ks. impresja - impresja) - kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX - wczesnej. XX wieku, którego przedstawiciele zaczęli malować pejzaże i sceny rodzajowe bezpośrednio z natury, starając się przekazać bardzo czystymi i intensywnymi kolorami blask słońca, powiew wiatru, szelest trawy, ruch miejskiego tłumu. Impresjoniści starali się uchwycić jak najbardziej naturalnie i bezstronnie prawdziwy świat w swojej mobilności i zmienności, aby przekazać ich ulotne wrażenia.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
IMPRESJONIZM
Francuski impresjonizm, od impresji - wrażenie), kierunek w sztuce con. 1860 - wcześnie. 1880 Najwyraźniej przejawia się w malarstwie. Czołowi przedstawiciele: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J. F. Basile. Wraz z nimi swoje obrazy wystawiali E. Manet i E. Degas, choć stylu ich prac nie można nazwać całkowicie impresjonistycznym. Nazwa „Impresjoniści” została przypisana grupie młodych artystów po ich pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itd.), co wywołało wściekłe oburzenie publiczności i krytyków. Jeden z prezentowanych obrazów C. Moneta (1872) nosił tytuł „Wrażenie. Sunrise ”(„ L'impression. Soleil levant ”), a recenzent kpiąco nazwał artystów „impresjonistami” - „impresjonistami”. Pod tym nazwiskiem malarze występowali na trzeciej wspólnej wystawie (1877). W tym samym czasie zaczęli wydawać magazyn impresjonistyczny, którego każdy numer był poświęcony pracy jednego z członków grupy.
Impresjoniści starali się uchwycić świat w swojej stałej zmienności, płynności, bezstronnie wyrażają swoje bezpośrednie wrażenia. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii kolorów (spektralny rozkład promienia słonecznego na siedem kolorów tęczy); w tym jest zgodny z duchem analiza naukowa, charakterystyczny dla con. 19 wiek Jednak sami impresjoniści nie próbowali zdefiniować podstawy teoretyczne swoją sztukę, kładąc nacisk na spontaniczność, intuicyjność twórczości artysty. Artystyczne zasady impresjonistów nie były jednolite. Monet malował pejzaże tylko w bezpośrednim kontakcie z naturą, na świeżym powietrzu (en plein air), a nawet zbudował warsztat na łodzi. Degas pracował w warsztacie ze wspomnień lub zdjęć. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych ruchów radykalnych, artyści nie wyszli poza renesansowy system iluzyjno-przestrzenny oparty na wykorzystaniu perspektywy bezpośredniej. Mocno trzymali się metody pracy z natury, którą wznieśli w główna zasada kreatywność. Artyści starali się „malować to, co widzisz” i „jak widzisz”. Konsekwentne stosowanie tej metody pociągało za sobą przekształcenie wszystkich fundamentów istniejącego systemu obrazowego: koloru, kompozycji, konstrukcji przestrzennej. Czyste kolory zostały naniesione na płótno małymi osobnymi pociągnięciami: wielobarwne „kropki” układały się obok siebie, mieszając się w barwny spektakl nie na palecie i nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli bezprecedensową dźwięczność koloru, niespotykane bogactwo odcieni. Pociągnięcie pędzla stało się samodzielnym środkiem wyrazu, wypełniając powierzchnię obrazu żywą, migoczącą wibracją kolorowych drobinek. Płótno przyrównano do mieniącej się drogocennymi kolorami mozaiki. W dawnym malarstwie dominowały odcienie czerni, szarości, brązu; na płótnach impresjonistów kolory świeciły jasno. Impresjoniści nie używali światłocienia do przenoszenia tomów, porzucili ciemne cienie, cienie na ich obrazach również stały się kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe tony (czerwień i zieleń, żółć i fiolet), których kontrast zwiększał intensywność koloru. Na obrazach Moneta kolory zostały rozjaśnione i rozpuszczone w blasku promieni. światło słoneczne, lokalne kolory przybrały wiele odcieni.
Impresjoniści przedstawiali otaczający świat w nieustannym ruchu, przejście z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować serię obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle Boulevard Montmartre autorstwa C. Pissarro, 1897; Katedra w Rouen, 1893–95, oraz „Parlament londyński”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie w obrazach ruchu chmur (A. Sisley. „Louan in Saint-Mamme”, 1882), gry blasku słońca (O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchów wiatru (C. Monet. „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Jer. Effect of rain”, 1875), padający śnieg (C. Pissarro. „Przejście operowe. Efekt śniegu”, 1898), szybki bieg koni (E. Manet „Wyścigi w Longchamp”, 1865).
Impresjoniści opracowali nowe zasady konstruowania kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu była porównywana do sceny, teraz uchwycone sceny przypominały migawkę, ramkę do zdjęć. Wynaleziony w XIX wieku fotografia miała znaczący wpływ na kompozycję malarstwa impresjonistycznego, zwłaszcza w twórczości E. Degasa, który sam był zapalonym fotografem i, jak sam mówi, starał się zaskoczyć przedstawione baletnice, zobaczyć je „jak gdyby przez dziurkę od klucza”, kiedy ich pozy, linie ciała są naturalne, wyraziste i autentyczne. Tworząc obrazy w plenerze, chęć uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia zmusiła artystów do przyspieszenia pracy, pisania „alla prima” (w jednym kroku), bez wstępnych szkiców. Fragmentaryzacja, „przypadkowość” kompozycji i dynamiczna maniera malarska stworzyły w obrazach impresjonistów poczucie szczególnej świeżości.
Ulubionym gatunkiem impresjonistów był pejzaż; portret był także rodzajem „krajobrazu twarzy” (O. Renoir, „Portret aktorki J. Samary”, 1877). Ponadto artyści znacznie poszerzyli zakres tematów malarskich, zwracając się do tematów wcześniej uważanych za niegodne uwagi: gody, wyścigi konne, pikniki artystycznej bohemy, kulisy życia teatrów itp. Ich obrazy nie mają jednak szczegółowej fabuły, szczegółowej narracji; życie ludzkie rozpływa się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjoniści nie pisali wydarzeń, ale nastroje, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucili historię i tematy literackie, uniknął dramaturgii, ciemne stronyżycie (wojny, katastrofy itp.). Starali się uwolnić sztukę od wypełniania zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku oceny przedstawianych zjawisk. Artyści wyśpiewywali piękno świata, potrafiąc zamienić najzwyklejszy motyw (remont pokoju, szara londyńska mgła, dym parowozów itp.) w czarujące widowisko (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet „Stacja Saint-Lazare”, 1877).
W 1886 roku odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów (nie brali w niej udziału O. Renoir i K. Monet). Do tego czasu ujawniono znaczące różnice zdań między członkami grupy. Możliwości metody impresjonistycznej wyczerpały się, a każdy z artystów zaczął szukać własnej drogi w sztuce.
Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza był przede wszystkim zjawiskiem sztuka francuska jednak twórczość impresjonistów wpłynęła na całość Malarstwo europejskie. Chęć aktualizacji języka artystycznego, podkreślenie kolorową paletą, ekspozycja techniki malarskie teraz mocno wszedł do arsenału artystów. W innych krajach bliscy impresjonizmu byli J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Corinth (Niemcy), J. Sorolla (Hiszpania). Wpływ impresjonizmu odczuło wielu rosyjskich artystów (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar i inni).
Oprócz malarstwa impresjonizm został ucieleśniony w pracach niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Rodin we Francji, M. Rosso we Włoszech, P. P. Trubetskoy w Rosji) w żywym swobodnym modelowaniu płynnych miękkich form, które tworzą złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności dzieła; w pozach moment ruchu uchwycony zostaje rozwój. W muzyce bliskość impresjonizmu odnajdujemy w pracach C. Debussy'ego („Żagle”, „Mgły”, „Odbicia w wodzie” itp.).
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
Impresjonizm (francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), trend w sztuce ostatniej trzeciej połowy XIX - początku XX wieku, którego mistrzowie, utrwalając ulotne wrażenia, starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienność. Impresjonizm narodził się w malarstwie francuskim pod koniec lat 60. XIX wieku. Edouard Manet (który formalnie nie był członkiem grupy impresjonistów), Degas, Renoir, Monet wnieśli świeżość i bezpośredniość do postrzegania życia w sztuce.
Artyści francuscy zwrócili się ku obrazowi sytuacji natychmiastowych wyrwanych ze strumienia rzeczywistości, życia duchowego człowieka, obrazu silne pasje, uduchowienie natury, zainteresowanie narodową przeszłością, pragnienie syntetycznych form sztuki łączą się z motywami smutku świata, pragnieniem poszukiwań i odtworzenia „cienia”, „nocnej” strony ludzka dusza, ze słynną „ironią romantyczną”, która pozwalała romantykom śmiało porównywać i utożsamiać to, co wysokie i niskie, tragiczne i komiczne, prawdziwe i fantastyczne. Artyści impresjonistyczni wykorzystywali fragmentaryczne realia sytuacji, stosowane pozornie niezrównoważone konstrukcje kompozycyjne, nieoczekiwane kąty, punkty widzenia, wycinki postaci.
W latach 70.–1880. kształtował się pejzaż francuskiego impresjonizmu: C. Monet, C. Pissarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy, tworząc w swoich obrazach wrażenie iskrzącego się słońca, bogactwo barw natury, rozpływ form w wibracji światła i powietrza. Nazwa kierunku pochodzi od nazwy obrazu Claude'a Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”; wystawiony w 1874 r., obecnie w Musée Marmottan w Paryżu). Rozkład skomplikowanych kolorów na czyste składniki, które nakładały się na płótno osobnymi pociągnięciami, kolorowymi cieniami, odbiciami i valery, dały początek niespotykanie lekkiemu, drżącemu malowaniu impresjonistycznemu.
Pewne aspekty i techniki tego nurtu w malarstwie wykorzystywali malarze z Niemiec (M. Lieberman, L. Corinth), USA (J. Whistler), Szwecji (A.L. Zorn), Rosji (K.A. Korovin, I.E. Grabar) i wielu innych państwowe szkoły artystyczne. Pojęcie impresjonizmu stosuje się również do rzeźby z lat 80.-1910, która ma pewne cechy impresjonistyczne - chęć oddania natychmiastowego ruchu, płynność i miękkość formy, plastyczną szkicowość (dzieła O. Rodina, brązowe statuetki Degasa itp. .). impresjonizm w sztuki piękne wpłynął na rozwój środków wyrazu współczesnej literatury, muzyki, teatru. W interakcji i polemice z obrazowym systemem tego stylu w kultura artystyczna We Francji na przełomie XIX i XX wieku powstał neoimpresjonizm i postimpresjonizm.
neoimpresjonizm(francuski neoimpresjonizm) - nurt w malarstwie, który powstał we Francji około 1885 roku, kiedy jego główni mistrzowie, J. Seurat i P. Signac, opracowali nowy technika malowania dywizjonizm. Francuscy neoimpresjoniści i ich zwolennicy (T. van Reiselberge w Belgii, G. Segantini we Włoszech i inni), rozwijając tendencje późnego impresjonizmu, starali się zastosować w sztuce współczesne odkrycia w dziedzinie optyki, nadając metodyczny charakter metodom rozkładania tonów na czyste kolory; jednocześnie przełamywali przypadkowość, fragmentację impresjonistycznej kompozycji, uciekali się do płaskich rozwiązań dekoracyjnych w swoich pejzażach i wielofigurowych malarstw tablicowych.
postimpresjonizm(z łac. post - po i impresjonizm) - zbiorcza nazwa głównych nurtów w malarstwie francuskim przełomu XIX i XX wieku. Od połowy lat 80. postimpresjonistyczni mistrzowie szukają nowych środki wyrazu zdolny do przezwyciężenia empiryzmu artystycznego myślenia i pozwalający przejść od impresjonistycznej fiksacji poszczególnych momentów życia do ucieleśniania jego długotrwałych stanów, stałych materialnych i duchowych. Okres postimpresjonizmu charakteryzuje się aktywną interakcją poszczególnych nurtów i poszczególnych systemów twórczych. Postimpresjonizm jest zwykle dziełem mistrzów neoimpresjonizmu, grupy Nabis, a także V. van Gogha, P. Cezanne'a, P. Gauguina.
Dane referencyjne i biograficzne Galerii Malarstwa „Planeta Small Bay Painting” są przygotowywane na podstawie materiałów „Historii sztuki obcej” (pod redakcją M.T. Kuzminy, N.L. Maltseva), „Encyklopedia sztuki obcej sztuki klasycznej”, „Wielka Rosyjska encyklopedia”.
Słowo „impresjonizm” pochodzi od francuskiego „impresja” – wrażenie. Jest to kierunek malarstwa, który powstał we Francji w latach 60. XIX wieku. i w dużej mierze zdeterminowały rozwój sztuki w XIX wieku. Centralnymi postaciami tego nurtu byli Cezanne, Degas, Manet, Monet, Pissarro, Renoir i Sisley, a wkład każdego z nich w jego rozwój jest wyjątkowy. Impresjoniści sprzeciwiali się konwencjom klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, podkreślali piękno codzienności, proste, demokratyczne motywy, osiągali żywą autentyczność obrazu, próbowali uchwycić „wrażenie” tego, co oko widzi w danym momencie, bez skupiając się na rysowaniu konkretnych szczegółów.
Wiosną 1874 r. grupa młodych malarzy, w tym Monet, Renoir, Pissarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę. Taki akt był sam w sobie rewolucyjny i zerwał z odwiecznymi podstawami, a obrazy tych artystów na pierwszy rzut oka wydawały się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Reakcja odwiedzających i krytyków na tę innowację nie była przyjazna. Zarzucali artystom, że pisali tylko po to, by przyciągnąć uwagę publiczności, a nie w sposób, w jaki robią to uznani mistrzowie. Najbardziej protekcjonalni uważali swoją pracę za kpinę, próbę oszukania uczciwych ludzi. Minęły lata zaciekłej walki, zanim ci, później uznani klasycy malarstwa, zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie.
Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów osobnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku światło-powietrze. W swoich ulubionych gatunkach (pejzaż, portret, kompozycja wielopostaciowa) starali się przekazać ulotne wrażenia otaczającego ich świata (sceny na ulicy, w kawiarniach, szkice niedzielnych spacerów itp.). Impresjoniści przedstawili życie pełne naturalnej poezji, w której człowiek jest w jedności z środowisko, wiecznie zmieniający się, uderzający bogactwem i blaskiem czystości, żywe kolory.
Po pierwszej wystawie w Paryżu artystów tych zaczęto nazywać impresjonistami, od francuskiego słowa „wrażenie” – „wrażenie”. To słowo pasowało do ich prac, ponieważ artyści oddali w nich bezpośrednie wrażenie tego, co widzieli. Artyści w nowy sposób podeszli do obrazu świata. Główny temat dla nich stały się drgającym światłem, powietrzem, w którym niejako zanurzeni są ludzie i przedmioty. W ich obrazach czuć było wiatr, wilgotną, nagrzaną słońcem ziemię. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie. Impresjonizm był ostatnim ważnym ruchem w sztuce w Francja XIX wiek.
Nie znaczy to, że droga artystów impresjonistów była łatwa. Na początku nie zostali rozpoznani, ich malarstwo było zbyt odważne i niezwykłe, wyśmiewano ich. Nikt nie chciał kupować ich obrazów. Ale uparcie szli swoją drogą. Ani bieda, ani głód nie zmusiły ich do porzucenia swoich przekonań. Minęło wiele lat, wielu malarzy impresjonistów już nie żyło, gdy ich sztuka została ostatecznie uznana.
Wszystkie te są bardzo różni artyści zjednoczeni wspólną walką z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnią w 1886 roku. To właściwie kończy historię impresjonizmu jako nurtu w malarstwie, po którym każdy z artystów poszedł swoją drogą.
Jeden z obrazów prezentowanych na pierwszej wystawie „niezależnych”, jak woleli nazywać siebie artyści, należał do Claude'a Moneta i nosił tytuł „Impresja. Wschód słońca". W gazecie przeglądowej wystawy, która ukazała się następnego dnia, krytyk L. Leroy kpił na wszelkie możliwe sposoby z braku „formalności” w obrazach, ironicznie skłaniając się pod każdym względem słowem „wrażenie”, jakby zastępując prawdziwą sztukę. w twórczości młodych artystów. Wbrew oczekiwaniom zakorzeniło się i posłużyło jako nazwa całego ruchu to nowe, kpiarskie słowo, które doskonale wyrażało to, co łączyło wszystkich uczestników wystawy – subiektywne doświadczanie koloru, światła, przestrzeni. Starając się jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia rzeczy, artyści uwolnili się od tradycyjnych zasad i stworzyli nową metodę malowania.
Wysuwają impresjoniści własne zasady postrzeganie i wyświetlanie otaczającego świata. Zatarli granicę między głównymi tematami godnymi wysoki poziom artystyczny, a obiekty drugorzędne, ustalone między nimi linią prostą i informacja zwrotna. Metoda impresjonistyczna stała się więc maksymalnym wyrazem samej zasady malarstwa. Obrazowe podejście do obrazu polega po prostu na identyfikacji relacji podmiotu z otaczającym go światem. Nowa metoda zmusiła widza do rozszyfrowania nie tyle perypetii fabuły, ile tajemnic samego obrazu.
Istota impresjonistycznej wizji natury i jej obrazu tkwi w osłabieniu aktywnej, analitycznej percepcji przestrzeń trójwymiarowa i sprowadzenie go do pierwotnej dwuwymiarowości płótna, wyznaczanej przez planarną oprawę wizualną, jak pisze A. Hildebrand „patrzenie z dystansu na naturę”, co prowadzi do odwrócenia uwagi przedstawianego obiektu od jego materialnych właściwości, scalania z otoczeniem, prawie całkowicie zmieniając go w „wygląd”, wygląd, rozpuszczając się w świetle i powietrzu. To nie przypadek, że P. Cezanne nazwał później przywódcę francuskich impresjonistów Claude'a Moneta „tylko okiem”. To „oderwanie” percepcji wzrokowej doprowadziło również do stłumienia „koloru pamięci”, czyli połączenia koloru ze zwykłymi wyobrażeniami i skojarzeniami podmiotowymi, zgodnie z którymi niebo jest zawsze niebieskie, a trawa zielona. Impresjoniści mogli, w zależności od swojej wizji, pomalować niebo na zielono, a trawę na niebiesko. „Obiektywna wiarygodność” została poświęcona prawom percepcji wzrokowej. Na przykład J. Seurat entuzjastycznie opowiadał wszystkim, jak odkrył, że pomarańczowy piasek przybrzeżny w cieniu jest jasnoniebieski. Tym samym zasada kontrastowego postrzegania barw dopełniających została postawiona u podstaw metody obrazowej.
Dla impresjonisty w większości nie liczy się to, co przedstawia, ale to, „jak” jest ważne. Obiekt staje się jedynie okazją do rozwiązywania czysto obrazowych, „wizualnych” zadań. Dlatego impresjonizm pierwotnie miał inną, później zapomnianą nazwę - „chromantyzm” (od greckiego Chroma - kolor). Impresjoniści zaktualizowali kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste kolory i nałożyli na płótno czyste, widmowe kolory, prawie bez wcześniejszego mieszania ich na palecie. Naturalizm impresjonizmu polegał na tym, że to, co najbardziej nieciekawe, zwyczajne, prozaiczne zamieniało się w piękne, gdy tylko artysta dostrzegł w nim subtelne niuanse szarości i błękitu.
Charakterystyczna jest zwięzłość, etiudowy charakter metody twórczej impresjonizmu. Przecież tylko krótkie studium pozwoliło na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów przyrody. Impresjoniści jako pierwsi zerwali z tradycyjnymi zasadami malarstwa przestrzennego sięgającymi renesansu i baroku. Wykorzystali asymetryczne kompozycje, aby lepiej podkreślić te, które ich interesowały. aktorzy i przedmioty. Paradoks polegał jednak na tym, że porzuciwszy naturalizm sztuki akademickiej, niszcząc jej kanony i deklarując wartość estetyczną naprawiania wszystkiego, co ulotne, przypadkowe, impresjoniści pozostali w niewoli naturalistycznego myślenia, a nawet pod wieloma względami stanowili krok wstecz . Przypominają się słowa O. Spenglera, że „krajobraz Rembrandta leży gdzieś w nieskończonych przestrzeniach świata, podczas gdy krajobraz Claude'a Moneta jest blisko dworca”
Wszystko ma swoje początki gdzieś w przeszłości, także obrazy, które zmieniły się z biegiem czasu, a obecne trendy nie są dla wszystkich jasne. Ale wszystko nowe to dobrze zapomniane stare, a żeby zrozumieć dzisiejsze malarstwo, nie trzeba znać historii sztuki z czasów starożytnych, wystarczy pamiętać malarstwo XIX i XX wieku.
Połowa XIX wieku to czas zmian nie tylko w historii, ale także w sztuce. Wszystko, co było wcześniej: klasycyzm, romantyzm, a tym bardziej akademizm - nurty ograniczone pewnymi granicami. We Francji w latach 50. i 60. trendy w malarstwie wyznaczał oficjalny Salon, ale typowa sztuka „salonowa” nie wszystkim odpowiadała, co wyjaśniało nowe trendy, które się pojawiły. W malarstwie tamtych czasów nastąpiła rewolucyjna eksplozja, która zerwała z wielowiekową tradycją i fundamentami. A jednym z epicentrów był Paryż, gdzie wiosną 1874 roku młodzi malarze, wśród których byli Monet, Pissarro, Sisley, Degas, Renoir i Cezanne, zorganizowali własną wystawę. Prezentowane tam prace były zupełnie inne od salonowych. Artyści zastosowali inną metodę - refleksy, cienie i światło zostały oddane czystymi kolorami, osobnymi pociągnięciami, kształt każdego przedmiotu wydawał się rozpływać w powietrzu-świetlnym otoczeniu. Żaden inny kierunek w malarstwie nie znał takich metod. Efekty te pomogły w jak największym stopniu wyrazić swoje wrażenia na temat ciągle zmieniających się rzeczy, natury, ludzi. Jeden z dziennikarzy nazwał grupę „Impresjonistami”, dlatego chciał pokazać swoją pogardę dla młodych artystów. Przyjęli jednak ten termin, który w końcu zakorzenił się i wszedł do aktywnego użytku, tracąc swoje negatywne znaczenie. Tak pojawił się impresjonizm, w przeciwieństwie do wszystkich innych trendów w malarstwie XIX wieku.
Początkowo reakcja na innowację była więcej niż wroga. Zbyt odważne i nowy obraz nikt nie chciał kupować, a bali się, bo wszyscy krytycy nie traktowali impresjonistów poważnie, śmiali się z nich. Wielu twierdziło, że artyści impresjonistyczni chcieli szybko osiągnąć sławę, nie zadowalało ich ostre zerwanie z konserwatyzmem i akademizmem, a także niedokończony i „niechlujny” wygląd dzieła. Ale nawet głód i bieda nie były w stanie zmusić artystów do porzucenia swoich przekonań i trwali, dopóki ich malarstwo nie zostało ostatecznie rozpoznane. Ale na uznanie trwało zbyt długo, niektórzy artyści impresjoniści już wtedy nie żyli.
W rezultacie nurt zapoczątkowany w Paryżu w latach 60. miał duże znaczenie dla rozwoju sztuki światowej XIX i XX wieku. W końcu przyszłe trendy w malarstwie zostały odepchnięte właśnie od impresjonizmu. Każdy kolejny styl pojawiał się w poszukiwaniu nowego. Postimpresjonizm narodził się u tych samych impresjonistów, którzy uznali, że ich metoda jest ograniczona: głęboka i niejednoznaczna symbolika była odpowiedzią na malarstwo, które „zatraciło sens”, a secesja, nawet ze swoją nazwą, wzywa do nowego. Oczywiście wiele zmian zaszło w sztuce od 1874 roku, ale wszystkie współczesne trendy w malarstwie są jakoś odpychane przez ulotne paryskie wrażenie.
Impresjonizm to ruch artystyczny, który pojawił się w latach 70-tych. XIX wiek w malarstwie francuskim, a następnie przejawił się w muzyce, literaturze, teatrze.
Impresjonizm w malarstwie zaczął nabierać kształtu na długo wcześniej słynna wystawa 1874. Edouard Manet jest tradycyjnie uważany za założyciela impresjonistów. Był bardzo zainspirowany klasycznymi dziełami Tycjana, Rembrandta, Rubensa, Velazqueza. Manet wyrażał swoją wizję obrazów na swoich płótnach, dodając „wibrujące” pociągnięcia, które tworzyły efekt niekompletności. W 1863 roku Manet stworzył „Olympię”, co spowodowało wielki skandal w społeczeństwie kulturalnym.
Obraz na pierwszy rzut oka wykonany zgodnie z tradycyjnymi kanonami, ale jednocześnie niósł już nowatorskie trendy. O Olimpii napisano około 87 recenzji w różnych publikacjach paryskich. Spadło na nią wiele negatywnej krytyki - artystka została oskarżona o wulgarność. I tylko kilka artykułów można nazwać życzliwymi.
Manet w swojej pracy wykorzystywał technikę nakładania pojedynczej warstwy farby, co dało efekt plam. Następnie ta metoda nakładania farb została przyjęta przez artystów impresjonistów jako podstawa obrazów na obrazach.
Charakterystyczną cechą impresjonizmu było najsubtelniejsze utrwalenie ulotnych wrażeń, w szczególny sposób odwzorowujące światło otoczenia za pomocą złożonej mozaiki czystych barw, pobieżnych dekoracyjnych kresek.
Ciekawe, że na początku poszukiwań artyści posłużyli się cyjanometrem - przyrządem do określania błękitu nieba. Czarny kolor został wykluczony z palety, zastąpiony innymi odcieniami kolorystycznymi, co pozwoliło nie zepsuć słonecznego nastroju obrazów.
Impresjoniści skupili się na nowościach odkrycia naukowe swojego czasu. Teoria koloru Chevrela i Helmholtza sprowadza się do tego, że promień słońca rozszczepia się na kolory składowe i odpowiednio dwie farby nałożone na płótno wzmacniają efekt malarski, a po zmieszaniu farb tracą swoją intensywność.
Estetyka impresjonizmu ukształtowała się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji klasycyzmu w sztuce, a także uporczywej symboliki i zamyślenia późnoromantycznego malarstwa, które zapraszało wszystkich do obejrzenia zaszyfrowanych idei, wymagających uważnej interpretacji. . Impresjonizm domagał się nie tylko piękna codziennej rzeczywistości, ale utrwalenia barwnej atmosfery, bez szczegółów i interpretacji, przedstawiając świat jako ciągle zmieniające się zjawisko optyczne.
Artyści impresjonistyczni opracowali kompletny system plenerowy. Prekursorami tego cechy stylistyczne byli pejzażystami wywodzącymi się ze szkoły Barbizon, której głównymi przedstawicielami byli Camille Corot i John Constable.
Pracować nad otwarta przestrzeń dał więcej okazji uchwyć najmniejsze zmiany koloru w inny czas dni.
Claude Monet stworzył kilka serii obrazów na ten sam temat, na przykład „Katedra w Rouen” (seria 50 obrazów), „Hacks” (seria 15 obrazów), „Staw z liliami wodnymi” itp. Główny wskaźnik z tych serii nastąpiła zmiana światła i kolorów w obrazie tego samego przedmiotu, pisanego o różnych porach dnia.
Kolejnym osiągnięciem impresjonizmu jest opracowanie oryginalnego systemu malarskiego, w którym złożone tony są rozkładane na czyste kolory przekazywane oddzielnymi pociągnięciami. Artyści nie mieszali kolorów na palecie, ale woleli nakładać pociągnięcia bezpośrednio na płótno. Ta technika nadała obrazom szczególny niepokój, zmienność i ulgę. Dzieła artystów były wypełnione kolorem i światłem.
Wystawa 15 kwietnia 1874 w Paryżu była wynikiem okresu formowania się i prezentowania szerokiej publiczności nowego nurtu. Ekspozycja została umieszczona w pracowni fotografa Felixa Nadara na Boulevard des Capucines.
Nazwa „Impresjonizm” powstała po wystawie, na której znalazł się obraz Moneta „Impresja. Wschód słońca". Krytyk L. Leroy w swojej recenzji w Sharivari podał żartobliwy opis wystawy z 1874 roku, podając jako przykład pracę Moneta. Inny krytyk, Maurice Denis, zarzucał impresjonistom brak indywidualności, uczuć i poezji.
Na pierwszej wystawie swoje prace pokazało około 30 artystów. To było najbardziej duża liczba, w porównaniu z kolejnymi wystawami do 1886 roku.
Nie można o tym powiedzieć pozytywne opinie ze społeczeństwa rosyjskiego. Rosyjscy artyści i krytycy demokratyczni, zawsze żywo zainteresowani życie artystyczne Francja - I. V. Kramskoy, I. E. Repin i V. V. Stasov - wysoko ocenili osiągnięcia impresjonistów od pierwszej wystawy.
Nowy etap w historii sztuki, który rozpoczął się wystawą z 1874 roku, nie był nagłą eksplozją tendencji rewolucyjnych - był kulminacją powolnego i konsekwentnego rozwoju.
Pomimo tego, że wszyscy wielcy mistrzowie przeszłości przyczynili się do rozwoju zasad impresjonizmu, bezpośrednich korzeni nurtu najłatwiej odnaleźć w dwudziestu latach poprzedzających wystawę historyczną.
Równolegle do wystaw w Salonie rozmachu nabierały wystawy impresjonistów. Ich prace pokazywały nowe trendy w malarstwie. Był to zarzut wobec kultury salonowej i tradycji wystawienniczych. W przyszłości impresjonistycznym artystom udało się przyciągnąć na swoją stronę wielbicieli nowych trendów w sztuce.
Wiedza teoretyczna i sformułowania impresjonizmu zaczęły kształtować się dość późno. Artyści woleli więcej praktyki i własne eksperymenty ze światłem i kolorem. W impresjonizmie, przede wszystkim malarskim, można prześledzić spuściznę realizmu, wyraźnie wyraża on antyakademicką, antysalonową orientację i instalację obrazu otaczającej rzeczywistości tamtych czasów. Niektórzy badacze zauważają, że impresjonizm stał się specjalną odnogą realizmu.
Niewątpliwie w sztuce impresjonistycznej, jak we wszystkich ruch artystyczny, powstające w okresie rozłamu i kryzysu dawnych tradycji, splotły się, przy całej swej zewnętrznej integralności, różnymi, a nawet sprzecznymi nurtami.
Główne cechy tkwiły w tematyce prac artystów, w środkach artystyczna ekspresja. Książka Iriny Vladimirovej o impresjonistach zawiera kilka rozdziałów: „Krajobraz, przyroda, wrażenia”, „Miasto, miejsca spotkań i pożegnań”, „Hobby jako sposób na życie”, „Ludzie i postacie”, „Portrety i autoportrety” , "Martwa natura". Opisuje również historię powstania i lokalizację każdego dzieła.
W okresie rozkwitu impresjonizmu artyści odnaleźli harmonijną równowagę między obiektywną rzeczywistością a jej postrzeganiem. Artyści starali się uchwycić każdy promień światła, ruch wiatru, zmienność natury. Aby zachować świeżość obrazów, impresjoniści stworzyli oryginalny system malarski, który później okazał się bardzo ważny dla rozwoju sztuki w przyszłości. Mimo ogólne trendy kierunkach malarstwa, każdy artysta znalazł własną ścieżkę twórczą i główne gatunki w malarstwie.
Klasyczny impresjonizm reprezentują tacy artyści jak Edouard Manet, Claude Monet, Pierre Auguste Renoir, Edgar Alfred Sisley, Camille Pissarro, Jean Frederic Bazille, Berthe Morisot, Edgar Degas.
Rozważ wkład niektórych artystów w kształtowanie się impresjonizmu.
Edouard Manet (1832-1883)
Manet pierwsze lekcje malarstwa otrzymał od T. Couture'a, dzięki czemu przyszły artysta nabył wiele niezbędnych umiejętności zawodowych. Z powodu braku należytej uwagi nauczyciela wobec uczniów Manet opuszcza pracownię mistrza i zajmuje się samokształceniem. Zwiedza wystawy w muzeach, na jego twórczą formację duży wpływ mieli dawni mistrzowie, zwłaszcza hiszpańscy.
W latach 60. XIX wieku Manet napisał dwie prace, które ukazują podstawowe zasady jego artystycznego stylu. Lola z Walencji (1862) i Flecista (1866) ukazują Maneta jako artystę, który poprzez oddanie koloru ujawnia charakter modela.
Jego pomysły na technikę pędzla i stosunek do koloru zostały przejęte przez innych malarzy impresjonistów. W latach 70. XIX wieku Manet zbliżył się do swoich zwolenników i pracował w plenerze bez czerni na palecie. Pojawienie się impresjonizmu było wynikiem twórczej ewolucji samego Maneta. Najbardziej impresjonistyczne obrazy Maneta to W łodzi (1874) i Claude Monet w łodzi (1874).
Manet namalował także wiele różnych portretów świeckie panie aktorki, modelki, piękne kobiety. W każdym portrecie została przekazana wyjątkowość i indywidualność modela.
Tuż przed śmiercią Manet pisze jedno ze swoich arcydzieł – „Bar Folies-Bergère” (1881-1882). Ten obraz łączy kilka gatunków jednocześnie: portret, martwa natura, scena domowa.
N. N. Kalitina pisze: „Magia sztuki Maneta polega na tym, że dziewczyna opiera się otoczeniu, dzięki czemu jej nastrój jest tak wyraźnie ujawniony, a jednocześnie jest częścią, ponieważ całe tło, niejasno domyślane, nieokreślone, wzburzone, jest również rozdzielony na niebiesko-czarne, niebiesko-białe, żółte odcienie.
Claude Monet (1840-1926)
Claude Monet był niekwestionowanym przywódcą i twórcą klasycznego impresjonizmu. Głównym gatunkiem jego malarstwa był pejzaż.
W młodości Monet lubił karykaturę i karykaturę. Pierwszymi wzorami jego pracy byli jego nauczyciele, towarzysze. Jako próbki użył karykatur w gazetach i magazynach. Skopiował rysunki w Golois E. Karża, poety i karykaturzysty, przyjaciela Gustave'a Coubreta.
W college'u Monet uczył Jacques-Francois Hauchard. Ale trzeba zauważyć, że wpływ na Moneta z Boudin, który wspierał artystę, udzielał mu rad, motywował go do kontynuowania pracy.
W listopadzie 1862 w Paryżu Monet kontynuował studia w Paryżu u Gleyre'a. Dzięki temu Monet poznał w swoim studio Basila, Renoira, Sisleya. Młodzi artyści przygotowywali się do wejścia do Szkoły sztuki piękne, szanując swojego nauczyciela, który za lekcje brał niewiele i dawał rady w łagodnej formie.
Monet tworzył swoje obrazy nie jako opowieść, nie jako ilustrację idei lub tematu. Jego malarstwo, podobnie jak życie, nie miało jasnych celów. Widział świat nie koncentrując się na szczegółach, na pewnych zasadach, poszedł do „wizji krajobrazowej” (termin historyka sztuki A. A. Fiodorowa-Dawidowa). Monet dążył do bezfabularności, fuzji gatunków na płótnie. Środkiem realizacji jego innowacji były szkice, które miały stać się gotowymi obrazami. Wszystkie szkice zostały zaczerpnięte z natury.
Malował łąki, wzgórza, kwiaty, skały, ogrody, wiejskie ulice, morze, plaże i wiele więcej, zwracał się ku obrazowi natury o różnych porach dnia. Często malował to samo miejsce w różnym czasie, tworząc ze swoich prac całe cykle. Zasadą jego pracy nie był obraz obiektów na obrazie, ale dokładna transmisja światła.
Oto kilka przykładów prac artysty – „Pole maków pod Argenteuil” (1873), „Żaba” (1869), „Staw z liliami wodnymi” (1899), „Stogi pszenicy” (1891).
Pierre Auguste Renoir (1841-1919)
Renoir jest jednym z wybitnych mistrzów portretu świeckiego, ponadto pracował w gatunkach pejzażu, sceny domowej, martwej natury.
Osobliwością jego pracy jest zainteresowanie osobowością osoby, ujawnienie jej charakteru i duszy. W swoich płótnach Renoir stara się podkreślić poczucie pełni bytu. Artystę przyciąga rozrywka i święta, maluje bale, spacery ich ruchem i różnorodnymi postaciami, tańczy.
Bardzo prace godne uwagi artysta – „Portret aktorki Jeanne Samary”, „Parasole”, „Kąpiel w Sekwanie” itp.
Co ciekawe, Renoir wyróżniał się muzykalnością i jako dziecko śpiewał w chórze kościelnym pod kierunkiem wybitnego kompozytora i pedagoga Charlesa Gounoda w Paryżu w katedrze Saint-Eustache. C. Gounod zdecydowanie zalecał chłopcu studiowanie muzyki. Ale jednocześnie Renoir odkrył swój talent artystyczny - od 13 roku życia nauczył się już malować porcelanowe naczynia.
Lekcje muzyki wpłynęły na ukształtowanie się osobowości artysty. Cała linia jego twórczość związana jest z tematyką muzyczną. Odzwierciedlały grę na pianinie, gitarze, mandolinie. Są to obrazy „Lekcja gitary”, „Młoda Hiszpanka z gitarą”, „Młoda dama przy fortepianie”, „Kobieta grająca na gitarze”, „Lekcja gry na fortepianie” itp.
Jan Fryderyk Bazyli (1841-1870)
Według zaprzyjaźnionych artystów Basil był najbardziej obiecującym i wybitnym impresjonistą.
Jego praca jest jasna zabarwienie i duchowość obrazów. Pierre Auguste Renoir, Alfred Sisley i Claude Monet mieli ogromny wpływ na jego twórczą drogę. Mieszkanie Jeana Frederica dla początkujących malarzy było rodzajem pracowni i mieszkania.
Bazylia malowana głównie w plenerze. Główną ideą jego twórczości był wizerunek człowieka na tle przyrody. Jego pierwszymi bohaterami na obrazach byli jego przyjaciele-artyści; wielu impresjonistów bardzo lubiło malować się nawzajem w swoich pracach.
Frédéric Bazille wyznaczał w swojej twórczości kierunek realistycznego impresjonizmu. Jego najsłynniejszy obraz, Zjazd rodzinny (1867), jest autobiograficzny. Artysta przedstawia na nim członków swojej rodziny. Praca ta została zaprezentowana w Salonie i uzyskała aprobującą ocenę publiczności.
W 1870 artysta zginął w wojnie prusko-francuskiej. Po śmierci artysty jego przyjaciele-artyści zorganizowali trzecią wystawę impresjonistów, na której eksponowane były również jego płótna.
Camille Pissarro (1830-1903)
Camille Pissarro jest jedną z główni przedstawiciele pejzażyści wg C. Moneta. Jego prace były stale wystawiane w ekspozycjach impresjonistów. W swoich pracach Pissarro wolał przedstawiać zaorane pola, chłopskie życie i pracę. Jego obrazy wyróżniała struktura form i klarowność kompozycji.
Później artysta zaczął malować i malować o tematyce miejskiej. N. N. Kalitina zauważa w swojej książce: „Patrzy na ulice miasta z okien górnych pięter lub z balkonów, nie wprowadzając ich do kompozycji”.
Pod wpływem Georgesa-Pierre'a Seurata artysta zajął się puentylizmem. Ta technika polega na nakładaniu każdego uderzenia z osobna, tak jak w przypadku kropek. Ale twórcze perspektywy w tej dziedzinie nie zostały zrealizowane, a Pissarro powrócił do impresjonizmu.
Najbardziej znane obrazy Pissarro to Boulevard Montmartre. Po południu słonecznie”, „Pasaż operowy w Paryżu”, „Kwadrat teatr francuski w Paryżu”, „Ogród w Pontoise”, „Żniwa”, „Sianokosy” itp.
Alfred Sisley (1839-1899)
Głównym gatunkiem malarstwa Alfreda Sisleya był pejzaż. W jego wczesna praca widać głównie wpływ K. Corota. Stopniowo, w trakcie wspólnej pracy z C. Monetem, J. F. Basilem, P. O. Renoirem, w jego pracach zaczynają pojawiać się jasne kolory.
Artystę pociąga gra światła, zmiana stanu atmosfery. Sisley kilkakrotnie zwrócił się do tego samego krajobrazu, uwieczniając go o różnych porach dnia. W swoich pracach artysta stawiał na zmieniający się z każdą sekundą obraz wody i nieba. Artyście udało się osiągnąć doskonałość za pomocą koloru, każdy odcień w jego pracach niesie ze sobą pewną symbolikę.
Najsłynniejsze z jego dzieł: „Zaułek wiejski” (1864), „Mróz w Louveciennes” (1873), „Widok na Montmartre z Wyspy Kwiatów” (1869), „Wczesny śnieg w Louveciennes” (1872), „Most w Argenteuil” (1872).
Edgar Degas (1834-1917)
Edgar Degas to artysta, który swoją twórczą karierę rozpoczął od studiów w Szkole Sztuk Pięknych. Inspirował się artystami włoskiego renesansu, co wpłynęło na jego twórczość w ogóle. Na początku Degas pisał: obrazy historyczne, na przykład, „Spartańskie dziewczyny rzucają spartańskim chłopcom wyzwanie na zawody. (1860). Głównym gatunkiem jego malarstwa jest portret. W swoich pracach artysta odwołuje się do tradycji klasycznych. Tworzy prace naznaczone silnym wyczuciem swojego czasu.
W przeciwieństwie do swoich kolegów, Degas nie podziela radosnego, otwartego spojrzenia na życie i rzeczy tkwiące w impresjonizmie. Artystce bliżej do krytycznej tradycji sztuki: współczucia dla losu zwykły człowiek, zdolność widzenia dusz ludzi, ich wewnętrzny świat, niekonsekwencja, tragedia.
Dla Degas przedmioty i wnętrze otaczające człowieka odgrywają ważną rolę w tworzeniu portretu. Oto kilka utworów jako przykład: „Desiree Dio z orkiestrą” (1868-1869), „ Portret kobiety„(1868)”, „Para Morbilly” (1867) i inne.
Zasadę portretowania w dziełach Degasa można prześledzić w całej jego twórczości kreatywny sposób. W latach 70. XIX wieku artysta przedstawia w swoich dziełach społeczeństwo Francji, w szczególności Paryż, w pełnej krasie. Dla dobra artysty życie w mieście w ruchu. „Ruch był dla niego jednym z najważniejszych przejawów życia, a zdolność sztuki do jego przekazywania była najważniejszym zdobyciem. nowoczesne malarstwo”, - pisze N.N. Kalitina.
W tym czasie powstały takie obrazy jak „Gwiazda” (1878), „Miss Lola w cyrku Fernanda”, „Wyścigi Epsom” i inne.
Nową rundą twórczości Degasa jest jego zainteresowanie baletem. Pokazuje kulisy życia balerinek, opowiada o ich ciężkiej pracy i ciężkim treningu. Ale mimo to artyście udaje się znaleźć zwiewność i lekkość w przekazywaniu swoich obrazów.
W baletowym cyklu obrazów Degasa widoczne są osiągnięcia w dziedzinie przepuszczania sztucznego światła z footlightu, mówią o talencie kolorystycznym artysty. Najbardziej znane obrazy to „Niebiescy tancerze” (1897), „ Klasa taneczna„(1874), „Tancerka z bukietem” (1877), „Tancerki w różu” (1885) i inne.
Pod koniec życia, z powodu pogorszenia się wzroku, Degas próbuje swoich sił w rzeźbie. Jego obiektami stają się te same baletnice, kobiety, konie. W rzeźbie Degas stara się przekazać ruch, a żeby docenić rzeźbę, trzeba spojrzeć na nią pod różnymi kątami.
