Galeria Leonarda da Vinci-Obrazy-
Gioconda - Mona Lisa (1503) 
Cecilia Gallerani, Dama z gronostajem (1485) 
Ginevra de Benci
Madonna Litta (1490) 
Madonna Litta (DETT) 
Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anną (1510) 
Madonna z Dzieciątkiem ze św. Anną - detal (1510) 
Jan Chrzciciel (1513) 
Panienka 
Madonna z goździkiem (1478) 
Panienki ze skały (1506) 
Portret muzyka (1485) 
Piękna ferroniere (1490) 
Adoracja Trzech Króli (1481) 
Leda i łabędź (DETT) 
Leda i łabędź 
Leda i łabędź (1510) 
Leda (1530), 
Madonna dell „arcolaio (1510) 
Madonna dell „arcolaio (DETT) 
Św. Jan na pustyni (Bachus) (1510) 
Chrzest Chrystusa (1485) 
Chrzest Chrystusa (więcej) 
Panienki na skale (DETT) 
Zwiastowanie (1472) 
Zwiastowanie (szczegóły) 
Zwiastowanie (szczegóły) 
Zwiastowanie (szczegóły) 
Madonna Goździka (DETT) 
Panienki na skale (DETT) 
Św. Hieronima (1480) 
Ostatnia Wieczerza
Rzeźby i posągi Leonarda
Pomnik konny 
Pomnik konny 
Pomnik konny 
Popiersie Flory
Biografia i życie Leonarda da Vinci (1452-1519)
Portrety i biografie Leonarda da Vinci Leonardo da Vinci, malarz, architekt, naukowiec i pisarz, jeden z najwybitniejszych umysłów wytworzonych przez ludzkość, Nieślubnym synem notariusz Piero i wieśniaczka, urodzona 15 kwietnia 1452 r. w Vinci, małej wiosce w Toskanii. Po dzieciństwie, spędzonym na spokojnej wsi we Florencji, we wczesnych latach mieszkał z matką, a następnie z ojcem, w wieku 17 lat, ze względu na umiejętności rysunkowe, przyjęty jako praktykant w Studio Sztuki Andrea del Verrocchio. znajdujący się we Florencji, gdzie przebywał do trzydziestego roku życia, Leonardo rysuje, maluje i studiuje, interesuje się wszystkimi dziedzinami ludzkiej wiedzy. żałując, że jeszcze nie uczyłeś się łaciny, uważa się go za „Omo bez litery” i sam próbuje się tego nauczyć, jako samouk zgłębia „anatomię, technologię, architekturę i inne nauki. Po losowaniu pisanie jest jego pasją , pisze cały czas, robi notatki i szkicuje, ale aby zachować pełną tajemnicę swoich notatek, Leonardo używa przy komponowaniu piosenek od lewej do prawej oraz anagramu słów, które chce zachować w tajemnicy. W 1482 r. Leonardo da Vinci zostaje zabrana na dwór Ludovico il Moro, gdzie ma wcześniej w sumie projekty z wyposażenie wojskowe, hydrotechnikę, architekturę, a w końcu jako malarz i rzeźbiarz z projektem konia z brązu na pomniku Francesco Sforzy. W Mediolanie, który wówczas ze stutysięczną ludnością był jednym z największych miast Europy, Leonardo da Vinci pozostał do końca 1499 roku, do upadku Sforzy. Z biegiem lat Leonardo maluje dużo, pamiętaj portret Cecylii Gallerani, „Dama z gronostajem”, pierwszą wersję „Dziewicy na skale” i słynną „Ostatnią Wieczerzę” w S. Maria delle Grazie. freski, wykonane techniką wymyśloną przez Leonarda, zajmowały go przez trzy lata, od 1495 do 1498 roku. Leonardo odpowiada za dekorację zamku Sforza, wykonaną z okazji ślubu Gian Galeazzo Sforza, wymyśla także fantastyczne maszyny teatralne reprezentacyjne niebiosa i niebiosa z gwiazdami w ruchu, które zostały całkowicie pokonane przez mediolańczyków. Po upadku Ludovico il Moro, pod naciskiem francuskich wojsk Ludwika XII, Leonardo opuścił Mediolan i rozpoczyna długą podróż z Mantui, Wenecji i Friuli do przybywa do Florencji. w latach 1500-1512 mieszka we Florencji, Rzymie, Mediolanie, zajmując się anatomią, architekturą miejską, optyką i inżynierią hydrauliczną. W 1513 r. Leonardo przeniósł się do Rzymu, gdzie był odpowiedzialny za umieszczenie portu Civitavecchia, tworząc projekt osuszania bagien pontyjskich, projekt ukończony kiedykolwiek po śmierci papieża, praca z płonącymi lustrami, którzy przybyli z Niemiec i nadal studiują anatomię, co stawia go w trudnej sytuacji i doprowadziło go do zaakceptowania Zaproszenie króla Francji Franciszka I został przyjęty z wieloma honorami przez króla Francji, osiadł w Château de Cloux, został mianowany pierwszym malarzem, architektem i inżynierem niezależnego projektu króla Royal Palace of Romorantin, Francesco I Chcę zbudować dla mojej matki Ludwiki Sabaudzkiej, Leonardo ma możliwość kontynuowania swoich badań hydrologicznych, rozpoczętych przed laty na Sforza, oraz planów małego miasteczka, które przewiduje nawet ruch koryta rzeki, co wzbogaca wodę i nawadnia otaczającej wsi. Franciszek I Leonardo sprzedaje portret Mona Lisy, który powstał we Florencji i nad którym pracował z przerwami do 1506 roku, którego nigdy nie uważał za skończony i towarzyszył im w ich podróży. zwana francuską Gioconda Mona Lisa, obraz olejny na drewnie topoli cm x 77 cm 53, obecnie należy do kolekcji paryskiego Luwru i jest najsłynniejszym obrazem na świecie.
Leonardo da Vinci zmarł 2 maja 1519 r. w swojej rezydencji w Cloux i został pochowany w kościele S. Valentino w Amboise, pozostawiając wszystkie swoje rękopisy, rysunki i instrumenty spuścizny uczniów Salaia i Melzi.
Epoki Wysoki renesans. Do tego dochodzi niedawny sukces Kodu Leonarda da Vinci Dana Browna i jego filmowej adaptacji. Nic dziwnego, że twórczość Leonarda zawsze i zawsze jest owiana tajemnicą – od takiego geniusza można oczekiwać wszystkiego! A więc 10 najlepszych dzieł Leonarda da Vinci:
1
Ten półmetrażowy portret Włoszki na tle pięknego górskiego krajobrazu znany jest na całym świecie i to nie tylko ze swoich walorów artystycznych: w 1911 roku został skradziony przez strażnika Luwru i odnaleziony dopiero 2 lata później. Ten incydent dodał popularność obrazowi i teraz Gioconda zajmuje honorowe, osobne miejsce w Luwrze.
2
Niesamowity fresk powstał w latach 1795-1498. w refektarzu klasztoru „Santa Maria” (Mediolan). Przedstawia scenę ostatniej wieczerzy Jezusa Chrystusa w otoczeniu apostołów. Historycy sztuki uważają, że artysta odtworzył moment, w którym Zbawiciel mówi uczniom, że jeden z nich go zdradzi. To prawdziwy kamień milowy sztuki renesansowej! Da Vinci zastosował w nim poprawną reprodukcję głębi perspektywy (która była nowa) - dzięki niej obraz nabrał głębi i żywotności.
3
Jest to rysunek stworzony jako ilustracja do książki o twórczości Witruwiusza (rzymskiego naukowca i encyklopedysty). Ta figura wyraźnie pokazuje wizerunek mężczyzny w dwóch pozycjach, nakładanych jedna na drugą. Co jest specjalnego w tym rysunku? Nazywa się to proporcją kanoniczną. „Człowiek witruwiański” otrzymał status dzieła sztuki i pracy naukowej.
4
Najbardziej wiarygodnym źródłem naszej wiedzy o tym, jak wyglądał ten wielki artysta, jest jego autoportret turyński. Został wykonany w sangwiniczce na papierze, ale z czasem został dość mocno zniszczony, a na ten moment nie wystawiane. Istnieje wiele spekulacji wokół rysunku: w szczególności niektóre badania uznają, że jest to szkic do obrazu Mona Lisy!
Jednym z powracających tematów obrazów da Vinci była Madonna z Dzieciątkiem, tradycyjny temat religijny. „Madonna Litta” stała się jednym z najlepszych obrazów o tej tematyce. Chodzi o doskonałość linii i kształtów – zwróć na przykład uwagę na to, jak harmonijnie łączy się postać karmiącej matki z wyraźnymi liniami otworów okiennych przedstawionymi w tle. W ten moment przechowywane w Ermitażu.
6
Jeden z wczesne obrazy Leonardo da Vinci. Nie ma w nim jeszcze perspektywy (przed Leonardem po prostu nie była używana), ale widać już starannie odrysowane fałdy na ubraniach i wyraziste dłonie Matki Boskiej. Swoją drogą skrzydła archanioła Gabriela początkowo były bardziej proporcjonalne, ale później trochę sławny artysta skończyłem je, a skrzydła okazały się nieco nieporęczne.
7
Najwcześniejsza, wzruszająca i najbardziej bezpośrednia ze wszystkich Madonn Leonarda da Vinci. Wszystkie tworzone przez niego później utwory (w tym wspomniana Litta) są jej bliskie pod względem stylu i kompozycji. Wizerunek młodej matki przekazuje miękkość i spokój. Niektórzy badacze tłumaczą pewną dysproporcję w ciele dziecka brakiem opiekunki dla artysty, a jednak dziwnie jest podejrzewać wielkiego mistrza rysowania „na chybił trafił”! Najprawdopodobniej chciał podkreślić nieziemskie pochodzenie tego dziecka.
8
To tylko szkic wykonany ołówkiem i kredą, ale wciąż zachwyca koneserów sztuki dokładnością oddania detali (np. loków włosów) i trafnym oddaniem emocji, które pojawiają się w oczach młodej kobiety, krzywa jej ust...
9
Obraz został namalowany pod koniec XV wieku. Dziewczyna na zdjęciu to prawdopodobnie Cecilia Galleroni, faworytka księcia Ludovica Sforzy, ponieważ w momencie pisania obrazu da Vinci był na usługach tego szlachcica. Ale to zdjęcie wcale nie przypomina standardowego portretu pięknej wielkiej damy. Postać przedstawiona jest w trzech czwartych, a wzrok skierowany w bok (innowacja da Vinci). Nawiasem mówiąc, sama dziewczyna wcale nie jest taką „zwiewną nimfą”: pomimo jej atrakcyjności twarda fałda na ustach zdradza władczy charakter. Jak również ręka, która trzyma zwierzę – podobno ostrożnie, ale jednocześnie wytrwale (a dłonie da Vinci zawsze okazywały się bardzo wyraziste). Cóż, aby stać się ulubieńcem tak szlachetnego człowieka, naprawdę wymagało to żelaznego charakteru ...
10
Postać dość często przedstawiana na malarstwie, ale jak zwykle przedstawiano baptystę? Mężczyzna w średnim wieku, z brodą i surowym spojrzeniem... Ale nie słodkim uśmiechniętym młodzieńcem, jak przedstawił go Leonardo! Obraz należy do późnego okresu twórczości artysty. Zaskakujące jest to, że w tle nie ma znajomego malowniczy krajobraz: jasne ciało Jana wyróżnia się na ponurym, monotonnym tle.
Każda z tych prac, mimo że są bardzo różne, to cała epoka w sztuce. Czy można się dziwić, dlaczego Leonardo da Vinci jest uważany za największego artystę?
W rzeczywistości historia ludzkości nie zna tak wielu geniuszy, którzy każdym ze swoich działań wyprzedzali tę lub inną erę. Niektóre z tego, co stworzyli, mocno wkroczyły w życie ich współczesnych, ale coś pozostało na rysunkach i rękopisach: mistrz patrzył zbyt daleko w przyszłość. To ostatnie można w pełni zastosować do Leonardo da Vinci, genialny artysta, naukowiec, matematyk, inżynier, wynalazca, architekt, rzeźbiarz, filozof i pisarz - prawdziwy człowiek renesansu. Być może w historii wiedzy średniowiecznej nie ma dziedziny, której wielki mistrz oświecenia nie dotknąłby.
Sfera jego działalności obejmuje nie tylko przestrzeń (Włochy-Francja), ale także czas. Czy nie jest zaskakujące, że obrazy Leonarda da Vinci wywołują teraz tę samą gorącą debatę, podziw, jak w latach jego życia? Taką „formułę nieśmiertelności” można słusznie uznać za największe odkrycie w historii. Jakie są jego składniki? Odpowiedź na to pytanie chciałaby otrzymać prawie każda osoba na świecie. Niektórzy nawet zdecydowali, że najlepiej zapytać samego Leonarda o to, „wskrzeszając” mistrza za pomocą nowoczesnych osiągnięć naukowych. Jednak gołym okiem widoczne są główne składniki „formuły”: potencjalny geniusz, pomnożony przez niesamowitą ciekawość i duży udział humanizmu. A jednak każdy geniusz jest marzycielem-praktykiem. Oceńcie sami, całą pracę Leonarda da Vinci (zaliczamy tu nie tylko szkice, obrazy, freski, ale także wszelkie naukowe badania Mistrza) można sobie wyobrazić jako kroki w kierunku urzeczywistnienia długich marzeń ludzkości o doskonałości. Czy chciałeś, aby osoba latała jak ptak? Więc musisz zrobić z niego pozory skrzydeł! Chrystus chodził po wodzie, dlaczego więc zwykli śmiertelnicy nie mieliby mieć takiej możliwości? Zaprojektujmy narty wodne!
Całe życie i twórczość Leonarda da Vinci wypełnione były próbami odpowiedzi na liczne pytania dotyczące praw wszechświata, ujawnienia tajemnic życia i skierowania ich na służbę ludzkości. Nie zapominaj przecież, że człowiek renesansu to przede wszystkim wielki humanista.
Biografia Leonarda da Vinci to, mówiąc w przenośni, historia kilku dusz zamkniętych w ciele jednej osoby. Rzeczywiście, w każdym z badanych obszarów wykazuje on bardzo szczególne cechy, które w rozumieniu zwykłych ludzi z trudem mogą należeć do jednej osoby. Może dlatego niektórzy próbowali udowodnić, że Leonardo da Vinci to tylko pseudonim podjęty przez grupę ludzi. Jednak teoria była skazana na niepowodzenie prawie przed jej powstaniem.
Dziś da Vinci jest nam znany w większym stopniu jako niedościgniony artysta. Niestety, nie więcej niż 15 jego prac dotarło do nas, podczas gdy pozostałe albo po prostu nie wytrzymały próby czasu ze względu na ciągłe eksperymenty mistrza z techniką i materiałami, albo są uważane za jeszcze nie odnalezione. Jednak te dzieła, które do nas dotarły, pozostają najsłynniejszymi i najczęściej kopiowanymi arcydziełami sztuki na świecie.
Biografia Leonarda da Vinci
Dziecko, ochrzczone później pod imieniem Leonardo, urodziło się, jak zapisano w księdze kościelnej, „w sobotę 15 kwietnia 1452 r. od narodzin Chrystusa” z pozamałżeńskiego romansu między wieśniaczką Kateriną a notariuszem, ambasadorem Republiki Florenckiej, sir Piero Fruosino di Antonio da Vinci, potomek zamożnej, szanowanej włoskiej rodziny. Ojciec, który w tamtym czasie nie miał innych spadkobierców, chciał przyjąć syna do domu i zapewnić mu odpowiednie wykształcenie. Jedyne, co na pewno wiadomo o matce, to to, że oficjalnie wyszła za mąż za mężczyznę z rodziny chłopskiej i dała mu jeszcze 7 dzieci. Nawiasem mówiąc, ojciec Leonarda był następnie czterokrotnie żonaty i przedstawił swojemu pierworodnemu (który, nawiasem mówiąc, nigdy nie został jego oficjalnym spadkobiercą) jeszcze dziesięciu braci i dwie siostry.
Wszystko dalsza biografia da Vinci jest ściśle związany z jego twórczością, wydarzeniami z życia mistrza, napotkani ludzie oczywiście pozostawili swoje ślady w rozwoju jego światopoglądu. Tym samym spotkanie z Andreą Verrocchio wyznaczyło początek jego podróży po sztuce. W wieku 16 lat Leonardo został uczniem studia słynnego mistrza Verrocchio. To w warsztacie Verrocchio Leonardo ma okazję udowodnić, że jest artystą: nauczyciel pozwala mu namalować twarz anioła na słynny chrzest Chrystusa.
W wieku 20 lat da Vinci został członkiem Św. Łukasz, cech malarzy, nadal pracował w warsztacie Verocquila do 1476 roku. Z tego samego okresu pochodzi jedna z jego pierwszych niezależnych prac Madonna z goździkiem. Dziesięć lat później Leonardo zostaje zaproszony do Mediolanu, gdzie pracuje do 1501 roku. Tutaj talent Leonarda znajduje szerokie zastosowanie nie tylko jako artysta, ale także jako rzeźbiarz, dekorator, organizator wszelkiego rodzaju maskarad i turniejów, człowiek, który stworzył niesamowite urządzenia mechaniczne. Dwa lata później mistrz wraca do rodzinnej Florencji, gdzie maluje swój legendarny fresk „Bitwa pod Angiani”.
Jak większość mistrzów renesansu, da Vinci dużo podróżuje, pozostawiając pamięć o sobie w każdym odwiedzanym mieście. Pod koniec życia zostaje „pierwszym królewskim artystą, inżynierem i architektem” pod rządami Franciszka I, pracującym nad urządzeniem architektonicznym zamku Chmury. Jednak dzieło to pozostało niedokończone: da Vinci zmarł w 1519 roku, w wieku 67 lat. Obecnie w zamku Cloux z planu pierwotnie wymyślonego przez wielkiego Leonarda pozostały tylko podwójne spiralne schody, podczas gdy reszta architektury zamku była wielokrotnie zmieniana przez kolejne dynastie francuskich królów.
Dzieło Leonarda da Vinci
Pomimo licznych Badania naukowe Leonardo, jego sława jako naukowca i wynalazcy, blednie nieco przed chwałą Leonarda-artysty, którego kilka zachowanych dzieł fascynowało i pobudzało umysł i wyobraźnię ludzkości od prawie 400 lat. To właśnie w malarstwie znalazło swoje zastosowanie wiele prac da Vinci poświęconych naturze światła, chemii, biologii, fizjologii i anatomii.
Jego obrazy pozostają najbardziej tajemniczymi dziełami sztuki. Są kopiowane w poszukiwaniu tajemnicy tej umiejętności, dyskutowane i spierane przez całe pokolenia koneserów sztuki, krytyków, a nawet pisarzy. Leonardo uważał malarstwo za gałąź nauk stosowanych. Wśród wielu czynników, które sprawiają, że prace da Vinci są wyjątkowe, jednym z głównych są innowacyjne techniki i eksperymenty stosowane przez mistrza w jego pracach, a także głęboka wiedza z zakresu anatomii, botaniki, geologii, optyki, a nawet ludzka dusza… Patrząc na stworzone przez niego portrety, tak naprawdę widzimy nie tylko artystę, ale uważnego obserwatora, psychologa, któremu udało się zrozumieć fizyczną ekspresję emocjonalnego komponentu ludzkiej osobowości. Da Vinci nie tylko sam to zrozumiał, ale także znalazł techniki przeniesienia tej wiedzy na płótno z fotograficzną dokładnością. Niezrównany mistrz sfumato i światłocienia, Leonardo da Vinci włożył całą swoją wiedzę w najbardziej znane prace- Mona Lisa i Ostatnia Wieczerza.
Leonardo wierzył, że… najlepsza postać obraz na płótnie to osoba, której ruchy ciała najbardziej odpowiadają ruchom jego duszy. To przekonanie można uznać za kreatywne credo da Vinci. W swoich pracach wyrażało się to w tym, że przez całe życie malował tylko jeden portret mężczyzny, preferując kobiety jako modelki, jako bardziej emocjonalne osobowości.
Wczesny okres twórczości
Periodyzacja twórczej biografii Leonarda da Vinci jest dość arbitralna: niektóre jego prace nie są datowane, a chronologia życia mistrza również nie zawsze jest dokładna. Sam początek kariery da Vinci można uznać za dzień, w którym jego ojciec, Ser Piero, pokazał przyjacielowi Andrei del Verrocchio szkice swojego 14-letniego syna.
Po roku, w którym Leonardo powierzono jedynie czyszczenie płócien, szlifowanie farb i wykonywanie innych prac przygotowawczych, Verrocchio zaczął zapoznawać swojego ucznia z tradycyjnymi technikami malarstwa, grawerowania, architektury i rzeźby. Tutaj Leonardo otrzymał wiedzę z podstaw chemii, metalurgii, opanował obróbkę drewna, a nawet początków mechaniki. Tylko jemu, jego najlepszemu uczniowi, Verrocchio powierza dokończenie swojej pracy. W tym okresie Leonardo nie tworzy własnych dzieł, ale chętnie chłonie wszystko, co dotyczy wybranego zawodu. Wraz ze swoim nauczycielem pracuje nad Chrztem Chrystusa (1472-1475). Gra światła i cienia, rysy twarzy aniołka, które da Vinci powierzono namalować, wywarły na Verrocchio takie wrażenie, że uważał się za pokonanego przez własnego ucznia i postanowił nigdy więcej nie brać pędzla. Uważa się również, że Leonardo stał się wzorem dla rzeźba z brązu Dawid i wizerunki Archanioła Michała.
W 1472 roku Leonardo został wpisany do „Czerwonej Księgi” cechu św. Łukasz to słynny związek artystów i lekarzy Florencji. W tym samym czasie pojawiły się pierwsze godne uwagi dzieła da Vinci, które przyniosły mu sławę: szkic tuszem „Pejzaż Santa Maria dela Neve” i „Zwiastowanie”. Poprawia technikę sfumato, doprowadzając ją do niespotykanej dotąd perfekcji. Teraz lekka mgiełka – sfumato – to nie tylko cienka warstwa rozmytej farby, ale naprawdę lekka zasłona żywej mgły. Pomimo tego, że do 1476 r. da Vinci otwiera własną pracownię i otrzymuje własne zamówienia, nadal ściśle współpracuje z Verrocchio, traktując swojego nauczyciela z głębokim szacunkiem i szacunkiem. Madonna z goździkiem, jedno z najważniejszych dzieł da Vinci, datowane jest na ten sam rok.
Dojrzały okres twórczości
W wieku 26 lat da Vinci rozpoczyna całkowicie niezależną karierę, a także rozpoczyna bardziej szczegółowe studia nad różnymi aspektami nauk przyrodniczych i sam zostaje nauczycielem. W tym okresie, jeszcze przed wyjazdem do Mediolanu, Leonardo rozpoczyna pracę nad „Adoracją Trzech Króli”, której nigdy nie ukończył. Niewykluczone, że była to swego rodzaju zemsta na da Vinci za to, że papież Sykstus IV odrzucił jego kandydaturę przy wyborze artysty do namalowania Kaplicy Sykstyńskiej Watykanu w Rzymie. Być może moda na neoplatonizm, która zdominowała tamtą epokę we Florencji, odegrała również rolę w decyzji da Vinci o wyjeździe do dość akademickiego i pragmatycznego Mediolanu, bardziej zgodnego z jego duchem. W Mediolanie Leonardo podejmuje się stworzenia „Madonny w grocie” na ołtarz kaplicy. Praca ta wyraźnie pokazuje, że da Vinci ma już pewną wiedzę z zakresu biologii i geodezji, ponieważ rośliny i sama grota są napisane z maksymalnym realizmem. Wszystkie proporcje i prawa składu są przestrzegane. Jednak pomimo tak niesamowitego wykonania obraz ten na wiele lat stał się przedmiotem sporu między autorem a klientami. Da Vinci poświęca lata tego okresu na zapisywanie swoich myśli, rysunków i głębszych badań. Całkiem możliwe, że w jego wyjazd do Mediolanu brał udział pewien muzyk, Migliorotti. Wystarczył list od tego człowieka, który opisywał niesamowite prace inżynierskie „seniora, który też maluje”, by da Vinci otrzymał zaproszenie do pracy pod auspicjami Ludovica Sforzy, z dala od rywali i złoczyńców. Tutaj dostaje trochę wolności dla kreatywności i badań. A także organizuje przedstawienia i uroczystości, wyposażenie techniczne sceny teatru dworskiego. Ponadto Leonardo maluje wiele portretów dla mediolańskiego dworu.
Późny okres twórczości
To właśnie w tym okresie da Vinci bardziej myśli o projektach wojskowo-technicznych, studiuje urbanistykę i proponuje własny model. idealne miasto.
Również podczas pobytu w jednym z klasztorów otrzymuje zamówienie na szkic do obrazu Matki Boskiej z Dzieciątkiem Jezus, św. Anna i Jan Chrzciciel. Praca okazała się tak imponująca, że widz poczuł się obecny na opisywanym wydarzeniu, części obrazu.
W 1504 roku wielu uczniów uważających się za naśladowców da Vinci opuszcza Florencję, gdzie przebywał, aby uporządkować swoje liczne notatki i rysunki, i wraz ze swoim nauczycielem przeniósł się do Mediolanu. Od 1503 do 1506 Leonardo rozpoczyna pracę nad La Giocondą. Jako modelkę wybrano Mona Lisa del Giocondo, urodzona jako Lisa Maria Gherardini. Liczne warianty fabuły słynnego obrazu wciąż nie pozostawiają obojętnych artystów i krytyków.
W 1513 Leonardo da Vinci przenosi się na jakiś czas do Rzymu na zaproszenie papieża Leona X, a raczej do Watykanu, gdzie pracują już Rafael i Michał Anioł. Rok później Leonardo rozpoczyna serię Afterwards, która jest swoistą odpowiedzią na wersję zaproponowaną przez Michała Anioła in Kaplica Sykstyńska. Mistrz nie zapomina o swojej pasji do inżynierii, pracując nad problemem osuszania bagien na terenie posiadłości księcia Juliena de Medici.
Jednym z najwspanialszych projektów architektonicznych tego okresu staje się dla da Vinci zamek Cloux w Amboise, gdzie sam mistrz zaprasza do pracy króla Francji Franciszka I. Z biegiem czasu ich związek staje się znacznie bliższy niż tylko biznes. Francois często słucha opinii wielkiego naukowca, traktuje go jak ojca i opłakuje śmierć da Vinci w 1519 roku. Leonardo umiera na wiosnę na ciężką chorobę w wieku 67 lat, przekazując swoje rękopisy i pędzle swojemu uczniowi Francesco Melzi.
Wynalazki Leonarda da Vinci
Może wydawać się to niewiarygodne, ale niektóre wynalazki powstały pod koniec XVIII i na początku XIX wieku. w rzeczywistości zostały już opisane w pismach da Vinci, a także niektóre rzeczy, do których jesteśmy przyzwyczajeni. Wydaje się, że to, o czym mistrz nie wspomniałby w swoich rękopisach, w ogóle nie istnieje. Jest nawet alarm! Oczywiście jego konstrukcja znacząco różni się od tego, co widzimy dzisiaj, jednak wynalazek zasługuje na uwagę choćby ze względu na konstrukcję: łuski, których miski wypełnione są płynem. Przelewając się z jednej miski do drugiej, woda uruchamia mechanizm, który popycha lub unosi nogi drzemiącego człowieka. W takich warunkach trudno się nie obudzić!
Jednak prawdziwy geniusz inżyniera Leonarda jest widoczny w jego innowacjach mechanicznych i architektonicznych. Tę ostatnią udało mu się zrealizować niemal w całości (z wyjątkiem projektu miasta idealnego). Ale jeśli chodzi o mechanikę, daleko mu było do natychmiastowego użycia. Wiadomo, że da Vinci sam przygotowywał się do przetestowania swojego samolotu, ale mimo to nigdy nie został zaprojektowany szczegółowy plan sporządzone na papierze. Tak, a rower, stworzony przez mistrza z drewna, również wszedł do użytku kilka wieków później, podobnie jak mechaniczny samobieżny wózek napędzany dwiema dźwigniami. Jednak sama zasada wagonu została zastosowana do ulepszenia krosna za życia da Vinci.
Za życia uznawany za geniusza malarstwa, Leonardo da Vinci przez całe życie marzył o karierze inżyniera wojskowego, dlatego szczególne miejsce w jego pracy poświęcono badaniu fortyfikacji, pojazdów wojskowych i konstrukcji ochronnych. Tak więc to on opracował doskonałe metody odpierania tureckich ataków w Wenecji, a nawet stworzył pozory kombinezonu ochronnego. Ale ponieważ Turcy nigdy nie zaatakowali, wynalazek nie został przetestowany w działaniu. W ten sam sposób na rysunkach pozostał tylko pojazd bojowy przypominający czołg.
Ogólnie rzecz biorąc, w przeciwieństwie do dzieł malarskich, rękopisy i rysunki Leonarda zachowały się do naszych czasów w lepszym stanie i są nadal badane. Według niektórych rysunków odtworzono nawet maszyny, które nie miały pojawić się za życia da Vinci.
Obraz Leonarda da Vinci
Większość prac da Vinci nie zachowała się do dnia dzisiejszego dzięki ciągłym eksperymentom mistrza nie tylko z technikami malarskimi, ale także z narzędziami: farbami, płótnami, podkładami. W wyniku takich eksperymentów kompozycja farb na niektórych freskach i płótnach nie wytrzymała próby czasu, światła, wilgoci.
W rękopisie poświęconym sztukom wizualnym da Vinci skupia się przede wszystkim nie tyle na technice pisania, co na szczegółowym przedstawieniu wymyślonych przez siebie innowacji, które, notabene, miały ogromny wpływ na dalszy rozwój sztuki. Przede wszystkim są to niektóre praktyczne porady dotyczące przygotowania narzędzi. Tak więc Leonardo zaleca pokrycie płótna cienką warstwą kleju zamiast zwykłej mieszanki białego podkładu. Obraz nałożony na tak przygotowane płótno utrwala się znacznie lepiej niż na ziemi, zwłaszcza jeśli pisze się rozpowszechnioną wówczas temperą. Olej wszedł do użytku nieco później, a da Vinci wolał używać go tylko do pisania na zagruntowanym płótnie.
Również jedną z cech stylu malarskiego da Vinci jest wstępny szkic pomyślanego obrazu w przezroczystych ciemnych (brązowych) tonach, te same tony zostały również użyte jako górna, końcowa warstwa całego dzieła. W obu przypadkach ukończone dzieło nadało ponury odcień. Możliwe, że z biegiem czasu kolory przyciemniały się jeszcze dokładniej z powodu tej cechy.
Większość prac teoretycznych da Vinci poświęcona jest obrazowi ludzkie emocje. Dużo mówi o sposobie wyrażania uczuć, przytacza własne badania. Zdarza się nawet, że Leonardo postanowił eksperymentalnie przetestować swoje domysły na temat tego, jak poruszają się mięśnie twarzy podczas śmiechu i płaczu. Zaprosiwszy grupę przyjaciół na obiad, zaczął opowiadać śmieszne historie, rozśmieszając swoich gości, da Vinci uważnie obserwował ruch mięśni, mimikę twarzy. Posiadając wyjątkową pamięć, przeniósł to, co zobaczył, na szkice z taką dokładnością, że według naocznych świadków ludzie chcieli się śmiać razem z portretami.
Mona Lisa.
„Mona Lisa” to „Gioconda”, pełne imię to portret pani Lisy del Giocondo, chyba najbardziej słynna praca malarstwo na świecie. Leonardo namalował słynny portret w latach 1503-1506, ale nawet w tym okresie portret nie został całkowicie ukończony. Da Vinci nie chciał rozstać się ze swoją pracą, więc klient nigdy jej nie dostał, ale towarzyszył mistrzowi we wszystkich jego podróżach, aż ostatni dzień. Po śmierci artysty portret został przeniesiony do zamku Fontainebleau.
Gioconda stała się najbardziej mistyczny obraz wszystkie epoki. Stał się przedmiotem badań nad warsztatem artystycznym mistrzów XV wieku. W dobie romantyzmu artyści i krytycy podziwiali jego tajemniczość. Nawiasem mówiąc, to właśnie postaciom tej epoki zawdzięczamy tak wspaniałą aureolę tajemnicy, która towarzyszy Mona Lisie. Era romantyzmu w sztuce po prostu nie mogła obejść się bez mistycznego otoczenia tkwiącego we wszystkich genialnych mistrzach i ich dziełach.
Fabuła obrazu jest dziś znana wszystkim: tajemniczo uśmiechnięta kobieta na tle górskiego krajobrazu. Jednak liczne badania ujawniają coraz więcej szczegółów, których wcześniej nie dostrzegano. Tak więc, po bliższym przyjrzeniu się, staje się jasne, że dama na portrecie jest ubrana zgodnie z modą swoich czasów, na głowę zarzucona jest ciemna, przezroczysta zasłona. Wydawałoby się, że to nic specjalnego.
Zgodność z modą może jedynie oznaczać, że kobieta nie należy do najbiedniejszej rodziny. Ale odbył się w 2006 roku. Kanadyjscy naukowcy ponad szczegółowa analiza użycie nowoczesnego sprzętu laserowego wykazało, że zasłona ta w rzeczywistości otula całe ciało modelu. To właśnie ten najcieńszy materiał tworzy efekt mgły, który wcześniej przypisywano słynnemu sfumato da Vinci. Wiadomo, że takie zasłony, okrywające całe ciało, a nie tylko głowę, nosiły kobiety w ciąży. Jest całkiem możliwe, że właśnie ten stan odzwierciedla się w uśmiechu Mony Lisy: spokój i spokój przyszłej matki. Nawet jej ręce są ułożone w taki sposób, jakby były już gotowe do kołysania dziecka. Nawiasem mówiąc, sama nazwa „La Gioconda” również ma podwójne znaczenie. Z jednej strony jest to fonetyczna odmiana imienia Giokondo, do którego należała sama modelka. Z drugiej strony słowo to jest zgodne z włoskim „giocondo”, tj. szczęście, pokój. Czy to nie wyjaśnia głębi spojrzenia, łagodnego półuśmiechu i całej atmosfery obrazu, w której króluje zmierzch? Całkiem możliwe. To nie tylko portret kobiety. Jest to przedstawienie samej idei pokoju i pogody ducha. Może właśnie to było jej tak drogie autorowi.
Teraz obraz Mona Lisa znajduje się w Luwrze, nawiązuje do stylu „renesansu”. Wymiary obrazu to 77 cm x 53 cm.
Ostatnia Wieczerza to fresk namalowany przez da Vinci w latach 1494-1498. dla klasztoru Dominikanów Santa Maria delle Gresi w Mediolanie. Fresk przedstawia biblijną scenę ostatniego wieczoru spędzonego przez Jezusa z Nazaretu w otoczeniu dwunastu uczniów.
W tym fresku da Vinci próbował ucieleśnić całą swoją wiedzę o prawach perspektywy. Sala, w której siedzą Jezus i apostołowie, namalowana jest z wyjątkową dokładnością pod względem proporcji i odległości przedmiotów. Tło pomieszczenia jest jednak tak wyraźnie widoczne, że jest prawie drugim obrazem, a nie tylko tłem.
Oczywiście centrum całego dzieła jest sam Chrystus, to właśnie w związku z jego postacią zaplanowana jest pozostała część kompozycji fresku. Rozmieszczenie uczniów (4 grupy po trzy osoby) jest symetryczne względem centrum - Nauczyciela, ale nie między sobą, co stwarza wrażenie żywego ruchu, ale jednocześnie wokół Chrystusa panuje pewna aureola samotności . Aureola wiedzy, która nie jest jeszcze dostępna dla jego zwolenników. Będąc centrum fresku, postacią, wokół której wydaje się krążyć cały świat, Jezus pozostaje sam: wszystkie inne postacie są jakby oddzielone od Niego. Całość ujęta jest w ściśle prostoliniowe ramy, ograniczone ścianami i sufitem sali, stołu, przy którym siedzą uczestnicy Ostatniej Wieczerzy. Jeśli dla jasności narysujemy linie wzdłuż tych punktów, które są bezpośrednio związane z perspektywą fresku, otrzymamy prawie idealną siatkę geometryczną, której „nitki” są zbudowane pod kątem prostym do siebie. Tak ograniczonej precyzji nie ma żadna inna praca Leonarda.
Opactwo Tongerlo w Belgii mieści niezwykle dokładną kopię Ostatniej Wieczerzy, wykonaną z własnej inicjatywy przez mistrzów szkoły da Vinci, ponieważ artysta obawiał się, że fresk w mediolańskim klasztorze nie wytrzyma próby czasu . To właśnie ta kopia została wykorzystana przez konserwatorów do odtworzenia oryginału.
Obraz znajduje się w Santa Maria delle Grazie o wymiarach 4,6 m x 8,8 m.
człowiek witruwiański
„Człowiek witruwiański” to potoczna nazwa graficznego rysunku autorstwa da Vinci wykonanego w 1492 roku. jako ilustracja do wpisów w jednym z pamiętników. Rysunek przedstawia nagą męską sylwetkę. Ściśle mówiąc, są to nawet dwa obrazy tej samej postaci nałożone na siebie, ale w różnych pozach. Wokół figury opisano okrąg i kwadrat. Rękopis zawierający ten rysunek jest czasami określany jako Kanon proporcji lub po prostu Proporcje człowieka. Teraz ta praca jest przechowywana w jednym z muzeów w Wenecji, ale jest wystawiana niezwykle rzadko, ponieważ ta wystawa jest naprawdę wyjątkowa i cenna zarówno jako dzieło sztuki, jak i jako przedmiot badań.
Leonardo stworzył swój „Człowiek witruwiański” jako ilustrację badań geometrycznych, które prowadził na podstawie traktatu starożytnego rzymskiego architekta Witruwiusza (stąd nazwa dzieła da Vinci). W traktacie filozofa i badacza za podstawę wszelkich proporcji architektonicznych przyjęto proporcje ludzkiego ciała. Z kolei Da Vinci zastosował do malarstwa badania starożytnego rzymskiego architekta, co po raz kolejny wyraźnie ilustruje zasadę jedności sztuki i nauki, wysuniętą przez Leonarda. Oprócz, ta praca odzwierciedla również próbę skorelowania człowieka z naturą przez mistrza. Wiadomo, że da Vinci uważał ludzkie ciało za odbicie wszechświata, czyli był przekonany, że działa według tych samych praw. Sam autor uważał Człowieka witruwiańskiego za „kosmografię mikrokosmosu”. Ten rysunek ma również głębokie znaczenie symboliczne. Kwadrat i okrąg, w które wpisane jest ciało, nie odzwierciedlają po prostu fizycznych, proporcjonalnych cech. Kwadrat można interpretować jako materialną egzystencję osoby, a okrąg reprezentuje jej duchową podstawę i punkty styczności figury geometryczne między sobą iz włożonym w nie ciałem można postrzegać jako połączenie między tymi dwoma fundamentami ludzkiej egzystencji. Przez wiele stuleci ten rysunek był uważany za symbol idealnej symetrii ludzkiego ciała i wszechświata jako całości.
Rysunek wykonany tuszem. Rozmiar obrazu to 34 cm x 26 cm Gatunek: Sztuka abstrakcyjna. Kierunek: Wysoki renesans.
Losy rękopisów.
Po śmierci da Vinci w 1519 roku. wszystkie rękopisy wielkiego naukowca i malarza odziedziczył ulubiony uczeń Leonarda, Francesco Melzi. Na szczęście większość rysunków i notatek pozostawionych przez da Vinci, wykonanych jego słynną metodą pisania lustrzanego, przetrwała do dziś. z prawej do lewej. Bez wątpienia Leonardo pozostawił po sobie największą kolekcję dzieł renesansu, ale po jego śmierci rękopis nie był łatwym losem. Zaskakujące jest nawet to, że po tylu wzlotach i upadkach rękopisy przetrwały do dziś.
Dziś prace naukowe da Vinci są dalekie od formy, jaką nadał im Mistrz, ze szczególną starannością grupując je według zasad, które tylko on znał. Po śmierci Malziego, spadkobiercy i opiekuna rękopisów, jego potomkowie zaczęli bezlitośnie trwonić dziedzictwo wielkiego naukowca, który odziedziczyli, najwyraźniej nawet nie wiedząc o jego prawdziwa wartość. Początkowo rękopisy przechowywano po prostu na strychu, później rodzina Malzi rozprowadzała część rękopisów i sprzedawała pojedyncze arkusze kolekcjonerom przez znajomych za śmieszną cenę. W ten sposób wszystkie zapisy da Vinci znalazły nowych właścicieli. Na szczęście nie zginął ani jeden liść!
Jednak potęga złego losu na tym się nie skończyła. Rękopisy trafiły do Ponnpeo Leoniego, nadwornego rzeźbiarza hiszpańskiego domu królewskiego. Nie, nie zaginęły, wszystko okazało się dużo gorsze: Leoni zobowiązał się „uporządkować” liczne notatki da Vinci, oparte oczywiście na własnych zasadach klasyfikacji, a ostatecznie wszystkie strony pomieszał, oddzielając tam, gdzie to możliwe, teksty od szkiców, a czysto naukowe, jego zdaniem, traktaty od notatek odnoszących się bezpośrednio do malarstwa. W ten sposób powstały dwie kolekcje rękopisów i rysunków. Po śmierci Leoniego część kolekcji powróciła ponownie do Włoch i do 1796 r. przechowywane w bibliotece w Mediolanie. Część dzieł trafiła do Paryża dzięki Napoleonowi, reszta „zaginęła” od hiszpańskich kolekcjonerów i została odkryta dopiero w 1966 roku w archiwach Biblioteka Narodowa w Madrycie.
Do tej pory wszystkie zebrane słynne rękopisy da Vinci i prawie wszystkie są w muzea państwowe kraje europejskie, z wyjątkiem jednego, cudownie wciąż w prywatnej kolekcji. Od połowy XIX wieku badacze sztuki pracują nad przywróceniem pierwotnej klasyfikacji rękopisów.
Wniosek.
Zgodnie z ostatnią wolą da Vinci, jego konduktowi pogrzebowemu towarzyszyło sześćdziesięciu żebraków. Wielki mistrz renesansu został pochowany w kaplicy św. Huberta, w sąsiedztwie zamku Amboise.
Da Vinci przez całe życie pozostał samotny. Nie mając żony, dzieci, nawet własnego domu, całkowicie poświęcił się badaniom naukowym i sztuce. Tak rozwija się los geniuszy, że za życia i po śmierci ich dzieła, z których każda została obdarzona cząstką duszy, pozostają jedyną „rodziną” ich twórcy. Tak stało się w przypadku Leonarda. Jednak wszystko, co zrobił ten człowiek, któremu udało się w pełni poznać i wcielić ducha renesansu w swoje dzieła, stało się dziś własnością całej ludzkości. Sam los zaaranżował wszystko w taki sposób, że nie mając własnej rodziny, da Vinci przekazał ogromne dziedzictwo całej ludzkości. A to nie tylko wyjątkowe nagrania i niesamowite dzieła, ale także tajemnica, która ich dzisiaj otacza. Nie było ani jednego stulecia, w którym nie próbowaliby rozwikłać tego czy innego planu da Vinci, aby szukać tego, co uważano za stracone. Nawet w naszych czasach, kiedy wiele wcześniej nieznane stało się codziennością, rękopisy, rysunki i obrazy wielkiego Leonarda nie pozostawiają obojętnych zwiedzających muzea, historyków sztuki, a nawet pisarzy. Wciąż służą jako niewyczerpane źródło inspiracji. Czy to nie jest prawdziwy sekret nieśmiertelności?
człowiek witruwiański
Madonna Benois
Madonna Litta
Leonardo di ser Piero da Vinci to jeden z największych naukowców, artystów i wynalazców w historii ludzkości. Jest nazywany najbardziej wybitny przedstawiciel era wysokiego renesansu.
Autoportret Turyn
Bez wątpienia Leonardo da Vinci jest najsłynniejszym artystą na świecie. W swoim życiu Leonardo da Vinci namalował wiele obrazów, ale do dziś zachowało się około 20 płócien. A wszystkie te dzieła wielkiego mistrza są dziś słusznie uważane za arcydzieła sztuki światowej, co miało znaczący wpływ na dalszy rozwój Dzieła wizualne na świecie.
Ile warta jest technika sfumato wynaleziona przez Leonarda? Zdając sobie sprawę, że w prawdziwym świecie nie ma linii, przekonywał, że nie powinno być również linii na obrazach. I zaczął cieniować kontury twarzy i dłoni, tworząc miękkie przejścia od światła do cienia. Słynna „Mona Lisa” została napisana techniką sfumato.
Wśród ogromne ilości obrazy i rysunki wielkiego mistrza są znane na całym świecie, o czym wie prawie każdy człowiek kultury. Te obrazy to nawet więcej niż arcydzieła i standardy wielkiej sztuki światowej. To oryginalne ikony malarstwa.
Możemy tu przywołać Mona Lisę (Gioconda), Damę z gronostajem, Ostatnią Wieczerzę, Madonnę Littę, Zwiastowanie i wiele innych obrazów wielkiego mistrza renesansu.
Obrazy Leonarda di ser Piero da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci)
Ostatnia Wieczerza
Ostatnia Wieczerza Ten słynny fresk zamówił książę Ludovico Sforza na prośbę jego młodej żony Beatrice d'Este. Jednak żona wielkiego Sforzy nigdy nie widziała ukończenia „Ostatniej Wieczerzy” – zmarła przy porodzie.
A niepocieszony książę był nieskończenie wdzięczny da Vinci za wykonaną pracę - było to bardzo jasne i mocne przypomnienie martwa żona. Sforza hojnie opłacił artyście. Mieszczanie, mieszkańcy Mediolanu, którzy zobaczyli fresk, byli zdumieni… Apostołowie różnili się twarzami, emocjami i gestami – nikt wcześniej tak nie pisał. Każdy z apostołów zareagował na słowa Chrystusa „Jeden z was mnie zdradzi” na swój sposób. Jak żywi ludzie.
Kolejną cechą fresku, która uderzyła mediolańczyków, były niebieskie cienie. Nie czarny czy szary, ale niebieski. Kolorowy cień - nie było to możliwe w malarstwie aż do połowy XIX wieku, kiedy impresjoniści przypomnieli sobie kolorowy cień Leonarda.
Madonna w skałach
Madonna w skałach Obraz „Madonna w skałach” został zamówiony u Leonarda da Vinci przez mnichów bractwa św. Franciszka dla jednej ze świątyń Mediolanu. Ale później mnisi odmówili wykupienia obrazu. Artysta malował płótno zbyt długo, nad głowami świętych nie ma aureoli, a anioł wskazuje też palcem na Jana Chrzciciela, a nie na Chrystusa. A Chrystus rządzi!
Leonardo da Vinci odmówił przepisania obrazu i sprzedał gotowe płótno z boku.
Obraz przedstawia młodą dziewicę Maryję w szkarłatnym płaszczu z dwójką dzieci - to Święta Rodzina z małym Jezusem powracającym do Egiptu. A po drodze spotykają małego Jana Chrzciciela.
Po raz pierwszy w historii ludzkości przedstawiano ludzi nie przed krajobrazem, ale jakby wpisany w krajobraz, w skały. I kolejny ciekawa funkcja tego płótna - rośliny na zdjęciu są napisane z niezwykłą starannością. To są prawdziwe rośliny. Jako botanik Leonardo twierdził, że soki roślinne odgrywają taką samą rolę jak krew w ludzkich żyłach. Stąd tak staranna praca z florą na zdjęciu.
Mnisi pozwali artystę, a sąd nakazał da Vinci pisać dla świątyni Nowe zdjęcia. Z aureolami i bez wskazującego palca anioła.
Madonna of the Rocks (druga wersja) Ale druga wersja Madonny of the Rocks różni się nie tylko tymi nakazami sądu. Rośliny straciły swój realizm. Istnieje opinia, że artysta nie był zainteresowany pisaniem kopii – napisał najwięcej ważne szczegóły płótna i drugorzędne, zwłaszcza rośliny, powierzał studentom, którzy nie byli silni w botanice. I napisali fantazję na temat roślinny, która całkiem dobrze odpowiadała mnichom.
Jan Chrzciciel
Jan Chrzciciel Płótno „Jan Chrzciciel” zaskoczyło współczesnych Leonardowi - święty jest przedstawiony na ciemnym, głuchym tle (artysta malował zwykle na tle natury), a postać Jana wyłania się z tej gęstej ciemności, ale czy to jest Jan Chrzciciel? W tamtych czasach artyści malowali już bardzo sędziwego świętego, a tutaj był prawie młodym mężczyzną, uśmiechniętym i jakoś niejednoznacznie przechylającym głowę ... A jego włosy są tak zadbane ...
A gdzie jest świętość? Jakiś zniewieściały, niepoważny święty w skórze lamparta. Taki święty mógł pojawić się w połowie XVII wieku: teatralność gestów, maniery, gra światła i cienia. Ten święty wywodzi się ze stylu barokowego, który pojawi się kilka wieków później.
To proroctwo geniusza. To samo, co przewidywanie turbulencji 400 lat przed jej odkryciem przez fizyków.
Madonna Litta
Madonna Litta Obraz „Madonna Litta” przedstawia matkę i dziecko – Matka Boża karmi piersią dziecko. Płótno jest niewielkie, zaledwie 42 X 33 centymetry, ale ta praca Leonarda di ser Piero da Vinci po prostu tchnie monumentalnością – mistrzowi udało się pokazać Madonnę i dziecko w taki sposób, że widz ma wrażenie obecności na jakimś bardzo ważne wydarzenie. Wydarzenie, które nie podlega czasowi.
Krytycy sztuki zwracają uwagę na kilka ważnych szczegółów obrazu. Jest to ptaszek w rączce maluszka, a co szczególnie ważne, na sukience Madonny są naszyte wycięcia do karmienia. A jedno z wycięć zostało rozerwane. Rasporo wyraźnie się spieszy. Dlaczego i dlaczego artysta pokazał dokładnie rozerwany szew?
Czy nie może być tak, że przed każdym karmieniem matka rozdzierała sukienkę?
Madonna planowała odsadzić dziecko od piersi, ale nie mogła się oprzeć łzom dziecka, które chciało jeść. I rozerwał szew.
Dlaczego Leonardo malował Madonnę w ten sposób? Skąd ta dramat z rozerwanym szwem?
Na początku XIV wieku najpierw szlacheckie damy, a potem mieszczaństwo zaczęły odmawiać karmienia piersią swoich dzieci. Wtedy to pojawiła się moda na elastyczne, niessące piersi. Jako naukowiec Leonardo nie mógł nie zrozumieć, że ta moda szkodzi zdrowiu dziecka. I najpierw da Vinci, a potem inni artyści zaczęli deifikować wizerunek matki karmiącej.
dama z gronostajem
dama z gronostajem Obraz „Dama z gronostajem” przedstawia kochankę księcia Mediolanu Ludovico Sforzę. Ta młoda kobieta nazywała się Cecilia Gallerani.
Cecilia była słodką i inteligentną dziewczynką. Tak sprytna, że często rozmawiała przez wiele godzin z Leonardem, a słynny mędrzec renesansu uznał te rozmowy za znaczące i interesujące.
Da Vinci namalował bardzo oryginalny portret - w tamtych czasach portrety ludzi były przedstawiane z profilu, a dama w portrecie mistrza stoi „trzy czwarte”. Co więcej, jej głowa jest zwrócona na drugą stronę. Jakby w tym momencie ktoś zadzwonił do Cecylii. Tak oryginalna technika pokazała i podkreśliła urodę szyi i ramion kobiety, ożywiła obraz.
Na uwagę zasługuje również obecność gronostaja na zdjęciu. W tamtych czasach kot byłby egzotycznym zwierzęciem, a gronostaj był powszechnym zwierzakiem, który łapie myszy w bogatych domach.
Niestety obraz „Dama z gronostajem” w kolejnych latach był wielokrotnie przerabiany. przez nieznanych artystów. Tło obrazu zostało zastąpione - wcześniej tło było jaśniejsze. A za lewym ramieniem piękności było okno. Z niewiadomego powodu przepisano dwa dolne palce lewej ręki Cecylii. A teraz palce są nienaturalnie skręcone.
Mona Lisa lub Mona Lisa
Mona Lisa (La Gioconda) Według oficjalna wersja obraz przedstawia żonę florenckiego kupca jedwabiu, Lisę Gherardini. Jednak ta wersja jest obecnie aktywnie odrzucana przez ekspertów.
Przypuszcza się, że obraz jest kochanką księcia Florencji Giuliano de' Medici. Ta kobieta urodziła księciu syna i wkrótce zmarła. A Giuliano zamówił portret dla swojego małego syna - zmarła matka miała być przedstawiona na obrazie Madonny.
Da Vinci namalował pośmiertny portret ze słów księcia. A ponieważ namalował obraz, nadał temu obrazowi cechy jednego ze swoich uczniów o imieniu Salai (z tego powodu wielu krytyków zauważa pewne podobieństwa między Mona Lizą (Jakoda) a Janem Chrzcicielem.
Da Vinci, pisząc ten portret, w pełni wykorzystał metodę sfumato i to „cieniowanie” sprawiło, że obraz był bardzo żywy. Odnosi się wrażenie, że Mona Lisa oddycha, jej usta poruszają się subtelnie i za chwilę się otworzą… Na reprodukcjach często trudno dostrzec tę niestabilność i to uczucie ukrytego ruchu. Ale oryginał zadziwia wszystkich, którzy go widzieli.
Obraz nigdy nie został przekazany klientowi, który zmarł w 1516 roku. Artysta wyjechał do Francji, zabrał ze sobą obraz i pracował nad tym obrazem do ostatniego dnia swojego życia.
Więcej obrazów Leonarda da Vinci
zwiastowanie 
człowiek witruwiański 
Koń Leonardo 
Madonna z wrzecionem 
Leda i łabędź 
Madonna Benois (Madonna z kwiatkiem) 
Leda 
La Bell Ferronière 
Bachus 
Madonna z goździkiem 
Portret Ginevry de Benci 
Madonna z granatem 
Adoracja Trzech Króli 
Portret muzyka 
Chrzest W okresie renesansu było wielu znakomitych rzeźbiarzy, artystów, muzyków, wynalazców. Leonardo da Vinci wyróżnia się na ich tle. On stworzył instrumenty muzyczne, jest właścicielem wielu wynalazków inżynierskich, pisał obrazy, rzeźby i wiele więcej.
Jego dane zewnętrzne również są uderzające: wysoki wzrost, anielski wygląd i niezwykła siła. Poznaj geniusz Leonarda da Vinci krótki życiorys opisze swoje główne osiągnięcia.
Fakty z biografii
Urodził się niedaleko Florencji w małym miasteczku Vinci. Leonardo da Vinci był nieślubnym synem słynnego i bogatego notariusza. Jego matka jest zwykłą wieśniaczką. Ponieważ jego ojciec nie miał innych dzieci, w wieku 4 lat zabrał do siebie małego Leonarda. Chłopiec od najmłodszych lat wykazywał niezwykły umysł i przyjazny charakter, przez co szybko stał się ulubieńcem rodziny.
Aby zrozumieć, jak rozwinął się geniusz Leonarda da Vinci, krótką biografię można przedstawić w następujący sposób:
- W wieku 14 lat wstąpił do warsztatu Verrocchio, gdzie studiował rysunek i rzeźbę.
- W 1480 przeniósł się do Mediolanu, gdzie założył Akademię Sztuk Pięknych.
- W 1499 opuszcza Mediolan i zaczyna przemieszczać się z miasta do miasta, gdzie buduje budowle obronne. W tym samym okresie rozpoczyna się jego słynna rywalizacja z Michałem Aniołem.
- Od 1513 pracuje w Rzymie. Za Franciszka I zostaje nadwornym mędrcem.
Leonardo zmarł w 1519 roku. Jak wierzył, nic z tego, co zaczął, nie zostało ukończone do końca.
kreatywny sposób
Twórczość Leonarda da Vinci, której krótka biografia została nakreślona powyżej, można podzielić na trzy etapy.
- Wczesny okres. Wiele dzieł wielkiego malarza było niedokończonych, jak np. „Adoracja Trzech Króli” dla klasztoru San Donato. W tym okresie namalowano obrazy „Madonna Benois”, „Zwiastowanie”. Malarz mimo młodego wieku wykazał się już w swoich obrazach dużymi umiejętnościami.
- Dojrzały okres twórczości Leonarda płynął w Mediolanie, gdzie planował karierę inżyniera. Najpopularniejszym utworem pisanym w tym czasie była Ostatnia Wieczerza, w tym samym czasie rozpoczął pracę nad Mona Lizą.
- W późny okres kreatywności, powstał obraz „Jan Chrzciciel” oraz seria rysunków „Potop”.
Malarstwo zawsze uzupełniało naukę dla Leonarda da Vinci, ponieważ starał się uchwycić rzeczywistość.
wynalazki
Wkładu Leonarda da Vinci do nauki nie da się w pełni oddać w krótkiej biografii. Można jednak odnotować najsłynniejsze i najcenniejsze odkrycia naukowca.
- Wniósł największy wkład w mechanikę, co widać na wielu jego rysunkach. Leonardo da Vinci badał upadek ciała, środki ciężkości piramid i wiele więcej.
- Wynalazł samochód wykonany z drewna, który był napędzany dwoma sprężynami. Mechanizm samochodu został wyposażony w hamulec.
- Wymyślił skafander kosmiczny, płetwy i łódź podwodną, a także sposób na nurkowanie na głębokość bez użycia skafandra kosmicznego ze specjalną mieszanką gazów.
- Badania nad lotem ważek doprowadziły do stworzenia kilku wariantów skrzydeł dla ludzi. Eksperymenty zakończyły się niepowodzeniem. Jednak wtedy naukowiec wymyślił spadochron.
- Był zaangażowany w rozwój przemysłu wojskowego. Jedną z jego propozycji były rydwany z armatami. Wymyślił prototyp pancernika i czołgu.
- Leonardo da Vinci dokonał wielu zmian w budownictwie. Jego wynalazki to mosty łukowe, maszyny melioracyjne i dźwigi.
Nie ma innej osoby w historii jak Leonardo da Vinci. Dlatego wielu uważa go za obcego z innych światów.
Pięć tajemnic Leonarda da Vinci
Dziś wielu naukowców wciąż zastanawia się nad dziedzictwem pozostawionym przez wielkiego człowieka minionej epoki. Chociaż Leonarda da Vinci nie należy tak nazywać, wiele przewidział, a przewidział jeszcze więcej, tworząc swoje wyjątkowe arcydzieła i uderzając rozległością wiedzy i myśli. Proponujemy Wam pięć tajemnic wielkiego Mistrza, które pomagają podnieść zasłonę tajemnicy nad Jego dziełami.
Szyfrowanie
Mistrz dużo szyfrował, żeby nie przedstawiać idei otwartych, tylko trochę poczekać, aż ludzkość „dojrzeje, dorośnie” do nich. Równie dobrze obeznany w obu rękach, da Vinci pisał lewą, najmniejszą czcionką, a nawet od prawej do lewej, często w odbiciu lustrzanym. Zagadki, metafory, rebusy - to jest to, co znajduje się w każdej linijce, w każdej pracy. Nigdy nie podpisując swoich dzieł, Mistrz pozostawił swoje znaki widoczne tylko dla uważnego badacza. Na przykład po wielu stuleciach naukowcy odkryli, że przyglądając się uważnie jego obrazom, można znaleźć symbol startującego ptaka. Albo słynna „Madonna Benois”, znaleziona wśród wędrownych aktorów, którzy nosili płótno jako ikonę domu.
Sfumato
Idea rozpraszania również należy do wielkiego mistyfikatora. Przyjrzyj się płótnom z bliska, wszystkie przedmioty nie odsłaniają wyraźnych krawędzi, jest jak w życiu: płynny przepływ jednych obrazów w inne, rozmycie, rozproszenie - wszystko oddycha, żyje, budzą fantazje i myśli. Nawiasem mówiąc, Mistrz często radził praktykować taką wizję, zaglądając w plamy wody, spływy błotne lub pagórki popiołu. Często specjalnie odymiał pomieszczenia pracy dymem, aby zobaczyć w klubach to, co kryje się poza granicami rozsądnego spojrzenia.
Patrzeć na sławny obraz- uśmiech „Mony Lisy” z różnych punktów widzenia jest albo delikatny, albo lekko arogancki, a nawet drapieżny. Wiedza zdobyta dzięki studiowaniu wielu nauk dała Mistrzowi możliwość wymyślenia doskonałych mechanizmów, które stają się dostępne dopiero teraz. Na przykład jest to efekt propagacji fali, przenikliwa moc światła, ruch oscylacyjny… a wiele rzeczy wciąż musi być analizowanych nie przez nas, ale przez naszych potomków.
Analogie
We wszystkich dziełach Mistrza najważniejsze są analogie. Przewaga nad dokładnością, gdy trzecia wynika z dwóch wniosków umysłu, jest nieuchronnością jakiejkolwiek analogii. A w dziwaczności i rysowaniu absolutnie oszałamiających podobieństw do da Vinci, wciąż nie ma sobie równych. Tak czy inaczej, wszystkie jego prace mają pewne pomysły, które nie są ze sobą spójne: słynna ilustracja ” złoty podział" - jeden z nich. Z rozstawionymi i rozwiedzionymi kończynami osoba wpasowuje się w okrąg, z zamkniętymi kończynami w kwadrat i lekko podnosząc ręce w krzyż. Był to taki rodzaj „młyna”, który dał florenckiemu czarownikowi pomysł tworzenia kościołów, w których ołtarz jest umieszczony dokładnie pośrodku, a wierni stoją w kręgu. Nawiasem mówiąc, inżynierom spodobał się ten sam pomysł – tak pojawiło się łożysko kulkowe.
kontuar
Definicja oznacza przeciwstawienie przeciwieństw i stworzenie pewnego rodzaju ruchu. Przykładem jest rzeźbiarski wizerunek ogromnego konia w Corte Vecchio. Tam nogi zwierzęcia są ułożone dokładnie w stylu kontrapostu, tworząc wizualne zrozumienie ruchu.
niekompletność
To chyba jedna z ulubionych „sztuczek” Mistrza. Żadna z jego prac nie jest skończona. Dopełnić to zabić, a da Vinci kochał każde ze swoich potomków. Powolny i drobiazgowy, mistyfikator wszechczasów mógł wykonać kilka pociągnięć pędzla i udać się do dolin Lombardii, aby poprawić tamtejsze krajobrazy, przerzucić się na stworzenie kolejnego arcydzieła lub czegoś innego. Wiele prac zostało zepsutych przez czas, ogień czy wodę, ale każda z kreacji, przynajmniej coś znacząca, była i jest „niekompletna”. Nawiasem mówiąc, interesujące jest to, że nawet po uszkodzeniu Leonardo da Vinci nigdy nie poprawiał swoich obrazów. Po stworzeniu własnej farby artysta celowo zostawił nawet „okno niekompletności”, wierząc, że samo życie dokona niezbędnych korekt.
Czym była sztuka przed Leonardo da Vinci? Urodzony wśród bogatych, w pełni odzwierciedlał ich zainteresowania, ich światopogląd, ich poglądy na człowieka, na świat. Dzieła sztuki opierały się na ideach i motywach religijnych: afirmacji poglądów na świat, których nauczał Kościół, przedstawianiu wątków ze świętej historii, zaszczepianiu w ludziach poczucia czci, podziwu dla „boskości” i świadomości własnej znikomości. Dominujący motyw determinował również formę. Oczywiście obraz „świętych” był bardzo daleki od wizerunków autentycznie żywych ludzi, dlatego w sztuce dominowały schematy, sztuczność i statyczność. Postacie na tych obrazach były rodzajem karykatur żywych ludzi, krajobraz jest fantastyczny, kolory są blade i niewyraźne. To prawda, że nawet przed Leonardo jego poprzednicy, w tym jego nauczyciel Andrea Verrocchio, nie byli już zadowoleni z szablonu i próbowali tworzyć nowe obrazy. Rozpoczęli już poszukiwania nowych metod reprezentacji, zaczęli studiować prawa perspektywy, dużo myśleli o problemach osiągnięcia wyrazistości obrazu.
Jednak te poszukiwania czegoś nowego nie dały wielkich rezultatów, przede wszystkim dlatego, że artyści ci nie mieli wystarczająco jasnego wyobrażenia o istocie i zadaniach sztuki oraz znajomości praw malarstwa. Dlatego teraz znów popadli w schematyzm, potem w naturalizm, równie niebezpieczny dla prawdziwej sztuki, kopiującej poszczególne zjawiska rzeczywistości. O znaczeniu rewolucji dokonanej przez Leonarda da Vinci w sztuce, a szczególnie w malarstwie decyduje przede wszystkim fakt, że jako pierwszy jasno, jasno i zdecydowanie ustalił istotę i zadania sztuki. Sztuka powinna być bardzo żywotna, realistyczna. Musi pochodzić z głębokiego, dokładnego studiowania rzeczywistości i natury. Musi być głęboko prawdomówny, musi przedstawiać rzeczywistość taką, jaka jest, bez sztuczności czy fałszu. Rzeczywistość, natura jest piękna sama w sobie i nie wymaga żadnych upiększeń. Artysta musi uważnie studiować przyrodę, ale nie dla jej ślepego naśladowania, nie dla prostego jej kopiowania, ale aby po zrozumieniu praw natury, praw rzeczywistości, tworzyć dzieła; ściśle przestrzegać tych przepisów. Tworzyć nowe wartości, wartości świata realnego – to jest cel sztuki. To wyjaśnia pragnienie Leonarda, by połączyć sztukę i naukę. Zamiast prostej, przypadkowej obserwacji uznał za konieczne systematyczne, wytrwałe studiowanie tematu. Wiadomo, że Leonardo nigdy nie rozstawał się z albumem i wprowadzał do niego rysunki i szkice.
Mówią, że uwielbiał spacerować po ulicach, placach, rynkach, zwracając uwagę na wszystko, co ciekawe - postawy ludzi, twarze, wyraz twarzy. Drugim wymogiem malarstwa Leonarda jest wymóg prawdziwości obrazu, jego żywotności. Artysta musi dążyć do jak najdokładniejszego przekazu rzeczywistości w całym jej bogactwie. W centrum świata stoi żywa, myśląca, czująca osoba. To on musi być przedstawiany w całym bogactwie swoich uczuć, doświadczeń i działań. W tym celu to Leonardo studiował anatomię i fizjologię człowieka, bo to, jak mówią, zebrał w swoim warsztacie chłopów, których znał i traktując ich, opowiadał im zabawne historie, aby zobaczyć, jak ludzie się śmieją, jak powoduje to samo wydarzenie ludzie mają różne doświadczenia. Jeśli przed Leonardem nie było prawdziwego człowieka w malarstwie, teraz zdominował sztukę renesansu. Setki rysunków Leonarda dają gigantyczną galerię typów ludzi, ich twarzy, części ciała. Zadaniem artystycznego przedstawienia jest człowiek w całej różnorodności swoich uczuć i działań. I to jest siła i urok malarstwa Leonarda. Zmuszony ówczesnymi warunkami do malowania głównie o tematyce religijnej, ponieważ jego klientami był kościół, panowie feudalni i bogaci kupcy, Leonardo silnie podporządkowuje te tradycyjne tematy swojemu geniuszowi i tworzy dzieła o uniwersalnym znaczeniu. Madonny malowane przez Leonarda są przede wszystkim obrazem jednego z głęboko ludzkich uczuć - poczucia macierzyństwa, bezgranicznej miłości matki do dziecka, podziwu i podziwu dla niego. Wszystkie jego Madonny to młode, kwitnące, pełne życia kobiety, wszystkie dzieci na jego obrazach to zdrowi, pełne policzki, figlarne chłopcy, w których nie ma ani grama „świętości”.
Jego apostołowie w Ostatniej Wieczerzy są żywymi ludźmi Różne wieki, pozycja w społeczeństwie, inna natura; z wyglądu są to mediolańscy rzemieślnicy, chłopi i intelektualiści. W dążeniu do prawdy artysta musi umieć uogólniać odnalezioną jednostkę, musi tworzyć typowe. Dlatego nawet rysując portrety niektórych, historycznie my sławni ludzie, jak np. Mona Lisa Gioconda - żona zrujnowanego arystokraty, florenckiego kupca Francesco del Gioconda, Leonardo daje w nich, wraz z indywidualnymi rysami portretowymi, typowe dla wielu ludzi. Dlatego namalowane przez niego portrety przez wiele stuleci przeżyły przedstawionych na nich ludzi. Leonardo był pierwszym, który nie tylko dokładnie i dokładnie przestudiował prawa malarstwa, ale także je sformułował. Głęboko, jak nikt przed nim, studiował prawa perspektywy, rozmieszczenie światła i cienia. Wszystko to było mu potrzebne, aby osiągnąć najwyższą wyrazistość obrazu, aby, jak powiedział, „dogonić naturę”. Po raz pierwszy w twórczości Leonarda obraz jako taki stracił swój statyczny charakter, stał się oknem na świat. Kiedy patrzysz na jego obraz, gubi się poczucie tego, co namalowane, zamknięte w ramie, i wydaje się, że patrzysz przez otwarte okno, ukazując widzowi coś nowego, niesłychanego. Domagając się wyrazistości obrazu, Leonardo zdecydowanie przeciwstawił się formalnej grze kolorów, zamiłowaniu do formy kosztem treści, temu, co tak żywo charakteryzuje sztukę dekadencką.
Forma Leonarda to tylko skorupa idei, którą artysta musi przekazać widzowi. Leonardo przywiązuje dużą wagę do problemów związanych z kompozycją obrazu, problemami z rozmieszczeniem postaci, poszczególnymi detalami. Stąd tak ukochana przez niego kompozycja, polegająca na umieszczeniu figur w trójkącie - najprostszej geometrycznej figurze harmonicznej - kompozycja, która pozwala widzowi uchwycić cały obraz jako całość. Ekspresywność, prawdomówność, dostępność - to są prawa teraźniejszości, naprawdę Sztuka ludowa, sformułowane przez Leonarda da Vinci, prawa, które sam ucieleśniał w swoich błyskotliwych dziełach. Już w swoim pierwszym Duży obraz„Madonna z kwiatem” Leonarda pokazała w praktyce, co oznaczały wyznawane przez niego zasady sztuki. Uderza w tym obrazie przede wszystkim jego kompozycja, zaskakująco harmonijne rozłożenie wszystkich elementów obrazu, które składają się na jedną całość. Zdjęcie młodej matki z wesołe dziecko w rękach głęboko realistyczne. Głęboko odczuwalny błękit włoskiego nieba przez szczelinę okienną jest niezwykle umiejętnie oddany. Już na tym obrazie Leonardo zademonstrował zasadę swojej sztuki - realizm, obraz człowieka w najgłębszej zgodzie z jego prawdziwą naturą, obraz nie jest abstrakcyjnym schematem, który nauczał i co robiła średniowieczna sztuka ascetyczna, a mianowicie żywa , czująca osoba.
Te zasady są jeszcze wyraźniej wyrażone w drugim wielkim obrazie Leonarda „Adoracja Trzech Króli” z 1481 r., w którym nie ma znaczenia wątek religijny, ale mistrzowskie przedstawienie ludzi, z których każdy ma swoją indywidualną twarz, swoją indywidualną twarz. własna poza, wyraża własne uczucia i nastrój. Prawda życia jest prawem malarstwa Leonarda. Maksymalne ujawnienie życie wewnętrzne jej celem jest człowiek. W Ostatniej Wieczerzy kompozycja została doprowadzona do perfekcji: mimo dużej liczby figur - 13, ich rozmieszczenie jest ściśle obliczone tak, aby wszystkie jako całość stanowiły rodzaj jedności, pełnej wielkiej wewnętrznej treści. Obraz jest bardzo dynamiczny: jakaś straszna wiadomość przekazana przez Jezusa uderzyła w jego uczniów, każdy z nich reaguje na nią po swojemu, stąd ogromna różnorodność wyrazów wewnętrznych uczuć na twarzach apostołów. Doskonałość kompozycyjną dopełnia niezwykle mistrzowskie operowanie kolorami, harmonia światła i cieni. Ekspresyjność, ekspresja obrazu osiąga swoją doskonałość dzięki niezwykłej różnorodności nie tylko mimiki, ale i ułożenia każdej z dwudziestu sześciu rąk namalowanych na obrazie.
Ten zapis samego Leonarda mówi nam o starannych pracach wstępnych, jakie wykonał przed namalowaniem obrazu. Wszystko jest w nim przemyślane w najdrobniejszych szczegółach: postawy, mimika; nawet takie detale jak przewrócona miska czy nóż; wszystko to w swej sumie stanowi jedną całość. Bogactwo kolorów na tym obrazie łączy się z subtelnym wykorzystaniem światłocienia, co podkreśla wagę przedstawionego na obrazie wydarzenia. Subtelność perspektywy, przenikanie powietrza, kolory czynią ten obraz arcydziełem sztuki światowej. Leonardo z powodzeniem rozwiązał wiele problemów ówczesnych artystów i otworzył drogę dalszy rozwój sztuka. Mocą swojego geniuszu Leonardo przezwyciężył średniowieczne tradycje, które ciążyły na sztuce, złamał je i odrzucił; udało mu się rozszerzyć wąskie ramy, które ograniczały twórczą moc artysty przez ówczesną klikę duchownych i pokazać zamiast pobitego szablonu ewangelii scenę olbrzymią, czysto czysto ludzki dramat, aby pokazać żywym ludziom ich pasje, uczucia, doświadczenia. I na tym obrazie ponownie pojawił się wielki, afirmujący życie optymizm artysty i myśliciela Leonarda.
Przez lata swoich wędrówek Leonardo namalował o wiele więcej obrazów, które otrzymały zasłużone światowa sława i uznanie. W "La Gioconda" obraz jest głęboko żywy i typowy. To właśnie ta głęboka witalność, niezwykle reliefowe rysy twarzy, indywidualne detale, kostium w połączeniu z mistrzowsko malowanym pejzażem nadają temu obrazowi szczególnej wyrazistości. Wszystko w niej – od tajemniczego półuśmiechu igrającego na jej twarzy po spokojnie złożone dłonie – świadczy o wielkiej treści wewnętrznej, o wielkim życiu duchowym tej kobiety. Pragnienie Leonarda, aby przekazać świat wewnętrzny w zewnętrznych przejawach ruchów duchowych, jest tutaj szczególnie w pełni wyrażone. Ciekawy obraz Leonarda „Bitwa pod Anghiari”, przedstawiający bitwę kawalerii i piechoty. Podobnie jak w innych swoich obrazach, Leonardo starał się tutaj pokazać różnorodne twarze, postacie i pozy. Dziesiątki postaci przedstawionych przez artystę tworzą integralne wrażenie obrazu właśnie dlatego, że wszystkie podlegają jednej idei leżącej u jego podstaw. Było to pragnienie pokazania wzrostu wszystkich sił człowieka w walce, napięcia wszystkich jego uczuć, zebranych razem, aby osiągnąć zwycięstwo.
