Poussin krótko. Sztuka francuska XVII wiekuMalarstwo francuskie XVII wieku

W drugiej połowie XVII wieku we Francji oficjalnym nurtem sztuki stał się klasycyzm. Jednak w rzeźbie i malarstwie jest to trudniejsze niż w architekturze, tutaj wielki wpływ baroku jest nadal widoczny. Mimo to klasycyzm zdobył swoje pozycje.

Jak już wspomniano, klasycyzm powstał na szczycie społecznego zrywu narodu francuskiego i państwa francuskiego. Podstawą teorii klasycyzmu był racjonalizm, starożytność służyła jako ideał estetyczny. Dzieła klasycyzmu zostały ogłoszone tylko jako piękne i wzniosłe, zgodnie ze starożytnymi ideałami.

Nicolas Poussin stał się twórcą nurtu klasycyzmu w malarstwie francuskim XVII wieku. Już w latach studenckich Poussin zainteresował się sztuką renesansu i starożytności. Udał się doskonalić swoje umiejętności we Włoszech, pobierał lekcje w Wenecji, w Rzymie, bezwiednie podziwiając barokowe malarstwo Caravaggia.

Tematyka płócien Poussina jest różnorodna: mitologia, historia, Nowy i Stary Testament. Bohaterowie Poussina - ludzie silne postacie i majestatyczne czyny, wysokie poczucie obowiązku wobec społeczeństwa i państwa. Jego obrazy są poetycko wysublimowane, we wszystkim panuje miara i porządek. Kolorystyka zbudowana jest na współbrzmieniu mocnych, głębokich tonów. Jednak najlepsze prace Poussina pozbawione są zimnej racjonalności.

W pierwszym okresie twórczości dużo pisze o starożytnej historii. Jedność człowieka i natury, szczęśliwy, harmonijny światopogląd są charakterystyczne dla jego obrazów z tego okresu. Pierwiastek zmysłowy staje się w nim uporządkowany, rozsądny, wszystko nabrało cech heroicznego, wzniosłego piękna.

W latach czterdziestych w jego twórczości nastąpił przełom. Wiąże się to z przeprowadzką do Paryża, na dwór Ludwika XVIII, gdzie skromny i głęboki artysta czuł się bardzo niekomfortowo. Temat śmierci, kruchości i ziemskiej próżności wdziera się w tym czasie na obrazy Poussina. Liryczna spontaniczność opuszcza obrazy, pojawia się chłód i abstrakcja.

W ostatnich latach jego życia najlepsze stają się pejzaże Poussina, który stworzył wspaniały cykl obrazów „Pory roku”, który ma symboliczne znaczenie i uosabia okresy ziemskiej egzystencji człowieka.

Poussin zapożyczył bohaterów tego obrazu z wiersza „Metamorfozy” rzymskiego poety Owidiusza.
Polifem to cyklop, strasznie wyglądający jednooki olbrzym, który mieszkał na Sycylii, miał zły humor i niszczył wszystko, co przyszło mu do głowy. Nie zajmował się rzemiosłem, żył z tego, co dała natura i pasł stada. Pewnego dnia zakochał się w morskiej nimfie Galatea. Była jego całkowitym przeciwieństwem i to nie tylko zewnętrznie. Cyklopi w starożytnej mitologii uosabiają niszczycielskie siły, a nimfy są kreatywne, więc Polifem nie mógł liczyć na wzajemność. Galatea kochała Akisa, syna leśnego boga Pana.
Okiełznany swym wzniosłym uczuciem olbrzym przestał kruszyć skały, łamać drzewa i tonąć statki. Usiadł na przybrzeżnej skale i zaczął grać na stusamogłoskowym flecie. Wcześniej flet wydawał straszne dźwięki. Teraz wylała się z niej piękna pieśń i nimfy, zafascynowane melodią, przestały śmiać się z Polifema, Ich wiecznych zalotników satyrów, bóstw płodności z końskimi ogonami, rogami i kopytami, uspokoiło się; słuchał, siedząc na kamieniu, bóg rzeki. Sama natura zamilkła, wsłuchując się w muzykę, panował w niej spokój i harmonia. Taka jest filozofia krajobrazu Poussin: świat wygląda tak cudownie, gdy porządek zastępuje chaos. (Swoją drogą, chociaż postacie pochodzą z mitu, natura na płótnie jest prawdziwa, sycylijska).
Tymczasem zwiedziony w nadziei Cyklop znów puścił wodze jego złemu temperamentowi. Czekał na przeciwnika i zmiażdżył go kamieniem. Zasmucona Galatea zamieniła swojego ukochanego w przezroczystą rzekę.

Kiedyś, będąc w stanie depresji, Poussin namalował płótno - alegorię „Taniec ludzkiego życia”.

Artysta przedstawił cztery kobiety, personifikując przyjemności, bogactwa, biedy i pracy. Krążą w okrągłym tańcu przy akompaniamencie liry granej przez starca. To Chronos, znany Rzymianom jako Saturn. Według greckiego mitu Chronos był królem bogów przed Zeusem. Powiedziano mu, że jego własny syn go obali. Nie chcąc rozstawać się z władzą, wymyślił swego rodzaju wyjście z sytuacji: gdy tylko jego żona urodziła dziecko, Chronos go połknął. Pewnego dnia jego żona go oszukała: zamiast małego Zeusa podsunęła mężowi powijak. Zeus został potajemnie przetransportowany na wyspę Kretę, gdzie dorastał, po czym obalił ojca i zapanował na Olimpu.

W tym micie Chronos symbolizuje bezwzględny czas, wchłaniając to, co sam stworzył. A Poussin potrzebował go na zdjęciu, aby powiedział: czas mija, nie dba o to, a bogactwo zastępuje ubóstwo, przyjemność - praca.

Pozostało na zdjęciu zalążek(filar) z dwulicowym Janusem. To bóstwo czysto rzymskie. Jego imieniem nazwano miesiąc styczeń. Janus został przedstawiony z dwiema twarzami patrzącymi w różnych kierunkach, ponieważ wierzono, że był świadomy zarówno przeszłości, jak i przyszłości. "Tak było i będzie" - tak najwyraźniej pomyślał Poussin, wypisując zarodek.

Tłem dla okrągłego tańca jest płaski, pogodny krajobraz. Bóg słońca Helios jedzie po niebie złotym rydwanem. Tą drogą kroczy codziennie — bo słońce wschodzi każdego dnia — i widzi z góry czyny bogów i ludzi, ale w nic nie ingeruje. Swoją obecnością na płótnie Helios ma przypominać, że wieczna natura obojętny na ludzkie smutki i radości. Linie Puszkina są pod tym względem niezwykłe:

I znowu przy wejściu do trumny

Młodzi będą bawić się życiem

I obojętna natura

Zabłyśnij wiecznym pięknem.

Poussin przekazuje tutaj filozoficzne refleksje na temat śmierci i kruchości bytu. Akcja rozgrywa się tylko na pierwszym planie, jak w reliefie. Młody mężczyzna i dziewczynka przypadkowo natknęli się na nagrobek z napisem „A ja byłem w Arkadii”, czyli „A ja byłem młody, przystojny, szczęśliwy i beztroski – pamiętaj o śmierci!”. Postacie młodych ludzi przypominają antyczne rzeźby. Starannie dobrane detale, pogoń za rysunkiem, równowaga postaci w przestrzeni, nawet rozproszone oświetlenie - wszystko to tworzy pewną wysublimowaną strukturę, obcą wszystkiemu próżnemu i ulotnemu. Stoicka pokora przed losem, mądra akceptacja śmierci czyni postawę klasycyzmu powiązaną z antykiem.

Fabuła została zaczerpnięta z Metamorfoz Owidiusza.
Silenus, wychowawca i towarzysz boga uprawy winorośli i winiarstwa Bachusa, został schwytany przez chłopów i sprowadzony do Midasa, króla Frygii. Uwolnił Silenusa, a Bachus udzielił królowi, na jego prośbę, zdolności przemieniania w złoto wszystkiego, czego dotknie. Ale kiedy nawet jedzenie zaczęło zamieniać się w złoto, król żałował swojej chciwości i błagał o litość.
Bachus zlitował się nad Midasem i kazał mu wykąpać się w rzece Paktol. Midas wszedł do rzeki i natychmiast pozbył się niefortunnego prezentu, a Pactol stał się złotonośny.
Obraz przedstawia moment, w którym klęczący Midas dziękuje Bachusowi za wyzwolenie z fatalnego daru. W tle widać mężczyznę klęczącego nad rzeką, najwyraźniej szukającego złota w rzecznym piasku.

Chryzmacja to sakrament, w którym poprzez namaszczenie krzyżmem przekazuje się ochrzczonemu moc łaski Bożej, aby umocnić go w życiu duchowym.
Dokonuje go kapłan lub biskup poprzez namaszczenie krzyżmem czoła i innych części ciała z wymową słów „Pieczęć daru Ducha Świętego. Amen”. Bierzmowania dokonuje się na osobie tylko raz w życiu, zwykle po sakramencie chrztu.
Na zdjęciu odbywa się sakrament bierzmowania małych dzieci przywiezionych przez matki. Dla jednego dziecka kapłan smaruje czoło mirrą, a obok niego matka i córka przygotowują się do Sakramentu, klęcząc. Jednemu dziecku ksiądz wmawia, że nic złego się nie stanie, wszystko będzie dobrze. Obraz oddaje nastrój podniecenia, powagi, poczucia przynależności do wielkiego wydarzenia.

Meleager jest synem władcy królestwa kalydońskiego w Etolii. Dorastał odważnie przystojny młody mężczyzna i razem z Argonautami udali się do Kolchidy. Podczas jego nieobecności jego ojciec zapomniał złożyć coroczny hołd Dianie, a bogini, jako karę za to, wysłała do jego królestwa potwornego dzika, który pożerał ludzi i spustoszył pola. Wracając z kampanii, Meleager zebrał wszystkich dzielnych ludzi Grecji i zorganizował wielkie polowanie, podczas którego mieli złapać lub zabić dzika.
Na wezwanie Meleagera odpowiedziało wielu bohaterów, w tym piękna Atalanta. Ta księżniczka wiodła życie pełne przygód, bo gdy się urodziła, jej ojciec zdenerwował się, że zamiast długo oczekiwanego syna urodziła się córka, kazał ją zabrać na Górę Partenum i dać na pożarcie dzikim zwierzętom. Ale przechodzący myśliwi zobaczyli niedźwiedzia, który karmił dziecko, które wcale się jej nie bało, i litując się nad dziewczyną, przywieźli ją do domu i wychowali na prawdziwego myśliwego.
Wielkie polowanie kalydońskie prowadzili Meleager i Atalanta, którzy zakochali się w sobie. Dzielnie ścigali bestię, a za nimi pogalopowali inni myśliwi. Dzik uciekł, a potem Atalanta zadała mu śmiertelną ranę, ale umierając, bestia prawie ją zabiła, gdyby Meleager nie przybył na czas i go wykończył.

Kiedy Mojżesz spędził czterdzieści dni i nocy na górze Synaj rozmawiając z Bogiem, lud izraelski miał dość czekania na niego. Potrzebowali nowego przewodnika, który poprowadzi ich i wskaże im drogę do Ziemi Obiecanej. I poprosili Aarona, starszego brata Mojżesza, aby wykonał posąg pogański bóg czcić go.
Aaron zebrał złote ozdoby od wszystkich kobiet i wrzucił je do złotego cielca.
Przed wypolerowanym cielęciem, które jasno świeciło w słońcu, postawił ołtarz. Wszyscy patrzyli na niego, jakby był cudem. Aaron obiecał zorganizować następnego dnia wielkie święto. Następnego dnia wszyscy przebrali się w odświętne stroje. Aaron złożył na ołtarzu całopalenie. Potem wszyscy zaczęli jeść, pić, tańczyć wokół złotego cielca i chwalić Aarona za pojawienie się pięknego złotego boga.
Pan to wszystko zobaczył, bardzo się zdenerwował i nakazał Mojżeszowi zejść do ludu, ponieważ popełniali niesprawiedliwy czyn. „Twój lud jest zepsuty”, powiedział do Mojżesza, „który wyprowadziłeś z ziemi egipskiej”.
Kiedy Mojżesz zobaczył taniec wokół złotego cielca, rozgniewał się gniewem, podszedł do ołtarza i wrzucił cielę do ognia.
Następnie oddzielił tych, którzy uznają prawa Pana, od tych, którzy ich nie uznają. Ci, którzy chcieli służyć złotemu cielcowi, zostali zabici przez synów Lewiego. Następnie Pan powiedział Mojżeszowi, aby prowadził lud.

Wspaniały muzyk i piosenkarz Orfeusz podbił swoim talentem nie tylko ludzi, ale nawet bogów i samą naturę. Był żonaty z piękną nimfą Eurydice, którą bardzo kochał. Ale szczęście nie trwało długo. Eurydyka ugryziona trujący wąż a Orfeusz został sam.
Z żalu, który na niego spadł, Orfeusz wpadł w głęboka depresja. Śpiewał smutne piosenki na cześć swojej zmarłej żony. Drzewa, kwiaty i zioła opłakiwały wraz z nim Eurydykę. Zdesperowany Orfeusz zszedł do podziemia królestwo umarłych boga Hadesa, do którego dusze zmarłych udały się, aby spróbować uratować stamtąd ukochaną.
Po dotarciu do straszliwej podziemnej rzeki Styks Orfeusz usłyszał głośne jęki dusz zmarłych. Przewoźnik Charon, który przewoził dusze na drugą stronę, odmówił zabrania go ze sobą. Następnie Orfeusz prowadził struny swojej złotej cythary i śpiewał. Charon słuchał, a mimo to przeniósł piosenkarza do Hadesu.
Nie przestając grać i śpiewać, Orfeusz skłonił się przed Bogiem męt. W piosence mówił o swojej miłości do Eurydyki, życie bez niej straciło sens.
Całe królestwo Hadesu zamarło, wszyscy słuchali smutnej spowiedzi piosenkarza i muzyka. Wszystkich poruszył smutek Orfeusza. Kiedy wokalista umilkł, w ponurym Hadesie zapanowała cisza. Następnie Orfeusz zwrócił się do Hadesa z prośbą o zwrócenie mu ukochanej Eurydyki, obiecując powrót tutaj z żoną na pierwszą prośbę. kiedy nadejdzie czas.
Hades wysłuchał Orfeusza i zgodził się spełnić jego prośbę, chociaż nigdy wcześniej tego nie robił. Ale jednocześnie postawił warunek: Orfeusz nie powinien oglądać się za siebie i zwracać się do Eurydyki przez całą podróż, w przeciwnym razie Eurydyka zniknie
Kochający małżonkowie wyruszają w drogę powrotną. Hermes z latarnią wskazał drogę. I wtedy pojawiła się sfera światła. Uradowany, że wkrótce znów będą razem, Orfeusz zapomniał o obietnicy złożonej Hadesowi i rozejrzał się. Eurydyka wyciągnęła do niego ręce i zaczęła się oddalać.
Orfeusz był skamieniały z żalu. Przez długi czas siedział na brzegu podziemnej rzeki, ale nikt do niego nie wyszedł. Przez trzy lata żył w głębokim żalu i smutku, a potem jego dusza udała się do królestwa umarłych do Eurydyki.

Narcyz to piękny młody człowiek, którego rodzicom powiedziano, że będzie żył aż podeszły wiek. ale nigdy nie widzi jego twarzy. Narcyz dorastał jako młody człowiek o niezwykłej urodzie, wiele kobiet szukało jego miłości, ale był obojętny na wszystkich. Kiedy Narcyz odrzucił namiętną miłość nimfy Echo, wyschła z żalu, tak że pozostał z niej tylko jej głos.Odrzucone kobiety zażądały, by bogini sprawiedliwości ukarała Narcyza. Nemezis wysłuchał ich modlitw.
Pewnego dnia, wracając z polowania, Narcyz zajrzał do jasnego źródła i po raz pierwszy zobaczył własne odbicie i był nim tak zachwycony, że zakochał się w nim namiętnie, w swoim odbiciu. Nie mógł oderwać się od kontemplacji samego siebie i umarł z miłości własnej.
Bogowie zamienili Narcyza w kwiat zwany narcyzem.

Obraz oparty jest na opowieści ze Starego Testamentu. Króla Salomona wyróżniał zdrowy osąd, doskonała pamięć, obszerny zasób wiedzy i znaczna cierpliwość. Uważnie słuchał ludzi, pomagał mądrymi radami. Za najważniejszy obowiązek uważał sędziowanie. I chwała tego sprawiedliwy proces rozprzestrzenił się w całej Jerozolimie.
W Jerozolimie mieszkały dwie młode kobiety, każda miała do niemowlęcia. Mieszkali razem i spali razem. Raz we śnie kobieta przypadkowo zmiażdżyła swoje dziecko, a on zmarł. Potem wzięła żywe dziecko od śpiącej sąsiadki i położyła je na swoim łóżku, a martwe położyła na nim. Rankiem druga kobieta zobaczyła obok siebie martwe dziecko i odmówiła przyjęcia go jako swojego, od razu widząc, że jest obcy. Oskarżyła sąsiadkę o oszustwo i fałszerstwo.
Jednak inna kobieta nie chciała się przyznać i nalegała sama, nie chcąc oddać żywego dziecka. Kłócili się przez długi czas iw końcu udali się do Salomona, aby ich osądzić.
Salomon wysłuchał każdego, po czym kazał słudze przynieść miecz i powiedział: „Moja decyzja jest taka. Jest was dwoje, żywe dziecko to jedno. Przetnij je na pół i niech każdy będzie pocieszony przez połowę ”. Jeden powiedział: „Niech to nie będzie ani dla mnie, ani dla ciebie, rąbaj”. A drugi powiedział: „Daj jej dziecko, tylko nie rąbaj”.
Salomon natychmiast zorientował się, kto jest matką żywego dziecka, a kto kłamcą. Powiedział swoim strażnikom: „Daj dziecko matce, która nie chciała, żeby umarł. Ona jest prawdziwą matką dziecka”.

Świątynia Jerozolimska jest budynkiem religijnym, centrum życia religijnego narodu żydowskiego między X wiekiem p.n.e. i I wiek n.e. Był obiektem pielgrzymek wszystkich Żydów trzy razy w roku.
W latach 66-73 doszło do powstania antyrzymskiego. Po stłumieniu tego powstania armia rzymska pod wodzą Tytusa przystąpiła do oblężenia Jerozolimy. Od samego początku oblężenia wokół świątyni koncentrowały się działania wojenne.
Oblężenie i walki trwały pięć miesięcy, jednak wielokrotne próby zdobycia muru dziedzińca świątynnego przez Rzymian kończyły się niepowodzeniem do czasu, gdy Tytus nakazał podpalić bramy świątyni. Świątynia płonęła. Rebelianci trzymający świątynię walczyli do końca i kiedy budynek spłonął. wielu z nich rzuciło się w ogień. Świątynia płonęła przez 10 dni, po czym Jerozolima została obrócona w gruzy. Wzgórze świątynne, na którym stała świątynia, zostało zaorane. Prawie 100 000 mieszkańców zostało schwytanych przez Rzymian.

Według opowieści rzymskich historyków w Rzymie mieszkali głównie mężczyźni, ponieważ. sąsiednie plemiona nie chciały wydać swoich córek za mąż biednym rzymskim zalotnikom. Następnie Romulus urządził ucztę i zaprosił sąsiadów Sabinów wraz z rodzinami. Podczas wakacji Rzymianie nagle rzucili się na nieuzbrojonych gości i ukradli im dziewczyny.
Oburzeni sąsiedzi rozpoczęli wojnę. Rzymianie z łatwością pokonali łacinników, którzy zaatakowali Rzym. Jednak wojna z Sabinami była znacznie trudniejsza. Z pomocą córki głowy kapitolińskiej fortecy Tarpei, Sabinowie przejęli Kapitol. Walka trwała bardzo długo.
Sabinowie pod dowództwem króla Tytusa Tacjusza ostatecznie pokonali Rzymian i zmusili ich do ucieczki. Romulus wezwał bogów i obiecał zbudować świątynię Jowiszowi Statorowi (Założycielowi), jeśli powstrzyma zbiegów. Sytuację uratowały jednak porwane wcześniej kobiety Sabine, które wraz z nowonarodzonymi dziećmi, z rozpuszczonymi włosami i podartymi ubraniami, rzuciły się między walczące i zaczęły błagać o przerwanie walki.
Sabinowie zgodzili się, podobnie jak Rzymianie. Zawarto wieczny pokój, zgodnie z którym oba narody zjednoczyły się w jedno państwo pod najwyższym przywództwem Tytusa Tacjusza i Romulusa. Rzymianie musieli nosić oprócz swojego imienia także imię Sabine - Quirites, religia stała się powszechna.

W centrum obrazu znajduje się Nereid Amfitryta, żona Neptuna. Siedzi na byku, którego ciało kończy się rybim ogonem, otoczony dużym orszakiem. Dwie Nereidy z szacunkiem wspierają łokieć i różowy welon Amfitryty, a dwa trytony trąbią o jej chwale.
Postać Neptuna jest przesunięta do krawędzi obrazu w lewo. Jedną ręką kontroluje trio szybko pędzących koni, a drugą trzyma trójząb, tradycyjny atrybut boga mórz. Jego wzrok zwrócony jest na piękną Amfitrytę.
Jeszcze bardziej w lewo, nad postacią Neptuna, widzimy rydwan bogini miłości Afrodyty w towarzystwie amorków iz zapaloną pochodnią w rękach.
Inne amorki obsypują głównych bohaterów różami i kwiatami mirtu, symbolizując pociąg miłosny i związek małżeński Neptuna i Amfitryty.
Jeden z amorków celuje z łuku w Neptuna, a strzały drugiego już dotarły do mężczyzny niosącego na ramionach piękną nimfę. Ale kto jest reprezentowany w tej scenie porwania? Twarz mężczyzny nie jest widoczna, zakryta jest dłonią, dlatego można przypuszczać, że jest tu przedstawiona Nereida Galatea, a zakochany w niej Cyklop Polifem, uważany za syna Neptuna. I jego gest staje się dla nas jasny: Cyklop był zewnętrznie brzydki, a artysta unikał przedstawiania brzydoty na swoim obrazie.

Nie każdy może złapać ptaka szczęścia za wielokolorowy ogon. I, niestety, nie każdy jest skazany na gloryfikowanie swojego imienia tak szeroko, jak to tylko możliwe. utalentowana osoba, który miał w swoim arsenale tylko kilka pędzli, paletę i płótno. Nicolas Poussin- wybitny francuski artysta i jeden z ojców założycieli, który stał u początków klasycyzmu.

W 1594 roku w Normandii, niedaleko miasteczka Les Andelys, urodził się chłopiec, który od dzieciństwa odnosił niesamowite sukcesy w rysowaniu. Po osiągnięciu pełnoletności Nikola wyjechał do stolicy Francji, aby poświęcić się ciężkiej pracy malarskiej. Talent w Paryżu młody człowiek zobaczył malarza portretowego Ferdynanda Van Elle, który został pierwszym nauczycielem Poussina. Po pewnym czasie miejsce nauczyciela zajął malarz Georges Lallement. Ta znajomość przyniosła Nicola podwójna korzyść: oprócz możliwości doskonalenia swoich umiejętności pod ścisłym okiem wybitnego mentora, Poussin uzyskał dostęp do Luwru, gdzie kopiował obrazy Artyści włoscy renesans.

Do tego czasu kariera młody artysta nabierał rozpędu, a jego głowa kręciła się od uświadomienia sobie, na jakie wysokości mógłby się wspiąć, gdyby nadal ciężko pracował. Dlatego, aby doskonalić swoje umiejętności, Poussin udał się do Rzymu - swoistej Mekki dla wszystkich artystów tamtych lat. Tutaj artysta aktywnie „skubał granit nauki”, studiując prace i. Koncentrując się na wielkich poprzednikach i komunikując się ze współczesnymi artystami, Poussin aktywnie zajmował się antykami i nauczył się mierzyć proporcje kamiennych rzeźb z fantastyczną dokładnością.

Artysta upatrywał źródła inspiracji w poezji, teatrze, traktatach filozoficznych i… tematy biblijne. To właśnie ta kulturowa baza pomogła mu potajemnie ukazać obraz swojej ówczesnej epoki w swoich obrazach. Bohater prac Nikoli to osoba wyidealizowana.

W Rzymie Nicolas Poussin gloryfikował swoje imię, autorytatywnemu mistrzowi powierzono malowanie katedr, wydano zamówienia na płótna o tematyce klasycznej lub historycznej. Jednym z nich był obraz „Śmierć Germanika”, oparty na twórczości historyka Tacyta. Został napisany w 1627 roku, artysta przedstawił na nim ostatnie minuty życia rzymskiego dowódcy.

Wyjątkowość płótna polega na tym, że łączyło w sobie absolutnie wszystkie cechy klasycyzmu, którego piękno dla Poussina znalazło odzwierciedlenie w proporcjonalności każdej części, klarowności kompozycji i sekwencji działań.

Po „Śmierci Germanika” i do 1629 roku artysta stworzył jeszcze kilka obrazów, wśród których szczególne miejsce zajmuje płótno „Zdjęcie z krzyża”.

Na obrazie, który znajduje się obecnie w Ermitażu, Poussin zwracał wielką uwagę na smutną twarz Maryi, przekazując żal całego ludu za zmarłym Zbawicielem. Złowieszcze czerwone tło i ciemne niebo to symbole zbliżającej się godziny odwetu za to, co zostało zrobione. Ale śnieżnobiałe szaty Jezusa Chrystusa jeszcze silniej kontrastują z szkarłatnym tłem obrazu. Stopy Zbawiciela zostały żałośnie objęte przez niewinne anioły.

W ciągu następnych kilku lat mistrz preferował tematy mitologiczne. W krótkim czasie namalowano obraz „Tankred i Erminia”, oparty na wierszu „Wyzwolona Jerozolima” Torquatta Tassa i obrazie „Królestwo Flory”, napisanym pod wpływem dzieł Owidiusza.

Tuż po zakończeniu prac, na zaproszenie kardynała Richelieu, Nicolas Poussin wraca do Paryża, by udekorować galerię Luwru. Rok później talentem artysty zainteresował się Ludwik XIII. Wkrótce uczynił Poussina pierwszym malarzem na dworze. Artysta zdobył upragnioną sławę, a rozkazy spadały na niego jak z rogu obfitości. Ale słodki smak triumfu Poussina zepsuli zawistni plotkarze z elity artystycznej, którzy w 1642 roku zmusili Mikołaja do opuszczenia Paryża i powrotu do Rzymu.

Od tego czasu do końca swoich dni Poussin mieszkał we Włoszech. Okres ten stał się dla artysty najbardziej owocny i bogaty w jasne dzieła, wśród których szczególne miejsce zajmuje cykl „Pory roku”.

Fabuła została oparta na wydarzeniach opisanych w: Stary Testament, które artysta alegorycznie porównał z porami roku, utożsamiając każdą z okresem narodzin, dorastania, starzenia się i śmierci. W jednej pracy Poussin pokazał także górzysty krajobraz Kanaanu słynącego z urodzaju oraz zbierających winogrona Abrahama i Lota jako symbol Boskiej hojności. A artysta przedstawił koniec grzesznego życia na ostatnie zdjęcie cykl, którego wygląd potrafi zadziwić nawet najbardziej wytrwałych widzów.

W ostatnich latach Poussin aktywnie malował pejzaże i pracował szybko, aby mieć czas na dokończenie początku obrazu. Artysta nie zdążył ukończyć tylko płótna „Apollo i Daphne”.

Nicolas Poussin wpisał swoje imię na równi ze wspaniałymi mistrzami, na których doświadczeniach kiedyś studiował.

Nicolas Poussin (francuski Nicolas Poussin; we Włoszech nazywany Niccolo Pussino (włoski Niccolò Pussino); 1594, Les Andelys, Normandia – 19 listopada 1665, Rzym) – francuski artysta, jeden z twórców malarstwa klasycyzmu. Znaczną część swojego aktywnego życia twórczego spędził w Rzymie, gdzie przebywał od 1624 r. i cieszył się patronatem kardynała Francesco Barberiniego. Zwracając uwagę króla Ludwika XIII i kardynała Richelieu, otrzymał tytuł pierwszego malarza króla. W 1640 przybył do Paryża, ale nie potrafił dostosować się do sytuacji na dworze królewskim i przeżył szereg konfliktów z czołowymi artystami francuskimi. W 1642 r. Poussin powrócił do Włoch, gdzie mieszkał do śmierci, wypełniając rozkazy francuskiego dworu królewskiego i nielicznej grupy światłych kolekcjonerów. Zmarł i został pochowany w Rzymie.

Katalog Jacquesa Thuilliera z 1994 r. wymienia 224 obrazy Poussina, których przypisanie nie budzi wątpliwości, a także 33 prace, których autorstwo można zakwestionować. Obrazy artysty powstają na podstawie historycznych, mitologicznych i historie biblijne, odznaczają się ścisłym racjonalizmem kompozycji i wyboru środki artystyczne. Krajobraz stał się dla niego ważnym sposobem wyrażania siebie. Jeden z pierwszych artystów, Poussin, docenił monumentalność lokalnego koloru i teoretycznie uzasadnił wyższość linii nad kolorem. Po jego śmierci jego zeznania stały się podstawy teoretyczne akademizm i działalność Królewskiej Akademii Malarstwa. Jego kreatywny sposób dokładnie przestudiowane przez Jacques-Louis David i Jean Auguste Dominique Ingres.
Na przestrzeni XIX-XX wieku oceny światopoglądu i interpretacji Poussina zmieniły się radykalnie.

Najważniejszym pierwotnym źródłem biografii Nicolasa Poussina jest zachowana korespondencja – łącznie 162 wiadomości. 25 z nich, napisanych po włosku, wysłano z Paryża do Cassiano dal Pozzo – rzymskiego patrona artysty – i datowano od 1 stycznia 1641 do 18 września 1642. Prawie cała pozostała korespondencja, od 1639 do śmierci artysty w 1665, jest pomnikiem jego przyjaźni z Paulem Freardem de Chantelou, doradcą dworskim i królewskim maitre d'. Te listy są napisane po francusku i nie udają, że są wysokie styl literacki, będąc ważnym źródłem codziennych zajęć Poussina. Korespondencja z Dal Pozzo została po raz pierwszy opublikowana w 1754 roku przez Giovanniego Bottari, ale w nieco zmienionej formie. Oryginalne litery są przechowywane w języku francuskim Biblioteka Narodowa. Publikację listów artysty, wydaną przez Didota w 1824 roku, biograf Poussina Paul Desjardins nazwał „sfałszowanymi”.

Pierwsze biografie Poussina opublikowali jego rzymski przyjaciel Giovanni Pietro Bellori, który służył jako bibliotekarz królowej Szwecji Krystyny, oraz André Felibien, który poznał artystę w Rzymie podczas pełnienia przez niego funkcji sekretarza ambasady francuskiej (1647), a następnie jako królewski historiograf. Książka Belloriego Vite de „Pittori, Scaltori ed Architetti moderni” była dedykowana Colbertowi i została opublikowana w 1672 roku. Biografia Poussina zawiera krótkie odręczne notatki na temat natury jego sztuki, które zachowały się w rękopisie w bibliotece kardynała Massimi. w połowie XX wieku stało się jasne, że „Uwagi o malarstwie”, czyli tak zwane „tryby” Poussina, to nic innego jak fragmenty traktatów antycznych i renesansowych. Francuski dopiero w 1903 roku.

Entretiens sur les vies et sur les ouvrages des plus excellents peintres anciens et modernes Félibiena ukazała się w 1685 roku. Poussin poświęcony jest 136 stron in-quarto. Według P. Desjardinsa to „prawdziwa hagiografia”. O wartości tej pracy nadało pięć długich listów opublikowanych w jej składzie, w tym jeden adresowany do samego Felibiena. Ta biografia Poussina jest również cenna, ponieważ zawierała osobiste wspomnienia Felibiena o jego wyglądzie, manierach i nawyki domowe. Felibien nakreślił chronologię twórczości Poussina, opartą na opowieściach jego szwagra, Jeana Dugueta. Jednak zarówno Bellori, jak i Felibien byli apologetami akademickiego klasycyzmu. Ponadto Włoch starał się udowodnić wpływ włoskiej szkoły akademickiej na Poussin.

To jest część artykułu w Wikipedii używanego na licencji CC-BY-SA. Pełny tekst artykułu tutaj →

Nicolas Poussin (19 listopada 1665, Rzym) – francuski artysta, który stał u początków malarstwa klasycyzmu. Przez długi czas mieszkał i pracował w Rzymie. Prawie wszystkie jego obrazy opierają się na tematyce historycznej i mitologicznej. Mistrz gonionej, rytmicznej kompozycji. Jeden z pierwszych, który docenił monumentalność lokalnego kolorytu.

Nicolas Poussin urodził się na farmie Villers niedaleko Les Andelys w Normandii. Jego ojciec Jean pochodzi z rodziny notariusza i weterana armii króla Henryka IV; dał swojemu synowi dobre wykształcenie. Jego matka, Marie de Laisement, była wdową po prokuratorze z Vernon i miała już dwie córki, Rene i Marie. Nie ma śladów dzieciństwa artysty, jedynie przypuszczenie, że studiował u jezuitów w Rouen, gdzie uczył się łaciny.

W tym samym miejscu, w swojej ojczyźnie, Poussin otrzymał inicjał Edukacja plastyczna: w 1610 studiował u Quentina Varena (fr. Quentin Varin?; ok. 1570-1634), który w tym czasie pracował nad trzema płótnami dla kościoła Najświętszej Marii Panny w Andelis, a obecnie zdobi kościół (fr. Collegiale Notre-Dame des Andelys?).

W 1612 Poussin wyjeżdża do Paryża, gdzie spędza najpierw kilka tygodni w pracowni malarza historycznego Georgesa Lallemanta (fr. Georges Lallemant?; ok. 1575-1636), a następnie ponownie Krótki czas, do portrecisty Ferdinanda van Elle (fr. Ferdinand Elle?; 1580-1649).

Około 1614-1615, po wycieczce do Poitou, spotkał się w Paryżu z Alexandre Courtois (Alexandre Courtois), lokajem królowej wdowy Marii Medycejskiej, opiekunem królewskich kolekcji sztuki i biblioteki, Poussin miał okazję odwiedzić Luwru i kopie malowideł włoskich artystów. Alexandre Courtois posiadał kolekcję rycin z obrazów Włochów Rafaela i Giulio Romano, która zachwyciła Poussina. Po zachorowaniu Poussin spędził trochę czasu z rodzicami, zanim wrócił do Paryża.

We wrześniu 1618 Poussin mieszkał na ulicy Saint-Germain-l'Auxerrois (fr. rue Saint-Germain-l "Auxerrois?) ze złotnikiem Jeanem Guillemenem, który również jadł obiad. Wyprowadził się z adresu 9 czerwca 1619. Około 1619 -1620, Poussin tworzy płótno "Św. Denis Areopagita" (patrz Dionizy Areopagita) dla paryskiego kościoła Saint-Germain-l'Auxerroy.

W 1622 r. Poussin ponownie wyrusza w drogę do Rzymu, ale zatrzymuje się w Lyonie, aby wypełnić rozkaz: paryskie kolegium jezuickie poleciło Poussinowi i innym artystom napisanie sześciu duże obrazy na podstawie scen z życia św. Ignacego Loyoli i św. Franciszka Ksawerego. Obrazy wykonane w technice a la detrempe nie zachowały się.

W 1623 r., prawdopodobnie na zlecenie arcybiskupa paryskiego de Gondi (francuski Jean-Francois de Gondi?; 1584-1654), Poussin wykonał na ołtarzu La Mort de la Vierge paryska katedra Notre Dame. To płótno, rozważane w XIX-XX wiek zaginął, został znaleziony w kościele w belgijskim mieście Sterrebeek. Cavalier Marino, z którym Poussin miał bliską przyjaźń, wrócił do Włoch w kwietniu 1623 roku.

W 1624 r. Poussin, już dość znany artysta, udał się do Rzymu i przy pomocy przyjaciela, kawalera Marino, został członkiem dworu papieskiego bratanka kardynała Barberiniego i papieskiego doradcy Marcello Sacchettiego. W tym okresie Poussin wykonywał rysunki i płótna o tematyce mitologicznej. W Rzymie Cavalier Marino zainspirował Poussina zamiłowaniem do studiowania włoskich poetów, których prace dostarczały artyście obfitego materiału do jego kompozycji. Był pod wpływem Carracciego, Domenichino, Rafaela, Tycjana, Michała Anioła, studiował traktaty Leonarda da Vinci i Albrechta Dürera, szkicował i mierzył starożytne posągi, studiował anatomię i matematykę, co znalazło odzwierciedlenie w obrazach, głównie o tematyce starożytnej i mitologia, która dała niezrównane próbki geometrycznie precyzyjnej kompozycji i przemyślanej korelacji grup kolorystycznych.

W 1627 Poussin namalował obraz „Śmierć Germanika” oparty na fabule starożytnego rzymskiego historyka Tacyta, który uważany jest za programowe dzieło klasycyzmu; ukazuje pożegnanie legionistów z umierającym dowódcą. Śmierć bohatera odbierana jest jako tragedia interes publiczny. Temat jest interpretowany w duchu spokojnego i surowego heroizmu antycznej narracji. Ideą obrazu jest służba na służbie. Artysta ułożył postacie i przedmioty w płytkiej przestrzeni, dzieląc ją na szereg planów. W dziele tym ujawniono główne cechy klasycyzmu: wyrazistość działania, architektoniczność, harmonię kompozycji, przeciwstawienie zgrupowań. Ideał piękna w oczach Poussina polegał na proporcjonalności części całości, w porządku zewnętrznym, harmonii, klarowności kompozycji, tym, co stałoby się charakterystyczne cechy dojrzały styl mistrza. Jedną z cech metody twórczej Poussina był racjonalizm, co znalazło odzwierciedlenie nie tylko w fabule, ale także w przemyślanej kompozycji. W tym czasie Poussin tworzył obrazy sztalugowe, głównie średniej wielkości, ale o wysokim, obywatelskim brzmieniu, które położyły podwaliny klasycyzmu w Malarstwo europejskie, kompozycje poetyckie o tematyce literackiej i mitologicznej, nacechowane wzniosłą strukturą obrazów, uczuciowością intensywnej, delikatnie zharmonizowanej barwy „Inspiracja poety”, (Paryż, Luwr), „Parnas”, 1630-1635 (Prado, Madryt ). Wyraźny rytm kompozycyjny panujący w twórczości Poussina w latach 30. XVII w. odbierany jest jako odzwierciedlenie rozsądnej zasady, która nadaje wielkość szlachetnym czynom człowieka – „Mojżesz ocalony” (Luwr, Paryż), „Mojżesz oczyszczający wody Merry ”, „Madonna, która jest św. Jakuba Starszego” („Madonna na filarze”) (1629, Paryż, Luwr).

W latach 1628-1629 malarz pracował dla głównej świątyni kościoła katolickiego – katedry św. Piotra; zlecono mu namalowanie Męki św. Erazma” za ołtarz kaplicy katedralnej z relikwiarzem św.

W latach 1629-1630 Poussin stworzył niezwykłe pod względem siły wyrazu i najprawdziwsze „Zstąpienie z krzyża” (Petersburg, Ermitaż).

W latach 1629-1633 zmienia się tematyka obrazów Poussina: rzadko maluje on obrazy o tematyce religijnej, nawiązującej do mitologii i przedmioty literackie: "Narcyz i Echo" (ok. 1629, Paryż, Luwr), "Selena i Endymion" (Detroit, Instytut Sztuki); oraz cykl obrazów na podstawie wiersza Torquatta Tassa „Jerusalem Liberated”: „Rinaldo i Armida”, 1625-1627, (Muzeum Puszkina, Moskwa); „Tankred i Erminia”, lata 30. XVII w. (Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu).

Poussin lubił nauki starożytnych filozofów stoickich, którzy wzywali do odwagi i godności w obliczu śmierci. W jego twórczości ważne miejsce zajmowały refleksje nad śmiercią. Idea kruchości człowieka oraz problemy życia i śmierci stały się podstawą wczesnej wersji obrazu „Arkadyjscy Pasterze”, około 1629-1630, (zbiory księcia Devonshire, Chatsworth), do którego powrócił w latach 50. (1650, Paryż, Luwr). Zgodnie z fabułą obrazu, mieszkańcy Arkadii, gdzie panuje radość i pokój, odkrywają nagrobek z napisem: „A ja jestem w Arkadii”. To sama Śmierć przemawia do bohaterów i niszczy ich pogodny nastrój, zmuszając ich do myślenia o nieuniknionym przyszłym cierpieniu. Jedna z kobiet kładzie rękę na ramieniu sąsiada, jakby starając się pomóc mu pogodzić się z myślą o nieuniknionym końcu. Jednak mimo tragicznych treści, artysta spokojnie opowiada o zderzeniu życia i śmierci. Kompozycja obrazu jest prosta i logiczna: postacie są zgrupowane przy nagrobku i połączone ruchami rąk. Postacie malowane miękkim i wyrazistym światłocieniem, przypominają nieco antyczne rzeźby. W malarstwie Poussina dominowały motywy antyczne. Reprezentował Starożytna Grecja jako idealnie piękny świat zamieszkany przez ludzi mądrych i doskonałych. Nawet w dramatycznych epizodach starożytnej historii starał się dostrzec triumf miłości i najwyższej sprawiedliwości. Na płótnie "Śpiąca Wenus" (ok. 1630, Drezno, Galeria zdjęć) bogini miłości jest reprezentowana przez ziemską kobietę, pozostając nieosiągalnym ideałem. Jeden z najlepsze prace na starożytny temat „Królestwo Flory” (1631, Drezno, Galeria Sztuki), napisany na podstawie wierszy Owidiusza, uderza urodą malowniczego ucieleśnienia starożytnych obrazów. To poetycka alegoria pochodzenia kwiatów, która przedstawia zamienionych w kwiaty bohaterów starożytnych mitów. Na zdjęciu artysta zebrał postacie epickiej „Metamorfozy” Owidiusza, które po śmierci zamieniły się w kwiaty (Narcyz, Hiacynt i inne). Tańcząca Flora znajduje się w centrum, a pozostałe postacie układają się w okrąg, ich postawy i gesty podporządkowane są jednemu rytmowi – dzięki temu cała kompozycja przesiąknięta jest ruchem okrężnym. Miękki w kolorze i łagodny w nastroju, krajobraz jest napisany raczej warunkowo i wygląda bardziej sceneria teatralna. Połączenie malarstwa z sztuka teatralna było naturalne dla artysty XVII wieku - rozkwitu teatru. Obraz ujawnia ważną myśl dla mistrza: bohaterowie, którzy cierpieli i umierali przedwcześnie na ziemi, odnaleźli spokój i radość w magiczny ogród Flora, czyli ze śmierci odradza się nowe życie, cykl natury. Wkrótce powstała kolejna wersja tego obrazu - Triumf Flory (1631, Paryż, Luwr).

Nowy nadinspektor budynków królewskich Francji, Francois Sublet de Noyers (francuski Francois Sublet de Noyers?; 1589-1645; w urzędzie 1638-1645) otacza się takimi specjalistami jak Paul Flear de Chantelou (francuski Paul Freart de Chantelou?; 1609-1694) i Roland Flear de Chambray (fr. Roland Freart de Chambray?; 1606-1676), którego instruuje w każdy możliwy sposób, aby ułatwić powrót Nicolasa Poussina z Włoch do Paryża. Dla Flear de Chantleux artysta wykonał obraz „Manna z nieba”, który później (1661) król nabył do swojej kolekcji.

Kilka miesięcy później Poussin zaakceptował jednak propozycję królewską – „nolens volens” i przybył do Paryża w grudniu 1940 r. Poussin otrzymał status pierwszego królewskiego artysty i odpowiednio ogólne przywództwo wznoszenie budowli królewskich, ku niezadowoleniu nadwornego malarza Simona Vue.

Natychmiast po powrocie Poussina do Paryża w grudniu 1940 r., Ludwik XIII zlecił Poussinowi wykonanie wielkoformatowego przedstawienia „Eucharystia” (L'Institution de l'Eucharistie) na ołtarzu kaplicy królewskiej Pałacu Saint-Germain. W tym samym czasie, latem 1641 roku, Poussin rysuje frontyspis do wydania Biblia Sacra, w którym przedstawia Boga przysłaniającego dwie postacie: po lewej – kobiecy anioł piszący w ogromnym folio, patrzący na kogoś niewidzialnego, a po lewej po prawej - postać całkowicie zakryta (poza palcami) z małym egipskim sfinksem w dłoniach.

Od François Sublet de Noyer otrzymuje zamówienie na obraz „Cud św. Franciszka Ksawerego” (Le Miracle de Saint Francois-Xavier) dla nowicjatu Kolegium Jezuitów. Chrystus na tym obrazie został skrytykowany przez Simona Voueta, który powiedział, że Jezus „wyglądał bardziej jak grzmiący Jowisz niż miłosierny Bóg”.

Zimno racjonalny normatywizm Poussina wywołał aprobatę dworu wersalskiego i był kontynuowany przez malarzy dworskich, takich jak Charles Lebrun, który w klasycznym malarstwie widział ideał. język artystyczny chwalić państwo absolutystyczne” Ludwik XIV. To właśnie w tym czasie Poussin napisał swoją… sławny obraz„Hojność Scypiona” (1640, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina). Obraz odnosi się do dojrzały okres kreatywność mistrza, w której wyraźnie wyrażone są zasady klasycyzmu. Odpowiada im ścisły, jasny skład i sama treść, gloryfikująca zwycięstwo obowiązku nad osobistym uczuciem. Fabuła została zapożyczona od rzymskiego historyka Tytusa Liwiusza. Dowódca Scypion Starszy, który zasłynął podczas wojen Rzymu z Kartaginą, wraca do wrogiego wodza Allucjusza, swoją narzeczoną Lukrecję, schwytaną przez Scypiona podczas zdobywania miasta wraz z łupami wojskowymi.

W Paryżu Poussin miał wiele zamówień, ale utworzył partię przeciwników, w osobie artystów Vue, Brekiera i Philippe'a Merciera, którzy wcześniej pracowali przy dekorowaniu Luwru. Szczególnie intrygowała przeciwko niemu szkoła Voue, ciesząca się patronatem królowej.

We wrześniu 1642 r. Poussin opuszcza Paryż, oddalając się od intryg dworu królewskiego, z obietnicą powrotu. Jednak śmierć kardynała Richelieu (4 grudnia 1642) i późniejsza śmierć Ludwika XIII (14 maja 1643) pozwoliły malarzowi pozostać w Rzymie na zawsze.

W 1642 Poussin powrócił do Rzymu do swoich patronów: kardynała Francesco Barberiniego i akademika Cassiano dal Pozzo i mieszkał tam aż do śmierci. Odtąd artysta pracuje tylko na średnich formatach zamawianych przez wielkich miłośników sztuki - Dal Pozzo, Chantelou (Freart de Chantelou), Pointel (Jean Pointel) czy Serizier (Serizier). 1640 - początek lat 50. - jeden z owocnych okresów w twórczości Poussina: namalował obrazy „Eliazar i Rebeka”, „Pejzaż z Diogenesem”, „Pejzaż z wysoką drogą”, „Sąd Salomona”, „Pasterze Arkadii” , drugi autoportret. Tematem jego obrazów z tego okresu były cnoty i męstwo władców, bohaterów biblijnych czy antycznych. W swoich płótnach pokazywał bohaterów doskonałych, wiernych obywatelskim obowiązkom, bezinteresownych, hojnych, demonstrując jednocześnie absolutny uniwersalny ideał obywatelstwa, patriotyzmu i duchowej wielkości. Tworząc doskonałe obrazy w oparciu o rzeczywistość świadomie korygował naturę, czerpiąc z niej to, co piękne, a odrzucając brzydotę.

Około 1644 r. maluje obraz „Mały Mojżesz depczący koronę faraona” (Moise enfant foulant aux pieds la couronne de Pharaon), pierwszy z 23, przeznaczony dla paryskiego przyjaciela i patrona Jeana Pointela (Jean Pointel). W twórczości malarza ważne miejsce zajmuje biblijny Mojżesz. Dla bibliofila Jacques-Auguste II de Thou (1609-1677) pracuje nad Ukrzyżowaniem (La Crucifixion), dostrzegając w korespondencji trudność tej pracy, która doprowadziła go do bolesnego stanu.

W ostatni okres kreatywność (1650-1665) Poussin coraz bardziej zwracał się ku pejzażowi, jego bohaterowie byli związani z literaturą, wątki mitologiczne: „Pejzaż z Polifemem” (Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina). Ale ich postacie mitycznych bohaterów są małe i prawie niewidoczne wśród ogromnych gór, chmur i drzew. Postacie z mitologii antycznej działają tu jako symbol duchowości świata. Tę samą ideę wyraża kompozycja krajobrazu - prosta, logiczna, uporządkowana. Plany przestrzenne są wyraźnie wyodrębnione na obrazach: pierwszy plan to równina, drugi to gigantyczne drzewa, trzeci to góry, niebo lub powierzchnia morza. Podział na plany został również podkreślony kolorem. W ten sposób powstał system, nazwany później „pejzażowym trójbarwnym”: w malarstwie pierwszego planu przeważają kolory żółty i brązowy, w drugim ciepły i zielony, w trzecim zimny, a przede wszystkim niebieski. Ale artysta był przekonany, że kolor jest tylko środkiem do tworzenia objętości i głębokiej przestrzeni, nie powinien odwracać uwagi widza od biżuteryjnego dokładnego rysunku i harmonijnie zorganizowanej kompozycji. W efekcie narodził się obraz świata idealnego, ułożonego według wyższych praw rozumu. Od lat pięćdziesiątych XVII wieku w twórczości Poussina nasila się patos etyczny i filozoficzny. Zwracając się do historii Historia starożytna, porównując postaci biblijne i ewangeliczne do bohaterów klasycznej starożytności, artysta osiągnął pełnię figuratywnego brzmienia, wyraźną harmonię całości („Odpoczynek w locie do Egiptu”, 1658, Ermitaż, Petersburg).

W latach 1660-1664 tworzy cykl pejzaży „Cztery pory roku” ze scenami biblijnymi symbolizującymi dzieje świata i ludzkości: „Wiosna”, „Lato”, „Jesień” i „Zima”. Pejzaże Poussina są wieloaspektowe, zmienność planów została podkreślona pasami światła i cienia, iluzja przestrzeni i głębi nadała im epicką moc i wielkość. Podobnie jak w malarstwie historycznym, główne postacie zazwyczaj znajdują się na pierwszym planie i są postrzegane jako nieodłączna część krajobrazu. Po przestudiowaniu pejzaży bolońskiej szkoły malarskiej i malarzy holenderskich mieszkających we Włoszech, Poussin stworzył tzw. „pejzaż heroiczny”, który, ułożony według zasad równomiernego rozkładu mas, o przyjemnych i majestatycznych formach , służył mu jako scena do ukazania idyllicznego złotego wieku. Pejzaże Poussin przesycone są poważnym, melancholijnym nastrojem. W obrazie postaci trzymał się antyków, przez które wyznaczał dalszą drogę, która podążała za nim szkoła francuska obraz. Jako malarz historyczny Poussin miał głęboką znajomość rysunku i dar kompozycji. W rysunku wyróżnia się ścisłą konsekwencją stylu i poprawnością.

W październiku 1664 umiera żona Poussina, Anne-Marie: została pochowana 16 października w rzymskiej bazylice San Lorenzo in Lucina. Ostatnim, niedokończonym płótnem mistrza jest „Apollo i Daphne” (1664; nabyte przez Luwr w 1869). 21 września 1665 Nicolas Poussin sporządza testament, by pochować go skromnie, bez honorów, obok żony. Śmierć nadeszła 19 listopada.

Nicolas Poussin(Nicolas Poussin) – wielki francuski artysta, znany jako mistrz malarstwa w stylu. Malował obrazy w gatunkach historycznych i mitologicznych. Nicolas Poussin urodził się w 1594 roku w Les Andelys w Normandii. Malarstwem zainteresował się w młodym wieku. Otrzymał edukację artystyczną w Normandii. Po ukończeniu 18 lat wyjechał do Paryża, gdzie kontynuował naukę malarstwa. Tutaj jego nauczycielami byli tacy artyści jak Ferdinand Van Elle, Keten Waren, Georges Lallemand. Często bywał w Luwrze, gdzie kopiował obrazy znany artysta, przyjął styl pisania, studiował subtelności i tajniki malarstwa.

Twórczość Nicolasa Poussina dzieli się na I i II okres paryski oraz I i II okres włoski. Pierwszy paryski okres artysty przypadł na lata 1612-1623. To okres studiów i formacji artysty. Jedyne zachowane prace z tego okresu Poussina to rysunki piórkiem i pędzlem do wiersza Marino.

Od 1623 do 1640 rozpoczyna się pierwszy okres włoski lub pierwszy rzymski. Po wyjeździe do Włoch w 1623 r. zostaje tu do końca życia, powracając do Paryża dopiero na dwa lata na mocy dekretu króla Francji. Drugi okres paryski 1640-1642 skończyło się tak szybko, ponieważ jego malarstwo, tak odmienne od tego przyjętego we Francji, sprzeciwiało się wielu lokalnym artystom, a także dworzanom. W wyniku wrogości wobec swojej osoby został zmuszony do powrotu do Włoch. Drugi okres włoski 1643-1665 to ostatni etap życia artysty.

Wielki artysta, który wniósł nieoceniony wkład w rozwój klasycyzmu, zmarł 19 listopada 1665 r. Obecnie jego obrazy znajdują się w największej liczbie główne muzeaświat, m.in. w Luwrze w Paryżu, Moskwie Państwowe Muzeum sztuki piękne nazwany na cześć A. S. Puszkina i Ermitażu w Petersburgu.

autoportret