Kto namalował niedźwiedzie dla Szyszkina i inne tajemnice słynnych obrazów. Kto namalował pierwsze obrazy? Sceny biblijne i mitologiczne przedstawiające kilka pulchnych amorków

Pierwszymi artystami na ziemi byli jaskiniowcy. Na ścianach jaskiń w południowej Francji i Hiszpanii odnaleziono kolorowe rysunki zwierząt, które wykonano w okresie od 30 000 do 20 000 lat p.n.e. Wiele z tych rysunków jest zaskakująco dobrze zachowanych, ponieważ jaskinie były nieznane przez wiele stuleci. Starożytni ludzie rysowali dzikie zwierzęta, które widzieli wokół siebie. W Afryce i wschodniej Hiszpanii odkryto postacie ludzkie, bardzo niedojrzałe technicznie, ale narysowane w realistycznych pozach.

Artyści jaskiniowi malowali ściany jaskiń różnymi jasnymi kolorami. Jako barwniki stosowano ochrę ziemną (tlenki żelaza o różnej barwie – od jasnożółtej do ciemnopomarańczowej) i mangan (pierwiastek metaliczny). Kruszono je na proszek, mieszano z tłuszczem, tłuszczem zwierzęcym i nakładano czymś w rodzaju pędzla. Czasami barwniki rozdrobnione na proszek i zmieszane ze smalcem wypełniano drewnianymi patyczkami, które stawały się niczym „kolorowe ołówki”.

Jaskiniowcy musieli wytwarzać szczotki z sierści zwierzęcej lub włókien roślinnych oraz ostre dłuta z krzemienia do rysowania linii. Jedna z wczesnych cywilizacji pojawiła się w Egipcie, a potem pojawili się artyści, którzy malowali obrazy. Powstało wiele dzieł sztuki, które zdobiły piramidy i grobowce faraonów i nie tylko ważni ludzie. Na płótnach ściennych grobowców artyści uwieczniali sceny z życia danej osoby. Używali farby akwarelowe i biały.

Inny starożytna cywilizacja- Morze Egejskie - również osiągnęło znaczny poziom rozwoju sztuki malarskiej. Ich artyści pracowali w swobodnym i pełnym wdzięku stylu, przedstawiali życie morza, zwierzęta, kwiaty, gry sportowe. Ich rysunki wykonano na mokrym gipsie. Ten specjalny rodzaj rysunki nazywane są obecnie freskami. Widzisz więc, że rysunek jest zakorzeniony w bardzo wczesne lata ludzka cywilizacja.

Zakonnica – Ilya Repin

Ilia Repin. Siostra zakonna. 1878. Państwowa Galeria Trietiakowska / Portret pod prześwietleniem

Młoda dziewczyna w surowym stroju klasztornym w zamyśleniu patrzy na widza z portretu. Obraz jest klasyczny i znajomy - prawdopodobnie nie wzbudziłby zainteresowania krytyków sztuki, gdyby nie wspomnienia Ludmiły Aleksiejewnej Szewcowej-Spore, siostrzenicy żony Repina. Mają ciekawą historię.

Sophia Repina z domu Szewcowa pozowała Ilji Repin do filmu Zakonnica. Dziewczyna była szwagierką artysty - a kiedyś sam Repin był w niej poważnie zauroczony, ale poślubił ją młodsza siostra Wiara. Sophia została także żoną brata Repina – Wasilija, członka orkiestry Teatru Maryjskiego.

Nie przeszkodziło to artyście w wielokrotnym malowaniu portretów Zofii. Do jednego z nich dziewczyna pozowała w uroczystej sali balowej: lekka elegancka sukienka, koronkowe rękawy, wysokie włosy. Pracując nad obrazem, Repin poważnie pokłócił się z modelką. Jak wiadomo, każdy może obrazić artystę, ale niewielu potrafi zemścić się tak pomysłowo, jak zrobił to Repin. Obrażony artysta „ubrał” Zofię z portretu w stroje klasztorne.

Historia przypominająca żart została potwierdzona prześwietleniem. Badacze mieli szczęście: Repin nie oczyścił oryginalnej warstwy farby, co umożliwiło szczegółowe zbadanie oryginalnego stroju bohaterki.

„Park Alley” Izaaka Brodskiego

Izaak Brodski. Aleja parkowa. 1930. Zbiory prywatne / Izaak Brodski. Aleja parkowa w Rzymie. 1911

Nie mniej niż ciekawa zagadka pozostawione badaczom przez ucznia Repina - Izaaka Brodskiego. W Galerii Trietiakowskiej znajduje się jego obraz „Park Alley”, który na pierwszy rzut oka nie jest niczym niezwykłym: Brodski miał wiele prac na temat „parku”. Jednak im dalej w park tym warstwy są bardziej kolorowe.

Jeden z badaczy zauważył, że kompozycja obrazu podejrzanie przypomina inną pracę artysty - „Park Alley in Rome” (Brodski skąpił oryginalnych tytułów). Obraz ten przez długi czas uznawany był za zaginiony, a jego reprodukcja ukazała się jedynie w prasie rzadkie wydanie 1929. Zniknął na prześwietleniu rentgenowskim w mistyczny sposób odnaleziono aleję rzymską – tuż pod sowiecką. Artysta nie oczyścił już gotowego obrazu, dokonał po prostu szeregu prostych zmian: ubrał przechodniów w stylu lat 30. XX wieku, „zabrał” dzieciom serso, usunął marmurowe posągi i trochę zmodyfikowałem drzewa. I tak słoneczny włoski park kilkoma lekkimi ruchami rąk zamienił się w wzorowy radziecki.

Na pytanie, dlaczego Brodski zdecydował się ukryć swoją rzymską aleję, nie znaleźli odpowiedzi. Można jednak przypuszczać, że ukazywanie „skromnego uroku burżuazji” w roku 1930 było już z ideologicznego punktu widzenia niewłaściwe. Niemniej jednak ze wszystkich porewolucyjnych pejzaży Brodskiego najciekawsza jest „Park Alley”: pomimo zmian obraz zachował uroczą elegancję nowoczesności, która niestety nie była już w sowieckim realizmie.

„Poranek w lesie sosnowym” Iwana Szyszkina

Iwan Szyszkin i Konstantin Sawicki. Ranek w sosnowym lesie. 1889. Państwowa Galeria Trietiakowska

Leśny pejzaż z młodymi bawiącymi się na zwalonym drzewie to chyba najsłynniejsze dzieło artysty. Właśnie taką ideę krajobrazu Iwan Szyszkin podsunął innemu artyście – Konstantinowi Savitskiemu. Namalował także niedźwiedzicę z trzema młodymi: niedźwiedziom, znawcy lasu, Szyszkinowi, w żaden sposób się to nie udało.

Szyszkin nienagannie rozumiał florę leśną, zauważył najmniejsze błędy na rysunkach swoich uczniów - albo kora brzozy nie jest przedstawiona w ten sam sposób, albo sosna wygląda jak fałszywa. Jednak ludzie i zwierzęta w jego twórczości zawsze były rzadkością. To tutaj Savitsky przybył na ratunek. Nawiasem mówiąc, zostawił kilka rysunki przygotowawcze i szkice z młodymi - szukałam odpowiednich póz. „Poranek w sosnowym lesie” pierwotnie nie był „Porankiem”: obraz nazywał się „Rodzina niedźwiedzi w lesie” i były na nim tylko dwa niedźwiedzie. Jako współautor Savitsky złożył swój podpis na płótnie.

Kiedy płótno zostało dostarczone kupcowi Pawłowi Tretiakowowi, był oburzony: zapłacił za Szyszkina (zamówił dzieło autora), ale otrzymał Szyszkina i Sawickiego. Szyszkin, jak człowiek uczciwy, nie przypisywał sobie autorstwa. Ale Tretiakow poszedł dla zasady i bluźnierczo usunął podpis Savickiego ze zdjęcia terpentyną. Savitsky później szlachetnie odmówił praw autorskich, a niedźwiedzie przez długi czas przypisywano Szyszkinowi.

„Portret chórzystki” – Konstantin Korovin

Konstanty Korowin. Portret dziewczyny z chóru. 1887. Państwowa Galeria Trietiakowska / Tylna strona portret

Na odwrocie płótna badacze znaleźli wiadomość od Konstantina Korovina na tekturze, która okazała się niemal ciekawsza niż sam obraz:

„W 1883 roku w Charkowie portret chórzystki. Napisane na balkonie komercyjnego ogrodu publicznego. Repin powiedział, kiedy Mamontow S.I. pokazał mu ten szkic, że on, Korovin, pisze i szuka czegoś innego, ale po co to - to jest malowanie tylko do malowania. Sierow nie malował wówczas jeszcze portretów. A malowanie tego szkicu uznano za niezrozumiałe??!! Dlatego Polenov poprosił mnie o usunięcie tego szkicu z wystawy, ponieważ ani artystom, ani członkom – panu Mosołowowi i kilku innym – nie podoba się to. Modelką była brzydka kobieta, nawet trochę brzydka.
Konstanty Korowin

„List” rozbroił swoją bezpośredniością i śmiałym wyzwaniem rzuconym całemu środowisku artystycznemu: „Sierow wówczas jeszcze nie malował portretów” – ale namalował je on, Konstantin Korovin. I rzekomo jako pierwszy zastosował techniki charakterystyczne dla stylu, który później nazwano rosyjskim impresjonizmem. Wszystko to okazało się jednak mitem, który artysta stworzył celowo.

Harmonijna teoria „Korovin - prekursor rosyjskiego impresjonizmu” została bezlitośnie zniszczona przez obiektywne badania techniczne i technologiczne. Na przedniej stronie portretu odnaleziono podpis artysty wykonany farbą, nieco niżej – tuszem: „1883, Charków”. W Charkowie artysta pracował w maju - czerwcu 1887 r.: malował dekoracje do przedstawień rosyjskich prywatna opera Mamontow. Ponadto krytycy sztuki dowiedzieli się, że „Portret chórzystki” powstał w pewnym sensie artystyczny sposób- a la prima. Ta technika obraz olejny pozwoliło namalować obraz podczas jednej sesji. Korowin zaczął stosować tę technikę dopiero pod koniec lat osiemdziesiątych XIX wieku.

Po przeanalizowaniu tych dwóch niespójności pracownicy Galeria Trietiakowska doszedł do wniosku, że portret został namalowany dopiero w 1887 roku i nie tylko wczesna data Korovin dodał, aby podkreślić własną innowacyjność.

„Człowiek i kołyska” Iwana Jakimowa

Iwan Jakimow. Człowiek i kołyska.1770. Państwowa Galeria Trietiakowska / Pełna wersja praca

Przez długi czas obraz Iwana Jakimowa „Człowiek i kołyska” intrygował historyków sztuki. I nie chodziło nawet o to, że takie codzienne szkice były zupełnie nietypowe dla malarstwa XVIII-wiecznego – koń na biegunach w prawym dolnym rogu obrazu miał zbyt nienaturalnie rozciągniętą linę, która logicznie powinna leżeć na podłodze. Tak, a dla dziecka od kołyski było jeszcze za wcześnie na zabawę takimi zabawkami. Poza tym kominek nie zmieścił się nawet do połowy płótna, co wyglądało bardzo dziwnie.

„Oświecił” sytuację – w dosłownym tego słowa znaczeniu – prześwietlenie. Pokazała, że płótno zostało przycięte po prawej stronie i u góry.

Obraz trafił do Galerii Trietiakowskiej po sprzedaży kolekcji Pawła Pietrowicza Tugogoja-Svinina. Był właścicielem tzw. „Muzeum Rosyjskiego” – kolekcji obrazów, rzeźb i antyków. Jednak w 1834 r., z powodu problemów finansowych, zbiór musiał zostać sprzedany - a obraz „Człowiek i kołyska” trafił do Galerii Trietiakowskiej: nie cały, ale tylko jego lewa połowa. Prawy niestety zaginął, ale nadal można zobaczyć dzieło w całości, dzięki kolejnej wyjątkowej wystawie Galerii Trietiakowskiej. Pełna wersja twórczości Jakimowa znalazła się w albumie „Zbiór znakomitych dzieł Rosyjscy artyści i ciekawe starożytności krajowe”, która zawiera rysunki z większości obrazów znajdujących się w zbiorach Svinina.

23.04.2017 20:25 426

Kto namalował pierwsze obrazy.

Czy lubisz rysować? Najprawdopodobniej odpowiedź będzie brzmieć „tak”. A na pewno byliście już w muzeum, w którym odbywają się wystawy malarstwa. A może nawet zadali takie pytanie dorosłym - „Kto był autorem pierwszego obrazu na świecie”.

Można słusznie uznać pierwszych artystów na ziemi starożytni ludzie który mieszkał w jaskiniach. Na południu Francji, a także w Hiszpanii badacze odkryli kolorowe rysunki zwierząt namalowane na ścianach jaskiń.

Według archeologów wizerunki te można było wykonać około 20-30 tysięcy lat przed naszą erą. Starożytni ludzie przedstawiali otaczające ich dzikie zwierzęta.

Co zaskakujące, pomimo tak starożytności, wiele rysunków zachowało się dobrze. Stało się to możliwe dzięki jaskiniom, które przechowują prymitywne malarstwo, przez wiele wieków nie były ludziom znane.

Również w Afryce i we wschodniej Hiszpanii odnaleziono raczej niedoskonałe przedstawienia postaci ludzkich. Jednak ich pozy wyglądały, jakby były żywe.

W swoich rysunkach prymitywni artyści używali różnych żywe kolory. Jako barwniki służyła ochra ziemna - tlenek żelaza (lub po prostu rdza) o różnych odcieniach - od jasnożółtego do ciemnopomarańczowego. Również mangan jest pierwiastkiem metalicznym.

Substancje te starożytni ludzie miażdżyli na proszek, następnie mieszali z tłuszczem lub tłuszczem zwierzęcym, po czym nanosili je na ściany jaskini za pomocą czegoś podobnego do pędzli.

Ale pierwsi ludzie mieli także urządzenia podobne do nowoczesnych ołówków. Były to drewniane patyczki wypełnione barwnikami, wcześniej zmielone na proszek i zmieszane ze smalcem.

Poza tym do rysowania linii używali ostro naostrzonych dłut krzemiennych. Starożytni mieszkańcy naszej planety wytwarzali pędzle do rysowania z sierści zwierzęcej lub włókien roślinnych.

W Starożytny Egipt prymitywni artyści tworzyli obrazy do dekoracji piramid, a także grobowców faraonów i innych ważnych osobistości.

Na ścianach grobowców artyści wraz ze swoimi dziełami sztuki uwiecznili sceny z życia pochowanej tam szlachetnej osoby. W tym celu starożytni egipscy malarze używali akwareli i wybielaczy.

Inna starożytna cywilizacja, Morze Egejskie, również odniosła wielki sukces w rozwoju sztuki malarskiej. Artyści z Morza Egejskiego tworzyli w swobodnym i pełnym wdzięku stylu.

Na obrazach przedstawiali zwierzęta, kwiaty, życie morskie. Tematem ich prac były także gry sportowe. Swoje rysunki tworzyli na mokrym gipsie. Obecnie ten rodzaj malarstwa nazywa się freskiem.

Jak widać, sztuka rysowania i malowania ma bardzo starożytną historię.

W prawie każdym znacząca praca sztuka jest tajemnicą, „podwójnym dnem” lub tajna historia który chcesz otworzyć.

Muzyka na pośladkach

Hieronim Bosch, Ogród rozkoszy ziemskich, 1500-1510.

Fragment tryptyku

Spory o znaczenia i ukryte znaczenia najsłynniejsze dzieło Holenderski artysta nie ustąpiły od chwili jego powstania. Na prawym skrzydle tryptyku zatytułowanego „Muzyczne Piekło” ukazani są grzesznicy torturowani w podziemiach przy pomocy instrumenty muzyczne. Jeden z nich ma nadrukowane notatki na pośladkach. Studentka Oklahoma Christian University, Amelia Hamrick, która studiowała obraz, przeniosła zapis z XVI wieku na współczesny i nagrała „pieśń piekielnego osła, która ma 500 lat”.

Naga Mona Lisa

Słynna „Gioconda” występuje w dwóch wersjach: naga wersja nazywa się „Monna Vanna”, została napisana przez mało znany artysta Salai, który był uczniem i opiekunem wielkiego Leonarda da Vinci. Wielu krytyków sztuki jest przekonanych, że to on był wzorem dla obrazów Leonarda „Jan Chrzciciel” i „Bachus”. Istnieją również wersje, które przebierają się za sukienka damska Salai służyła jako obraz samej Mony Lisy.

Stary rybak

W 1902 roku węgierski artysta Tivadar Kostka Chontvari namalował obraz „ Stary rybak„. Wydawałoby się, że na obrazie nie ma nic niezwykłego, ale Tivadar umieścił w nim podtekst, który nigdy nie został ujawniony za życia artysty.

Niewiele osób myślało o umieszczeniu lustra na środku obrazu. Każdy człowiek może być jak Bóg (powielony prawe ramię Stary człowiek) i Diabeł (nazwany lewe ramię starzec).

Czy był wieloryb?

Hendrik van Antonissen „Scena na brzegu”.

Wydawałoby się, że zwyczajny krajobraz. Łodzie, ludzie na brzegu i pustynne morze. I dopiero badanie rentgenowskie wykazało, że ludzie gromadzili się na brzegu nie bez powodu - w oryginale badali zwłoki wieloryba wyrzuconego na brzeg.

Artysta jednak zdecydował, że nikt nie będzie chciał patrzeć na martwego wieloryba i przemalował obraz.

Dwa „Śniadania na trawie”

Edouard Manet, Obiad na trawie, 1863.

Claude Monet, Śniadanie na trawie, 1865.

Artyści Edouard Manet i Claude Monet są czasami zdezorientowani - w końcu obaj byli Francuzami, żyli w tym samym czasie i pracowali w stylu impresjonizmu. Nawet tytuł jednego z najsłynniejszych obrazów Maneta „Śniadanie na trawie” Monet pożyczył i napisał swoje „Śniadanie na trawie”.

Bliźniacy na Ostatniej Wieczerzy

Leonardo da Vinci, Ostatnia Wieczerza, 1495-1498.

Kiedy Leonardo da Vinci napisał: „ Ostatnia Wieczerza”, przywiązywał szczególną wagę do dwóch postaci: Chrystusa i Judasza. Bardzo długo szukał dla nich opiekunów. Wreszcie udało mu się znaleźć wzór obrazu Chrystusa wśród młodych śpiewaków. Leonardo przez trzy lata nie mógł znaleźć opiekunki dla Judasza. Ale pewnego dnia natknął się na pijaka leżącego w rynsztoku na ulicy. Był to młody człowiek, który postarzał się wskutek intensywnego picia. Leonardo zaprosił go do tawerny, gdzie natychmiast zaczął pisać od niego Judasza. Kiedy pijak opamiętał się, powiedział artyście, że już raz mu pozował. To było kilka lat temu, kiedy śpiewał chór kościelny, Leonardo namalował z niego Chrystusa.

„Straż nocna” czy „Straż dzienna”?

Rembrandt, Straż nocna, 1642.

Jeden z najsłynniejszych obrazów Rembrandta „Występ kompanii strzeleckiej kapitana Fransa Banninga Cocka i porucznika Willema van Ruytenbürga” wisiał w różnych salach przez około dwieście lat i został odkryty przez historyków sztuki dopiero w XIX wieku. Ponieważ postacie zdawały się wyróżniać na ciemnym tle, nazwano ją Nocną Strażą i pod tą nazwą weszła do skarbnicy światowej sztuki.

I dopiero podczas renowacji przeprowadzonej w 1947 roku okazało się, że w holu obraz zdążył pokryć się warstwą sadzy, co zniekształciło jego kolorystykę. Po oczyszczeniu oryginalnego obrazu ostatecznie wyszło na jaw, że scena przedstawiona przez Rembrandta faktycznie rozgrywa się w dzień. Pozycja cienia z lewej ręki Kapitana Koka pokazuje, że czas trwania akcji nie przekracza 14 godzin.

wywrócona łódź

Henri Matisse, „Łódź”, 1937.

W Muzeum Nowego Jorku Sztuka współczesna w 1961 r. wystawiono obraz Henriego Matisse'a „Łódź”. Dopiero po 47 dniach ktoś zauważył, że obraz wisiał do góry nogami. Płótno przedstawia 10 fioletowych linii i dwa niebieskie żagle na białym tle. Artysta nie bez powodu namalował dwa żagle, drugi żagiel jest odbiciem pierwszego na powierzchni wody.
Aby nie pomylić się z zawieszeniem obrazu, należy zwrócić uwagę na szczegóły. Większy żagiel powinien znajdować się na górze obrazu, a szczyt żagla obrazu powinien być skierowany w prawy górny róg.

Oszustwo w autoportrecie

Vincent van Gogh, Autoportret z fajką, 1889.

Istnieją legendy, że Van Gogh rzekomo odciął sobie ucho. Obecnie najbardziej wiarygodna wersja głosi, że ucho van Gogha zostało uszkodzone w wyniku małej bójki z udziałem innego artysty, Paula Gauguina.

Autoportret jest o tyle ciekawy, że odzwierciedla rzeczywistość w zniekształconej formie: artysta przedstawiony jest z zabandażowanym prawym uchem, gdyż podczas pracy korzystał z lustra. Faktycznie, lewe ucho zostało uszkodzone.

obce niedźwiedzie

Iwan Szyszkin, „Poranek Las sosnowy", 1889.

Słynny obraz należy nie tylko do pędzla Szyszkina. Wielu zaprzyjaźnionych ze sobą artystów często korzystało z „pomocy przyjaciela”, a Iwan Iwanowicz, który przez całe życie malował pejzaże, obawiał się, że dotknięcie niedźwiedzia nie wyjdzie tak, jak chciał. Dlatego Szyszkin zwrócił się do znanego malarza zwierząt Konstantina Savickiego.

Savitsky narysował prawdopodobnie najlepsze niedźwiedzie w historii Malarstwo rosyjskie, a Tretiakow nakazał zmyć jego imię z płótna, ponieważ wszystko na obrazie „począwszy od pomysłu, a kończąc na wykonaniu, wszystko mówi o sposobie malowania, o metodzie twórczej charakterystycznej dla Szyszkina”.

Niewinna historia „Gothic”

Grant Wood, amerykański gotyk", 1930.

Twórczość Granta Wooda uznawana jest za jedną z najdziwniejszych i najbardziej przygnębiających w historii malarstwa amerykańskiego. Obraz z ponurym ojcem i córką przepełniony jest szczegółami, które wskazują na surowość, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
Tak naprawdę artysta nie miał zamiaru przedstawiać żadnych horrorów: podczas podróży do Iowa zauważył mały dom styl gotycki i postanowił sportretować tych ludzi, którzy jego zdaniem idealnie nadawaliby się na mieszkańców. Siostra Granta i jego dentysta zostają uwiecznieni w postaciach, które tak bardzo oburzyły mieszkańców Iowa.

Zemsta Salvadora Dali

Obraz „Postać w oknie” został namalowany w 1925 roku, gdy Dali miał 21 lat. Wtedy Gala nie wkroczyła jeszcze w życie artysty, a jego muzą była jego siostra Ana Maria. Relacje między bratem i siostrą uległy pogorszeniu, gdy na jednym z obrazów napisał: „Czasami pluję na portret własnej matki i sprawia mi to przyjemność”. Ana Maria nie mogła wybaczyć takiego szoku.

W swojej książce Salvador Dali oczami siostry z 1949 roku pisze o swoim bracie bez żadnych pochwał. Książka rozwścieczyła Salwador. Przez kolejne dziesięć lat wspominał ją ze złością przy każdej okazji. I tak w 1954 roku pojawia się obraz „Młoda dziewica oddając się grzechowi sodomii za pomocą rogów własnej czystości”. Postawa kobiety, jej loki, pejzaż za oknem i kolorystyka obrazu wyraźnie nawiązują do Postać w oknie. Istnieje wersja, że w ten sposób Dali zemścił się na siostrze za jej książkę.

Danae o dwóch twarzach

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Danae, 1636-1647.

Wiele tajemnic jednego z najsłynniejszych obrazów Rembrandta wyszło na jaw dopiero w latach 60. XX wieku, kiedy płótno zostało oświecone zdjęcia rentgenowskie. Przykładowo strzelanina pokazała, że we wczesnej wersji twarz księżniczki, która wdała się w romans ze Zeusem, przypominała twarz Saskii, żony malarza, zmarłego w 1642 roku. W ostatecznej wersji obrazu zaczął on przypominać twarz Gertiera Dirks, kochanki Rembrandta, z którą artysta mieszkał po śmierci żony.

Żółta sypialnia Van Gogha

Vincent van Gogh, „Sypialnia w Arles”, 1888 - 1889.

W maju 1888 roku Van Gogh nabył mały warsztat w Arles na południu Francji, gdzie uciekł przed paryskimi artystami i krytykami, którzy go nie rozumieli. W jednym z czterech pokoi Vincent urządza sypialnię. W październiku wszystko jest już gotowe i postanawia namalować Sypialnię Van Gogha w Arles. Dla artysty bardzo ważny był kolor, wygoda pomieszczenia: wszystko musiało sugerować relaks. Jednocześnie obraz utrzymany jest w niepokojących żółtych tonach.

Badacze twórczości Van Gogha tłumaczą to faktem, że artysta zażywał naparstnicę, lek na epilepsję, który powoduje poważne zmiany w postrzeganiu koloru przez pacjenta: cała otaczająca rzeczywistość jest pomalowana na zielono-żółte odcienie.

Bezzębna doskonałość

Leonardo da Vinci, „Portret pani Lisy del Giocondo”, 1503 - 1519.

Powszechnie panuje opinia, że Mona Lisa jest perfekcją, a jej uśmiech jest piękny w swojej tajemniczości. Jednak amerykański krytyk sztuki (i dentysta na pół etatu) Joseph Borkowski uważa, że sądząc po wyrazie twarzy, bohaterka straciła sporo zębów. Oglądając powiększone fotografie arcydzieła Borkowski znalazł także blizny wokół ust. „Uśmiecha się tak bardzo właśnie z powodu tego, co ją spotkało” – uważa ekspert. „Wyraz jej twarzy jest typowy dla ludzi, którzy stracili przednie zęby”.

Specjalizacja w kontroli twarzy

Paweł Fedotow, Swatanie majora, 1848.

Publiczność, która po raz pierwszy zobaczyła obraz „Major's Matchmaking”, roześmiała się serdecznie: artysta Fiedotow wypełnił go ironicznymi szczegółami, które były zrozumiałe dla ówczesnych widzów. Na przykład major wyraźnie nie zna zasad szlachetna etykieta: pojawił się bez odpowiednich bukietów dla panny młodej i jej matki. A sama panna młoda została wypuszczona przez kupieckich rodziców w wieczorową suknię balową, chociaż był dzień (wszystkie lampy w pokoju były zgaszone). Dziewczyna najwyraźniej po raz pierwszy przymierzyła głęboko wyciętą sukienkę, jest zawstydzona i próbuje uciec do swojego pokoju.

Dlaczego wolność jest naga

Ferdinand Victor Eugene Delacroix, Wolność na barykadach, 1830.

Według historyka sztuki Etienne Julie Delacroix namalował twarz kobiety słynnego paryskiego rewolucjonisty – praczki Anny-Charlotte, która po śmierci brata z rąk królewskich żołnierzy poszła na barykady i zabiła dziewięciu strażników. Artystka przedstawiła jej nagą klatkę piersiową. Według jego planu ma to być symbol nieustraszoności i bezinteresowności, a także triumfu demokracji: nagie piersi pokazują, że Swoboda, jak zwykły człowiek, nie nosi gorsetu.

kwadrat niekwadratowy

Kazimierz Malewicz, „Czarny plac suprematystyczny", 1915.

W rzeczywistości „Czarny kwadrat” wcale nie jest czarny i wcale nie jest kwadratowy: żaden z boków czworokąta nie jest równoległy do żadnego z pozostałych boków, ani żaden z boków kwadratowej ramy otaczającej obraz. A ciemny kolor jest wynikiem mieszania różne kolory, wśród których nie było czarnego. Uważa się, że nie było to zaniedbanie autora, ale zasadnicze stanowisko, chęć stworzenia dynamicznej, mobilnej formy.

Specjaliści z Galerii Trietiakowskiej odkryli na niej napis autora sławny obraz Malewicz. Napis głosi: „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini”. To zdanie nawiązuje do nazwy zabawnego obrazu francuskiego dziennikarza, pisarza i artysty Alphonse’a Allaisa „Bitwa Murzynów w ciemnej jaskini w środku nocy”, który był absolutnie czarnym prostokątem.

Melodramat austriackiej Mony Lisy

Gustav Klimt, „Portret Adele Bloch-Bauer”, 1907.

Jeden z najważniejszych obrazów Klimta przedstawia żonę austriackiego magnata cukrowniczego Ferdynanda Blocha-Bauera. Cały Wiedeń dyskutował o burzliwym romansie Adele i sławny artysta. Ranny mąż chciał zemścić się na swoich kochankach, ale wybrał bardzo nietypowy sposób: postanowił zamówić portret Adele dla Klimta i zlecić mu wykonanie setek szkiców, aż artysta zacznie z niej wychodzić.

Bloch-Bauer chciał, aby praca trwała kilka lat, a modelka widziała, jak gasną uczucia Klimta. Złożył artyście hojną ofertę, której nie mógł odmówić, i wszystko potoczyło się zgodnie ze scenariuszem oszukanego męża: praca została ukończona w ciągu 4 lat, kochankowie już dawno ochłonęli wobec siebie. Adele Bloch-Bauer nigdy nie dowiedziała się, że jej mąż był świadomy jej związku z Klimtem.

Obraz, który przywrócił Gauguina do życia

Paul Gauguin, „Skąd przychodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd zmierzamy?”, 1897-1898.

Najsłynniejsze płótno Gauguina ma jedną cechę: „czyta się” je nie od lewej do prawej, ale od prawej do lewej, jak teksty kabalistyczne, którymi interesował się artysta. W tej kolejności rozwija się alegoria życia duchowego i fizycznego człowieka: od narodzin duszy (śpiące dziecko w prawym dolnym rogu) do nieuchronności godziny śmierci (ptak z jaszczurką w pazury w lewym dolnym rogu).

Obraz został namalowany przez Gauguina na Tahiti, dokąd artysta kilkakrotnie uciekał przed cywilizacją. Ale tym razem życie na wyspie nie ułożyło się: totalna bieda doprowadziła go do depresji. Po ukończeniu płótna, które miało stać się jego duchowym testamentem, Gauguin wziął skrzynkę z arszenikiem i udał się w góry, aby umrzeć. Nie obliczył jednak dawki i samobójstwo się nie powiodło. Następnego ranka powlókł się do swojej chaty i zasnął, a kiedy się obudził, poczuł zapomniane pragnienie życia. A w 1898 r. Jego sprawy poszły w górę i rozpoczął się jaśniejszy okres w jego pracy.

112 przysłów na jednym obrazku

Pieter Brueghel Starszy, „Przysłowia niderlandzkie”, 1559

Pieter Brueghel Starszy przedstawił krainę zamieszkałą przez dosłowne obrazy Przysłowia holenderskie te dni. Na namalowanym obrazie znajduje się około 112 rozpoznawalnych idiomów. Niektóre z nich są stosowane do dziś, jak np. „pływanie pod prąd”, „walenie głową w ścianę”, „uzbrojenie po zęby” czy „duża ryba zjada małe”.

Inne przysłowia odzwierciedlają ludzką głupotę.

Subiektywność sztuki

Paul Gauguin, Bretońska wioska pod śniegiem, 1894

Obraz Gauguina „Bretońska wioska w śniegu” został sprzedany po śmierci autora za jedyne siedem franków i w dodatku pod nazwą „Wodospad Niagara”. Licytator przypadkowo powiesił obraz do góry nogami, gdy zobaczył na nim wodospad.

ukryty obraz

Pablo Picasso, Niebieski pokój, 1901

W 2008 roku podczerwień wykazała, że pod „Niebieskim pokojem” ukryty był kolejny obraz – portret mężczyzny ubranego w garnitur z motylem i opierającego głowę na dłoni. „Tak szybko, jak Picasso nowy pomysł, wziął pędzel i ucieleśnił go. Ale nie miał możliwości zakupu nowego płótna za każdym razem, gdy odwiedzała go muza” – wyjaśnia możliwa przyczyna historyk sztuki Patricia Favero.

Niedostępne Marokanki

Zinaida Serebryakova, Nago, 1928

Kiedyś Zinaida Serebryakova otrzymała kuszącą ofertę – pójść do twórcza podróż przedstawiać nagie postacie orientalnych dziewcząt. Okazało się jednak, że w tych miejscach po prostu nie da się znaleźć modeli. Na ratunek przybył tłumacz Zinaidzie, który przyprowadził do niej swoje siostry i narzeczoną. Nikt wcześniej i później nie był w stanie uchwycić tego, co zamknięte Orientalne kobiety nagi.

Spontaniczny wgląd

Walentin Sierow, „Portret Mikołaja II w marynarce”, 1900

Przez długi czas Sierow nie mógł namalować portretu króla. Kiedy artysta całkowicie się poddał, przeprosił Nikołaja. Nikołaj był trochę zdenerwowany, usiadł przy stole i wyciągnął przed siebie ręce… I wtedy artysta przyszedł do głowy – oto on! Prosty wojskowy w kurtce oficerskiej o jasnych i smutnych oczach. Ten portret jest brany pod uwagę najlepszy obraz ostatni cesarz.

Znowu dwójka

© Fedor Reshetnikov

Słynny obraz „Znowu dwójka” to dopiero druga część trylogii artystycznej.

Pierwsza część to „Przyjechałem na wakacje”. Oczywiście zamożna rodzina, ferie zimowe, radosny, doskonały student.

Druga część to „Znowu dwójka”. Biedna rodzina z pracujących przedmieść, wzrost rok szkolny, przygnębiony ogłuszacz, ponownie chwytając dwójkę. W lewym górnym rogu widać obrazek „Przyjechałem na wakacje”.

Trzecia część to „Ponowne badanie”. Wiejski dom, lato, wszyscy chodzą, jeden złośliwy ignorant, który nie zdał rocznego egzaminu, zmuszony jest siedzieć w czterech ścianach i tłoczyć się. W lewym górnym rogu widać obrazek „Znowu dwójka”.

Jak rodzą się arcydzieła

Joseph Turner, Deszcz, para i prędkość, 1844

W 1842 roku pani Simon podróżowała pociągiem po Anglii. Nagle zaczęła się silna ulewa. Starszy pan siedzący naprzeciw niej wstał, otworzył okno, wystawił głowę na zewnątrz i patrzył tak przez około dziesięć minut. Nie mogąc powstrzymać ciekawości, kobieta również otworzyła okno i spojrzała przed siebie. Rok później na wystawie w Królewskiej Akademii Sztuk odkryła obraz „Deszcz, para i prędkość” i rozpoznała w nim właśnie epizod z pociągu.

Lekcja anatomii od Michała Anioła

Michał Anioł, Stworzenie Adama, 1511

Para amerykańskich ekspertów w dziedzinie neuroanatomii uważa, że Michał Anioł rzeczywiście pozostawił pewne ilustracje anatomiczne w jednym ze swoich najbardziej znanych dzieł znane prace. Wierzą, że po prawej stronie obrazu przedstawiony jest ogromny mózg. Co zaskakujące, można znaleźć nawet złożone elementy, takie jak móżdżek, nerwy wzrokowe i przysadka mózgowa. A chwytliwa zielona wstążka idealnie komponuje się z położeniem tętnicy kręgowej.

Ostatnia wieczerza Van Gogha

Vincent van Gogh, Taras kawiarni nocą, 1888

Badacz Jared Baxter uważa, że Café Terrace at Night Van Gogha zawiera dedykację dla Ostatniej Wieczerzy Leonarda da Vinci. W centrum zdjęcia kelner z długie włosy i w białej tunice, przypominającej szaty Chrystusa, a wokół niego dokładnie 12 gości kawiarni. Baxter zwraca także uwagę na krzyż, umieszczony bezpośrednio za plecami kelnera w kolorze białym.

Obraz pamięci Dali

Salvador Dali, Trwałość pamięci, 1931

Nie jest tajemnicą, że myśli, które nawiedziły Dali podczas tworzenia jego arcydzieł, zawsze miały formę bardzo realistycznych obrazów, które artysta następnie przeniósł na płótno. Tak więc, według samego autora, obraz „Trwałość pamięci” powstał w wyniku skojarzeń, jakie narosły na widok sera topionego.

O czym krzyczy Munch

Edvard Munch, „Krzyk”, 1893.

Munch mówił o pojawieniu się swojego pomysłu jako jednego z najbardziej tajemnicze obrazy w malarstwie światowym: „Szedłem z dwójką przyjaciół ścieżką - zachodziło słońce - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując zmęczenie, oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym- czarny fiord i miasto – szli dalej moi przyjaciele, a ja stałam drżąc z podniecenia, czując niekończący się krzyk przeszywający naturę. Ale jaki zachód słońca mógł tak przestraszyć artystę?

Istnieje wersja, że pomysł „Krzyku” narodził się przez Muncha w 1883 roku, kiedy miało miejsce kilka najsilniejszych erupcji wulkanu Krakatoa – tak potężnych, że zmieniły temperaturę ziemskiej atmosfery o jeden stopień. Po całym pomieszczeniu unosiła się duża ilość kurzu i popiołu Globus docierając nawet do Norwegii. Przez kilka wieczorów z rzędu zachody słońca wyglądały, jakby miała nadejść apokalipsa – jeden z nich stał się źródłem inspiracji dla artysty.

Pisarz wśród ludzi

Aleksander Iwanow, „Pojawienie się Chrystusa ludowi”, 1837-1857.

Dziesiątki modelek pozowało Aleksandrowi Iwanowowi do jego zdjęcia główne zdjęcie. Jeden z nich jest znany nie mniej niż sam artysta. W tle, wśród podróżników i jeźdźców rzymskich, którzy nie słyszeli jeszcze kazania Jana Chrzciciela, można dostrzec postać w brązowej tunice. Jego Iwanow pisał z Mikołajem Gogolem. Pisarz utrzymywał ścisły kontakt z artystą we Włoszech, zwłaszcza w kwestiach religijnych i udzielał mu rad w procesie malowania. Gogol wierzył, że Iwanow „już dawno umarł za cały świat, z wyjątkiem swojej pracy”.

Dna Michała Anioła

Rafaela Santi”, szkoła ateńska", 1511.

Tworząc słynny fresk„Szkoła ateńska” Rafael uwieczniał na obrazach swoich przyjaciół i znajomych starożytni filozofowie greccy. Jednym z nich był Michelangelo Buonarroti „w roli” Heraklita. Przez kilka stuleci fresk skrywał tajemnice życia osobistego Michała Anioła, a współcześni badacze sugerują, że dziwnie kanciaste kolano artysty wskazuje na chorobę stawów.

Jest to całkiem prawdopodobne, biorąc pod uwagę specyfikę stylu życia i warunków pracy artystów renesansu oraz chroniczny pracoholizm Michała Anioła.

Lustro Arnolfinich

Jan van Eyck, „Portret Arnolfinich”, 1434

W lustrze za Arnolfinis możesz zobaczyć odbicie dwóch kolejnych osób w pokoju. Najprawdopodobniej są to świadkowie obecni przy zawarciu umowy. Jednym z nich jest van Eyck, o czym świadczy łaciński napis umieszczony wbrew tradycji nad lustrem w centrum kompozycji: „Tu był Jan van Eyck”. W ten sposób najczęściej zawierano umowy.

Jak wada zamieniła się w talent

Rembrandt Harmenszoon van Rijn, Autoportret w wieku 63 lat, 1669.

Badaczka Margaret Livingston przestudiowała wszystkie autoportrety Rembrandta i odkryła, że artysta cierpiał na zez: na obrazach jego oczy patrzą w różnych kierunkach, czego nie obserwuje się na portretach innych osób autorstwa mistrza. Choroba spowodowała, że artysta lepiej postrzegał rzeczywistość w dwóch wymiarach niż osoby o prawidłowym wzroku. Zjawisko to nazywane jest „ślepotą stereo” – niemożnością zobaczenia świata w 3D. Ponieważ jednak malarz musi pracować z obrazem dwuwymiarowym, właśnie ta wada Rembrandta mogła być jednym z wyjaśnień jego fenomenalnego talentu.

Bezgrzeszna Wenus

Sandro Botticelli, Narodziny Wenus, 1482-1486.

Przed nastaniem Narodzin Wenus wizerunek nagiego kobiecego ciała w malarstwie symbolizował jedynie ideę grzechu pierworodnego. Sandro Botticelli był pierwszym europejskim malarzem, który nie znalazł w nim nic grzesznego. Co więcej, krytycy sztuki są pewni, że na fresku symbolizuje pogańska bogini miłości chrześcijański wizerunek: jej pojawienie się jest alegorią odrodzenia duszy, która przeszła rytuał chrztu.

Lutniarz czy lutnista?

Michelangelo Merisi da Caravaggio, Lutnista, 1596.

Przez długi czas obraz był wystawiany w Ermitażu pod tytułem „Lutnista”. Dopiero na początku XX wieku historycy sztuki zgodzili się, że płótno nadal przedstawia młodego mężczyznę (prawdopodobnie Caravaggio pozował jego przyjaciel artysta Mario Minniti): na notatkach znajdujących się przed muzykiem nagranie partii basowej widoczny jest madrygał Jacoba Arcadelt’a „Wiesz, że cię kocham”. Kobieta raczej nie mogłaby dokonać takiego wyboru - to po prostu trudne dla gardła. Poza tym lutnia, podobnie jak skrzypce na samym brzegu obrazu, w epoce Caravaggia uważana była za instrument męski.

Dla wielu przypomnienie artystów i ich obrazów wydaje się zadaniem niemożliwym. Przez setki lat historia zapisała nazwiska wielu artystów, których nazwiska są powszechnie znane, w przeciwieństwie do obrazów. Jak zapamiętać specyfikę artysty i jego styl? Przygotowaliśmy krótki opis Dla tych, którzy chcą zrozumieć sztuki piękne: