“Nowy Świat narodził się, gdy namalowali go impresjoniści”
Henriego Kahnweilera
19 wiek. Francja. W malarstwie wydarzyło się coś bezprecedensowego. Grupa młodych artystów postanowiła wstrząsnąć 500-letnimi tradycjami. Zamiast wyraźnego rysunku zastosowali szeroką, „niechlujną” kreskę.
I całkowicie porzucili zwykłe obrazy. Portretowanie wszystkich. Oraz damy łatwej cnoty i panowie o wątpliwej reputacji.
Opinia publiczna nie była gotowa na malarstwo impresjonistyczne. Wyśmiewano ich i karcono. A co najważniejsze, nic od nich nie kupili.
Ale opór został przełamany. A niektórzy impresjoniści dożyli swego triumfu. To prawda, że byli już po 40. roku życia. Jak Claude Monet czy Auguste Renoir. Niektórzy na uznanie czekali dopiero u schyłku życia, jak Camille Pissarro. Niektórzy nie dożyli go, jak Alfred Sisley.
Jakiego rewolucjonizmu dokonał każdy z nich? Dlaczego opinia publiczna potrzebowała tak dużo czasu, aby je zaakceptować? Oto 7 najsłynniejszych francuskich impresjonistów. O czym wie cały świat.
1. Edouard Manet (1832 – 1883)
Edwarda Maneta. Autoportret z paletą. 1878 Prywatna kolekcjaManet był starszy niż większość impresjonistów. Był ich główną inspiracją do zmian.
Sam Manet nie twierdził, że jest przywódcą rewolucjonistów. Był człowiekiem świeckim. Marzyłem o oficjalnych nagrodach.
Ale na uznanie czekał bardzo długo. Publiczność chciała zobaczyć greckie boginie. Albo w najgorszym przypadku martwa natura. Aby pięknie wyglądać w jadalni. Manet chciał pisać Nowoczesne życie. Na przykład kurtyzany.
W rezultacie powstało „Śniadanie na trawie”. Dwóch dandysów odpoczywa w towarzystwie dam o łatwych cnotach. Jeden z nich, jakby nic się nie stało, siedzi obok ubranych mężczyzn.
Edwarda Maneta. Śniadanie na trawie. 1863, Paryż Porównaj jego Lunchon the Grass z Romans in Decline Thomasa Couture. Malarstwo Couture wywołało sensację. Artysta natychmiast zyskał sławę.
„Śniadanie na trawie” zostało oskarżone o wulgaryzmy. Kobietom w ciąży poważnie nie zalecano patrzenia na nią.
Thomasa Couture. Rzymianie w swoim upadku. 1847 Musée d'Orsay w Paryżu. artchive.ru W malarstwie Couture dostrzegamy wszystkie atrybuty akademizmu ( tradycyjne malarstwo 16-19 wieków). Kolumny i posągi. Ludzie o wyglądzie apollińskim. Tradycyjne stonowane kolory. Maniery póz i gestów. Fabuła z odległego życia zupełnie innego człowieka.
Inny format ma „Śniadanie na trawie” Maneta. Przed nim nikt tak łatwo nie przedstawiał kurtyzan. Blisko szanowanych obywateli. Chociaż wielu mężczyzn tamtych czasów spędzało w ten sposób swój wolny czas. Prawdziwe życie prawdziwi ludzie.
Kiedyś napisałem do szanowanej pani. Brzydki. Nie mógł jej schlebiać pędzlem. Pani była zawiedziona. Zostawiła go we łzach.
Edwarda Maneta. Angelina. 1860 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikimedia.commons.org Kontynuował więc eksperymenty. Na przykład z kolorem. Nie starał się przedstawiać tzw. naturalnego koloru. Jeśli postrzegał szarobrązową wodę jako jasnoniebieską, to przedstawiał ją jako jasnoniebieską.
To oczywiście rozzłościło publiczność. Przecież nawet Morze Śródziemne nie może pochwalić się błękitem wody Maneta – żartowali.
Edwarda Maneta. Argenteuil. Muzeum 1874 sztuki piękne w Tournai, Belgia. Wikipedia.org Ale fakt pozostaje faktem. Manet radykalnie zmienił cel malarstwa. Obraz stał się ucieleśnieniem indywidualności artysty. Kto pisze jak mu się podoba. Zapominając o wzorach i tradycjach.
Wszelkie innowacje długo mu nie wybaczały. Uznanie zyskał dopiero pod koniec życia. Kiedy już tego nie potrzebował. Umierał boleśnie nieuleczalna choroba.
2. Claude Monet (1840 – 1926)
Claude Monet. Autoportret w berecie. 1886 Zbiory prywatne Claude Monet można nazwać chrześcijańskim impresjonistą. Ponieważ był wierny temu kierunkowi przez cały czas długie życie.
Malował nie przedmioty i ludzi, ale jednobarwną konstrukcję świateł i plam. Oddzielne pociągnięcia. Wstrząsy powietrza.
Claude Monet. Brodzik dla dzieci. 1869 Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku. metmuseum.org Monet malował nie tylko przyrodę. Odnosił sukcesy także w pejzażach miejskich. Jeden z najbardziej sławnych - .
Na tym zdjęciu jest dużo fotografii. Na przykład ruch jest przekazywany poprzez rozmyty obraz.
Zwróć uwagę, jak odległe drzewa i postacie wydają się być we mgle.
Claude Monet. Boulevard des Capucines w Paryżu. 1873 (Galeria Sztuki Europejskiej i Amerykańskiej XIX-XX w.), Moskwa Przed nami zamrożony moment w tętniącym życiem Paryżu. Żadnej inscenizacji. Nikt nie pozuje. Ludzie są przedstawiani jako zbiór pociągnięć pędzla. Taki brak fabuły i efekt stop-klatki - główna cecha impresjonizm.
W połowie lat 80. artyści rozczarowali się impresjonizmem. Estetyka jest oczywiście dobra. Ale brak fabuły przygnębił wielu.
Tylko Monet nadal nie ustępował. Przesadny impresjonizm. Który przerodził się w serię obrazów.
Dziesiątki razy przedstawiał ten sam krajobraz. W inny czas dni. W różnych porach roku. Aby pokazać, jak temperatura i światło mogą zmienić ten sam gatunek nie do poznania.
W ten sposób pojawiły się niezliczone stogi siana.
Obrazy Claude'a Moneta w Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie. Po lewej: Stogi siana o zachodzie słońca w Giverny, 1891. Po prawej: Stogi siana (efekt śniegu), 1891.
Należy pamiętać, że cienie na tych obrazach są kolorowe. I nie szary ani czarny, jak to było w zwyczaju przed impresjonistami. To kolejna ich cecha.
Monetowi udało się cieszyć sukcesem i dobrobytem materialnym. Po 40. zapomniał już o biedzie. Kupił dom i piękny ogród. I tworzył dla własnej przyjemności długie lata.
O najbardziej kultowym obrazie mistrza przeczytacie w artykule
3. August Renoir (1841 – 1919)
Pierre-Auguste Renoir. Autoportret. 1875 Sterling i Francine Clark Institute of Art, Massachusetts, USA. Pinterest.ru Impresjonizm to najbardziej pozytywne malarstwo. A najbardziej pozytywnym wśród impresjonistów był Renoir.
W jego obrazach nie znajdziesz dramatu. Nawet czarna farba nie użył go. Tylko radość bycia. Nawet najbardziej banalne rzeczy w Renoirze wyglądają pięknie.
W przeciwieństwie do Moneta Renoir częściej malował ludzi. Krajobrazy były dla niego mniej ważne. Na jego obrazach przyjaciele i znajomi odpoczywają i cieszą się życiem.
Pierre-Auguste Renoir. Śniadanie wioślarzy. 1880-1881 Kolekcja Phillipsa, Waszyngton, USA. Wikimedia.commons.org W Renoirze nie znajdziesz żadnej głębi. Był bardzo szczęśliwy, że dołączył do impresjonistów. Kto całkowicie odmówił działek.
Jak sam powiedział, wreszcie ma okazję pisać kwiaty i nazywać je po prostu „Kwiatami”. I nie wymyślaj żadnych historii na ich temat.
Pierre-Auguste Renoir. Kobieta z parasolką w ogrodzie. 1875 Muzeum Thyssen-Bormenis w Madrycie. arteuam.com Renoir najlepiej czuł się w towarzystwie kobiet. Poprosił swoje pokojówki, aby śpiewały i żartowały. Im głupsza i bardziej naiwna była ta piosenka, tym lepiej dla niego. A męskie rozmowy go męczyły. Nic dziwnego, że Renoir słynie z aktów.
Modelka na obrazie „Akt w światło słoneczne” wydaje się pojawiać na kolorowym abstrakcyjnym tle. Bo dla Renoira nie ma nic wtórnego. Oko modelki lub obszar tła są równoważne.
Pierre-Auguste Renoir. Nago w słońcu. 1876 Musée d'Orsay w Paryżu. wikimedia.commons.org Renoir żył długo. I nigdy nie odkładaj pędzla i palety. Nawet gdy jego ręce były całkowicie spętane przez reumatyzm, przywiązywał szczotkę do dłoni sznurem. I narysował.
Podobnie jak Monet czekał na uznanie po 40 latach. I widziałem moje obrazy w Luwrze, obok moich dzieł znani mistrzowie.
Przeczytaj o jednym z najbardziej urokliwych portretów Renoira w artykule
4. Edgar Degas (1834 – 1917)
Edgara Degasa. Autoportret. 1863 Muzeum Calouste Gulbenkiana w Lizbonie, Portugalia. Cultured.com Degas nie był klasycznym impresjonistą. Nie lubił pracować na świeżym powietrzu (pod gołym niebem). Nie znajdziesz u niego celowo rozjaśnionej palety.
Wręcz przeciwnie, lubił jasną linię. Ma mnóstwo czerni. I pracował wyłącznie w studiu.
Ale wciąż jest zawsze stawiany w rzędzie z innymi wielkimi impresjonistami. Bo był impresjonistą gestu.
Nieoczekiwane kąty. Asymetria w rozmieszczeniu obiektów. Postacie zaskoczone. To wszystko są główne atrybuty jego obrazów.
Zatrzymał moment życia, nie pozwalając mu dojść do siebie. Wystarczy spojrzeć na jego „Orkiestrę Operową”.
Edgara Degasa. Orkiestra operowa. 1870 Musée d'Orsay w Paryżu. commons.wikimedia.org Na pierwszym planie oparcie krzesła. Muzyk jest do nas tyłem. I dalej tło baletnice na scenie nie zmieściły się w „ramie”. Ich głowy są bezlitośnie „odcinane” krawędzią obrazu.
Dlatego też tancerze, których tak bardzo kochał, nie zawsze są przedstawiani piękne pozy. Czasami po prostu rozciągają się.
Ale taka improwizacja jest wyimaginowana. Oczywiście Degas dokładnie przemyślał kompozycję. To jest po prostu efekt stop-klatki, a nie prawdziwy stop-klatki.
Edgara Degasa. Dwóch tancerzy baletowych. 1879 Muzeum Shelburne, Wermut, USA Edgar Degas uwielbiał malować kobiety. Jednak choroba lub cechy ciała nie pozwalały mu na utrzymywanie z nimi kontaktu. kontakt fizyczny. Nigdy nie był żonaty. Nikt nigdy nie widział go z kobietą.
Brak realnych tematów w jego życiu osobistym dodawał jego obrazom subtelnego i intensywnego erotyzmu.
Edgara Degasa. Gwiazda baletu. 1876-1878 Musee d'Orsay w Paryżu. wikimedia.comons.org Należy pamiętać, że na obrazie „Gwiazda baletu” przedstawiona jest tylko sama baletnica. Jej kolegów zza kulis trudno rozpoznać. Tylko kilka nóg.
Nie oznacza to, że Degas nie dokończył obrazu. To jest przyjęcie. Koncentruj się tylko na najważniejszych rzeczach. Niech reszta zniknie, stanie się nieczytelna.
O innych obrazach mistrza przeczytacie w artykule.
5. Berthe Morisot (1841 – 1895)
Edwarda Maneta. Portret Berthe Morisot. 1873 Muzeum Marmottana Moneta w Paryżu. Bertha Morisot rzadko stawiana jest w pierwszym rzędzie obok wielkich impresjonistów. Jestem pewien, że nie jest to zasłużone. To w jej twórczości znajdziesz wszystkie główne cechy i techniki impresjonizmu. A jeśli lubisz impresjonizm, pokochasz jej twórczość całym sercem.
Morisot działał szybko i energicznie. Przeniesienie wrażenia na płótno. Wygląda na to, że postacie zaraz rozpłyną się w przestrzeni.
Berthe Morisot. Lato. 1880 Muzeum Fabraya w Montpellier we Francji. Podobnie jak Degas często pozostawiała pewne szczegóły niedokończone. A nawet części ciała modelki. Dłoni dziewczyny na obrazie „Lato” nie możemy rozróżnić.
Droga Morisota do wyrażania siebie była trudna. Nie tylko zajmowała się „nieostrożnym” malarstwem. Nadal była kobietą. W tamtych czasach kobieta miała marzyć o wyjściu za mąż. Po czym zapomniano o wszelkich hobby.
Dlatego Bertha przez długi czas odmawiała zawarcia małżeństwa. Dopóki nie znalazła mężczyzny, który szanował jej zawód. Eugene Manet był bratem artysty Edouarda Maneta. Posłusznie tęsknił za sztalugami i farbami swojej żony.
Berthe Morisot. Eugene Manet z córką w Bougival. 1881 Muzeum Marmottan-Monet w Paryżu. Ale nadal było to w XIX wieku. Nie, nie nosiłem spodni Morisot. Ale nie mogła sobie pozwolić na pełną swobodę ruchu.
Nie mogła sama chodzić do parku i pracować. Bez towarzystwa bliskiej Ci osoby. Nie mogłam siedzieć sama w kawiarni. Dlatego jej obrazy przedstawiają osoby z kręgu rodzinnego. Mąż, córka, krewni.
Berthe Morisot. Kobieta z dzieckiem w ogrodzie w Bougival. 1881 Muzeum Narodowe Walia, Cardiff. Morisot nie czekał na uznanie. Zmarła w wieku 54 lat na zapalenie płuc. Nie sprzedając prawie żadnego ze swoich dzieł za życia. W akcie zgonu w rubryce „zawód” widniała myślnik. Nie do pomyślenia było, aby kobietę nazywano artystką. Nawet jeśli rzeczywiście nią była.
O obrazach mistrza przeczytacie w artykule
6. Kamil Pissarro (1830 – 1903)
Kamila Pissarro. Autoportret. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu. Wikipedia.org Kamila Pissarro. Bezkonfliktowy, rozsądny. Wielu postrzegało go jako nauczyciela. Nawet najbardziej temperamentni koledzy nie wypowiadali się źle o Pissarro.
Był wiernym zwolennikiem impresjonizmu. Będąc w wielkiej potrzebie, mając pięcioro dzieci i żonę, nadal ciężko pracował w tym samym stylu. I nigdy nie przestawiłam się na malowanie salonowe. Aby stać się bardziej popularnym. Nie wiadomo, skąd wziął siłę, by w pełni uwierzyć w siebie.
Aby w ogóle nie umrzeć z głodu, Pissarro malował wachlarze. Które chętnie kupowano. Ale prawdziwe uznanie przyszło mu po 60 latach! Kiedy w końcu mógł zapomnieć o swojej potrzebie.
Kamila Pissarro. Dyliżans w Louveciennes. 1869 Musée d'Orsay w Paryżu Powietrze na obrazach Pissarro jest gęste i gęste. Niezwykłe połączenie koloru i objętości.
Artysta nie bał się malować najbardziej zmiennych zjawisk przyrody. Które pojawią się na chwilę i znikną. Pierwszy śnieg, mroźne słońce, długie cienie.
Kamila Pissarro. Mróz. 1873 Musée d'Orsay w Paryżu Jego najbardziej znanymi dziełami są widoki Paryża. Szerokie bulwary, tętniący życiem i kolorowy tłum. W nocy, w ciągu dnia, przy różnej pogodzie. W pewnym sensie nawiązuje do serii obrazów Claude'a Moneta.
Impresjonizm to kierunek w malarstwie, który powstał we Francji ok XIX-XX wiek, będący artystyczną próbą uchwycenia jakiegoś momentu życia w całej jego zmienności i mobilności. Obrazy impresjonistów są jak dobrze wyprana fotografia, ożywiająca w fantazji kontynuację widzianej historii. W tym artykule przyjrzymy się 10 najbardziej znanych impresjonistów pokój. Na szczęście, utalentowani artyści znacznie więcej niż dziesięć, dwadzieścia, a nawet sto, więc skupmy się na tych nazwiskach, które zdecydowanie musisz znać.
Aby nie urazić ani artystów, ani ich wielbicieli, listę podano w rosyjskim porządku alfabetycznym.
1. Alfreda Sisleya
Ten Malarz francuski Pochodzenie angielskie uważany za najsłynniejszego malarza pejzażu drugiego połowa XIX wieku wiek. Jego kolekcja zawiera ponad 900 obrazów, z których najbardziej znane to „Wiejska aleja”, „Mróz w Louveciennes”, „Most w Argenteuil”, „Wczesny śnieg w Louveciennes”, „Trawniki na wiosnę” i wiele innych.
2. Van Gogha
Znany na całym świecie smutna historia wokół ucha (swoją drogą nie odciął mu całego ucha, a jedynie płatek), Wang Gon zyskał popularność dopiero po jego śmierci. I w ciągu swojego życia udało mu się sprzedać jeden obraz na 4 miesiące przed śmiercią. Mówią, że był zarówno przedsiębiorcą, jak i księdzem, ale często się w tym odnalazł szpitale psychiatryczne z powodu depresji, więc cała buntowniczość jego istnienia zaowocowała dziełami legendarnymi.
3. Kamil Pissarro
Pissarro urodził się na wyspie św. Tomasza, w rodzinie burżuazyjnych Żydów i był jednym z nielicznych impresjonistów, których rodzice wspierali jego pasję i wkrótce wysłali go na studia do Paryża. Przede wszystkim artysta lubił naturę, przedstawiał ją we wszystkich kolorach, a mówiąc ściślej, Pissarro miał szczególny talent do dobierania miękkości kolorów, zgodności, po czym na obrazach zdawało się pojawiać powietrze.
4. Claude Monet
Od dzieciństwa chłopiec zdecydował, że pomimo zakazów rodzinnych zostanie artystą. Po samodzielnej przeprowadzce do Paryża Claude Monet pogrążył się w szarej codzienności ciężkiego życia: dwa lata służby w siłach zbrojnych w Algierii, spory sądowe z wierzycielami z powodu biedy i choroby. Można jednak odnieść wrażenie, że trudności nie przytłaczały, a raczej zainspirowały artystę do stworzenia takich jasne zdjęcia, jak „Impresja, wschód słońca”, „Domy parlamentu w Londynie”, „Most do Europy”, „Jesień w Argenteuil”, „Nad brzegiem Trouville” i wiele innych.
5. Konstantin Korowin
Miło wiedzieć, że wśród Francuzów, rodziców impresjonizmu, z dumą można umieścić naszego rodaka – Konstantina Korovina. Pasjonująca miłość do natury pomogła mu intuicyjnie nadać statycznemu obrazowi niewyobrażalną żywotność, dzięki połączeniu odpowiednich kolorów, szerokości pociągnięć, wyborowi tematu. Nie sposób przejść obojętnie obok jego obrazów „Molo w Gurzufie”, „Ryby, wino i owoce”, „ Jesienny krajobraz», « Noc księżycowa. Zima” oraz cykl jego prac poświęcony Paryżowi.
6. Paul Gauguin
Do 26 roku życia Paul Gauguin nawet nie myślał o malarstwie. Był przedsiębiorcą i miał duża rodzina. Kiedy jednak po raz pierwszy zobaczyłem obrazy Camille'a Pissarro, zdecydowałem, że na pewno zacznę malować. Z biegiem czasu styl artysty zmienił się, ale najsłynniejsze obrazy impresjonistyczne to „Ogród w śniegu”, „Na klifie”, „Na plaży w Dieppe”, „Akt”, „Palmy na Martynice” i inne.
7. Paul Cezanne
Cezanne, w przeciwieństwie do większości swoich kolegów, zasłynął już za życia. Udało mu się zorganizować własną wystawę i czerpać z niej znaczne dochody. Ludzie wiedzieli dużo o jego obrazach - on jak nikt inny nauczył się łączyć grę światła i cienia, kładł głośny nacisk na dobro i zło figury geometryczne, surowość tematu jego obrazów harmonizowała z romantyzmem.
8. Pierre Auguste Renoir
Do 20 roku życia Renoir pracował jako dekorator-fan dla swojego starszego brata, dopiero potem przeniósł się do Paryża, gdzie poznał Moneta, Basila i Sisleya. Ta znajomość pomogła mu w przyszłości pójść drogą impresjonizmu i zyskać na niej sławę. Renoir znany jest jako autor portretu sentymentalnego, do jego najwybitniejszych dzieł należą „Na tarasie”, „Spacer”, „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Loża”, „Alfred Sisley i jego żona”, „ Na huśtawce”, „Żaba” i wiele innych.
9. Edgara Degasa
Jeśli nie słyszeliście nic o „Błękitnych Tancerzach”, „Próbach Baletowych”, „Szkole Baletowej” i „Absyncie” – pospieszcie się, aby dowiedzieć się więcej o twórczości Edgara Degasa. Dobór oryginalnych kolorów, niepowtarzalne motywy obrazów, wrażenie ruchu obrazu – to wszystko i wiele więcej sprawiło, że Degas był jednym z najbardziej znany artysta pokój.
10. Edouarda Maneta
Nie myl Maneta z Monetem – jest ich dwóch różni ludzie którzy pracowali w tym samym czasie i w tym samym kierunku artystycznym. Maneta zawsze pociągały sceny z życia codziennego, niezwykły wygląd i typy, jakby przypadkiem „uchwycone” chwile, uchwycone później przez wieki. Wśród znane obrazy Manet: „Olympia”, „Obiad na trawie”, „Bar w Folies Bergere”, „Flecista”, „Nana” i inne.
Jeśli będziesz miał choćby najmniejszą okazję zobaczyć na żywo obrazy tych mistrzów, na zawsze zakochasz się w impresjonizmie!
Aleksandra Skripkina,
Impresjonizm jest jednym z najbardziej znane miejsca docelowe Malarstwo francuskie, jeśli nie najbardziej znany. Powstał pod koniec lat 60. i na początku 70. XIX wieku i był pod dużym wpływem dalszy rozwój sztuka tamtych czasów.
Impresjonizm w malarstwie
Sama nazwa” impresjonizm„został wymyślony przez Francuzów krytyk sztuki nazwał Louis Leroy po odwiedzeniu pierwszej wystawy impresjonistów w 1874 roku, gdzie skrytykował obraz Claude'a Moneta „Impresja: Wschodzące słońce„(„wrażenie” przetłumaczone na francuski brzmi jak „wrażenie”).
Claude Monet, Camille Pissarro, Edgar Degas, Pierre Auguste Renoir, Frederic Bazille to główni przedstawiciele impresjonizmu.
Impresjonizm w malarstwie charakteryzuje się szybkimi, spontanicznymi i swobodnymi pociągnięciami. Zasadą przewodnią było realistyczne przedstawienie środowiska świetlnego.
Impresjoniści starali się uchwycić ulotne chwile na płótnie. Jeśli w tym momencie obiekt pojawi się w nienaturalnym kolorze, z powodu pewien kąt padanie światła lub jego odbicie, wówczas artysta przedstawia to w ten sposób: na przykład, jeśli słońce maluje taflę stawu w kolor różowy, wtedy będzie napisane na różowo.
Cechy impresjonizmu
Mówiąc o głównych cechach impresjonizmu, należy wymienić:
- natychmiastowy i optycznie dokładny obraz ulotnej chwili;
- wykonywanie całości prac na świeżym powietrzu – koniec ze szkicami przygotowawczymi i pracami wykończeniowymi w studiu;
- użycie czystego koloru na płótnie, bez wstępnego mieszania na palecie;
- użycie plam jasnej farby, pociągnięć o różnej wielkości i stopniu rozciągnięcia, które wizualnie składają się na jeden obraz tylko oglądany z daleka.
Rosyjski impresjonizm
Standardowy portret w tym stylu uważany jest za jedno z arcydzieł malarstwa rosyjskiego - „Dziewczyna z brzoskwiniami” Aleksandra Sierowa, dla którego impresjonizm stał się jednak tylko okresem pasji. Rosyjski impresjonizm obejmuje także dzieła Konstantina Korovina, Abrama Arkhipowa, Filipa Maliawina, Igora Grabara i innych artystów powstałych na przełomie XIX i XX wieku.
Przynależność ta jest raczej warunkowa, ponieważ impresjonizm rosyjski i klasyczny francuski mają swoją specyfikę. Rosyjski impresjonizm był bliższy materialności, obiektywności dzieł i skłaniał się ku sensowi artystycznemu, podczas gdy impresjonizm francuski, jak wspomniano powyżej, dążył po prostu do ukazywania chwil życia, bez niepotrzebnej filozofii.
W rzeczywistości rosyjski impresjonizm przejął od Francuzów jedynie zewnętrzną stronę stylu, techniki jego malowania, ale nigdy nie przyswoił sobie samego myślenia obrazowego inwestowanego w impresjonizm.
Współczesny impresjonizm kontynuuje tradycje klasyczne Francuski impresjonizm. We współczesnym malarstwie XXI wieku wielu artystów pracuje w tym kierunku, na przykład Laurent Parselier, Karen Tarleton, Diana Leonard i inni.
Arcydzieła w stylu impresjonizmu
„Taras w Sainte-Adresse” (1867), Claude Monet
Obraz ten można nazwać pierwszym arcydziełem Moneta. Ona wciąż jest najbardziej popularne malarstwo wczesny impresjonizm. Pojawia się tu także ulubiony motyw artysty – kwiaty i morze. Płótno przedstawia kilka osób wypoczywających na tarasie w słoneczny dzień. Krewni samego Moneta są przedstawieni na krzesłach tyłem do publiczności.
Cały obraz jest zalany jasnością światło słoneczne. Wydzielono wyraźne granice pomiędzy lądem, niebem i morzem, organizując kompozycję wertykalnie za pomocą dwóch masztów, jednak kompozycja nie ma wyraźnego środka. Kolorystyka flag łączona jest z otaczającą przyrodą, podkreślając różnorodność i bogactwo barw.
„Bal w Moulin de la Galette” (1876), Pierre Auguste Renoir
Obraz przedstawia typowe niedzielne popołudnie w XIX-wiecznym Paryżu w Moulin de la Galette, kawiarni z parkietem tanecznym na świeżym powietrzu, której nazwa nawiązuje do nazwy znajdującego się nieopodal młyna i jest symbolem Montmartre. Dom Renoira znajdował się obok tej kawiarni; często uczęszczał na niedzielne popołudniowe potańcówki i lubił oglądać szczęśliwe pary.
Renoir wykazuje prawdziwy talent i łączy sztukę portretu grupowego, martwej natury i pejzaż na jednym zdjęciu. Wykorzystanie światła w tej kompozycji i płynność pociągnięć Najlepszym sposobem obecny styl dla ogółu społeczeństwa impresjonizm. To zdjęcie stało się jednym z najbardziej drogie obrazy kiedykolwiek sprzedany na aukcji.
„Boulevard Montmartre nocą” (1897), Camille Pissarro
Chociaż Pissarro słynie z obrazów przedstawiających wiejskie życie, on też napisał duża liczba piękny miejski opowieści z XIX w wieku w Paryżu. Uwielbiał malować miasto ze względu na grę świateł w dzień i wieczorem, ze względu na drogi oświetlane zarówno światłem słonecznym, jak i latarniami.
W 1897 wynajął pokój przy Boulevard Montmartre i przedstawiał go o różnych porach dnia, a praca ta była jedyną pracą w cyklu uchwyconą po zapadnięciu nocy. Płótno wypełnione jest głębokim błękitem i jasnożółtymi plamami świateł miasta. We wszystkich obrazach z cyklu „bulwar” głównym rdzeniem kompozycji jest ciągnąca się w dal droga.
Obraz już jest Galeria Narodowa Londynie, ale za życia Pissarra nigdy nie był nigdzie wystawiany.
Film o historii i warunkach twórczości głównych przedstawicieli impresjonizmu możesz obejrzeć tutaj:
Impresjonizm to ruch głównie w malarstwie francuskim, charakteryzujący się chęcią przekazania ulotnych wrażeń, bogactwa kolorów, niuansów psychologicznych, mobilności i zmienności atmosfery otaczającego świata za pomocą środków sztuki.
Odważne pociągnięcia, jasne kolory, sceny z życia codziennego, szczere pozy i, co najważniejsze, dokładny opis światła... To tylko niewielki ułamek cech jednego z najpopularniejszych kierunki artystyczne. we Francji w połowa 19 wiek. Przed jego pojawieniem się autorzy zwykle tworzyli w swoich pracowniach martwe natury, portrety, a nawet pejzaże.
Po raz pierwszy w historii sztuki artyści przyjęli zasadę, że nie malują w pracowni, ale pod na wolnym powietrzu: nad brzegiem rzeki, na polu, w lesie. Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia z rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania.
PARKETERY, GUSTAVE CAIBOTT
Jeden z pierwszych obrazów przedstawiających miejską klasę robotniczą. Caillebotte ilustruje ciągłe zainteresowanie życiem codziennym. Zwróć uwagę, jak trafnie artysta uchwycił światło wpadające przez okno i cienie. Obraz jest równie realistyczny jak fotografia, a mimo to został odrzucony przez najbardziej prestiżowych wystawy sztuki i salony: przedstawienia półnagich mężczyzn z klasy robotniczej uznano za „wulgarny temat”.
Aleksiej Zajcew- jeden z wybitnych przedstawicieli impresjonizm. Dzieła tego współczesny artysta dobrze znany nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Mistrz maluje olejami, obficie nakładając pociągnięcia, ale obrazy okazują się jasne i słoneczne. Być może w tym właśnie tkwi sekret uroku jego obrazów.
Aleksiej Zajcew pochodzi z Riazania. Jego miłość do malarstwa rozwijała się od dzieciństwa - ciotka Aleksieja była zasłużoną artystką związku, chętnie wprowadzała swojego siostrzeńca w świat sztuki. Być może dziecięce obserwacje dotyczące powstawania obrazów stały się punktem wyjścia do twórczych poszukiwań przyszłego artysty.
Decydując się połączyć swoje życie z sztuki piękne Aleksiej wchodzi na Uniwersytet Moskiewski i otrzymuje wykształcenie specjalizacyjne „ wykres książkowy„Nigdy nie został zawodowym ilustratorem, ale wiedza i umiejętności zdobyte na uniwersytecie pozwoliły Aleksiejowi Zajcewowi rozwinąć swój talent artystyczny.
Charakterystyczną cechą charakteru Aleksieja Zacewa jest bezinteresowna miłość do Ojczyzny. Podróżując po Moskwie i jej przedmieściach obserwuje z zachwytem życie codzienne zwykli ludzie, często wykonuje szkice w plenerze, a następnie wracając do studia, finalizuje obrazy. Artysta równie dobrze radzi sobie ze szkicami miejskimi, pejzażami naturalnymi i scenami rodzajowymi. Wszystko tchnie życiem, jest pełne kolorów. Artysta umiejętnie łączy pracę szpachelką z rysowaniem detali pędzlem, dzięki czemu obrazy nie tracą na wyrafinowaniu, lecz zyskują szczególne bogactwo koloru.
malowanie tekstur Dmitrija Kustanowicza, petersburskiego artysty, którego twórczość jest kochana także na całym świecie.
