Cezanne'owi, Van Goghowi, Matisse'owi, posługują się technikami nieekstremalnego kubizmu, futuryzmu, urodzonych we Włoszech. Ich materialne malarstwo nazwano „cezannizmem”. Co ważne, zwracając się do sztuki światowej, artyści ci wykorzystali własne tradycje ludowe - szyldy, zabawki, popularne grafiki...

Michaił Fiodorowicz Łarionow (1881-1964)

W latach 1910 pojawiają się na scenie artystycznej Michaił Fiodorowicz Łarionow(1881-1964) i Natalia Siergiejewna Gonczarowa (1881-1962). Będąc jednym z organizatorów „Jack of Diamonds”, w 1911 Larionov zerwał z tą grupą i stał się organizatorem nowych wystaw pod szokującymi nazwami „Donkey's Tail” (1912), „Target” (1913), „4” ( 1914 nazwy wystaw były kpiną z nazw „Niebieska Róża”, „Wianek”, „Złote Runo”).

Młody Larionow lubił najpierw impresjonizm, potem prymitywizm, wywodzący się z prądów francuskich (Matisse, Rousseau). Podobnie jak inni, Łarionow chciał czerpać z rosyjskich tradycji starożytna ikona, hafty chłopskie, znaki miejskie, zabawki dla dzieci.

Larionow i Gonczarowa twierdzili malarski neoprymitywizm(nazwę wymyśliliśmy sami), która osiągnęła swój szczyt w latach 1910-tych. W swoich przedstawieniach przeciwstawiali swoje malarstwo orientalne zachodniemu, a także mimowolnie kontynuowali tradycje Wędrowców, powracając ponownie do opartego na narracji gatunku codziennego ("mimowoli wędrowcy"). Chcieli połączyć fabułę z nową plastycznością i otrzymali szczególne, prymitywne życie prowincjonalnych ulic, kawiarni, fryzjerów, koszar żołnierskich.

Larionov z serii „Fryzjerstwo” nawiązuje do arcydzieł „Oficer fryzjer”(1909). Obraz został namalowany na wzór znaku prowincjonalnego. Larionow żartuje z bohaterami (fryzjer z wielkimi nożyczkami i nadęty oficer), ujawnia osobliwości ich zachowania i podziwia je. Cykl „żołnierz” powstał pod wpływem jego wrażeń ze służby w wojsku. Artysta traktuje swoich żołnierzy z miłością i ironią ("Żołnierz na koniu" porównywany jest do dziecięcej zabawki, "Odpoczywający żołnierz" wykonany jest z naiwnością dziecięcego rysunku) i sugeruje jednoznaczne skojarzenia. Potem następuje cykl "Wenus" ("żołnierz", "Mołdawianka", "Żydówka") - nagie kobiety leżące na poduszkach - temat pragnień, marzeń i fantazji.

Potem ma naiwne alegorie "Pory roku". Styl żołnierza zastępuje „ogrodzenie”, pojawiają się różne napisy, ulica zaczyna przemawiać z obrazów artysty. Jednocześnie otwiera własną wersję sztuki nieobiektywnej - Rayonism. W 1913 roku ukazała się jego książka Luchism.

Znaczenie pracy Larionowa podkreślają słowa W. Majakowskiego: „Wszyscy przeszliśmy przez Larionowa”.

Sposób żony Larionowa Natalii Gonczarowej jest inny, wybrała tematy swoich obrazów najczęściej pracy chłopskiej, scen ewangelicznych („Zbiór”, „Mycie płótna”, 1910; „Wędkowanie”, „Strzyżenie owiec”, „Kąpienie koni” , 1911) i stworzony epickie dzieła oryginalne życie ludowe.

Benedikt Lifshitz pisał o obrazach Gonczarowej z lat 1910-1912: „Przez fantastyczny blask kolorów, niezwykłą ekspresję konstrukcji, przez intensywność siły faktury, wydały mi się prawdziwymi skarbami malarstwa światowego". W 1914 roku w Paryżu odbyła się osobista wystawa Gonczarowej, której katalog wydrukowano z przedmową słynnego poety Guillaume'a Apolinera. W 1914 roku Gonczarowa wykonała dla teatru kostiumy i dekoracje do Złotego Kogucika Rimskiego-Korsakowa. Rok później Larionow i Gonczarowa wyjechali za granicę, aby zaprojektować balety Diagilewa. Komunikacja z Rosją została przerwana w życiu, ale nie w kreatywności. Do śmierci artystka zajmowała się tematyką rosyjską.

Nietradycyjną sztukę Gonczarowej i Larionowa nazwano formalizmem i na długo wykreślono z historii sztuki rosyjskiej.

Władimir Władimirowicz Majakowski (1893-1930)

Na czele szkoły futurystycznej W. W. Majakowski(1893-1930). Był uczniem MUZhVZ, wiele się nauczył od V. Serova i podziwiał go w jego obrazach i rysunkach.

Dziedzictwo artystyczne Majakowskiego ma wielki rozmiar i różnorodność. Pracował zarówno w malarstwie, jak iw prawie wszystkich gatunkach grafiki, od portretów („Portret L. Yu. Brika”) i ilustracji po plakaty i szkice spektakli teatralnych (Tragedia „Władimir Majakowski”).

Majakowski miał uniwersalny talent. Jego wiersze na papierze miały szczególną grafikę i rytm, często z ilustracją, w recytacji wymagały przedstawienia teatralnego. Syntezowana uniwersalność jego utworów wywarła maksymalny wpływ na słuchacza i czytelnika. Z tego punktu widzenia najbardziej interesują nas jego słynne „okna ROSTA”. W nich Majakowski najwyraźniej pokazał się zarówno jako artysta, jak i poeta, który stworzył zupełnie nowe zjawisko w światowej sztuce XX wieku. Pomimo tego, że Majakowskiego "Okna" zrobił po rewolucji 1917 roku, zatrzymamy się na tej stronie jego pracy w tym rozdziale.

Majakowski stworzył każde „Okno” jako cały wiersz na jeden temat, podzielony sekwencyjnie na „ramki” z rysunkami i jedną lub dwiema linijkami tekstu. Rymowane i rytmiczne wersety dyktowały fabułę, a rysunki nadawały słowu wizualny, kolorowy dźwięk. Co więcej, ówcześni widzowie „Okna”, przyzwyczajeni do kina niemego, głośno odczytywali napisy, dzięki czemu plakaty były naprawdę „udźwiękowione”. W ten sposób powstało holistyczne postrzeganie „okien”.

W swoich rysunkach Majakowski z jednej strony bezpośrednio kontynuował tradycję rosyjskich druków popularnych, z drugiej zaś opierał się na doświadczeniach najnowszego malarstwa M. Łarionowa, N. Gonczarowej, K. Malewicza, W. Tatlina , który przede wszystkim należał do zasług odrodzenia żywego stosunku do żywej sztuki początku XX wieku Tak więc na skrzyżowaniu 3 sztuk - poezji, malarstwa i kina - powstał nowy rodzaj sztuki, który stał się znaczącym zjawiskiem. nowoczesna kultura, w którym słowa odczytuje się jako rysunki, a rysunki uproszczone do schematu (czerwony - robotnik, fioletowy - mieszczanin, zielono - chłop, niebieski - Biała Gwardia, głód, spustoszenie, komuna, Wrangla, wesz, ręka, oko, strzelba , Ziemia) są odczytywane jako słowa. Sam Majakowski nazwał ten styl „rewolucyjny styl”. Rysunek i słowo w nich zawarte są nierozłączne i w interakcji tworzą jeden język ideografii. Należy zauważyć, że wielu podobnie myślących ludzi Majakowskiego - Cubo-futurystów - było zarówno poetami, jak i artystami i często przedstawiało swoje poetyckie dzieła w języku graficznym ("Poemat wzmocniony betonem" Davida Burliuka).

Wasilij Wasiljewicz Kandinski (1866-1944)

Abstrakcjonizm w wersji rosyjskiej rozwijał się w dwóch kierunkach: dla Kandinsky'ego jest to spontaniczna, irracjonalna gra plam barwnych, dla Malewicza jest to pojawienie się matematycznie zweryfikowanych racjonalnych konstrukcji geometrycznych. V. V. Kandinsky(1866-1944) i K. S. Malewicz(1878-1935) byli teoretykami i praktykami sztuki abstrakcyjnej. Dlatego trudno jest zrozumieć ich płótna bez znajomości ich prac teoretycznych, zrozumieć, co kryje się za wszelkiego rodzaju kombinacjami podstawowych elementów - linii, kolorów, kształtów geometrycznych.

Tak więc Wassily Kandinsky uważał formę abstrakcyjną za wyraz wewnętrznego stanu duchowego osoby („Prawdziwe dzieło sztuki powstaje tajemnicze, enigmatyczne, w mistyczny sposób"artysty"). Był jednym z pierwszych, którzy postawili przed sztuką cel świadomego "uwolnienia" przez artystę energii ruchu, koloru, dźwięku. A ich synteza dla Kandinsky'ego to „kroki” do przyszłego moralnego, duchowego oczyszczenia człowieka. Kandinsky wierzył, że „kolor jest środkiem, za pomocą którego można bezpośrednio wpływać na duszę. Kolor jest kluczem; oko to młotek; dusza to wielostrunowy fortepian”. Artysta za pomocą klawiszy w sposób celowy wprawia w wibrację ludzką duszę. Kandinsky arbitralnie interpretował kolory i kształty: kolorowi żółtemu przypisywał pewien „nadzmysłowy” kolor, a kolorowi niebieskiemu pewien „hamujący ruch” (wtedy również przypadkowo zmienił cechy), uważał wierzchołek spiczastego trójkąta jako ruch w górę, jako „obraz życia duchowego” i ogłoszony „wyrazem niezmierzonego wewnętrznego smutku”.

Wprowadzając swoją teorię w życie, Kandinsky stworzył abstrakcyjne prace trzech typów - impresje, improwizacje i kompozycje, równie pozbawiony sensu, niezwiązany z życiem. Ale „schematy kolorów” nie przyniosły rezultatów, kolorowe kształty geometryczne nie straciły statycznego charakteru, a Kandinsky zwrócił się do muzyki, ale nie modernistycznej (na przykład muzyki Schoenberga), ale do „Obraz z wystawy” Musorgskiego - ale do połączenia niestosowne jest zadaniem niewdzięcznym (spektakl w teatrze w Dessau w 1928 roku był monotonny i żmudny: aktorzy poruszali się po scenie z abstrakcyjnymi kształtami trójkątów, rombów, kwadratów; podobny eksperyment filmowy z Rapsodią węgierską Liszta też się nie powiódł). Najwybitniejszym okresem w twórczości Kandinsky'ego są lata 1910. W późniejszych latach Kandinsky stracił wyjątkowość tamtych czasów.

Kandinsky rozpoczął swoją podróż późno profesjonalny artysta. Studiował w gimnazjum w Odessie, następnie studiował prawo na Uniwersytecie Moskiewskim, interesował się etnografią, odbył kilka podróży po Rosji związanych z jego zainteresowaniami naukowymi, w wieku 30 lat był gotowy do kierowania wydziałem w Derp (Tartu), ale nagle zmienił zdanie i wyjechał do Monachium na studia malarskie. Życie w sztuce trwało około 50 lat.

Praktyka była krótkotrwała. Kandinsky zaczął szukać swojej twarzy. Wraz z przyjaciółmi tworzy „Falangę” (1901-1904). Jej doświadczenie nie poszło na marne, to dzięki Kandinsky'emu słynne towarzystwa „New stowarzyszenie artystyczne„(1909), „Błękitny jeździec” (1911). Po przyjęciu paryskiego fowizmu, niemieckiego ekspresjonizmu, Kandinsky stworzył swoją oryginalną sztukę.

W czasie I wojny światowej mieszkał w Rosji. Rewolucja Październikowa przywrócił Kandinsky'ego do aktywnego organizacyjnego, pedagogicznego i działalność naukowa. Uczestniczył w tworzeniu muzeum kultury malarskiej, szeregu muzeów prowincjonalnych, organizacji Państwowej Akademii Nauk o Sztuce, kieruje Instytutem Kultury Artystycznej, wykłada w Vkhutemas, słynnej moskiewskiej uczelni, która głosiła nowe zasady pedagogika artystyczna itp. Ale nie wszystko poszło dobrze, a pod koniec 1921 artysta opuścił Rosję i wyjechał do Berlina, skąd kilka miesięcy później przeniósł się do Weimaru, a w 1925 do Dessau i pracował w Bauhaus Art. Instytut. Naziści uznali jego sztukę za zdegenerowaną, wyjechał do Francji, gdzie zmarł.

Kazimierz Malewicz (1878-1935)

Kazimierz Malewicz również uważał, że portretowanie prawdziwego artysty jest niegodne prawdziwy świat. W swoim ruchu ku uogólnieniu przeszedł od impresjonizmu przez kubofuturyzm do suprematyzmu (1913; Suprematyzm- z polskiego - najwyższy, niedostępny; Polski był językiem ojczystym Malewicza). Suprematyzm był uważany przez jego twórcę za najwyższą formę twórczości w stosunku do sztuki figuralnej i był wezwany do odtworzenia, za pomocą kombinacji figur geometrycznych malowanych w różnych tonacjach, struktury przestrzennej ("malowniczej architektury" świata) i przekazania pewnych kosmiczne wzory. W jego nieobiektywnych obrazach, które porzuciły ziemskie „punkty orientacyjne”, zanikła idea „góry” i „dół”, „lewo” i „prawo” – wszystkie kierunki są równe, jak we wszechświecie. A „Czarny kwadrat” (1916) Malewicza symbolizował początek Nowa era w sztuce opartej na pełnej geometrii i schemacie form. W 1916 roku w liście do A. N. Benois Malewicz wyraził swoje „credo” w ten sposób: „Wszystko, co widzimy w dziedzinie sztuki, to wszystkie te same powtórki z przeszłości. Nasz świat wzbogaca się z każdym półwieczem przez dzieło genialnego twórcy -" technologii! Ale Świat Sztuki wzbogacił jego współczesność? Zaprezentował parę krynolin i kilka mundurów Petera.

Dlatego wzywam tylko tych, którzy potrafią dać swoje owoce sztuki teraźniejszości. I cieszę się, że twarz mojego kwadratu nie może zlać się z żadnym mistrzem ani czasem. Czyż nie? Nie słuchałem moich ojców, nie jestem taki jak oni.

A ja jestem krokiem.

Rozumiem was, jesteście ojcami i chcecie, żeby wasze dzieci były takie jak wy. I wywozisz ich na pastwisko starych i stygmatyzujesz ich młodą duszę pieczęciami lojalności, jak w dziale paszportowym.

Mam jedną nagą, nieoprawioną (jak kieszonkową) ikonę swoich czasów."

Suprematyzm Malewicza przeszedł trzy etapy: czarny, biały i kolorowy. K. Malewicz za filozoficzną podstawę sztuki suprematyzmu uważał intuicjonizm. „Intuicja”, pisał, „popycha wolę do… kreatywność, a żeby się do tego dostać, trzeba pozbyć się celu, trzeba stworzyć nowe znaki… Po osiągnięciu całkowitego zniesienia obiektywności w sztuce wejdziemy na twórczą ścieżkę tworzenia nowych formacji, unikaj żonglowania na drucie sztuki różne przedmioty co teraz praktykują ... szkoły sztuk pięknych. "Jeśli abstrakcjonizm Malewicza i Kandinsky'ego rozwijał się początkowo wyłącznie w granicach malarstwa sztalugowego, to w twórczości V. E. Tatlin(1885-1953) faktura staje się przedmiotem abstrakcyjnego eksperymentu. Tatlin łączy różne materiały – cynę, drewno, szkło, przekształcając płaszczyznę obrazu w rodzaj rzeźbiarskiego reliefu. W tak zwanych kontrreliefach Tatlina „bohaterami” nie są realne przedmioty, ale abstrakcyjne kategorie faktury – szorstkiej, kruchej, lepkiej, miękkiej, błyszczącej – które żyją między sobą bez określonej fabuły obrazowej.

Ten rodzaj sztuki uznano za nowoczesny, odpowiadający czasowi epoki maszyn.

Należy pamiętać, że środowisko społeczno-kulturowe, które ukształtowało światopogląd Larionowa, Malewicza i Tatlina, było zdecydowanie odmienne od środowiska Baksta, Benoisa, Somowa. Pochodzili z prostych rodzin, bez najmniejszych pretensji do wyższej kultury i wcześnie opuszczali szkołę. Nie byli pod wpływem potężnej tradycji kulturowej, jak artyści „Świata Sztuki”, dlatego nie wypada łączyć ich z ideami wyrafinowanej symboliki i wyższej matematyki. Byli artystami bezpośrednimi, spontanicznymi, posłusznymi instynktowi, intuicji, a nie trzeźwej kalkulacji, a kulturowy wpływ na nich nie miał seansów ani stołów. pierwiastki chemiczne Mendelejew, ale cyrk, jarmark i życie ulicy.

wnioski

Podsumowując, zauważamy, że główne cechy sztuki tego okresu to - demokracja, rewolucyjny, syntetyzujący(interakcja, wzajemne powiązania, przenikanie się form sztuki).

Sztuka krajowa dotrzymywała kroku czasom, obejmowała różnorodne nurty (realizm, impresjonizm, postimpresjonizm, futuryzm, kubizm, ekspresjonizm, abstrakcjonizm, prymitywizm itp.). Nigdy wcześniej nie było takiego zamieszania ideologicznego, tak sprzecznych poszukiwań i tendencji, i tak dużej ilości nazwisk. Kolejno powstawały nowe skojarzenia z głośnymi manifestami i deklaracjami. Każdy z kierunków miał wyjątkową rolę. Młodzi artyści próbowali zniechęcić widza, wywołać dezorientację, śmiech.

Swoista dzikość (często artyści z lewego skrzydła nazywali siebie „dzikimi”) doszła do brutalnego obalenia władzy. Więc w zaprzeczeniu realistyczna sztuka dotarł do „procesu Repina” w Moskiewskim Muzeum Politechnicznym. Tak czy inaczej, jest to jedna z najciekawszych i najbardziej kontrowersyjnych stron sztuki rosyjskiej, o której rozmowa nigdy nie będzie nudna, jednoznaczna i kompletna. Fantastycznie irracjonalny początek to twórczość wybitnego artysty z Witebska M. Z. Chagala(1887-1985). Dzięki swojej filozofii malarstwa Chagall krótko studiował u Y. Penga w Witebsku oraz u Baksta w Petersburgu.

Co właściwie jest namalowane na słynnych rosyjskich obrazach.

Nikołaj Newrev. "Okazja. Scena z życia fortecy. 1866

Jeden właściciel ziemski sprzedaje służącą drugiemu. Imponująco pokazuje kupującemu pięć palców - pięćset rubli. 500 rubli - Średnia cena Poddani rosyjscy w pierwszej połowie XIX wieku. Sprzedawcą dziewczyny jest wykształcony w Europie szlachcic. Obrazy na ścianach, książki. Dziewczyna posłusznie czeka na swój los, inni niewolnicy tłoczą się w drzwiach i patrzą, jak kończą się targi. Tęsknota.

Wasilij Pierow. „Wiejska procesja religijna na Wielkanoc”. 1861

Rosyjska wieś XIX w. Prawosławna Wielkanoc. Wszyscy są pijani jak diabli, łącznie z księdzem. Koleś w środku niesie ikonę do góry nogami i zaraz spadnie. Niektórzy już upadli. Zabawa! Istotą obrazu jest to, że zaangażowanie narodu rosyjskiego w prawosławie jest przesadzone. Uzależnienie od alkoholu jest wyraźnie silniejsze. Pierow był uznanym mistrzem malarstwa rodzajowego i portretu. Ale ten jego obraz w carskiej Rosji nie mógł być pokazywany i reprodukowany. Cenzura!

Grigorij Miasojedow. „Ziemia je obiad”. 1872

Czasy Aleksandra II. Poddaństwo zostało zniesione. Wprowadzono samorząd lokalny - ziemstvos. Tam też wybierano chłopów. Ale między nimi a klasami wyższymi jest przepaść. Dlatego apartheid na obiad. Panowie - w domu, z kelnerami, chłopami - przy drzwiach.

Fiodor Wasiliew. "Wieś". 1869

1869 Krajobraz jest piękny, ale wieś, jeśli się przyjrzeć, jest biedna. Nędzne domy, przeciekające dachy, droga zasypana błotem.

Jana Hendrika Verheyena. „Holenderska wioska z postaciami ludzi”. 1 piętro 19 wiek.

No tak jest dla porównania

Aleksiej Korzuchin. „Powrót z miasta”. 1870

Sytuacja w domu jest słaba, dziecko czołga się po odrapanej podłodze, ojciec przywiózł skromny prezent od miasta dla starszej córki - pęczek bajgli. To prawda, że w rodzinie jest wiele dzieci - tylko na zdjęciu jest ich troje, plus może jeszcze jedno w prowizorycznej kołysce.

Siergiej Korowin. "Na świecie". 1893

To wieś z końca XIX wieku. Nie ma już poddanych, ale pojawiła się stratyfikacja - kułacy. Na wiejskim zebraniu - jakiś spór między biednymi a kułakiem. Dla biedaka temat najwyraźniej jest istotny, prawie szlocha. Bogata pięść wisi nad nim. Inne pięści w tle również chichoczą z nieuczciwego przegranego. Ale towarzysz po prawej stronie biedaka był przepojony jego słowami. Jest już dwóch gotowych członków komitetu, pozostaje czekać do 1917 roku.

Wasilij Maksimow. „Aukcja zaległości”. 1881-82

Urząd skarbowy wariuje. Carscy urzędnicy sprzedają pod młotkiem samowary, żeliwne garnki i inne chłopskie rzeczy. Najcięższymi podatkami nakładanymi na chłopów były wypłaty odkupienia. Aleksander II "Wyzwoliciel" faktycznie uwolnił chłopów za pieniądze - potem przez wiele lat byli oni zobowiązani płacić państwu ojczystemu za działki, które otrzymali wraz z ich wolą. W rzeczywistości chłopi mieli tę ziemię już wcześniej, używali jej przez wiele pokoleń, gdy byli poddanymi. Ale kiedy stali się wolni, byli zmuszeni zapłacić za tę ziemię. Opłatę trzeba było rozłożyć na raty, aż do 1932 roku. W 1907 r., na tle rewolucji, władze zniosły te rekwizycje.

Władimir Makowski. „Na bulwarze”. 1886-1887

Pod koniec XIX wieku industrializacja dotarła do Rosji. Młodzież przeprowadza się do miasta. Ma tam dach. Nie są już zainteresowani swoim dawnym życiem. A ten młody ciężko pracujący nie interesuje się nawet swoją chłopską żoną, która przyjechała do niego ze wsi. Nie jest zaawansowana. Dziewczyna jest przerażona. Proletariusz z akordeonem - wszystko wg RYS.

Władimir Makowski. "Data". 1883

We wsi panuje bieda. Chłopiec został oddany „ludowi”. Tych. wysłany do miasta do pracy dla właściciela, który wykorzystuje pracę dzieci. Matka przyjechała odwiedzić syna. Tom najwyraźniej ma trudności, jego matka widzi wszystko. Chłopiec łapczywie zjada przyniesioną bułkę.

I Władimira Makowskiego. Wypadek bankowy. 1881

Tłum oszukanych deponentów w biurze banku. Wszyscy są w szoku. Nieuczciwy bankier (po prawej) po cichu rzuca z łupem. Policjant patrzy w drugą stronę, jakby go nie widział.

Paweł Fiedotow. " świeży kawaler”. 1846

Młody urzędnik otrzymał pierwsze zamówienie. Myte całą noc. Następnego ranka, kładąc krzyż na szlafroku, pokazuje go kucharzowi. Szalony wygląd pełen arogancji. Kucharz, personifikujący ludzi, patrzy na niego z ironią. Fedotov był mistrzem takich psychologicznych obrazów. Znaczenie tego: migające światła nie są na samochodach, ale w ich głowach.

Więcej Paweł Fedotow. „Śniadanie Arystokraty” 1849-1850.

Rano zubożały szlachcic został zaskoczony niespodziewani goście. Swoje śniadanie (kawałek czarnego chleba) pospiesznie zakrywa francuską powieścią. Szlachta (3% populacji) była w starej Rosji klasą uprzywilejowaną. Posiadali ogromne ilości ziemi w całym kraju, ale rzadko byli dobrymi rolnikami. Nie biznes barowy. W rezultacie - bieda, długi, wszystko jest zastawione i ponownie zastawione w bankach. W „Wiśniowym sadzie” Czechowa majątek właścicielki ziemskiej Ranevskaya jest sprzedawany za długi. Kupcy (zamożni kupcy) rozdzierają majątek, a wiśniowy sad mistrza jest naprawdę potrzebny (żeby odsprzedać go jako letnie domki). Przyczyną problemów rodziny Ranevsky jest bezczynność kilku pokoleń. Nikt nie dbał o majątek, a sama kochanka przez ostatnie 5 lat mieszkała za granicą i marnowała pieniądze.

Borys Kustodiew. "Kupiec". 1918

Prowincjonalna klasa kupiecka to ulubiony temat Kustodiewa. Podczas gdy szlachta w Paryżu trwoniła swoje majątki, ci ludzie powstali z dna, zarabiając pieniądze w rozległym kraju, gdzie było gdzie położyć ręce i kapitał. Warto zauważyć, że obraz został namalowany w 1918 roku, kiedy kupcy i kupcy Kustodiev w całym kraju byli już w pełnym rozkwicie przeciwko burżuazji.

Ilja Repin. Procesja religijna w prowincji Kursk. 1880-1883

Na procesję przychodzą różne warstwy społeczeństwa, a Repin przedstawił je wszystkie. Z przodu niesiona jest latarnia ze świecami, za nią ikona, potem idą najlepsi ludzie - urzędnicy w mundurach, księża w złocie, kupcy, szlachta. Po bokach ochrona (na koniach), potem zwykli ludzie. Ludzie na poboczach od czasu do czasu grabią, aby nie odciąć władz i nie wspinać się na jego pas. Tretiakow nie lubił konstabla na zdjęciu (po prawej, w bieli, z całą swoją głupotą bije batem kogoś z tłumu). Poprosił artystę o usunięcie tego bezprawia gliniarzy z fabuły. Ale Repin odmówił. Tretiakow i tak kupił obraz. Za 10 000 rubli, co w tamtym czasie było kolosalną kwotą.

Ilja Repin. "Konwergencja". 1883

Ale ci młodzi chłopcy na innym zdjęciu Repina - nie chodzą już z tłumem na wszelkiego rodzaju procesje religijne. Mają swój własny sposób – terror. To Narodnaya Volya, podziemna organizacja rewolucjonistów, którzy zamordowali cara Aleksandra II.

Nikołaj Bogdanow-Belski. „Słowne liczenie. W szkole ludowej S.A. Rachinsky'ego. 1895

Szkoła wiejska. Chłopskie dzieci w łykowych butach. Ale istnieje chęć uczenia się. Nauczyciel jest w europejskim garniturze z muszką. To prawdziwa osoba - Sergey Rachinsky. Matematyk, profesor Uniwersytetu Moskiewskiego. Wolontariusz uczył się w wiejska szkoła w wiosce Tatevo (obecnie region Tweru), gdzie miał majątek. Świetna okazja. Według spisu z 1897 r. wskaźnik alfabetyzacji w Rosji wyniósł tylko 21%.

Jana Matejki. "Skuta Polska". 1863

Według spisu z 1897 r. w kraju było 21% osób piśmiennych i 44% Wielkorusów. Imperium! Stosunki międzyetniczne w kraju nigdy nie były płynne. Obraz polskiego artysty Jana Matejki został namalowany na pamiątkę antyrosyjskiego powstania z 1863 roku. Rosyjscy oficerowie z okrutnymi kubkami zakuwają dziewczynę w kajdany (Polska), pokonaną, ale nie złamaną. Za nią siedzi inna dziewczyna (blondynka), która symbolizuje Litwę. Inny Rosjanin ją brudzi. Polak po prawej, siedzący twarzą do widza, to plujący wizerunek Dzierżyńskiego.

Nikołaj Pimomenko. Ofiara fanatyzmu. 1899

Zdjęcie przedstawia prawdziwy przypadek, który miał miejsce w mieście Krzemieniec (Zachodnia Ukraina). Żydowska dziewczyna zakochała się w ukraińskim kowalu. Młodzi zdecydowali się na małżeństwo z nawróceniem panny młodej na chrześcijaństwo. Niepokoiło to lokalną społeczność żydowską. Zachowywali się wyjątkowo nietolerancyjnie. Rodzice (na zdjęciu po prawej) wyrzekli się córki, a dziewczynka została zablokowana. Ofiara ma krzyż na szyi, przed nim rabin z pięściami, za nim zmartwiona publiczność z pałkami.

Franza Rubo. „Atak na wioskę Gimry”. 1891

Wojna kaukaska XIX wieku Piekielna partia Dagów i Czeczenów przez armię carską. Aul Gimry (wioska przodków Szamila) upadł 17 października 1832 r. Nawiasem mówiąc, od 2007 r. reżim operacji antyterrorystycznej ponownie działa w aul Gimry. Ostatni (w momencie pisania tego postu) zamach policji miał miejsce 11 kwietnia 2013 r. Pierwszy z nich jest na poniższym obrazku:

Wasilij Wierieszczagin. „Zjadacze opium”. 1868

Obraz został namalowany przez Vereshchagin w Taszkencie podczas jednej z turkiestańskich kampanii armii rosyjskiej. Azja Środkowa została następnie przyłączona do Rosji. Jak widzieli uczestnicy kampanii przodków obecnych pracowników gościnnych - Vereshchagin pozostawił obrazy i wspomnienia na ten temat. Brud, bieda, narkotyki...

Piotr Biełousow. "Pójdziemy w drugą stronę!" 1951

I wreszcie główne wydarzenie w historii Rosji w XIX wieku. 22 kwietnia 1870 r. W Simbirsku urodził się Wołodia Uljanow. Jego starszy brat, członek Narodnaja Wola, próbował się w sferze terroru indywidualnego - szykował zamach na cara. Ale próba się nie powiodła i brat został powieszony. To wtedy młody Wołodia, według legendy, powiedział matce: „Pójdziemy w drugą stronę!”. I chodźmy.

Malarstwo końca XIX - początku XX wieku w Rosji

W 1894 r najwięksi przedstawiciele Wędrowcy: Repin, Makovsky, Shishkin, Kuindzhi stali się częścią akademickiej profesury. Oskarżycielska linia malarstwa rosyjskiego wyraźnie się zmniejsza, a poszukiwanie ideałów harmonii trwa coraz bardziej. Piękno zagrożone w burżuazyjnym świecie.

W poszukiwaniu nowego języka artyści często sięgają po bajeczne, mitologiczne tematy.

Artyści formułują nowe zadanie. Nie potępiać, ale zachować poczucie piękna, uczyć piękna. Noś piękno nawet w codzienny świat: w życiu codziennym, w architekturze i przedmiotach codziennego użytku.

Wystawy są stałe, ukazuje się wiele czasopism i almanachów, powstają i znikają różne grupy artystyczne.

Wraz z malarstwem sztalugowym aktywnie rozwija się rzemiosło artystyczne, grafika książkowa i scenografia teatralna. Pojawia się typ uniwersalnego artysty. Potrafi namalować obraz, stworzyć panel dekoracyjny, winietę do książki, wymodelować rzeźbę, skomponować kostium teatralny.

Taki jest M. A. Vrubel, artyści stowarzyszenia „World of Arts”. Artyści są zgrupowani w Abramtsevo wokół S.I. Mamontova. Kultywowany jest tam rozwój sztuki teatralno-dekoracyjnej i dekoracyjnej. Artystów z kręgu Abramtsevo przyciągają rzeźby w drewnie, hafty, popularne grafiki i zabawki. Odradza się ludowe rzemiosło.

Malarstwo gatunkowe lat 90.

W latach 90. malarstwo rodzajowe straciło wiodącą pozycję. Artystów pociągają już nie uogólnione, monumentalne obrazy rosyjskiego chłopa, przyrody, ale zmiany zachodzące w rosyjskim życiu.

SA Korowin (1858-1908)

Tematy rozwarstwienia wsi, wrogość kułaków i biedoty, rozłam w społeczności.

„Na świecie” 1893 Państwowa Galeria Tretiakowska

Z niezwykłą psychologiczną autentycznością oddana została scena sporu między kompletnie zrujnowanym, zdesperowanym biednym człowiekiem a zadowolonym z siebie kułakiem, który wie, że prawo i władza pieniądza są po jego stronie. Nie ma idealnej społeczności, która była tak ceniona w latach 60-tych. Świat chłopski odrzuca biednych, nikt nie przyjdzie mu z pomocą. Autor znajduje nowe środki dla obrazu. Scena przedstawiona jakby z góry, nagle znajdujemy się w bliskim gronie ludzi. Duże postacie, ich namacalna fizyczność sprawiają, że widzimy wprost brutalny dramat, rozgrywany w jednej z wiosek

A. E. Arkhipov (1862 - 1930)

Artysta ten wprowadził do gatunku zdobycze malarstwa impresjonistycznego: przypadkowo wyrwaną z codzienności scenę, relacje kolorystyczne, plener malarski.

„Praczki” 1901 Państwowa Galeria Trietiakowska

Przed nami jest jak szkic natychmiast uchwyconej sceny. Nie są przedstawiane konkretne wydarzenia, ale nieznośne warunki pracy praczek. Ich praca jest przedstawiana jako oszałamiająca i przyzwyczajona. Uczucie wilgotnej piwnicy, śliskiej podłogi, stosów brudnego prania, gorącej pary unoszącej się z gorącej wanny do zimnego okna jest mistrzowsko oddane. Niczym śliskie pociągnięcie pędzla zanurzamy się w stojącej wilgoci wilgotnego powietrza.

SI Iwanow (1864 - 1910)

Ten artysta znacznie rozszerzył tematykę gatunku.

"Na drodze. Śmierć osadnika, 1889, Państwowa Galeria Trietiakowska

Przed nami tragiczny finał koczowniczego życia chłopskiej rodziny, która wyruszyła na poszukiwanie lepiej się podziel. Uderza dokładność póz i detali. Ale najważniejsze jest niedopowiedziane. Tragedia jest taka, że artysta nie podejmuje się wprost opowiadać o wszystkich jej konsekwencjach. Maluje przesilenie południowe, odrętwienie natury i ludzi, monotonną, spaloną równinę. Podniesione wały wagonów są symbolem zatrzymanego ruchu. Wszystko stwarza poczucie całkowitej beznadziejności dla tych, którzy stracili nadzieję.

„Wykonanie” 1905

Jedna z najlepszych prac o wydarzeniach rewolucyjnych. Po lewej są chmury prochu. Tło to ciemny szereg szeregów żołnierzy. Po prawej fragment tłumu z transparentami. Obszar pustynny zalany słońcem. Autentyczność pozy zmarłego i rannego, najprawdopodobniej z boku, pochylonego w biegu psa, uderza autentycznością. Cienie domów to żałobna granica, oświetlone fragmenty bocznych ścian to lekkie kliny, jakby wskazywały na czających się w cieniu zabójców.

N. A. Kasatkin (1859 - 1930)

Artysta po raz pierwszy ujawnił wątek pracy klasy robotniczej wkraczającej na arenę historii.

"Górnicy. Zmiana” 1895 Państwowa Galeria Tretiakowska

Atmosfera ponurego pokoju z drewnianymi farmami w górę i tłumem górników stłoczonym poniżej. Wszystko napawa ponurą powagą. Twarze wielu górników w tłumie są zdystansowane i wrogo nastawione do widza. Górnik idzie prosto na nas ze złowieszczym błyskiem w białkach oczu na zakopconej twarzy. Jest postrzegany jako rozejm pełen nienawiści w imieniu mas pracujących wobec wroga. Zasadniczo przyziemna scena zmiany zmiany w klatce kopalnianej jest obdarzona taką siłą i znaczeniem, że przekazuje narastający gniew wśród klasy robotniczej.

A. P. Riabuszkin (1861 - 1904)

Połączenie historii i codzienności prowadzi do narodzin obrazu historycznego i codziennego w twórczości tego artysty. Jego najlepsze obrazy to „Kobiety moskiewskie z XVII wieku w kościół „1899”, Pociąg ślubny w Moskwie z XVII wieku „1901

Przed nami sceny z życia codziennego, tylko w odległej przeszłości. Dlatego obrazy pozbawione są monumentalności. Historia odwraca się nie od strony dramatycznej, jak miało to miejsce w przypadku Surikowa czy Repina, ale od strony estetycznej. Artysta podziwia życie z przeszłości, cieszy się kolorem życia Moskwy w XVII wieku. Wiek nie został wybrany przypadkowo. Dopiero w XVII wieku rosyjskie wzornictwo i polichromia osiągnęły niezwykłą spektakularną moc. Riabuszkin był nasycony duchem pstrokatego rosyjskiego średniowiecza.

W późniejszych obrazach pojawiają się rysy groteski, satyry.

MV Niestierow (1862 - 1942)

Uczeń Pierowa, który zaczynał w duchu Wędrowców, artysta ten wkracza do rosyjskiego malarstwa z obrazem "Pustelnik", w którym odnajduje swój temat: monastyczna, cerkiewna Rosja, monastycyzm. Brak realiów z określonego czasu. Niestierow tworzy idealny obraz połączenia człowieka z naturalny świat poza cywilizacją. Stąd bohaterowie - mnisi, Sergiusz z Radoneża, pustelnicy. Jego zdjęcie z programu - „Wizja do młodzieży Bartłomiej” 1890 Państwowa Galeria Tretiakowska reprezentuje moment, w którym prawda zostaje objawiona przyszłemu Sergiuszowi z Radoneża, a dusza chłopca wypełnia się niezwykłą czułością przed każdym źdźbłem trawy, suchym liściem, a jednocześnie wrażliwą czujnością. Następuje duchowy przewrót. Wszystko to odsłania uduchowiony jesienny krajobraz. Rosyjski świat zamienia się w rodzaj „ziemskiego raju”.

Rosyjski impresjonista. K Korowin (1861 - 1939)

Podobnie jak Lewitan studiował w Moskiewskiej Szkole Malarstwa, Rzeźby i Architektury pod kierunkiem Savrasova i Polenova. na obrazie „Krajobraz zimą” 1894 działa jako następca Savrasova. Przed nami szary, zimowy dzień, podwórze wiejskiej chaty i koń zaprzęgnięty do sań przy watowanym płocie. Ale głównym zadaniem Korovina nie jest tu pejzaż nastrojowy, ale czysto obrazowy: malowanie szarości i czerni na bieli. Z wyjątkiem miękkiego złotego drewna i świeżo heblowanych sań na zdjęciu nie ma czystych kolorów. Niezwykłe odcienie popielato-szarego, niebiesko-fioletowego.Po podróży do Francji i zapoznaniu się z malarstwem impresjonistów Korovin zwraca się do tematu duże miasto.

„Paryskie światła” 1911 GTG

Tematem przewodnim jest życie w mieście. Przed nami fragment jego życia, stąd fragmentacja kompozycji. Jednocześnie punkt obserwacyjny jest niezwykły - ostro z góry uderzenie jest dynamiczne, kontury, jakby zamazane deszczem, drżą w ulicznym powietrzu. Ale rosyjski temperament przejawia się w zwiększonej intensywności koloru, spontaniczności pędzla i emocjonalności.

Główny innowator V. A. Serov (1865 - 1911)

Uczeń Repina, spadkobierca realistycznej tradycji malarstwa rosyjskiego, dokonał wielkiej rewolucji w artystycznych poszukiwaniach epoki. Sierow przeszedł od realizmu krytycznego do realizmu poetyckiego, do ucieleśnienia piękna i harmonii metodą realistyczną.

„Dziewczyna z brzoskwiniami” 1887 Państwowa Galeria Tretiakowska

Młodość jest źródłem życia - tematem tego wspaniały obraz. Jest piękna zarówno w życiu, jak iw malarstwie Sierowa. Przed nami córka Sawwy Iwanowicza Mamontowa - Vera Mamontova. Wygląda na to, że po prostu wbiegła do domu i usiadła przy stole. To poczucie mobilnego, dynamicznego życia przypomina styl impresjonistyczny. Całe malowanie obrazu wydaje się przesycone jasnym, radosnym uczuciem akceptacji życia. Taki jest krajobraz za oknem, a wnętrze - obraz pokoju i martwa natura - brzoskwinie na stole i twarz dziewczyny - wszystko oddycha światłem. Wyczuwa się impresjonistyczne pociągnięcie pędzla, mistrzowski przekaz środowiska światło-powietrze, obfitość fragmentarycznie przedstawionych obiektów. Aby bohaterka znalazła się w centrum, Sierow tworzy niemal kwadratowy format obrazu. Aby przekazać harmonię - obfitość okrągłych przedmiotów: brzoskwinie na stole, okrągły talerz na ścianie. Wszystko to współgra z okrągłym owalem twarzy dziewczyny. Obraz stał się całkowicie nowym dziełem w malarstwie rosyjskim końca XIX wieku.

„Dziewczyna oświetlona słońcem” 1888

Aby odejść od impresjonistycznej manier, Sierow kondensuje kolory w gęste masy. Tutaj znowu uczucie świetlistego powietrza.

W latach 90. Serow tworzy cała linia portrety pisarzy, aktorów, artystów: Chaliapin, Gorki, Jermołowa. Wszyscy jego bohaterowie są władcami myśli swoich czasów. W Sierow nie pojawiają się jako pracownicy myśli, ale jako „zwiastuny prawd wieków”. To geniusze w aureoli ekskluzywności.

Gorki na portrecie jest przedstawiony w złożonej spiralnej rozpiętości, jego twarz rozjaśnia myśl, widoczne jest uważnie niepokojące zainteresowanie niewidzialnym rozmówcą.

Yermolova jest oderwana od wszystkiego, co codzienne, doczesne, pojawia się w heroicznej perspektywie, spojrzeniu prorokini, jej twarz jest miękko uformowana, rozświetlona wewnętrznym światłem. Format obrazu - pion podkreśla królewską harmonię postaci wielkiej aktorki. Kolor - czerń na szarości, linearny kontur, cisza, oderwana-idealna struktura obrazu zdają się wyjmować go z rzeczywistości. Stąd to uczucie. To, co mamy przed sobą, nie jest obrazem olejnym.

Chaliapin jest już narysowany węglem na płótnie. Od tego czasu Serov preferuje czystą temperę na matowym tle.

Wszystkie portrety pojawiają się przed nami, jak na cokole przed niewidzialnym tłum tysięcy. Portrety pochodzą z 1905 roku.

Wszystkie techniki wzięte są jak z portretu frontowego: procesja, pozowanie, ale osobowości są do tego wyraźnie proporcjonalne.

Inną wersją ceremonialnego portretu Sierowa jest kreacja postaci portretowanej osoby poprzez jej otoczenie.

„Portret hrabiny Orłowej” 1911, Muzeum Rosyjskie

Pretensjonalna poza, gra ostrych, kanciastych linii sylwetki, „wyrafinowanie” i „szyk” są wyraźnie nieodłączne od tej kobiety, prawdziwej bohaterki lat dziesiątych. Wnętrze jest wyraźnie niezamieszkane: rzeczy rzadkie, drogie, jakby na pokaz. A sama Orłowa wyraźnie się demonstruje: ma na sobie futra, naszyjnik z pereł, hiperbolicznie wielki kapelusz. Jak bohaterka też droga rzecz. Orłowa to modna dama w stylu Art Nouveau, również malowana w stylu Art Nouveau. Ale nie możesz długo pozostać w tej pozycji. Stąd poczucie występu w maskaradzie.

Kompozycje historyczne Sierowa.

Seria „królewskie polowanie” przyjemne spacery Elżbiety i Katarzyny Wielkiej, polowanie na zabawy młodego Piotra II. Stąd najważniejszy z historycznych obrazów - kontrastowa zabawa -

„Piotr Wielki” 1907 Państwowa Galeria Tretiakowska

Przekazana jest skala epoki kryzysów i zmian. Kompozycja obrazu opowiada o motywie procesji, „kroków historii”. Uogólniony obraz woli i determinacji przypomina epokę pierwszej rewolucji rosyjskiej, kiedy powstało to płótno. Tutaj poszukiwanie formy uogólnionej jest już namacalne. Ta ścieżka prowadziła Serow z czysto realistyczny sposób do początków bytu - do mitu. Tak rodzi się wspaniały antyczny cykl artysty: „Odyseusz i Nausicaa” i „Uprowadzenie Europa".

„Uprowadzenie Europy” 1910 Państwowa Galeria Trietiakowska

Obraz został zaprojektowany jako panel dekoracyjny i był wynikiem podróży Sierowa do Grecji. To nie jest konkretny zakątek natury, ale uogólniony obraz wszystkich jej sił. Wznosząca się fala zamyka horyzont – stąd poczucie nieskończoności świata. Fale rysują regularną parabolę, ciało byka jest ukośne, postać Europy znajduje się dokładnie pośrodku. Rozbieżne fale tworzą semantyczne centrum obrazu - oblicze Europy. Jej twarz odwzorowuje maskę archaicznej kory widzianej przez Sierowa na Akropolu. Człowiek XX wieku zwrócił się w przeszłość, zobaczył uroczy obraz starożytności, ale w jego centrum znajduje się tajemnicza archaiczna maska. Sierow stał się jednym z najbardziej ukochanych nauczycieli Szkoły Moskiewskiej.

Odejście od realistycznych tendencji

M. A. Vrubel (1856 - 1910)

Jego prace zawsze można rozpoznać po subiektywnej pasji, po dramatycznej ekspresji form.

Syn wojskowego prawnika z Omska, wcześnie zaczął studiować rysunek, ale wstąpił na wydział prawa Uniwersytetu w Petersburgu. Po ukończeniu w 1880 roku - Akademia Sztuk Pięknych. Brałem lekcje od Repina.

1884 Vrubel otrzymał zaproszenie do przyjazdu do Kijowa, aby namalować kościół św. Cyryla z XII wieku. Tam stworzył kilka kompozycji, wśród których centralną jest obraz Matki Boskiej. Dał jej rysy kobiety, którą kochał. Ta praca dała mu poczucie monumentalności.

Następnie wyjazd do Włoch, poznanie Wenecji. Wracając do Kijowa, Vrubel znalazł się w centrum poszukiwań wielkiego stylu narodowego. Postanowił znaleźć swój własny język. Vrubel wypracował swój własny, niepowtarzalny styl. Dominacja plastyczno-rzeźbiarskiego rysunku trójwymiarowego. Kruszenie powierzchni formy na ostre, ostre krawędzie. Kolor jest postrzegany jako barwne światło (typ witrażu)

W 1889 Vrubel mieszkał w Abramtsevo, gdzie zainteresował się majoliką (rodzaj ceramiki). Wykonał kominki kaflowe z syrenami, bohaterami, postaciami Sadko, Berendeja i innych bohaterów.

Efektem poszukiwań w Kijowie był obraz „Demon”.

„Demon” (siedzący) 1890, Państwowa Galeria Trietiakowska

Magazyn „Złote Runo” ogłosił konkurs na temat „Diabeł”. Vrubel szukał rozwiązania dla obrazu dumnego wyzwania rzuconego światu, postać dosłownie ścigała artystę. „Demon” Vrubela jest symboliczny i wielkoformatowy jak fresk kościelny. Jest tu wyraźne odejście od realizmu. Świat został fantastycznie przemieniony. Spojrzenie na Demona przez pryzmat kultury. Ciało Demona jest wyrzeźbione i przypomina dzieło Michała Anioła. W kolorystyce wyraźnie widoczny jest wpływ szkoły weneckiej. Niektóre "mozaiki" malarstwa przypominają mozaikę kijowskich cerkwi. Światło wydaje się pochodzić z wnętrza. To jest efekt witrażu. Własne zainteresowanie w wieczny obraz Demon nie jest przypadkowy. Vrubel preferuje postacie z „wiecznych motywów”: Demon, Faust, Carmen, starożytność.

„Demon pokonany” 1902

Porównajmy to z Poprzednia praca. Demon na tym płótnie rozpościera się w wąwozie. To nie jest potężny sportowiec, ale ostro zdeformowane proporcje, boleśnie kruche stworzenie.

Na twarzy grymas obrażonej dumy, operowo-piękna twarz przypomina zbiorowy typ dekadenckiego poety.

Autoportrety i portrety.

Ich tematem jest świat jako przerażająca zagadka.

„Portret S.I. Mamontowa” 1897 GT G

Z tła wystaje czerwonawe tło, ponury akord barw, stela nagrobna z postacią żałobnika. Rosyjski „Lorenzo Wspaniały” wydaje się odgrywać scenę z duchami. Na jego twarzy maluje się mentalne zakłopotanie, prawie strach. Wydaje się, że Vrubel przepowiada los „potężnych” w Rosji w XX wieku.

W pracach Vrubela wyraźnie wyczuwalny jest kult nocy.

„Liliowy”, „Nocą”, „Pan”, „Księżniczka łabędzia”. We wszystkich tych pracach dominuje kolor zimny, przebłyski czerwieni są rzadkie. Zainteresowanie Vrubela folklorem, starożytnością, mitologią, materiałem baśniowym, wątkami literackimi było zgodne z poszukiwaniem nowego języka. Podobną ścieżką poszli Viktor Vasnetsov, Surikov, Serov.

Chęć wniesienia piękna do codziennego życia skłoniła firmę Vrubel do stworzenia nie tylko sztalugowych karin, ale także paneli dekoracyjnych.

W 1896 r. na targach w Niżny Nowogród wystawiono dwa panele Vrubela : „Mikuła Sielaninowicz” na tematy rosyjskich eposów i „Sen księżniczki” na podstawie pracy Edmonda Rostanda. Kopia tego dzieła zdobiła fronton hotelu Metropol.

Jeszcze wcześniej Vrubel stworzył panel Hiszpania, Wenecja. Ciekawie rozwiązany jest ostatni panel. "Wenecja" Vrubel - to, co każdy wie o tym mieście: Most Westchnień, wspaniały barokowy kartusz nad okapem palazzo, luksus egzotycznych strojów, wszystko ma klimat włoskiego karnawału . "Hiszpania"- tawerna, krucha kobieta z kwiatkiem, dwóch mężczyzn w oddali, odwróciła się do nich plecami. To początek intrygi rozpętanej w opowiadaniach Merime'a. ("Carmen")

We wszystkich pracach Vrubela można wyczuć wspólne zadanie – objąć jego twórcza fantazjaświat piękna, stwórz nowy stosunek do świata poprzez rewizję wszystkich epok i kultur.

W 1902 Vrubel zachorował na chorobę psychiczną, od tego czasu wszystko, co namalował, niezmiennie niszczył. Były to portrety lekarzy, sanitariuszy, jego szpitalne łóżko, widok ze szpitalnego okna, narożniki pokoi, kanapa, karafka i szklanka wody. Krótko przed śmiercią wizja zawiodła mistrza.

W. Borysow-Musatow (1870 - 1905)

Sercem jego stylu jest impresjonizm z dbałością o środowisko światła i powietrza, nieuchwytne odcienie stanów.

Urodził się w Saratowie, miejscowy nauczyciel przekonał rodziców, by wysłali chłopca do Moskwy. Studiował w Szkole Moskiewskiej, a następnie w Akademii w Petersburgu. Pod koniec lat 90. Borisov-Musatov odwiedził Paryż. Ale tematem Borysowa-Musatowa jest czysto rosyjska retrospekcja: tęsknota za utraconym pięknem, elegijna poezja pustych „szlachetnych gniazd”, parków, zbiorników wodnych. Jego świat znajduje się poza konkretną rzeczywistością historyczną iw ten sposób przypomina świat duchów. Bohaterowie ubrani są w kamizelki, peruki, krynoliny. Ulubiona technika - pastel i tempera.

„Staw” 1902

To najważniejsze dzieło artysty. Płótno przypomina dekoracyjny panel lub gobelin. Linia horyzontu jest niezwykle wysoka, a płaszczyzna ziemi z lustrem zbiornika okazuje się niemal równoległa do płaszczyzny płótna. Błękitne niebo z białymi chmurami odbija się tylko w lustrze wody. Tafla wody jest tak spokojna, że wydaje się, że na świecie nie ma ruchu, czas jest zamrożony i nic się nie dzieje. Bohaterki artystki są w tym samym stanie fascynacji. Dziewczyna siedząca na podwyższeniu spogląda gdzieś w dal i pogrąża się w sennym zapomnieniu. Kolejna postać z opuszczonymi, jak we śnie powiekami, ślizga się po krawędzi zbiornika.

Nad bladą liliową (wymarzony kolor) sukienką znajduje się biała koronkowa peleryna. Dziewczyny się nie widzą, ale łączy je muzyczny rytm: zaokrąglone kontury, współbrzmienie miękkich, opalizujących barwnych tonów. Wewnętrzna jedność tego, co jest zewnętrznie podzielone - główny temat Borysow-Musatow. Płynny rytm wibrującego uderzenia jednoczy wszystkie obiekty na płótnach artysty. W jego obrazach nie ma nic mistycznego, przywiezionego z zewnątrz, specyficznych literackich skojarzeń. Dominuje elegijny smutek, jakby rozlany w naturze i łączący bohaterów obrazów z odwiecznym światem natury.

„Duchy” (1903)

Wstęgi mgły pełzające po ziemi przypominają kręte ścieżki starego parku. Posągi ożywają na stopniach klasycystycznej rezydencji. A budynek pod kopułą jest jakby organicznie mobilny, płynny. W tym przypadku żadnego mistycyzmu. Tak oko widzi o zmierzchu.

Dopiero w 1906 roku, po śmierci artysty, S. Diagilew pokazał 50 swoich prac, dając mu pośmiertną apoteozę.

Trendy w malarstwie XIX wieku są ściśle związane z trendami wieku poprzedniego. Na początku wieku wiodącym kierunkiem w wielu krajach był. Pochodzący z XVIII wieku styl ten rozwijał się, co więcej, różnych krajów jego rozwój był indywidualny.

Klasycyzm

Artyści, którzy pracowali w tym kierunku, ponownie zwracają się do obrazów starożytności. Jednak poprzez tematy klasyczne starają się wyrazić uczucia rewolucyjne - pragnienie wolności, patriotyzmu, harmonii między człowiekiem a społeczeństwem. Wybitnym przedstawicielem rewolucyjnego klasycyzmu był artysta Louis David. To prawda, że z czasem klasycyzm urósł w kierunku konserwatywnym, wspieranym przez państwo, czyli pozbawionym twarzy, zatartym przez cenzurę.

Szczególnie jasny rozkwit malarstwa w XIX wieku zaobserwowano w Rosji. W tym czasie powstało tu wiele nowych stylów i trendów. Analogiem klasycyzmu w Rosji był akademizm. Styl ten miał cechy klasycznego stylu europejskiego - odwołanie się do obrazów starożytności, wzniosłe tematy, idealizacja obrazów.

Romantyzm

Na początku lat 30. XIX wieku w opozycji do klasycyzmu pojawił się romantyzm. W ówczesnym społeczeństwie było wiele punktów zwrotnych. Artyści starali się oderwać od brzydkiej rzeczywistości, tworząc własny idealny świat. Niemniej jednak romantyzm jest uważany za postępowy nurt swoich czasów, ponieważ pragnieniem romantycznych artystów było przekazanie idei humanizmu i duchowości.

To pojemny trend, który znalazł odzwierciedlenie w sztuce wielu krajów. Jej znaczeniem jest egzaltacja walki rewolucyjnej, tworzenie nowych kanonów piękna, malowanie obrazów nie tylko pędzlem, ale i sercem. Na pierwszym planie jest emocjonalność. Romantyzm charakteryzuje się wprowadzeniem alegorycznych obrazów do bardzo realnej fabuły, umiejętną grą światłocienia. Przedstawicielami tego nurtu byli Francisco Goya, Eugene Delacroix, Rousseau. W Rosji twórczość Karla Bryulłowa zalicza się do romantyzmu.

Realizm

Zadaniem tego kierunku był obraz życia takiego, jakie jest. Realistyczni artyści zwrócili się ku wizerunkom zwykłych ludzi, główne cechy ich prac to krytyczność i maksymalna prawdziwość. Szczegółowo przedstawiali strzępy i dziury w ubraniach zwykłych ludzi, twarze zwykłych ludzi zniekształcone cierpieniem i grube ciała burżuazji.

Ciekawym zjawiskiem XIX wieku była Szkoła Artystów Barbizon. Termin ten był kojarzony z kilkoma francuscy mistrzowie którzy wypracowali własny, odrębny styl. Jeśli w kierunkach klasycyzmu i romantyzmu natura była na różne sposoby idealizowana, to Barbizonowie starali się przedstawiać pejzaże z natury. Na ich obrazach - wizerunki rodzimej przyrody i na tym tle zwykłych ludzi. Najsłynniejsi artyści Barbizon to Theodore Rousseau, Jules Despres, Vergil la Peña, Jean-Francois Millet, Charles Daubigny.

Jean Francois Millet

Twórczość ludu Barbizon wpłynęła na dalszy rozwój malarstwa w XIX wieku. Po pierwsze, artyści tego nurtu mają naśladowców w wielu krajach, w tym w Rosji. Po drugie, Barbizonians dali impuls do pojawienia się impresjonizmu. Jako pierwsi malowali w plenerze. W przyszłości tradycję przedstawiania prawdziwych krajobrazów podchwycili impresjoniści.

Stał się ostatnim etapem malarstwa XIX wieku i przypadł na ostatnią trzecią część stulecia. Artyści impresjonistyczni podeszli do przedstawiania rzeczywistości jeszcze bardziej rewolucyjnie. Starali się przekazać nie samą naturę, a nie obrazy w szczegółach, ale wrażenie, jakie wywołuje to lub inne zjawisko.

Impresjonizm był przełomem w historii malarstwa. Ten okres dał światu wiele nowych technik i unikalnych dzieł sztuki.

Malarstwo w Rosji w XIX wieku jest bogate i interesujące.

Wiek XIX jest powszechnie nazywany „złotym wiekiem kultury rosyjskiej”. Malarstwo rosyjskie przeżyło niezwykły rozkwit.

Co jakiś czas na niebie błyskała nowa, jasna, oryginalna gwiazda, tworząc konstelacje utalentowanych artystów. Każdy z nich miał swój indywidualny charakter pisma, którego nie sposób było nie rozpoznać ani pomylić.

Artysta z „niedźwiedziej Rosji”

Orest Adamovich Kiprensky (24 marca 1782 - 17 października 1836) Początkowo czcigodni włoscy profesorowie malarstwa nie wierzyli, że portrety wykonane w doskonałej technice, oddające zarówno charakter, nastrój, jak i stan ducha przedstawiona osoba, należy do nieznanego artysty Oresta Kiprensky'ego z dzikiej Rosji.

O. Kiprensky portret A. S. Puszkina zdjęcie

Mistrzostwo płótna Kiprensky'ego, który był nieślubnym synem właściciela ziemskiego i chłopa pańszczyźnianego, w niczym nie ustępowało takim mistrzom jak Rubens czy Van Dyck. Ten malarz jest słusznie uważany za najlepszego portrecistę XIX wieku. Szkoda, że we własnym kraju nie został doceniony według jego zasług. Portret A.S. Puszkina autorstwa Kiprensky'ego został wydrukowany w takim nakładzie, że być może żaden inny artysta nie ma.

Malarz życia ludowego

Venetsianov Alexei Gavrilovich (18 lutego 1780 - 16 grudnia 1847), zmęczony dwunastoma latami kopiowania obrazów akademickich w Ermitażu, wyjeżdża do wsi Safonkovo w prowincji Twer. Zaczyna pisać życie chłopów po swojemu, tylko po swojemu. obfitość światło słoneczne, prądy powietrza, niezwykła lekkość na płótnach twórcy rosyjskiego malarstwa rodzajowego i pejzażowego.

Wenetsianow. obraz na gruntach ornych. wiosenne zdjęcie

Rosyjskie przestrzenie i pokój znane obrazy„Na gruntach ornych. Wiosna” i „W żniwach. Lato". „Karol Wielki” Tak nazywali studenci i wielu współczesnych wielkiego rosyjskiego artysty, przedstawiciela malarstwa monumentalnego Karola Pawłowicza Bryulłowa (23 grudnia 1799 - 23 czerwca 1852). obraz XIX wieku. Jego najsłynniejszy obraz, Ostatni dzień Pompejów, był triumfem sztuki rosyjskiej. A arystokratyczna „Jeźniczka” lub cała wiejska dziewczyna przeniknięta światłem słonecznym na obrazie „Włoskie południe” podniecają i budzą romantyczne uczucia.

„Rzymski odludek”

Aleksander Andriejewicz Iwanow (28 lipca 1806 - 15 lipca 1858) jest niejednoznacznym zjawiskiem w malarstwie rosyjskim. Pisał w sposób ściśle akademicki. Tematami jego obrazów są mity biblijne i antyczne. Najbardziej znanym z nich jest „Pojawienie się Chrystusa ludowi”. To płótno, okazałe w swoich rozmiarach, wciąż przyciąga widza, nie pozwala mu po prostu spojrzeć i odejść.

Zdjęcie A. Iwanowa Pojawienie się Chrystusa ludziom zdjęcie

To geniusz tego malarza, który przez ćwierć wieku nie opuszczał rzymskiego warsztatu, obawiając się utraty wolności jednostki i niezależności artysty w związku z powrotem do ojczyzny. Umiejętność mistrzowskiego przekazywania nie tylko treści zewnętrznych, ale także wewnętrznych, daleko wyprzedzał nie tylko swoich współczesnych, ale także kolejne pokolenia. Od Iwanowa ciągłość ciągnie się do Surikowa, Ge, Vrubela, Korina.

Jak żyją ludzie na świecie ...

Piosenkarz gatunku codziennego - tak można określić twórczość artysty Pawła Andriejewicza Fedotowa (4.07.1815 - 26.11.1852), który wiódł bardzo krótkie, ale bardzo owocne życie. Akcja wszystkich jego nielicznych obrazów to dosłownie jedno wydarzenie, często dość krótkie. Ale na nim możesz napisać całą historię nie tylko o teraźniejszości, ale także o przeszłości i przyszłości.

Zdjęcie P. Fedotova Swatanie głównego zdjęcia

I to pomimo faktu, że obrazy Fedotowa nigdy nie były przeładowane szczegółami. Tajemnica prawdziwie utalentowanego artysty! I smutny, tragiczny los, kiedy prawdziwe rozpoznanie przychodzi dopiero po śmierci.

Czas nazmianę

Przemiany zachodzące w społeczeństwie rosyjskim w drugiej połowie XIX wieku powołały do życia nie tylko nowe ruchy polityczne, ale także nurty w sztuce. Akademicyzm zostaje zastąpiony realizmem. Po wchłonięciu wszystkich najlepszych tradycji swoich poprzedników, nowe pokolenie malarzy woli pracować w stylu realizmu.

Rebelianci

9 listopada 1863 czternastu słuchaczy kurs maturalny Akademia Sztuk Pięknych w proteście przeciwko odmowie zezwolenia na pisanie prace konkurencyjne na wolny temat opuścił Akademię. Inicjatorem buntu akademickiego był (8 czerwca 1837 - 5 kwietnia 1887) znakomity portrecista i autor niezwykłej głębi, filozoficzno-moralnego płótna „Chrystus na pustkowiu”. Rebelianci zorganizowali własne „Stowarzyszenie Wędrownych Wystaw Artystycznych”.

Ivan Kramskoy malujący Chrystusa na pustyni zdjęcie

Skład społeczny „Wędrowców” był bardzo zróżnicowany – pospólstwo, synowie chłopów i rzemieślników, żołnierze w stanie spoczynku, diakoni wiejscy i drobni urzędnicy. Starali się służyć swoim ludziom mocą swojego talentu. Wasilij Grigorievich Perov (21 grudnia 1833 - 29 maja 1882) ideolog i duchowy mentor Wędrowców.

Jego obrazy pełne są tragedii z ciężkiego udziału ludzi „Widząc umarłych”, a jednocześnie tworzy płótna przepełnione humorem i miłością do natury. („Łowcy w spoczynku”) Aleksiej Kondratiewicz Sawrasow w 1871 r. namalował niewielki obraz „Przybyły gawrony” i został założycielem rosyjskiego malarstwa pejzażowego. Słynne płótno wisi w jednej z sal Galerii Trietiakowskiej i jest uważane za malowniczy symbol Rosji.

Nowa era malarstwa rosyjskiego

Świat potrzeb, bezprawia i ucisku pojawia się przed widzem w obrazach wielkiego rosyjskiego artysty (5.08.1844 - 29.09.1930) , jego buntownicza natura. Izaak Iljicz Lewitan (30 sierpnia 1860 - 4 sierpnia 1900) wciąż jest niezrównanym mistrzem rosyjskiego krajobrazu.

Ilya Repin maluje wozidła barkowe na zdjęciu Wołgi

Uczeń Savrasova, zupełnie inaczej postrzega i przedstawia przyrodę. Obfitość słońca, powietrza, niekończące się przestrzenie o każdej porze roku na płótnach tworzą nastrój spokoju, wyciszenia i cichego szczęścia. Dusza odpoczywa w tych uroczych rosyjskich zakolach rzek, podwodnych łąkach, jesiennym lesie.

kronikarze

Tematy historyczne przyciągały malarzy dramaturgią, intensywnością namiętności, chęcią przedstawienia sławnych postacie historyczne. Nikołaj Nikołajewicz Ge (27 lutego 1831 - 13 czerwca 1894), malarz wyjątkowy, niezwykle szczery, artysta, myśliciel i filozof, złożony, kontrowersyjny i bardzo emocjonalny.

Zdjęcie Mikołaja Ge Piotr 1 przesłuchuje zdjęcie carewicza Aleksieja

Malarstwo uważał za wysoką misję moralną, otwierającą drogę do wiedzy i historii. Uważał, że artysta nie ma obowiązku sprawiać widzowi samej przyjemności, ale musi umieć rozpłakać. Jaka siła, jaka tragedia, jaka moc namiętności na jego najsłynniejszym płótnie, przedstawiającym scenę Piotra I przesłuchującego jego syna Aleksieja!

V. Surikov malujący Suworowa Przekraczający Alpy fot

(24 stycznia 1848 - 19 marca 1916) dziedziczny kozak syberyjski. Studiował w Akademii Sztuk Pięknych na koszt krasnojarskiego kupca - mecenasa sztuki. Jego wielki talent Malarz karmił się głębokim patriotyzmem i wysokim obywatelstwem. Dlatego jego płótna o tematyce historycznej zachwycają nie tylko umiejętnościami i zaawansowaną technologią, ale także napełniają widza dumą z odwagi i odwagi narodu rosyjskiego.

V. Vasnetsov obraz Rycerz na rozdrożu fot

(15 maja 1848 - 23 lipca 1926), słynny malarz, starał się łączyć baśniowe, mityczne tematy z cechy narodowe Rosjanie. Sam nazywał siebie gawędziarzem, pisarzem epickim, malowniczym guslerem. Dlatego zarówno Alyonushka, jak i Three Bogatyrs od dawna stają się symbolami narodu rosyjskiego i Rosji.

Legendarną Budenovkę i płaszcz z długim rondem bojowników Pierwszej Armii Kawalerii Budionnego wymyślił artysta Wiktor Wasniecow. Nakrycie głowy przypominało hełm starożytnych rosyjskich wojowników, a płaszcz „z rozmowami” (naszyty na poprzecznych paskach na piersi) był rodzajem kaftana łuczniczego.