Prace malarskie. Kolorystyka obrazów znanych artystów: tajniki techniki malarstwa olejnego. Technika dawnych mistrzów

Jeśli masz doświadczenie z ołówkiem, możesz spokojnie rozpocząć naukę malowania;
Jeśli nie masz żadnego doświadczenia, najpierw zalecamy, abyś wziął udział w kursie podstawowym w szkole malarstwa dla dorosłych. Pod koniec tego kursu będzie ci znacznie łatwiej malować;
Jeśli masz poważne doświadczenie w rysowaniu ołówkiem i farbami, możesz pod okiem doświadczonego nauczyciela zacząć tworzyć swój portret, kopiować mistrzów lub rozwijać swoje pomysły.

Prace malarskie


Natalia Kudryavtseva 3 miesiące szkolenia (olej);	Nastya Chochłowa 3 miesiące szkolenia (pastelowe)	5 miesięcy szkolenia (masło)	Nastya Trosnowa około 6 miesięcy szkolenia (pastel)


Elya Grudina (12 lat) 6 miesięcy szkolenia (masło)	Katia Popowa (16 lat) 8 miesięcy szkolenia (masło)	Tanya Nigay (24 lata) 7 miesięcy szkolenia (masło)


Elena Orłowa około 2 lat studiów (akwarela)	Valya Shvets (27 lat) 4 miesiące studiów (pastel)	Valya Shvets (27 lat) 8 miesięcy studiów (pastel)

Grafika

Indywidualne podejście stosowane w pracowni Art-Idea zakłada, że nauczyciel zajmuje się Tobą w oparciu o Twoje cele i potrzeby. W związku z tym możesz poprawić dowolną technikę rysowania, którą jesteś zainteresowany, niezależnie od tego, czy jest to cienka i przezroczysta akwarela, czy bardziej pastowata technika malowania olejem. Również w szkole malarstwa dla dorosłych można zapoznać się z najdelikatniejszą techniką pasteli, techniką błyszczącego gwaszu, temperą matową czy techniką suchego pędzla.

W szkole Art-Idea malarstwa można uczyć dorosłych i dzieci.

Szkoła malarstwa

Prace wykonane szpachelką

Wchodząc szkoła malarstwa, zwykle zakładamy, że będziemy rysować na kartce papieru i pędzlem! To jest nasza zwykła reprezentacja Ciekawostka: włoska szkoła malarstwa nie zaleca używania pędzli początkującym artystom. Na początku uczą się pokazywać coś ogólnie i tylko za pomocą szpachelki. Pędzel zwraca uwagę na drobiazgi, które nie są potrzebne na wczesnym etapie treningu.

Nauka koloru to świetna zabawa! Prawdopodobnie słyszałeś, że różne kolory mają różny wpływ na człowieka. Tak więc czerwień jest w stanie ekscytować, a niebieski uspokaja, żółty przynosi radość, a zielony harmonię. W życiu współczesnego człowieka często brakuje czystych, jasnych kolorów, stąd przygnębiony nastrój i przygnębienie. Szkolenie malarskie w tym sensie uzdrawia większość ludzi, dodając do ich życia wibrację i harmonię kolorów, których im brakuje! Jest nawet taki kierunek – arteterapia, w której ludzie leczeni są za pomocą koloru. W ten sposób malarstwo często harmonizuje nie tylko duszę, ale i ludzkie ciało!

Szkolenie malarskie ma miejsce w Studia №1(m. pl. Vosstaniya) lub Studia №2(m. pr. Oświecenie lub m. Grazhdansky pr.)

gorąca emalia(z francuskiego e-maila) - technika emaliowania, w której pastowata masa zabarwiona tlenkami metali jest nakładana na specjalnie przygotowaną powierzchnię i wypalana, w wyniku czego powstaje kolorowa warstwa szklista.

Istnieje kilka rodzajów emalii, w zależności od techniki ich wytwarzania:

Miniatura na emalii, finift- technika emaliowania artystycznego, która wykorzystuje technikę malowania pędzlem sztalugowym. Pierwsza rejestracja obrazu wykonywana jest na białym tle emalii miedzianej płyty bazowej. Po podmalowaniu płyta jest suszona, wypalana w piecu muflowym w temperaturze 800 stopni i ponownie przepisywana. Aby uzyskać maksymalne wyrafinowanie kolorów i szczegółowość rysunku, artysta emalii powtarza ten proces wiele razy.
Malowana (malownicza) emalia- na przedniej stronie kontur obrazu i jego szczegóły są napisane nasyconą farbą emaliową. Ponieważ emalia nakładana jest we fragmentach, wypalanie odbywa się 10-15 razy, biorąc pod uwagę różny poziom temperatury topnienia zastosowanych emalii.
emalia cloisonne- do jego produkcji pobierana jest cienka metalowa płytka, na której przecina się kontur przyszłego obrazu. Następnie wzdłuż tego konturu lutuje się cienkie metalowe paski, uzyskując obraz z komórek o różnych kształtach i rozmiarach. Każda komórka jest wypełniona emalią w innym kolorze niż górna krawędź przegród i emalia jest wypalana.
Emalia na filigran (filigran)- kwiatowy lub geometryczny ornament jest przylutowany do metalowej powierzchni ze splecionego metalowego drutu, który tworzy komórki. Każda komórka wypełniona jest po brzegi emalią w innym kolorze, która po wypaleniu osiada i okazuje się, że znajduje się poniżej filigranowego ornamentu. Dzięki temu emalia nie jest polerowana na filigranu.
emalia szampańska- fabuła lub obraz ozdobny jest głęboko nacinany (usuwany) na metalowej blasze. Powstałe wgłębienia wypełnia się przezroczystą lub nieprzezroczystą emalią i emalia jest wypalana. W technice emalii champlevé znanych jest kilka technik pozwalających uzyskać efekt artystyczny.
Grawerowanie emalii jest rodzajem techniki emaliowania champlevé.
Emalia na giloszowym tle- rodzaj techniki grawerowania emalii. Grawerowanie odbywa się mechanicznie na specjalnej maszynie. W technice emalii giloszowej stosuje się wyłącznie emalie transparentne o najszerszej gamie kolorystycznej.
odlewanie emalii- obraz uzyskuje się poprzez odlanie go wraz z metalową płytą bazową. Następnie wgłębienie na talerzu wypełnia się emalią.
Relief emalii- technika stosowana do artystycznego emaliowania w wysokim reliefie, gdy powłoka emalii powtarza kształt metalowego reliefu, działając jak szkliwo.

technika malowania- zestaw technik posługiwania się materiałami i środkami artystycznymi.

Tradycyjne techniki malarskie: enkaustyka, tempera, ściana (wapno), klej i inne. Od XV wieku popularna stała się technika malowania farbami olejnymi; w XX wieku pojawiły się farby syntetyczne ze spoiwem wykonanym z polimerów (akryl, winyl itp.). Gwasz, akwarela, chiński tusz i technika półrysunkowa – pastel – określane są również mianem malarstwa.

AKWARELA

Akwarela(z włoskiego „aquarello”) – oznacza malowanie farbami wodnymi.

W akwareli jest wiele technik artystycznych: praca na mokrym papierze ("A la Prima"), praca na suchym papierze, wypełnianie, mycie, użycie ołówków akwarelowych, tuszu, praca suchym pędzlem, użycie szpachelki, sól, malowanie wielowarstwowe, wykorzystanie technik mieszanych.

Odmiany technik akwarelowych:

na sucho - malowanie na suchym papierze, przy czym każda warstwa farby schnie przed nałożeniem kolejnej

na mokro, mokra akwarela, alla prima - malowanie na mokrym papierze. Technika „mokro na mokro” wykorzystuje przepływ akwareli do tworzenia niezwykłych efektów kolorystycznych. Stosowanie tej techniki wymaga znajomości zawartości wilgoci w papierze i doświadczenia z samą techniką.

Alla prima (ala prim) (pochodzące z włoskiego alla prima - w pierwszej chwili) to rodzaj techniki malarstwa olejnego i akwarelowego, polegającego na wykonaniu obrazu (lub jego fragmentu) w jednej sesji, bez wstępnej rejestracji i podmalowywania.

Cieniowanie to bardzo ciekawa technika w akwareli. Płynne przejścia kolorów pozwalają na efektowne zobrazowanie nieba, wody, gór.

Szpachelka znajduje zastosowanie nie tylko w malarstwie olejnym, ale również w malarstwie akwarelowym. Za pomocą szpachelki możesz podkreślić kontury gór, kamieni, skał, chmur, fal morskich, przedstawić drzewa, kwiaty.

Chłonne właściwości soli pozwalają uzyskać ciekawe efekty w akwareli. Za pomocą soli możesz ozdobić łąkę kwiatami, uzyskać poruszające się powietrze na zdjęciu, przesuwając przejścia tonalne.

Malowanie wielowarstwowe jest bogate w kolorystykę. W malarstwie wielowarstwowym wykorzystywane są wszystkie artystyczne techniki pracy z akwarelą.

Akwarela to jedna z najtrudniejszych technik malarskich. Główną cechą akwareli jest przezroczystość i lekkość obrazu. Pozorna prostota i łatwość malowania akwarelami jest zwodnicza. Malowanie akwarelą wymaga umiejętności posługiwania się pędzlem, umiejętności dostrzegania tonów i kolorów, znajomości praw mieszania kolorów i nakładania warstwy farby na papier. W akwareli jest wiele technik: praca na suchym papierze, praca na mokrym papierze („A la Prima”), użycie ołówków akwarelowych, tuszu, malowanie wielowarstwowe, praca na sucho pędzlem, szpachlowanie, mycie, użycie szpachelki, sól, użycie mieszanych mediów.

Akwarela, mimo pozornej prostoty i łatwości rysowania, jest najbardziej złożoną techniką malarską. Malowanie akwarelą wymaga umiejętności posługiwania się pędzlem, umiejętności dostrzegania tonów i kolorów, znajomości praw mieszania kolorów i nakładania warstwy farby na papier.

W przypadku prac akwarelowych jednym z najważniejszych materiałów jest papier. Ważna jest jego jakość, rodzaj, rzeźba, gęstość, ziarnistość, rozmiar. W zależności od właściwości papieru, farby akwarelowe nakłada się na papier w różny sposób, wchłania, suszy.

OŁÓWEK

Ołówek to materiał do rysowania. Rozróżnij czarne ołówki i kredki. Rysowanie ołówkiem odbywa się na papierze za pomocą kreskowania, plam tonalnych, renderowania światłocienia.

Kredki akwarelowe to rodzaj kredek rozpuszczalnych w wodzie. Techniki używania ołówków akwarelowych są zróżnicowane: zacieranie rysunku ołówkiem akwarelowym wodą, praca z ołówkiem akwarelowym nasączonym wodą, praca z ołówkiem na mokrym papierze itp. Rysowanie jest trudniejsze do wykonania.

Za pomocą ołówka możesz uzyskać nieskończoną liczbę odcieni, gradacji tonów. Rysunek wykorzystuje ołówki o różnym stopniu miękkości.

Pracę nad rysunkiem graficznym rozpoczynają od rysunku konstrukcyjnego, tj. rysowanie konturów zewnętrznych obiektu za pomocą linii konstrukcyjnych, zwykle ołówkiem o średniej miękkości H, HB, B, F, następnie w rysunku tonalnym, w którym nie ma linii konturowych obiektów, a granice obiektów są wskazane przez kreskowanie, w razie potrzeby użyj bardziej miękkich ołówków. Najtwardszy to 9H, najdelikatniejszy to 9B.

Na rysunku ołówkiem pożądane jest wykonanie jak najmniejszej liczby poprawek i ostrożne użycie gumki, aby nie pozostawić plam, dzięki czemu rysunek będzie wyglądał świeżo i schludnie. Z tych samych powodów lepiej nie używać cieniowania w rysunku ołówkiem. Aby zastosować ton, stosuje się technikę kreskowania. Pociągnięcia mogą różnić się kierunkiem, długością, rozrzedzeniem, naciskiem ołówka. Kierunek pociągnięcia (poziomy, pionowy, ukośny) jest określony przez kształt, wielkość obiektu, ruch powierzchni na rysunku.

Portret ołówkiem jest bardzo realistyczny i wypełniony światłem. Rzeczywiście, za pomocą ołówka można przekazać wiele odcieni, głębię i objętość obrazu, przejścia światłocienia.

Rysunek ołówkiem jest utrwalany utrwalaczem, dzięki czemu rysunek nie traci wyrazistości, nie rozmazuje się nawet po dotknięciu ręką i pozostaje przez długi czas.

MASŁO

Najpopularniejszą techniką malarską jest malarstwo olejne na płótnie. Malarstwo olejne daje mistrzowi nieograniczoną liczbę sposobów przedstawiania i przekazywania nastroju otaczającego świata. Pasty lub przewiewne przeźroczyste pociągnięcia, przez które widoczne jest płótno, tworzenie reliefu za pomocą szpachelki, glazurowania, przy użyciu farb transparentnych lub kryjących, różnych wariacji mieszania kolorów - cała ta różnorodność technik malowania olejnego pozwala artyście odnaleźć i przekazać nastrój , objętość przedstawionych obiektów, otoczenie powietrza, tworzą iluzyjną przestrzeń, aby przekazać bogactwo odcieni otaczającego świata.

Obraz olejny ma swoją specyfikę - obraz malowany jest kilkoma warstwami (2-3), każda warstwa musi schnąć przez kilka dni, w zależności od użytych materiałów, więc zazwyczaj obraz olejny maluje się od kilku dni do kilku tygodni.

Najbardziej akceptowalne dla malarstwa olejnego jest płótno lniane. Tkanina lniana jest trwała, ma żywą fakturę. Płótna lniane są dostępne w różnych rozmiarach ziarna. Drobnoziarniste, gładsze płótno służy do portretowania i malowania drobnoziarnistego. Płótno gruboziarniste nadaje się do malowania o wyrazistej fakturze (kamienie, skały, drzewa), malowania impastami oraz malowania szpachlą. Wcześniej w malarstwie wykorzystywano technikę glazurowania, nakładanie farby cienkimi warstwami, dzięki czemu szorstkość warstwy lnu nadawała obrazowi elegancji. Obecnie w malarstwie często stosuje się technikę uderzeń impastowych. Jednak jakość płótna jest ważna dla wyrazistości obrazu.

Płótno bawełniane jest trwałym i niedrogim materiałem, nadającym się do malowania pociągnięciami pasty.

W malarstwie olejnym stosuje się również takie podłoża jak juta, sklejka, płyta pilśniowa, metal, a nawet papier.

Płótna naciągnięte są na tekturę i na blejtram. Płótna na tekturze są cienkie i zazwyczaj nie występują w dużych formatach i nie przekraczają rozmiaru 50x70. Są lekkie i łatwe w transporcie. Płótna na blejtramie są droższe, gotowe płótna na blejtramie mogą osiągać wymiary 1,2m na 1,5m. Gotowy obraz jest oprawiony.

Przed pracą z olejem płótna są klejone i gruntowane. Jest to konieczne, aby farba olejna nie zniszczyła płótna, a farba dobrze leżała na płótnie.

Obrazy farbami olejnymi najczęściej tworzy się poprzez ustawienie płótna na sztalugach. W malarstwie olejnym stosuje się technikę pracy szpachlą. Nóż paletowy - narzędzie wykonane z elastycznej stali w postaci noża lub szpatułki z zakrzywioną rękojeścią. Inna forma szpachelki pozwala uzyskać różne faktury, relief, objętość. Za pomocą szpachelki można również nakładać równe, gładkie pociągnięcia. Ostrze szpachelki można również wykorzystać do tworzenia cienkich linii - pionowych, poziomych, chaotycznych.

PASTEL

Pastel(od łac. makaron - ciasto) - technika malowania i rysowania pastelami na szorstkiej powierzchni papieru i kartonu. Pastel to jeden z bardzo nietypowych materiałów malarskich. Malarstwo pastelowe jest przewiewne i delikatne. Subtelność i elegancja techniki pastelowej nadaje zdjęciom żywotności, miejsca bajkowego i magicznego. W technice pasteli „suchych” szeroko stosowana jest technika „cieniowania”, która daje efekt miękkich przejść i delikatności koloru. Pastel nakłada się na szorstki papier. Kolor papieru ma znaczenie. Kolor tła, pojawiający się poprzez pociągnięcia pastelem, wywołuje pewien nastrój, osłabiając lub wzmacniając efekty kolorystyczne obrazu. Obrazy pastelowe są utrwalane utrwalaczem i przechowywane pod szkłem.

Technika pasteli zyskała dużą popularność i osiągnęła swój szczyt w XVIII wieku. Pastel potrafi nadać każdej fabule niezwykłej miękkości i delikatności. W tej technice możesz tworzyć dowolne tematy - od pejzaży po rysunki ludzi.

Zalety pastelu dają artyście dużą swobodę: pozwala usuwać i nakładać na siebie całe warstwy obrazkowe, zatrzymać i wznowić pracę w dowolnym momencie. Pastel łączy w sobie możliwości malowania i rysowania. Potrafi rysować i pisać, pracować z cieniowaniem lub malowniczym miejscem, suchym i mokrym pędzlem.

Rodzaje pasteli:

suchy- wykonane z pigmentu metodą tłoczenia bez dodawania oleju

oleisty- wykonany z pigmentu z olejem lnianym metodą tłoczenia.

woskowy- wykonane z pigmentu metodą tłoczenia z dodatkiem wosku

Techniki pastelowe są zróżnicowane. Pastelowe pociągnięcia przeciera się palcami, specjalnymi blenderami, skórzanymi wałkami, jedwabnymi kwadratowymi pędzlami, pędzlami, miękkimi tamponami. Technika pasteli jest bardzo subtelna i złożona w nakładaniu pastelowego "lakierowania" koloru na kolor. Pastel nakładają się plamy, pociągnięcia, glazury.

Do pracy z kredkami pastelowymi potrzebne są bazy, które utrzymują pastel i zapobiegają jego zrzucaniu. Pastele pracują na chropowatych rodzajach papieru, takich jak „pochodnia”, papier rysunkowy, papier ścierny, na sypkiej, wełnistej tekturze, zamszu, pergaminie, płótnie. Najlepszą bazą jest zamsz, na którym napisane są niektóre z dzieł, które stały się klasykami. Rysunki pastelowe są utrwalane za pomocą specjalnych utrwalaczy, które zapobiegają zrzucaniu pastelu.

Edgar Degas był niezrównanym mistrzem pasteli. Degas miał bystre oko i niezawodny rysunek, co pozwoliło mu osiągnąć niespotykane dotąd efekty w pastelach. Jeszcze nigdy pastelowe rysunki nie były tak drżące, mistrzowsko niestaranne i tak cenne w kolorze. W swoich późniejszych pracach, przypominających świąteczny kalejdoskop świateł, E. Degas miał obsesję na punkcie chęci oddania rytmu i ruchu sceny. Aby nadać farbom szczególny połysk i nadać im blask, artysta rozpuścił pastel gorącą wodą, zamieniając go w rodzaj farby olejnej i nałożył pędzlem na płótno. W lutym 2007 roku w Sotheby's w Londynie pastel Degasa „Trzej tancerze w fioletowych spódnicach” został sprzedany za 7,87 miliona dolarów.W Rosji w pastelach pracowali tacy mistrzowie jak Repin, Serov, Levitan, Kustodiev, Petrov-Vodkin.

SANGINA

Kolorystyka sangwinika, materiału rysunkowego, waha się od brązu do czerwieni. Z pomocą sangwinika tony ludzkiego ciała są dobrze przekazywane, dzięki czemu portrety wykonane przez sangwinika wyglądają bardzo naturalnie. Technika czerpania z życia za pomocą sangwinika znana jest od renesansu (Leonardo da Vinci, Raphael). Często sangwinę łączy się z węglem drzewnym lub włoskim ołówkiem. Aby zapewnić większą trwałość, sangwiniczne rysunki są mocowane za pomocą utrwalacza lub umieszczane pod szkłem.

Sanguina znana jest od starożytności. To wtedy sangwina umożliwiła wprowadzenie do rysunku koloru cielistego. Sangwiniczna technika rysowania stała się powszechna w okresie renesansu. Artyści renesansowi opracowali i szeroko stosowali technikę „trzech ołówków”: nakładali na zabarwiony papier rysunek sangwiną lub sepią i węglem, a następnie zaznaczali pożądane miejsca białą kredą.

sangwina(z łac. „sanguineus” - „czerwona krew”) - są to ołówki o czerwono-brązowych odcieniach. Sanguina jest zrobiona z drobno zmielonej palonej sieny i gliny. Podobnie jak pastel, węgiel i sos, sangwina jest miękkim materiałem, który podczas produkcji formuje się w kwadratowe lub okrągłe kredki.

Z pomocą sangwinika tony ludzkiego ciała są dobrze przekazywane, dzięki czemu portrety wykonane przez sangwinika wyglądają bardzo naturalnie.

Technika sangwiniczna charakteryzuje się połączeniem szerokich pociągnięć i cieniowania z pociągnięciami ostro zaostrzonych bloków sangwinicznych. Piękne sangwiniczne rysunki uzyskuje się na podbarwionym tle, zwłaszcza gdy do podłoża dodaje się węgiel i kredę (technika „trzech ołówków”).

Do rysowania wybiera się sangwinę o takim odcieniu, który lepiej pasuje do cech natury. Na przykład dobrze jest narysować nagie ciało czerwonawym sangwinikiem, a krajobraz szarobrązowym lub sepiowym sangwinikiem.

Czasami sangwinik łączy się z węglem drzewnym, który daje zimne odcienie. Kontrast ciepłych i zimnych odcieni nadaje takim pracom szczególnego uroku.

Aby zapewnić większą trwałość, sangwiniczne rysunki można naprawić za pomocą utrwalacza lub umieścić pod szkłem.

TEMPERA

Tempera(od łacińskiego „temperare” - do łączenia) - spoiwo farb, składające się z naturalnej lub sztucznej emulsji. Przed udoskonaleniem farb olejnych przez J. Van Eycka (XV wiek), średniowieczna tempera jajowa była jednym z najpopularniejszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów malarstwa w Europie, ale stopniowo traciła na znaczeniu.

W drugiej połowie XIX wieku rozczarowanie, które nastąpiło w późniejszym malarstwie olejnym, zapoczątkowało poszukiwania nowych spoiw do farb, a zapomniana tempera, której dobrze zachowane prace mówią same za siebie, znów budzi zainteresowanie.

W przeciwieństwie do malarstwa olejnego i starej tempery, nowa tempera nie wymaga od malarza określonego systemu malowania, dając mu w tym zakresie pełną swobodę, z której może korzystać bez szkody dla wytrzymałości obrazu. Tempera w przeciwieństwie do oleju szybko schnie. Obrazy temperowe pokryte werniksem nie ustępują malarstwu olejnemu kolorem, a pod względem niezmienności i trwałości farby temperowe przewyższają nawet olejne.

Materiały i techniki graficzne są zróżnicowane, ale z reguły podstawą jest kartka papieru. Dużą rolę odgrywa kolor i faktura papieru. Kolorystyka materiałów i technik zależy od rodzaju grafiki.

Anna Klimowa
Projekt „Niesamowite możliwości malowania”

Projekt« Niesamowite możliwości malowania»

Stosowność projekt

Zaawansowane doświadczenie pedagogiczne pokazuje, że na obecnym etapie rozwoju społeczeństwa nie wystarczy tylko nauczyć dziecko czegoś. Aktywność, samodzielność, inicjatywa, kreatywność prowadzą w wyznaczaniu kierunków rozwoju osobowości we współczesnych warunkach. Realizacja samodzielnych, praktycznych i twórczych działań dzieci w zakresie rozwoju artystycznego i estetycznego ma na celu przede wszystkim wszechstronny rozwój osobowości dziecka.

Wpływ sztuki na kształtowanie się osobowości człowieka, jej rozwój jest bardzo duży. W. A. Suchomlinski napisał: „W dzieciństwie procesy myślowe powinny być jak najściślej związane z żywymi, jasnymi, wizualnymi obiektami otaczającego świata. Emocjonalne nasycenie percepcji to duchowy ładunek kreatywności dzieci.

Zapoznając się z wybitnymi dziełami sztuki, przedszkolaki uczą się rozumieć harmonię natury, poznają kulturę i historię Rosji, poznają przyjęte w społeczeństwie normy zachowania i wartości duchowe, zapoznają się z życiem i pracą ludzi w różnych pola działania, szczególne miejsce obraz zajmuje się rozwojem mowy. Przez obraz myślenie się rozwija działalność: umiejętność uogólniania na podstawie analizy, porównywania i wyjaśniania, rozwijania mowy wewnętrznej (mowa wewnętrzna pomaga dziecku planować i wyrażać jego sądy, korelować wnioski wynikające z percepcji intencji artysty, przyczynia się również do manifestacji własnej intelektualnej i emocjonalne skojarzenia). Sztuka przyczynia się do percepcji różnych uczuć i tworzenia początkowych podstaw światopoglądu. Dzieci wzbogacają swoje doświadczenia moralne, kształtuje się ich świadomość moralna. Uczą się porównywać swoje doświadczenia z doświadczeniami osób przedstawionych przez artystę i przenosić to, co postrzegają, do gatunku. obraz sposoby relacji między ludźmi w rzeczywistych sytuacjach życiowych.

Ważne jest, aby ukształtowanie się wszechstronnie rozwiniętej osobowości przedszkolaka następowało w jednym procesie oswajania dzieci ze sztukami plastycznymi, sztuką ludową, kulturą, wartościami estetycznymi i przyrodą ich ojczyzny. Praca obraz bogate w treści ideowe i doskonałe w formie artystycznej. Kształtują więc artystyczny gust przedszkolaków, umiejętność rozumienia i doceniania piękna nie tylko w sztuce, ale także w życiu, przyrodzie, codzienności. Obraz odtwarza całe bogactwo i różnorodność świata z przestrzenną głębią, objętością, kolorem, światłem i powietrzem.

Tak więc istnieje sprzeczność między możliwości malowania jako środek wszechstronnego rozwoju osobowości przedszkolaka i jego niedostateczne wykorzystanie w procesie pedagogicznym.

Cel projekt: Kompleksowy rozwój przedszkolaków w procesie zapoznawania się z obraz.

Zadania projekt:

1. Zapoznanie dzieci z rosyjskimi artystami i ich dziełami oraz wzbudzenie w dzieciach stałego zainteresowania obraz;

2. Zachęcaj rodziców i dzieci do aktywnej interakcji z nauczycielami, stymulując chęć poszukiwania dodatkowych informacji na ten temat;

3. Opracuj system zajęć zapoznających dzieci obraz(planowanie na przyszłość na rok akademicki);

4. Zwiększenie poziomu wiedzy nauczycieli i rodziców na temat możliwości oddziaływania malarstwa dla wszechstronnego rozwoju dziecka.

Rodzaj projekt

Według czasu - długoterminowo;

Czas trwania projekt– wrzesień – kwiecień (rok akademicki 2013-2014)

Według dominującego projekt zajęcia - zorientowane na praktykę;

Ze względu na charakter kontaktów – wewnątrzgrupowe;

Według liczby uczestników - zbiorowe;

Wiek dzieci - 5-6 lat;

Członkowie projekt - nauczyciele, dzieci z grupy seniorów, rodzice;

Produkt projekt zajęcia - planowanie długoterminowe, cykl zajęć, materiały i dodatkowe informacje na temat.

Oczekiwane rezultaty

1. Kształtowanie u dzieci systemu wiedzy o artystach i ich twórczości;

2. Systematyzacja informacji metodologicznych;

3. Dobór literatury i opracowanie długoterminowego planu zapoznania dzieci z obraz;

4. Systematyczne stosowanie w pracy cykli zajęć w celu zapoznania dzieci z obraz;

5. Nasycenie bazy metodycznej dodatkowymi informacjami i materiałami do zajęć w celu zapoznania dzieci obraz.

Główne etapy projekt

1 - tworzenie problemu zorientowanego na praktykę

Przychodzenie na lekcję w celu zapoznania dzieci z obraz, wystawiam reprodukcje przedstawiające jesienny pejzaż. W trakcie lekcji słuchamy muzyki, czytamy fragmenty wierszy, które pomagają percepcji obraz. Dzieci korelują utwory muzyczne i literackie z reprodukcją i uzasadniają swój wybór, ale jest jedna reprodukcja (Savrasov A.K., "Jesień. Drzewo nad strumykiem” dla których nie ma odpowiedniej muzyki i wiersza. Powstaje pytanie: "Co robić?".

2 - stawianie hipotez w celu rozwiązania problemu

Dzieci proponują zaangażowanie bibliotekarza, który przychodzi do nich co tydzień i proszą go o pomoc w wyborze wierszy o jesieni. A także skontaktuj się z dyrektorem muzycznym z prośbą o wybór utworów muzycznych. Niespodziewanie Valya przypomina sobie, że nie tak dawno jej siostra, uczennica, nauczyła bardzo pięknego wiersza o jesieni i obiecuje poprosić matkę, aby dla nas napisała itp.

3 - podział na grupy

Po ustaleniu, czego potrzebujemy do dalszej pracy, proponuję dzieciom omówić ten problem w domu z rodzicami i zaangażować ich we wspólne poszukiwanie informacji, a być może uzupełnienie naszego planu rozwiązania problemu. A tym samym, dyskutować problem i sposoby jego rozwiązania na nowo, dzieci z rodzicami łączą się w mikrogrupy, aby zebrać potrzebne informacje.

4 - praktyczne rozwiązanie Problemy:

Stworzenie biblioteki muzycznej muzyki klasycznej, piosenek dla dzieci;

Wybór dzieł literackich (opowiadania i wiersze, folklor rosyjski) (Przysłowia i powiedzenia);

Wybór ilustracji do obejrzenia;

Wystawa prac dzieci z zakresu rysunku, aplikacji, modelowania i pracy fizycznej;

Wycieczki do Sali Wystawowej, Ogrodu Zimowego CDC "Arktyczny";

Spacery i wycieczki;

Tworzenie elektronicznego katalogu dzieł obraz;

Konkurs rysunkowy "Pory roku";

5 - prezentacja wyników

Wszystkie informacje zebrane z pomocą rodziców, nauczycieli, bibliotekarzy zostały zebrane, uogólnione i usystematyzowane. Po przetworzeniu zebranych Informacja:

Został napisany długoterminowy plan, aby zapoznać dzieci z obraz, wskazując źródła i wybór materiałów dodatkowych;

Opracowano szereg abstraktów zajęcia: O czym i jak mówi obraz» , „Kolory wieczornych pejzaży. Badanie obrazu I. I. Levitana "Letni wieczór", „złota jesień. Badanie obrazu I. I. Levitana „Złota jesień”„Taka inna jesień. Badanie i porównanie malarstwa pejzażowego „Złota jesień” I. I. Lewitan i "Październik" E. E. Volkova, "Zima" I. I. Shishkin” i inni;

Tematyczny prezentacje: "Witaj złotej jesieni", „Znaki jesieni”, „Jesień oczami artystów”, „Rosyjski krajobraz obraz» , "Martwa natura", „Prymitywna sztuka”, "Krajobraz obraz. Rosyjscy pejzażyści" itd. ;

Przeprowadzone konsultacje dla edukatorów na temat wpływu malowanie na rozwój dziecka: „Rosyjski krajobraz obraz» , „Organizacja postrzegania martwej natury przez dzieci w wieku przedszkolnym”, „Jesień, śpiewana przez poetów i malarze w dziełach sztuki” itp.;

Seminarium - warsztaty dla nauczycieli „Natura zimy w twórczości artystów”;

Tydzień tematyczny "Zimowa zabawa", „Szkice jesienne”;

Dla rodziców wystawiane foldery - przeprowadzki „poetycki obraz natury na dziecięcym rysunku”, „Sztuka i edukacja”, „Nauka obserwacji przyrody” itd. ;

Otwarta lekcja dla rodziców z wykorzystaniem zebranych informacji "Czarodziejka Zima nadchodzi...";

Monitorowanie wzbogacania wiedzy dzieci i poziomu powstawania pomysłów na temat obraz.

Bibliografia

1. Ashikov V. Edukacja przedszkolna w nowym wieku // Edukacja przedszkolna. -2000. - nr 1. - S. 8-11.

2. Wychowanie i edukacja dzieci do szóstego roku życia. / Wyd. Ushakova OS, Paramonova L.A. - M.: Oświecenie, 2001. - 160p.

3. Grigoryeva G. G. Aktywność wizualna przedszkolaków. - St. Petersburg: Childhood-Press, 1997. - 224 s.

4. Dzieci i krajobraz obraz. Pory roku. Uczymy się widzieć, doceniać, tworzyć piękno. - Petersburg: DZIECIŃSTWO - PRASA, 2004. - s. 272 / Biblioteka programów "Dzieciństwo"

5. Zubareva NM Dzieci i plastyka. Martwa natura i pejzaż w edukacji estetycznej dzieci w wieku 5-7 lat. M., "Edukacja", 1969. - 111 s.

6. Kazakova T. G. Rozwijaj kreatywność w przedszkolach. - M.: Oświecenie, 2005. - 146s.

7. Komarova, T. S. Twórczość artystyczna dzieci. - M., 2005. - 160 s.

8. Krasnushkin E. V. Sztuki wizualne dla przedszkolaki: martwa natura, krajobraz, portret. Do pracy z dziećmi 4-9 lat. - M.: MOZAIKA-SYNTEZA, 2012. - 80 s.

9. Miedwiediew L. G. Tworzenie graficznego obrazu artystycznego w klasie do rysowania, 1986.

10. Michajłowa T. Uczucie i kolor. Technologia „emocjonalnego nastroju” dzieci w procesie opanowywania technologii obraz. // Sztuka w szkole. z. 39, 2010.

11. Panksenov G.I. Obraz. kształt, kolor, obraz: podręcznik dla studentów. wyższy chudy instytucje edukacyjne. - M.: Centrum Wydawnicze „Akademia”, 2008.

12. Psychologia dzieci uzdolnionych i nastolatki: Podręcznik / Yu. D. Babaeva, N.S. Leites. - M.: "Akademia", 2000.

13. Sakulina N. P., Komarova T. S. Aktywność wizualna w przedszkolu. - M.: Oświecenie, 2003. - 208s

14. Chumicheva R. M. Przedszkolaki o obraz: Książka. dla wychowawców dzieci. ogród. - M.: "Edukacja", 1992. - 126 s., 16 arkuszy. chory.

15. Federalny standard edukacyjny dla edukacji przedszkolnej (zatwierdzony rozporządzeniem Ministerstwa Edukacji i Nauki Federacji Rosyjskiej z dnia 17 października 2013 r. Nr 1155)

Twórczość Dmitrija Revyakina jest bardzo zróżnicowana i obejmuje szeroki zakres dziedzin - od malarstwa olejnego i tempery po rzeźbienie w drewnie i tworzenie autorskich obiektów w stylu Steampunk. Szczególne miejsce zajmują dzieła będące wizytówką autora - malarstwo i snycerka w jednym dziele. Wszechstronność umiejętności artystycznych i wysoki poziom umiejętności Dmitrija Revyakina pozwala mu tworzyć oryginalne dzieła twórcze, które reprezentują organiczną jedność malarstwa i snycerki - obrazy i ramy jako ich semantyczną kontynuację.

Obraz Dmitrija Revyakina jest przesiąknięty miłością do rosyjskiej natury. Jego obrazy mówią o nieskończonej różnorodności piękna, pięknie wszystkich pór roku i pełnym szacunku stosunku artysty do ojczyzny. Pejzaże i martwe natury w oleju charakteryzują się jasnością obrazu, wyrazistością detali, pięknem lekkich niuansów i ogólnym poczuciem pogody.

Kopie obrazów
(obrazy wykonane na kursach mistrzowskich)

Wybierz zdjęcie (zdjęcia), w zamówieniu zamiast nazwy filmu podaj nazwę zdjęcia i w ciągu 1-6 godzin otrzymasz mailem szczegóły płatności

Chcesz kupić obraz w najniższej cenie w Moskwie? Prosimy o kontakt, bo na kursach mistrzowskich z malarstwa, wyjaśniając uczniom, jak malować ten czy inny pejzaż, martwą naturę, Dmitrij maluje obraz, a potem go sprzedajemy. Najbardziej tani obraz olejny Tylko tutaj! Jeśli znajdziesz obrazy w Moskwie taniej niż w pracowni Leonarda, napisz do nas, gdzie jest to miejsce! Możesz zobaczyć i zamów obraz olejny lub kup od dołu. Dmitry Revyakin jest doskonałym malarzem i mistrzem swojego rzemiosła, możesz zamówić jego Kopiuj jakiekolwiek znane obrazy lub zamów obraz ze zdjęcia. Poniżej fragment prac autora Dmitrija Revyakina (wszystkie obrazy są na sprzedaż).

Rzeźba w drewnie D.V. Rewiakina.

Dmitry zajmuje się rzeźbieniem w drewnie, pracuje w technice intarsji. Możesz zobaczyć zdjęcia D.V. Revyakin poniżej.
Rzeźba w drewnie to tradycyjna rosyjska sztuka, która zyskała uznanie na całym świecie. Przedmioty z naturalnego drewna nadają wnętrzu szczególny komfort i ciepło, tworzą obraz domu bogatego w tradycje i ceniącego stabilność. Na stronie prezentowane są następujące produkty z rzeźbami w drewnie, które można kupić: chaban (deska do herbaty), rama lustra, szkatułka na biżuterię, rzeźbione meble itp.

Steampunk.

D.V. Revyakin działa w stylu Steampunk (patrz zdjęcie poniżej). Możesz zamówić steampunkowy portret oprawiony w steampunkową ramę. Artysta będzie w stanie zrealizować każde zamówienie. Steampunk (lub steampunk) to kierunek oparty na fantazji, tworzący nową rzeczywistość, przedmioty, za pomocą mechanicznych i technologicznych elementów silników parowych. Steampunk jako styl jest powszechny w malarstwie, grafice, rzeźbie i designie, a przedmioty codziennego użytku tworzone w stylu Steampunk cieszą się dużą popularnością wśród młodych ludzi. Możesz również zamówić portret fantasy, a Dmitry namaluje doskonały obraz.

Plener.

Dmitry Revyakin bardzo często maluje z natury. Każdy artysta potwierdzi, że jedynym sposobem na zdobycie doświadczenia prawdziwego malarza jest praca w plenerze, studiując przyrodę. To fascynujące zajęcie znaleźć miejsce na łonie natury i wczesnym rankiem namalować piękny krajobraz z natury. Najlepiej pracować rano lub wieczorem, ponieważ kolory o tej porze są dla artystki najbardziej interesujące. Studiując przyrodę, poznasz prawdziwe, a nie fikcyjne odcienie, znajdziesz i porównasz złożone kombinacje kolorów z otaczającą Cię rzeczywistością.
„Obraz malarza nie będzie doskonały, jeśli jako inspirację czerpie obrazy innych; jeśli uczy się z naturalnych przedmiotów, wyda dobry owoc” Leonardo Da Vinci.