Wzrost cen przedmiotów artystycznych nie ominął rzeźby, mimo że przez dość długi czas ten kierunek cen pozostawał znacznie w tyle za malarstwem. Powyższa ocena nie jest oficjalna i nie rości sobie specjalnego statusu. Nie ma tu znaczenia ani materiał, z którego rzeźba została wykonana, ani jej wiek, ani czas i miejsce sprzedaży. To, co łączy wszystkie te rzeźby, to imponujące sumy, jakie za nie płacili kolekcjonerzy.
„Chodzący człowiek I”. Alberto Giacometti
Najdroższą rzeźbą, jaką kiedykolwiek sprzedano na aukcji, jest rzeźba z brązu „Walking Man I” autorstwa słynnego szwajcarskiego mistrza Alberto Giacomettiego. Rzeźbiarz posuwającego się w kosmosie człowieka (wzrost 183 cm) powstał w 1961 roku i ukazuje witalność. „Skromny wizerunek człowieka, ale potężny symbol wieczności” – nazwali rzeźbę organizatorzy aukcji. Osobliwością dzieła jest zredukowanie go do minimalnych form, co podkreśla samotność człowieka w świecie i kruchość jego duszy. Rzeźba została sprzedana w lutym 2010 roku na aukcji Sothby's w Londynie za 104 327 milionów dolarów.
„Z miłości do Pana”. Damien Hirst
Na drugim miejscu w rankingu najdroższych rzeźb znajduje się czaszka „Z miłości do Pana”. Autorem pracy jest Damien Hirst z Wielkiej Brytanii. Artysta wykonał platynową replikę XVIII-wiecznej europejskiej czaszki. W platynowej czaszce laserowo wytworzono komórki diamentów (w czaszce jest ich łącznie 8601), szczęka wykonana jest z platyny, ale w czaszkę wstawione są prawdziwe zęby. Czaszka zwieńczona jest różowym diamentem o masie 52,4 karata. W 2007 roku czaszka została wystawiona w Galerii White Cube. Rzeźba „Z miłości do Boga” została sprzedana w 2010 roku za 100 mln dolarów, a wśród inwestorów miał być sam Damien Hirst.
Warto zauważyć, że czaszka jest dziś dość popularnym obiektem artystycznym. Niedawno artysta Nino Sarabutra stworzył niezwykłą wystawę – sto tysięcy czaszek w przestrzeni wystawienniczej.
"Głowa". Amedeo Modigliani
Trzecie miejsce zajęła rzeźba „Głowa”, stworzona w 1910 roku przez rzeźbiarza i artystę Amedeo Modiglianiego. Eksperci czerpią analogie między rzeźbą Modiglianiego a słynnym popiersiem królowej Nefertiti, przechowywanym w Muzeum Egipskim w Berlinie. Wysokość rzeźby wynosi 65 cm, pokazuje wszystkie cechy charakterystyczne dla dzieł Modiglianiego - oczy w kształcie migdałów, owalną twarz, długi cienki nos, wydłużoną szyję, małe usta. Rzeźba została sprzedana na aukcji Christie's w Paryżu w 2010 r. Według François de Riquel, prezesa francuskich aukcji, kolekcjonerzy z całego świata wymieniali telefonicznie dzieła słynnego włoskiego rzeźbiarza. 59,5 miliona dolarów.Nazwisko kupującego nie zostało ujawnione.
„Lwica z Guennoli” Autor nieznany
Na czwartym miejscu w rankingu znajduje się 8-centymetrowa figurka „Lwica z Guennoli”, która została wykonana z wapienia 5000 lat temu w Mezopotamii. Od 1948 do 2007 roku figurka należała do amerykańskiego kolekcjonera Alistaira Bradleya Martina i wystawiana za jego zgodą w Brooklyn Museum of Art. Na aukcji Sothby's o figurkę rywalizowało 5 kolekcjonerów. Organizatorzy aukcji spodziewali się sprzedać Guennol Lioness za 14-18 mln USD, ale w rezultacie została sprzedana za 57,16 USD. Były właściciel przekazał cały dochód na specjalną organizację charytatywną Fundacja.
Wielka głowa Diego. Alberto Giacometti
Zamyka top 5 najdroższych rzeźb „Wielka głowa Diego” Alberto Giacometti (Szwajcaria). Rzeźba o wysokości 65 cm powstała w 1954 roku, a jego brat Diego pozował rzeźbiarzowi. W 2010 roku w Christie's rzeźbę sprzedano za 53,282 mln dolarów, aw listopadzie 2013 roku popiersie z brązu w Sothby's New York sprzedano za 32,6 mln dolarów, nieco tracąc swoją pozycję.
„Naga kobieca figura z tyłu IV.” Henri Matisse
Szóste miejsce zajmuje brązowa płaskorzeźba „Naga postać kobieca z tyłu IV”, stworzona w 1958 roku przez impresjonistę Henri Matisse'a. W 2010 roku rzeźba Christiego sprzedała się na aukcji za 48,8 miliona dolarów. Koneserzy nazywają tę pracę najjaśniejszą z czterech prac z serii „Standing Back to the Viewer”, którą Matisse stworzył w latach 1909-1930. Odlew gipsowy dla każdej serii został odlany natychmiast w 12 egzemplarzach. Dziś cała seria znajduje się w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Tate Gallery w Londynie i Centrum Pompidou w Paryżu. Do 2010 roku żadna z rzeźb z tego cyklu nie została wystawiona na aukcję.
„Madame L.R.” Constantine Brancusi
Rzeźba „Madame L.R.”, wykonana z drewna przez rumuńskiego rzeźbiarza Constantina Brancusiego, została sprzedana na aukcji Christie's w lutym 2009 roku za 37,2 miliona dolarów. Według historyków sztuki rzeźba łączy w sobie unikalny styl rzeźby karpackiej i motywy afrykańskie.
„Leżąca postać” Henry Moore
Ósme miejsce w rankingu zajmuje „Postać leżąca” (1951) autorstwa rzeźbiarza ubiegłego wieku – Henry'ego Moore'a. Długość rzeźby wynosi 244,5 cm Na otwartej aukcji domu handlowego Christie's „Leżąca figura” młotek poszedł za 30,148 milionów dolarów. W sumie Moore odlał 5 kopii rzeźby. W 2005 roku jedna z rzeźb została ofiara intruzów.W ciągu kilku minut została skradziona z posiadłości w Hertfordshire, należącej do samego Henry'ego Moore'a, ładując wyciągarką na tył ciężarówki tuż pod kamerami monitoringu.
„Głowa kobiety” Pablo Picasso
Na dziewiątym miejscu znajduje się „Głowa kobiety” autorstwa wielkiego hiszpańskiego rzeźbiarza, artysty, projektanta i grafika Pabla Picassa. Wielki mistrz zadedykował to dzieło swojej ukochanej, francuskiej artystce Dorze Maar.
Jesienią 2007 r. w Sotheby's 80-centymetrowa rzeźba została sprzedana za 29,161 mln dolarów, a jej koszt wyniósł 20-30 mln dolarów.Popiersie z brązu kupił prywatny kolekcjoner Frank Giraud. Warto dodać, że Picasso odlano 4 kopie tej rzeźby.
„Artemida z jeleniem”. Nieznany autor
Zamyka 10 najdroższych rzeźb „Artemida z łanią”, stworzonych przez nieznanego autora w I wieku pne. pne mi. - I wiek. n. mi. Rzeźba ta jest zdecydowanie najdroższą rzeźbą antyczną sprzedawaną na aukcji. Opuściła aukcję Sotheby's za 28,6 miliona dolarów.Pomimo sporego wieku rzeźba przetrwała wyjątkowo dobrze.
12 maja 2015 r. na nowojorskiej aukcji Christie's pobito kolejny rekord cenowy: rzeźba Alberto Giacomettiego Wskazujący Man została sprzedana za 141,3 miliona dolarów. To prawie 40 milionów dolarów więcej niż poprzednia najwyższa partia - kolejna praca szwajcarskiego mistrza Walking Man I" . W tym zestawieniu, opracowanym przez jedną z najbardziej autorytatywnych publikacji Forbesa, możesz zobaczyć, na jakie rzeźby jest teraz popyt i ile kolekcjonerzy są skłonni za nie zapłacić. Uwaga! Niektóre rzeźby mogą wstrząsnąć twoim poczuciem piękna.
„Człowiek wskazujący”, 1947
Wskazujący człowiek to najdroższa rzeźba, jaką kiedykolwiek sprzedano na aukcji. Jest to jeden z sześciu podobnych posągów z brązu autorstwa Giacomettiego stworzonych w 1947 roku. Rzeźba, która trafiła pod młotek w Christie's, od 45 lat jest przechowywana w prywatnej kolekcji. Jej były właściciel w 1970 roku kupił dzieło od amerykańskich kolekcjonerów Freda i Florence Olsenów. Ci z kolei kupili arcydzieło w 1953 roku od syna słynnego francuskiego artysty Henri Matisse'a Pierre'a. Pozostałe rzeźby „wskazujące” są przechowywane w muzeach na całym świecie, w tym w nowojorskim MoMA i londyńskiej galerii Tate, a także w kolekcjach prywatnych.
Partia sprzedawana w Christie's różni się od innych tym, że Giacometti ją ręcznie pomalował. Rzeźbiarz stworzył rzeźbę w kilka godzin - między północą a dziewiątą rano, jak powiedział swojemu biografowi. Szwajcarski mistrz przygotowywał się do swojej pierwszej od 15 lat wystawy w Nowym Jorku. „Zrobiłem już odlew gipsowy, ale niszczyłem i tworzyłem raz za razem, bo pracownicy odlewni musieli go odebrać rano. Kiedy dostali odlew, tynk był jeszcze mokry” – wspomina.
Przedstawiając szczupłe, mocno wydłużone postacie ludzi, symbolizujące samotność i niepewność egzystencji, rzeźbiarz zaczął po II wojnie światowej, podczas której Giacometti został zmuszony do przeprowadzki z Francji do Szwajcarii i osiedlenia się w Genewie.
Dzieło Giacomettiego uważane jest za jedno z najdroższych na rynku sztuki współczesnej. W przeddzień aukcji eksperci oszacowali koszt "Wskazującego człowieka" na 130 mln dolarów - więcej niż koszt poprzedniego rekordzisty "Walking Man I" tego samego autora. Nazwisko kupującego, który wyłożył na rzeźbę 141,3 miliona dolarów, nie zostało ujawnione.
„Chodzący człowiek I”, 1961
Walking Man I jest uważany za jedną z najbardziej rozpoznawalnych rzeźb XX wieku. Dzieło, wraz z portretem autora, jest nawet przedstawione na banknocie 100 franków szwajcarskich. W 2010 roku pojawiła się na aukcji po raz pierwszy od dwudziestu lat – parcelę wystawił niemiecki Dresdner Bank AG, który nabył arcydzieło do korporacyjnej kolekcji, ale po przejęciu Commerzbanku pozbył się dzieł sztuki. Sprzedający obiecali przekazać dochód z Walking Man I na cele charytatywne.
Rzeźba wywołała prawdziwe poruszenie. W hali walczyło o nią co najmniej dziesięciu kandydatów, ale najwyższą cenę w końcu zaoferował anonimowy kupiec przez telefon. Licytacja trwała osiem minut, w tym czasie cena wywoławcza partii wzrosła pięciokrotnie (a łącznie z prowizją prawie sześciokrotnie).
Eksperci z The Wall Street Journal sugerowali, że anonimowym nabywcą był rosyjski miliarder Roman Abramowicz, który dwa lata wcześniej kupił posąg kobiety z brązu stworzony przez Giacomettiego w 1956 roku. Jednak Bloomberg dowiedział się później, że Lily Safra, wdowa po brazylijskim bankierze Edmodzie Safra, została właścicielem posągu.
"Z miłości do Pana", 2007
Rzeźba, wykonana przez słynnego brytyjskiego artystę Damiena Hirsta z 2 kg platyny, jest nieznacznie pomniejszoną kopią czaszki 35-letniego Europejczyka z XVIII wieku. Ogniwa na diamenty (w sumie 8601) są wycinane laserowo, szczęka jest wykonana z platyny, a wstawiane są prawdziwe zęby. Czaszka zwieńczona jest różowym diamentem o wadze 52,4 karata. Praca kosztowała brytyjskiego artystę, słynącego ze skandalicznych instalacji z wykorzystaniem zwłok zwierząt w formalinie, 14 milionów funtów.
Hirst twierdził, że nazwa rzeźby została zainspirowana słowami matki, która zwróciła się do niego z pytaniem: Na miłość boską, co zamierzasz dalej? („Na miłość boską, co teraz robisz?”). Bo miłość Boża jest dosłownym cytatem z Pierwszego Listu Jana.
W 2007 roku czaszka została wystawiona w Galerii White Cube i w tym samym roku sprzedana za 100 milionów dolarów (50 milionów funtów). Bloomberg i The Washington Post napisali, że wśród inwestorów znalazł się sam Damien Hirst, a także ukraiński miliarder Wiktor Pinczuk. Przedstawiciel galerii White Cube nie skomentował plotek, ale powiedział, że kupujący zamierzają później odsprzedać dzieło Hirsta.
"Głowa", 1910-1912
Za dzieło Amedeo Modiglianiego kolekcjonerzy targowali się przez telefon, w wyniku czego rzeźba trafiła pod młotek za 59,5 miliona dolarów, czyli dziesięciokrotnie więcej niż cena wywoławcza. Nazwiska kupującego nie ujawniono, ale wiadomo, że pochodzi z Włoch.
Modigliani nie pracował nad rzeźbą długo - od 1909 do 1913, kiedy artysta powrócił do malarstwa, m.in. z powodu gruźlicy. Sprzedawana w Christie's „Głowa” jest częścią kolekcji siedmiu rzeźb „Pillars of Tenderness”, które autor wystawił w 1911 roku w pracowni portugalskiego artysty Amadeo de Sousa-Cordoso. Wszystkie prace wyróżniają wyrazista owalna głowa, migdałowe oczy, długi, cienki nos, małe usta i wydłużona szyja. Eksperci czerpią także analogie między rzeźbą Modiglianiego a słynnym popiersiem królowej Nefertiti, przechowywanym w Muzeum Egipskim w Berlinie.
"Pies Balonowy (Pomarańczowy)", 1994-2000
Pies ze stali nierdzewnej trafił na aukcję z kolekcji biznesmena Petera Branta, który wcześniej odwiedził Muzeum Sztuki Nowoczesnej (MoMA) w Nowym Jorku, Canal Grande w Wenecji i Pałac wersalski. Przedsprzedaż działki o wysokości trzech metrów i wadze tony oszacowano na 55 milionów dolarów.Pomarańczowy pies jest pierwszym z pięciu „powietrznych” psów stworzonych przez amerykańskiego artystę. Pozostałe cztery rzeźby również trafiły do zbiorów, ale zostały sprzedane po niższej cenie.
Sukces komercyjny przyszedł do Koonsa, byłego brokera z Wall Street, w 2007 roku. Potem jego gigantyczna metalowa instalacja „Wiszące serce" została sprzedana w Sotheby's za 23,6 miliona dolarów. W następnym roku ogromny fioletowy „Kwiat z balonu" trafił do Christie's za 25,8 miliona dolarów. Christie's za 33,7 miliona dolarów
„Lwica z Guennola”, około 3000-2800 pne mi.
Stworzona w starożytnej Mezopotamii około 5000 lat temu wapienna figurka została znaleziona w 1931 roku w Iraku, niedaleko Bagdadu. W głowie lwicy zachowały się dwa otwory na sznurek lub łańcuszek: przeznaczony do noszenia na szyi. Od 1948 roku dzieło należy do słynnego amerykańskiego kolekcjonera Alistaira Bradleya Martina i jest wystawiane w Brooklyn Museum of Art. Ogłaszając decyzję o sprzedaży rzeźby, Martin obiecał przekazać wpływy na cele charytatywne.
Antyczna „Lwica" ustanowiła rekordową cenę rzeźb w nowojorskim Sotheby's w 2007 roku, usuwając z pierwszego miejsca brązową „Głowę kobiety" Picassa, która sprzedała się niecały miesiąc wcześniej za 29,1 mln dolarów. Ostateczna cena rzeźby przekroczyła początkowy jeden przez więcej niż trzy razy. W walce o figurkę wzięło udział pięciu kupujących, zwycięzca aukcji chciał pozostać anonimowy.
Duża głowa Diego, 1954
Rzeźba z brązu przedstawia młodszego brata Alberto Giacomettiego, Diego, był ulubionym modelem szwajcarskiego mistrza. Jest kilka "Głów", ostatni z serii został sprzedany w Sotheby's w 2013 roku za 50 milionów dolarów.Wielka Głowa Diego została oddana do instalacji na placu przy ulicy w Nowym Jorku, prace nad nią wstrzymano z powodu śmierci autora. Szacunkowa rzeźba, która trafiła pod młotek w Christie's, wyniosła 25-35 milionów dolarów.
Giacometti znajduje się w pierwszej dziesiątce najdroższych artystów na świecie od 2002 roku, po sprzedaży kilku prac artysty w Christie's. Najdroższą sprzedaną figurką była wówczas trzecia z ośmiu kopii rzeźby „Klatka” – wyceniono ją na 1,5 miliona dolarów. Przełomowym dla artysty stał się jednak rok 2010, kiedy prace Giacomettiego zaczęto oceniać na poziomie Obrazy Picassa.
"Kobieta figura akt z tyłu IV", 1958
Eksperci nazywają brązową płaskorzeźbę „Naga postać kobieca z tyłu IV” najbardziej uderzającą z czterech prac serii „Stojąc plecami do widza”, a całą serię - największym dziełem modernistycznej rzeźby XX wieku stulecie.
Do 2010 roku żadna z rzeźb z tego cyklu nie została wystawiona na aukcję, choć sprzedawana w Christie's płaskorzeźba nie jest jedyna: odlew gipsowy z każdej serii odlano od razu w 12 egzemplarzach. Wysokość jednej figury to 183 cm, waga - ponad 270 kg. Cała seria Backs to the View znajduje się obecnie w dziewięciu wiodących muzeach na świecie, w tym w Museum of Modern Art w Nowym Jorku, Tate Gallery w Londynie i Centre Pompidou w Paryżu. W zbiorach prywatnych pozostały tylko dwa egzemplarze, z których jeden został sprzedany pod młotek.
„Naga postać kobieca z tyłu IV” została pierwotnie oszacowana na 25-35 milionów dolarów, a zapłacona za nią kwota stała się rekordem dla dzieła Matisse'a sprzedanego kiedykolwiek na aukcji.
Madame LR, 1914-1917
Legendarny rzeźbiarz pochodzenia rumuńskiego zyskał światową sławę w Paryżu, gdzie mieszkał przez 35 lat. Jego twórczość miała ogromny wpływ na rozwój nowoczesnej rzeźby, Brancusi został nazwany twórcą rzeźbiarskiej abstrakcji. Od samego początku swojego istnienia Centrum Pompidou posiadało osobną „Salę Brancusi”.
Drewniana figurka Madame L.R. został stworzony przez Brancusiego w latach 1914-1917. To jedno z jego najsłynniejszych dzieł. Uważa się, że „Madame L.R.” przekazuje tradycyjny styl rzeźby karpackiej i wpływ sztuki afrykańskiej na twórczość autora. Rzeźba została sprzedana w 2009 roku w Christie's jako część kolekcji sztuki francuskiego projektanta mody Yves Saint Laurent.
"Tulipany", 1995-2004
„Liczby na metce czasami wydają mi się astronomiczne. Ale ludzie płacą takie kwoty, bo marzą o włączeniu się w proces artystyczny. Mają rację” – przekonywał Jeff Koons w wywiadzie dla magazynu Interview po tym, jak jego „Tulipany” zostały sprzedane za 33,7 miliona dolarów.Koons jest nazywany najbardziej utytułowanym amerykańskim artystą od czasów Warhola.
„Tulipany” to jedna z najbardziej skomplikowanych i największych rzeźb z serii Świątecznej (przy pozornej nieważkości ważą ponad trzy tony). Jest to bukiet siedmiu splecionych „balonowych” kwiatów, wykonany ze stali nierdzewnej i pokryty przezroczystą farbą.
Rzeźba, która zgodnie z intencją autora ujawnia pojęcie niewinności dziecka, została kupiona w 2012 roku przez jednego z najbardziej ekstrawaganckich bohaterów Las Vegas, właściciela kasyna i miliardera Steve'a Wynna. Postanowił zaprezentować to przejęcie w Wynn Las Vegas: biznesmen hołduje idei „sztuki publicznej” i często wystawia przedmioty ze swojej kolekcji w swoich kurortach.
Sprzedawane na aukcjach publicznych:
1. Posąg z brązu o wysokości 183 cm, autorem jest słynny szwajcarski mistrz Alberto Giacometti. Rzeźba powstała w 1961 roku. Sprzedany 03.02.2010 w Sotheby's (Londyn) za 104,327 mln USD. To dzieło sztuki pobiło wszelkie rekordy, stając się najdroższą rzeźbą, jaką kiedykolwiek sprzedano na aukcji.
2. Czaszka wykonana z platyny i inkrustowana diamentami. Jest to nieznacznie pomniejszona kopia czaszki 35-letniego Europejczyka, który żył w latach 1720-1810. Autorem jest brytyjski artysta Damien Hirst. W 2007 roku czaszka została wystawiona w White Cube, po czym została kupiona w celach inwestycyjnych za 50 milionów funtów szterlingów lub 100 milionów dolarów.W tej chwili „Diamentowa czaszka Damiena Hirsta” jest najdroższym dziełem naszej sztuki. czas (za życia artysty).
3. słynny włoski artysta i rzeźbiarz Amedeo Modigliani, stworzony przez niego w latach 1910-1912. Rzeźba przypomina wybitne popiersie słynnej królowej Nefretete, które znajduje się w Muzeum Egipskim w Berlinie. Sprzedany w 2010 roku w Paryżu na aukcji Christie's za 59,5 miliona dolarów, sprzedaż ta była rekordowa dla Modiglianiego.
4., który narodził się w starożytnej Mezopotamii około pięciu tysięcy lat temu. Autor małej figurki o wysokości 8,26 cm pozostaje nieznany. Rzeźba została znaleziona w Iraku, niedaleko Bagdadu. „The Lioness of Guennola” znalazła swojego właściciela 5 grudnia 2007 roku w Nowym Jorku w Sotheby's za 57,161 miliona dolarów.
5. Szwajcarski rzeźbiarz Alberto Giacometti to rzeźba z brązu o wysokości 65 cm, utworzona w 1954 roku, przedstawia brata Giacomettiego, Diego. Ciekawe, że Diego przez całe życie był ulubionym modelem szwajcarskiego mistrza. Rzeźba została sprzedana w 2010 roku za 53,282 miliona dolarów na aukcji Christie's, znacznie przekraczając pierwotne szacunki.
6. Płaskorzeźba z brązu, nazwana w 2010 r., została sprzedana na aukcji Christie's za 48,8 mln USD, przy wstępnych szacunkach na 25-35 mln USD Rzeźba została wykonana w 1958 r. przez słynnego francuskiego impresjonistę Henri Matisse'a.
7. 23 lutego 2009 roku na aukcji Christie's sprzedano pod młotkiem drewnianą rzeźbę za 37,2 miliona dolarów Autorem statuetki jest wybitny rumuński rzeźbiarz XX wieku Constantin Brancusi „Madame L.R.” przekazuje tradycyjny styl rzeźby karpackiej i wpływ sztuki afrykańskiej na twórczość autora.
8. jest najsłynniejszym dziełem Henry'ego Moore'a, wybitnej postaci światowej sztuki ubiegłego wieku. Rzeźba o długości 244,5 cm powstała w 1951 roku. Sprzedany 7 listopada 2012 r. na aukcji Christie's za 30,148 mln USD.
9. „Głowa kobiety”(Tete de Femme, Dora Maar) wielkiego hiszpańskiego artysty, rzeźbiarza, grafika i projektanta Pabla Picassa. Rzeźba przedstawia francuską artystkę i fotografkę Dorę Maar, kochankę Picassa. W listopadzie 2007 w Sotheby's „Głowa kobiety, Dora Maar” 80 cm wysokości została sprzedana za 29,161 mln dolarów.
10. autor nieznany, pochodzący z I wieku. pne mi. - I wiek. n. mi. sprzedany w Nowym Jorku w Sotheby's za 28,6 miliona dolarów.
11. Alberto Giacometti, 274 cm wzrostu, został sprzedany 6 maja 2008 r. w Christie's za 27,481 mln USD Rzeźba powstała w latach 1959-1960.
12. (1922-1923) Constantina Brancusi (aka Brancusi) w 2005 roku poszła na aukcję w Christie's za 27,456 milionów dolarów, zakupiona wspólnym wysiłkiem 3 amerykańskich dealerów.
13. Alberto Giacometti zajął 13. miejsce wśród najdroższe rzeźby. Rzeźba, stworzona w 1948 roku, opuściła Christie's (2010) za 25,84 miliona dolarów.
14. „Balon w kształcie kwiatu (czerwono-fioletowy)” współczesny amerykański artysta Jeff Koons pierwszego dnia londyńskiej aukcji w 2008 roku został sprzedany za 25,783 miliona dolarów Balloon Flower (Magenta) - najdroższe dzieło sztuki żyjącego artysty.
15. Top 15 najdroższych rzeźb na świecie Swoim dziełem zamyka abstrakcyjny rzeźbiarz, Amerykanin z urodzenia David Smith (1965). Ta rzeźba została sprzedana w 2005 roku w Sotheby's za 23,816 milionów dolarów.
Panuje opinia, że rzeźby są zawsze tańsze niż obrazy... Tak nie jest. Prace trójwymiarowe również potrafią przynieść po prostu oszałamiające ilości!
Powszechnie przyjmuje się, że największe transakcje na rynku sztuki zawierane są przy sprzedaży obrazów. Z reguły to prawda, ale od każdej reguły są wyjątki. Niewątpliwie biją też rekordy cenowe dzieła trójwymiarowe, w szczególności rzeźby i instalacje. Poniższa lista najdroższych rzeźb opiera się w dużej mierze na zweryfikowanych wyprzedażach aukcyjnych, jak to zwykle robimy. Ale tym razem zrobiliśmy dwa wyjątki, dodając do listy platynową czaszkę „For the Love of God” Damiana Hirsta i „Three Graces” Antonio Canovy. Nawet jeśli transakcje nie odbywały się na aukcjach, to jednak upubliczniały się i na pewno nie pozostały niezauważone przez rynek sztuki.
Wyniki aukcji obejmują Prowizję Kupującego Premium. Dla wygody przeliczyliśmy je (podobnie jak szacunki) na dolary amerykańskie po kursie z dnia sprzedaży i już tymi liczbami określiliśmy miejsca w rankingu. Podobnie jak w innych naszych rankingach, selekcja została przeprowadzona na zasadzie „jeden autor – jedno dzieło”. Oczywiście Giacometti, Brancusi czy, powiedzmy, Koons mieli więcej niż jedną sprzedaż wartą dziesiątki milionów dolarów, a my, jeśli to możliwe, postaramy się wymienić wszystkie najważniejsze. W ten sposób, utrzymując każdego rzeźbiarza tylko w jednym miejscu na liście, mogliśmy zawrzeć o wiele więcej nazwisk i ciekawych ofert aukcyjnych.
1. ALBERTO GIACOMETTI Wskazujący mężczyzna. 1947. 141,7 miliona dolarów
Alberto Giacometti jest najbardziej cenionym (dosłownie) klasykiem rzeźby światowej. Jego uschłe, niemal bezcielesne postacie, symbolizujące wyobcowanie i samotność człowieka we współczesnym świecie, niezmiennie osiągają wysokie ceny na aukcjach. Przez pewien czas Giacometti wyprzedził nawet wszystkich malarzy łącznie: 3 lutego 2010 roku rzeźba Walking Man I została sprzedana za 65 milionów funtów (104,3 miliona dolarów). Nawiasem mówiąc, była to pierwsza aukcja na świecie, która przekroczyła próg 100 milionów dolarów.
Ponad pięć lat później rzeźba „Wskazujący człowiek” w 1947 r. osiągnęła nowe aukcyjne wyżyny – cena młotka wraz z prowizją wyniosła 141,7 mln USD, co jest rekordem nie tylko dla Giacomettiego, ale dla całego rynku rzeźbiarskiego.
Rzeźba Pointing Man została wymyślona i wykonana przez Giacomettiego w 1947 roku w ciągu zaledwie jednej nocy. Jak powiedział rzeźbiarz swojemu biografowi, za kilka miesięcy jego pierwsza indywidualna wystawa po 15 latach działalności twórczej miała zostać otwarta w Nowym Jorku. Czas uciekał i pewnej październikowej nocy wyrzeźbił pierwszy gipsowy model. Wykonano z niej sześć odlewów i jedną kopię autorską. Na wystawie, która odbyła się w styczniu 1948 roku, Pointing Man zajął centralne miejsce wraz z Walking Man i Standing Woman. Wystawa zrobiła furorę, Giacometti natychmiast stał się gwiazdą powojennej sceny artystycznej Nowego Jorku.
Dziś rzeźba Pointing Man znajduje się w zbiorach MoMA, Tate Modern i dwóch innych muzeów. Pozostałe trzy egzemplarze należą do kolekcji prywatnych i kolekcji fundacji. Egzemplarz wystawiony na aukcji, prawdopodobnie jedyny ręcznie malowany przez samego Giacomettiego. W 1953 roku został zakupiony od Galerii Pierre Matisse przez renomowanych kolekcjonerów Freda i Florence Olsen. Od 1970 roku rzeźba należała do jednej prywatnej kolekcji, z której po raz pierwszy w historii została wystawiona na aukcję. Jak powiedzieli organizatorzy, zaoferowali właścicielowi gwarancję, ale ten odmówił, mówiąc, że jeśli przedmiot nie zostanie sprzedany, zatrzyma go dla siebie. „Mógł być trochę zdenerwowany, że faktycznie został kupiony” – skomentował przedstawiciel Christie's.
2. Damien Hirst Z miłości do Boga. 2006. 100 milionów dolarów
Platynowa czaszka inkrustowana diamentami autorstwa Damiena Hirsta nie została formalnie sprzedana na aukcji i dlatego nie powinna być uwzględniana w naszej ocenie. Ale błędem byłoby też przemilczanie transakcji, która gdyby miała miejsce na otwartej aukcji, zajęłaby drugie miejsce w rankingu cenowym najdroższej rzeźby na świecie, również byłoby błędem. Wiosną 2007 roku Hirst wpadł na pomysł uczynienia czaszki najdroższym dziełem żyjącego artysty i wystawił ją na sprzedaż w White Cube Gallery za 50 milionów funtów (100 milionów dolarów). Ale nagle kryzys hipoteczny w USA uderzył i potencjalni nabywcy postanowili zatrzymać swoje miliony dla siebie. Czaszka, wykonana z platyny i diamentów, została ostatecznie kupiona przez grupę inwestorów, w tym samego Hirsta i jego menedżera Franka Dunphy'ego. Postanowili, że jeśli nikt nie wyrazi chęci zakupu przedmiotu prywatnie w ciągu ośmiu lat, to trafi on pod młotek. W międzyczasie czaszka zachwyca odwiedzających Amsterdam Rijksmuseum.
Wyniki otwartej aukcji obejmującej trójwymiarowe arcydzieła Hirsta to oczywiście dalekie od 100 milionów za czaszkę kupioną w prywatnej transakcji, ale bardzo imponujące. Na co warto zwrócić uwagę chociażby instalacja „Sleepy Spring”, czyli cienka przezroczysta szafka, która zawiera ponad sześć tysięcy różnokolorowych tabletek. Praca została kupiona przez szejka Hamada bin Khalifa al-Thani, emira Kataru, za 19,21 miliona dolarów w Sotheby's w dniu 21 czerwca 2007 roku.
Trzecią pracą Hirsta, o której warto tu wspomnieć, jest instalacja „Złoty cielę” - najbardziej imponująca z ponad dwustu prac, które artystka wystawił na osobistą aukcję Beautiful Inside My Head Forever. Aukcja wieczorna, na której instalacja została sprzedana za 18,66 mln USD, odbyła się 15 września 2008 r. „Złoty Cielę” to wypchany byk umieszczony w formaldehydzie. Rogi zwierzęcia ozdobione są złotym krążkiem. Odsłonięcie wypchanych zwierząt w formaldehydzie i nadanie im uroczystego, czasem zaczerpniętego z imion biblijnych, to kolejna sztuczka „podpisowa” Hirsta. Za tę pracę otrzymał w 1995 roku prestiżową nagrodę Turnera.
3. 71 milionów dolarów Constantin Brynkushi. Exquisite Girl (Portret Nancy Cunard). Koncepcja 1928. Odlew 1932
Biedny chłopski syn, który przybył pieszo z Rumunii do Paryża, gdzie miał zostać pionierem nowoczesnej rzeźby awangardowej – tak w jednym z najwybitniejszych rzeźbiarzy XX wieku Constantin Brancusi w skrócie (w Paryżu zaczęto go nazywać po francusku Brancusi). Constantin Brâncuci (1876–1957), który przybył do Paryża w 1904 roku i mieszkał w tym mieście przez większość swojego życia, nigdy nie wstydził się swojego prostego pochodzenia, ale wręcz przeciwnie, był z niego dumny i pod każdym względem wspierał legendę o sobie: chodził w tradycyjnych strojach rumuńskich chłopów nawet na oficjalne przyjęcia, a swój warsztat na obrzeżach Montparnasse zamienił w rodzaj rumuńskiego domu z ręcznie rzeźbionymi meblami i paleniskiem, w którym smażył mięso na żelaznej igle rzeźbiarskiej.
Talent rzeźbiarza przebudził się w Konstantynie, nawet gdy pracował jako posłaniec w rumuńskim mieście Krajowa. W wolnym czasie Brâncuși zaczął rzeźbić drewniane figurki i pewnego razu, jak głosi legenda, wykonał z improwizowanych materiałów skrzypce, które tak zaimponowały miejscowemu przemysłowcowi, że wysłał go na studia do szkoły artystycznej w Krajowej. Następnie utalentowany chłop studiował w Szkole Sztuk Pięknych w Bukareszcie, a w Paryżu przez krótki czas pracował w warsztacie Rodina, skąd wyjechał ze słowami „Nic nie rośnie w cieniu wielkich drzew”. Ale nawet to krótkie doświadczenie pracy z Rodinem miało oczywiście wpływ na ukształtowanie się Brancusiego jako rzeźbiarza – jedno z jego pierwszych znaczących dzieł nosiło tytuł, analogicznie do arcydzieła Rodina, Pocałunek (1907-1908). Tyle że był to zupełnie inny „Pocałunek”: Brâncuși odszedł od realizmu w kierunku uproszczonych, zgeometryzowanych form; figurki kochanków, wyrzeźbione z jednego kawałka kamienia, prawie kwadratowe, ze schematycznym zarysem włosów, oczu, ust.
Z „Pocałunku” Brâncușiego wiele osób wylicza historię współczesnej rzeźby abstrakcyjnej. Chociaż sam autor nigdy nie uważał swoich prac za abstrakcyjne. Doprowadzając do perfekcji swoje ulubione formy z kamienia, marmuru, brązu, drewna (Brinkushi powrócił do swoich serii „Pocałunek”, „Głowa muzy”, „Ptak w kosmosie”, „Kolumna bez końca” itp.), rzeźbiarz nie starał się dosłownie pokazać wygląd przedmiotu lub osoby, zwierzęcia, ale przekazać jego ideę, wewnętrzną esencję. Poprzez wypolerowane formy Brâncuși chciał wyrazić pewną podstawową, ukrytą naturę rzeczy. Dzieła rumuńskiego rzeźbiarza to niesamowita fuzja sztuki antycznej, archaicznej, przesyconej mitami i legendami, ze współczesnymi ideami awangardy.
Najdroższą do tej pory rzeźbą Constantina Brâncušy jest brązowa „Wyrafinowana dziewczyna (portret Nancy Cunard)” (projekt 1928; odlew w 1932). Na wieczornej aukcji impresjonistów i modernistów 15 maja 2018 r. praca ta została kupiona za 71 mln USD, w tym prowizja. Nancy Cunard to pisarka, działaczka polityczna i jedna z ulubionych muz artystów, poetów i pisarzy lat 20., w tym Tristana Tzary, Ernesta Hemingwaya, Man Raya, Louisa Aragona, Jamesa Joyce'a itp. Nancy Cunard znała Constantina Brâncuciego, odwiedzała jego warsztat, ale nigdy specjalnie dla niego nie pozował. O tym, że Brancusi stworzyła rzeźbę noszącą jej imię, dowiedziała się wiele lat później. Pierwszą wersję dzieła, zatytułowaną „La jeune fille sophistiquée (Portret de Nancy Cunard)”, wykonał Brâncuci z drewna w latach 1925-1927. W 1928 stworzył portret Nancy Cunard z brązu. W 1932 roku sam Brâncuși odlał go w formie gipsowej w jednym egzemplarzu i starannie go wypolerował. W uogólnionych, na wpół abstrakcyjnych formach rzeźbiarz przedstawił głowę Nancy na cienkiej szyi z włosami zebranymi z tyłu głowy w skomplikowany kok. Być może kształt fryzury nawiązuje do sposobu, w jaki Cunard skręca pasma wokół jej twarzy. Brâncuși w jednej rzeźbie, łączącej proste linie i kobiece krzywizny, gładkie i jednocześnie połamane, poskręcane formy, chciała oddać sprzeczne piękno jednej z głównych muz Ryczących lat dwudziestych. I ten rumuński geniusz oczywiście odniósł sukces.
4. AMEDEO MODIGLIANI Szef. 1911-1912 70,7 miliona dolarów
„Głowa” Modiglianiego jest posłańcem tamtej epoki, która pod względem innowacji w dziedzinie formy jest jednym z kluczy w historii sztuki. Celowo „prymitywna”, ale jednocześnie elegancka rzeźba ta jest doskonałą ilustracją ogromnego wpływu, jaki sztuka afrykańska wywarła na modernizm. Amedeo Modigliani bardzo poważnie podchodził do rzeźby. Współczesny wspomina, że prawie bardziej kochał rzeźby niż obrazy i robiłby je tylko wtedy, gdyby miał pieniądze na odpowiednie materiały. Modigliani był zwolennikiem rzeźby wyrzeźbionej z jednego kawałka kamienia; nie rozpoznawał odlewów na formach gipsowych. W zdobyciu umiejętności rzeźbiarza pomógł mu Konstantin Brynkushi. Podczas tworzenia cyklu rzeźb „Głowy” był blisko Anny Achmatowej, a znawcy dostrzegają w tych rzeźbach jej cechy.
Oryginalne rzeźby Amedeo Modiglianiego są niezwykle rzadkie na aukcjach (jednak na aukcjach francuskich egzemplarze z brązu odlane po śmierci artysty często oferowane są za kilkadziesiąt tysięcy euro, ale, jak pamiętamy, sam Modigliani pracował wyłącznie w kamieniu). Do tej pory znanych jest tylko 27 rzeźb artysty, z czego w prywatnych rękach nie więcej niż dziesięć. Ostatni raz jedna z „Głów" Modiglianiego pojawiła się na aukcji w Paryżu w 2010 r. i została sprzedana za prawie 53 miliony dolarów. 4 listopada 2014 r. Sotheby's sprzedało „Główkę" z lat 1911-1912. W wyniku walki trzech kandydatów cena młotka wzrosła do 70,7 miliona dolarów.
5. JEFF KOONS Pies balonowy (pomarańczowy). 1994–2000 58,4 miliona dolarów
Rzeźba Balloon Dog (Orange) autorstwa Jeffa Koonsa to nie tylko jedna z najdroższych rzeźb na świecie, ale także najdroższe dzieło żyjącego artysty.
Dlaczego dorosły mężczyzna miałby nagle zdecydować się na tworzenie ogromnych kopii dziecięcych zabawek? To proste: na początku lat 90. Koons przeżył bolesny rozwód z żoną, która odebrała mu syna Ludwiga. A artysta zaczął tworzyć rzeźby z zabawek, aby pokazać synowi, co o nim myśli.
Pomarańczowy „Baloon Dog”, wykonany z malowanej stali nierdzewnej, należy do serii „Celebration”. Ta seria obejmuje „Psy…” i „Balonowe kwiaty” w kilku wariantach kolorystycznych; zawiera również wszystkie najsłynniejsze dzieła artysty, w tym fioletowy „Kwiat z balonu” (25,8 mln USD, Christie's, 30 czerwca 2008 r.), „Wiszące serce” (23,6 mln USD, Sotheby, 14 listopada, 2007 ) i Tulipany (33,7 mln USD, Christie's, 14 listopada 2012 r.).
Ta malutka, nieco ponad ośmio(!) centymetrowa rzeźba powstała około 5 tysięcy lat temu w starożytnej Mezopotamii. Figurka została znaleziona w Iraku, niedaleko Bagdadu. Trudno w to uwierzyć, ale jest w tym samym wieku co koło, pieniądze i pierwsze duże miasta świata! Mała lwica spędziła prawie 60 lat w kolekcji Alastair Bradley Martin (Alastair Bradley Martin), aż w 2007 roku postanowiła wystawić ją na aukcję. W Sotheby's rzeźba trzykrotnie przekroczyła szacunki i stała się najdroższym dziełem sztuki antycznej w historii.
48,8 miliona dolarów
Kolejnym dziełem rzeźbiarskim sprzedanym za dużą sumę w 2010 roku jest monumentalna płaskorzeźba Matisse'a „Akt z tyłu IV”. Podobnie jak „Walking Man I” Giacomettiego, praca nie jest wyjątkowa, zresztą (w przeciwieństwie do rzeźby Giacomettiego) została odlana po śmierci artysty. Jak się okazuje, nie ma to znaczenia w przypadku arcydzieła światowej klasy, którego inne przykłady można oglądać w Galerii Tate, Centrum Pompidou i MoMA. W sumie odlano dwanaście takich rzeźb, a tylko dwie znajdują się dziś w rękach prywatnych. Przed aukcją Christie's 3 listopada żaden z tych kolosów nie został wystawiony na aukcję.
8. HENRY MOORE Leżąca postać. Festiwal. 1951. 33,1 miliona dolarów
Rzeźba Reclining Figure Henry'ego Moore'a zamówiona przez Radę Sztuk Pięknych na brytyjski festiwal w 1951 roku. Festiwal” w lutym 2012 r. ustanowił rekord dla swojej rzeźby – 19,1 mln £ (30,1 mln $). Tę sprzedaż można nazwać prawdziwym przełomem. Po pierwsze, szacunek został potrojony (przed sprzedażą festiwalu „Reclining Figure” w Christie's prace Moore'a kosztowały maksymalnie 7–8 mln USD). Po drugie, dzięki temu rekordowi Moore natychmiast zajął drugie miejsce w pierwszej trójce najdrożsi brytyjscy artyści XX wieku (w pierwszej kolejności - Francis Bacon; w trzecim - Lucian Freud).
W sumie Henry Moore wykonał pięć odlewów i jedną autorską kopię „Leżącej figury” na brytyjski festiwal. A teraz, cztery lata później, w Christie's 30 czerwca 2016 r., wynik kolejnego obsadzenia „Leżącej figury” pobił poprzedni rekord o 3 miliony dolarów: cena, w tym premia nabywcy, wyniosła 33,1 miliona dolarów (szacowana na 20-26,7 mln).
Prace Henry'ego Moore'a (1898-1986) były wysoko cenione za życia rzeźbiarza. Swoistym szczytem cenowym był znak 1,2 miliona dolarów, osiągnięty w 1982 roku. Po przetrwaniu schyłku lat 90. rynek na dzieła Moore'a zaczął się odradzać w 2000 r., a dzieła klasycznej rzeźby modernistycznej zaczęły szczególnie intensywnie rozwijać się w 2007 r. A jak widać z aktualnych zapisów, prawdziwy wzrost rynku dzieł brytyjskiego rzeźbiarza wydaje się dopiero się rozpoczynać.
9. PAUL GOGUIN Teresa. OK. 1902-1903 30,96 miliona dolarów
Na aukcji Christie w listopadzie 2015 roku rzeźba Paula Gauguina „Teresa” („Teresa”) z czerwonego drzewa tropikalnego została sprzedana za rekordowe 30,96 mln dolarów za rzeźby artysty (szacowane na 18-25 mln dolarów). „Teresa” okazała się prawie trzykrotnie droższa niż „Młoda Tahitanka” (11,28 mln USD) – jej poprzedniczka na szczycie rankingu rzeźb Gauguina. Tymczasem „Teresa” nie osiągnęła jeszcze ocen cenowych obrazów Gauguina: zimą 2015 roku pojawiły się wiadomości, że obraz Gauguina „Kiedy się ożenisz” został sprzedany w prywatnej transakcji za 300 milionów dolarów.
Historia powstania Teresy jest bardzo ciekawa. W 1901 roku Paul Gauguin w poszukiwaniu innego ziemskiego raju wylądował na wyspie Hiva Oa w archipelagu Markizy. Po długim okresie tahitańskim chciał osiedlić się w dziczy, gdzie siła kolonialnej Francji jest mniej odczuwalna, a życie tańsze. Okazało się jednak, że wszystkie wolne działki na wyspie znajdują się pod kontrolą Kościoła katolickiego. Gauguin, pomimo swoich antyklerykalnych poglądów, regularnie uczęszczał przez pewien czas na mszę, co przekonało szefa misji katolickiej, ojca Martina, o jego wiarygodności. Ale gdy tylko artysta dostał ziemię, natychmiast opuścił wizyty w kościele i zbudował na swojej ziemi dom, zwany "Maison du Jouir" - "Dom przyjemności". Dom, z bambusowymi ścianami i dachem z palmy, był ozdobiony wykwintnym rękodziełem Gauguina - meblami, naczyniami i co najmniej ośmioma rzeźbami. „Teresa” to jedna z dwóch zachowanych rzeźb „Domu Rozkoszy”. Artysta nie prowadził w tym domu czystego życia, co uczyniło ojca Martina jego największym wrogiem. Ten ostatni uczynił Gauguina tematem swoich kazań kościelnych. W odpowiedzi artysta wyrzeźbił dwie rzeźby z drewna i umieścił je przed swoim domem. Byli to ksiądz Martin w obrazie diabła (rzeźba „Père Paillard” – „Ojciec rozpusty” – znajduje się obecnie w zbiorach National Gallery of Art w Waszyngtonie) i miejscowa dziewczyna Teresa. Na wyspie krążyły plotki (w które Gauguin chętnie wierzył), że oboje byli kochankami. Wściekły ksiądz próbował przejąć rzeźby pod pretekstem niezapłaconych przez Gauguina podatków. Kiedy jednak skonfiskowane dzieła zostały wystawione na aukcję, artysta sam je odkupił i ponownie ustawił przed Pleasure House. Tam stali aż do śmierci Gauguina w 1903 roku. Później historia ich rozdzieliła, ale „Thérèse” i „Père Paillard” jako para rzeźbiarska były i są uznawane przez artystów i krytyków awangardy za jedne ze szczytów rzeźby modernistycznej.
10. WILLEM DE KOONING Poszukiwacz skorupiaków. 1972. 29,28 miliona dolarów
Rzeźba z brązu Willema de Kooninga „Poszukiwacz małży" w Christie's 12 listopada 2014 r. została sprzedana za rekordową kwotę 29,28 mln USD za rzeźbę autora. De Kooning zajmował się rzeźbą od 1969 do 1974 r. i w tym czasie stworzył nie więcej niż 25 prace trójwymiarowe. Rzeźba „Poszukiwacz małży” jest uważana za jedną z najlepszych. Znanych jest tylko dziesięć jego odlewów, z których trzy są objęte prawami autorskimi. Inne kopie są przechowywane w szczególności w Centrum Pompidou, Stedelijk Museum, Whitney Museum.
Prezentowana na aukcji rzeźba z brązu jest pierwszym autorskim odlewem. Przez czterdzieści lat „strzegła” wejścia do warsztatu De Kooninga w Springs (Nowy Jork). Postać łowcy skorupiaków ma wiele wspólnego z samym artystą, który urodził się w nadmorskim Rotterdamie. Rzeźba „Poszukiwacz małży”, która od momentu powstania nie opuściła rodzinnej kolekcji, została wystawiona na licytację przez wnuczki Willema De Kooninga.
11. PABLO PICASSO Głowa kobiety (Dora Maar). 1941. 29,2 miliona dolarów
Nie sposób wyobrazić sobie listy „najbardziej najbardziej” na rynku sztuki bez Pabla Picassa (Pablo Picasso). On w szczególności Rzeźba ukochanej artystki Dory Maar (Dora Maar) o pucołowatych policzkach została odlana w dwóch egzemplarzach. W roku 2007, rekordowym dla rynku sztuki, praca stała się najdroższą rzeźbą na świecie, ale nie utrzymywała tego dumnego tytułu na długo: niecały miesiąc później Dora Maar zepchnęła Lwicę z Guennoli z najwyższy stopień podium.
Rzeźba jest zaskakująco dobrze zachowana. Na aukcji Sotheby's wybuchła prawdziwa „wojna licytacyjna”: najpierw dwóm potencjalnym kupującym zabrakło pary za 12 milionów dolarów, potem do gry dołączył trzeci, a cena rzeźby wzrosła do 28 milionów w ciągu dziesięciu minut , czterokrotnie przekraczając górny szacunek. Tak więc „Artemida z łanią” stała się najdroższym dziełem sztuki starożytnej.
13. LOUISE BOURGEOS Pająk. 1997. 28,16 miliona dolarów
Pierwszą rzeźbiarką w naszym rankingu jest oczywiście Louise Bourgeois. Największa postać w historii sztuki, Louise Bourgeois dożyła prawie stu lat i przez swoje długie życie próbowała swoich sił w niemal wszystkich głównych nurtach artystycznych XX wieku - kubizmie, futuryzmie, surrealizmie, konstruktywizmie i abstrakcjonizmie. Burżuazja jest wyjątkowa w tej wszechstronności. Jej rzeźby, często tak różne w wyglądzie i materiale, niosą jednak wspólny ładunek semantyczny. Motywem przewodnim jej twórczości są wspomnienia z dzieciństwa i trauma moralna przeżyta w młodym wieku, m.in. z powodu zdrady ojca matki.
Jednym z ulubionych obrazów w twórczości Bourgeois są pająki. Autor w ogóle nie cierpiał na arachnofobię, jak wielu mogłoby sądzić. Dla rzeźbiarza pająk, a dokładniej pająk był specjalnym symbolem - symbolem matki. Jak sama Bourgeois mówiła o swojej matce, „była inteligentna, cierpliwa, czysta, rozsądna i obowiązkowa jak pająk. I wiedziała, jak się chronić. Poza tym miała własny salon gobelinów, więc porównanie z tkaczem pająków wydaje się jeszcze bardziej pojemne. Gigantyczne rzeźby pająków z brązu autorstwa Louise Bourgeois biją kolejne rekordy na aukcjach. Ostatnim rekordzistą był 7-metrowy „Spider”, który został sprzedany w Christie's 10 listopada 2015 roku za 28,16 mln dolarów.
14. ADRIAN DE VRIES. Bacchic postać trzymająca kulę ziemską. 1626. 27,9 miliona dolarów
Do niedawna w kraju jego urodzenia nie było posągów z brązu słynnego holenderskiego rzeźbiarza z XVII wieku Adriana de Vriesa. Powodem tego jest twórcza biografia mistrza, który pracował głównie poza ojczyzną – na przykład w Pradze i Augsburgu. Rzeźbiarz, który za życia był bardzo popularny, został po śmierci zapomniany, a jego prace rozsiane po całym świecie. Zasłużone uznanie zaczęło mu wracać od końca XIX wieku, kiedy w Szwecji opublikowano spis jego posągów z brązu; aw XX wieku wielu badaczy ponownie zwróciło uwagę miłośników sztuki na „holenderskiego Michała Anioła”. W 1989 roku jego rzeźba „Tańczący Faun” została sprzedana trzy razy drożej niż szacowano – za 6,82 miliona funtów (11 milionów dolarów). Aż przez 25 lat była to rekordowa cena za twórczość Adriana de Vriesa, co nie dziwi, skoro rzeźby De Vriesa rzadko trafiają na aukcje publiczne. Ostatnie takie wydarzenie miało miejsce w grudniu 2014 roku. Brązowa „postać Bacchic trzymająca kulę ziemska” została kupiona w Christie's za 27,9 miliona dolarów. Wreszcie Holandia ma również swojego Adriana de Vriesa.
Istnieje wiele hipotez dotyczących fabuły tej rzeźby. Z jednej strony postać mitologiczna ma wyraźne ślady Bachusa (Dionizosa) - wieniec z liści winorośli we włosach, drzewo oplecione winoroślą u jego stóp i flet. Z drugiej strony bohater trzyma nad głową kulę ziemską, co budzi bezpośrednie skojarzenia z Atlasem czy Herkulesem. Oznacza to, że albo Adrian de Vries uciekł się do jakiejś oryginalnej interpretacji mitów i połączył kilka wątków, albo oryginalna idea rzeźby została zmieniona po śmierci autora ("Postać Bachiki" powstała w zeszłym roku życia autora). Rzeźba mogła pozostać niedokończona, bez atrybutu towarzyszącego Bachusowi niczym beczka wina, a osoba, w której posiadaniu znalazła się, mogłaby dodać szlachetniejszy z jego punktu widzenia globus zamiast beczki. Tak czy inaczej, pierwsze dowody na istnienie rzeźby (już z kulą ziemską) znaleziono na litografii z 1700 roku z widokiem na posiadłość, gdzie rzeźbę odkryto ponad 300 lat później (w 2010 roku).
15. ALEXANDER CALDER Latająca ryba. 1967 25,9 miliona dolarów
Alexander Calder znany jest jako wynalazca telefonów komórkowych – kinetycznych rzeźb z lekkich metalowych płyt i prętów, napędzanych wiatrem lub silnikiem elektrycznym. Calder był zaangażowany w tworzenie telefonów komórkowych od wczesnych lat 30. do swojej śmierci w 1976 r.
Telefony Calder stoją, wiszące, montowane na wspornikach lub stojakach pionowych. Najdroższym telefonem rzeźbiarza jest wisząca konstrukcja Flying Fish z 1957 roku. Prace podwoiły wstępne szacunki na 9-12 mln USD - po sześciu minutach napiętego sporu aukcyjnego trafiły do nowego właściciela za 25,925 mln USD, czyli o 7 mln więcej niż poprzedni rekordowy poziom 18,6 mln, jaki pobrał telefon Power Lily. w 2012.
Telefon Flying Fish został wystawiony na aukcję z kolekcji filantropów z Chicago Edwina i Lindy Bergmanów. Choć większość telefonów komórkowych Caldera jest zdecydowanie abstrakcyjna i nie ma nic wspólnego z obrazami prawdziwego życia, motyw rybki był wyjątkiem, a rzeźbiarz sięgał po niego wielokrotnie od lat 30. XX wieku. Ryba jest jednym z najstarszych symboli religijnych i to nie tylko w chrześcijaństwie (np. w buddyzmie ryba jest uważana za jeden z ośmiu symboli szczęścia). Dla Caldera ryba reprezentowała płynny i pełen gracji ruch, który chciał osiągnąć w swoich kinetycznych rzeźbach. Rzeźba przez wieki była czymś statycznym, Alexander Calder przeniósł ją w inny wymiar, nadając jej możliwość poruszania się. W karuzeli Flying Fish Calder pięknie łączy monumentalne, tradycyjnie wyrzeźbione ciało ryby z lekką konstrukcją jej ogona, składającą się z kilkunastu elementów. Przy najmniejszym podmuchu wiatru płyty telefonu zaczynają się poruszać i wydaje się, że ryba pływa w powietrzu.
Kolejnym najważniejszym dziełem antycznym pod względem ceny rynkowej jest rzymskie marmurowe popiersie przystojnego Antinousa II w. n. mi. Ten rzeźbiarski portret ukochanego cesarza Hadriana został znaleziony na północy Izraela, na Wzgórzach Golan, niedaleko miasta Banias. Napis na podstawie popiersia głosi, że praca jest dedykacją dla „bohatera Antinousa” z M. Lucius Flaccus. Oczywiście Marcus Lucius Flaccus był osobą wpływową, ponieważ odważył się umieścić swoje imię obok imienia deifikowanego Antinousa. Mimo złamanego nosa marmurowe popiersie od razu zapadło się w duszę pięciu miłośników starożytności. Targowali się o to przez jedenaście minut, w wyniku czego popiersie trafiło do europejskiego kolekcjonera za 23,826 milionów dolarów.
17. DAVID SMITH Cubi XXVIII. 1965. 23,816 milionów dolarów
Chcesz wiedzieć, jak wygląda abstrakcyjna ekspresjonistyczna rzeźba? Spójrz na pracę Davida Smitha. Ten amerykański artysta słynie ze stalowych rzeźb, z których najsłynniejsze przypominają abstrakcyjne pejzaże. Jednak pod koniec życia Smith odszedł od ekspresjonizmu i zaczął tworzyć rzeźby z figur geometrycznych, które nazwał Cubi.
Praca Cubi XXVIII była ostatnią z tej serii, niedługo po jej powstaniu artysta zginął w wypadku samochodowym. Rzeźba przez długi czas znajdowała się w nowojorskim Muzeum Guggenheima, dopóki nie postanowiono wystawić jej na aukcję. 9 listopada 2005 w nowojorskim Sotheby's Cubi XXVIII stał się najdroższym dziełem powojennego artysty. Kupił to wszystko sam Larry Gagosian, ale nie dla swojej galerii, ale w imieniu kolekcjonera Eli Broad (Eli Broad).
18. Yves Klein Bez tytułu. Rzeźba z gąbki. SE 168 (Rzeźby eponges 168). 1959. 22 miliony dolarów
Bez względu na to, ile eksperymentów przeprowadził francuski artysta Yves Klein, aby na zawsze wejść do historii sztuki, sprzedawał pustkę za sztabki złota, które następnie wrzucał do Sekwany, tworzył obrazy miotaczem ognia lub kroplami deszczu, malowane „żywymi pędzlami”. ”, w której rolę odgrywały nagie modelki , opatentował swój ulubiony odcień niebieskiego. A Klein zaczął używać gąbek morskich jako materiału do swoich prac. Artyści czasem malują nimi, ale Klein poszedł dalej - robił płaskorzeźby i rzeźby z gąbki.
Doszedł do tego przez przypadek. „Pracując nad obrazami w mojej pracowni, czasami używałam gąbek. Znikły bardzo szybko. Pewnego dnia zauważyłem, jak piękne są te niebieskie usta i instrument natychmiast stał się moim materiałem źródłowym. Przyciągnęła mnie ta wyjątkowa zdolność gąbek do wchłaniania wszelkich płynów. Za pomocą gąbek - żywej materii - mogłem tworzyć portrety tych, którzy patrzyli na moje monochromy, które po kontemplacji błękitu w moich pracach były nasycone tą samą zmysłowością, co moje gąbki ”- tłumaczył Yves Klein w 1958 roku.
Jedna z najsłynniejszych, wielokrotnie publikowanych i często wystawianych rzeźb Kleina z serii Sculptures éponges (rzeźby z gąbek) pod numerem 168 w Sotheby's 14 maja 2013 roku została sprzedana za rekordową kwotę 22 milionów dolarów.niebieski pigment International Klein Blue (IKB). Najdroższa rzeźba Kleina wcale nie jest jego najdroższą pracą. Jeszcze droższe są płaskorzeźby Kleina z gąbkami: tutaj rekord należy do różowego „Le Rose du bleu”, sprzedanego w 2012 roku za 36,7 mln dolarów.
19. SIERPIEŃ RODIN Wieczna wiosna. 1901-1903 20,41 miliona dolarów
9 maja 2016 r. marmurowa rzeźba Auguste'a Rodina Éternel printemps (Wieczna wiosna, 1901-1903) została sprzedana za rekordową sumę 20,41 miliona dolarów dla rzeźbiarza (szacowana na 8-12 milionów dolarów) na wieczornej aukcji Sotheby's Impressionism and Modernism 9 maja , 2016. Ta wersja „Wiecznej wiosny” Rodina jest piątą z dziesięciu znanych rzeźb na ten temat wykonanych z marmuru. Inne wersje Wiecznej wiosny znajdują się w Państwowym Muzeum Ermitażu (1906), Metropolitan Museum of Art (1906-1907), Muzeum Sztuk Pięknych w Budapeszcie (1901) i innych zakochanych w swojej uczennicy Camille Claudel.
Antyczna marmurowa rzeźba „Leda i łabędź” – rzymska kopia zaginionego greckiego oryginału posągu przypisywana rzeźbiarzowi Tymoteuszowi. Przed pojawieniem się na aukcji Sotheby's egzemplarz ten nie był znany specjalistom, a tym bardziej opinii publicznej. Nie było o niej informacji w żadnej pracy naukowej poświęconej rzymskiej rzeźbie w marmurze. Dzieje się tak dlatego, że od końca XVIII wieku stoi cicho i spokojnie w posiadłości Aske Hall, należącej do markizów Zetland. Egzemplarz ten jest jednym z nielicznych z zachowaną głową i ogólnie jest w dobrym stanie. Zrozumiałe jest więc sześciokrotny wzrost ceny aukcyjnej w stosunku do górnego szacunku.
21. EDGAR DEGA Mała czternastoletnia tancerka. Model 1879-1881, odlew 1922. 18,82 miliona dolarów
Rzeźba młodej tancerki paryskiej szkoły baletowej Marie van Goethem jest jedynym trójwymiarowym dziełem wystawionym za życia Degasa. Było to na wystawie impresjonistów w 1881 roku. Wtedy woskowa figura baletnicy w muślinowej tutu, butach pointe, a nawet z prawdziwymi włosami została uznana za zbyt naturalistyczną. Wielu oburzyło jej „zwyrodnieniowe” rysy twarzy, takie jak „typy kryminalne” Lombroso, autora popularnej wówczas teorii opóźnień rozwojowych, które znajdują odzwierciedlenie w wyglądzie przestępców. Rzeźba została wystawiona w szklanej gablocie, która była nowa i również przyjmowana niejednoznacznie. Dopiero po śmierci Degasa opinia publiczna i eksperci docenili rzeźbę. W 1922 r. krewni mistrza wykonali 28 brązowych kopii wosku „Tancerka”, pozostawiając im jednak we włosach muślinowe spódnice i wstążki. Z tych 28 odlewów większość od dawna znajduje się w muzeach. W prywatnych rękach pozostaje kilkanaście egzemplarzy. Rekordzista w Sotheby's w 2009 roku został wystawiony przez brytyjskiego biznesmena Johna Madejskiego, który z kolei dostał go w 2004 roku za 4,5 mln funtów (8,1 mln dolarów), a pięć lat później rzeźba baletnicy kupiona za 13,3 mln (18,82 mln dolarów), czyli prawie trzy razy drożej. Nadal najdroższa rzeźba Degasa. Kolejny egzemplarz „Małej tancerki” był wystawiony w Christie's w 2011 roku, ale szacunki to 25-35 mln dolarów, podobno , odstraszył kupujących.
22. Maurizio Cattelan Go. 1901 - 1903. 20,41 miliona dolarów
8 maja 2016 roku na aukcji Christie's „Skazani na porażkę” w Rockefeller Plaza, w poważnej walce, z nadmiarem szacunków, zakupiono skandaliczną rzeźbę włoskiego rzeźbiarza Maurizio Cattelana „On” przedstawiającą klęczącego Hitlera. Rzeźba „On” jest dobrze znana zachodniej publiczności. Jej bracia z serii byli wystawiani ponad 10 razy w wiodących muzeach na całym świecie, w tym w Centrum Pompidou i Muzeum Salomona Guggenheima. A lista publikacji o tej pracy ledwo mieści się na stronie.
Co ciekawe, „On” jest dziełem obiegowym. W sumie są cztery egzemplarze - trzy plus dowód artysty. Tylko ostatni został sprzedany w Christie's. Jak widać, „niewyjątkowość” wcale nie przeszkadzała kupującemu - współcześni kolekcjonerzy od dawna poważnie traktują przedmioty w obiegu.
Rzecz jest dziwna. Nazwa jest dziwna. Wybór postaci jest ryzykowny. Jak wszystko inne z Cattelanem. Co On ma na myśli? „Jego” czy „Jego piekielny majestat”? Jasne jest, że zdecydowanie nie mówimy o skandowaniu wizerunku Führera. W tej pracy Hitler pojawia się raczej w bezradnej, żałosnej formie. I absurdalnie – wcielenie Szatana jest wielkości dziecka, ubranego w strój szkolny i klęczącego z pokornym wyrazem twarzy. Dla Cattelana ten obraz jest zaproszeniem do refleksji nad naturą absolutnego zła i sposobem na pozbycie się lęków. W maju 2017 rzeźba ta weźmie udział w wystawie „Strata” (75 lat tragedii w Babim Jarze) w ukraińskim PinchukArtCentre.
Archipelag Cyklad obejmujący ponad 200 wysp rozsianych po Morzu Egejskim dał początek jednej z najciekawszych kultur archeologicznych epoki brązu. Uproszczone, a zarazem eleganckie figurki tworzyli mieszkańcy Cyklad w III-II tysiącleciu p.n.e. i uważa się, że wpłynęły na rozwój rzeźby modernistycznej. Małe marmurowe figurki znajdują się z reguły w bogatych pochówkach Cykladów. Nie można ustalić nazwisk ich autorów, jednak zgodnie z pewnymi wspólnymi cechami stylistycznymi naukowcy z dużym prawdopodobieństwem identyfikują kompleksy dzieł jednego lub drugiego mistrza. Takie grupy figurek, przypisywane jednemu mistrzowi, nazywane są nazwą muzeum lub, powiedzmy, imieniem właściciela jednej z figurek. Na przykład 12 dzieł przypisywanych jest mistrzowi Schusterowi (od nazwiska pierwszego właściciela najsłynniejszej figurki, Marion Schuster). Ta marmurowa figurka mistrza Schustera, żyjącego ok. 2400 rpne, stała się prawdziwą sensacją na aukcji Christie's 9 grudnia 2010 roku. Doskonale zachowana 30-centymetrowa figurka kobiety w ciąży leżącej z rękami złożonymi na brzuchu (że figurka kłamstwa , ale nie warto, naukowcy wyciągnęli wniosek na temat położenia jej stóp) potroili szacunki i poszli do nowego właściciela za 16,88 mln USD.
24. TAKASHI MURAKAMI Mój samotny kowboj. 1998. 15,16 miliona dolarów
Japończyk Takashi Murakami pracuje jako artysta, rzeźbiarz, projektant mody i animator. Murakami chciał wziąć za podstawę swojej pracy coś naprawdę japońskiego, bez zachodnich czy innych zapożyczeń. Jako student fascynowała go tradycyjna japońska sztuka nihonga, którą później zastąpiła popularna sztuka anime i manga. Tak narodził się psychodeliczny Mr DOB, wzory uśmiechniętych kwiatów i błyszczące, błyszczące rzeźby z włókna szklanego, jakby właśnie wyszli z kart japońskiego komiksu. Jedni uważają sztukę Murakamiego za fast food i ucieleśnienie wulgarności, inni nazywają artystę Japończykiem Andym Warholem – a w szeregach tych ostatnich jest wielu bardzo bogatych ludzi. W 2008 roku rzeźba blondynki z anime „My Lonely Cowboy” (nazwa zapożyczona z filmu Andy'ego Warhola o tym samym tytule) została kupiona w Sotheby's za 15,16 miliona dolarów.
25. DONALD JUDD Bez tytułu (DSS 42). 1963. 14,16 miliona dolarów
„Chcę, aby były proste”, powiedział minimalistyczny Donald Judd (1928–1994) o swoich rzeźbach w wywiadzie z lat 60. Minimalistyczny ruch w Ameryce był wtedy w powijakach, a Judd był jednym z jego pierwszych przedstawicieli. Rzeźbiarz chciał przeciwstawić proste formy dominacji abstrakcyjnego ekspresjonizmu. Naszym oczom przyzwyczajonym do skomplikowanych konstrukcji obiekty Donalda Judda mogą wydawać się zbyt proste. Ale to jest dokładnie to, co autor chciał osiągnąć - czystość koloru i formy. Jego najdroższa jak dotąd rzeźba-instalacja, „Bez tytułu (DSS 42)”, to panel z czerwonych listew drewnianych z zawiniętymi krawędziami z czarnego metalu. Praca została kupiona w listopadzie 2013 roku w Christie's za 14,16 mln USD z szacunkową wartością 10–15 mln USD Poprzednia rekordowa sprzedaż Judda w 2012 roku była dokładnie o 4 mln mniej – 10,14 mln USD za pracę „Bez tytułu (Bernstein 89-24)”.
Venus Barberini (lub Venus Jenkins) to rzymska kopia zaginionego greckiego oryginału Afrodyty z Knidos w typie Praksytelesa. Uważa się również, że jest spokrewniona z Wenus Medyceuszy z Galerii Uffizi. Losy rzeźby są ściśle związane z historią kolekcjonerstwa w Imperium Brytyjskim w XVIII wieku. W tym okresie szlachetni angielscy lordowie, którzy podróżowali po całym świecie, tradycyjnie odwiedzali Włochy w poszukiwaniu starożytnych artefaktów w ogóle, a w szczególności rzeźb. Znakomite dzieła sztuki zostały wywiezione skrzynkami do Foggy Albion, gdzie uzupełniły brytyjskie kolekcje. Drugą stroną tego procesu było rozproszenie wielu niezwykłych kolekcji włoskich – na przykład zbiorów Palazzo Barberini w Rzymie; Wenus znaleziono w piwnicach tego pałacu. W latach 60. XVIII wieku marmurowa bogini wpadła w ręce Thomasa Jenkinsa, znanego wówczas biznesmena, bliskiego papieżowi. Teraz nazwalibyśmy taką osobę marszandem. Jenkins przekazał rzeźbę do renowacji, podczas której, według jednej wersji, dopasowywano głowę innego posągu do posągu bez głowy. Nawet jeśli głowa Venus Barberini jest obca, wygląda autentycznie. Po odrestaurowaniu posąg stał się tak piękny, że 26-letni Anglik William Weddell nie mógł się mu oprzeć i kupił wówczas za ogromną kwotę Wenus. I chociaż cena rzeźby jest bardzo zróżnicowana w różnych źródłach, wiadomo, że była to ogólnie największa kwota zapłacona za antyczne dzieło sztuki w XVIII wieku.
27. ANTONIO CANOVA Trzy Gracje. 1814-1817 11,5 miliona dolarów
Formalnie tej rzeźby też nie powinno tu być, ponieważ została kupiona w prywatnej transakcji. Jednak zrobiliśmy dla niej wyjątek: po pierwsze jest to Canova, po drugie historia transakcji jest bardzo orientacyjna, po trzecie cena jest taka, że jeśli nie w rankingu, to w zestawieniu praca zdecydowanie zasługuje.
Grupa rzeźbiarska „Trzy Gracje” Antonio Canovy istnieje w dwóch wersjach. Pierwsza wersja jest wystawiona w Ermitażu. Została wykonana dla cesarzowej Józefiny, żony Napoleona, około 1814 roku. Angielski książę Bedford, po wizycie w rzymskim warsztacie Canova, chciał kupić rzeźbę do swojej posiadłości, ale odmówiono mu. W 1814 zmarła Józefina, a jej spadkobiercy również odmówili sprzedaży rzeźby. Od syna cesarzowej Eugeniusza Beauharnais przeszła później na swojego wnuka Maksymiliana, który z kolei zabrał arcydzieło Canovy do Rosji. Książę Bedford zamówił dla Canovy drugą wersję Trzech Gracji. Rzeźbiarz wyrzeźbił praktycznie tę samą Euphrosyne, Aglayę i Thalię, aw latach 1816-1817 trzy łaski dotarły do posiadłości Bedfordów w opactwie Woburn. Tam grupa rzeźbiarska została umieszczona w specjalnym pawilonie obok innych rzeźb klasycystycznych. I choć ten pawilon w opactwie Woburn jest obecnie uważany za narodowy skarb Wielkiej Brytanii i teoretycznie nie można go rozebrać, znajdujący się w nim posąg Canovy został odsprzedany w 1990 roku tajemniczej firmie inwestycyjnej. Rzeźba z opactwa w Woburn została usunięta i próbowano ją wywieźć za granicę. Muzeum Getty'ego w Los Angeles było gotowe do działania jako kupiec. Jednak, jak to często bywa w Wielkiej Brytanii z dobrami kulturowymi o szczególnym znaczeniu, nie wydano żadnej licencji eksportowej. Po długiej batalii prawnej rzeźba Canovy z posiadłości książąt Bedford została ostatecznie kupiona wspólnymi siłami Muzeum Wiktorii i Alberta oraz National Galleries of Scotland za 7,6 miliona funtów (11,5 miliona dolarów). Od tego czasu Trzy Gracje przenosiły się z jednego muzeum do drugiego mniej więcej raz na trzy lata.
9,9 miliona dolarów
Amerykanin Bruce Nauman (1941), zdobywca głównej nagrody 48. Biennale w Wenecji (1999), długo pobił swój rekord. Nauman rozpoczął karierę w latach sześćdziesiątych. Koneserzy nazywają go, obok Andy'ego Warhola i Josepha Beuysa, jedną z najbardziej wpływowych postaci w sztuce drugiej połowy XX wieku. Jednak bogata intelektualność i absolutna niedekoracyjna postawa niektórych z jego prac oczywiście uniemożliwiły jego szybkie rozpoznanie i odniesienie sukcesu wśród szerokiej publiczności. Nauman często eksperymentuje z językiem, odkrywając nieoczekiwane znaczenia znanych fraz. W wielu jego pracach dominują słowa, w tym neonowe pseudo-znaki i tablice. Sam Nauman nazywa siebie rzeźbiarzem, choć przez ostatnie czterdzieści lat próbował się w różnych gatunkach – rzeźbie, fotografii, sztuce wideo, performance, grafice. Na początku lat dziewięćdziesiątych Larry Gagosian wypowiedział prorocze słowa: „Prawdziwa wartość pracy Naumanna nie została jeszcze uświadomiona”. I tak się stało: 17 maja 2001 w Christie's Naumann w 1967 roku "Helpless Henry Moore (widok z tyłu)" (Henry Moore Bound to Fail (Backview)) ustanowił nowy rekord w segmencie sztuki powojennej. Wykonany z gipsu i wosku odlew rąk Naumanna związanych za plecami trafił pod młotek za 9,9 miliona dolarów do kolekcji francuskiego potentata Francois Pinault (według innych źródeł, Amerykanki Phyllis Wattis). Praca Esttimeyt wyniosła tylko 2-3 miliony dolarów, więc wynik był zaskakujący.
Praca „Bezradny Henry Moore” jest jedną z serii polemicznych prac Naumanna na temat roli Henry'ego Moore'a w historii sztuki XX wieku. Młodzi autorzy, którzy znaleźli się w cieniu uznanego mistrza, zaatakowali go następnie ostrą krytyką. Rzeźba Naumanna jest odpowiedzią na tę krytykę i jednocześnie refleksją na temat twórczości. Tytuł pracy staje się grą słów, gdyż łączy dwa znaczenia angielskiego słowa bound - „związany” (w dosłownym znaczeniu) i „skazany na pewien los”. Ponadto Naumann proponuje w tej pracy jeszcze jeden paradoks: „widok z tyłu”, zawarty w tytule pracy, jest właściwie widokiem z przodu i jedynym kątem, pod jakim można oglądać pracę.
29. ARISTIDE MAYOL Rzeka. 1938-1943 8,32 miliona dolarów
Aristide Maillol to autor, którego pojawienie się w naszym rankingu można szczerze cieszyć. Jeden z najwybitniejszych rzeźbiarzy pierwszej połowy XX wieku, który nie załamał tradycji realizmu w dobie zamiłowania do form abstrakcyjnych, głosił kult zdrowego i silnego ciała w przeciwieństwie do manierycznych, salonowych form. Była nawet koncepcja „kobiety Mayol” - piękna, naturalna, może trochę ciężka, ale jednocześnie bardzo harmonijna. Główną muzą Mayola była emigrantka Dina Verny (ur. Dina Yakovlevna Aybinder), którą poznali, gdy rzeźbiarz miał ponad 70 lat, a Verny miał zaledwie 15. Dina pozowała Mayolowi do jego najsłynniejszych dzieł - alegorycznych rzeźb „Powietrze” i „Rzeka”. ”, ostatnie prace „Harmonia” i inne. Po śmierci rzeźbiarki w 1944 roku to Dina Verny została główną spadkobierczynią Mayola, otrzymała do swojej dyspozycji wszystkie jego zbiory i zajęła się galerią. Dina Verny zmarła w 2009 roku, a cztery lata później jej dzieci zdecydowały się wystawić na sprzedaż na aukcji Artcurial Paris 2 grudnia 2013 niektóre prace Maillola z jej kolekcji. Szkic przygotowawczy w pastelu do rzeźby „Rzeka” pochłonął rekordową sumę 791 tys. dolarów na grafikę Maillola. A sama „Rzeka” (odlew ołowiany z 1970 r.) została sprzedana rzeźbiarzowi za rekordową kwotę 6,18 mln euro (8,37 mln dolarów), dwukrotnie droższą niż szacowana kwota 2-3 mln euro (2,7-4 mln dolarów). Zapis można uznać za całkiem naturalny, biorąc pod uwagę tak żelbetową proweniencję rzeźby.
Kolejnym starożytnym artefaktem na naszej liście najdroższych rzeźb jest marmurowe popiersie rzymskiego polityka i wodza wojskowego Germanika (pełne imię Germanik Juliusz Cezar Klaudian), adoptowanego syna cesarza Tyberiusza i ojca cesarza Kaliguli. Nieznany rzeźbiarz wyrzeźbił młodego i odnoszącego sukcesy rzymskiego generała, który wyróżnił się swoimi kampaniami w Niemczech i został otruty w wieku zaledwie 33 lat. Istnieje około dziesięciu podobnych popiersi Germanika. Najsłynniejsze z nich znajdują się w Luwrze (popiersie znalezione w Kordobie) i British Museum (wersja bazaltowa). Popiersie, wystawione na aukcji w Sotheby's w grudniu 2012 roku, pochodzi z kolekcji książąt Elgin i ich rodzinnej posiadłości Broomhall w Szkocji. Popiersie Germanika kupił w Rzymie w 1798 lub 1799 roku sekretarz ambasadora brytyjskiego w Konstantynopolu, VII książę Elgin, Thomas Bruce. Marmurowe antyczne popiersie miało ozdobić rezydencję dyplomatyczną. Następnie przez kilka stuleci popiersie Germanika osadzało się w Broomhall. Nic dziwnego, że aż 8 milionów dolarów walczyło o pracę o tak solidnej proweniencji.
31. POWIEDZ PODWÓJNIE Bez tytułu (Rzym). 1987. 7,7 miliona dolarów
Cy Twombly to jeden z najdroższych i najbardziej nieznanych współczesnych artystów. Historycy sztuki są zachwyceni jego twórczością, podczas gdy zdecydowana większość publiczności nie jest gotowa nazywać „jej” sztuką. Niemniej jednak jego płótna, pokryte rysami jak dziecięce bazgroły czy rysunki prymitywnego człowieka, są warte miliony dolarów na światowym rynku sztuki. A teraz na liście jego najdroższych prac pojawiła się rzeźba. Praca „Bez tytułu (Rzym)” w Christie's 15 maja 2013 r. została sprzedana za 7,7 mln USD, w tym prowizja. Rzeźba została odlana z brązu, ale podstawą jej powstania był zbiór kawałków drewna, strąk maku, cienka drewniana podpórka i inne przedmioty. Za pozorną prostotą historycy sztuki wyczytali wiele znaczeń. Jest to zarówno hołd dla „Walking Man” Giacomettiego (jeśli przyjrzysz się uważnie, można odgadnąć antropomorficzne formy w cienkich patyczkach), jak i nawiązanie do starożytności (kwiaty maku pojawiają się w wielu starożytnych mitach greckich) i linia, która uciekła na trzy -wymiarowa przestrzeń. Sztuka Cy Twombly nie jest dla wszystkich, ale najważniejsze dla rynku jest to, że milionerzy należą do „nie wszystkich”.
32. JULIO GONZALES Maska „Cień i światło”. Około 1930. 7,45 miliona dolarów
Julio Gonzalez, klasyk rzeźby modernistycznej, uważany był zarówno za abstrakcjonistę, jak i surrealistę, ale on sam zaprzeczał takim definicjom. Swoje rzeźby, spawane z żelaza, nazywał po prostu „rysunkami w przestrzeni”. Gonzalez stworzył swoje dziwaczne obrazy z odpadów przemysłowych - skrawków blachy, części mechanicznych itp. Co ciekawe, pochodzący z Barcelony Gonzalez przez 50 lat wykonywał swoje powołanie jako rzeźbiarz. Urodził się w rodzinie słynnych jubilerów, przez jakiś czas podążał śladami ojca, ale marzył o zostaniu malarzem. W 1902 wyjechał na zawsze z Hiszpanii do Paryża i twórczego środowiska Montmartre. Tutaj zaprzyjaźnił się z Picassem (według tego ostatniego Gonzalez „manipulował metalem jak olej”). Jednak pierwsze metalowe rzeźby zaczął tworzyć dopiero pod koniec lat dwudziestych. Najdroższe do tej pory dzieło Julio Gonzaleza - maska "Cień i światło" - pochodzi z 1930 roku. Sotheby's wystawił na aukcji oryginalne dzieło z żelaza, z którego wykonano 8 odlewów (plus 5 autorskich) z brązu.
33. Jeździec MARINO MARINI. 1951 Obsada 1955 7,15 miliona dolarów
Włoski rzeźbiarz Marino Marini (1901-1980) jest rozpoznawany przez wszystkich przede wszystkim po wspaniałych w swej archaicznej prostocie rzeźbach jeźdźców. Artysta, który za życia zdobył uznanie i różnego rodzaju nagrody (m.in. pierwszą nagrodę na Biennale w Wenecji w 1952 roku), ma wspaniałe portrety rzeźbiarskie, akty, prace na papierze i płótnie, ale Marini miał szczególny związek z tematem konia i jeźdźca. Jak sam powiedział, ogromną rolę w jego twórczości odegrała znajomość kultury etruskiej: „Dlatego moja sztuka opiera się na motywach z przeszłości, takich jak związek konia z jeźdźcem, a nie na tematach współczesnych, jak relacja między człowiekiem i maszyny." Ale jeśli pierwsi jeźdźcy Marino Mariniego mocno i pewnie trzymali się konia, jak starożytni bohaterowie, to z czasem obrazy koni gotowych zrzucić swoich jeźdźców zaczęły wychodzić spod ręki mistrza. Wyrzucony z siodła jeździec odzwierciedla autorską ideę kryzysu natury ludzkiej i zaniku wartości przeszłości. Jedna z tych rzeźb, odlana w 1955 roku, przez ponad 50 lat znajdowała się w zbiorach szwedzkiego związku zawodowego. Jej wynik aukcji w 2010 roku był rekordowy dla Marino Mariniego: rzeźba Horseman zarobiła 7,15 miliona dolarów.
34. URS FISHER Bez tytułu (Lampa „Niedźwiedź”). 2005-2006 6,8 miliona dolarów
I wreszcie - żółty niedźwiedź Urs Fischer (1973). Jest to prawdopodobnie najdokładniejsza i najbardziej znacząca praca Fishera, jaka kiedykolwiek pojawiła się na aukcji. Szwajcarski artysta jest bardziej znany ze swoich krótkotrwałych prac wykonanych z wosku (duże rzeźby ze świec, które unoszą się podczas wypalania się knota) lub chleba (Fischer kiedyś zbudował dom z chleba i osadził w nim papugi, stopniowo krusząc się i zjadając ich mieszkanie ). A Lampka Niedźwiedzia, choć wygląda jak miękka pluszowa zabawka, jest w rzeczywistości wykonana z brązu. Ta siedmiometrowa rzeźba ważąca około 20 ton poświęcona jest rzeczom kochanym i znanym od dzieciństwa. Fisher łączy przedmioty codziennego użytku, które trudno sobie wyobrazić, połączone ze sobą. Ale ten niedźwiedź z lampą płonącą na czole robi świąteczne wrażenie. Natychmiast przychodzą na myśl „balony” Koonsa. Siedząc na placu przed nowojorskim biurem Christie's, żółty niedźwiedź poszedł do jakiejś prywatnej kolekcji w zamian za 6,8 miliona dolarów.
Maria Onuchina, Julia Maksimova, Katerina Onuchina,AI
Pewnego wyjaśnienia wymaga fantastyczny rekord ustanowiony w Sotheby's 5 grudnia 2007 - 57 milionów dolarów za ośmiocentymetrową wypolerowaną figurkę z wapienia. czy to takie drogie?
„Lwica z Guennoli” przez prawie 60 lat zdobiła okno Brooklyn Museum of Fine Arts, jednej z najlepszych kolekcji sztuki w Stanach Zjednoczonych. Ta niewielka rzeźba była wielokrotnie reprodukowana w podręcznikach historii sztuki, obok takich arcydzieł jak marmurowa głowa kobiety z Uruk i statuetka kozy z Ur.
Historia lwicy jest mroczna: uważa się, że została znaleziona w 1931 roku w okolicach Bagdadu i sprzedana amerykańskiemu kolekcjonerowi. Kto go znalazł iw jakich okolicznościach nie jest znany. W 1931 figurka trafiła do kolekcji antykwariusza i galerii Josepha Brummela, ucznia Auguste'a Rodina i wielkiego konesera rzeźby antycznej i średniowiecznej. Brummel doradzał wielu kolekcjonerom, w szczególności Bradleyowi Martinowi. Alistair Bradley Martin, jego syn, był również słynnym kolekcjonerem. Alistair Bradley i jego żona Edith Park Martin kupili lwicę od Brummela w 1948 roku i przekazali ją jako długoterminową pożyczkę Brooklyn Museum of Fine Arts. Figurka nie wyjechała ze Stanów Zjednoczonych, ale mniej więcej raz na dziesięć lat właściciele udostępniali ją na ekspozycję w tak szanowanych kolekcjach jak Fogg Museum na Harvardzie i Metropolitan w Nowym Jorku, więc lwicy nie brakowało badaczy. Nazwę „Guennol” przypisano rzeźbie nazwą kolekcji Martina (guennol to po walijsku jaskółka).
Mimo niewielkich rozmiarów figurka sprawia wrażenie monumentalnego dzieła. Masywna głowa lwa leży na muskularnym ramieniu, ręce-łapy zaciśnięte pod klatką piersiową, podczas gdy tułów jest obrócony w stosunku do głowy i nóg-łap o 90 stopni. Sama niemożliwość i ekstremalne napięcie pozy przyciąga widza. Figurkę można i należy oglądać ze wszystkich stron. Prawdopodobnie w starożytności lwica miała ogon (z tyłu widoczne są otwory do mocowania). Zakłada się, że dolna część łap została wykonana z innego materiału. Otwory na głowie przeznaczone były najprawdopodobniej na sznurek, na którym zawieszono figurkę do noszenia na szyi.
Mistrz, który stworzył lwicę, najwyraźniej mieszkał na terytorium współczesnego Iranu, gdzie w czasach starożytnych istniał stan Elam (około 2700-600 pne). Lwica została wyrzeźbiona w erze protoelamickiej - około 3000-2800 pne. Ma około tuzina najbliższych „krewnych”. Po pierwsze jest to figurka byka z Uruk (Mezopotamia), pochodząca z przełomu IV i III tysiąclecia p.n.e. Po drugie, niewielka grupa pieczęci protoelamickich przedstawiających zwierzęta stojące na tylnych łapach, najprawdopodobniej lwy. Wszyscy mają łapy złożone na piersiach. Po trzecie, skarb drobnej sztuki plastycznej znaleziony przez francuskich archeologów w Suzie (jednej ze stolic Elamu): jedna z figurek przedstawia lwa gryfa, stylistycznie rzeźba jest dość zbliżona do „lwicy z Guennol”. Po czwarte, dwie srebrne rzeźby protoelamickie: leżący kozioł i klęczący byk z naczyniem. Jednak znajomość tych tematów nie może przygotować widza na niezwykłość Lwicy z Guennol. Nie ma analogów do tego dzieła sztuki, przynajmniej na razie. Być może niektórzy archeolodzy przyszłości będą mieli szczęście.
O ile można sądzić, lwica nigdy nie była datowana metodami fizycznymi: figurka jest za mała, aby odciąć z niej kawałek bez uszkodzenia. Wszelkie wnioski dotyczące jego pochodzenia są wyciągane na podstawie analogii. W zasadzie może to odstraszyć ostrożnych kupujących, ale reputacja przedmiotu z kolekcji Martin jest uważana za nienaganną. Nowy właściciel figurki, sądząc po raporcie Bloomberga, był osobiście obecny na aukcji Sotheby's. Przedstawił się jako archeolog, ale nie podał więcej szczegółów na swój temat.-20, ta sama tajemnica co okoliczności odkrycia lwicy. Dalsze losy „Lwicy z Guennol” nie są jeszcze znane, a dla publiczności statuetka, przynajmniej na chwilę, zaginęła.
