Portret kobiecy pod koniec XIX wieku w Rosji

Historia Rosji malarstwo portretowe – unikalne zjawisko w dziejach kultury światowej jako całości, ponieważ ma swoje korzenie w ikonografii prawosławnej i żywi się żyzną glebą głęboko religijnej duchowości. Jeśli w Europie Zachodniej sztuka portretowania sięga starożytnych wzorców grecko-rzymskich, czyli w czasach przedchrześcijańskich, to w Rosji za wzorce do tworzenia portretów służyły początkowo zasady malowania ikon.

Tu można by się oczywiście spierać, przecież portreciści rosyjscy byli dobrze zaznajomieni starożytna kultura, kopiowali liczne "antyki" - studiowali rysunek, przedstawiający greckie i rzymskie portrety rzeźbiarskie i posągi starożytnych bóstw. Ale szlifując swoje mistrzostwo w technicznych technikach malarskich według wzorca zachodniego, w treści wewnętrznej artyści zachowali wszelkie wątki związane z duchowością prawosławną, a cielesność obrazów, tak charakterystyczna dla europejskich arcydzieł malarskich, odpłynęła w tło. Pierwsze portrety w historii malarstwa rosyjskiego pojawiły się stosunkowo (w perspektywie historycznej) niedawno - w XVII wieku. Dostali nazwę - „parsuna”. Jeden z pierwszych „parsun” – „Portret cara Fiodora Ioannovicha” początek XVII wieku, ze zbiorów państwa muzeum historyczne w Moskwie. Jak można się domyślić, nazwa „parsuna” pochodzi od słowa „osoba”. Wtedy była to bezprecedensowa innowacja - przedstawiano prawdziwych ludzi, a nie malowanie ikon obrazy biblijne i sceny.

W dawnych czasach przedstawianie współczesnych uważano za niedopuszczalny egoizm. Nie jest jednak przypadkiem, że wśród artystów panuje opinia, że ​​każdy obraz to autoportret. Bez względu na to, jak bardzo artysta chce być obiektywny, wyrzec się swojego „ja” w imię czystości obrazów, jednak w każdym dziele, w którym się wyraża, wszystko uduchowia własną duchową energią. W sztuce portretu rosyjskiego zasada autora splata się z penetracją artysty w głąb wewnętrznego świata i pragnieniem wyrażenia tej iskry Bożej, która pierwotnie tkwi w każdym człowieku. Widać to już w tych „parsunach” podobnych do tradycyjnych ikon, których nazwiska autorów niestety odeszły w niepamięć. A w następnych stuleciach, kiedy w sztuce rosyjskiej zaczęły dominować zachodnioeuropejskie zasady akademickie, a następnie tendencje romantyzmu i realizmu, rosyjska sztuka portretowa nie straciła swojego Podstawa prawosławna w głębi wewnętrznej treści obrazów. Przejawiało się to zwłaszcza w pragnieniu ujrzenia „światła Bożego” w ciemności. ludzka dusza w którym ziemskie, cielesne i doczesne są z pewnością oświecone żywą duchowością. Idee poszukiwania „iskry Bożej” w ziemskim świecie zawsze były bliskie Kultura prawosławna, ale osiągnęły swój punkt kulminacyjny w drugiej połowie XIX wieku, kiedy stały się kluczowym aspektem w poszukiwaniach inteligencji twórczej - przypomnijmy wybitne dzieła F.M. Dostojewskiego i L.N. Tołstoja.

Jasne, oryginalne, a następnie uderzające w swoim wewnętrzna siła, czasem poruszające swoją wrażliwością, czasem zaskakujące ekstrawagancją, pojawiają się przed nami wizerunki kobiet stworzone przez artystki końca XIX wieku. Być może, przy całej różnorodności postaci, temperamentów, cech zewnętrznych przedstawionych na portretach kobiet, główną ich cechę, która je łączy, można nazwać słowem „Mariness”, czyli w każdej kobiecie artysta (świadomie lub nie) wyraża coś to czyni ją spokrewnioną z biblijną Marią... Tylko z którą - Marią Dziewicą czy Marią Magdaleną, uważny czytelnik zapyta i będzie miał absolutną rację. Ale nie ma na to jednoznacznej odpowiedzi - w końcu w kobiecej naturze esencje obu są splecione. Tak, a skoro sztuka końca XIX wieku skłania się ku realizmowi, to własność „Maryi” jest odzwierciedleniem zarówno zasad, jak i tajemniczej czystości, czystości i grzeszności, słabości doczesnej, która jest odkupiona mocą boskiego przebaczenia i miłosierdzie. Dylemat między wizerunkami Matki Boskiej i Marii Magdaleny jest również ukryty w kobiecych obrazach stworzonych przez mistrzów słowa - na przykład podręcznik Sonechka Marmeladova. Pamiętaj, ile grzechu ziemskiego jest w jej życiu i ile siły poświęcenia! Lub Nastazja Filipowna - czasem demoniczna kobieta, czasem ucieleśnienie współczucia, miłosierdzia i wrażliwości. W sztuce portretowej, zwłaszcza w obrazach kobiecych powstałych pod koniec XIX wieku, zasady realistyczne nie sprowadzają się do kopiowania natury i eksponowania cech psychologicznych, są ściśle związane z całą złożonością poszukiwań filozoficznych, religijnych i intelektualnych panujących wówczas wśród twórcza inteligencja.

Wizerunek tajemniczego nieznajomego, śpiewany przez Aleksandra Błoka w 1906 roku, zdawał się wyprzedzać I. N. Kramskoya na jego obrazie z 1883 roku z jego obrazem. Czyż nie - "powoli, przechodząc między pijakami, zawsze bez towarzystwa, sama, oddychając duchami i mgłą, siada przy oknie". Podobnie jak deja vu, wiersze z wiersza A. Błoka przypominają się, patrząc na słynny obraz I. N. Kramskoya.

Kobieta z portretu spogląda nieco arogancko na widza z wysokości powozu. Kim ona jest i dokąd zmierza? Możemy tylko zgadywać, budować własne wnioski i założenia. Może jest panią półświatka, spieszącą na bal, a może panną młodą lub żoną jakiegoś urzędnika lub kupca. Tak czy inaczej, ona status społeczny nie powinna, zdaniem artysty, zainteresować widza. Jeśli w XVIII wieku pokazanie statusu społecznego w jakimkolwiek portrecie uważano za absolutnie konieczne, to pod koniec XIX wieku na pierwszym planie była osobowość, z całą złożonością wewnętrznego życia duchowego i z wyjątkowością indywidualnych cech wygląd zewnętrzny. I sam I. N. Kramskoy na początku swojego kreatywny sposób starał się przekazać pozycję społeczną, ale w jego wczesnych portretach kobiecych dominowała duchowa refleksja nad indywidualnością i wyjątkowością kobiecego piękna.

Za każdym razem model wydawał się dyktować artyście nowe podejście, a mistrz musiał szukać odpowiedniego języka artystycznego dla wiernego ucieleśnienia wizerunku portretowego i osiągnięcia głębi wniknięcia w świat duchowy modele.

Tak więc w portrecie E. A. Vasilchikovej (1867) artysta przekazuje urok kobiecości, czystość młodości, inspirującą energię piękna i wewnętrzną duchową harmonię.

Stonowane odcienie burgundowego i brązowego tła przywołują na myśl dzieła dawnych mistrzów, ale spontaniczność i naturalność jej figury, pełna wdzięku niedbałość jej gestu, wyrazista wnikliwość spojrzenia - wszystko to świadczy o realistycznych nurtach sztuki nowy na ten czas.

W portrecie „Nieznajomego” realistyczne zasady są nieco rozpuszczone i inspirowane echami neoromantycznych trendów i poetyckiej tajemnicy. Zaangażowanie I.N. Kramskoya w nurt realistyczny w malarstwie (a był on wybitnym przedstawicielem słynnego Stowarzyszenia Podróżników wystawy sztuki) przejawia się tu w absolutnej dokładności kompozycji, w której wszystko podporządkowane jest tworzeniu wzniośle zamkniętego obrazu. Gładka linia sylwetki nieznajomej, prawidłowy owal jej twarzy skupiają uwagę widza, a wyraźnie określona przestrzeń, zamknięta tyłem powozu, jest nieodłączna od plastyczno-wolumetrycznego modelowania.

Wprawdzie mamy przed sobą uogólniony obraz „obcej”, ale jak uderzająco indywidualne są rysy jej twarzy. W jej oczach pogarda, współczucie, smutek lub chłód są tajemnicą. Kolorystyka obrazu jest umiejętnie rozwiązana, pomagając nam - nie, nie rozwiązać tej zagadki, ale bez końca podziwiać niemożność jej rozwiązania. Ciemnoniebieski aksamit i jedwab jej ubrań - jako ślad sąsiedztwa w jej obrazie aksamitnej czułości i chłodu jedwabiu - podkreślają szlachetną bladość skóry i naturalne piękno rumieniec. Złoty tył otwartego powozu dodaje ciepła kolorystyce obrazu, ale odblaski i refleksy zdają się tłumić ciepłe odcienie, podkreślając zarówno chłód pogody, jak i dziwny wewnętrzny chłód modelki, wywołany powierzchownymi wpływami świecka moda lub jakieś głęboko osobiste doświadczenia. Postać kobiety wyróżnia się na tle ośnieżonego miasta, a jedynie białe pióra na jej kapeluszu wizualnie łączą ją z otaczającą przestrzenią. W jej wizerunku przebija tęsknota za samotnością, jest ideałem, któremu obcy jest świat śmiertelników, a jednocześnie jest tylko podglądanym kątem oka obrazem współczesności artystki. W tej pracy I.N. Kramskoy przekazuje nam swój smutek, odwieczną tęsknotę artysty za ideałem i perfekcją - jakby inspiracją, perfekcją, subtelnością, ulotnością. Jeszcze chwila, a niewidzialny woźnica poprowadzi konie, a powóz wiozący nieznajomego w nieznane stopi się i zniknie w całunie śniegu… Tak, piękno zniknie, ale sen pozostanie, uchwycony na wieki przez wrażliwy pędzel mistrza.

Jednak nie należy myśleć, że w drugim połowa XIX Artyści inspirowali się jedynie obrazem obcych, tajemnicą kobiecej duszy, wewnętrzną tajemnicą. W tym okresie bardzo aktywnie ujawnił się również przeciwny trend - wizerunek kobiet aktywnych społecznie, aktywnych, silnych, a nawet odważnych i nieco niegrzecznych. Po zniesieniu pańszczyzny i szeregu reform rola kobiet w życiu publicznym zaczęła gwałtownie wzrastać. A artyści tego okresu po mistrzowsku przekazują nam obrazy kobiet, przepełnione poczuciem godności, znaczenia, dumy, siły i niezależności.

Tak więc na zdjęciu K. E. Makowskiego w 1879 roku widzimy właściciela starożytnego majątku Kaczanowka, położonego na granicy prowincji Połtawa i Czernihów. Sofya Vasilievna Tarnovskaya jest żoną bardzo wpływowego ukraińskiego filantropa i kolekcjonera Wasilija Tarnowskiego, namiętnego miłośnika sztuki, pasjonata muzyki (miał nawet własną orkiestrę i teatr) oraz literatury i oczywiście malarstwa. Zaprosił artystę do pozostania w jego majątku, a jednocześnie namalował dla niego szereg obrazów, wśród których jest portret ukochanej żony, która aktywnie wspierała działalność męża i dzieliła jego zainteresowania. Artysta odkrywa przed widzami ukryte cechy charakteru modelki.

K. E. Makowski. Portret S. W. Tarnowskiej. 1879

Portret przedstawia dostojną, już nie młodą, ale silną wolę kobietę. W jej spojrzeniu pewna arogancja łączy się z charakterystyczną dla prowincjonalnych kobiet duchową miękkością, nie zahartowaną przez wykastrowaną świecką krzątaninę stolic. Ciemno bordowa tkanina, która służy jako tło, przypomina teatralne kulisy - całkiem możliwe, że S. V. Tarnovskaya pozowała artystce w pomieszczeniach teatru osiedlowego. A artysta z kolei przypomina widzom, jak bardzo jesteśmy podobni życie codzienne do występu na scenie. Ciemnozielony kolor w niektórych miejscach artysta doprowadza tkaniny ubrań do głębokiej czerni, podkreślając w ten sposób ostrość padającego cienia i ożywiając ogólne modelowanie światła i cienia rozwiązań wolumetrycznych. W takim ujęciu można wyczuć inspirację mistrza arcydziełami Rembrandta. A w swoim wrażliwym psychologii K. E. Makovsky jest bliski słynnemu holenderskiemu malarzowi. W spokoju gestów i dostojnej postawie odczuwa się wewnętrzną pewność siebie i szczególną naturalną, a nie udawaną szlachetność duszy. Lekko zadarty nos wskazuje na przejaw kapryśności, ale prostotę i spokój odczytuje się w ogólnej miękkości rysów twarzy.

Żywym przykładem realistycznego portretu kobiecego z okresu objętego przeglądem jest „Portret Olgi Siergiejewny Aleksandrowej-Gaines”, stworzony przez I. E. Repina w 1890 r. Artystkę wyraźnie interesuje obraz tej kobiety, jakby ucieleśniała nowe realia społeczne tamtych czasów: mamy przed sobą aktywną, silną wolę, silną, a nawet w pewnym stopniu surową kobietę, świadomą swojej wagi i bez wątpienia dumny z tego. I. E. Repin, przedstawiciel postępowego Stowarzyszenia Wędrownych Wystaw Artystycznych, skłaniał się ku zapoczątkowaniu gatunku w swoich pracach. W tworzonych przez niego portretach praktycznie nie ma neutralnego tła - przedstawia modelkę w typowym dla niej środowisku, aby ją głębiej odsłonić. wewnętrzny świat, aby pokazać widzowi atmosferę, środowisko, z którym model jest nierozerwalnie związany. Tutaj tło zostało zaprojektowane przez I. E. Repina tak szczegółowo, jak to możliwe.

Złocona rama obrazu, obrusy i dywany haftowane złotą nicią, złocone oprawy książek na stole - wszystko to tworzy atmosferę luksusu, orientalnego szyku, tak bliskiego gustowi córki kupca kazańskiego S. E. Aleksandrowa. Artysta z wielką uwagą ukazuje piękno dostatniego życia kupca. Jego dociekliwe spojrzenie nie gubi wzroku i przywiezione z odległe kraje rzeczy. Naszą uwagę przykuwa np. gigantyczna ozdobna muszla z masy perłowej na ścianie, prawdopodobnie z Azji Południowo-Wschodniej, czy piękny irański dywan, przywodzący na myśl wyrafinowanie kolorystyczne perskich miniatur. Będąc w związku małżeńskim z inżynierem wojskowym, gubernatorem generalnym Kazania AK Gaines, Olga Siergiejewna była aktywnie zaangażowana w działalność charytatywną oraz zbieranie obrazów i rycin artystów rosyjskich i zagranicznych. Prace I. E. Repina wyróżniają się, jak łatwo zauważyć z rozważanego tutaj przykładu, zdolnością widzenia osoby w całej złożoności jego wewnętrznego świata i oryginalności jego wyglądu zewnętrznego.

W rozwiązaniu kolorystycznym tego portretu szczególnie uderza nas obfitość różnych odcieni złota, czasem „krzyczących”, jakby migających w świetle, czasem cicho mieniących się, czasem przytłumionych i ledwo dostrzegalnych, płynnie przechodzących w inne tony. Czarny aksamit sukienki nie tylko sprytnie ukrywa pełnię kobiecej sylwetki, ale także sprawia, że ​​jej sylwetka jest czytelna w kontekście misternie zabudowanej artystycznej przestrzeni tła. Dynamika malarskiego pisma ręcznego wyraźnie ujawnia się w przekazywaniu ornamentów - I. E. Repin nie przekazuje ich dokładnie, nie przypomina autorów starożytnych perskich miniatur, ale zarysowuje krzywe linii ozdobnych dużymi pociągnięciami, przekazując widzowi nie grafikę charakter ich wizerunku, ale szczególną ruchliwość i wyrazistość, muzykalność i poezję, która jest zbliżona do wykwintnego rytmu poezji orientalnej.

Zdobne linie ornamentów na obrusie, na dywanie, na oprawach książek tworzą poruszający się odmierzony rytm, a linia sylwetki zdaje się ujarzmić ten rytm, skupiając uwagę widza. Kostium bohaterki wydaje się nieodpowiednio surowy na tak jasnym i starannie zaprojektowanym tle, urzekając różnorodnością wzorów i spektakularnym luksusem. Jednak złożoność koronkowych wzorów kołnierzyka i rękawów zdaje się przypominać linie ornamentów, w które tło jest tak bogate. Warto zwrócić uwagę na ustawienie postaci. Poza wyraża wewnętrzną stanowczość charakteru, pewność siebie, spokój i samozadowolenie. Przed nami silna wola, niezależna, nieco niegrzeczna, ale twórcza natura. Wygląda na to, że była leworęczna – wszak w lewej ręce trzyma wachlarz. A to też znak oryginalności, niezależności i kreatywność. Prawa ręka Olga Siergiejewna podpiera głowę, jakby obciążona wieloma myślami, a jej lewa ręka, ręka osoby przyzwyczajonej do wydawania poleceń, trzyma złożony wachlarz, opuszczony. Olga Siergiejewna wydawała się myśleć przez kilka minut, usiadła, by odpocząć, ale jeszcze chwila - i machała wachlarzem, ale nie jeździła po twarzy kokieteryjnym gestem z manierami salonowej młodej damy, ale wydawała rozkazy w swoim dobytku, używając go jako wskazówki i podkreślając znaczenie i emocjonalną ekspresję ich słów.

Na pierwszy rzut oka rysy twarzy mogą wydawać się niegrzeczne. Jednak przy bliższym przyjrzeniu się zauważymy nie tylko silny intelekt, kupiecką roztropność, siłę woli, ale także lekki smutek i zmęczenie w jego oczach. Duma, arogancja i odrobina chłodu nie przesłaniają naturalnej kobiecości, ale nadają jej wyjątkowy smak. Ta kobiecość tkwi w schludności fryzury, w blasku oczu, w lekko uniesionych łukach brwi, w obrzęku ust i w subtelnym rumieńcu policzków. Za zimną i rozważną gospodynią I. E. Repin był w stanie dostrzec wrażliwą kobiecą duszę, w zasadzie oczywiście miękką i wrażliwą, ale umiejętnie zamaskowaną surowością, nieelastycznością i celową skutecznością. Portret Olgi Siergiejewny, stworzony przez wybitną rosyjską malarkę, wyróżnia ludzkość, poetycka, a jednocześnie realistyczna głębia wyrazu, niezrównane umiejętności i niesamowita siła talentu.

Liryczny i tajemniczy świat uczuć i przeżyć kobiety ukazuje w swojej twórczości V. A. Serov, który śmiało odkrywał nowe możliwości malarskiej wyrazistości barw, łącząc w wielu swoich pracach impresjonistyczną świeżość i łatwość szybkich kresek. realistycznego uogólnienia i klarowności przekazu natury, z prawdziwym życiem wiarygodności tworzonych obrazów. Środowisko światła i powietrza w jego portretach tworzy nasyconą emocjonalnie przestrzeń, współgrającą z wewnętrznym światem modela. W portretach, które tu rozważamy, łatwo dostrzec przenikliwe światło, jasne i srebrzyste, łagodzące plastyczną formę i wzbogacające paletę różnorodnością odcieni. Podobnie jak francuscy impresjoniści, V. A. Serov nasyca każde pociągnięcie pędzla świetlistą mocą. Na portrecie Z. V. Moritza, namalowanym w 1892 r., V. A. Serov wydaje się „ogrzewać” światłem o ogólnie chłodnej barwie. Kolor fioletowy w gamie uważany jest za najzimniejszy, w przeciwieństwie do czerwieni - za kolor "najcieplejszy", a nawet "gorący". Ale zimne fioletowe tło nasycone jest wieloma refleksami, tzw. „refleksami”, które wnoszą główne nuty do całości melancholijnego mola, przesyconego subtelnym lirycznym smutkiem, barwnym brzmieniem. Kolory są przez artystę postrzegane w ich zmienności, impresjonistycznej iluzoryczności. Uczucie niepokojącej mobilności potęgują żywiołowo pisane pióra szala, jakby powiewającego na zimnym wietrze.

Emocjonalność wizerunku Z. V. Moritza nadaje zarówno rozwiązanie światła i cienia, jak i specjalna oprawa postaci, lekki obrót głowy i lekko uniesiony podbródek. Odchyla się na krześle i patrzy na widza. Ten moment komunikacji z widzem w ogóle jest cechą wielu portretów V. A. Serova. Portret uderza precyzją obrazu, ostrością oka artysty, improwizacyjną lekkością połączoną z powodzeniem z wysokim profesjonalizmem i wirtuozowską przemyślaną kolorystyką i rozwiązaniami kompozycyjnymi. Gra świateł na naszyjniku delikatnie podkreśla arystokratyczną biel skóry. Proste i typowe rysy twarzy artysta przekształca - uduchawia wewnętrzną koncentracją, poezją, w zgodzie z ogólnym nastrojem panującym na obrazie.

V. A. Serov w każdej ze swoich prac wykorzystuje zasady malarstwa plenerowego, podkreślając tym samym naturalność i szczególną wdzięczną lekkość obrazów, a także ścisłe powiązanie modela z otaczającą przestrzenią. Swoją pracą potwierdza własne rozumienie wizerunku kobiety i środków jego obrazowego ucieleśnienia. Dziewczyna, spontaniczna i oddychająca pięknem młodości, pojawia się na obrazie „Dziewczyna oświetlona słońcem”.

Modelka nie wydaje się pozować, ale mieszkać w tej malowniczej przestrzeni. Kolorystyka obrazu zbudowana jest na harmonijnym zestawieniu bliskich złoto-zielonych, brązowawych tonów w letnim naturze, różowawych tonów na twarzy i bladożółtych, a także niebieskich w ubraniach. biały kolor Dziewczęce bluzki przemienia gra refleksów świetlnych, wszystkie odcienie słonecznego blasku przebijają się przez liście potężnego drzewa, jakby rozlana w nim tęcza. Portret ma też wyrazistą sylwetkę. Twarz zarysowana jest plastycznie wyrazistą gładką linią, płynną, przechodzącą w ogólną linię sylwetki sylwetki. Odnajdujemy tu temperament litery, dźwięczność barwnej gamy, poetycką zmysłowość.

Portret został namalowany przez mistrza jakby jednym tchem, choć artysta pracował nad nim przez całe lato, zmuszając cierpliwą kuzynkę do pozowania niemal codziennie. Widoczną artystyczną lekkość i naturalność artysta osiągnął dzięki wrażliwości i umiejętnościom, obserwacji oraz umiejętności widzenia, odczuwania i ucieleśniania zarówno wizualnych wrażeń otaczającego świata, jak i wewnętrznego duchowego świata przedstawionego modela.

Wnikliwe studium i wnikliwa refleksja w twórczości wielu artystów i pisarzy tamtego czasu życia ludzi, życia i obyczajów, stawia gatunek społeczny na jednym z pierwszych miejsc w ówczesnym środowisku artystycznym. Zauważalnym trendem w malarstwie portretu kobiecego badanego okresu było zainteresowanie artystów wizerunkami kobiet z ludu, a nie tylko „ towarzyski”, bogatym klientom lub pięknym nieznajomym. W rzeczywistości obrazy te można również nazwać swego rodzaju „obcymi” – artyści nie pozostawili swoich nazwisk dla historii, starali się stworzyć uogólniony obraz swoich współczesnych, przedstawicieli różnych warstw społecznych. Takie „portrety” to nie tylko „portrety” w klasycznym sensie. Są to „portrety – obrazy”, bliskie gatunek na co dzień, który do tego czasu osiągnął szczyt swojej popularności. Tworząc takie prace, artyści wydają się balansować na cienkiej granicy pomiędzy różnymi gatunkami - portretem i życiem codziennym.

Podkreśloną spontaniczność i dużą energię życiową przenika wizerunek sprzedawczyni kwiatów uchwycony pędzlem N.K. Pimonenko.

Połączenie jasnoniebieskiego odcienia ubrań ze szmaragdową zielenią liści lilii i ich śnieżnobiałymi kwiatami, efekt równomiernego światła słonecznego - oznacza, że ​​pomagają odsłonić ludzki wizerunek. Tłem jest tu gwar zalanej słońcem ulicy, artystyczna przestrzeń rozwija się po skosie w głąb, podkreślona linią chodnika i szeregiem domów stojących w rzędzie, potęgującym wrażenie ruchu postaci spieszących się do pracy lub bezczynnych spacerowicze. Rumiana i ogorzała twarz młodej dziewczyny przyciąga wzrok swoją otwartością i prostotą, promiennym i naturalnym uśmiechem oraz wyrazistością spojrzenia. Sprytnie sprzedaje białe lilie, jakby symbolizując w tym kontekście kwitnienie i czystość młodości. Wrażenie świeżości, bezpośredniość narodzin obrazu urzeka nasze oczy i pozostaje na zawsze w naszej pamięci wzrokowej i mentalnej.

W takich pracach manifestują się humanistyczne ideały, żywe zainteresowanie inteligencji twórczej losem mieszkańców ich ojczyzny. Zbliżony do malarstwa ikonowego, a jednocześnie głęboko realistyczny i nowoczesny, kobiecy wizerunek ucieleśnia N. A. Yaroshenko w portrecie siostry miłosierdzia. Ściśle określona postać na ciemnym tle, ascetyczne rysy twarzy dziewczyny, pewna płaskość i wewnętrzna izolacja obrazu – wszystko to przywołuje obrazy prawosławnych ikon. Kolory łączą się w spokojny, harmonijny współbrzmienie. Wyrafinowaną kolorystyką, niemal monochromatyczną gamą brązowo-szarych i bladozłotych tonów, artysta podkreśla „obrazowanie ikon” stworzonego obrazu.

Pojawienie się siostry miłosierdzia nosi cechy wizerunku zbiorowego, typowego. Ciemną przestrzeń rozświetla jakby nagły promień światła. Tutaj światło służy jako wyrazista i łatwa do odczytania metafora - niczym światło słoneczne, czyny tej młodej, kruchej dziewczyny oświetlają życie wielu ludzi, którym pomaga. W przepięknie wyblakłej gamie portretu, w zamyśleniu zestawia się przytłumiony brąz i szarość ubioru, jaskrawoczerwony krzyż i żółtość refleksów świetlnych. Ręce artystki są pięknie pomalowane - pracowite i kruche, są ucieleśnieniem kobiecości, ciepła, troski, czułości... Jest jak święta na cudownej ikonie - wszak cud, to nie tylko coś mistycznego może go wykonać każda osoba obdarzona dobrocią duszy i pragnieniem czynienia dobra. Każdego dnia swojego życia dokonuje cudu - swoją pomocą, dobrocią duszy i wartością swojej pracy ogrzewa świat.

Pod sam koniec XIX wieku, na niepokojącym przełomie burzliwych i dramatycznych wieków dla historii Rosji, w 1900 roku w portrecie kobiecym nasilają się tendencje symbolizmu, realizm schodzi na dalszy plan, epoka się zmienia, nowe w malarstwie pojawiają się priorytety, chęć ujawnienia innych możliwości języka artystycznego. To naturalne – w końcu ścieżka twórczych poszukiwań jest niewyczerpana, mobilna i nieskończona. Coraz intensywniejsze staje się pragnienie dekoracyjnej i symbolicznej ekspresji koloru, artyzmu, zabawy z wyobraźnią widza. Ekspresyjność figuratywna nie ma na celu przekazywania żywych doznań i obserwacji, ale nastawiona jest na osiągnięcie subtelnej emocjonalnej i intelektualnej przyjemności, poezji i alegoryczności, pewnej konwencjonalności i poetyckiego rytmu, co sprawia, że ​​malarstwo łączy się z muzyką i słowem.

Wyrafinowany i tajemniczy wizerunek pięknej damy, romantyczny i pełen poetyckiej harmonii, stworzył K. A. Somov w swoim słynnym dziele „Dama w niebieska sukienka”. To już nie ten obcy Kramskoy, który wydawał się nam tak naturalny i żywy, jakby pojawiał się przed nami na kilka chwil z cienia stuleci. Nieznajomy K. A. Somowa to raczej portret aktorki grającej rolę, zakładającej maskę i zastanawiającej się nad niedawno przeczytanym wierszem. W rzeczywistości jest to portret artysty E. M. Martynova.

Najlepsza gra półtonów tworzy liryczny nastrój. Subtelność kolorystycznego smaku przejawia się m.in malownicza tekstura- matowy, wyblakły kolor, płynne pociągnięcie pędzla, które nawiązuje do gładkiej linii konturu. Dokładność rysunku i elastyczność pociągnięcia nadają pewną suchość i dekoracyjność, podkreślając kunszt przedstawionej damy. W tle umiejętnie zagrany warunkowo stylizowany pejzaż, znów budzi skojarzenia nie tyle z pejzażem realnym, ile ze scenami teatralnymi. Tego rodzaju chęć odtworzenia świata fikcyjnego – odejście od zubożałej duchowo rzeczywistości i całkowite zanurzenie się w świecie twórczości w pełni odpowiada nowym wymogom estetycznym epoki. Taki paradygmat przejawia się w wielu pracach mistrzów stowarzyszenia twórczego „World of Art”, do którego należał K. A. Somov.

Chyba najbardziej skłonny do teatralizacji obrazów, fantasmagorii i mistycyzmu był M. A. Vrubel - jego malarstwo wydaje się być tajemniczym, ezoterycznym objawieniem kolorystycznym. Starał się ucieleśnić piękno i dostrzec jego wewnętrzną tajemnicę, podnieść zasłonę tajemnicy samej istoty piękna. Idea takich poszukiwań jest zbliżona do nowych trendów epoki i wyraźnie nawiązuje do tego, co możemy zaobserwować w ówczesnej poezji, muzyce i teatrze. Wystarczy przypomnieć wersety Iwana Bunina z 1901 roku:

szukam kombinacji na tym świecie,

Piękna i tajemnicza, jak marzenie...

Nie jest to oczywiście ani credo, ani wezwanie, ale jasne i celne sformułowanie paradygmatu twórczego środowiska literacko-artystycznego przełomu wieków.

M. A. Vrubel stawia na bardzo oryginalny i niepowtarzalny styl pisania. Pisze nie formami, nie tomami, ale fragmentarycznymi małymi płaszczyznami, jak mieniąca się w ciemności mozaika...

Często tworzył portrety swojej żony N. I. Zabeli-Vrubel, grając spektakle teatralne, w obrazach różnych postaci - albo pojawia się na obrazie Małgosi, potem na obrazie Księżniczki Łabędzia z opery N. A. Rimskiego-Korsakowa opartej na opowieści o carze Saltanie.

Obraz-portret Księżniczki Łabędziej powstał na samym przełomie wieków, w tych niespokojnych czasach, które zapowiadały szereg dramatycznych zmian.

MA Vrubel. Księżniczka Łabędzia. 1900

Wrażenie drgającego ruchu doskonale oddaje kolorystyka. Liliowe i zimne granatowe pasemka zdają się wchodzić w dramatyczną konfrontację z dużymi różowawymi i żółtawymi błyskami refleksów świetlnych, potęgując głębię brzmiącego dysonansu, który kolorami opowiada o sprzeczności między snem a rzeczywistością, niebiańsko-ziemskim, duchowym i przyziemnym , wzniosły i przyziemny. Porywająca tajemnicą postać przedstawiona jest w gwałtownym ruchu, jakby z całej siły trzepotała śnieżnobiałymi skrzydłami, próbując z całych sił wystartować na oczach zdziwionych widzów. W ogromnym szerokim Otwórz oczy jakby zamrożone duże krople łez, lśniące zgodnie z blaskiem płomieni zachodzącego słońca, jednocząc kolory obrazu w tak skomplikowaną kolorystyczną jedność. Co to jest - nierozwiązany symbol czy mistrzowsko zagrana rola, a może odbicie wewnętrznych, subtelnych ruchów duszy artysty wypełnione wzniosłą poezją? Być może każdy widz powinien sam znaleźć odpowiedź, albo lepiej po prostu nie myśleć o tym, ale cieszyć się iskrzącym pięknem, które dotyka ukrytych strun ludzkiej duszy, budząc bajkę w głębi serca.

Artystki wszystkich czasów inspirowały się wizerunkami kobiet - silnych i upartych lub kruchych i wrażliwych, prostych i skromnych lub ekstrawaganckich i odważnych, dojrzałych i pełnych brzemienia trosk świata lub młodych i naiwnych, naturalnych i ziemskich lub wyrafinowanych i zmanierowany… W serii portretów kobiecych tworzonych przez najzdolniejszych mistrzów domowych pod koniec XIX wieku odzwierciedlało nowe rozumienie kobiet tamtych czasów, bardziej wyzwolonych, wolnych od odwiecznych uprzedzeń i, jak się wydaje , czasami kwestionujące tradycje, ale jednocześnie ściśle związane z duchowością prawosławną i filozoficznymi poszukiwaniami intelektualnymi ówczesnej inteligencji twórczej. Po rozważeniu tylko kilku przykładów w tym artykule mogliśmy zobaczyć, jak uważni są mistrzowie pędzla Cechy indywidulane modelki, jak wrażliwie rozumieją naturę kobiecej duszy i jak szczerze podziwiają kobiece piękno!

Sztuka zawsze pomaga nam głębiej zrozumieć siebie, spojrzeć na siebie świeżym okiem własne życie i świat dookoła. A może patrząc na piękne kreacje artystów, nowoczesne kobiety, pochłonięte serią codziennych zamieszań, zapamiętają, że mieszka w nich piękna tajemnicza nieznajoma...

Łukaszewska Jana Naumowna, historyk sztuki, niezależny krytyk sztuki, kurator wystaw, 2011, strona internetowa.

Wiek XVIII to okres kolosalnych przemian we wszystkich sferach: politycznej, społecznej, publicznej. Europa wprowadza do rosyjskiego malarstwa nowe gatunki: pejzaż, historię, życie codzienne. Dominuje realistyczny kierunek malowania. Żywy człowiek jest bohaterem i nosicielem ówczesnych ideałów estetycznych.

Wiek XVIII wszedł do historii sztuki jako czas malownicze portrety. Każdy chciał mieć swój portret: od królowej po zwykłego urzędnika z prowincji.

Europejskie trendy w malarstwie rosyjskim

Znani rosyjscy artyści XVIII wieku zostali zmuszeni do podążania za zachodnią modą na rozkaz Piotra I, który chciał zeuropeizować Rosję. Przywiązywał dużą wagę do rozwoju sztuk pięknych, a nawet planował budowę wyspecjalizowanej placówki edukacyjnej.

Rosyjscy artyści XVIII wieku opanowali nowe techniki Malarstwo europejskie i przedstawiali na swoich płótnach nie tylko królów, ale także różnych bojarów, kupców, patriarchów, którzy starali się nadążać za modą i często zlecali namalowanie portretów miejscowym artystom. Jednocześnie ówcześni artyści starali się wzbogacić portrety o przedmioty gospodarstwa domowego, elementy strój narodowy, przyroda i tak dalej. Zwrócono uwagę na drogie meble, duże wazony, luksusowe ubrania, ciekawe pozy. Obraz ludzi tamtych czasów postrzegany jest dziś przez artystów jako poetycka opowieść o swoim czasie.

A jednak portrety rosyjskich artystów XVIII wieku różnią się od portretów zaproszonych malarzy zagranicznych uderzającym kontrastem. Warto wspomnieć, że do szkolenia rosyjskich artystów zaproszono artystów z innych krajów.

Rodzaje portretów

Początek XVIII w. to odwołanie się portrecistów do widoków półceremonialnych i kameralnych, z portretów malarzy drugiej połowy XVIII w. powstają takie typy jak frontowe, półceremonialne, kameralne, kameralne.

Przedni różni się od innych wizerunkiem osoby w pełni wzrostu. Blask luksusu – zarówno w ubraniach, jak i w artykułach gospodarstwa domowego.

Widok z przodu to obraz modelu sięgającego do kolan lub do pasa.

Jeśli osoba jest przedstawiona na neutralnym tle do klatki piersiowej lub talii, to ten rodzaj portretu nazywa się komorą.

Intymny wygląd portretu sugeruje odwołanie się do wewnętrznego świata bohatera obrazu, z pominięciem tła.

obrazy portretowe

Często rosyjscy artyści XVIII wieku byli zmuszeni wcielić się w obraz portretowy wyobrażenie klienta o sobie, ale nie prawdziwy obraz. Ważne było, aby wziąć pod uwagę opinię publiczną na temat tej lub innej osoby. Wielu historyków sztuki od dawna doszło do wniosku, że naczelną zasadą tamtych czasów było portretowanie człowieka nie tyle takiego, jakim naprawdę jest lub jakim chciałby być, ale takiego, jakim mógł być w swoim najlepszym odbiciu. To znaczy na portretach każdej osoby, którą próbowali przedstawić jako ideał.

Pierwsi artyści

Rosyjscy artyści XVIII wieku, których lista jest na ogół niewielka, to w szczególności I. N. Nikitin, A. P. Antropov, F. S. Rokotov, I. P. Argunov, V. L. Borovikovsky, D G. Levitsky.

Wśród pierwszych malarzy XVIII wieku są nazwiska Nikitin, Antropow, Argunov. Rola tych pierwszych rosyjskich artystów XVIII wieku była niewielka. Sprowadzał się jedynie do napisania ogromnej liczby obrazów królewskich, portretów rosyjskich szlachciców. Rosyjscy artyści XVIII wieku - mistrzowie portretu. Chociaż często po prostu pomagali zagranicznym rzemieślnikom malować ściany wielu pałaców i tworzyć teatralną scenografię.

Nazwisko malarza Iwana Nikiticha Nikitina można znaleźć w korespondencji Piotra I z jego żoną. Jego pędzel należy do portretu samego króla, kanclerza G. I. Golovina. W jego portrecie hetmana plenerowego nie ma nic sztucznego. Wyglądu nie zmienia peruka ani strój dworski. Artysta pokazał hetmana tak, jak to robi w prawdziwym życiu. Dokładnie w życiowa prawda położył główną zaletę portretów Nikitina.

Dzieło Antropowa zachowało się na obrazach katedry św. Andrzeja w Kijowie i portretach na synodzie. Prace te wyróżnia upodobanie artysty do żółtych, oliwkowych barw, ponieważ jest on malarzem, który uczył się u mistrza malarstwa ikon. Wśród jego znane prace- portrety Elżbiety Pietrownej, Piotra I, Księżniczki Trubetskoj, Atamana F. Krasnoszczekowa. Twórczość Antropowa łączyła tradycje oryginalnego malarstwa rosyjskiego z XVII wieku i kanony sztuk pięknych epoki Piotrowej.

Iwan Pietrowicz Argunow jest znanym portrecistą poddanym hrabiego Szeremietiewa. Jego portrety są pełne wdzięku, pozy przedstawionych przez niego osób są swobodne i ruchome, wszystko w jego pracy jest precyzyjne i proste. Jest twórcą kameralnego portretu, który później stanie się intymny. Znaczące dzieła artysty: Szeremietiewowie, P. B. Szeremietiew w dzieciństwie.

Nie powinieneś myśleć, że w tym czasie w Rosji nie istniały żadne inne gatunki, ale wielcy rosyjscy artyści XVIII wieku byli najbardziej znaczące prace nadal tworzony w gatunku portretowym.

Szczytem XVIII wieku była praca Rokotowa, Lewickiego i Borowikowskiego. Postać na portretach artystów jest godna podziwu, uwagi i szacunku. Człowieczeństwo uczuć jest znakiem rozpoznawczym ich portretów.

Fiodor Stiepanowicz Rokotow (1735-1808)

Prawie nic nie wiadomo o Fiodorze Stiepanowiczu Rokotowie, XVIII-wiecznym rosyjskim artyście z poddanych księcia I Repnina. Ten artysta tworzy portrety kobiet miękko i przewiewnie. Rokotow odczuwa wewnętrzne piękno i znajduje sposób na ucieleśnienie go na płótnie. Nawet owalny kształt portretów tylko podkreśla kruchość i elegancję kobiety.

Głównym gatunkiem jego twórczości jest portret na wpół sukience. Wśród jego prac są portrety Grigorija Orłowa i Piotr III, księżniczka Jusupowa i książę Paweł Pietrowicz.

Dmitrij Grigoriewicz Lewicki (1735-1822)

Słynny rosyjski artysta XVIII wieku - Dmitrij Grigorievich Levitsky, uczeń A. Antropowa, był w stanie z wyczuciem uchwycić i odtworzyć na swoich obrazach Stany umysłu i cechy ludzi. Przedstawiając bogatych, pozostaje szczery i bezstronny, jego portrety wykluczają służalczość i kłamstwa. Jego pędzel posiada całą galerię portretów wielkich ludzi XVIII wieku. To w uroczystym portrecie Lewicki objawia się jako mistrz. Odnajduje wyraziste pozy, gesty, ukazujące szlachetną szlachtę. Historia Rosji w twarze - tak często nazywa się pracę Levitsky'ego.
Obrazy należące do pędzla artysty: portrety M. A. Lwowa, E. I. Nelidowej, N. I. Nowikowa, Mitrofanowów.

Władimir Łukich Borowikowski (1757-1825)

Rosyjscy artyści XVIII i XIX wieku wyróżniają się odwołaniem do tzw. portretu sentymentalnego. Artysta Vladimir Lukich Borovikovsky maluje zamyślone dziewczyny, które są przedstawione na jego portretach jasnymi kolorami, są przewiewne i niewinne. Jego bohaterkami są nie tylko rosyjskie chłopki w tradycyjnych strojach, ale także szanowane damy z wyższych sfer. Są to portrety Naryszkiny, Lopukhiny, księżniczki Suworowej, Arseniewej. Zdjęcia są nieco podobne, ale nie sposób o nich zapomnieć. wyróżnia się niesamowitą subtelnością przekazywanych postaci, niemal niezauważalnymi cechami przeżycia emocjonalne i uczucie czułości, które łączy wszystkie obrazy. W swoich pracach Borovikovsky ujawnia całe piękno kobiety tamtych czasów.

Dziedzictwo Borowikowskiego jest bardzo różnorodne i rozległe. W jego twórczości znajdują się zarówno portrety uroczyste, jak i płótna miniaturowe i intymne. Wśród dzieł Borowikowskiego najbardziej znane były portrety V. A. Żukowskiego, G. R. Derzhavina, A. B. Kurakina i Pawła I.

Obrazy rosyjskich artystów

Obrazy rosyjskich artystów z XVIII wieku są pisane z miłością do człowieka, jego wewnętrznego świata i szacunku dla cnót moralnych. Styl każdego artysty z jednej strony jest bardzo indywidualny, z drugiej ma ich kilka wspólne cechy z innymi. Ten moment zdeterminował właśnie styl, który podkreśla charakter sztuki rosyjskiej w XVIII wieku.

Większość rosyjskich artystów XVIII wieku:

1. „Młody malarz” Druga połowa lat 60. XVIII wieku Autor Ivan Firsov jest najbardziej zagadkowym artystą XVIII wieku. Obraz przedstawia chłopca w mundurze, który maluje portret małej, pięknej dziewczynki.
2. „Pożegnanie Hektora z Andromachą”, 1773 Autor Anton Pawłowicz Łosenko. Ostatni obraz artysty. Przedstawia scenę z szóstego pieśni Iliady Homera.
3. „Kamienny most w Gatchinie w pobliżu placu Connetable”, 1799-1801. Autor Siemion Fiodorowicz Szczedrin. Zdjęcie przedstawia widok poziomy.

I nadal

Rosyjscy artyści XVIII wieku wciąż próbowali ujawniać prawdę i prawdziwe charaktery ludzi, mimo warunków pańszczyźnianych i życzeń zamożnych klientów. Gatunek portretowy w XVIII wieku ucieleśniał specyficzne cechy narodu rosyjskiego.

Niewątpliwie można powiedzieć, że Dzieła wizualne XVIII wiek nie był pod wpływem kultura europejska, ale doprowadziło to do rozwoju narodowych tradycji rosyjskich.

Piękno XVII-XVIII wieku.

Ninon de Lanclos to słynna francuska kurtyzana, jedna z najbardziej uroczych kobiet i znane kobiety XVII wiek, chociaż nazywanie jej kurtyzaną nie jest do końca sprawiedliwe, ponieważ. nie zrobiła z tego zawodu, a pieniądze nie grały dla niej żadnej roli, nie handlowała swoimi wdziękami, ale dawała je tym, których lubiła, i natychmiast opuszczała kochanka, gdy tylko ją znudził. Pewnego dnia Ninon odmówił kardynałowi Richelieu, który zaoferował pięćdziesiąt tysięcy koron, jeśli zgodziła się zostać jego kochanką.

„Wdzięczna, znakomicie zbudowana brunetka, o karnacji o olśniewającej bieli, z lekkim rumieńcem, z dużymi niebieskimi oczami, w których widać było jednocześnie przyzwoitość, roztropność, szaleństwo i zmysłowość, o ustach o pysznych zębach i uroczym uśmiechu, Ninon nosiła się szlachetnie, ale bez dumy, z niesamowitą gracją." Tak jedna z jej współczesnych opisała trzydziestoletnią już kurtyzanę.
:
Co więcej, pozostała bardzo atrakcyjna do późnej starości. Hrabia Choiseul, późniejszy marszałek Francji, zakochał się i zaczął zabiegać o Ninon, gdy miała sześćdziesiąt lat, chociaż on był o dwadzieścia lat młodszy. Kiedy Ludwik 14 – „Król Słońce” pragnął zobaczyć słynną Ninon, wyraził ubolewanie, że „ta niesamowita kobieta odmówiła udekorowania swego dworu blaskiem swojej ironii i wesołości”. Rzeczywiście, kiedy wszechpotężna kochanka Maintenon zaoferowała jej miejsce na dworze, Ninon odpowiedział: „Na dworze musisz być dwulicowy i mieć rozwidlony język, a dla mnie jest już za późno na naukę hipokryzji… Ninon można uznać za „matkę chrzestną” Voltaire'a. Rok przed śmiercią poznała dziesięcioletniego chłopca o imieniu Arue, aspirującego poetę, dostrzegła w nim talent i zostawiła mu 2000 franków w swoim zamiarze zakupu książek. do końca jego dni zachowały się najcieplejsze wspomnienia „pięknej ciotki”.

Dwie pierwsze z reprezentowanych piękności XVIII wieku zasłynęły nie tylko z niezwykłej urody, ale także w pewnym stopniu wpłynęły na politykę zagraniczną. Pierwsza żyła w epoce Katarzyny, druga - w czasach Napoleona Bonaparte.

Sofya Witt - Pototskaya.

W wieku 13 lat ta mała zubożała Greczynka wraz z siostrą została sprzedana przez własną matkę. Starsza siostra została konkubiną, która kupiła im komendanta Kamenetz-Podolsky Joseph Witt, ale dość szybko się nim znudził, wtedy Witt zwrócił uwagę na Sophię, która dorosła i zaczęła wyrastać na niezwykłą piękność. Ale to nie było, to było, Sophia miała nie tylko urodę (i podobno dużo zaufania do niej), ale także charakter. W rezultacie zubożały włóczęga stał się nie konkubiną, lecz żoną najpierw komendanta Witta, a potem szlachetnego i bajecznie bogatego polskiego pana S. Potockiego. Między nimi urzekła także feldmarszałka Saltykowa, a nawet Jego Najjaśniejszej Wysokości Księcia Potiomkina swoimi wdziękami. W pewnym stopniu przyczyniła się do przyłączenia Polski do Rosji, bo. podpisanie stosownej ustawy zależało od Potockiego. „Chypi lis” Potiomkin wysłał Sofyę Witt do Warszawy, praktycznie postawił na nią zakład i nie przegrał. Stanisław Potocki zakochał się w pięknej kobiecie bez pamięci i faktycznie wybrał tę drugą między wolnością Ojczyzny a Zofią. Dla kobiety, którą kochał, Potocki urządził fantastyczny park, tzw. „Sofiyivkę”, którego otwarcie zbiegło się w czasie z urodzinami Zofii. Goście byli zachwyceni luksusem. Głównym cudem było wyjście hrabiny - pojawiła się w świetle tysiąca fajerwerków, otoczona "najadami", ubrana w grecką tunikę z diamentowym diademem na rozpuszczonych włosach. A na ciemnym niebie paliły się i iskrzyły litery C i P - Sofya Pototskaya.

Hrabina jednak nie doceniła takiej miłości i wkrótce zdradziła męża z jego synem, niepoprawnym graczem Jurijem. Hrabia nie przeżył podwójnej zdrady, a Sophia pozostała bogata i wolna. Zerwała z młodym kochankiem dopiero wtedy, gdy stracił cały swój majątek i zaciągnął ogromne długi. Pod koniec życia Sophia zajmowała się biznesem, a nawet działalnością charytatywną. Jej życie było jak powieść przygodowa, a jej śmierć mistyczna legenda. Po trzęsieniu ziemi w Humaniu zawaliła się świątynia, w której pochowano Zofię, a wśród ruin zamigotała trumna, najwyraźniej wywleczona na powierzchnię przez wstrząsy. Ludzie mówili, że ziemia nie akceptuje hrabiny-grzesznicy. Ostatecznie prochy Potockiej spoczęły na wiejskim cmentarzu.

Emma Hamilton - żona ambasador brytyjski w Neapolu lord Hamilton, którym stała się wyłącznie ze względu na swoją nieziemską urodę, ponieważ miała całkowicie niegodne pochodzenie. Przed spotkaniem z Hamiltonem Emma była modelką i aktorką (reprezentującą „żywe obrazy” oparte na dziełach sztuki) i była bardzo popularna, nawet Goethe jest uważany za wielbiciela jej sztuki.

Po spotkaniu z angielskim admirałem Nelsonem Emma zakochała się w nim do końca życia, tak jak on w niej. Będąc przyjazną i wywierającą pewien wpływ na królową Neapolu, a za jej pośrednictwem na króla Ferdynanda, w dużej mierze pomogła flocie brytyjskiej w walce z Napoleonem. Ale po śmierci Nelsona pozostała ze swoją córeczką bez żadnego wsparcia i zmarła w biedzie. To niezwykłe i urocza kobieta poświęcona wielu książkom i filmom, a także piosence w wykonaniu A. Malinina.

Romantyczny i zarazem tragiczny wizerunek Lady Hamilton w filmie o tym samym tytule stworzył jeden z najbardziej piękne aktorki- Vivien Leigh.

Księżniczka Maria Cantemir jest córką mołdawskiego władcy Dmitrija Cantemira, siostrą poety Antiocha Cantemira i ostatnią miłością Piotra 1.

Lata dzieciństwa spędziła w Stambule, gdzie jej ojciec, zgodnie z długą tradycją, był właściwie zakładnikiem tureckiego sułtana. Niemniej jednak Maria otrzymała wówczas doskonałe wykształcenie: studiowała starożytną grekę, łacinę, Włoski, podstaw matematyki, astronomii, retoryki, filozofii, lubił literaturę i historię starożytnej i zachodnioeuropejskiej, rysunek, muzykę. Pod koniec 1710 r. rodzina wróciła do Rosji. Maria po raz pierwszy spotkała Piotra 1 w domu ojca, w posiadłości pod Moskwą. Po przeprowadzce do Petersburga została kochanką cara, czemu nie zapobiegł jej ojciec, który marzył o małżeństwie z władcą i z jego pomocą wyzwolić Mołdawię spod jarzma osmańskiego. A Piotr 1 chciał otrzymać dziedzica od Marii, na co carina Katarzyna nie mogła pozwolić, która zrobiła wszystko, co możliwe, aby to dziecko się nie narodziło. Po urodzeniu martwego chłopca Maria i jej ojciec wyjechali do swojej posiadłości Oryol, gdzie wkrótce zmarł władca. I wkrótce odszedł Piotr 1. Niedawno, w dniu telewizja centralna Pokazano film o miłości cesarza i mołdawskiej księżniczki, w którym wizerunek Maryi odtworzyła Elizaveta Boyarskaya.

Aleksandra Pietrowna Struyskaya (z domu Ozerowa) - jej nieziemskie rysy oddaje portret F. Rokotowa, najprawdopodobniej portret, a raczej sparowane portrety nowożeńców, został zamówiony u artysty zaraz po ślubie Struyskich, czyli Aleksandrze Pietrowna ma na nim około 18 lat.

Portret Struyskiej zainspirował poetę Nikołaja Zabołockiego do napisania jednego ze swoich najlepszych wierszy „Kochaj malarstwo, poeci”.
... Czy pamiętasz, jak z ciemności przeszłości,
Ledwo owinięty w satynę
Z portretu Rokotowa ponownie
Czy Struyskaya na nas spojrzała?
Jej oczy są jak dwie chmury
Pół uśmiech, pół płacz
Jej oczy są jak dwa kłamstwa
Pokryty mgłą awarii...
Kiedy nadejdzie ciemność
I nadchodzi burza
Z dna mojej duszy migocze
Jej piękne oczy.

Madame Recamier (Julie Bernard) jest bez wątpienia najpiękniejszą kobietą we Francji podczas Rewolucji Francuskiej, urodzoną w 1777 roku w rodzinie drobnego urzędnika i jego pięknej żony. Kiedy dziewczyna nie miała jeszcze 16 lat, wyszła za mąż za bankiera Jacquesa Recamiera, który był od niej starszy o 26 lat. Relacje między małżonkami były raczej przyjazne, Recamier dał swojej młodej żonie całkowitą swobodę, z której rozsądnie korzystała. Otrzymana w prezencie od męża piękny dom w Paryżu zorganizowała własny salon, który wkrótce stał się bardzo popularny.

Urok Julie, jej umysł i poglądy polityczne przyciągnęła do swojego salonu wiele znanych osób. Jeden z jej współczesnych, pan Lemonnier, pisał o niej w ten sposób: „Madame Recamier nigdy nie nosi diamentów, jej suknia o wykwintnej prostocie nie pozwala na nic poza perłami… Jej uroda ma tę cechę, że jest na początku bardziej atrakcyjna niż oślepiająca widok. Im więcej ją widzisz, tym piękniej ją znajdziesz. Julie posiadała niesamowitą grację, wyjątkową wewnętrzną rytm muzyczny i bez wątpienia jej uroda nie miała sobie równych w Europie. Zgodnie z ówczesną modą nosiła przezroczyste sukienki, które nie kryły jej nienagannych form, przypominających antyczny posąg. Ale wygląd nie jest głównym powodem, dla którego jej salon przez kilkadziesiąt lat był jednym z głównych ośrodków literackich, politycznych, intelektualnych Francji, a może i całej Europy. Posiadała nie tylko piękno i urok, ale także niesamowity talent do przyciągania niezwykłych osobowości. W jej salonie w różnych latach weszło najwięcej sławni ludzie z tamtej epoki: naukowiec Andre - Marie Ampère, Eugene Beauharnais, Bernadotte - przyszły król Szwecji, pisarze Prosper Marime i Stendhal, artyści J-L. David i Eugene Delacroix. To był kolor sztuka francuska i nauki, nazwy zawarte w kultura światowa Madame Recamier zdołała ich wszystkich zjednoczyć.
Zaprzyjaźnia się m.in. z Honore de Balzac i Victorem Hugo, a także słynną Madame de Stael, z którą Juliette była wówczas związana na wiele lat przyjaźni. Niesamowita uroda Julie przyciągnęła do niej wielu fanów, m.in. Książę Prus August. Książę zakochał się w Juliette, a to był mężczyzna w odpowiedzi na miłość, której serce po raz pierwszy zabiło mocniej. Książę August chciał poślubić Julie, ona też tego chciała, ale nie mogła zerwać z mężem, litując się nad nim, który już zestarzał się i prawie zubożał.
W 1803 roku Napoleon wypędził Madame de Stael z Paryża, a Juliette otwarcie sprzeciwia się władzom: „Człowiek, który wyrzuca taką kobietę… nie może być w moim umyśle niczym innym niż bezwzględnym despotą. Od teraz cała moja istota jest przeciwko niemu”.
Fouchet, jeden z jej ówczesnych przyjaciół, bardzo chciał przedstawić ją na dworze, a nawet zasugerował możliwość Madame Recamier intymne relacje między nią a cesarzem. Piękna Julie z dumą odrzuciła taką perspektywę. Ale jej urok jest tak wielki, że nawet nadworny malarz Napoleona J.L. David nie mógł się oprzeć namalowaniu portretu kobiety, która weszła Historia Francji nieubłagany przeciwnik Napoleona Bonaparte. Jego najsłynniejszy „Portret Madame Recamier” znajduje się obecnie w Luwrze. Później zainspirowała innego wielkiego artystę – Francois Gerarda, a następnie rzeźbiarza, pana Shinara, który stworzył piękne popiersie Madame Recamier.
W 1811 Bonaparte wydalił Madame Recamier z Paryża. W 1813 r. we Włoszech ściśle zbiega się z królową Hortensą i Karoliną Murat, a w Rzymie jej francuski salon ma taką samą siłę przyciągania jak w Paryżu. Wśród jego gości byli Balanche i rzeźbiarz Canova, który wykonał jej popiersie, które później przerobił na Beatrice Dantego.
Kiedy Julie skończyła 40 lat, nagle zapomniała o swojej zasadzie budowania relacji z mężczyznami wyłącznie na zasadzie przyjaźni i zakochała się, namiętnie i na długi czas. Był to słynny pisarz René Chateaubriand.
. „Piękno niespotykane w Europie, splamiony honor i szlachetny charakter – jakie inne bogactwo jest potrzebne w tym smutnym życiu” – to słowa o niej pani de Stael. Znacznie później inna znana kobieta, Anna Achmatowa, napisała: „Znowu Madame Recamier jest dobra, a Goethe jest jak Werther młody”.

A imię Madame Recamier zaczęto nazywać typem kanapy, na której leży na słynnym obrazie Jacques Louis David.

Wśród wielu artystów rosyjskich i zagranicznych, którzy pracowali w Rosji, można śmiało nazwać wybitnych mistrzów portretu w XVIII wieku

AP Antropowa, I.P. Argunova, F.S. Rokotowa, D.G. Levitsky, V.L. Borowikowski.

Na jego płótnach A.P. Antropow i I.P. Argunow starał się przedstawić nowy ideał osoby - otwarty i energiczny. Wesołość, podkreślenie święta żywe kolory. Godność przedstawionych, ich mięsistość została przekazana za pomocą pięknych ubrań i uroczystych statycznych póz.

A.P. Antropow i jego obrazy

Autoportret A.P. Antropowa

W pracy A.P. Antropow, nadal jest zauważalny związek z malowaniem ikon. Mistrz maluje twarz ciągłymi pociągnięciami, a ubrania, dodatki, tło - swobodnie i szeroko. Artysta nie „łasi się” przed szlachetnymi bohaterami swoich obrazów. Maluje je takimi, jakimi są naprawdę, bez względu na to, jakich cech, pozytywu czy negatywu, nie posiadają (portrety M.A. Rumiancewej, A.K. Woroncowej, Piotra III).

Do najsłynniejszych dzieł malarza Antropowa należą portrety:

• Izmaiłow;
• AI i P.A. Koliczyow;
• Elżbieta Pietrowna;
• Piotra I;
• Katarzyna II z profilu;
• ataman F. Krasnoszczekow;
• książka portretowa. Trubieckoj

I.P. Argunov - portrecista XVIII wieku

I.P. Argunow „Autoportret”

Opracowując koncepcję portretu narodowego, I.P. Argunow szybko i łatwo opanował język malarstwa europejskiego i porzucił stare tradycje rosyjskie. W jego dziedzictwie wyróżniają się ceremonialne portrety retrospektywne, które namalował z życiowych obrazów przodków P.B. Szeremietiew. W jego twórczości przewidziano malarstwo następnego stulecia. Staje się twórcą portretu kameralnego, w którym dużą wagę przywiązuje się do wysokiej duchowości obrazu. Był to portret intymny, który w XIX wieku stał się bardziej powszechny.

I.P. Argunov „Portret nieznanej kobiety w stroju chłopskim”

Najważniejszymi obrazami w jego twórczości były:

• Jekaterina Aleksiejewna;
• P.B. Szeremietiew w dzieciństwie;
• Szeremietiewowie;
• Katarzyna II;
• Ekaterina Aleksandrovna Lobanova-Rostowskaja;
• nieznany w chłopskim stroju.

F.S. Rokotov - artysta i obrazy

Nowy etap w rozwoju tej sztuki wiąże się z nazwiskiem rosyjskiego portrecisty – F.S. Rokotowa. Gra uczuć, zmienność ludzka natura przekazuje w swoich dynamicznych obrazach. Świat wydawał się malarzowi uduchowiony, podobnie jak jego postacie: wieloaspektowe, pełne liryzmu i człowieczeństwa.

F. Rokotov „Portret nieznanego mężczyzny w przekrzywionym kapeluszu”

F.S. Rokotov pracował w gatunku portretu pół-sukienki, kiedy osoba była przedstawiana po pas na tle budynków architektonicznych lub krajobrazu. Wśród jego pierwszych prac są portrety Piotra III i Grigorija Orłowa, siedmioletniego księcia Pawła Pietrowicza i księżnej E.B. Jusupowa. Są eleganckie, ozdobne, kolorowe. Obrazy namalowane są w stylu rokoko, z jego zmysłowością i emocjonalnością. Dzięki pracom Rokotowa można poznać historię jego czasów. Cała zaawansowana elita szlachecka dążyła do uchwycenia na płótnach pędzla wielkiego malarza.

Portrety kameralne Rokotowa charakteryzują: obraz popiersia, zwrócenie się do widza o , tworzenie objętości przez złożone formowanie światła i cienia, harmonijne połączenie tonów. Z pomocą danych środki wyrazu artysta tworzy pewien rodzaj płótna, które przedstawia honor, godność, duchową łaskę osoby (portret „Nieznanego człowieka w przekrzywionym kapeluszu”).

F.S. Rokotov „Portret A.P. Struyskiej”

Szczególnie godne uwagi były młodzieńcze i kobiece obrazy artysty, a nawet rozwinął się pewien typ Rokotowskiego kobiety (portrety A.P. Struyskiej, E.N. Zinowiewej i wielu innych).

Oprócz już wymienionych, sławę przyniosły prace F.S. Rokotowa:

• W I. Majkow;
• Nieznany w kolorze różowym;
• W.E. Nowosilcewa;
• PN Lanskoj;
• Surowcewa;
• AI i I.I. Woroncow;
• Katarzyna II.

D.G.Levitsky

D.G.Levitsky Autoportret

Mówiono, że portrety D. G. Levitsky'ego odzwierciedlały cały wiek Katarzyny. Kogokolwiek portretował Lewicki, działał jako subtelny psycholog i z pewnością przekazywał szczerość, otwartość, smutek, a także narodowe cechy ludzi.

Jego najwybitniejsze prace: portret A.F. Kokorinov, seria portretów „Smolanka”, portrety Dyakowej i Markerowskiego, portret Agashi. Wiele prac Lewickiego uważa się za pośrednie między portretami ceremonialnymi i kameralnymi.

D.G. Lewicki „Portret A.F. Kokorinowa”

Lewicki połączył w swojej pracy dokładność i prawdziwość obrazów Antropowa i tekstów Rokotowa, dzięki czemu stał się jednym z najwybitniejszych mistrzów XVIII wieku. . Jego najbardziej znane prace to:

• E. I. Nelidowa
• M. A. Lwow
• N. I. Novikova
• A. W. Chrapowicki
• Mitrofanowowie
• Bakunina

V.L.Borovikovsky - mistrz sentymentalnego portretu

Portret V.L. Borovikovsky'ego, art. Bugaevsky-blagodatny

Osobowość krajowego mistrza tego gatunku V.B. Borovikovsky kojarzy się ze stworzeniem sentymentalny portret. Jego miniatury i portrety olejne przedstawiały ludzi z ich przeżyciami, emocjami, oddawały wyjątkowość ich wewnętrznego świata (portret M.I. Lopukhiny). Wizerunki kobiet miały pewną kompozycję: kobieta została przedstawiona na naturalnym tle, po pas, opierała się o coś, trzymając w rękach kwiaty lub owoce.

V.L.Borovikovsky „Portret Pawła I w stroju Zakonu Maltańskiego”

Z biegiem czasu obrazy artysty stają się typowe dla całej epoki (portret generała F. A. Borowskiego), dlatego artysta nazywany jest także historiografem swoich czasów. Peruwiański artysta posiada portrety:

• V.A. Żukowski;
• „Lizanka i Dashenka”;
• G.R. Derżawin;
• Paweł I;
• A.B. Kurakina;
• „Brody z córkami”.

Dla rozwoju malarstwa rosyjskiego stał się XVIII wiek punkt zwrotny. Portret staje się wiodącym gatunkiem . Artyści przejęli techniki malarskie i podstawowe techniki od swoich europejskich kolegów. Ale skupiamy się na osobie z własnymi doświadczeniami i uczuciami.

Rosyjscy portreciści starali się nie tylko przekazać podobieństwo, ale także odzwierciedlić na swoich płótnach duszę i wewnętrzny świat swoich modeli. Jeśli Antropow i Argunow starali się, pokonując konwencje, wiernie przedstawić osobę, to Rokotow, Lewicki i Borowikowski poszli dalej. Osobowości duchowe spoglądają ze swoich płócien, których nastrój został uchwycony i przekazany przez artystów. Wszyscy dążyli do ideału, śpiewali piękno w swoich pracach, ale piękno ciała było tylko odzwierciedleniem człowieczeństwa i duchowości tkwiącej w narodzie rosyjskim.