1.2 Twórczy wkład A. Vivaldiego w rozwój koncertu instrumentalnego

Wybitny skrzypek i kompozytor Antonio Vivaldi (1678-1741) jest jednym z najwybitniejszych przedstawicieli włoskiej sztuki skrzypcowej XVIII wieku. Jej znaczenie, zwłaszcza w tworzeniu solowego koncertu skrzypcowego, wykracza daleko poza Włochy.

A. Vivaldi urodził się w Wenecji, w rodzinie znakomitego skrzypka i pedagoga, członka kaplicy katedry św. Marka Giovanniego Battisty Vivaldiego. Od wczesnego dzieciństwa ojciec uczył go gry na skrzypcach, zabierał na próby. Od 10 roku życia chłopiec zaczął zastępować ojca, który również pracował w jednym z miejskich oranżerii.

Kierownik kaplicy J. Legrenzi zainteresował się młodym skrzypkiem i uczył się u niego gry na organach i kompozycji. Vivaldi odwiedzał domowe koncerty Legrenziego, gdzie słuchali nowych kompozycji samego właściciela, jego uczniów – Antonio Lottiego, wiolonczelisty Antonio Caldary, organisty Carlo Polarolli i innych. Niestety w 1790 r. Legrenzi zmarł, a zajęcia ustały.

W tym czasie Vivaldi zaczął już komponować muzykę. Jego pierwsze dzieło, które do nas dotarło, to dzieło duchowe z 1791 roku. Ojciec uważał, że najlepiej jest zapewnić synowi duchowe wykształcenie, ponieważ godność i ślub celibatu dały Vivaldiemu prawo do nauczania w kobiecym konserwatorium. Tak rozpoczął się duchowy trening w seminarium. W 1693 został wyświęcony na opata. Dało mu to dostęp do najbardziej prestiżowego konserwatorium „Ospedale della Pieta”. Święta godność okazała się jednak kolejną przeszkodą w wykorzystaniu ogromnego talentu Vivaldiego. Po opacie Vivaldi wspiął się po stopniach duchowych stopni iw końcu w 1703 został konsekrowany na ostatni niższy stopień - księdza, co dawało mu prawo do samodzielnej służby - mszy.

Ojciec w pełni przygotował Vivaldiego do nauczania, robiąc to samo w Konserwatorium „Żebraczy”. Głównym tematem była muzyka w konserwatorium. Dziewczynki uczono śpiewać, grać na różnych instrumentach i dyrygować. Konserwatorium posiadało wówczas jedną z najlepszych orkiestr we Włoszech, wzięło w niej udział 140 uczniów. B. Martini, C. Burney, K. Dittersdorf wypowiadali się entuzjastycznie o tej orkiestrze. Wraz z Vivaldim, uczniem Corelli i Lotti, wykładał tu Francesco Gasparini, doświadczony skrzypek i kompozytor, którego opery wystawiano w Wenecji.

W konserwatorium Vivaldi uczył gry na skrzypcach i altówce angielskiej. Orkiestra Konserwatorium stała się dla niego rodzajem laboratorium, w którym można było realizować jego pomysły. Już w 1705 roku ukazało się jego pierwsze opus trio sonat (kamera), w którym do dziś odczuwalny jest wpływ Corelliego. Charakterystyczne jest jednak to, że nie widać w nich żadnych oznak stażu. To dojrzałe kompozycje artystyczne, przyciągające świeżością i opisowością muzyki.

Jakby podkreślając hołd dla geniuszu Corelliego, uzupełnia 12. Sonatę tymi samymi wariacjami na temat Folia. Już w przyszłym roku, trzy lata wcześniej niż koncerty Torelli, ukazało się drugie opus, concerti grossi "Harmonic Inspiration". To właśnie wśród tych koncertów znajduje się słynny a-moll.

Obsługa w oranżerii przebiegła pomyślnie. Vivaldi powierzono kierownictwo orkiestry, a następnie chóru. W 1713 roku, w związku z odejściem Gaspariniego, głównym kompozytorem został Vivaldi z obowiązkiem komponowania dwóch koncertów miesięcznie. W konserwatorium pracował prawie do końca życia. Doprowadził orkiestrę konserwatorium do najwyższej perfekcji.

Sława Vivaldiego - kompozytora szybko rozprzestrzenia się nie tylko we Włoszech. Jego prace publikowane są w Amsterdamie. W Wenecji spotyka się z Haendlem, A. Scarlattim, jego synem Domenico, który studiuje u Gaspariniego. Vivaldi zyskał także sławę jako skrzypek-wirtuoz, dla którego nie było niemożliwych trudności. Jego umiejętności przejawiały się w improwizowanych kadencjach.

O jednym z takich przypadków, który był obecny przy realizacji opery Vivaldiego w Teatrze San Angelo, wspominał swoją grę: „Prawie na końcu, towarzysząc znakomitej solówce śpiewaka, Vivaldi wykonał w końcu fantazję, która mnie przestraszyła, bo to było coś niesamowitego, czego nikt nie grał i nie może grać, bo palcami wspinał się tak wysoko, że nie było już miejsca na smyczek, a to na wszystkich czterech strunach wykonując fugę z niesamowitą szybkością . Nagrania kilku takich kadencji zachowały się w rękopisie.

Vivaldi szybko komponował. Jego solowe sonaty i koncerty są wyczerpane. Dla konserwatorium tworzy swoje pierwsze oratorium „Mojżesz bóg faraona”, przygotowuje pierwszą operę – „Otto in Villa”, która odbyła się z powodzeniem w 1713 roku w Vicenzy. W ciągu następnych trzech lat tworzy kolejne trzy opery. Potem przychodzi przerwa. Vivaldi pisał tak łatwo, że nawet on sam czasami to zauważał, jak na rękopisie opery Tito Manlio (1719) – „wypracowane w pięć dni”.

W 1716 roku Vivaldi stworzył jedno ze swoich najlepszych oratorium dla konserwatorium: „Judyta triumfująca, pokonująca Holofernesa z barbarzyńców”. Muzyka przyciąga energią i rozmachem, a jednocześnie niesamowitym blaskiem i poezją. W tym samym roku, podczas muzycznych uroczystości na cześć przybycia księcia saskiego do Wenecji, zaproszono do występu dwóch młodych skrzypków, Giuseppe Tartiniego i Francesco Veraciniego. Spotkanie z Vivaldim miało ogromny wpływ na ich twórczość, zwłaszcza na koncerty i sonaty Tartiniego. Tartini powiedział, że Vivaldi jest kompozytorem koncertów, ale uważa, że jest kompozytorem operowym z powołania. Tartini miał rację. Opery Vivaldiego są teraz zapomniane.

Działalność pedagogiczna Vivaldiego w konserwatorium stopniowo przyniosła sukces. Studiowali u niego także inni skrzypkowie: J. B. Somis, Luigi Madonis i Giovanni Verocai, który służył w Petersburgu, Carlo Tessarini, Daniel Gotlob Troy – kapelmistrz w Pradze. Uczeń konserwatorium - Santa Taska został skrzypkiem koncertowym, następnie nadwornym muzykiem w Wiedniu; Wystąpiła także Hiaretta, z którą studiował wybitny włoski skrzypek G. Fedeli.

Ponadto Vivaldi był również dobrym nauczycielem śpiewu. Jego uczennica Faustyna Bordoni otrzymała przydomek „Nowa Syrena” za piękno głosu (kontralto). Najsłynniejszym uczniem Vivaldiego był Johann Georg Pisendel, koncertmistrz Kaplicy Drezdeńskiej.

W 1718 roku Vivaldi niespodziewanie przyjął zaproszenie do pracy jako kierownik kaplicy Landgrafów w Mantui. Tutaj wystawia swoje opery, tworzy liczne koncerty do kaplicy, dedykuje hrabiemu kantatę. W Mantui poznał swoją byłą uczennicę, piosenkarkę Annę Giraud. Zobowiązał się do rozwijania jej zdolności wokalnych, udało mu się to, ale został przez nią poważnie porwany. Giraud stał się sławnym śpiewakiem i śpiewał we wszystkich operach Vivaldiego.

W 1722 Vivaldi wrócił do Wenecji. W konserwatorium musi teraz skomponować dwa koncerty instrumentalne miesięcznie i przeprowadzić 3-4 próby ze studentami, aby się ich nauczyć. W przypadku wyjazdu musiał wysyłać koncerty kurierem.

W tym samym roku stworzył Dwanaście Koncertów, które składają się na op. 8 - „Doświadczenie harmonii i fantazji”, w skład którego wchodzą słynne „Pory roku” i kilka innych koncertów programowych. Został opublikowany w Amsterdamie w 1725 roku. Koncerty szybko rozprzestrzeniły się po całej Europie, a Cztery pory roku zyskały ogromną popularność.

W tych latach intensywność pracy Vivaldiego była wyjątkowa. Tylko na sezon 1726/27 tworzy osiem nowych oper, dziesiątki koncertów i sonat. Od 1735 Vivaldi rozwija owocną współpracę z Carlo Goldonim, na podstawie którego libretta tworzy opery Griselda, Aristide i wiele innych. Wpłynęło to również na muzykę kompozytora, w którego twórczości wyraźniej uwidaczniają się cechy opery buffa i elementy ludowe.

Niewiele wiadomo o Vivaldim - wykonawcy. Bardzo rzadko występował jako skrzypek - tylko w Konserwatorium, gdzie czasami grał swoje koncerty, a czasami w operze, gdzie były solówki lub kadencje skrzypiec. Sądząc po zachowanych zapisach niektórych jego kadencji, jego kompozycjach, a także fragmentarycznych świadectwach współczesnych mu o jego grze, był wybitnym skrzypkiem, który po mistrzowsku opanował swój instrument.

Jako kompozytor myślał jak skrzypek. Styl instrumentalny przebija również w jego twórczości operowej, kompozycjach oratoryjnych. O tym, że był wybitnym skrzypkiem świadczy również fakt, że wielu skrzypków Europy aspirowało do nauki u niego. W jego kompozycjach z pewnością odzwierciedlają się cechy jego stylu wykonawczego.

Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest ogromne. Ponad 530 jego prac zostało już opublikowanych. Napisał około 450 różnych koncertów, 80 sonat, około 100 symfonii, ponad 50 oper, ponad 60 dzieł duchowych. Wiele z nich zachowało się do dziś w rękopisie. Wydawnictwo Ricordi wydało 221 solowych koncertów skrzypcowych, 26 koncertów na 2-4 skrzypiec, 6 koncertów damour viol, 11 koncertów wiolonczelowych, 30 sonat skrzypcowych, 19 sonat triowych, 9 sonat wiolonczelowych oraz inne kompozycje, m.in. na instrumenty dęte.

W każdym gatunku dotkniętym geniuszem Vivaldiego otwierały się nowe niezbadane możliwości. Było to widoczne już w jego pierwszej pracy.

Dwanaście sonat triowych Vivaldiego ukazało się po raz pierwszy jako op. 1 w Wenecji w 1705, ale skomponowany na długo przedtem; prawdopodobnie w tym opusie znalazły się wybrane dzieła tego gatunku. Stylowo zbliżają się do Corelli, choć wykazują też pewne indywidualne cechy. Ciekawe, że podobnie jak w op. 5 Corelli, kolekcja Vivaldiego kończy się dziewiętnastoma wariacjami na temat popularnej w tamtych czasach hiszpańskiej foliacji. Uwagę zwraca nierówne (melodyczne i rytmiczne) przedstawienie tematu przez Corelli i Vivaldiego (to ostatnie jest bardziej surowe). W przeciwieństwie do Corelli, który zwykle rozróżniał style kameralne i kościelne, Vivaldi już w pierwszym opusie podaje przykłady ich przenikania się i przenikania.

Gatunkowo są to raczej sonaty kameralne. W każdym z nich wyodrębniona jest partia pierwszych skrzypiec, nadawana jest jej wirtuozowski, swobodniejszy charakter. Sonaty otwierają wspaniałe preludia o powolnym, uroczystym charakterze, z wyjątkiem Sonaty X, która rozpoczyna się szybkim tańcem. Pozostałe części to prawie wszystkie gatunki. Oto osiem allemandów, pięć jigów, sześć dzwonków, które są instrumentalnie przemyślane. Na przykład uroczysty gawot dworski wykorzystuje pięć razy jako szybki finał w tempie Allegro i Presto.

Forma sonat jest dość dowolna. Pierwsza część nadaje całości psychologiczny nastrój, tak jak zrobił to Corelli. Jednak Vivaldi dalej odrzuca partię fugi, polifonię i rozwój, dąży do dynamicznego ruchu tanecznego. Czasami wszystkie inne partie idą niemal w tym samym tempie, naruszając w ten sposób starą zasadę kontrastu tempa.

Już w tych sonatach wyczuwalna jest najbogatsza wyobraźnia Vivaldiego: brak powtórzeń tradycyjnych formuł, niewyczerpana melodia, pragnienie wypukłości, charakterystyczne intonacje, które następnie rozwiną zarówno sam Vivaldi, jak i inni autorzy. Tak więc początek Grobu drugiej sonaty pojawi się wtedy w Czterech porach roku. Melodia preludium jedenastej sonaty wpłynie na główny temat Bacha Koncertu na dwoje skrzypiec. Cechami charakterystycznymi stają się szerokie ruchy figuracji, powtarzanie intonacji, jakby utrwalające w umyśle słuchacza główny materiał, oraz konsekwentna realizacja zasady sekwencyjnego rozwoju.

Siła i pomysłowość ducha twórczego Vivaldiego została szczególnie wyraźnie zamanifestowana w gatunku koncertowym. To właśnie w tym gatunku powstaje większość jego dzieł. Jednocześnie dorobek koncertowy włoskiego mistrza swobodnie łączy utwory napisane w formie concerto grosso oraz w formie koncertu solowego. Ale nawet w tych jego koncertach, które skłaniają się ku gatunkowi concerto grosso, wyraźnie wyczuwa się indywidualizację partii koncertowych: często nabierają one charakteru koncertowego, a wtedy niełatwo jest rozgraniczyć concerto grosso a koncert solowy.

Kompozytor na skrzypce Vivaldi

„Koncert na fagot i jedenaście smyczków” francuskiego kompozytora Jeana Francais

Koncert instrumentalny powstał na przełomie XVI-XVII wieku. jako jeden z gatunków muzyki kościelnej. Przez kilka stuleci istnienia przeszła dość skomplikowaną ścieżkę rozwoju…

„Koncert na fagot i jedenaście smyczków” francuskiego kompozytora Jeana Francais

Koncert na fagot i jedenaście smyczków jest cyklem czteroczęściowym. Jak wspomniano powyżej, struktura prezentacji materiału muzycznego pierwszej części to allegro sonatowe...

Analiza sceny chóralnej z V aktu opery „Rusłan i Ludmiła” M.I. Glinka

Rola akompaniamentu instrumentalnego w tym utworze jest bardzo duża, gdyż scena ta pochodzi z opery, gdzie akompaniamentem jest orkiestra symfoniczna, której środki wyrazowe nie ustępują chóralnym...

Achmet Żubanow

Ważną stroną owocnej działalności Żubanowa jest jego praca organizacyjna w zakresie szkolenia kadr narodowych. Przez wiele lat kierował działem kazachskich instrumentów ludowych Państwowego Konserwatorium Ałma-Ata...

Aranżacja wokalna

Stworzenie lekkiego akompaniamentu instrumentalnego o stosunkowo niewielkim stopniu nasycenia brzmienia i dynamiki. Cel tutaj jest jasny - stworzyć jak najkorzystniejsze warunki dla brzmienia głosu...

Historyczna droga rozwoju waltorni i wykonania na niej od jej początków do końca XVIII wieku

We współczesnej orkiestrze nie ma już naturalnych rogów. Wyszły z użycia po wynalezieniu rogów chromatycznych lub wentylowych. Ale czas, w którym nastąpiła wymiana jednych na inne...

Koncert to specjalna kompletna forma sceniczna, która opiera się na przedstawieniu, własnych prawach konstrukcji, własnych zasadach artystycznych i własnych „warunkach gry”. Każdy z nich w formie i treści ma swoją własną charakterystykę…

Główne rodzaje i gatunki koncertów

Koncert teatralny, czy inaczej „koncert-performance” („performance-koncert”), jest organicznym połączeniem różnych rodzajów sztuki: muzyki, literatury, teatru (muzycznego i dramatycznego), scenicznego, kina i cyrk...

Zasada kontrastu jako podstawa powstania kompozycji muzycznej Koncertu na chór mieszany „Łabędź” V. Salmanova

...

W latach 60-70 XX wieku gatunek koncertu fortepianowego, podobnie jak inne gatunki klasyczne w twórczości kompozytorów awangardowych, współczesnych Schnittkego (R. Szczedrin, S. Gubaidulina, E. Denisov itp.), uległa znaczącym zmianom...

Koncerty fortepianowe w twórczości A.G. Schnittke

Wiadomo, że praktycznie żadna z kompozycji Schnittkego nie mogła obejść się bez udziału fortepianu, choć według wspomnień Iriny Schnittke kompozytor preferował instrumenty smyczkowe, a „fortepian nie był dla niego na pierwszym miejscu” Khairutdinova A.. .

Wstęp

Rozdział I. Rola A. Vivaldiego w rozwoju koncertu skrzypcowego w XVIII wieku

1.1.

1.2.Twórczy wkład A. Vivaldiego w rozwój koncertu instrumentalnego

Rozdział II. Twórcze dziedzictwo A. Vivaldiego. Analiza najsłynniejszych dzieł kompozytora

1 „Pory roku”

2 Koncert skrzypcowy „A-moll”

Wniosek

Lista bibliograficzna

Wstęp

Antonio Vivaldi jest płodnym kompozytorem, autorem kompozycji instrumentalnych i oper, których produkcjami w dużej mierze sam reżyserował, kształcąc śpiewaków, dyrygując przedstawieniami, a nawet działając jako impresario. Niezwykłe bogactwo tej niespokojnej egzystencji, pozornie niewyczerpane siły twórcze, rzadka wszechstronność zainteresowań połączona w Vivaldi z przejawami jasnego, niepohamowanego temperamentu.

Te cechy osobowości są w pełni odzwierciedlone w sztuce Vivaldiego, która pełna jest bogactwa artystycznej wyobraźni i siły temperamentu i nie traci na przestrzeni wieków witalności. Jeśli niektórzy współcześni widzieli frywolność w wyglądzie i działaniu Vivaldiego, to w jego muzyce zawsze rozbudzona jest myśl twórcza, dynamika nie słabnie, plastyczność kształtowania nie zostaje naruszona. Sztuka Vivaldiego to przede wszystkim hojna sztuka, zrodzona z samego życia, która wchłonęła jego zdrowe soki. Nie było w tym nic naciąganego, dalekiego od rzeczywistości, niesprawdzonego w praktyce i nie mogło być. Kompozytor doskonale znał naturę swojego instrumentu.

Cel zajęć: zbadanie interpretacji gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonio Vivaldiego.

Cele tego kursu działają:

.Przestudiuj literaturę na zadany temat;

2.Rozważmy A. Vivaldiego jako przedstawiciela włoskiej szkoły skrzypcowej;

3.Przeanalizuj najsłynniejsze dzieła kompozytora.

Ta praca kursu jest aktualna dzisiaj, ponieważ twórczość kompozytora A. Vivaldiego jest interesująca dla jego współczesnych, jego utwory są wykonywane w salach koncertowych na całym świecie.

Rozdział I. Rola A. Vivaldiego w rozwoju koncertu skrzypcowego w XVIII wieku

1.1.Włoska szkoła skrzypcowa a rozwój gatunków muzyki instrumentalnej i skrzypcowej

Wczesny rozkwit włoskiej sztuki skrzypcowej miał swoje przyczyny społeczne i kulturowe, zakorzenione w społeczno-gospodarczym rozwoju kraju. Ze względu na szczególne warunki historyczne we Włoszech, wcześniej niż w innych krajach europejskich, stosunki feudalne zostały wyparte przez bardziej postępowe w tamtej epoce stosunki burżuazyjne. W kraju, który F. Engels nazwał „pierwszym narodem kapitalistycznym”, zaczęły kształtować się najwcześniejsze narodowe cechy kultury i sztuki.

Renesans rozkwitł na włoskiej ziemi. Doprowadził do powstania genialnych dzieł włoskich pisarzy, artystów, architektów. Włochy dały światu pierwszą operę, rozwiniętą sztukę skrzypcową, pojawienie się nowych progresywnych gatunków muzycznych, wyjątkowe osiągnięcia lutników, którzy stworzyli niezrównane klasyczne przykłady instrumentów smyczkowych (Amati, Stradivari, Guarneri).

Założycielami włoskiej szkoły lutników byli Andrea Amati i Gasparo da Salo, a najwybitniejszymi mistrzami rozkwitu szkoły (od połowy XVII do połowy XVIII wieku) to Niccolò Amati i dwóch jego studenci, Antonio Stradivari i Giuseppe Guarneri del Gesu.

Uważa się, że Antonio Stradivari urodził się w 1644 roku, choć jego dokładna data urodzenia nie jest znana. Urodził się we Włoszech. Uważa się, że w latach 1667-1679 służył jako wolny uczeń Amati, tj. odwalił brudną robotę.

Młody człowiek pilnie doskonalił pracę Amatiego, osiągając melodyjność i elastyczność głosów swoich instrumentów, zmieniając ich kształt na bardziej zakrzywiony, zdobiąc instrumenty.

Ewolucja Stradivariego pokazuje stopniowe uwalnianie się od wpływu nauczyciela i chęci stworzenia nowego typu skrzypiec, wyróżniających się bogactwem barwowym i potężnym brzmieniem. Ale okres poszukiwań twórczych, podczas których Stradivari szukał własnego modelu, trwał ponad 30 lat: jego instrumenty osiągnęły doskonałość formy i brzmienia dopiero na początku XVIII wieku.

Powszechnie przyjmuje się, że jego najwspanialsze instrumenty zostały wykonane w latach 1698-1725, w tym te wykonane później w jakości od 1725 do 1730. Słynne skrzypce Stradivari to Betts, Viotti, Alard i Messiah.

Oprócz skrzypiec Stradivari produkował również gitary, altówki, wiolonczele i co najmniej jedną harfę – obecnie szacuje się, że ponad 1100 instrumentów.

Wielki mistrz zmarł w wieku 93 lat 18 grudnia 1837 roku. Jego narzędzia pracy, rysunki, rysunki, modele, część skrzypiec trafiły do kolekcji słynnego XVIII-wiecznego kolekcjonera hrabiego Cosio di Salabue. Teraz ta kolekcja jest przechowywana w Muzeum Stradivariusa w Cremonie.

Zmiany sytuacji historycznej, potrzeb społecznych i kulturowych, spontaniczne procesy rozwoju sztuki muzycznej, estetyki – wszystko to przyczyniło się do zmiany stylów, gatunków i form twórczości muzycznej i sztuk performatywnych, czasem prowadziło do pstrokatego obrazu współistnienia różnych stylów na ogólnej drodze rozwoju sztuki od renesansu do baroku, a następnie do stylów przedklasycystycznych i wczesnoklasycystycznych XVIII wieku.

Sztuka skrzypcowa odegrała znaczącą rolę w rozwoju włoskiej kultury muzycznej. Nie sposób nie docenić wiodącej roli włoskich muzyków we wczesnym rozkwicie twórczości skrzypcowej jako jednego z najważniejszych zjawisk muzyki europejskiej. Przekonująco świadczą o tym dokonania włoskich skrzypków i kompozytorów XVII-XVIII wieku, kierujących włoską szkołą skrzypcową – Arcangelo Corelli, Antonio Vivaldiego i Giuseppe Tartiniego, których twórczość zachowała duże znaczenie artystyczne.

Arcangelo Corelli urodził się 17 lutego 1653 r. w Fusignano, niedaleko Bolonii, w inteligentnej rodzinie. Jego talent muzyczny ujawnił się wcześnie i rozwinął się pod bezpośrednim wpływem szkoły bolońskiej: młody Corelli opanował grę na skrzypcach w Bolonii pod kierunkiem Giovanniego Benvenuti. Jego sukces zadziwił otaczających go ludzi i spotkał się z dużym uznaniem ekspertów: w wieku 17 lat Corelli został wybrany członkiem Bolońskiej „Akademii Filharmonii”. Nie zatrzymał się jednak długo w Bolonii i na początku lat 70. XVII wieku przeniósł się do Rzymu, gdzie spędził wtedy całe życie. W Rzymie młody muzyk uzupełnił swoją edukację, studiując kontrapunkt pod opieką doświadczonego organisty, śpiewaka i kompozytora Matteo Simonelli z kaplicy papieskiej. Działalność muzyczna Corelliego rozpoczęła się najpierw w kościele (skrzypek w kaplicy), potem w Operze Capranica (mistrz capella). Tutaj doszedł do głosu nie tylko jako wspaniały skrzypek, ale także jako lider zespołów instrumentalnych. Od 1681 Corelli zaczął publikować swoje kompozycje: przed 1694 ukazały się cztery kolekcje jego sonat triowych, co przyniosło mu dużą popularność. Od 1687 do 1690 kierował kaplicą kardynała B. Panfiliego, a następnie został kierownikiem kaplicy kardynała P. Ottoboniego i organizatorem koncertów w jego pałacu.

Oznacza to, że Corelli komunikował się z szerokim gronem koneserów sztuki, światłych miłośników sztuki i wybitnych muzyków swoich czasów. Bogaty i błyskotliwy filantrop, pasjonat sztuki, Ottoboni organizował występy oratoryjne, koncerty, „akademie”, z udziałem licznego towarzystwa. Młody Handel, Alessandro Scarlatti i jego syn Domenico, wielu innych włoskich i zagranicznych muzyków, artystów, poetów i naukowców odwiedziło jego dom. Pierwszy zbiór sonat triowych Corelli jest poświęcony Krystynie Szwecji, królowej bez tronu, która mieszkała w Rzymie. Sugeruje to, że Corelli w taki czy inny sposób brał udział w festiwalach muzycznych organizowanych w zajmowanym przez nią pałacu lub pod jej auspicjami.

W przeciwieństwie do większości włoskich muzyków swoich czasów, Corelli nie pisał oper (chociaż był związany z operą) i kompozycji wokalnych dla kościoła. Jako kompozytor-wykonawca był całkowicie zanurzony jedynie w muzyce instrumentalnej i jej nielicznych gatunkach związanych z wiodącym udziałem skrzypiec. W 1700 roku ukazał się zbiór jego sonat na skrzypce z akompaniamentem. Od 1710 Corelli przestał występować na koncertach, dwa lata później przeniósł się z Pałacu Ottoboni do własnego mieszkania.

Przez wiele lat Corelli pracowała ze studentami. Wśród jego uczniów są kompozytorzy-wykonawcy Pietro Locatelli, Francesco Geminiani, J.B. Somis. Po nim pozostała duża kolekcja obrazów, wśród których znalazły się obrazy włoskich mistrzów, pejzaże Poussina i jeden obraz Bruegla, wysoko ceniony przez kompozytora i wymieniony w jego testamencie. Corelli zmarł w Rzymie 8 stycznia 1713 r. 12 jego koncertów zostało opublikowanych pośmiertnie, w 1714 roku.

Sztuka Corelliego sięga swoimi korzeniami do XVII-wiecznej tradycji, nie zrywając z polifonią, opanowując spuściznę suity tanecznej, rozwijając środki wyrazu, a tym samym warsztat jego instrumentu. Twórczość kompozytorów bolońskich, zwłaszcza w oparciu o sonatę tria, wywarła już znaczący wpływ nie tylko we Włoszech: jak wiadomo, podbiła w swoim czasie Purcell. Corelli, twórca rzymskiej szkoły sztuki skrzypcowej, zdobył prawdziwie światową sławę. W pierwszych dekadach XVIII wieku jego nazwisko ucieleśniało w oczach współczesnych Francuzów czy Niemców największe sukcesy i samą specyfikę włoskiej muzyki instrumentalnej w ogóle. Sztuka skrzypcowa XVIII wieku rozwinęła się z Corelli, reprezentowanego przez takich luminarzy jak Vivaldi i Tartini, oraz całą plejadę innych wybitnych mistrzów.

Twórcze dziedzictwo Corelli w tym czasie nie jest tak wielkie: 48 sonat triowych, 12 sonat na skrzypce z akompaniamentem i 12 „wielkich koncertów”. Współcześni kompozytorzy włoscy Corelli byli z reguły znacznie bardziej płodni, tworząc wiele dziesiątek oper, setki kantat, nie wspominając o ogromnej liczbie dzieł instrumentalnych. Sądząc po samej muzyce Corelli, jest mało prawdopodobne, aby praca twórcza była dla niego trudna. Będąc najwyraźniej głęboko na tym skupionym, nie rozpraszając się na boki, dokładnie przemyślał wszystkie swoje pomysły i nie spieszył się wcale z publikacją gotowych prac. W jego wczesnych kompozycjach nie ma śladów ewidentnej niedojrzałości, podobnie jak w późniejszych utworach nie widać oznak stabilizacji twórczej. Całkiem możliwe, że ten wydany w 1681 roku powstał na przestrzeni kilku poprzednich lat, a koncerty wydane w 1714 roku rozpoczęły się na długo przed śmiercią kompozytora.

2 Twórczy wkład A. Vivaldiego w rozwój koncertu instrumentalnego

W tym czasie Vivaldi zaczął już komponować muzykę. Jego pierwsze dzieło, które do nas dotarło, to dzieło duchowe z 1791 roku. Ojciec uważał, że najlepiej jest zapewnić synowi duchowe wykształcenie, ponieważ godność i ślub celibatu dały Vivaldiemu prawo do nauczania w kobiecym konserwatorium. Tak rozpoczął się duchowy trening w seminarium. W 1693 został wyświęcony na opata. To dało mu dostęp do najbardziej prestiżowego konserwatorium „Ospedale della Piet à ”. Święta godność okazała się jednak kolejną przeszkodą w wykorzystaniu ogromnego talentu Vivaldiego. Po opacie Vivaldi wspiął się po stopniach duchowych stopni iw końcu w 1703 został konsekrowany na ostatni niższy stopień - księdza, co dawało mu prawo do samodzielnej służby - mszy.

Twórcze dziedzictwo Vivaldiego jest ogromne. Ponad 530 jego prac zostało już opublikowanych. Napisał około 450 różnych koncertów, 80 sonat, około 100 symfonii, ponad 50 oper, ponad 60 dzieł duchowych. Wiele z nich zachowało się do dziś w rękopisie. Wydawnictwo Ricordi wydało 221 koncertów na skrzypce solo, 26 koncertów na 2-4 skrzypiec, 6 koncertów na altówkę amorek, 11 koncertów wiolonczelowych, 30 sonat skrzypcowych, 19 sonat trio, 9 sonat wiolonczelowych oraz inne kompozycje, w tym na instrumenty dęte.

W każdym gatunku dotkniętym geniuszem Vivaldiego otwierały się nowe niezbadane możliwości. Było to widoczne już w jego pierwszej pracy.

Kompozytor na skrzypce Vivaldi

Rozdział II. Twórcze dziedzictwo A. Vivaldiego. Analiza najsłynniejszych dzieł kompozytora

1 „Pory roku”

Przypuszczalnie w latach 1720-1725 powstał cykl czterech koncertów na skrzypce solo z orkiestrą smyczkową i cymbałem „Pory roku”. Później koncerty te zostały włączone do opusu 8 „Spór o harmonię z wynalazkiem”. Jak pisze N. Arnoncourt, kompozytor zebrał i opublikował te ze swoich koncertów, które łączyłoby tak dźwięczne nazwisko.

Koncert „Wiosna”, podobnie jak pozostałe trzy koncerty „Pór roku”, został napisany w formie trzyczęściowej, której aprobata w historii muzyki wiąże się właśnie z nazwiskiem A. Vivaldiego. Skrajne partie są szybkie, napisane w starej koncertowej formie. Część druga jest wolna, z melodyjną melodią, napisaną w starej dwuczęściowej formie.

Dla kompozycji pierwszej części koncertu pierwszorzędne znaczenie ma aktywność, energia ruchu zawarta w jej tytułowym temacie. Powtarzanie się w Allegro więcej niż jeden raz, jakby powracając w kółko, zdaje się pobudzać ogólny ruch w formie, a jednocześnie spajać, podtrzymując główne wrażenie.

Dynamicznej działalności pierwszych części cyklu przeciwstawia się koncentracja części wolnych z wewnętrzną jednością ich tematyki i większą prostotą kompozycji. W tych ramach liczne Largo, Adagio i Andante w koncertach Vivaldiego dalekie są od tego samego typu. Mogą być spokojnie idylliczne w różnych wersjach, zwłaszcza pasterskich, wyróżniających się rozmachem liryzmu, potrafią nawet oddać wymuszone napięcie uczuć w gatunku sycylijczyków lub w formie passacaglii uosabiać ostrość smutku. Ruch muzyki w ośrodkach lirycznych jest bardziej jednowymiarowy (kontrasty wewnętrzne nie są charakterystyczne ani dla tematyki, ani struktury jako całości), spokojniejszy, ale niewątpliwie obecny u Vivaldiego – w szerokim rozmieszczeniu melodii lirycznej, w ekspresyjny kontrapunkt głosów wyższych, jak w duecie (tzw. Siciliana), w wariacyjnym rozwinięciu passacaglii.

Tematyka finału jest z reguły prostsza, jednorodna wewnętrznie, bliższa rodowodom ludowym niż tematyka pierwszego Allegro. Szybki ruch w 3/8 lub 2/4, krótkie frazy, ostre rytmy (taniec, synkopowane), zapalające intonacje "w lombardzkim smaku" - wszystko tu jest wyzywająco witalne, czasem wesołe, czasem scherzo, czasem błazeńskie, czasem gwałtowne, czasem dynamiczny- malowniczy.

Jednak nie wszystkie finały koncertów Vivaldiego są w tym sensie dynamiczne. Finał koncertu Grosso op. 3 nr 11, gdzie poprzedza ją wspomniany sycylijczyk, przesycony jest niepokojem i niezwykłą w swej ostrości dźwięków. Skrzypce solo zaczynają prowadzić niepokojący, równomiernie pulsujący temat w przedstawieniu imitacyjnym, po czym od czwartego taktu zaznacza się w basie chromatyczne zejście w tym samym pulsującym rytmie.

To od razu nadaje dynamice finału koncertu ponury, a nawet nieco nerwowy charakter.

We wszystkich częściach cyklu muzyka Vivaldiego porusza się w różny sposób, ale jej ruch odbywa się naturalnie zarówno w obrębie każdej części, jak iw proporcji części. Wynika to z samej natury tematyzmu i nadchodzącej dojrzałości myślenia harmoniczno-harmonicznego w nowym magazynie homofonicznym, kiedy klarowność funkcji modalnych i klarowność grawitacji aktywizują rozwój muzyczny. Wiąże się to również całkowicie z klasycznym poczuciem formy, charakterystycznym dla kompozytora, który nie unikając nawet ostrej inwazji intonacji miejscowych ludowo-gatunkowych, zawsze dąży do zachowania najwyższej harmonii całości w przemianie kontrastujących ze sobą wzorów, na skala części cyklu (bez rozciągłości), w plastyczności ich intonacji, rozmieszczeniu, w ogólnym dramacie cyklu.

Jeśli chodzi o napisy do programu, tylko nakreślały charakter obrazu lub obrazów, ale nie wpływały na formę całości, nie determinowały rozwoju w jej obrębie. Partytury czterech koncertów z cyklu „Pory roku” opatrzone są dość szczegółowym programem: każdy z nich odpowiada sonetowi ujawniającemu treść poszczególnych części cyklu. Niewykluczone, że sonety skomponował sam kompozytor. W każdym razie zapisany w nich program bynajmniej nie wymaga przemyślenia formy koncertu, ale raczej „zagina się” w tej formie. Obrazowanie części wolnej i finału, z osobliwościami ich budowy i rozwoju, na ogół łatwiej było wyrazić wierszem: wystarczyło nazwać same obrazy. Ale pierwsza część cyklu, rondo koncertowe, otrzymała tak programową interpretację, że nie przeszkodziło jej w zachowaniu zwykłej formy i naturalnego ucieleśnienia w niej wybranej „fabuły”. Tak było na każdym z czterech koncertów.

W koncercie „Wiosna” program pierwszej części ukazuje się w sonecie w ten sposób: „Wiosna nadeszła i wesołe ptaki witają ją swoim śpiewem, a strumyki płyną, szemrząc. Niebo pokryte jest ciemnymi chmurami, błyskawice i grzmoty również zwiastują wiosnę. I znowu ptaki wracają do swoich słodkich piosenek. Lekki, mocny, akordowo-taneczny temat (tutti) wyznacza emocjonalny ton całego Allegro: „Wiosna nadeszła”. Skrzypce koncertowe (odcinek) imitują śpiew ptaków. Temat wiosny powraca. Nowy odcinek przejścia - krótka wiosenna burza. I znów powraca główny temat ronda „Wiosna nadeszła”. Dominuje więc cały czas w pierwszej części koncertu, uosabiając radosne uczucie wiosny, a obrazowe epizody pojawiają się jako rodzaj szczegółu w ogólnym obrazie wiosennej odnowy natury. Jak widać, forma ronda pozostaje tutaj w pełnej mocy, a program łatwo „rozkłada się” na sekcje. Wydaje się, że sonet „Wiosna” rzeczywiście został skomponowany przez kompozytora, który z góry przewidział możliwości konstrukcyjne jego muzycznego wcielenia.

We wszystkich drugich częściach The Seasons istnieje jednolita faktura w całej części (choć rozmiar części nie pozwala na specjalne kontrasty). Część jest napisana w starej dwuczęściowej formie.

W sumie w fakturze występują trzy warstwy: górna – melodyczno – melodyjna, kantylenowa. Środek - wypełnienie harmoniczne - "szelest trawy i liści", bardzo cichy, napisany małymi kropkowanymi czasami trwania, przewodzący półtony w równoległych tercjach. Ruch głosów środkowych ma przeważnie kształt trylu, wiruje. Co więcej, pierwsze dwa uderzenia taktu to ruch statyczny - tercjowy „tryl”, który choć monotonny, porusza się dzięki znakomitej przerywanej linii. Na trzecim takcie uruchamiany jest ruch melodyczny – w ten sposób przygotowuje się niejako wysokość dźwięku następnego taktu, tworząc lekkie „przesunięcie” lub „kołysanie” faktury. A basowy – podkreślający podstawę harmoniczną – jest rytmicznie charakterystyczny, przedstawiający „szczekanie psa”.

Interesujące jest prześledzenie, jak Vivaldi myślał o figuratywnej strukturze wolnych części cyklu koncertu. Następujące wersy sonetu odpowiadają muzyce Largo (cis-moll) z koncertu „Wiosna”: „Na kwitnącym trawniku, pod szumem dębowych lasów, śpi pasterz kóz z wiernym psem w pobliżu”. Oczywiście jest to duszpasterska, w której rozwija się jeden idylliczny obraz. Skrzypce w oktawie śpiewają spokojną, prostą, senną melodię na poetyckim tle kołyszących się tercji – a wszystko to rozpoczyna po majorowym allegro łagodnym równoległym molowym, co jest naturalne dla wolnej części cyklu.

Na finał program również nie przewiduje urozmaicenia i nawet w najmniejszym stopniu nie precyzuje jego treści: „Nimfy tańczą przy dźwiękach pasterskich dud”.

Lekki ruch, taneczne rytmy, stylizacja na ludowy instrument – tutaj wszystko nie mogło zależeć od programu, jak to zwykle bywa na finałach.

W każdym koncercie z Czterech pór roku część wolna jest monotonna i wyróżnia się spokojną malowniczością po dynamicznym Allegro: obraz ospałości natury i wszystkich żywych istot w letnim upale; pokojowo śpiący osadnicy po jesiennych dożynkach; „dobrze usiąść przy kominku i posłuchać deszczu uderzającego o okno za ścianą” – gdy szaleje lodowaty zimowy wiatr.

Finał „Lato” to obraz burzy, finał „Jesieni” – „Polowanie”. W istocie trzy części programu koncertowego cyklu pozostają w zwykłych proporcjach, jeśli chodzi o ich figuratywną strukturę, charakter wewnętrznego rozwoju i kontrastujące porównania między Allegro, Largo (Adagio) i finałem. A jednak programy poetyckie ujawnione w czterech sonetach są o tyle ciekawe, że niejako słowo autora potwierdza ogólne wrażenia obrazowania sztuki Vivaldiego i możliwego jej wyrażenia w jego głównym gatunku koncertowym.

Oczywiście cykl „Pory roku”, nieco sielankowy w charakterze, w twórczości kompozytora zdradza niewiele. Jednak jego sielankowa natura była bardzo zgodna z duchem współczesnych i z czasem spowodowała wielokrotne naśladowanie Pór roku, aż do indywidualnych ciekawostek. Minęło wiele lat, a Haydn, już na innym etapie rozwoju sztuki muzycznej, ucieleśniał w monumentalnym oratorium temat „pór roku”. Zgodnie z oczekiwaniami jego koncepcja okazała się głębsza, poważniejsza, bardziej epicka niż koncepcja Vivaldiego; poruszyła problemy etyczne związane z pracą i życiem zwykłych ludzi bliskich naturze. Jednak poetycko-obrazowe aspekty fabuły, które kiedyś inspirowały Vivaldiego, przyciągnęły również twórczą uwagę Haydna: ma on również obraz burzy i burzy w „Letniu”, „Dożynkach” i „Polowaniu” w „ Jesień”, kontrasty trudnej zimowej drogi i domowego komfortu w „Zima”.

2. Koncert skrzypcowy „A-moll”

Temat słynnego koncertu A-moll (op. 3 nr 6) mógł otworzyć fugę w pierwszej intonacji, ale tok kolejnych powtórzeń i sekwencji nadaje jej taneczną dynamikę, mimo tonacji molowej i ostro zapadającej w pamięć postaci .

Taki naturalny ruch nawet w ramach pierwszego tematu, taka łatwość łączenia różnych źródeł intonacyjnych jest uderzającą właściwością Vivaldiego, która nie pozostawia go na większą skalę. Wśród jego „tytułowych” tematów są oczywiście bardziej jednorodne pod względem kompozycji intonacyjnej.

W koncercie a-moll otwierające tutti zbudowane jest na jasnych, fanfarowych intonacjach, powtórzeniach dźwięków i fraz. Już formuła początkowa, wyróżniająca się „waleniem” jednego dźwięku, staje się typowa dla kompozytora. Panuje zasada: „brak długości”. Ograniczająca dynamika, silna presja pomagają ucieleśniać odważny, aspirujący wizerunek.

Wzmocnienie konkurencyjnego charakteru, który nadaje szczególnego blasku muzyce koncertów Vivaldiego, ich gatunkowi i programowaniu, kontrast nie tylko pomiędzy poszczególnymi częściami cyklu, ale także w ramach jego głównej, pierwszej części (w Vivaldi przyjmuje on zwykle -podobna forma) z zaostrzoną opozycją tutti i soli, subtelne użycie barwy, dynamiczne i rytmiczne środki wyrazu – wszystkie te cechy w swoim harmonicznym zestawieniu przyczyniły się do wzmocnienia cech koncertu, wzrostu siły emocjonalnej wpływ na słuchacza. Już współcześni podkreślali w koncertach Vivaldiego ich szczególną wyrazistość, pasję i powszechność stosowania tzw. „stylu lombardzkiego”.

Jeśli w swoich sonatach Vivaldi przenosi środek ciężkości na części środkowe, to w koncercie istnieje wyraźna tendencja do wyróżniania pierwszej części jako głównej i najważniejszej. W związku z tym kompozytor nieco komplikuje jej tradycyjną strukturę: konsekwentnie dynamizuje epizody od pierwszego do trzeciego, zwiększając znaczenie, skalę i rozwojowo improwizatorski charakter ostatniego epizodu, interpretowanego jako rozbudowana i zdynamizowana repryza; zbliża się do dwumroku, który ma charakter kontrastowy.

W środkowych częściach wzmacnia psychologiczną głębię ujawnienia wewnętrznego świata osoby; wprowadza w gatunkowy finał elementy liryczne, niejako rozciągając jedną linię liryczną. Wszystkie te opisane tutaj cechy zostaną w pełni ujawnione na kolejnych koncertach.

W sumie zachowało się około 450 koncertów Vivaldiego; około połowa z nich to koncerty na skrzypce solo i orkiestrę. Współcześni Vivaldiemu (I. Quantz i inni) nie mogli nie zwrócić uwagi na nowe cechy, które wprowadził do stylu koncertowego XVIII wieku, które wzbudziły ich twórcze zainteresowanie. Dość przypomnieć, że J.S. Bach wysoko cenił muzykę Vivaldiego i dokonał kilku transkrypcji clavier i organowych swoich koncertów.

Wniosek

Gatunki instrumentalne XVII-początku XVIII wieku, z ich różnymi zasadami kompozytorskimi oraz specjalnymi metodami prezentacji i rozwoju, zawierały w sobie szeroką gamę obrazów muzycznych, które były wcześniej niedostępne dla muzyki instrumentalnej, i tym samym podniosły ją do pierwszego poziomu. wysoki poziom, na równi z innymi gatunkami muzyki syntetycznej.

Najistotniejsze było niewątpliwie to, że osiągnięcia muzyki instrumentalnej na początku XVIII wieku (a częściowo w pierwszych dekadach) otwierały wielkie perspektywy dla jej dalszego ruchu z jednej strony ku klasycznej polifonii Bacha, z drugiej, bardziej rozbudowany, do klasycznego symfonizmu końca wieku.

Ogólnie rzecz biorąc, zarówno figuratywna treść muzyki Vivaldiego, jak i jej główne gatunki, niewątpliwie z wielką kompletnością odzwierciedlały wiodące aspiracje artystyczne swoich czasów - i to nie tylko dla samych Włoch. Rozpowszechnione w Europie koncerty Vivaldiego wywarły owocny wpływ na wielu kompozytorów i służyły współczesnym jako przykłady gatunku koncertowego w ogóle.

W trakcie zajęć osiągnięto założony cel, a mianowicie zbadano interpretację gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonia Vivaldiego.

Wypełniono też postawione zadania: badano literaturę na zadany temat, A. Vivaldiego uznawano za przedstawiciela włoskiej szkoły skrzypcowej, analizowano najsłynniejsze dzieła kompozytora.

Styl Vivaldiego to jednolitość intonacji, powtarzających się z koncertu na koncert z pewnymi zmianami, „zakrętami”, ale zawsze rozpoznawalna jako typowo „Vivaldi”.

O nowościach w gatunku koncertowym Vivaldiego decydowało pogłębienie treści muzycznej, jej wyrazistość i figuratywność, wprowadzenie elementów programowych, ustanowienie z reguły trzyczęściowego cyklu (z sekwencją fast-slow- szybkie), wzmocnienie samego koncertu, koncertowa interpretacja partii solowej, rozwój języka melodycznego, szerokie rozwinięcie motywowo-tematyczne, wzbogacenie rytmiczne i harmoniczne. Wszystko to było przesiąknięte i zjednoczone twórczą wyobraźnią i pomysłowością Vivaldiego jako kompozytora i wykonawcy.

Lista bibliograficzna

1.Barbier P. Wenecja Vivaldi: Muzyka i święta epoki Petersburg, 2009. 280 s.

2.Boccardi V. Vivaldi. Moskwa, 2007. 272 s.

.Grigoriev V. Historia sztuki skrzypcowej. Moskwa, 1991. 285 s.

4.Livanova T. Historia muzyki zachodnioeuropejskiej do 1789 roku. Tom 1. Moskwa, 1983. 696 s.

.Panfiłow A. Vivaldi. Życie i praca//Wielcy kompozytorzy. nr 21. Moskwa, 2006. 168 s.

6.Panfiłow A. Vivaldi. Życie i praca//Wielcy kompozytorzy. nr 4. Moskwa, 2006. 32 s.

.Tretyachenko V.F. "Szkoły skrzypiec": historia powstania//Muzyka i czas. nr 3. Moskwa, 2006. 71 s.

Podobne utwory do - Interpretacja gatunku koncertu instrumentalnego w twórczości Antonio Vivaldi

28 lipca 1741 zmarł kompozytor Antonio Vivaldi. W historii muzyki jest uznanym geniuszem i oczywiście niewielu jest takich, którzy nigdy nie słyszeli jego utworów. Niewiele jednak wiadomo o samym Vivaldim i jego życiu. Przywracanie sprawiedliwości – przypomnienie biografii wielkiego kompozytora.

Antonio urodził się 4 marca 1678 roku w Republice Weneckiej w rodzinie fryzjera Giovanniego Battisty i Camilli Calicchio. Dziecko urodziło się przedwcześnie o dwa miesiące i było bardzo słabe, w wyniku czego zaraz po urodzeniu zostało ochrzczone. Lekarze później zdiagnozowali u niego „ucisk w klatce piersiowej”, czyli astmę. To zamknęło Vivaldiemu możliwość gry na instrumentach dętych w przyszłości.

Vivaldi mógłby napisać pełnoprawną operę w 5 dni

Ojciec przyszłego muzyka w młodości zamiłował do muzyki i uczył się gry na skrzypcach, później zaproponowano mu stanowisko głównego skrzypka w kaplicy katedry św. Marka. Pierwsze lekcje gry na instrumencie udzielił małemu Antoniowi sam jego ojciec. Chłopiec był na tyle zdolnym uczniem, że od 1689 roku zastąpił ojca w kaplicy. Tam młodego geniusza otaczali duchowni, co decydowało o wyborze jego przyszłego zawodu: Vivaldi postanowił zostać duchownym. Nie przeszkodziło mu to jednak w kontynuowaniu studiów muzycznych i łączeniu dwóch rzeczy.

Dom Vivaldiego w Wenecji

Jednak kariera kościelna nie rozwijała się płynnie ze względu na zły stan zdrowia Vivaldiego. Jako ksiądz odprawił tylko kilka mszy, po czym przestał pełnić swoje obowiązki, pozostając jednocześnie duchownym. Antonio, który udowodnił, że jest znakomitym muzykiem, otrzymuje propozycję zostania nauczycielem w Konserwatorium Weneckim. Uczył swoich uczniów zarówno muzyki sakralnej, jak i świeckiej. W ciągu tych lat Vivaldi napisał wiele utworów dla studentów – koncerty, kantaty, sonaty, oratoria. W 1704 r. oprócz stanowiska nauczyciela skrzypiec otrzymał obowiązki nauczyciela altówki. W 1716 został kierownikiem konserwatorium, odpowiedzialnym za wszelką działalność muzyczną.

Vivaldi był jedną z inspiracji dla kompozytora Bacha

W latach siedemdziesiątych XVIII wieku Vivaldi zaczął zdobywać sławę jako kompozytor. Jego nazwisko znalazło się w Przewodniku po Wenecji, gdzie nazywano go skrzypkiem-wirtuozem. Podróżni przebywający w słynnym włoskim mieście rozprzestrzenili chwałę Vivaldi poza Włochy. Tak więc Vivaldi został przedstawiony królowi duńskiemu Fryderykowi IV, któremu później zadedykował 12 sonat skrzypcowych. Od 1713 Vivaldi próbuje siebie jako kompozytor operowy. Napisał „Otto w willi” i „Roland udający szaleńca” – te utwory zapewniły Vivaldiemu sławę, aw ciągu następnych 5 lat wystawiono kolejnych 8 oper kompozytora. Mimo gorączkowego natłoku pracy Vivaldi nie stronił od obowiązków kierownika konserwatorium, łącząc je z działalnością kompozytorską.

Vanessa Mae gra Vivaldi

Nie wszyscy jednak byli entuzjastycznie nastawieni do oper Vivaldiego – na przykład kompozytor Bendetto Marcello wydał broszurę, w której wyśmiewał twórczość Vivaldiego. Zmusiło to Antonio do wstrzymania na kilka lat pracy nad operami.

Krater Merkury nazwany na cześć Vivaldi

W 1717 roku Vivaldi przyjął propozycję objęcia miejsca kapelmistrza na dworze gubernatora Mantui, księcia Filipa Hesse-Darmstadt. To pod wpływem otoczenia tego miasta narodził się słynny cykl koncertów skrzypcowych, znany w Rosji jako „Pory roku” (prawidłowa nazwa to „Cztery pory roku”). Ponadto w Mantui Vivaldi spotyka śpiewaczkę operową Annę Giraud, którą później przedstawia wszystkim jako swoją uczennicę. Siostra Girauda, Paolina, towarzyszyła kompozytorowi wszędzie, dbając o jego zdrowie - Vivaldiego nękały ataki astmy. Obie dziewczyny mieszkały z Vivaldim w jego domu w Wenecji, co wywołało oburzenie ze strony duchownych, ponieważ był on jeszcze duchownym. W 1738 zabroniono mu odprawiania mszy z powodu „popadnięcia w grzech” kompozytora. Jednak sam Vivaldi zaprzeczył wszelkim plotkom i spekulacjom dotyczącym jego relacji z siostrami Giraud, które były tylko jego uczniami.

Mantua

Jednym z koneserów muzyki Vivaldiego był filozof i pisarz Jean-Jacques Rousseau, który na flecie wykonał niektóre utwory kompozytora. Wśród wielbicieli jego talentu był cesarz Karol VI, który w latach 30. XVIII w. postanowił przenieść się do Wiednia i zająć miejsce kompozytora na dworze cesarskim. Aby zebrać pieniądze na podróż, musiał sprzedać swoje rękopisy za pensa. Chwała Vivaldiego przygasła, nie był już tak popularny w Wenecji. Muzykowi zaczęły prześladować niepowodzenia: wkrótce po przybyciu do Wiednia umiera Karol VI, rozpoczyna się wojna o dziedzictwo austriackie. Vivaldi wyjeżdża do Drezna w poszukiwaniu nowej pracy, ale choruje. Wrócił do Wiednia już ciężko chory, zubożały i zapomniany przez wszystkich. Vivaldi zmarł 28 lipca 1741, został pochowany na cmentarzu dla ubogich w prostym grobie.

Przez prawie 200 lat twórczość Vivaldiego została zapomniana

Muzyczne dziedzictwo Vivaldiego zostało zapomniane na prawie 200 lat: dopiero w latach dwudziestych. W XX wieku włoski muzykolog Gentili odkrył unikalne rękopisy kompozytora: dziewiętnaście oper, ponad 300 koncertów, wiele duchowych i świeckich kompozycji wokalnych. Uważa się, że w całym swoim życiu Vivaldi napisał ponad 90 oper, ale tylko 40 ma całkowicie udowodnione autorstwo.

Pierwsze orkiestry pojawiły się na przełomie XVII i XVIII wieku. Składali się z muzyków dworu królewskiego, a kompozytorzy pisali muzykę na wszelkie dostępne instrumenty. Orkiestra, jaką znamy dzisiaj, zaczyna kształtować się od połowy XVII wieku, po tym, jak zadomowiła się w niej grupa instrumentów smyczkowych.

WENECJA

1678–1741

Antonio Vivaldi

1678–1741

4 marca 1678 w Wenecja w rodzinie Vivaldi pojawił się pierworodny. Dziecko urodzone w siódmym miesiącu wyróżniało się tak słabą konstytucją, że ze względu na śmiertelne niebezpieczeństwo natychmiast został ochrzczony przez położną pod imieniem Antonio Lucio. Mimo że Vivaldi potem urodzili się jeszcze dwaj synowie i trzy córki, żaden z nich, z wyjątkiem pierworodnego, nie został muzykiem. Młodsi bracia odziedziczyli po ojcu zawód fryzjera.

O pierwszych latach życia Antonio mało wiadomo. Jego talent muzyczny ujawnił się bardzo wcześnie. Już w wieku dziesięciu lat często zastępował ojca w orkiestrze katedry św. Marka, gdy występował poza Wenecją. Pierwszy i główny nauczyciel Antonio był Giovanni Battista Vivaldi(ojciec), który w tym czasie stał się już znanym wirtuozem. Pierwsza kompozycja przypisywana Vivaldiemu pochodzi z 1691 roku (13 lat). Wirtuozowski styl gry młodego Vivaldiego i cechy jego pierwszych utworów sugerują również, że na początku XVIII wieku studiował w Rzymie z Arcangelo Corelli słynny włoski skrzypek i kompozytor.

Ogromny wpływ na kształtowanie młodych Vivaldi miał muzyczną atmosferę miasta, w którym się urodził i wychował. Postanowił wybrać karierę jako ksiądz. Zapewne na decyzję Antonia wpłynęła wieloletnia działalność jego ojca w katedrze. Św. Według dokumentów 18 września 1693 r. w wieku 15 i pół roku wikariuszem został Antonio Vivaldi. Sądząc po dokumentach, Vivaldi wykorzystał okazję, by stać się jednym, omijając specjalne seminarium duchowe. Dzięki temu miał znacznie więcej czasu na naukę muzyki. Nic dziwnego, że jeszcze przed ukończeniem edukacji duchowej zyskał reputację wybitny wirtuoz skrzypiec .

„Ospedale della Pieta” . Tak rozpoczął się pierwszy okres jego błyskotliwej działalności pedagogicznej i twórczej.

Zostać nauczycielem w jednym z najlepszych „ogrodów zimowych” w Wenecji, Vivaldi znalazł się w środowisku o błyskotliwych tradycjach muzycznych, gdzie otworzyły się przed nim możliwości realizacji szerokiej gamy kreatywnych pomysłów. Podobnie jak inni kompozytorzy XVIII wieku, którzy działali jako edukatorzy, Vivaldi musiał regularnie tworzyć dla swoich uczniów ogromną ilość muzyki sakralnej i świeckiej - oratoria, kantaty, koncerty, sonaty i inne gatunki. Ponadto współpracował z chórzystami, ćwiczył z orkiestrą i dyrygował koncertami, a także uczył teorii muzyki. Dzięki tak intensywnym i wieloaspektowym działaniom Vivaldi jego „konserwatorium” zaczęło się zauważalnie wyróżniać m.in. w Wenecji.

"Pory roku" Kompozytor wenecki Antonio Vivaldi- pierwsze cztery z dwunastu koncertów skrzypcowych jego ósmego opusu, niektóre z jego najsłynniejszych dzieł i niektóre z najsłynniejszych dzieł muzycznych w stylu barokowy. Koncerty napisane w 1723 i po raz pierwszy opublikowany dwa lata później. Każdy koncert jest dedykowany jednemu pora roku i składa się z trzech części odpowiadających każdemu miesiącowi.

Do każdego z koncertów kompozytor wykonał przedmowę sonet- rodzaj programu literackiego. Przyjmuje się, że autorem wierszy jest sam Vivaldi. Należy dodać, że barokowe myślenie artystyczne nie ogranicza się do jednego znaczenia czy fabuły, lecz obejmuje znaczenia drugorzędne, aluzje, symbole.

Pierwsza sugestywna aluzja to cztery wieki człowieka, od narodzin do śmierci.

Odwołanie do czterech regionów Włoch jest tak samo otwarte, zgodnie z czterema punktami kardynalnymi i ścieżką słońca po niebie. Są to wschód słońca (wschód, Adriatyk, Wenecja), południe (senne, gorące południe), wspaniały zachód słońca (Rzym, Lacjum) i północ (zimne podnóża Alp z zamarzniętymi jeziorami).

Jednocześnie Vivaldi sięga tu wyżyn gatunku i bezpośredniego ujęcia, nie stroniąc od humoru: w muzyce są szczekanie psów, bzyczenie much, ryk rannej bestii itp.

Wszystko to, w połączeniu z nienagannie piękną formą, doprowadziło do uznania cyklu za niezaprzeczalne arcydzieło.

Najwybitniejszym przedstawicielem włoskiej sztuki skrzypcowej XVIII wieku jest kompozytor, dyrygent, pedagog i skrzypek Antonio Vivaldi, którego biografia i twórczość wciąż interesują wielu profesjonalistów i amatorów. W Europie zdobył uznanie za życia.

Twórczość Antonio Vivaldiego cieszy się największą popularnością dzięki instrumentalnym, zwłaszcza koncertom skrzypcowym. Ale jednocześnie uważany jest za niedoścignionego mistrza w innych gatunkach, takich jak opera, concerto grosso.

Dzieciństwo Vivaldi

Przez długi czas data urodzin kompozytora pozostawała dla biografów zagadką, jednak w połowie ubiegłego wieku dzięki odnalezionym zapisom kościelnym została dokładnie ustalona. 1678 w Wenecji w rodzinie cyrulika Giovanniego, pierwszego dziecka Antonio Vivaldiego. Jego biografia wciąż jest pełna tajemnic i sprzeczności. Z powodu słabości i groźby śmierci chłopiec został ochrzczony przez położną w dniu swoich urodzin.

Talent dziecka ujawnił się wcześnie, już w wieku dziesięciu lat Antonio zastępował ojca w okresach jego nieobecności w kaplicy katedry. Pierwsza kompozycja dziecka pojawiła się już w wieku trzynastu lat. To rodzic chłopca został jego pierwszym nauczycielem i był pod wpływem swojego wyboru kariery.

Młode lata

Mając piętnaście i pół roku otrzymał najniższy stopień kapłaństwa, zgodnie z którym miał prawo otwierać bramy kościoła. Kilka lat później Antonio zdobył tytuł księdza, a także prawo do odprawiania Mszy św. W tym czasie zyskał sławę jako skrzypek-wirtuoz. Ale rok później nie chciał odprawiać mszy z powodu dolegliwości fizycznych, choć niektórzy współcześni twierdzili, że udaje, wykorzystując ten czas na pisanie swoich kompozycji muzycznych w zakrystii. Za to zachowanie został wyrzucony z kościoła, co wywołało dużą liczbę plotek.

Weneckie „konserwatorium”

W 1703 roku Antonio Vivaldi (którego krótka biografia jako kapłana została na tym zakończona) został zaproszony do jednego z najlepszych weneckich konserwatoriów. To był początek pedagogicznego i młodego człowieka.

Odnajdując się w środowisku genialnych tradycji muzycznych, napisał wiele dzieł świeckiej i sakralnej muzyki instrumentalnej, uczył teorii muzyki, ćwiczył z orkiestrą, studiował z chórzystami, dyrygował koncertami. Dzięki wieloaspektowej i owocnej działalności Antonia jego konserwatorium stało się zauważalne m.in.

Początek drogi kompozytora

W pierwszych latach swojej twórczości Antonio Vivaldi, którego biografia i twórczość nasycona była kompozycją dużej liczby utworów instrumentalnych, pojawił się przed szeroką publicznością i środowiskiem muzycznym jako autor sonat triowych. Nieco później wydawnictwo opublikowało w ramach jednego opusu jeszcze 12 prac wielkoformatowych. Kolejna zawierała tyle samo sonat na skrzypce i cymbały.

W wieku 33 lat Vivaldi już zdobywa sławę daleko poza granicami swojego rodzinnego miasta. W tej chwili ma solidną pensję i zostaje głównym dyrektorem koncertu uczniów. Duńska szlachta, a nawet król słuchają jego dzieł.

Daleko poza granicami kraju jego utwory zaczynają być wykonywane i publikowane. Po raz pierwszy w Holandii ukazuje się jego opus dwunastu koncertów na 1, 2 i 4 skrzypiec z towarzyszeniem. Najczęściej wykonywane są najlepsze dzieła tego opusu.

Muzyka Antonio Vivaldiego poraża współczesnych nowością, jasnością doznań i obrazów. Jego biografia w tym okresie staje się bogatsza, a jego działalność twórcza odnosi większy sukces.

Operowa kreatywność

Już w wieku 35 lat jest głównym kompozytorem „Piety”. To zobowiązuje Vivaldiego do regularnego komponowania muzyki dla studentów. Jednocześnie postanawia zwrócić się w stronę nieznanego dla siebie gatunku – opery. Przez wiele lat będzie to najważniejszy obszar jego działalności.

Aby wystawić swoją pierwszą operę w Vincenzie, Otgon in the Villa, Antonio bierze miesięczny urlop. Produkcja odniosła sukces i przyciągnęła uwagę impresaria weneckiego. Począwszy od kolejnej, przez pięć lat następował cały szereg prawykonań, które mocno ugruntowały jego sławę jako kompozytora operowego.

Od tego momentu Antonio Vivaldi, którego biografia wkracza w nowy etap twórczy, stara się o uznanie jak najszerszych rzesz słuchaczy.

Pomimo ofert z innych miejsc, które były bardzo kuszące, a także oszałamiającego sukcesu na polu operowym, po długich wakacjach pozostał wierny i powrócił do weneckiego „konserwatorium”.

kreatywność teatralna

Pierwsze dwa oratoria dotyczące tekstów łacińskich pojawiają się w tym samym czasie, kiedy z pasją zainteresował się teatrem. „Judyta triumfująca” stała się jedną z najlepszych kreacji Vivaldiego.

Studenci tamtych czasów uważają studiowanie u niego za zaszczyt, ale ani oni, ani duża ilość pracy kompozytorskiej nie mogą odwrócić uwagi Antonia od aktywnej pracy w teatrze, gdzie wykonuje zamówienie na dwanaście głównych arii do opery Nero Made Caesar .

Dla tego samego teatru powstała również opera „Koronacja Dariusza”. W ciągu zaledwie pięciu lat sława kompozytora szybko rośnie i wykracza poza granice jego kraju daleko w Europę.

Po pierwszych latach podróży operowej związanej z Wenecją kompozytor Antonio Vivaldi postanawia zmienić sytuację i rozpoczyna trzyletnią służbę u margrabiego Filipa von Hesse-Darmstadt, który dowodził wojskami cesarza austriackiego w Mantui.

Służba u margrabiego

Ten okres jest bardzo ważny dla Vivaldiego: to on wpływa na całe jego przyszłe życie. Poznaje córkę francuskiego fryzjera i śpiewaczki operowej Annę Giraud, którą Antonio przedstawia wszystkim jako swoją uczennicę. Jej siostra zadbała o zdrowie kompozytora i stała się jego stałą towarzyszką.

Ze strony kościoła ciągle narzekano na takie relacje, które były nieodpowiednie dla duchownego, bo siostry mieszkały w domu kompozytora i towarzyszyły mu w trasie. W dalszej kolejności te relacje doprowadzą do bardzo niekorzystnych wyników dla twórcy muzycznego.

Pod koniec służby wrócił do Wenecji, ale podróże do europejskich stolic trwają. Mimo znakomitych premier skomponowanych oper współcześni za najbardziej uderzające dzieła uważają koncerty programowe, zwłaszcza „Cztery pory roku”.

Ostatni okres życia

Skuteczność Antonio Vivaldiego (możesz zobaczyć jego zdjęcie w naszym artykule) była niesamowita: nie spadła, mimo że jego opery były wystawiane na wielu europejskich scenach i odnosiły oszałamiający sukces. Ale w wieku 59 lat dopada go straszliwy cios losu. Nuncjusz apostolski w Wenecji w imieniu kardynała Ruffo zabronił kompozytorowi wjazdu do jednego z Państw Kościelnych (Ferrara) w trakcie przygotowań do karnawału.

Był to wówczas niesłychany wstyd i pociągał za sobą całkowitą dyskredytację zarówno duchownego Vivaldiego, jak i straty materialne. Relacje w „Piecie” zaczęły się psuć, a muzykę Antonio zaczęto uważać za przestarzałą ze względu na pojawienie się w tym czasie dużej liczby młodych twórców. Musiał wyjść.

W „konserwatorium” jest po raz ostatni wspomniany w związku ze sprzedażą po wyjątkowo niskiej cenie dużej liczby jego koncertów muzycznych. Następnie twórca na zawsze opuszcza swoją ojczyznę.

Zmarł na zapalenie wewnętrzne w Wiedniu w wieku 63 lat, opuszczony i zapomniany przez wszystkich.