AUTOR BLOGA: bajka w życiu każdego człowieka to bardzo ważna część życia. Każdy, kto w dzieciństwie nie czytał bajek, nie znał poczucia pełnego szczęścia i harmonii w sobie i wokół siebie. Wydawałoby się, że pamiętamy od samego wczesne dzieciństwo autorzy wspaniałych bajek, którzy pomogli nam się rozwijać, zaszczepili najlepsze wartości moralne i poczucie wysoka estetykaświat, w który właśnie weszliśmy. Ale czasami nie znaliśmy ilustratorów - kim byli, jak się nazywali, kiedy żyli, w jakiej epoce wychowali tych wspaniałych artystów. No, może znaliśmy Bilibina, ilustratora, bo nasi rodzice, dziadkowie, którzy wychowali się na wspaniałych książkach, np. „Opowieściach Puszkina” z ilustracjami tego genialnego artysty, znali Bilibina.
A tutaj ilustrator Borys Aleksandrowicz Dekhterev - niewiele osób wspomniało lub wiedziało, z wyjątkiem rodzin, w których ktoś znał temat historii sztuki (sztuki piękne i architektura), ale mimo to starali się dać książki z jego ilustracjami swoim potomstwu , zwłaszcza „urodzeni z ołówkiem w ręku” i słynne bazgroły na ścianach, czasopismach, książkach, szkicach rozpraw czy innych pracach rodziców i starszych braci i sióstr – istnieje takie złośliwe niemowlęce plemię. Jeśli to plemię, które wyrosło na Bilibinie, Degtyarev, Suteev, dorastając nie rozstało się z ołówkiem, samo zaczęło szukać i kupować książki ilustrowane przez ulubionych autorów „tak, aby zawsze byli ze mną, to wydaje się, że świat jest na swoim miejscu”. A wszystko to wydarzyło się w „erze prehistorycznej BEZ INTERNETU”.

Iwan Jakowlewicz Bilibin. Ilustracje do „Opowieści o carze Saltanie”

I tak pojawił się Internet. Wydawałoby się - co za błogosławieństwo! Ale nie, bez względu na to, jak włożysz to na plemię niemowląt, które również słynie z rysowania wszystkiego po kolei, ale teraz nie nieszkodliwymi ołówkami, ale pisakami i innymi śmieciami w postaci pisaków - twój wciąż ulubiony
książki z bajkami i obrazkami - plemię niemowląt równie dedukuje, in najlepszy przypadek, coś na wzór Walta Disneya i w zasadzie coś na wzór japońskich kreskówek, tak przerażających, że nawet dorosły o silnych nerwach staje się niespokojny na pierwszy rzut oka na ekran komputera, na którym te bajki oglądają dzieci.

Suteev Vladimir Grigorievich Opowieści i obrazy.
W jednym z postów zamieściłem opowiadanie o ilustracjach do bajek, zatytułowane „VINTAGE ILUSTRACJE DO BAJEK” – coś takiego. Ten wspaniały post zainspirował mnie do opowiedzenia ulubionych bajek moimi ulubionymi zdjęciami, do których miłość niosła przez całe życie więcej niż jedno pokolenie ludzi żyjących w ZSRR, a później w Federacji Rosyjskiej. Dziś opowieść będzie dotyczyć radzieckiego ilustratora literatury dziecięcej, wybitnego grafika Borysa Aleksandrowicza Degtyariewa.

Ilustrator Borys Aleksandrowicz Dekhterev

Boris Aleksandrowicz Dekhterev (1908-1993), radziecki grafik, ilustrator. Artysta ludowy RSFSR. Laureat Nagrody Stalina II stopnia (1947).
B. A. Dekhterev urodził się 31 maja (13 czerwca) 1908 r. w Kałudze. W latach 1925-1926 studiował w pracowni D. N. Kardovsky'ego, w latach 1926-1930 na wydziale malarstwa VKHUTEIN. Pracował w wydawnictwie „Literatura dla dzieci” (przez 32 lata od 1945 roku) jako główny artysta. W latach 1935-1937 był asystentem profesora A. I. Krawczenki w Państwowym Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina, od 1948 r. był kierownikiem działu grafiki w Moskiewskim Instytucie Sztuki im. Można powiedzieć, że „Szkoła Dechteriewa” zdeterminowała rozwój grafiki książkowej kraju. Członek korespondent Akademii Sztuk Pięknych ZSRR. Pracował głównie w inżynierii rysunek ołówkiem i akwarele.

B. A. Dekhterev był jednym z pierwszych grafików, który zwrócił się do ilustrowania książek na tematy współczesnego życia. Ilustrował i projektował książki M. Gorkiego, I. S. Turgieniewa, M. Yu Lermontowa, A. P. Gajdara, V. Szekspira, bajki A. S. Puszkina ("Opowieść o carze Saltanie", "Opowieść o rybaku i Rybke" , 1951), C. Perrot („Kot w butach”) i inni, bajki „Chłopiec z palcem”, „Calinka”, „Kopciuszek”, „Czerwony Kapturek” (1949), „ Niebieski ptak» M. Maeterlinck, „Kabina wuja Toma” G. Beecher Stowe, „Cement” F. V. Gladkov, „Jak hartowano stal” N. A. Ostrovsky'ego. Stworzył także serię rysunków na tematy z historii KPZR oraz rysunków do książek poświęconych życiu przywódców sowieckich: „Spotkania z towarzyszem Stalinem” G. F. Baidukova (1938), „Dzieci i szkolne lata Iljicz” A. I. Uljanowej, „Chata” A. T. Kononova i innych.
BA Dekhterev zmarł w 1993 roku.

Wielu w ogóle nie rozumie, dlaczego potrzebne są ilustracje, jeśli książka nie jest przeznaczona dla dziecka. Nawiasem mówiąc, ilustracja książkowa to nie tylko tematyczny rysunek, ale integralna część pracy, która uzupełnia tekst i czyni go nieco bardziej przystępnym dla czytelnika. Oczywiście współczesne ilustracje zasadniczo różnią się od klasycznych rycin książkowych, ale nawet wśród nich można znaleźć nie tylko porządna praca ale prawdziwe arcydzieła. Ponadto kiedyś tworzeniem ilustracji zajmowali się wielcy malarze, dla których pisanie płócien o podstawie literackiej było niczym eksperyment.

Ivan Yakovlevich Bilibin był jednym z pierwszych rosyjskich malarzy, którzy zaczęli tworzyć ilustracje do rosyjskich opowieści ludowych i eposów. Pierwsza książka z jego ilustracjami została wydana, kiedy młody artysta skończył 25 lat. Z reguły Bilibin pracował nad książkami o małej objętości lub tzw. „notatnikami”. charakterystyczna cecha Artysta miał styl projektowania, zgodnie z którym zarówno tekst, jak i ilustracje stanowiły jedną całość. Dlatego w książkach zaprojektowanych przez Bilibina rysunki miały dokładnie taką samą przestrzeń jak tekst. Wszystkie ilustracje Bilibina, które miały bajecznie świąteczny charakter z rysami Sztuka ludowa, zostały stworzone przy użyciu unikalnej technologii. Artysta najpierw wykonał rysunek ołówkiem na kalce technicznej, przeniósł go na arkusz papieru do rysowania i za pomocą cienkiego pędzla obrysował obraz czarną linią, po czym przystąpił do kolorowania. Do najsłynniejszych dzieł Bilibina należą ilustracje do bajek „Siostra Alyonushka i brat Iwanushka”, „Vasilisa Beautiful”, „Finist the Clear Falcon”, „The Frog Princess”, a także do dzieł A.S. Puszkina „ Lukomorye”, „Opowieść o carze Saltanie...” i „Opowieść o złotym koguciku”.

Jeszcze jeden wybitny artysta, a także utalentowanym ilustratorem był Jurij Aleksiejewicz Wasnetsow, twórca całej galerii obrazów do książek dla dzieci. Vasnetsov spędził całe dzieciństwo i młodość w mieście Wiatka, co stało się jego inspiracją i skłoniło go do stworzenia szeregu ilustracji odzwierciedlających codzienne i świąteczne życie małego prowincjonalnego miasteczka. Styl Vasnetsova jest bardzo rozpoznawalny: zawsze zawiera jasne kolory, ozdobne wzory, tła i obrazy zawierające kolory różowy, niebieski, żółty i czerwony. Kolor odgrywa kluczową rolę w ilustracjach Wasniecowa. Kolejna charakterystyczna cecha Yu.A. Vasnetsov polega na tym, że artysta tworzy niesamowite świat wróżek- świat dzieciństwa, w którym nie ma okrucieństwa, a dobro zawsze zwycięża zło. Jego najbardziej znane prace to ilustracje do książek dla dzieci „Lis i zając”, „Trzy niedźwiedzie”, „Wilk i kozy”, „Ruffs Kids”, „Fifty Pigs” i tak dalej.

Ilustracje książkowe rosyjskich artystów są wyjątkowe w swoim rodzaju, naprawdę piękne, jasne, miłe i bardzo szczere. Wyróżniają się bogatą kolorystyką, ciekawymi obrazami i łatwością percepcji. Dlatego nie ma nic dziwnego w tym, że naród rosyjski uważany jest za najbardziej czytelny naród na świecie.

Dziś chcę porozmawiać o współczesnych ilustratorach książek dla dzieci. Kiedy przygotowywałam materiał do tego artykułu, zauważyłam, że współcześni artyści tworzymy bardzo piękne i wysokiej jakości ilustracje, ale głównie dla dzieci w wieku gimnazjalnym i starszym. Często widywany piękne ilustracje do bajek Andersena, Alicji w Krainie Czarów Lewisa Carrolla, baśni Hoffmanna.

Niestety nie udało mi się znaleźć współczesnych rosyjskich artystów tworzących dla dzieci. Ci, którzy mogliby stanąć na równi z nazwiskami - Suteev, Charushin, Tokmakov, Miturich, Konashevich ... Ale miejmy nadzieję, że ta tymczasowa luka wkrótce zostanie wypełniona nowymi jasnymi nazwiskami.

A teraz przedstawiamy 7 najlepszych współczesnych ilustratorów dziecięcych szkoły narodowej.

Igor Oleinikov

Ten niezwykle utalentowany artysta znany jest nie tylko jako ilustrator książek dla dzieci, ale także świetny animator. Brał udział w tworzeniu tak wspaniałych kreskówek jak „Tajemnica Trzeciej Planety”, „Kalif Bocian”, „Opowieść o carze Saltanie” i wielu innych, które zdołały zakochać się w widzach w każdym wieku.

Co zaskakujące, jeden z najzdolniejszych rosyjskich artystów dziecięcych nie ma profesjonalnego wykształcenia artystycznego (czego żałuje, jak sam przyznaje). Urodził się w Lyubertsy w obwodzie moskiewskim, ukończył Instytut Inżynierii Chemicznej. W studiu Soyuzmultfilm rozpoczął pracę jako asystent scenografa.

Igor Oleinikov jest zwycięzcą różnych festiwali animacji i książki. Jego ilustracje fascynują, urzekają tak, że aż trudno uwierzyć, że nie studiował na żadnej uczelni artystycznej.

Bajka „Cesarz i słowik” G. Kh. Andersen. Wydawnictwo Azbuka-classic

Jewgienij Antonenkow

Ukończył Moskiewski Instytut Poligraficzny. Przez długi czas współpracował z wydawnictwem „Rosmen”. Ilustrował wiele książek, m.in. książki Yunny Moritz, Korneya Czukowskiego, Borisa Zachodera, Alana Milne, Sergeya Kozlova i innych autorów.

„Bibigon”, K. Czukowski

„Bibigon”, K. Czukowski

„Kompres cytrynowy Malinowicz”, Yunna Moritz

„Mały Muk”, V. Gauf

Władysław Jerko

Wiele matek zapewne zna wspaniałe ilustracje tego artysty. Moim marzeniem zawsze była „Królowa Śniegu” z rysunkami Władysława Jerko. Artysta urodził się i mieszka w Kijowie, od dawna iz powodzeniem współpracował ze znanym ukraińskim wydawnictwem „A-ba-ba-ha-la-ma-ha”.

Książka " Królowa Śniegu z ilustracjami Yerko została uznana za najlepszą książkę dla dzieci w Stanach Zjednoczonych w 2006 roku i została nagrodzona Medalem Fundacji Andersena.

Evgenia Gapchinskaya

Znana ilustratorka dziecięca, której twórczość zdobyła uznanie wielu rodziców. Evgenia urodziła się w Charkowie w 1964 roku, gdzie studiowała. Obecnie mieszka w Kijowie i współpracuje z kijowskim wydawnictwem „A-ba-ba-ha-la-ma-ha”.

Galina Zinko

Ukraiński artysta, który ilustrował wiele książek dla dzieci, m.in. bajki Puszkina, Aksakowa, C. Perraulta, G. H. Andersena. Galina Zinko od dawna z powodzeniem współpracuje z wydawnictwem Clever, dzięki czemu wielu współczesnych rodziców zna jej romantyczny i wzruszający styl.

„Historia gołębia”, A. Borovetskaya

„Bloshkins i Frew z Barachta Bay”, A. Nikolskaya

„Bloshkins i Frew z Barachta Bay”, A. Nikolskaya

Anton Łomajew

Urodzony w 1971 w mieście Witebsk (który dał światu Chagalla i Malewicza). Studiował w Akademii Sztuk Pięknych (Instytut Repina) w Petersburgu, gdzie mieszka i pracuje, z powodzeniem współpracuje z wieloma rosyjskimi wydawnictwami. Jest członkiem Związku Artystów Plastyków.

Anton Lomaev znany jest z jasnych ilustracji figuratywnych do bajek dla dzieci. Wśród moich ulubionych są magiczne ilustracje do Małej Syrenki i inne bajki Andersena.

Ilustrator Anton Lomaev. Bajka „Mała Syrenka”

(1918-1998)

Grafik, plakacista, rysownik, w "Krokodylu" od 1938 roku, mistrz ilustracji do książek dla dzieci. ilustrowany duża ilość książki dla dzieci, szczególnie pamiętam jego rysunki do dzieł N. Nosova (w szczególności „Nie wiem na Księżycu”)

Vedernikov Evgeny Alimpievich (1918, prowincja Perm)

Artysta Ludowy RSFSR, rysownik i plakacista. Studiował w pracowni S.M. Seidenberga w Leningradzie (1935 - 1938), w Instytucie Zaawansowanych Studiów nad Artystami w Moskwie (1940 - 1941) u N.N. Wyszesławcewa, mgr. Dobrowa. Uczestniczył w wystawach od 1941 roku. Jeszcze przed wojną znany był jako autor karykatur politycznych i codziennych dla czasopism Krokodil, Smena, Ogonyok i gazety Prawda. W latach wojny pracował w gazecie frontowej „Pokonać wroga”. W Spokojny czas kontynuował pracę jako ilustrator publikacji drukowanych: „Śmieszne obrazki” itp., wielu książek, m.in. „Przygody dobry żołnierz Szwejka".

Vinokur Władimir Isaakowicz (ur. 1927, Moskwa).

Studiował w moskiewskim liceum plastycznym (1939-1946) i w Moskwie państwowy instytut ich. V. I. Surikov (1946-1952) z B. A. Dekhterevem i M. S. Rodionowem.

Lebiediew Władimir Wasiliewicz (1891 - 1967)

1891, 14(27) maja.
Urodzony w Petersburgu.
1910
Po raz pierwszy wystawia swoje prace na „Wystawie Grafiki i Rysunku” na Akademii Sztuk Pięknych.
1910- 1911
Rysuje zwierzęta w warsztacie bojowym F. Roubauda. 1912-1915
Studiuje w prywatnej pracowni artysty M.D. Bernshteina. 1912
Przyjęty do Akademii Sztuk Pięknych.
1911- 1913
Swoje rysunki publikuje w magazynie dla dzieci „Galchonok”. Od tego czasu pracuje w pismach satyrycznych „Satyricon”, „New Satyricon”, „Argus” itp.
1914-1916
Służba wojskowa - prace rysunkowe w parku lotniczym.
1917
Ilustruje pierwszą książkę dla dzieci - bajkę arabską „Lew i byk” (Wyd. „Światła”, s. 1918). 1918
Uczestniczy w świątecznej dekoracji Piotrogrodu - projekcie dekoracji mostu policyjnego.
1918-1921 Profesor w Piotrogrodzkim Wkhutemas.
1920-1921
Zastępca kierownika Działu Kampanii i Plakatu Biura ROSTA Regionu Północnego. Wykonywane przez "ROSTA Windows". Seria graficzna „Praczki”. „1921
Ilustruje małego słonia R. Kiplinga i pisze książkę Przygody Chuchlo z własnym tekstem (oba opublikowane w Epoch, Pg., 1922).
1923
Ilustruje Rosjan ludowe opowieści dla wydawnictwa „Myśl” (str. 1924).
1924-1926
Początek wspólnej pracy z poetą S. Marshakiem nad książkami dla dzieci „Cyrk”, „Lody”, „Wczoraj i dziś”, „Pudel” i inne dla wydawnictwa „Tęcza”.
1924-1933
Redaktor-artysta leningradzkiego oddziału Państwowego Wydawnictwa, kieruje redakcją artystyczną działu dziecięcego. 1924-1927
Rysunki satyryczne dla magazynów „Smekhach”, „Beach”, „Buzoter-Beach”.
1928
Wystawa osobista w salach Muzeum Rosyjskiego w Leningradzie. Prezentowane są prace z lat 1920-1928 - malarstwo, grafika sztalugowa i magazynowa, oryginalne ilustracje do książek dla dzieci, "ROSTA Windows".
1933-1941
Główny artysta leningradzkiego oddziału Detgiz.
1941- 1942
Redaktor odpowiedzialny Izogiz. Praca nad plakatami.
1942-1945 Pracuje w Moskwie w TASS Windows.
1945, 6 grudnia
Odznaczony tytułem Honored Artist of RSFSR.
1947
Rysunki do „Kolorowej księgi” S. Marshaka.
1948 - 1950-1960 Nowe (akwarelowe) wersje ilustracji do książek dla dzieci autorstwa S. Marshaka („Bagaż”, „Opowieść o głupia mała mysz" itd.).
30 kwietnia 1966
Odznaczony tytułem Artysty Ludowego RSFSR.
1967, 21 listopada Zmarł w Leningradzie

Łemkul Fiodor Wiktorowicz (1914-1995)

Fedor Lemkul otrzymał początkową edukację artystyczną w Moskiewskiej Poligrafii, która w tym czasie produkowała artystów książek - to było w przededniu wojny; następnie poszedł do wojska, gdzie pracował również jako artysta. Za swojego głównego nauczyciela uważa wybitnego radzieckiego grafika P. A. Alyakrinsky'ego, który dał młodemu artyście wiele zarówno pod względem umiejętności zawodowych, jak i zrozumienia sztuki.
Artysta rozpoczął pracę w czasopismach dla dzieci „Murzilka” i „Pioneer”. Pierwszymi dziełami, które przyciągnęły uwagę, były projekty książek S. Baruzdina „Opowieść o tramwaju” i M. Karema „Mój wąż” (1956 - 1958). Wielkim sukcesem Lemkuhla był projekt książki K. Czukowskiego „Jack the Giant Slayer” (Moskwa 1966).
Jeden z pierwszych, po długiej przerwie, ilustruje wiersze dla dzieci Daniila Charmsa. Artysta włożył wiele wysiłku w zaprojektowanie dzieł klasyków literatury dziecięcej - S. Marshaka i S. Michałkowa. W pracy nad książkami ilustrowanymi przez wielu naszych artystów Lemkuhl odnajduje swoje indywidualne kolory. Ważnym kamieniem milowym w pracy F. Lemkuhla był projekt „Opowieści” w opracowaniu A. Nieczajewa (M., 1977). Książka przede wszystkim przyciąga intensywną kolorowością. Artysta podaje z bliska postacie bohaterów. Z wielkim humorem rysuje śmiesznych i głupich królów, służalczych i przebiegłych dworzan, wiejskich chłopów i drażni naiwną księżniczkę. Postacie przedstawione są żywo i przekonująco. Maniera artysty jest swobodna i nieskrępowana, kolor brzmi z pełną mocą, styl wyrazisty i łatwo rozpoznawalny. Z niewyczerpanym musującym humorem i wyobraźnią oprawionymi i mała bajka Polski pisarz K. Makushinsky "Pan Thread" (M., 1973).

Migunow Jewgienij Tichonowicz (1921-2004)

W 1939 wstąpił do działu artystycznego VGIK.
W 1941 roku, po rozpoczęciu Wielkiej Wojna Ojczyźniana poszedł do milicji. Jesienią 1941 r. wznowił studia.
W 1943 ukończył VGIK i dołączył do studia filmowego Soyuzmultfilm. Pracował jako scenograf (do 1946 r. - razem z A.P. Sazonovem) w ekipach filmowych grup I.P. Ivanov-Vano, A.V. Ivanov, sióstr Brumberg, M.S. Pashchenko, V.G. Suteev, L.A. Amalrik i V.I. Polkovnikov. Przez około rok kierował warsztatem kreślarskim.
W 1949 i 1951, po raz pierwszy w animacji, aplikował farby olejne za tworzenie teł (filmy „Polkan i Shavka”, „Leśni podróżnicy”). Był współautorem programu szkolenia metodycznego dla animatorów i kreślarzy na kursach w pracowni, uczył projektowania postaci.
W 1954 zadebiutował jako reżyser, stając u początków wznowienia produkcji lalkowej filmy animowane w ZSRR. Wraz z mechanikiem S.I.Etlisem opatentował i zastosował w produkcji bajek nowość technika - oryginalny sposób mocowanie lalki do modelu, wykonanie skorupy ze spienionego lateksu, ulepszenie zawiasowych ram lalki. Uczestniczył w organizacji baza techniczna do fotografowania obiektów wolumetrycznych klatka po klatce, stworzył notatkę technologiczną na temat podstaw proces produkcji kręcenie kreskówki kukiełkowej.
Uczestniczył w rozwoju satyrycznego magazynu filmów animowanych „Dzięcioł”, wyposażony w teksty poetyckie i przerobił proponowane wątki.
Przygotowane tytuły i projekty do wielu gier filmy fabularne. Był członkiem rady artystycznej wytwórni filmowej Soyuzmultfilm, z której został zwolniony w 1960 roku. Podczas pracy w Soyuzmultfilm wykonał 343 000 rysunków, co dało 22 filmy, z których cztery otrzymały międzynarodowe nagrody.
W latach 1961-1966 pracował na zlecenie w redakcjach czasopism „Śmieszne Obrazki”, „Krokodyl”, redagował serię broszur „Biblioteka Krokodyla”, później zajmował się grafiką książkową i magazynową, rysował bajki, taśmy filmowe.
Ilustrował serię Aleksandra Wołkowa o Szmaragdowym Mieście, cykl Kira Bulycheva o Alisie Seleznevej, serię Jewgienija Wieltistowa o elektronice oraz książkę Strugackich "Poniedziałek zaczyna się w sobotę". Przeniósł z animacji do druku jedną z głównych właściwości swoich ilustracji - dynamizm: prawie wszystkie postacie są w ruchu.
Autor pamiętników i esejów o karykaturze, karykaturze i animacji.
Odznaczony Orderem II Wojny Ojczyźnianej, medalami.
W 1983 roku został odznaczony Złotym Medalem za udział w wystawie „Satyra w walce o pokój”.

Miturich Maj Pietrowicz (1925 - 2009)

Artysta Ludowy Rosji, członek rzeczywisty Rosyjskiej Akademii Sztuk.
Po udziale w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej i służbie wojskowej wstąpił do Moskiewskiego Instytutu Poligraficznego.
Po ukończeniu studiów w 1953 rozpoczął pracę w dziedzinie ilustracji książkowej.
Od połowy lat pięćdziesiątych do końca lat osiemdziesiątych Mai Miturich zaprojektował około 100 książek dla dzieci. Wśród nich są ilustracje do dzieł K. Czukowskiego, D. Charmsa, S. Marshaka, G. Snegirewa, A. Barto, S. Michałkowa, R. Kiplinga, L. Carrolla, S. Aksakova, Homera "Odyseja" " Japońskie bajki ludowe”. Ilustracje M. Miturich zostały nagrodzone licznymi dyplomami Ogólnounijnych i Wszechrosyjskich konkursów sztuki książki, medalami Międzynarodowej Wystawy sztuka książkowa w Lipsku i międzynarodowe biennale ilustracje w Bratysławie, z dyplomem międzynarodowym im. H. H. Andersena. Zaprojektowane przez niego książki były wielokrotnie publikowane za granicą.
Za projekt kolekcji „Japońskie baśnie ludowe” Mai Miturich otrzymał Order wschodzące słońce- druga najważniejsza nagroda państwowa w Japonii. Wśród innych nagród mistrza są Nagrody Państwowe RSFSR i Federacji Rosyjskiej.
Dzieła Maja Mituricha-Chlebnikowa, które otrzymały najwyższe uznanie profesjonalistów i widzów, znajdują się w zbiorach Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Muzeum Rosyjskiego, Państwowego Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina, największe zagraniczne muzea i kolekcje prywatne w Rosji i za granicą.

Panow Władimir Pietrowicz (1937 - 2007)

Grafik, autor książek. Studiował w Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki (lata 50.) z licencjatem. Dechteriew. Ilustrowane przez S. Aksakowa” Szkarłatny Kwiat„(1961), H. K. Andersen „Opowieści” (1971, 1978, 2002), P. Bazhov ” Opowieści uralskie(1957, sześć odbitek) itp.

Skobelev Michaił Aleksandrowicz (1930 - 2007)

Rysownik, ilustrator książek dla dzieci.
Urodzony 17 lipca 1930. Przez krótki czas pracował w studiu filmowym Soyuzmultfilm jako scenograf (w połowie lat 50.).
Studiował u F. Bogorodsky'ego, G. Shegala, Yu Pimenova, A. Sazonova.
Artysta ludowy Federacja Rosyjska (2000).
Malarz, artysta teatralny, ilustrator książek. Ukończył Moskiewski Instytut Poligraficzny. Edukację kontynuował na wydziale artystycznym Wszechzwiązkowego Instytutu Kinematografii. Zaprojektował spektakle w Teatrze Sovremennik: Dwaj bracia, Zawsze na wyprzedaży, Pięć wieczorów itp. Autor wielu popularnych kreskówek okres sowiecki. Książki ilustrowane do 1970 roku. razem z A.M. Eliseevem. Pracował w studiu filmowym „Soyuzmultfilm”, w magazynach „Krokodyl”, „Młodzież”, „Murzilka”, „Funny Pictures”. Ilustrowany przez A. Tołstoja „Złoty klucz lub przygody Pinokia” (1980, w kolejnych latach – nowe wersje), V. Majakowski, D. Charms. Prace M. Skobeleva znajdują się w rosyjskich muzeach, a także w prywatnych kolekcjach w USA, Izraelu, Francji, Rosji.

Tauber Wiktor Isajewicz (1901 - 1990)

Grafik, autor książek, studiował w VHUTEIN (1922 - 1923). Rysował dla magazynu „Murzilka”. Ilustrowane bajki autorstwa H.K. Andersen, baśni braci Grimm, stworzył książki - obrazy i szereg znakomitych autolitografii opartych na wątkach baśniowych. W latach 50. książka Charlesa Perraulta „Kot w butach” z jego niesamowitymi rysunkami przetrwała liczne przedruki. W ostatnich latach życia pracował nad ilustracjami do „Mistrza i Małgorzaty” M. Bułhakowa.

Tokmakow Lew Aleksiejewicz (1928 - 2010)

Artysta Ludowy Rosji (1998). Czczony Artysta RFSRR (1981)
Urodzony w Jekaterynburgu (Swierdłowsku).
Studiował w latach 1945-1951 w Moskiewskim Wyższym Instytucie Sztuki i Przemysłu (imię hrabiego Stroganowa). Jego nauczycielami byli Pavel Kuzniecow i Aleksander Kuprin.
Od 1958 rozpoczął współpracę z czasopismem „Murzilka”.
1980 - nazwisko L. Tokmakova zostało wpisane na Honorową Listę H. K. Andersena.
1984 - otrzymał złoty medal od rządu Arabskiej Republiki Jemenu za cykl prac na temat YAR.
1985 - Złoty medal na BIB w Bratysławie za ilustracje do książki O. Preuslera "Krabat".
1988 - dyplom honorowy H.K. Andersena za ilustracje do książki I. Tokmakowej „Karuzela”.

Traugot Walery Georgiewicz (1936-2009)

W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej został ewakuowany ze szkoły z internatem w syberyjskiej wiosce, gdzie jego pierwszym nauczycielem był rzeźbiarz G. A. Shults, który towarzyszył dzieciom rannym na froncie leningradzkim; następnie Valery Traugot wraz z innymi dziećmi artystów petersburskich (V.V. Proshkin, V.G. Petrov i KI. Suvorova) wrócił do Leningradu.
Ukończył gimnazjum Szkoła Artystyczna(SHSH) na Akademii Sztuk Pięknych, kontynuował studia w Moskwie, w Instytucie Surikowa (na Wydziale Rzeźby), następnie ukończył Leningradzką Wyższą Szkołę Sztuki Przemysłowej. W I. Muchina (1960). Za swojego głównego nauczyciela uważał swojego ojca Georgija Nikołajewicza Traugota.
W dziedzinie ilustracji książek dla dzieci zadebiutował w 1956 roku. Pierwsze księgi ilustrowano wspólnie z ojcem i bratem, rysunki sygnowano prowokacyjnym, zapadającym w pamięć monogramem G.A.V. - Georgy, Alexander, Valery (te inicjały przez długi czas były obecne w książkach dla dzieci jako hołd pamięci nawet po tragicznej śmierci G. N. Traugota). Łącznie artyści brali udział w ilustrowaniu ponad 200 książek. Szczególnie popularna była książka „686 zabawnych przemian”; bajki G.Kh. Andersena w swoim projekcie były przedrukowywane 17 razy, a ich łączny nakład przekroczył trzy miliony.
Brał również udział w ilustrowaniu następujących dzieł: „Opowieści o matce gęsi”, „ Bajki„Charles Perrault, Sinobrody” Charlesa Perraulta, „Opowieści kubańskie”, „Opowieści z Kambodży”, „Iliada” i „Odyseja” Homera, „Nauka o miłości” Owidiusza, „Złoty osioł” Apulejusza.
Na ogólnorosyjskie zawody Bracia Traugot otrzymali ponad 30 dyplomów, z czego 14 I stopnia (m.in. dyplomy Komitetów Prasowych ZSRR i Federacji Rosyjskiej za ilustracje do bajek G.Ch. Andersena).
Artyści regularnie uczestniczyli w wystawach książek i ilustracji (grafiki książkowej) w Rosji, Niemczech, Włoszech, Czechach, Słowacji, Polsce, Japonii, Francji.
Prace braci A. i V. Traugotów znajdują się w muzeach moskiewskich (m.in. Galeria Tretiakowska), Petersburg, Twer, Archangielsk, Pietrozawodsk, Wołogda, Irkuck, Krasnojarsk, Riazań, Kaliningrad; za granicą: w Japonii, Niemczech, Czechach itp. oraz w wielu prywatnych kolekcjach w Europie, USA, Izraelu, Rosji.

Dziedzictwo artystyczne mistrza nie ogranicza się do grafika książkowa. A. F. Pakhomov - autor monumentalnych malowideł ściennych, obrazów, grafika sztalugowa: rysunki, akwarele, liczne druki, w tym ekscytujące arkusze z serii „Leningrad w dniach blokady”. Zdarzyło się jednak, że w literaturze o artyście pojawił się nietrafny pomysł: prawdziwa skala i czas trwania jego działalności. Czasem zasięg jego twórczości zaczynał się dopiero od dzieł z połowy lat 30., a czasem nawet później – od serii litografii z lat wojny. Takie ograniczone podejście nie tylko zawęziło i ograniczyło ideę oryginalnego i żywego dziedzictwa A.F. Pakhomova, tworzonego w ciągu pół wieku, ale także zubożyło całą sztukę sowiecką.

Konieczność studiowania pracy A.F. Pakhomova jest od dawna spóźniona. Pierwsza monografia o nim ukazała się w połowie lat 30. XX wieku. Oczywiście uwzględniono w nim tylko część prac. Pomimo tego i pewnych ograniczeń w zrozumieniu tradycji tkwiących w tamtych czasach, twórczość pierwszego biografa W.P. W esejach o artyście publikowanych w latach 50. uwzględnienie materiału z lat 20. i 30. okazało się węższe, a prac z kolejnych okresów bardziej wybiórcze. Dziś opisowa i wartościująca strona prac o A.F. Pachomovie, odległych od nas o dwie dekady, wydaje się, że pod wieloma względami straciła swoją wiarygodność.

W latach 60. A.F. Pakhomov napisał oryginalną książkę „O swojej pracy”. Książka wyraźnie pokazała błędność wielu powszechnych poglądów na temat jego pracy. Wyrażone w tej pracy przemyślenia artysty na temat czasu i sztuki, a także obszerny materiał nagrań rozmów z Aleksiejem Fiodorowiczem Pachomowem, dokonany przez autora tych wierszy, pomogły w stworzeniu oferowanej czytelnikom monografii.

A.F. Pakhomov posiada niezwykle dużą liczbę obrazów i rysunków. Nie pretendując do ich wyczerpującego omówienia, autor monografii uznał za swoje zadanie przedstawienie głównych aspektów działalności twórczej mistrza, jej bogactwa i oryginalności, nauczycieli i współpracowników, którzy przyczynili się do rozwoju sztuki A. F. Pachomova. Obywatelstwo, głęboka witalność, realizm, charakterystyczne dla twórczości artysty, pozwoliły ukazać rozwój jego twórczości w stałym i ścisłym związku z życiem narodu radzieckiego.

Jako jeden z największych mistrzów Sztuka radziecka, A.F. Pakhomov przez całe swoje długie życie i twórczą drogę niósł żarliwą miłość do Ojczyzny, do jej mieszkańców. Wysoki humanizm, prawdomówność, bogactwo figuratywne sprawiają, że jego prace są tak uduchowione, szczere, pełne ciepła i optymizmu.

W Region Wołogdy w pobliżu miasta Kadnikova, nad brzegiem rzeki Kubena, znajduje się wieś Varlamov. Tam 19 września (2 października 1900 r.) chłopce Efimii Pietrownej Pakhomowej urodził się chłopiec o imieniu Aleksiej. Jego ojciec, Fiodor Dmitriewicz, pochodził od „specyficznych” rolników, którzy w przeszłości nie znali okropności poddaństwa. Ta okoliczność odegrała ważną rolę w sposobie życia i panujących cechach charakteru, rozwinęła umiejętność zachowywania się prosto, spokojnie, z godnością. Zakorzeniły się tu także cechy szczególnego optymizmu, rozmachu poglądów, duchowej bezpośredniości i responsywności. Aleksiej wychował się w środowisku pracy. Żyli biednie. Jak w całej wsi własnego chleba nie starczyło do wiosny, musieli go kupić. wymagany Dodatkowy dochód przez dorosłych członków rodziny. Jeden z braci był kamieniarzem. Wielu mieszkańców wioski było stolarzami. A jednak młody Aleksiej wspominał wczesny okres życia jako najradośniejszy. Po dwóch latach nauki w szkole parafialnej, a następnie kolejnych dwóch latach w szkole ziemstwa w sąsiedniej wsi, został wysłany „na koszt państwa i na państwową żywność” do wyższej szkoły podstawowej w mieście Kadnikov. Czas zajęć pozostał w pamięci A.F. Pachomova jako bardzo trudny i głodny. „Od tego czasu moje beztroskie dzieciństwo w domu mojego ojca” – powiedział – „zaczęło mi się na zawsze wydawać najszczęśliwszym i najbardziej poetyckim czasem, a ta poetyczność dzieciństwa stała się później głównym motywem mojej pracy”. Zdolności artystyczne Aleksieja ujawniły się wcześnie, choć tam, gdzie mieszkał, nie było warunków do ich rozwoju. Ale nawet pod nieobecność nauczycieli chłopiec osiągnął pewne wyniki. Sąsiedni właściciel ziemski W. Zubow zwrócił uwagę na jego talent i podarował Aloszy ołówki, papier oraz reprodukcje obrazów rosyjskich artystów. Zachowane do dziś wczesne rysunki Pachomova zdradzają, co później, wzbogacone o umiejętności zawodowe, stanie się charakterystyczne dla jego twórczości. Mały artysta był zafascynowany wizerunkiem osoby, a przede wszystkim dziecka. Rysuje braci, siostrę, dzieciaki z sąsiedztwa. Ciekawe, że rytm linii tych nagich ołówkowych portretów nawiązuje do rysunków jego dojrzałych porów.

W 1915 roku, kiedy ukończył szkołę miasta Kadnikov, na sugestię marszałka powiatowego szlachty J. Zubowa, miejscowi miłośnicy sztuki ogłosili subskrypcję i wysłali Pachomova do Piotrogrodu do szkoły A. L. Stieglitza z liceum. Zebrane pieniądze. Wraz z rewolucją nastąpiły również zmiany w życiu Aleksieja Pachomowa. Pod wpływem nowych nauczycieli, którzy pojawili się w szkole - N. A. Tyrsa, M. V. Dobuzhinsky, S. V. Chekhonin, V. I. Shukhaev - stara się lepiej zrozumieć zadania sztuki. Krótki trening pod okiem wielkiego mistrza rysunku Szuchajewa dał mu dużą wartość. Te lekcje położyły podwaliny pod zrozumienie struktury Ludzkie ciało. Dążył do głębokiego studium anatomii. Pakhomov był przekonany, że nie trzeba kopiować otoczenia, ale sensownie je reprezentować. Rysując, przyzwyczaił się nie do uzależnienia od warunków świetlno-cieniowych, ale niejako „oświetlania” natury własnym okiem, pozostawiając światło w ciasnych częściach objętości i przyciemniając te bardziej odległe. „To prawda”, zauważył jednocześnie artysta, „nie stałem się wiernym Shukhaevitą, to znaczy nie zacząłem rysować sangwinikiem, smarując go gumką, aby ludzkie ciało wyglądało spektakularnie”. Pachomow przyznał, że przydatne były lekcje najwybitniejszych twórców książek, Dobużyńskiego i Czechonina. Szczególnie zapamiętał radę tego ostatniego: aby natychmiast uzyskać umiejętność pisania pędzlem na okładce książki, bez wstępnego fastrygowania ołówkiem, „jak adres na kopercie”. Według artysty taki rozwój niezbędnego oka pomógł później w szkicach z natury, w których mógł, zaczynając od jakiegoś szczegółu, umieścić wszystko na arkuszu.

W 1918 roku, gdy życie w zimnym i głodnym Piotrogrodzie stało się niemożliwe bez stałego dochodu, Pachomow wyjechał do ojczyzny, zostając nauczycielem rysunku w szkole w Kadnikowie. Miesiące te były bardzo korzystne dla ukończenia jego edukacji. Po lekcjach w klasach pierwszego i drugiego etapu czytał łapczywie, o ile pozwalało na to oświetlenie i nie męczyły się oczy. „Cały czas byłem w stanie podniecenia, ogarnęła mnie gorączka wiedzy. Cały świat otworzył się przede mną, o czym, jak się okazuje, prawie nie wiedziałem - tym razem wspominał Pakhomov. „Z radością przyjąłem rewolucje lutowe i październikowe, jak większość ludzi wokół mnie, ale dopiero teraz, czytając książki z zakresu socjologii, ekonomii politycznej, materializmu historycznego, historii, zacząłem naprawdę rozumieć istotę wydarzeń”.

Skarby nauki i literatury otworzyły się przed młodzieńcem; całkiem naturalny był jego zamiar kontynuowania przerwanych studiów w Piotrogrodzie. W znanym budynku w Salt Lane rozpoczął naukę u N. A. Tyrsy, który był wówczas komisarzem dawnej szkoły Stieglitz. „My, uczniowie Nikołaja Andriejewicza, byliśmy bardzo zaskoczeni jego kostiumem” – powiedział Pachomow. - Komisarze tamtych lat nosili skórzane czapki i kurtki z paskiem i rewolwerem w kaburze, a Tyrsa chodziła z laską iw meloniku. Ale jego wypowiedzi o sztuce słuchano z zapartym tchem. Kierownik pracowni dowcipnie obalał przestarzałe poglądy na malarstwo, zapoznawał studentów z dokonaniami impresjonistów, z doświadczeniem postimpresjonizmu, dyskretnie zwracał uwagę na poszukiwania widoczne w twórczości Van Gogha, a zwłaszcza Cezanne'a. Tyrsa nie przedstawił jasnego programu przyszłości sztuki, od tych, którzy pracowali w jego warsztacie, żądał spontaniczności: pisz tak, jak czujesz. W 1919 Pachomow został wcielony do Armii Czerwonej. Z bliska rozpoznał nieznane wcześniej środowisko wojskowe, naprawdę rozumiane ludowa postać armii Kraju Sowietów, co później wpłynęło na interpretację tego tematu w jego twórczości. Wiosną następnego roku Pachomow, zdemobilizowany po chorobie, przybył do Piotrogrodu i przeniósł się z warsztatu N. A. Tyrsy do W. W. Lebiediewa, decydując się zorientować się w zasadach kubizmu, które znalazły odzwierciedlenie w wielu prace Lebiediewa i jego uczniów. Z dzieł Pachomowa wykonanych w tym czasie niewiele zachowało się. Taki jest na przykład „Martwa natura” (1921), wyróżniający się subtelnym wyczuciem faktury. Widać w nim wyuczone od Lebiediewa pragnienie osiągnięcia „zrobienia” w pracach, szukania nie powierzchownej kompletności, ale konstruktywnej malarskiej organizacji płótna, nie zapominając o plastycznych właściwościach przedstawionych.

Pomysł nowego wielkiego dzieła Pachomova - obrazu "Sianokosy" - powstał w jego rodzinnej wiosce Varlamov. Tam zebrano na to materiał. Artysta przedstawił nie zwykłą codzienną scenę przy koszeniu, ale pomoc młodych chłopów dla ich sąsiadów. Choć przejście do kolektywnej, kołchozowej pracy było wówczas kwestią przyszłości, samo wydarzenie, ukazujące zapał młodości i zapał do pracy, było już pod pewnymi względami zbliżone do nowych trendów. Etiudy i szkice postaci kosiarek, fragmenty pejzażu: trawy, krzewy, ściernisko świadczą o niesamowitej konsekwencji i powadze koncepcji artystycznej, gdzie śmiałe poszukiwania fakturowe łączą się z rozwiązywaniem problemów plastycznych. Umiejętność Pachomova w uchwyceniu rytmu ruchów przyczyniła się do dynamizmu kompozycji. Na ten obraz artysta pracował przez kilka lat i wykonał wiele prac przygotowawczych. W wielu z nich rozwinął wątki bliskie lub towarzyszące głównemu tematowi.

Rysunek „Zabicie kos” (1924) przedstawia dwóch młodych chłopów przy pracy. Zostały naszkicowane przez Pachomowa z natury. Następnie przejrzał tę kartkę pędzlem, uogólniając obraz, nie obserwując swoich modeli. Dobre walory plastyczne, połączone z przenoszeniem silnego ruchu i ogólną malowniczością użycia tuszu, widoczne są we wcześniejszej pracy z 1923 roku „Dwie kosiarki”. Z głęboką prawdziwością, można powiedzieć, surowością rysunku, tutaj artystę interesowało przemienność płaszczyzny i objętości. Arkusz posiada umiejętnie wykorzystany tusz. Wskazuje się na otoczenie krajobrazowe. Faktura ściętej i stojącej trawy jest namacalna, co nadaje rysunkowi rytmiczne zróżnicowanie.

Wśród znacznej liczby zmian w kolorystyce fabuły „Sianokosy” należy wymienić akwarelę „Kosiarka w różowej koszuli”. W nim oprócz malarskich przemyć pędzlem zastosowano drapanie na mokrej warstwie farby, co nadało obrazowi szczególną ostrość i zostało wprowadzone do obrazu inną techniką (w malarstwie olejnym). Kolorowy duży liść "Sianokosy", namalowany akwarelą. W nim scena wydaje się być widziana z wysoka temperatura wizja. Umożliwiło to pokazanie wszystkich sylwetek kosiarek jadących w rzędzie i uzyskanie szczególnej dynamiki w przekazywaniu ich ruchów, co ułatwia ukośne ustawienie sylwetek. Doceniwszy tę technikę, artysta zbudował obraz w ten sam sposób, a następnie nie zapomniał o nim w przyszłości. Pakhomov osiągnął malowniczość ogólnej gamy i sprawił wrażenie przekłutej porannej mgły światło słoneczne. Ten sam temat inaczej rozwiązany jest w obrazie olejnym „Na koszeniu”, przedstawiającym pracujące kosiarki i pasącego się obok wozu z boku konia. Krajobraz jest tu inny niż w innych szkicach, wariantach i na samym obrazie. Zamiast pola znajduje się brzeg rwącej rzeki, co podkreślają prądy i łódka z wioślarzem. Kolorystyka pejzażu jest wyrazista, zbudowana na różnych zimnych odcieniach zieleni, na pierwszym planie wprowadzane są tylko cieplejsze odcienie. W połączeniu postaci z otoczeniem odkryto pewien efekt dekoracyjny, który wzmocnił ogólną barwę dźwięku.

Jednym z obrazów Pakhomova o sporcie w latach 20. jest Boys Skating. Artysta zbudował kompozycję na obrazie najdłuższego momentu ruchu, a więc najbardziej owocnego, dającego wyobrażenie o tym, co minęło i co będzie. Natomiast w oddali ukazana jest inna postać, wprowadzająca zróżnicowanie rytmiczne i dopełniająca ideę kompozycyjną. Na tym zdjęciu, obok zainteresowania sportem, widać odwołanie się Pachomova do najważniejszego tematu jego pracy - życia dzieci. Wcześniej ten trend znalazł odzwierciedlenie w grafikach artysty. Od połowy lat dwudziestych wybitnym wkładem Pachomowa w sztukę było głębokie zrozumienie i tworzenie wizerunków dzieci Kraju Sowietów. Studiując wielkie problemy malarskie i plastyczne, artysta rozwiązywał je także w pracach na ten nowy ważny temat. Na wystawie w 1927 r. pokazano płótno „Chłopka”, które, choć miało coś wspólnego z omówionymi powyżej portretami, cieszyło się również samodzielnym zainteresowaniem. Uwagę artystki przykuł wizerunek głowy i dłoni dziewczyny, namalowany z wielkim plastycznym odczuciem. W oryginalny sposób uchwycony został typ młodej twarzy. Blisko tego płótna pod względem bezpośredniości doznań jest „Dziewczyna za włosami”, wystawiona po raz pierwszy w 1929 roku. Różniła się ona od wizerunku klatki piersiowej z 1927 r. nową, bardziej szczegółową kompozycją, obejmującą prawie całą postać w pełnym wzroście, przekazaną w bardziej złożonym ruchu. Artystka pokazała zrelaksowaną pozę dziewczyny układającej włosy i patrzącej w małe lusterko leżące na jej kolanie. Dźwiękowe kombinacje złotej twarzy i dłoni, niebieskiej sukienki i czerwonej ławki, szkarłatnego swetra i ochrowo-zielonkawych ścian chaty przyczyniają się do emocjonalności obrazu. Pakhomov subtelnie uchwycił naiwną ekspresję twarz dziecka, dotykając postawy. Jasne, niezwykłe obrazy zatrzymały publiczność. Obie prace były częścią zagranicznych wystaw sztuki radzieckiej.

W ciągu swojej półwiecznej działalności twórczej A.F. Pachomow był w bliskim kontakcie z życiem kraju sowieckiego, co nasycało jego prace natchnionym przekonaniem i siłą żywotnej prawdy. Jego osobowość artystyczna rozwinęła się wcześnie. Znajomość jego twórczości pokazuje, że już w latach 20. wyróżniał się głębią i rzetelnością, wzbogacony doświadczeniem studiowania kultury światowej. W jego powstaniu rola sztuki Giotta i protorenesansu jest oczywista, ale wpływ był nie mniej głęboki. starożytne malarstwo rosyjskie. A.F. Pakhomov należał do wielu mistrzów, którzy w innowacyjny sposób podeszli do bogatego dziedzictwa klasycznego. Jego prace charakteryzują się nowoczesnym wyczuciem w rozwiązywaniu zarówno zadań plastycznych, jak i graficznych.

Opanowanie nowych tematów przez Pachomowa na płótnach „1905 na wsi”, „Jeźdźcy”, „Spartakowka” w cyklu obrazów o dzieciach jest ważne dla rozwoju sztuki radzieckiej. Artysta odegrał wybitną rolę w tworzeniu wizerunku współczesnego, jego seria portretów jest tego wyraźnym dowodem. Po raz pierwszy wprowadził do sztuki tak żywe i żywe obrazy młodych obywateli Kraju Sowietów. Ta strona jego talentu jest wyjątkowo cenna. Jego prace wzbogacają i poszerzają idee dotyczące historii malarstwa rosyjskiego. Od lat 20. główne muzea kraje nabyły płótna Pachomova. Jego prace zyskały międzynarodową sławę na dużych wystawach w Europie, Ameryce, Azji.

A.F. Pakhomov inspirował się rzeczywistością socjalistyczną. Jego uwagę przyciągnęły testy turbin, praca tkalni i nowe rzeczy w życiu. Rolnictwo. W jego pracach pojawiają się tematy związane z kolektywizacją, wprowadzaniem sprzętu na pola, wykorzystaniem kombajnów, pracą traktorów w nocy, życiem wojska i marynarki wojennej. Podkreślamy szczególną wartość tych dokonań Pachomowa, bo to wszystko artysta prezentował już w latach 20. i wczesnych 30. XX wieku. Jego obraz „Pionierzy u siewcy”, cykl o gminie „Siewca” i portrety z „Pięknych mieczy” to jedne z najgłębszych dzieł naszych artystów o przemianach na wsi, o kolektywizacji.

Prace A.F. Pakhomova wyróżniają się monumentalnymi rozwiązaniami. We wczesnym sowieckim malarstwie ściennym prace artysty należą do najbardziej uderzających i interesujących. W tekturach Czerwonej Przysięgi, w obrazach i szkicach Okrągłego Tańca Dzieci Wszystkich Narodów, w obrazach o żniwiarzach, a także w najlepszych obrazach Pachomowa w ogóle, jest wyczuwalny związek z wielkimi tradycjami starożytnego narodu. dziedzictwo, które jest częścią skarbca sztuki światowej. Kolorystyczna, figuratywna strona jego malowideł ściennych, obrazów, portretów, a także grafiki sztalugowej i książkowej jest głęboko oryginalna. O błyskotliwych sukcesach malarstwa plenerowego świadczy cykl „W słońcu” – rodzaj hymnu do młodzieży Kraju Sowietów. Tu, w przedstawieniu nagiego ciała, artysta wystąpił w roli jednego z wielkich mistrzów, którzy przyczynili się do rozwoju tego gatunku w Malarstwo radzieckie. Poszukiwania kolorów Pakhomova połączono z rozwiązaniem poważnych problemów plastycznych.

Trzeba powiedzieć, że w osobie A.F. Pakhomova sztuka miała jednego z największych rysowników naszych czasów. Mistrz po mistrzowsku posiadany różne materiały. Działa tuszem i akwarelą, piórem i pędzlem obok siebie z genialnymi rysunkami ołówek grafitowy. Jego dokonania wykraczają poza granice rodzimej sztuki i stają się jedną z najwybitniejszych kreacji światowej grafiki. Nietrudno znaleźć tego przykłady w serii rysunków wykonanych w domu w latach 20. i wśród arkuszy wykonanych w następnej dekadzie z podróży po kraju oraz w cyklach o obozach pionierskich.

Wkład A.F. Pakhomova w grafikę jest ogromny. Jego sztalugi i książka działa dedykowane dzieciom należą do wybitnych sukcesów w tej dziedzinie. Jeden z twórców sowieckiej literatury ilustrowanej wprowadził do niej głęboki i zindywidualizowany obraz dziecka. Jego rysunki urzekły czytelników witalnością i wyrazistością. Bez nauk, żywo i wyraźnie, artysta przekazywał myśli dzieciom, budził ich uczucia. ALE ważne tematy Edukacja i życie szkolne! Żaden z artystów nie rozwiązał ich tak głęboko i zgodnie z prawdą, jak Pachomow. Po raz pierwszy w tak przenośny i realistyczny sposób zilustrował wiersze W. W. Majakowskiego. Odkryciem artystycznym były jego rysunki do dzieł Lwa Tołstoja dla dzieci. Rozważany materiał graficzny wyraźnie wskazywał, że twórczość Pachomowa, ilustratora współczesnego i literatura klasyczna błędem jest ograniczanie go tylko do obszaru książki dla dzieci. Znakomite rysunki artysty do dzieł Puszkina, Niekrasowa, Zoszczenki świadczą o wielkim sukcesie grafiki rosyjskiej w latach 30. XX wieku. Jego prace przyczyniły się do powstania metody socrealizmu.

Sztuka A.F. Pakhomova wyróżnia się obywatelstwem, nowoczesnością i trafnością. Podczas najtrudniejszych prób blokady Leningradu artysta nie przerywał swojej pracy. Wraz z mistrzami sztuki miasta nad Newą, jak kiedyś w młodości w czasie wojny domowej, pracował nad zadaniami z frontu. Seria litografii Pachomowa „Leningrad w dniach oblężenia”, jedno z najważniejszych dzieł sztuki lat wojny, ukazuje niezrównaną męstwo i odwagę narodu radzieckiego.

Wśród tych entuzjastycznych artystów, którzy przyczynili się do rozwoju i rozpowszechnienia tego typu, należy wymienić autora setek litografii A.F. Pakhomov grafika drukowana. Jego uwagę zwróciła możliwość dotarcia do szerokiego grona odbiorców, masowość adresu druku obiegowego.

Jego prace cechuje klasyczna klarowność i zwięzłość środków wizualnych. Wizerunek osoby jest jego głównym celem. Niezwykle ważną stroną twórczości artysty, która łączy go z tradycjami klasycznymi, jest pragnienie plastycznej ekspresji, co jest wyraźnie widoczne w jego malarstwie, rysunkach, ilustracjach, grafikach, aż po najnowsze prace. Robił to stale i konsekwentnie.

A.F. Pakhomov to „głęboko oryginalny, wielki rosyjski artysta, całkowicie pochłonięty odbiciem życia swojego narodu, ale jednocześnie chłonął osiągnięcia sztuki światowej. Twórczość A. F. Pakhomova, malarza i grafika, jest znaczącym wkładem w rozwój radzieckiej kultury artystycznej. /VS. Matafonow/

____________________________________________________________________________________________________________

WŁADIMIR WASILIEWICZ LEBIEDEW

14 (26) 05.1891, Petersburg - 21.11.1967, Leningrad

Artysta ludowy RSFSR. Członek Korespondent Akademii Sztuk ZSRR

Pracował w Petersburgu w pracowni F. A. Roubauda, ​​uczęszczał do szkoły rysunku, malarstwa i rzeźby M. D. Bernsteina i L. V. Sherwooda (1910-1914), studiował w Petersburgu na Akademii Sztuk (1912-1914). Członek Towarzystwa Czterech Sztuk. Współpracował w magazynach „Satyricon”, „Nowy Satyricon”. Jeden z organizatorów Windows ROSTA” w Piotrogrodzie.

W 1928 r. w Muzeum Rosyjskim w Leningradzie zorganizowano osobistą wystawę Władimira Wasiljewicza Lebiediewa, jednego z wybitnych grafików lat 20. XX wieku. Został wtedy sfotografowany na tle swoich prac. Nieskazitelny biały kołnierzyk i krawat, kapelusz naciągnięty na brwi, poważny i nieco arogancki wyraz twarzy, poprawny wygląd i nie dający się zbliżyć, a jednocześnie zrzucona marynarka, rękawy jego koszuli, podwinięte powyżej łokci, odsłaniają duże muskularne ramiona ze szczotkami „inteligentnymi” i „nerwowymi”. Całość razem pozostawia wrażenie opanowania, gotowości do pracy i co najważniejsze – odpowiada charakterowi grafik pokazywanych na wystawie, wewnętrznie napiętych, niemal hazardowych, momentami ironicznych i jakby odzianych w zbroję, trochę chłodnych odbiór graficzny. W epokę porewolucyjną artysta wkroczył z plakatami na okna ROSTA. Podobnie jak w powstałych w tym samym czasie „Ironers” (1920), naśladowały one styl kolorowego kolażu. Jednak w plakatach ta wywodząca się z kubizmu technika nabrała zupełnie nowego znaczenia, wyrażającego się lapidarnością znaku i patosem obrony rewolucji (" Na straży na październik ", 1920) i chęć dynamicznej pracy ("Demonstracja", 1920). Jeden z plakatów ("Musisz pracować - karabin jest w pobliżu", 1921) przedstawia robotnika z piłą, a jednocześnie on sam jest postrzegany jako rodzaj mocno zbitego przedmiotu. Pomarańczowe, żółte i niebieskie paski tworzące figurę są niezwykle silnie związane z literami drukowanymi, które, w przeciwieństwie do napisów kubistycznych, mają określone znaczenie semantyczne, z jaką wyrazistością przecinają się przekątne, utworzone przez słowo„praca”, z brzeszczotem i słowem „musi”, oraz ostrym łukiem ze słów „karabin w pobliżu” i linią ramion robotnika! Ta sama atmosfera bezpośredniego wejścia rysunku w rzeczywistość charakteryzowała wówczas rysunki Lebiediewa do książek dla dzieci. W Leningradzie w latach 20. ukształtował się cały nurt ilustrowania książek dla dzieci. V. Ermolaeva, N. Tyrsa współpracowali z Lebedev , N. Lapshin, a częścią literacką kierował S. Marshak, który był wówczas bliski grupie poetów leningradzkich - E. Schwartz, N. Zabolotsky, D. Charms, A. Vvedensky. W tamtych latach został całkowicie zatwierdzony specjalny obraz książki, inne niż uprawiane w tamtych latach przez Moskwę ilustracja kierowana przez V. Favorsky'ego. O ile w gronie moskiewskich drwali czy bibliofilów panowała niemal romantyczna percepcja księgi, a sama praca nad nią zawierała coś „bardzo ascetycznego”, to leningradzcy ilustratorzy stworzyli rodzaj „książki-zabawki”, oddali ją wprost w ręce dziecko, dla którego był przeznaczony. Ruch wyobraźni „w głąb kultury” został tu zastąpiony radosną skutecznością, kiedy kolorową książkę można było obracać w dłoniach lub przynajmniej czołgać wokół niej, leżąc na podłodze w otoczeniu zabawkowych słoni i kostek. Wreszcie drzeworyty Favorsky'ego „święte nad świętymi” Favorsky'ego - grawitacja czarno-białych elementów obrazu w głąb lub z głębi arkusza - ustąpiły tu miejsca po prostu płaskiemu palcowaniu, gdy rysunek powstał jakby „pod ręce dziecka” z kawałków papieru przyciętych nożyczkami. Słynna okładka „Słoniaczka” R. Kiplinga (1926) utworzona jest jakby ze stosu łatek rozrzuconych losowo na powierzchni papieru. Wydaje się, że artysta (a może nawet i samo dziecko!) przesuwał te prace po papierze aż do uzyskania kompletnej kompozycji, w której wszystko „jedzie za kółkiem” i gdzie tymczasem nic nie da się przesunąć nawet o milimetr: w pośrodku - słoniątko z zakrzywionym długim nosem, wokół niego - piramidy i palmy, na górze - duży napis „Słoń”, a poniżej krokodyl, który poniósł całkowitą klęskę.

Ale jeszcze bardziej lekkomyślnie wypełniony książką"Cyrk"(1925) i „Jak samolot zrobił samolot”, w której rysunkom Lebiediewa towarzyszyły wiersze S. Marshaka. Na rozkładówkach przedstawiających klaunów ściskających ręce lub grubego klauna na osiołku praca polegająca na cięciu i przyklejaniu zielonych, czerwonych lub czarnych kawałków dosłownie „gotuje się”. Tutaj wszystko jest „osobne” – czarne buty czy czerwone nosy klaunów, zielone spodnie czy żółta gitara grubasa z karaśem – ale z jakim niezrównanym blaskiem to wszystko jest połączone i „sklejone”, przesiąknięte duchem żywego i wesoła inicjatywa.

Wszystkie te obrazy Lebiediewa, adresowane do zwykłych dziecięcych czytelników, wśród których takie arcydzieła, jak litografie do książki „Polowanie” (1925), były z jednej strony wytworem wyrafinowanej kultury graficznej, zdolnej zadowolić najbardziej wymagające oko, az drugiej sztuka, objawiająca się w żywej rzeczywistości. Przedrewolucyjna grafika nie tylko Lebiediewa, ale i wielu innych artystów, nie znała jeszcze tak otwartego kontaktu z życiem (pomimo tego, że Lebiediew malował dla magazynu Satyricon w latach 1910) – owe „witaminy” czy, raczej te „drożdże witalności”, po których „wędrowała” sama rosyjska rzeczywistość w latach dwudziestych. Codzienne rysunki Lebiediewa ujawniały ten kontakt z niezwykłą wyrazistością, nie tyle wdzierając się w życie, jak ilustracje czy plakaty, ale przenosząc je w swoją figuratywną sferę. Sednem tego jest żywe, chciwe zainteresowanie wszystkim, co nowe. typy społeczne, które nieustannie powstawały wokół. Rysunki z lat 1922-1927 można łączyć z nazwą „Panel Rewolucji”, którą Lebiediew zatytułował tylko jedną serię z 1922 roku, przedstawiającą ciąg postaci porewolucyjnej ulicy, a słowo „panel” wskazywało, że była to najprawdopodobniej piana ubita przez toczących się po tych ulicach biegiem wydarzeń. Artysta rysuje marynarzy z dziewczętami na piotrogrodzkich rozstajach, kupców ze straganami czy dandysów przebranych na modę tamtych lat, a zwłaszcza Nepmenów – tych komicznych, a zarazem groteskowych przedstawicieli nowej „fauny ulicznej”, których malował z entuzjazmem w tych samych latach i V. Konashevich i wielu innych mistrzów. Dwaj Nepmeni na rysunku „Para” z serii „Nowe życie” (1924) mogliby uchodzić za tych samych klaunów, których Lebiediew wkrótce przedstawił na kartach „Cyrku”, gdyby nie ostrzejszy wobec nich stosunek samego artysty . Stosunku Lebiediewa do takich postaci nie można nazwać ani „stygmatyzującym”, ani tym bardziej „biczowaniem”. Przed tymi rysunkami Lebiediewa nie było przypadkiem, że P. Fedotov został zapamiętany z jego nie mniej charakterystycznymi szkicami typów ulic z XIX wieku. Chodziło o tę żywą nierozłączność zasad ironicznych i poetyckich, która cechowała obu artystów i która w obu składała się na szczególną atrakcyjność obrazów. Można też przywołać współczesnych Lebiediewowi pisarze M. Zoshchenko i Yu Olesha. Mają tę samą nierozłączność ironii i uśmiechów, kpiny i podziwu. Najwyraźniej Lebiediew był pod wrażeniem taniego szyku prawdziwego żeglarza ("Dziewczyna i żeglarz") oraz prowokacyjnego biegania dziewczyny z butem zatwierdzonym na pudełku sprzątacza ("Dziewczyna i czyściciel butów"). ), jego nawet coś pociągała mnie też ta zoologiczna lub czysto roślinna niewinność, z którą jak łopian pod płotem wspinają się wszystkie te nowe postacie, demonstrując cuda zdolności adaptacyjnych, jak na przykład rozmawiające panie w futrach w sklepie okno (Ludzie Społeczeństwa, 1926) lub banda Nepmenów na ulicy wieczornej ("Nepmen", 1926). W szczególności uderza poetycki początek najsłynniejszej serii Lebiediewa „Miłość do punków” (1926-1927). Co za fascynujące siła życiowa oddech w rysunku „Na lodowisku” to postacie faceta w kożuchu rozpiętym na piersi i dziewczyny w czepku z kokardą i butelkowatymi nogami, wsuniętej w wysokie buty, przykucniętej na ławce. Jeśli w serii „Nowe życie” być może można też mówić o satyrze, to tutaj jest to prawie niezauważalne. Na zdjęciu „Wysypka, Siemionowna, posyp, Siemionowna!” - wysokość szaleństwa. Pośrodku prześcieradła znajduje się gorąca i młoda tańcząca para, a widz zdaje się słyszeć, jak rozpryskują się jego dłonie, czy buty faceta odrywają się do rytmu, czuje wężową elastyczność nagich pleców, swobodę ruchu swojego partnera. Od serii „Panel of Revolution” po rysunki „Love of the punks”, sam styl Lebiediewa przeszedł zauważalną ewolucję. Postacie marynarza i dziewczyny na rysunku z 1922 roku wciąż składają się z samodzielnych plam - plam atramentowych o różnej fakturze, podobnej do tych w Żelazkach, ale bardziej uogólnionych i chwytliwych. W „Nowym życiu” dodano tu naklejki, dzięki którym rysunek nie jest już imitacją kolażu, ale prawdziwym kolażem. Obraz całkowicie zdominował samolot, zwłaszcza że zdaniem samego Lebiediewa dobry rysunek powinien przede wszystkim „dobrze zmieścić się na papierze”. Jednak w arkuszach z lat 1926-1927 papierową płaszczyznę coraz częściej zastępowała przedstawiana przestrzeń z jej światłocieniem i tłem przedmiotowym. Przed nami nie są już plamy, ale stopniowe gradacje światła i cienia. Jednocześnie ruch rysunku nie polegał na "wycinaniu i wklejaniu", jak miało to miejsce w "Nep" i "Cyrku", ale na przesuwaniu miękkiego pędzla czy spływaniu czarnej akwareli. W połowie lat dwudziestych wielu innych kreślarzy również podążało ścieżką ku coraz bardziej swobodnemu lub obrazowemu, jak to się powszechnie nazywa, rysowaniu. Byli też N. Kupreyanov ze swoimi wiejskimi „stadami” oraz L. Bruni i N. Tyrsa. Rysunek nie ograniczał się już do efektu „wziętego”, szpiczasty chwyt „na czubek pióra” wszystkich nowych charakterystyczne typy, ale jakby sam był włączony w żywy strumień rzeczywistości ze wszystkimi jej zmianami i uczuciowością. W połowie lat 20. ten orzeźwiający nurt ogarnął sferę nie tylko „ulicy”, ale także motywów „domowych”, a nawet tak tradycyjnych warstw rysunku, jak rysowanie w pracowni nagiej ludzkiej postaci. I jaki to był nowy rysunek w całej jego atmosferze, zwłaszcza jeśli porównamy go z ascetycznie ścisłym rysunkiem dekady przedrewolucyjnej. Jeśli porównamy na przykład znakomite rysunki z aktu modelki N. Tyrsy z 1915 roku i rysunki Lebiediewa z lat 1926-1927, uderzy bezpośredniość arkuszy Lebiediewa, siła ich uczuć.

Ta bezpośredniość szkiców Lebiediewa z modela sprawiła, że ​​inni historycy sztuki przypomnieli sobie techniki impresjonizmu. Sam Lebiediew był głęboko zainteresowany impresjonistami. W jednym z jego najlepszych rysunków z cyklu „Akrobata” (1926) pędzel, nasycony czarną akwarelą, zdaje się tworzyć energiczny ruch samego modela. Wystarczy pewne pociągnięcie, aby artysta odrzucił lewą rękę lub jedno przesunięcie, aby skierować łokieć do przodu. W cyklu "Tancerka" (1927), gdzie kontrasty świetlne są osłabione, elementy ruchomego światła również budzą skojarzenia z impresjonizmem. „Z przestrzeni przesiąkniętej światłem”, pisze W. Pietrow, „jak wizja pojawiają się zarysy tańczącej postaci”, „jest ledwo zarysowana przez lekkie rozmyte plamy czarnej akwareli”, kiedy „forma zamienia się w malowniczą masa i niepozornie łączy się ze środowiskiem światło-powietrze.”

Jest rzeczą oczywistą, że ten impresjonizm Lebiediewa nie jest już równy klasycznemu impresjonizmowi. Za nim zawsze czujesz „uczenie się konstruktywności” niedawno ukończone przez mistrza. Zarówno Lebiediew, jak i sam leningradzki kierunek rysowania pozostały sobą, nie zapominając ani na chwilę ani skonstruowanej płaszczyzny, ani malarskiej faktury. Rzeczywiście, tworząc kompozycję rysunków, artysta nie odtwarzał przestrzeni postacią, jak zrobił to Degas, ale tę jedną postać, jakby scalając jej formę z formatem rysunku. Ledwo zauważalnie odcina czubek głowy i sam czubek stopy, dzięki czemu postać nie spoczywa na podłodze, a raczej „zahacza się” o dolną i górną krawędź prześcieradła. Artysta dąży do jak najbardziej zbliżonego „planu figury” i płaszczyzny obrazu. Perłowe pociągnięcie jego mokrego pędzla należy zatem w równym stopniu do postaci, jak i płaszczyzny. Te zanikające kreski świetlne, które oddają zarówno samą postać, jak i niejako ciepło ogrzanego wokół ciała powietrza, odbierane są jednocześnie jako jednolita faktura rysunku, kojarzona z pociągnięciami. Chińskie rysunki tuszem i dla oka jak najdelikatniejsze „płatki”, drobno wygładzone do powierzchni arkusza. Co więcej, w „Akrobatach” czy „Tancerzach” Lebiediewa jest przecież ten sam chłód pewnie artystycznego i nieco zdystansowanego podejścia do modelki, co zauważyli bohaterowie seriali „Nowe życie” i „Nep”. We wszystkich tych rysunkach mocna jest uogólniona podstawa klasyczna, co tak wyraźnie odróżnia je od szkiców Degasa z ich poezją charakterystyczną lub codziennością. Tak więc w jednym z genialnych arkuszy, w którym baletnica jest odwrócona tyłem do widza, z prawa noga, założona na palec z tyłu z lewej (1927), jej figura przypomina porcelanową figurkę z półcieniem i przesuwającym się po powierzchni światłem. Według N. Lunina artysta znalazł w baletnicą „doskonałą i rozwiniętą ekspresję ludzkiego ciała”. „Oto jest – ten chudy i plastyczny organizm – jest rozwinięty, może trochę sztucznie, ale sprawdzony i dokładny w ruchu, potrafi „opowiedzieć o życiu” więcej niż ktokolwiek inny, bo ma najmniej bezforemny, nieutworzony, niepewna szansa”. Artystę naprawdę interesował nie sam balet, ale najbardziej wyrazisty sposób „opowiadania życia”. Każdy z tych ARKUSZY jest przecież niejako poematem lirycznym poświęconym poetycko wartościowemu ruchowi. Balerina N. Nadieżdina, która pozowała mistrzowi w obu seriach, oczywiście bardzo mu pomogła, zatrzymując się w tych dobrze przestudiowanych przez nią „pozycjach”, w których najbardziej imponująco ujawniła się witalna plastyczność ciała.

Podniecenie artysty zdaje się przełamywać artystyczną poprawność pewnego rzemiosła, a następnie mimowolnie przekazywane widzowi. Na tym samym wspaniałym szkicu baletnicy od tyłu widz z entuzjazmem przygląda się, jak wirtuozowski pędzel nie tylko przedstawia, ale tworzy natychmiast zastygłą na palcach postać. Jej nogi, narysowane dwoma "płatkami pociągnięć", z łatwością wznoszą się ponad punkt podparcia, wyżej - jak znikający półcień - ostrożne rozszerzenie śnieżnobiałej paczki, jeszcze wyżej - po kilku przerwach, nadając obrazowi aforystyczną zwięzłość - niezwykle wrażliwa, lub „bardzo słysząca”, tancerka pleców i nie mniej „słyszący” obrót swojej małej głowy nad szeroką rozpiętością ramion.

Kiedy Lebiediew został sfotografowany na wystawie w 1928 roku, wydawało się, że ma przed sobą obiecującą drogę. Wydaje się, że kilka lat ciężkiej pracy wzniosło go na wyżyny grafiki. Jednocześnie, zarówno w książkach dla dzieci z lat dwudziestych, jak iw Tancerze, być może osiągnięto taki stopień pełnej doskonałości, że z tych punktów być może nie było możliwości rozwoju. I rzeczywiście, rysunek Lebiediewa, a ponadto sztuka Lebiediewa, osiągnęły tu swój absolutny szczyt. W kolejnych latach artysta bardzo aktywnie zajmował się malarstwem, dużo i przez wiele lat ilustrował książki dla dzieci. A jednocześnie wszystko, co robił w latach 1930-1950, nie mogło już być porównywane z arcydziełami z lat 1922-1927 i oczywiście mistrz nie próbował powtórzyć swoich pozostawionych znalezisk. Rysunki Lebiediewa z postać kobieca. Jeśli kolejnej epoki nie można było przypisać schyłkowi rysowania od nagiej modelki, to tylko dlatego, że w ogóle nie interesowała się tymi tematami. Wydaje się, że dopiero w ostatnich latach jest punkt zwrotny w stosunku do tej najbardziej poetyckiej i najszlachetniejszej twórczo sfery rysunku, a jeśli tak, to być może W. Lebiediew wśród kreślarzy nowej generacji jest przeznaczony dla innego nowa chwała.