Julia Sukhova

Martwa natura jeden z najciekawszych gatunków sztuki sztuka. Na pozór pozbawiony fabuły gatunek ten jest jednym z najbardziej filozoficznych, odzwierciedlających różnorodność powiązań człowieka ze światem rzeczy.

Z martwa natura jako gatunek sztuki sztuka, uczniowie szkół dziecięcych Sztuka nazwana na cześć. sztuczna inteligencja Plotnova są szczegółowo przedstawiane na zajęciach „Rozmowy nt sztuka» I „Historia Sztuk Pięknych” sztuka» . Studiuj dzieła mistrzów rosyjskich i zagranicznych martwa natura.

Ponad 8 lat nauki w Szkole Dziecięcej Sztuka nazwana na cześć. sztuczna inteligencja Plotnova Chłopaki wykonują wiele zadań, które można połączyć w ramach tego tematu - « Martwa natura»

W szkole sztuka główny nacisk położony jest na praktyczną pracę nad martwe natury- to organizacja przedstawień, ustalanie kolejności w pracy uczniów, rozwijanie umiejętności postrzegania przyrody, praca w różnych technikach i różnych materiałach artystycznych.

Istnieje kilka typów martwe natury:

Edukacyjny;

Edukacyjne i twórcze;

Twórczy;

Fabuła.

Zgodnie ze stwierdzeniem zadania edukacyjnego wyróżnia się realistyczne, stylizowane i dekoracyjne. martwe natury.

Szkolenie martwa natura(wystawiany na scenie) ma na celu naukę podstaw umiejętności wizualnych, aktywizację procesów poznawczych i wprowadzenie samodzielnej pracy twórczej. Praca edukacyjna martwa natura Studenci czerpią z życia zarówno w rysunku, jak i malarstwie.

Szkolenie martwa natura zakłada następujące rozwiązania edukacyjne zadania:

Koordynuj obiekty według rozmiaru, tonu i tekstury;

Ujawnij cechy konstrukcyjne obiektów;

Badanie proporcji;

Pokaż materialność przedmiotów.

Pracować nad martwa natura może odbywać się w klasie z sztuczny lub naturalnym świetle, a także na świeżym powietrzu.

Uczniowie mają do dyspozycji bardzo dużą liczbę przedstawień edukacyjnych już od najprostszych klas niższych (ciała geometryczne) skomplikowane u starszych (tematyczny martwe natury) .

Edukacyjny martwe natury różnią się także tematyką.

Fabuła martwa natura- łączenie obiektów w jeden temat, fabułę. Na przykład "Alegoryczny martwe natury» - martwe natury z cechami zajęć naukowych i artystycznych. Symbolizuję krótkotrwałość ziemskich przyjemności i korzyści płynące z pracy naukowej.

Kuchnia martwe natury to martwe natury z jedzeniem, naczyń i przyborów kuchennych, śniadań i obiadów.

Kwiatowy martwa natura- obrazy przedstawiające piękne dary natury.

Martwa natura w krajobrazie - to jest obraz martwa natura na tle krajobrazu. Tutaj główną rolę odgrywa martwa natura, a krajobraz odgrywa rolę drugoplanową.

Martwa natura we wnętrzu polega na rozmieszczeniu przedmiotów otoczonych dużą przestrzenią, w której znajdują się przedmioty martwa natura są w powiązaniu fabularnym z wnętrzem.

Martwa natura w portrecie i malarstwie rodzajowym - reprezentuje obrazy, w których przedmioty wzbogacają treść semantyczną dzieł, tworząc przestrzeń. Rzeczy często pozują na równi z bohaterami, symbolizując ideały klasowe, odzwierciedlając normy zachowania, oznaki życia codziennego i charakteryzując zawody zawodowe.

Często martwa natura staje się tematem kompozycji lub jest bardzo ważnym składnikiem kompozycji.

Dekoracyjny martwa natura nie jest dokładnym przedstawieniem natury, ale refleksją nad tym, co dane Natura: to jest wybór i odciśnięcie tego, co najbardziej charakterystyczne, odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie systemu martwa natura specyficzne zadanie artysty. Zadanie dekoracyjne martwa natura polega na rozpoznaniu walorów dekoracyjnych natury, tworząc ogólne wrażenie elegancji.

Wiele uwagi poświęca się pracy nad „ martwa natura - fantazja". Martwa natura, w którym można schematycznie przedstawić rzeczywiste obiekty.

Twórczy martwa natura Różni się od placówki edukacyjnej tym, że uczeń w procesie rysowania fantazjuje, stylizuje i przekształca widzialny świat. Dziecko nie jest tak przywiązane do dokładnego obrazu martwa natura, przedmioty i ich projekty.

Martwa natura jako gatunek sztuki sztuka otwiera ogromne możliwości w nauczaniu dzieci plastyki sztuka.

Wszystkie prezentowane powyżej fotografie są autorstwa uczniów wydziałów plastycznych i plastycznych Zespołu Szkół Dziecięcych Sztuka nazwana na cześć. sztuczna inteligencja Plotnova.

Publikacje na ten temat:

„Sztuka z drutu” Znalazłem bardzo interesującą technikę w sztuce - „Tkanie drutu”. Ten rodzaj sztuki został wynaleziony dawno temu, kiedy pojawiły się wszelkie dekoracje.

„Jestem nauczycielem w Dziecięcej Szkole Artystycznej”! Muzyka jest potężnym źródłem myśli. Bez edukacji muzycznej pełny rozwój umysłowy nie jest możliwy. V. A. Sukhomlinsky Kim być? Po.

Martwa natura rysowana przez dzieci w wieku przedszkolnym Aktywność wizualna jest jedną z najciekawszych dla dzieci w wieku przedszkolnym: głęboko ją ekscytuje i wywołuje pozytywne emocje.

Rola Dziecięcej Szkoły Plastycznej w kształtowaniu osobowości twórczej we współczesnym świecie Najważniejszymi instytucjami społecznymi kształtującymi osobowość dziecka są rodzina, szkoła i środowisko społeczne. Dodatkowa edukacja.

Rola rodziny w wyborze przyszłego zawodu ucznia Dziecięcego Zespołu Plastycznego Każdy człowiek w pewnym momencie staje przed koniecznością wyboru zawodu. Często największy wpływ mają rodzice.

1. Malarstwo i jego cechy

1.1 Rodzaje malarstwa

1.2.Gatunki malarstwa

2.Martwa natura i jej rola w środowisku gatunkowym malarstwa

2.1 Pojęcie martwej natury i rodzaje martwej natury

2.2.Historia martwej natury

2.3.Cechy martwych natur artystów rosyjskich

Wniosek

Bibliografia

1. Malarstwo i jego cechy.

1.1 Rodzaje malarstwa.

Słowo „malowanie” pochodzi od słów „żywie” i „pisz”. „Malować” – wyjaśnia Dahl, „aby wiernie i żywo przedstawiać za pomocą pędzla lub słów, pióra”. Dla malarza prawidłowe przedstawienie oznacza dokładne oddanie wyglądu zewnętrznego tego, co widział i jego najważniejszych cech. Udało się je poprawnie przekazać za pomocą środków graficznych – linii i tonu. Jednak tymi ograniczonymi środkami nie da się obrazowo oddać wielobarwności otaczającego świata, pulsowania życia w każdym centymetrze kolorowej powierzchni przedmiotu, uroku tego życia oraz ciągłego ruchu i zmiany. Malarstwo, jeden z rodzajów sztuk pięknych, pomaga wiernie oddać koloryt rzeczywistego świata.

Wielka różnorodność i kompletność zjawisk, wrażeń, efektów, jakie może ucieleśniać malarstwo. Cały świat uczuć, postaci, relacji, przeżyć jest dostępny dla malarstwa. Ma dostęp do najsubtelniejszych obserwacji natury, wiecznych idei, wrażeń, subtelnych odcieni nastroju.

Zadaniem malarstwa jest nie tylko ukazanie czegoś, ale także ujawnienie wewnętrznej istoty tego, co jest przedstawiane, odtworzenie „typowych postaci w typowych okolicznościach”. Dlatego podstawą malarstwa realistycznego jest prawdziwe artystyczne uogólnienie zjawisk życia.

Rodzaje malarstwa.

Malarstwo dzieli się na monumentalne, dekoracyjne, teatralno-dekoracyjne, miniaturowe i sztalugowe.

Malarstwo monumentalne to szczególny rodzaj wielkoformatowych obrazów zdobiących ściany i sufity obiektów architektonicznych. Odsłania treść najważniejszych zjawisk społecznych, które wywarły pozytywny wpływ na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala, przyczyniając się do wychowania ludzi w duchu patriotyzmu, postępu i człowieczeństwa. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł i związek z architekturą wymagają dużych mas kolorystycznych, ścisłej prostoty i lakoniczności kompozycji, przejrzystości konturów i ogólności formy plastycznej.

Malarstwo dekoracyjne służy do ozdabiania budynków i wnętrz w postaci kolorowych paneli, które za pomocą realistycznych obrazów tworzą iluzję przebicia się przez ścianę, wizualnie zwiększając wielkość pomieszczenia lub wręcz przeciwnie, wykorzystując celowo spłaszczone formy – twierdzą. płaskość ściany i zamknięcie przestrzeni. Wzory, wianki, girlandy i inne dekoracje zdobiące dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając ich piękno i spójność z architekturą.

Malarstwo teatralne i scenograficzne (scenografia, kostiumy, makijaż, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty) pozwala na dalsze odsłonięcie treści spektaklu. Szczególne teatralne warunki odbioru scenerii wymagają uwzględnienia wielu punktów widzenia widzów, ich dużej odległości, wpływu sztucznego oświetlenia i kolorowego podświetlenia. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji oraz aktywizuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się w szkicach kostiumów i makijażu jak najdobitniej wyrazić indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.

Malarstwo miniaturowe rozwinęło się znacznie w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. Odręcznie pisane książki ozdobiono najwspanialszymi nakryciami głowy, zakończeniami i szczegółowymi miniaturowymi ilustracjami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali technikę malarstwa miniaturowego do tworzenia małych (głównie akwareli) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich wykwintne połączenia i wyjątkowa precyzja pisma wyróżniają te portrety, pełne wdzięku i szlachetności.

Malarstwo sztalugowe, wykonywane na maszynie - sztaludze, wykorzystuje jako podstawę materiałową drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na krosno. Obraz sztalugowy, będący dziełem samodzielnym, może przedstawiać absolutnie wszystko: fakty i fikcje artysty, przedmioty i ludzi nieożywionych, nowoczesność i historię - słowem życie we wszystkich jego przejawach. W odróżnieniu od grafiki malarstwo sztalugowe charakteryzuje się bogactwem barwy, która pomaga emocjonalnie, psychologicznie, wieloaspektowo i subtelnie przekazać piękno otaczającego nas świata.

Ze względu na technikę i sposób wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz i pastel. Nazwy te wzięły się od spoiwa lub od sposobu użycia środków materiałowo-technicznych.

1.2 Gatunki malarstwa.

Gatunki malarskie (francuski gatunek - rodzaj, typ) to historycznie ustalony podział dzieł malarskich według tematów i przedmiotów obrazu. We współczesnym malarstwie wyróżnia się następujące gatunki: portret, historyczny, mitologiczny, batalistyczny, codzienny, pejzaż, martwa natura, gatunek zwierzęcy.

Choć pojęcie „gatunku” pojawiło się w malarstwie stosunkowo niedawno, od czasów starożytnych istniały pewne różnice gatunkowe: wizerunki zwierząt w jaskiniach z epoki paleolitu, portrety starożytnego Egiptu i Mezopotamii z 3 tys. p.n.e., pejzaże i martwe natury w okresie hellenistycznym i Rzymskie mozaiki i freski. Kształtowanie się gatunku jako systemu w malarstwie sztalugowym rozpoczęło się w Europie w XV-XV wieku. a zakończył się głównie w XVII wieku, kiedy oprócz podziału sztuk pięknych na gatunki pojawiło się pojęcie gatunków „wysokich” i „niskich”, w zależności od tematyki obrazu, tematu, fabuły.

Gatunek sztuki, który odzwierciedla zewnętrzny i wewnętrzny wygląd osoby lub grupy osób, nazywa się portretem. Gatunek ten jest szeroko rozpowszechniony nie tylko w malarstwie, ale także w rzeźbie, grafice itp. Główne wymagania dotyczące portretu to przekazywanie podobieństwa zewnętrznego i ujawnienie wewnętrznego świata, istoty charakteru danej osoby.

Gatunek sztuki wizualnej zajmujący się wydarzeniami i postaciami historycznymi nazywa się gatunkiem historycznym. Gatunek historyczny, charakteryzujący się monumentalnością, od dawna rozwija się w malarstwie ściennym. Od renesansu do XIX wieku. artyści sięgali po tematy z mitologii starożytnej i legend chrześcijańskich. Często prawdziwe wydarzenia historyczne przedstawione na obrazie były nasycone alegorycznymi postaciami mitologicznymi lub biblijnymi.

Gatunek bitewny (z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek malarstwa należący do gatunku historycznego, mitologicznego i specjalizujący się w przedstawianiu bitew, wyczynów wojskowych, operacji wojskowych, gloryfikacji męstwa wojskowego, wściekłości bitwy, triumfu zwycięstwa . Gatunek bitewny może zawierać elementy innych gatunków - domowego, portretowego, pejzażowego, zwierzęcego, martwej natury.

Gatunek sztuki pięknej, który przedstawia sceny z codziennego, osobistego życia człowieka, życia codziennego chłopskiego i miejskiego, nazywany jest gatunkiem codziennym. Odwołania do życia i moralności ludzi można już znaleźć w obrazach i płaskorzeźbach starożytnego Wschodu, w starożytnym malarstwie i rzeźbie wazowej, w średniowiecznych ikonach i księgach godzinowych. Jednak gatunek codzienny wyróżnił się i zyskał charakterystyczne formy dopiero jako zjawisko świeckiej sztuki sztalugowej.

Gatunek sztuk pięknych, w którym najważniejsze jest przedstawienie przyrody, środowiska, widoków na okolicę, miasta i zabytki, nazywa się krajobrazem (francuski paysage). Występują krajobrazy wiejskie, miejskie, architektoniczne, przemysłowe, morskie (marina) i rzeczne.

Gatunek sztuki przedstawiającej zwierzęta nazywany jest gatunkiem zwierzęcym (od łac. zwierzę – zwierzę). Artysta zwierzęcy zwraca uwagę na cechy artystyczne i figuratywne zwierzęcia, jego zwyczaje, dekoracyjną ekspresję postaci i sylwetki. Często zwierzęta są obdarzone cechami, działaniami i doświadczeniami właściwymi ludziom.

2.Martwa natura i jej rola w środowisku gatunkowym malarstwa.

2.1 Pojęcie martwej natury i rodzaje martwej natury.

Gatunek sztuki pięknej przedstawiający przedmioty codziennego użytku, pracę, kreatywność, kwiaty, owoce, zabitą zwierzynę, złowione ryby, umieszczone w prawdziwym codziennym środowisku, nazywa się martwa natura (francuski charakter morte - martwa natura).

Gatunek martwej natury jest bardzo bogaty i interesujący. Zgromadziliśmy duże doświadczenie w tym gatunku. Obiekty są dokładnie przedstawione, oddane jest ich piękno i wyjątkowe walory plastyczne.

Istnieją różne rodzaje martwych natur:

1. martwa natura gipsowych brył geometrycznych.

2. martwa natura z przedmiotów gospodarstwa domowego, prosta w kształcie.

3. martwa natura przedmiotów gospodarstwa domowego, prosta w kształcie i kolorze.

4. martwa natura obiektów o podobnym kolorze.

5. martwa natura obiektów o kontrastowych kolorach.

6. martwa natura ciemnych obiektów.

7. martwa natura białych obiektów.

8. martwa natura we wnętrzu.

9. martwa natura na świeżym powietrzu.

Martwa natura, obok gatunku codziennego, od dawna uważana jest za rodzaj malarstwa wtórnego, w którym nie da się wyrazić wysokich idei społecznych i cnót obywatelskich. Rzeczywiście wiele z tego, co jest charakterystyczne dla dzieł gatunków historycznych, bitewnych i innych, jest niedostępnych dla martwej natury. Jednak wielcy mistrzowie udowodnili, że rzeczy mogą charakteryzować zarówno status społeczny, jak i styl życia ich właściciela, dając początek takim obrazom różnych skojarzeń i analogii społecznych.

Martwa natura jest wykorzystywana jako sceneria edukacyjna, główny etap studiowania przyrody w okresie praktyk. Profesjonalny artysta często nazywa ten gatunek obrazowym szkicem z życia. Martwa natura, jak żaden inny gatunek malarstwa, charakteryzuje się wieloma możliwościami angażowania się w formalne poszukiwania malarskie. Może stać się także samodzielnym malarstwem, odsłaniającym na swój sposób odwieczny temat sztuki – temat ludzkiej egzystencji. Ta pojemność funkcji gatunku martwej natury sprawia, że malarstwo obiektów nieożywionych jest sferą poszukiwań nie tylko form i treści, ale także poszukiwania osobistego spojrzenia artysty na otoczenie, jego rozumienia i sensu życia oraz rozwoju jego własny styl.

Radość z bezpośredniego kontaktu z naturą, żywym źródłem sztuki, nabiera szczególnego znaczenia podczas pracy nad martwą naturą. „Martwa natura to jedna z najostrzejszych rozmów malarza z naturą”. Podczas pracy nad martwą naturą nikt nie rozprasza artysty, zmuszając go do skupienia się na własnym malarstwie, gdyż piękno i głębia wyrazistego obrazu w martwej naturze, ostrość skojarzeń, jakie ten obraz budzi w widzu , zależą od piękna, głębi i wyrazistości mowy obrazowej. Zrozumienie prostych obiektów jako cząsteczki rzeczywistości czyni ten wspaniały gatunek malarstwa tak wyjątkowym.

Świat rzeczy w martwej naturze ma zawsze ukazać ich obiektywną oryginalność, niepowtarzalne cechy i piękno. Jednocześnie jest to zawsze świat ludzki, wyrażający strukturę myśli i uczuć, stosunek do życia ludzi określonego społeczeństwa.

Jaka jest różnica między tym gatunkiem a innymi? Co obraz rzeczy nieożywionych może dać malarzowi?

W przeciwieństwie do portretu, który dotyczy wyłącznie osoby, lub krajobrazu, który odtwarza naturę i architekturę, martwa natura może składać się z różnych przedmiotów gospodarstwa domowego i osobistych, elementów flory, dzieł sztuki i wielu innych.

Martwa natura bardziej niż jakikolwiek inny gatunek wymyka się słownemu opisowi; martwą naturę trzeba uważnie oglądać, badać, zanurzać się w niej, bo uczy rozumieć samo malarstwo, podziwiać jego piękno, siłę, głębię - tylko w ten sposób można zrozumieć prawdziwą treść każdego obrazu, jego obraz.

Malarz w martwej naturze zwraca się ku światowi rzeczy nieożywionych, wydobywając je z całego bogactwa otaczającego świata.

Martwa natura wyróżnia się szczególnymi zasadami kompozycji, pomimo wszystkich różnic w historycznych i indywidualnych formach tego gatunku na różnych etapach jego rozwoju. Przedmioty są tu zwykle fotografowane z bliska, aby oko mogło je niejako wyczuć, ocenić przede wszystkim ich rzeczywiste walory materialne - ciężkość, plastyczność form, relief i fakturę powierzchni, detale, a także ich interakcja ze środowiskiem - ich życie w środowisku. Skala kompozycji martwej natury skupia się zwykle na wielkości małego przedmiotu w pomieszczeniu, stąd większa intymność martwej natury w porównaniu do innych gatunków. Jednocześnie sama forma martwej natury jest głęboka i wielopoziomowa, wielozłożona, znacząca: struktura martwej natury, sceneria, wybór, punkt widzenia, stan, charakter interpretacji, elementy tradycji, itp.

W martwej naturze artysta nie tylko przedstawia przedmiot, ale za jego pośrednictwem wyraża swoje wyobrażenie o rzeczywistości i rozwiązuje różne problemy estetyczne.

Istota „treści” martwej natury (według B. Vippera) tkwi w relacji do osoby i przedmiotu w sensie obiektywności życia, natury materii… Jest to „w pewnym sensie , cały światopogląd, pewne rozumienie pozoru, poczucie rzeczywistości.”

Do tych słów możemy tylko dodać, że przedmioty są językiem, którym mówi artysta i musi on doskonale opanować ten język.

Jako niezależny gatunek sztuki, martwa natura ma silny wpływ na widza, ponieważ wywołuje skojarzeniowe idee i myśli podczas postrzegania obiektów nieożywionych, za którymi widać ludzi o określonych postaciach, światopoglądach, różnych epokach itp.

Wpływ martwej natury zależy przede wszystkim od prawidłowo wybranego i poprawnie opracowanego tematu, a także od osobliwości indywidualności twórczej konkretnego artysty.

Martwa natura, jak żaden inny gatunek, jest bezpośrednio związana ze stosunkiem do obrazu, do rozwiązania konkretnego zadania wizualnego.

Przy całej różnorodności, ogromnej liczbie form i odmian martwa natura pozostaje „małym gatunkiem”, ale właśnie dlatego jest tak cenna, ponieważ zwraca malarstwo przede wszystkim ku sobie i swoim odwiecznym wartościom i problemom .Świat rzeczy w martwej naturze ma zawsze ukazać ich obiektywną oryginalność, niepowtarzalną jakość i piękno. Jednocześnie jest to zawsze świat człowieka, odzwierciedlający strukturę myśli i uczuć, stosunek do życia. Przedmioty są językiem, którym mówi artysta i on musi opanować ten język. W kępce zieleni malarz wyraża pełnię życia, w muszli - wyrafinowane władanie naturą, w przyborach kuchennych - radość codziennej pracy, w skromnym kwiacie - cały wszechświat.

Martwa natura to „nie tylko zadanie artystyczne”, ale także cały światopogląd. Świat rzeczy to świat ludzki, stworzony, ukształtowany i zamieszkany przez człowieka. To właśnie sprawia, że martwa natura, pomimo całej zewnętrznej skromności jej motywów, jest gatunkiem o głębokim znaczeniu.

Przedmiot codziennego użytku, ocieplony ciepłem codziennej komunikacji z ludźmi, pozwala dotknąć ich życia w sposób bardziej namacalny i intymny, niż jest to możliwe w szczegółowym obrazie fabularnym. Rzeczy w malarstwie oczywiście nie zawsze pojawiają się w specjalnie im dedykowanym gatunku „twardej” martwej natury, ożywiają i wypełniają pomieszczenia malowniczymi obrazami wnętrz, czasami odgrywają nie mniejszą rolę niż ludzie w scenach rodzajowych lub historycznych, a także wreszcie często towarzyszą osobie i na portrecie.

Martwa natura to przede wszystkim przedmioty uporządkowane tematycznie, połączone treścią semantyczną i niosące ze sobą określoną ideę.

Można je podzielić na dwie duże grupy: przedmioty naturalne (kwiaty, owoce, żywność, ryby, dziczyzna itp.) oraz przedmioty wykonane rękami ludzkimi.

Cechą naturalnych martwych natur jest ich kruchość. Z reguły dotyczą one świata przyrody (choć zdarzają się wyjątki). Wyrwane ze swojego naturalnego środowiska skazane są na szybką śmierć, więdnięcie kwiatów, gnicie owoców, zniszczenie zwierzyny łownej. Dlatego jedną z funkcji tego gatunku jest nadanie niezmienności temu, co zmienne, utrwalenie nietrwałego piękna, kontrolowanie upływu czasu, uczynienie tego, co przemijające, wiecznym.

Przedmioty wykonane przez człowieka z reguły są wykonane z trwałych materiałów: metalu, drewna, ceramiki, szkła, są w miarę stabilne, ich kształty są stabilne.

Różnica między rzeczami wyprodukowanymi a przedmiotami naturalnymi polega na znaczeniu, jakie odgrywają w martwej naturze. W znacznie większym stopniu służą charakterystyce człowieka i jego działań, wprowadzają do martwej natury treści społeczne, dają przestrzeń tematowi pracy i twórczości.

Pomimo wszystkich różnic między obiektami naturalnymi i sztucznymi, mają one wspólne cechy, które pozwalają organicznie łączyć te obiekty w martwą naturę. Obydwa stanowią część wnętrza, są stosunkowo niewielkie i harmonijnie łączą się ze sobą (wazony i kwiaty, naczynia i owoce). Najważniejsze jest to, że połączenie ich ma wpływ na osobę.

Ogromna różnorodność świata rzeczy nieskończenie poszerza znaczące możliwości martwej natury.

Wprowadzając do niego wizerunki obrazów, rycin, rysunków, można wprowadzić elementy innych gatunków: portretów, pejzaży wnętrz - tworząc nowe, niepowtarzalne relacje przestrzenne, semantyczne i dekoracyjne.

Martwa natura często wzbogacana jest także o wizerunki obrazów (na tacach, filiżankach), małych rzeźb (popiersia, figurki, płaskorzeźby, rzeźby na wazonach) i tak dalej.

Bogate, malownicze, przestrzenne i znaczące efekty powstają dzięki obrazowi luster.

Oprócz artykułów gospodarstwa domowego odzież ma tzw. istotę symboliczną. Ta cecha jest bardzo ważna, ponieważ bez jej uwzględnienia nie da się zrozumieć martwej natury i jej możliwości.

Cechy martwych natur, które poprzez przedmioty nieożywione przekazują cechy i charaktery ludzi i czasu, są głównymi działaniami kompozytorskimi artysty w tym gatunku.

Martwa natura jako taka nie istnieje obiektywnie, jest wymyślana, komponowana, aranżowana specjalnie po to, aby ją przedstawić. Nie ma znaczenia, że może mieć całkowicie realistyczny wygląd.

Cała twórczość kompozytorska koncentruje się na umieszczeniu martwej natury na płaszczyźnie obrazu. W zależności od charakteru grupy martwej natury, jej wysokości i szerokości, głębi przestrzeni, stopnia kontrastu obiektów pod względem wielkości i koloru, określa się format i wymiary płaszczyzny, położenie środka kompozycyjnego określa się za pomocą rozwiązania tonalnego i kolorystycznego, trwają poszukiwania najbardziej optymalnej kompozycji, w której problemy równowagi, relacji proporcjonalnych znajdą swoje rozwiązanie.

Organizując kompozycję, stosuje się różne rodzaje rytmów - liniowe, tonalne, kolorowe. Kontrasty odgrywają szczególną rolę. Podkreślając pewne obszary obrazu, czynią je bardziej zauważalnymi lub zanikają. Praca zbudowana na zauważalnych fluktuacjach światła i cienia, bez pewnych „rozbłysków” skupiających uwagę widza, wydaje się monotonna, monotonna, pozbawiona malarskiej wyrazistości. Ostro brzmiące kontrasty budują napięcie i dynamikę, w przeciwieństwie do symetrii, dynamiczny obraz budowany jest na ostrych przesunięciach środka kompozycji w stosunku do osi płaszczyzny obrazu. W tych przypadkach rytmy mają na celu osiągnięcie wizualnej równowagi mas.

Rytm porządkuje obraz. Wkomponowany w strukturalną podstawę martwej natury, tworzy wizualną ramę, która kieruje naszą percepcją. Porównując wizualnie niektóre elementy obrazu z innymi, podkreślamy te najważniejsze i skupiamy na nich uwagę.

Kwestie formatu zależą zasadniczo od projektu, a on z kolei wyraża charakter grupowania obiektów i jego proporcje.

Subtelności wyszukiwania formatu obejmują ustalenie rozmiaru wolnych przestrzeni po lewej i prawej stronie, poniżej grupy obiektów. Pomysł w martwej naturze sugeruje naturę rozwiązania przestrzeni w martwej naturze. Wynika to ze specyfiki systemu kolorów. Charakter rozwiązania przestrzennego jest również powiązany z ilością stosunkowo wolnej przestrzeni od lewej do prawej.

Z reguły w martwej naturze główna grupa obiektów umieszczana jest na drugiej płaszczyźnie przestrzennej, gdzie znajduje się centrum kompozycyjne fabuły. Celem osiągnięcia związku kompozycji grupy obiektów z formatem jest rytmiczne rozwiązanie płaszczyzny obrazu, naprzemienność plam, pauz, równowaga z płaszczyzną obrazu z określeniem semantycznego centrum kompozycyjnego, rozmieszczenie partie wtórne, z poszukiwaniem kontrastów kolorystycznych i tonalnych.

Również efekty rozwiązania kompozycji zarówno w martwej naturze stworzonej na podstawie planu, jak i podczas pracy ze szczególnym rodzajem inscenizacji zależą od konieczności uwzględnienia różnych poziomów widzenia i cech konstrukcji perspektywicznej. Różne poziomy widzenia spektaklu pozwalają artyście dostrzec najlepszą, nieoczekiwaną wersję rozwiązania kompozycyjnego, które niesie ze sobą nowość w estetycznym postrzeganiu znanych obiektów.

Płaszczyznę obrazu można rozwiązać jako kompozycję dekoracyjną, w której konieczne jest zachowanie wrażenia płaszczyzny, a kolor odgrywa główną rolę. W takim przypadku należy zwrócić uwagę na charakter kolorystyki i siłę jej oddziaływania emocjonalnego.

Ważną rolę w tworzeniu holistycznej kompozycji martwej natury odgrywa doprowadzenie kolorystyki w dziele do jedności kolorystycznej, co stanowi najwyższą jakość malarstwa. Kolorystyka kompozycji martwej natury może być w stanie ciepłym lub zimnym.

Kolor jest duszą malarstwa; malarstwo nie istnieje bez koloru. Nie postrzegani przez kolor, nadal w istocie nie znamy tego dzieła. Dlatego każda monochromatyczna reprodukcja obrazu odbiera mu to, co najważniejsze, jeśli chodzi o środki wyrazu. Kolor jest życiem malarstwa. Najważniejszą funkcją koloru w malarstwie jest doprowadzenie do granic zarówno zmysłowej autentyczności obrazu, jak i semantycznej i emocjonalnej wyrazistości dzieła.

Pojęcie koloru jest nierozerwalnie związane z definicją światła. W działalności artystycznej przyjmij wąską definicję światła jako promieniowania energetycznego odbieranego wizualnie. Kolor to część promieniowania świetlnego odbieranego przez nasze oczy bezpośrednio ze źródła lub po odbiciu od powierzchni. Kolor powierzchni zależy od ilości światła, które jest oświetlane oraz od ilości energii świetlnej odbitej od tej powierzchni.

Powierzchnia odbijająca wszystkie promienie światła, rozpraszająca je we wszystkich kierunkach jest biała, powierzchnia pochłaniająca prawie wszystkie promienie jest czarna, powierzchnia odbijająca część energii świetlnej i pochłaniająca stal jest kolorowa.

Kolor ma szereg cech, takich jak odcień, jasność, nasycenie. Kolor może wywoływać także wrażenia pozakolorowe, takie jak świeżość, lekkość, chłód, a nawet aromat.

Znajomość sposobu wykorzystania naukowych i teoretycznych podstaw nauki o kolorze w organizacji obrazu daje malarstwu możliwość naukowego uzasadnienia technik twórczych różnych mistrzów i, w związku z tym, znalezienia sposobów nauczania tych technik.

Jednak sama wiedza nie gwarantuje sukcesu. Tylko pracując praktycznie, mieszając różne kolory, badając ich zachowanie w interakcji, będziemy mogli poznać wszystkie ich właściwości.

Cała różnorodność kolorystyczna dzieła uzależniona jest od zamysłu artysty i ogólnej kolorystyki. Artystka przekształca obserwowane w rzeczywistości bogactwo kolorów w holistyczną harmonię. Ta jedność kolorów obrazu nazywa się kolorem.

Kolorystyka decyduje o pierwszym wrażeniu, jakie wywiera obraz; w zależności od tego widz przechodzący przez galerię zatrzymuje się lub przechodzi obok. Aby na pierwszy rzut oka zrobić świetne wrażenie, należy unikać wszelkich błahych i sztucznych efektów, a w całej pracy powinien dominować spokój i prostota. W dużym stopniu ułatwia to szeroka gama jednolitych i czystych kolorów. Wrażenie wielkości można osiągnąć na dwa przeciwstawne sposoby. Jeden - redukuje kolor do prawie jednego światłocienia. Drugim jest malowanie bardzo wyraźnie, zdecydowanie i intensywnie, ale w obu przypadkach podstawową zasadą pozostaje prostota. Chociaż można przyznać, że wykwintna harmonia kolorów, stopniowe przechodzenie jednych tonów w inne, znaczy dla oka to samo, co wykwintne harmonie w muzyce dla ucha.

Kolorystyka obrazów może być utrzymana w różnych skalach kolorystycznych. W ten sposób wyróżnia się kolor różowawy, kolor utrzymany w barwach błękitu, złota i innych. Kolorystyka oznacza tutaj, że wszystkie kolory dzieła mają podobne odcienie lub ten sam odcień.

Również kolor obrazu można wyrazić kolorami blisko siebie lub kontrastami. O kolorze mówi się także w odniesieniu do różnorodności odcieni kolorystycznych spotykanych przez artystę. Mamy tu do czynienia z terminami „bogactwo kolorystyczne” i „słaba kolorystyka”.

Zatem pojęcie koloru obejmuje wszystkie relacje kolorów obrazu pod względem liczby i różnorodności odcieni, siły i intensywności koloru, harmonijnych kombinacji itp.

Różni malarze używali własnych kolorów do rozwiązywania różnych problemów. Kolorystyka dzieła zależy od intencji obrazu, od tego, jakie uczucia artysta chciał wyrazić.

2.2.Historia pojawienia się martwej natury.

Martwa natura, termin tak dobrze znany na określenie konkretnego gatunku w sztukach wizualnych, pojawiła się w XVIII wieku. Wczesne obrazy przedstawiające pewne obiekty nieożywione nazywano zwykle niemieckim słowem „nieruchoma natura”. Martwa natura jako gatunek malarstwa powstała w Europie na przełomie lat 16-17

wieków, ale jego prehistoria rozpoczęła się znacznie wcześniej. Martwa natura, obok gatunku codziennego, od dawna uważana jest za rodzaj malarstwa wtórnego, w którym nie da się wyrazić wysokich idei społecznych i cnót obywatelskich. Wielcy mistrzowie udowodnili jednak, że rzeczy potrafią charakteryzować zarówno status społeczny, jak i styl życia ich właściciela, dając tym samym początek różnym skojarzeniom i analogiom społecznym.

malarz Pernakos, żyjący w epoce hellenistycznej. Możliwe, że jego obrazy służyły jako modele fresków w Pompejach. Są to jasne i bogate wizerunki kwiatów, owoców, a także naczyń rytualnych, przyborów do pisania i monet.

Najpopularniejszym rodzajem martwej natury jest

obraz artykułów gospodarstwa domowego. Ten rodzaj martwej natury, ściśle związany z rozwojem gatunku codziennego, wnętrza, pejzażu, rozkwitł jasno w sztuce zachodnioeuropejskiej XVII wieku. Każda narodowa szkoła artystyczna rozwiązała ten problem na swój własny, niepowtarzalny sposób. Na przykład holenderska martwa natura z XVII wieku uderza bogactwem tematów. W każdym ośrodku artystycznym kraju malarze woleli własne kompozycje: w Utrechcie – z kwiatów i owoców, w Hadze – z ryb. W Haarlemie pisano skromne „śniadania”, w Amsterdamie – luksusowe „desery”, a na uniwersytecie w Leiden – książki i inne przedmioty do studiowania nauk ścisłych oraz tradycyjne symbole światowej próżności – czaszkę, świecę, klepsydrę.

W martwych naturach z początków XVII wieku przedmioty są aranżowane

w ścisłym porządku, niczym eksponaty w muzealnej gablocie. Na takich obrazach detale mają symboliczne znaczenie: jabłka przypominają Upadek Adama, a winogrona przypominają pojednawczą ofiarę Chrystusa. Skorupa - skorupa,

pozostawione przez istotę, która kiedyś w nim żyła, zwiędłe kwiaty są symbolem śmierci.

Motyl zrodzony z kokonu oznacza zmartwychwstanie. Takie są na przykład obrazy Balthasara van der Asta (1590 - 1656)

Dla artystów kolejnego pokolenia rzeczy nie przypominają już abstrakcyjnych prawd, lecz służą tworzeniu niezależnych

obrazy artystyczne. W ich obrazach znane przedmioty nabierają szczególnego, niezauważanego wcześniej piękna. Rodzaj martwej natury, zwany „śniadaniem”, najdoskonalsze i najpełniejsze cechy uzyskał w twórczości malarzy szkoły haarlemskiej, Pietera Claesa i Willema Hedy. Stali się oni twórcami narodowej martwej natury przedstawiającej nakryte stoły, wyposażone w skromny zespół przedmiotów, charakterystycznych dla rodziny mieszczanina holenderskiego z lat trzydziestych i czterdziestych XVII wieku. Intymność, prostota i powaga tych prac odzwierciedlają życie codzienne, gusta, sympatie i nastroje pierwszego pokolenia holenderskiej mieszczaństwa, które dorastało w wolnym, niepodległym kraju.

Malarz z Haarlemu Pieter Claes (1597 - 1661) subtelnie i umiejętnie podkreśla oryginalność każdego naczynia, szkła, garnka, znajdując dla każdego z nich idealne otoczenie. Martwe natury jego rodaka Willema Claesa Hedy (około 1594 - około 1680) są w malowniczym nieładzie. Najczęściej pisał „przerywane śniadania”. Zmięty obrus, pomieszane naczynia, ledwo dotykane jedzenie – wszystko tutaj przypomina o niedawnej obecności człowieka. Obrazy ożywiają różnorodne plamy światła i wielobarwne cienie na szkle, metalu i płótnie („Śniadanie z Krabem”, 1648)

W drugiej połowie XVII w. miejsce skromnych „śniadań” Klasa i Hedy

zajmą bogatsze i bardziej efektowne „desery” Adriana van Beyerena i Willema Kalfa. Ich płótna przedstawiają okazałe piramidy drogich potraw i egzotycznych owoców. Można tu znaleźć rzeźbione srebro, błękitny fajans, kielichy z muszli morskich, kwiaty, kiście winogron i na wpół obrane owoce. W tych martwych naturach uderza dbałość o cechy charakterystyczne każdego obiektu, umiejętność subtelnego porównywania materiału i faktury, różnorodne kompozycje, wykwintne zestawienia kolorystyczne i mistrzowska umiejętność przekazania każdego obiektu.

Obrazy wyglądają jak ostry kontrast w stosunku do tych małych płócien.

Flamandzcy artyści tego samego czasu. Są to ogromne dekoracyjne martwe natury przedstawiające soczyste i dojrzałe owoce, owoce, zabity drób, głowy dzika i jelenia, tuszki rozbioru mięsa, różnorodne ryby, od gatunków najpospolitszych po rzadkie i egzotyczne. Autorem tych obrazów był Frans Snyders (1579 – 1657), a same płótna stanowią oryginalny i niepowtarzalny rodzaj martwej natury, zwanej „sklepami” („Sklep rybny”, „Sklep z owocami”, „Martwa natura z łabędziem” ). Snyders z miłością i umiejętnością przekazuje kolor, kształt i fakturę przedmiotów, układając dary natury w nieoczekiwanych kombinacjach i przy ostrym oświetleniu, a następnie łączy je w luksusowe dekoracyjne i integralne cykle obrazów.

Doktryna artystyczna klasycyzmu zaliczała martwą naturę do tzw

gatunki podstawowe, jednak było to w XVIII wieku

wspaniałe obrazy J. B. S. Chardina (1699 – 1779). Mistrz znał holenderskie i hiszpańskie tradycje tego gatunku, ale jego podejście do martwej natury było wyjątkowe i oryginalne. Do swoich obrazów wybrał kilka bardzo prostych obiektów („Miedziany zbiornik”, „Rury i dzbanek”), komponując je w ścisłą i przejrzystą kompozycję. Kolory artysty są jasne lub stonowane, na wzór rokoka. Chardin jako pierwszy pomalował samo ciało, materię rzeczy, w ich prawdziwym kolorze, zamiast je malować.

Zainteresowanie martwą naturą znacznie wzrosło w drugiej połowie XIX wieku. Impresjoniści we Francji kładą nacisk na obrazowe postrzeganie świata rzeczy, rozwiązują problemy relacji światła z kolorem i często interpretują martwą naturę jako rodzaj panelu dekoracyjnego.

Postimpresjoniści (P. Cezanne, V. Van Gogh, A. Matisse) w martwych naturach

podkreślić świeżość pierwszego wrażenia, opracować złożone problemy kompozycji i kolorystyki obrazu. Niezwykle kolorowa ekspresja A. Matisse'a widoczna jest w pracach: „Słoneczniki w wazonach” - ciepłe kolory; „Owoce i dzbanek do kawy” - skala zimna; „Niebieski garnek i cytryna” - dominujący kolor. P. Cezanne w swoich martwych naturach znakomicie wykorzystywał właściwości tonów zimnych, aby wejść w głębię, a ciepłych, aby posunąć się do przodu („Owoce”, „Martwa natura z jabłkami”, „Brzoskwinie i gruszki”). Twierdził także, że „wszystko w przyrodzie jest uformowane w kształt kuli, stożka, cylindra…”; Percepcja przestrzenna obiektu zależy od jego koloru.

Od początku XX wieku martwa natura stała się rodzajem twórczości

laboratorium malarskie. Mistrzowie fowizmu podążają drogą wzmożonej identyfikacji emocjonalnych i dekoracyjno-ekspresyjnych możliwości koloru i faktury, przedstawiciele kubizmu (P. Picasso) aprobują nowe sposoby przekazywania przestrzeni i przedmiotów: konstruują bryły na płaszczyźnie, dzielą formy w proste geometryczne bryły, widziane z różnych punktów widzenia, używają ostrych, niemal monochromatycznych tonów, a następnie wprowadzają do obrazów kolaże - różne proszki, kawałki gazet i inne materiały.

W martwej naturze zagranicznej połowy i drugiej połowy XX w.

dzieła włoskiego malarza D. Morandiego, wyróżniające się miękkością

kontemplacyjny nastrój, wyraźne struktury kompozycyjne, wyblakłe kolory. Trendy społeczne znajdują odzwierciedlenie w wyrazistej, oszczędnie wyselekcjonowanej twórczości Meksykanów D. Rivery, D. Siqueirosa i Włocha R. Guttuso.

2.3.Cechy martwych natur artystów rosyjskich.

Pierwsze rosyjskie martwe natury - „blemneys” - dzieła G. Teplova i T. Uljanowa pojawiły się w Rosji w XVIII wieku. „Zwodnicze” martwe natury przedstawiające przedmioty zawieszone na drewnianej ścianie i półkach z książkami wyróżniają się tym, że twórcy starali się doprowadzić iluzję do granic możliwości – widz musiał dać się oszukać i pomylić obraz z życiem. Martwa natura opowiadała o spektrum działań artystów intelektualnych (czytanie, muzykowanie, pasja artystyczna, korespondencja biznesowa) i po prostu o przedmiotach codziennego użytku.

Na początku XIX wieku pojawiła się moda na „martwą naturę botaniczną” - były to martwe natury F. Tołstoja: „Jagody czerwonej i białej porzeczki”, „Bukiet kwiatów, motyla i ptaka”. Pod koniec XIX wieku - na początku XX wieku z gatunku pejzażu wyłoniła się martwa natura. Artyści podziwiają przedmioty nie tyle za ich piękno, ile za zaangażowanie w piękny, pełen powietrza i światła świat. Spod pędzla znanych pejzażystów wyłaniają się m.in. nowe martwe natury; I. Lewitan „Mlecze”; TJ. Grabar „Chryzantemy”, „Wazon z floksami”; K. Korovin „Martwa natura. Róże”, „Liliowy”, „Bukiet nad brzegiem morza”.

Na początku XX wieku rosyjska martwa natura rozkwitła. K. Korovin

i mistrzowie stowarzyszenia „Jack of Diamonds” tworzą major, soczysty

dzieła wychwalające pełnokrwiste piękno bytu. Twórczość Ilji Maszkowa doskonale ukazuje cechy „rosyjskiego cezanneizmu”. Jego martwe natury to fragmenty życia, to najzwyklejsze przedmioty, ale ukazane z najlepszej strony. W martwej naturze „Niebieskie śliwki” artysta starał się oddać soczysty błękit owoców i ich elastyczny kształt. W innych pracach „Moskiewskie jedzenie. Chleb”, mistrz starał się zwrócić uwagę na piękno samych kolorów - grubych i bardzo jasnych.

W sztuce radzieckiej lat 20-30 i późniejszych

Nad martwymi naturami pracowali: P. Konczałowski, A. Kuprin, A. Lentulov, M. Saryan, A. Osternin, A. Gerasimov. Martwe natury, charakterystyczne w stylu, odzwierciedlające zasadnicze cechy epoki nowożytnej, zostały stworzone w latach 40. i 50. przez P. Kuzniecowa i Yu.Pimenowa. W latach 60. i 80. w martwych naturach V. Stozharova, A. Nikicha zaobserwowano tendencję do zwiększonej obiektywności obrazu, chęć estetyzacji świata rzeczy wokół człowieka.

Bardzo oryginalne martwe natury przedstawicieli pop-artu, którzy głosili „powrót do rzeczywistości” po dominacji sztuki abstrakcyjnej. Ich prace reprodukują przedmioty gospodarstwa domowego, opakowania towarów, części maszyn i mają na celu wywołanie różnorodnych skojarzeń w odbiorze.

Martwa natura edukacyjna.

Martwa natura edukacyjna to produkcja obiektów o różnych kolorach, kształtach i strukturach, mająca na celu poprawę percepcji materiału przedmiotów przez młodych artystów. Martwe natury edukacyjne mogą być tematyczne, gatunkowe, jasne i ciemne, mające na celu badanie określonej struktury materiałów. Na przykład ustawienie ich z 7 butelkami o różnych kolorach i gęstościach szkła. Cel: ukazanie różnicy w materiałach. Lub Biały wazon z białym kwiatem na białym tle. Cel: uchwycić różnicę między białymi obiektami itp.

Naukowiec martwa natura.

Gatunek „naukowej” martwej natury, który powstał na Uniwersytecie w Lejdzie, nazywany „marnością marności” lub „memento mori” i jest najbardziej intelektualnym rodzajem martwej natury, wymagającym od widza znajomości Biblii i tradycji symbolika religijna (typowe są obrazy Petera Steenwijka i Davida Bayleya). Często w martwych naturach tego stylu pojawiają się techniki iluzjonistyczne, które tworzą umiejętne złudzenie optyczne. Z kolei fascynacja iluzjonistycznym oddaniem natury doprowadziła do powstania szczególnego rodzaju martwej natury – tzw. „trompe l’oeil”. Takie martwe natury były szczególnie powszechne w połowie XVII wieku i zyskały niesamowitą popularność w kraju i za granicą.

Martwa natura z kwiatami.

Począwszy od lat 40. XVII wieku martwa natura w malarstwie holenderskim upowszechniła się jako odrębny gatunek. Jedną z pierwszych, która się wyróżniała, była martwa natura kwiatowa w dziełach takich artystów jak Ambrosius Bosschaert the Elder i Balthasar van der Ast, a jej rozwój był kontynuowany w luksusowych martwych naturach Jana Davidsa de Heema i jego zwolenników w druga połowa XVII wieku. Przyczyn popularności martwej natury kwiatowej można dopatrywać się w codziennym życiu holenderskiego społeczeństwa – tradycji posiadania ogrodów, wiejskich willi czy roślin domowych – a także sprzyjających warunkach naturalnych dla rozwoju kwiaciarstwa.

Nowoczesna martwa natura.

Głównym zadaniem artysty jest wydobycie we współczesnej martwej naturze piękna, którego w zwykłym życiu nie zauważa się. Bajeczny widok martwej natury na tle gór o zachodzie słońca; takie martwe natury są zwykle malowane nie z życia, ale z wyobraźni artysty.

Twórczość współczesnych artystów należy do epoki postmodernizmu. Ostatnio zaczęto ją określać również mianem „sztuka współczesna”. Dotyczy to dzieł powstałych od początku lat 70. XX wieku do współczesności.

Rok 1970 był punktem zwrotnym w historii sztuk pięknych. Wtedy właśnie pojawiło się określenie „postmodernizm”. Co więcej, od tego momentu ruchy artystyczne stały się bardzo trudne do sklasyfikowania. Wynika to z szeregu narzędzi i innowacji technicznych, które stały się dostępne dla współczesnych artystów. Cechą charakterystyczną sztuki współczesnej jest także jej orientacja społeczna.

Sam termin „sztuka współczesna” został w ostatnich latach utożsamiany w Rosji z pewnymi cechami sztuki awangardowej. Na przykład współcześni rosyjscy portreciści coraz częściej wykorzystują w swoich pracach techniczne możliwości fotografii, Internetu i programów komputerowych, łącząc takie nowoczesne technologie z pewnym wyzwaniem społecznym, niestandardową wizją świata, czasem zagęszczając kolory i wręcz podnosząc na duchu. tak pozornie statyczny gatunek jak portret, głębokie problemy społeczne. Ich twórcze badania można postrzegać jako poszukiwanie alternatyw dla postmodernizmu, które wyraża się w wykorzystaniu nowoczesnych narzędzi i materiałów do zobrazowania rzeczywistości.

W każdej galerii, w każdej prywatnej kolekcji, w każdym wnętrzu znajdują się martwe natury. Symbol komfortu, twórca nastroju, wskaźnik smaku - martwa natura jest dziś chyba jednym z najpopularniejszych gatunków malarstwa. Estetykę rosyjskiej martwej natury charakteryzuje doskonałość technik malarskich, duchowość i żywotność „martwej natury”. Osobisty, pełen szacunku stosunek artysty do banalnych przedmiotów istnienia, umiejętność odkrywania sekretnego znaczenia tego obiektywnego świata, to elementy sztuki malowania martwych natur. Tylko prawdziwy mistrz malarstwa może włożyć swoje najskrytsze myśli w tę burzę kolorów, grę światła i cienia.

W czasach sowieckich martwa natura stała się ideologicznym ujściem dla wielu artystów, którzy nie gloryfikowali reżimu. Jako sposób wyrażania siebie obrazy „martwych natur” artystów są rodzajem kroniki twórczości wyrzutków radzieckiego świata sztuki. Współcześni artyści nie zajmują się walką ideologiczną, ale czystą twórczością.

Martwe natury współczesnych artystów można podzielić na dwie kategorie: te, które bezpośrednio przedstawiają tradycyjne przedmioty (rzeczy, jedzenie, kwiaty) i te, które mają głębokie znaczenie symboliczne. Zainteresowanie tymi ostatnimi podsycane jest głębokimi przesłaniami społecznymi i zakodowanymi w nich ideami.

Współcześni artyści:

Artysta Nikołaj Mazur.

Jego prace zachwycają realizmem, mistrzowskim operowaniem kolorem i precyzją kompozycji.

Malarz Mazur Nikołaj Władimirowicz urodził się w mieście Krasnojarsk. Zawodowo zajmuje się malarstwem od ponad 20 lat. Uczestnik wielu wystaw

Artysta preferuje gatunek martwej natury w stylu realizmu.

Artysta Aleksiej Antonow.

Malarz Aleksiej Antonow urodził się w Rosji w 1957 roku;

Od najmłodszych lat wykazywał się kreatywnością. Już w wieku 3 lat namalował swoje pierwsze obrazy

Posiada unikalną realistyczną technikę malarstwa i szczególną dbałość o szczegóły.

Od 1990 roku mieszka i pracuje na stałe w USA.

Wniosek

Ten gatunek pozwala stworzyć określony nastrój i obraz za pomocą prostych obiektów. W całej swojej historii rozwoju martwa natura zawierała symbolikę, to znaczy pewne przedmioty miały określone znaczenie. Za pomocą tego gatunku artyści przekazują swój stosunek do otaczającego ich świata.

Dlatego zwłaszcza w ostatnich latach, kiedy pojawiła się kwestia kształtowania się samoświadomości narodowej, wiele uwagi zaczęto zwracać na światopogląd narodowo-kulturowy, rozwój estetyczny i zaczęto głębiej i szczegółowo badać sztukę jako czynnik wpływając na rozwój młodego pokolenia naszego kraju.

Martwe natury poświęcone sztuce ludowej ukazują historię naszego kraju, jego tradycje, co pozwala kształtować patriotyzm i tożsamość narodową.

Martwa natura wprowadza nas w wieczność, w kulturę.

Artysta, posługując się różnymi środkami wyrazu w martwej naturze, ukazuje nam swoje uczucia, swój stosunek do tego, co jest przedstawiane.

Martwa natura wyraża stosunek człowieka do otaczającego go świata. Odsłania rozumienie piękna, jakie tkwi w artyście jako człowieku swoich czasów.

Sztuka rzeczy od dawna, zanim stała się samodzielną dziedziną twórczości artystycznej, była integralną częścią każdego znaczącego dzieła. Rola martwej natury w obrazie nigdy nie ograniczała się do prostych informacji, przypadkowego dodatku do głównej treści. W zależności od uwarunkowań historycznych i wymagań społecznych, przedmioty w mniejszym lub większym stopniu uczestniczyły w tworzeniu obrazu, podkreślając ten lub inny aspekt projektu.

W porównaniu do obrazu tematycznego czy pejzażu w twórczej martwej naturze artysta ma większą swobodę w zakresie rozmieszczenia obiektów, które w razie potrzeby może zmieniać miejsce, przesuwać, usuwać, a w efekcie zmienić poziom widzenia scenerii.

Obserwując otaczającą rzeczywistość, artysta zwraca szczególną uwagę na te obiekty, które są atrakcyjne formą, kolorem, czyli treścią estetyczną. Prawo integralności kompozycyjnej opiera się na osobliwościach percepcji wzrokowej.

Ekspresyjność obrazu jest nierozerwalnie związana z manifestacją prawa kontrastów, które z kolei opiera się na prawach ludzkiego wzroku i osobliwościach wizualnego postrzegania rzeczywistości.

Rozwiązanie tonalne martwej natury opiera się zwykle na kontraście ciemnych obiektów na jasnej powierzchni lub odwrotnie, na kontraście jasnych obiektów na ciemnej powierzchni. Sprawdzając relacje między obiektami, należy uzyskać prawidłowe gradacje odcięcia, których osobliwością jest to, że każdy obiekt ma swój własny ton, różniący się od pozostałych. Nie zapominajmy także o kontrastach. Im bliżej źródła światła znajduje się obiekt, tym jaśniejsze są na nim kontrasty światła i cienia.

Dlatego praca z martwą naturą wymaga dobrego gustu artystycznego i estetycznego, znajomości praw kompozycji, kontrastów, tonów i gradacji światła i cienia.

Martwa natura jest wyznaniem artysty. I musi być poetą. Poezja to stan, w którym żyje i żyje stale. Podekscytowanie jest tym, co nieuchronnie objawia się w obrazie, jeśli towarzyszy jego powstaniu. Zimna sztuka umarła. Nie możesz naśladować uczuć, udawać, że ich doświadczasz. Trzeba kochać i martwić się.

Odzwierciedlając piękno naturalnych przedmiotów lub rzeczy stworzonych przez ludzką pracę, martwe natury mogą nas ekscytować nie mniej niż obrazy gatunkowe.

Bibliografia:

Bolotin I.S. Problematyka martwej natury rosyjskiej i radzieckiej. M., 1989.
Vipper B.R. Artykuły o sztuce - M.; 1972.
Vipper B.R. Problem martwej natury. Kazań, 1992.
Historia Powszechna Sztuki - M.; 1972.
Vybornova G. Rola oświetlenia w martwej naturze. - Artysta; 6. 1984.
Gerchuk Yu.Ya. Istoty żywe - artysta radziecki; - M.; 1977.
Gusareva A.P., Konstantin Korovin – artysta radziecki;
Kantor A.M. Temat i medium w malarstwie - artysta radziecki.
7. Kuzniecow Yu Martwa natura z Europy Zachodniej - artysta radziecki.
Neklyudova M.G. Tradycje i innowacje w sztuce rosyjskiej końca
XIX - początek XX wieku - Sztuka; - M.; 1991. Yu Rakova M.M. Martwa natura rosyjska końca XIX - XX wieku - Sztuka;
10. Puchkov A.S., Triselev A.V. Metodologia pracy z martwą naturą - Oświecenie, 1982.
Rakova M.M. Rosyjska martwa natura z przełomu XIX i XX wieku. M., 1970
12. Shitov L.A., Larionov V.N. Malarstwo - M.; - Oświecenie.

Martwa natura to jeden z gatunków sztuk pięknych, poświęcony reprodukcji artykułów gospodarstwa domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę jest oddanie kolorystycznego piękna otaczających człowieka przedmiotów, ich wolumetrycznej i materialnej istoty, a także wyrażenie jego stosunku do przedstawianych obiektów. Rysowanie martwej natury jest szczególnie przydatne w praktyce edukacyjnej w zakresie doskonalenia umiejętności malarskich, ponieważ początkujący artysta rozumie w nim prawa harmonii kolorów i nabywa techniczne mistrzostwo w obrazowym modelowaniu formy. Jako niezależny gatunek w sztuce, martwa natura pojawiła się na przełomie z XVI – XVII wieku. w Holandii i Flandrii i od tego czasu jest używany przez wielu artystów do przekazywania bezpośredniego związku sztuki z życiem i codziennym życiem ludzi. To czas artystów, którzy sławili się w gatunku martwej natury, P. Klasa, V. Khedy, A. Beyerena i V. Kalfa, Snydersa i innych.

Martwa natura to ulubiony gatunek w sztuce wielu współczesnych artystów. Malowane są martwe natury w plenerze, we wnętrzach, proste i złożone scenerie, tradycyjne i bardzo nowocześnie zaaranżowane zbiory przedmiotów z życia codziennego.

W malarstwie martwej natury artyści starają się ukazać świat rzeczy, piękno ich form, kolorów, proporcji, a także uchwycić swój stosunek do tych rzeczy. Jednocześnie martwe natury odzwierciedlają osobę, jej zainteresowania, poziom kulturowy i samo życie.

Rysowanie martwej natury wymaga umiejętności przedstawienia kształtu różnych obiektów za pomocą światłocienia, perspektywy i praw koloru.

Najważniejszą rzeczą przy rysowaniu martwej natury jest wybór obiektów, w których najlepiej wyrażona jest jej ogólna treść i temat.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

- fabuła;
- edukacyjny;
- edukacyjne i twórcze;
- kreatywny.

Wyróżnia się martwe natury:

- według koloru (ciepły, zimny);
- według koloru (bliski, kontrastowy);
- poprzez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło);
- według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w pejzażu);
– według czasu wykonania (krótkoterminowe – „policzkowe” i długoterminowe – wielogodzinne);
- zgodnie ze sformułowaniem zadania edukacyjnego (realistyczne, dekoracyjne itp.).

Martwa natura w pejzażu (w plenerze) może być dwojakiego rodzaju: jedna - komponowana zgodnie z wybranym tematem, druga - naturalna, „przypadkowa”. Może być niezależny lub stanowić integralną część malarstwa gatunkowego lub pejzażu. Często sama scena krajobrazowa lub rodzajowa stanowi jedynie uzupełnienie martwej natury.

Martwa natura we wnętrzu polega na rozmieszczeniu obiektów otoczonych dużą przestrzenią, gdzie przedmioty martwej natury są podporządkowane fabule wnętrzu.

Martwa natura tematyczna zakłada ujednolicenie obiektów według tematu, fabuły. Tematyczna martwa natura to złożone dzieło sztuki, za pomocą którego można opowiedzieć o hobby, poglądach i światopoglądzie właściciela przedmiotów.

Martwa natura edukacyjna. W nim, podobnie jak w fabule, należy koordynować obiekty pod względem wielkości, tonu, koloru i faktury, ujawniać cechy konstrukcyjne obiektów, badać proporcje i identyfikować wzorce plastyczności różnych form /5, s. 57/. Martwa natura edukacyjna nazywana jest również akademicką lub, jak wspomniano powyżej, inscenizowaną. Martwa natura edukacyjna różni się od martwej natury twórczej ściśle określonym celem: przekazaniem uczniom podstaw umiejętności wizualnych, pomoc w aktywowaniu ich zdolności poznawczych i zaangażowaniu ich w niezależną pracę twórczą.

W martwej naturze dekoracyjnej głównym zadaniem jest rozpoznanie walorów dekoracyjnych natury, wywołanie ogólnego wrażenia elegancji.„Martwa natura dekoracyjna nie jest dokładnym przedstawieniem natury, ale refleksją nad daną naturą: jest to selekcja i uchwycenie tego, co najbardziej charakterystyczne, odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie struktury martwej natury konkretnemu zadaniu artysty.” .

Główną zasadą rozwiązywania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na małej głębokości. Zadaniem edukacyjnym stojącym przed studentem w procesie pracy nad martwą naturą dekoracyjną jest „identyfikacja charakterystycznej, najbardziej wyrazistej jakości i uwydatnienie jej w zdobniczym przetwarzaniu; w zdobniczym rozwiązaniu martwej natury należy starać się dostrzec charakterystyczne cechy w nim i opieraj się na tym przetwarzaniu.”

Dekoracyjna martwa natura pozwala przyszłym projektantom otoczenia architektonicznego wykształcić w sobie poczucie harmonii kolorów, rytmu, ilościowej i jakościowej proporcjonalności płaszczyzn barwnych w zależności od ich intensywności, lekkości i faktury oraz ogólnie aktywizuje siły twórcze uczniów.

Program zajęć obejmuje naukę podstaw umiejętności malarskich na przykładzie martwych natur i przedstawianie ich metodami malarskimi w różnych materiałach.

1. Rodzaje martwych natur

Martwa natura(francuski natura morte dosł. martwa natura) - w sztukach plastycznych - obraz obiektów nieożywionych, w przeciwieństwie do portretów, tematów historycznych i pejzażowych.

Martwa natura pojawiła się jako samodzielny gatunek w sztuce na przełomie XVI i XVII wieku. w Holandii i Flandrii i od tego czasu jest używany przez wielu artystów do przekazywania bezpośredniego związku sztuki z życiem i codziennym życiem ludzi. To czas artystów, którzy sławili się w gatunku martwej natury, P. Klasa, V. Khedy, A. Beyerena i V. Kalfa, Snydersa i innych.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur:

– fabularnie;

- edukacyjny;

– edukacyjne i twórcze;

– kreatywny.

Wyróżnia się martwe natury:

– według koloru (ciepły, zimny);

– według koloru (bliski, kontrastowy);

– poprzez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, boczne, pod światło);

– według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w pejzażu);

- do czasu wykonania (krótkoterminowe - "plamy" i długotrwałe - wielogodzinne występy);

– zgodnie ze sformułowaniem zadania edukacyjnego (realistyczne, dekoracyjne itp.).

Martwa natura w pejzażu (w plenerze) może być dwojakiego rodzaju: jeden - skompilowany zgodnie z wybranym tematem, drugi - naturalny, „losowy”. Może być niezależny lub stanowić integralną część malarstwa gatunkowego lub pejzażu. Często sama scena krajobrazowa lub rodzajowa stanowi jedynie uzupełnienie martwej natury.

Martwa natura we wnętrzu polega na rozmieszczeniu obiektów otoczonych dużą przestrzenią, gdzie martwe natury są podporządkowane działce wnętrzu.

Fabuła martwa natura oznacza ujednolicenie obiektów według tematu, fabuły.

Martwa natura edukacyjna. W nim, podobnie jak w fabule, konieczne jest koordynowanie obiektów pod względem wielkości, tonu, koloru i faktury, ujawnianie cech konstrukcyjnych obiektów, badanie proporcji i identyfikacja wzorców plastyczności różnych form. Martwa natura edukacyjna jest również nazywana akademicki lub, jak stwierdzono powyżej, wystawiany na scenie. Martwa natura edukacyjna różni się od martwej natury twórczej ściśle określonym celem: przekazaniem uczniom podstaw umiejętności wizualnych, pomoc w aktywowaniu ich zdolności poznawczych i zaangażowaniu ich w niezależną pracę twórczą.

W dekoracyjna martwa natura głównym zadaniem jest rozpoznanie walorów dekoracyjnych natury, wywołanie ogólnego wrażenia elegancji.Martwa natura dekoracyjna nie jest wiernym przedstawieniem natury, ale refleksją nad daną naturą: jest to wybór i uchwycenie tego, co najbardziej charakterystyczne, najbardziej odrzucenie wszystkiego, co przypadkowe, podporządkowanie struktury martwej natury konkretnemu zadaniu artysty.

Główną zasadą rozwiązywania dekoracyjnej martwej natury jest przekształcenie przestrzennej głębi obrazu w warunkową płaską przestrzeń. Jednocześnie możliwe jest użycie kilku planów, które muszą znajdować się na małej głębokości. Zadaniem edukacyjnym stojącym przed studentem w procesie pracy nad martwą naturą dekoracyjną jest „identyfikacja charakterystycznej, najbardziej wyrazistej jakości i wzmocnienie jej w zdobniczym przetwarzaniu; w zdobniczym rozwiązaniu martwej natury należy starać się dostrzec charakterystyczne cechy w nim i na tym zbuduj przetwarzanie.

1. Zasady rysowania martwej natury

Rysowanie martwej natury musi zaczynać się od pomysłu. Poprzez analizę porównawczą dochodzą do określenia najbardziej charakterystycznych cech formy oraz uogólniają obserwacje i wrażenia. Trzeba pamiętać, że każdy nowy przedmiot w produkcji jest „nową miarą wszystkiego, co się w nim zawiera, a jego wygląd jest jak rewolucja: przedmioty zmieniają się i zmieniają swoje relacje, jakby wpadając w inny wymiar”.

Ważne jest także właściwe obranie określonego punktu widzenia, zgodnie z określonym zadaniem edukacyjnym, tj. linia horyzontu (skrócenie perspektywiczne). Kolejnym etapem rysowania martwej natury jest rozmieszczenie obiektów w przestrzeni płaszczyzny przedmiotu, z uwzględnieniem idei grupowania w kompozycji.

Jeden z obiektów powinien stać się kompozycyjnym centrum produkcji i wyróżniać się wielkością i tonacją. Powinien być umieszczony bliżej środka oprawy, a dla nadania dynamizmu oprawie (ruch plamek) można go przesuwać w prawo lub w lewo.

Rozwiązując przestrzennie martwą naturę, mały obiekt różniący się fakturą i kolorem od innych obiektów można umieścić na pierwszym planie jako akcent. Aby dopełnić kompozycję, a także połączyć wszystkie obiekty w jedną całość, do produkcji dodaje się draperie, podkreślając w ten sposób także różnicę pomiędzy bryłami obiektów a miękką, płynącą fakturą tkaniny. Tkanina może być gładka i wzorzysta lub wzorzysta, ale nie powinna odwracać uwagi od innych, zwłaszcza głównych elementów. Często jest umieszczony ukośnie, aby skierować wzrok widza od widza i skierować go w stronę centrum kompozycyjnego, aby uzyskać lepsze rozwiązanie przestrzenne.

Oświetlenie – sztuczne lub naturalne – odgrywa ważną rolę w kompozycji martwej natury. Światło może być boczne, kierunkowe lub rozproszone (z okna lub przy oświetleniu ogólnym). Podczas oświetlania martwej natury z okna (jeśli obiekty są umieszczone na parapecie), na świetle pojawi się sylwetka ciemności, a część kolorów zniknie, jeśli martwa natura zostanie pomalowana na kolor. Różnica tonalna pomiędzy obiektami jest bardziej zauważalna w świetle rozproszonym.

Rozpoczynając pracę nad obrazem, należy zwrócić uwagę na następujące podstawowe wymagania.

1) Oświetlenie jest równomierne, rozproszone, pada z lewej strony, tak aby cień dłoni nie przechodził przez prześcieradło. Niedopuszczalne jest oświetlanie kartki papieru światłem słonecznym.

2) Arkusz należy umieścić nie bliżej niż na długość ramienia. Podczas pracy wskazane jest odejście od szkicu lub pozostawienie go do zbadania z daleka. Ta technika pozwala wyraźniej zobaczyć swoje błędy lub sukcesy.

3) Przedmiot obrazu (model) powinien znajdować się nieco na lewo od miejsca pracy ucznia, w takiej odległości, z której będzie można go oglądać jako całość. Im jest większy, tym większa jest odległość między nim a obrazem.

4) Długotrwałe badania inscenizacji przeprowadza się na papierze rozciągniętym na tablecie.

Pracę rozpoczynamy od kompozycyjnego umieszczenia obrazu na kartce papieru. Najpierw uczeń musi obejrzeć martwą naturę ze wszystkich stron i określić, z którego punktu widzenia korzystniejsze (efektywniejsze) jest umieszczenie obrazu na płaszczyźnie. Przed przystąpieniem do malowania student musi zapoznać się z przyrodą, zwrócić uwagę na jej charakterystyczne cechy i zrozumieć ogólną kolorystykę przedstawienia.

Badanie natury rozpoczyna się od bezpośredniej obserwacji. Uczeń najpierw zapoznaje się z przyrodą wizualnie, a następnie jego uwaga przenosi się na jej proporcje, charakter formy, ruch, oświetlenie, kolor i ton. Taka wstępna obserwacja przyrody jest krokiem do szczegółowej analizy obiektu.

Obraz zaczyna się od lekkiego rysunku ołówkiem. Należy unikać przedwczesnego ładowania arkusza niepotrzebnymi plamami i liniami. Formularz jest narysowany bardzo ogólnie i schematycznie. Ujawnia się zasadniczy charakter dużej formy.

Zadaniem ucznia jest nauczenie się oddzielania tego, co ważne, od tego, co wtórne. Aby szczegóły nie odwracały uwagi początkującego od głównego bohatera formy, zaleca się zmrużenie oczu, aby forma wyglądała jak sylwetka, jak ogólny punkt, a detale zniknęły.

Przy pracy nad martwą naturą odpowiednie są zarówno techniki „a la prima”, jak i wielowarstwowe (2-4) malowanie szkliwem.

Po zarejestrowaniu wszystkich szczegółów i dokładnym wymodelowaniu obrazu pod względem tonacji i koloru rozpoczyna się proces uogólniania.

Na ostatnim i najważniejszym etapie pracy nad produkcją student podsumowuje wykonaną pracę: sprawdza ogólny stan obrazu, podporządkowuje detale całości, uogólnia kolorystykę. Na ostatnim etapie pracy pożądany jest powrót do świeżego, oryginalnego postrzegania.

Zadaniem nie jest ślepe kopiowanie, ale potrzeba twórczego podejścia do przedstawiania natury.

„Obraz obiektywnego świata. Ekspresyjne możliwości martwej natury.”

Głównym zadaniem sztuki i malarstwa jest obudzić w człowieku piękno, zmusić go do myślenia i odczuwania. Zadaniem artysty jest przyciągnięcie uwagi widza, dostrzeżenie niezwykłej esencji w zwykłych przedmiotach. Martwa natura wprowadza nas w świat otaczający artystę. Daje możliwość spojrzenia wstecz na kilka wieków i przeżycia wraz z mistrzem jego szczególnie ulubionych motywów. W martwej naturze artysta przy pomocy ograniczonych środków stara się oddać otaczające go wielokolorowe przedmioty i stara się oddać swój nastrój. Martwa natura, obok gatunku codziennego, od dawna uważana jest za formę wtórną. Rzeczywiście wiele z tego, co jest charakterystyczne dla dzieł gatunków historycznych, bitewnych i innych, jest niedostępnych dla martwej natury. Jednak wielcy mistrzowie udowodnili, że rzeczy mogą charakteryzować zarówno status społeczny, jak i styl życia ich właściciela.

Sztuka martwej natury ma swoją historię, swoje tradycje. Jak gatunek powstał w Holandii. Artyści ukazali rzeczy najzwyklejsze, ale było pięknie i poetycko. Najbardziej rozpowszechniona i popularna martwa natura pojawiła się w sztuce holenderskiej na przełomie XVI i XVII wieku.

„Martwa natura” to francuskie słowo dosłownie tłumaczone jako „martwa natura”. W języku niderlandzkim określenie tego gatunku brzmi jak Stilleven, tj. „Spokojne życie” A więc MARTWA NATURA: gatunek sztuki przedstawiający przedmioty nieożywione umieszczone w rzeczywistym środowisku życia codziennego i zorganizowane w określoną grupę;

W sztuce rosyjskiej martwa natura pojawiła się w XVII wieku wraz z ustanowieniem malarstwa świeckiego, odzwierciedlając patos edukacyjny epoki oraz chęć wiernego i dokładnego przekazania obiektywnego świata.

Martwa natura to jeden z najbardziej znanych gatunków sztuk pięknych. Posiada wiele cech użytkowych: służy jako produkcja edukacyjna, podstawowy etap studiowania przyrody w okresie praktyk zawodowych, może też stać się samodzielnym obrazem, na swój sposób odsłaniającym odwieczny temat sztuki – temat ludzkiej egzystencji. Martwa natura jest bardzo popularna wśród wielu profesjonalnych malarzy. Jest ona uwzględniana jako ważny element w kształceniu przyszłego artysty. Tutaj doskonalona jest umiejętność płynnego łączenia kilku obiektów i zrozumienia różnicy w ich jakościach. Lepiej zacząć opanowywać rysunek od martwej natury. Możesz go rysować tak długo, jak chcesz, uważnie go obserwując z różnych punktów, bez obawy, że znudzi mu się stanie i wyjdzie lub zmieni pozycję.

Więc: Z jednej strony narysowanie martwej natury jest dość łatwe– zawsze możesz znaleźć kilka obiektów i stworzyć z nich kompozycję; z innym– Rysowanie obiektów może wydawać się uczniom monotonne i nudne.

Jak sprawić, aby praca była przyjemniejsza i ciekawsza, ale jednocześnie edukacyjna.

Celem tej pracy jest:

Pokazuj piękno otaczającego świata poprzez martwą naturę, urozmaicając pracę nad nią, stosując różne metody i techniki

Cele pracy:

Usystematyzowanie wiedzy uczniów na temat martwej natury jako gatunku w sztuce

Opanuj różne metody i style pracy nad martwą naturą

Rozbudzanie zainteresowań kulturą i sztuką świata

Wyświetlaj cechy i cechy otaczającej rzeczywistości poprzez martwą naturę

przekazując swój stosunek do otaczającego Cię świata.

Cele pracy metodycznej wyznacza cel.

Proces rysowania jest złożonym zespołem czynności umysłowych i praktycznych. Wizualne postrzeganie natury z reguły jest całościowe. Podczas rysowania martwej natury liczba etapów zależy od złożoności scenerii martwej natury. Pracę rozpoczynamy od znalezienia schematu kompozycji. Wybór przedmiotów odbywa się zgodnie z określonym tematem. Aby praca nad martwą naturą była naprawdę ciekawa i użyteczna, martwa natura musi być dobrze skomponowana i poprawna. I to jest początek kreatywności i nie tak prosty, jak mogłoby się wydawać. Tu już widać smak i zacięcie kompozycyjne.

Istnieją zasady inscenizacji martwej natury

Zestaw przedmiotów nie może być przypadkowy, musi je łączyć konkretny temat.

Jeśli umieścisz obiekty daleko od siebie, w kompozycję może wejść pustka, jeśli przybliżysz je, martwa natura okaże się nieporęczna.

Identyczne obiekty umieszczone wzdłuż tej samej linii stworzą wrażenie monotonii.

Martwa natura powinna mieć centrum kompozycyjne - obiekt jest albo największy, albo najjaśniejszy, albo najbardziej wyrazisty.

W martwej naturze tło odgrywa znaczącą rolę. W końcu obiekty bez wsparcia w tle nie będą miały swojej wyrazistości.

Tak jak człowiek uczy się czytać i pisać od samego początku, tak w sztukach wizualnych nie można od razu umieć poprawnie rysować. Niewątpliwie istnieją utalentowane dzieci, które czują i potrafią przekazać poprawność tego, co widzą. Ale nawet oni powinni znać zasady i prawa rysowania. Na lekcjach plastyki dzieci otrzymują niezbędną wiedzę z zakresu umiejętności artystycznych. Studiują zasady, uczą się krok po kroku budować rysunek i analizują pracę. Podobnie jak w innych działach, w temacie „martwa natura” znajduje się wiele wzorów i niezbędnych zasad rysowania.

Ważne jest, aby na początkowym etapie pracy zwrócić uwagę na takie pojęcia jak

perspektywiczny– system wyświetlania głębi przestrzeni na płaszczyźnie.

Perspektywa koła, kwadratu, środkowa (jeden punkt zbiegu) i kątowa (dwa).

Światłocień– metoda przekazywania objętości za pomocą cieni i światła.

Światło, cień (incydentalny i własny), półcień, światło, odruch.

Proporcje- stosunek części do siebie lub do całości. Metoda celowania, oś symetrii.

Istnieje kilka rodzajów martwych natur: 1. fabularny; 2 szkolenie; 3. edukacyjne i twórcze; 4. twórczy.

Wyróżnia się martwe natury: według koloru (ciepły, zimny); według koloru (bliski, kontrastujący); poprzez oświetlenie (oświetlenie bezpośrednie, oświetlenie boczne, pod światło); według lokalizacji (martwa natura we wnętrzu, w pejzażu); według czasu występu (krótkoterminowe – „policzkowe” i długoterminowe – wielogodzinne występy); poprzez ustawienie zadania edukacyjnego (realistycznego, dekoracyjnego itp.).

Martwa natura jest wykonywana w malarstwie, grafice, występuje także w rzeźbie.Już w starożytności używano kamiennych płaskorzeźb z owoców, liści i innych elementów dekoracyjnych.

Aby dziecko miało możliwość skupienia się na najważniejszej rzeczy, w pierwszych produkcjach nie należy uwzględniać obiektów z dużą liczbą drobnych szczegółów: tło powinno być proste.

Dzieci już w szóstej klasie znają wiele pojęć, ale na tym etapie są one rozpatrywane w kontekście konkretnego tematu - tematu martwej natury. Należy pokazać uczniom, jak ważna jest wiedza i zrozumienie wszystkich tych pojęć, aby uświadomili sobie, że bez nich nie ma prawidłowego rysunku, który zachwyci widza.

Przestudiowanie wszystkich tych zasad i praw rysowania można uznać za prace przygotowawcze. Obejmuje to również studiowanie historii martwej natury. To ważne – dziecko musi poznać i zrozumieć całą integralność tego gatunku. Po przestudiowaniu zasad i praw oraz zrozumieniu określonego znaczenia pracy uczniowie powinni spróbować swoich sił w przedstawianiu przedmiotów. Dzieci doskonalą swoje umiejętności na poszczególnych przedmiotach gospodarstwa domowego, stosując poznane zasady w praktyce. Konieczne jest osiągnięcie automatyzacji w pracy krok po kroku. Dzieci muszą wiedzieć, od czego zacząć rysowanie.

Martwa natura to przede wszystkim przedmioty uporządkowane tematycznie, połączone treścią semantyczną i niosące ze sobą określoną ideę. Na podstawie rysunku poszczególnych obiektów uczeń uczy się prawidłowego oddania kształtu przedmiotu, zachowania perspektywy i proporcji, a później wszystkie umiejętności przydadzą się w rysowaniu martwej natury.

Następnie następuje poszukiwanie schematu kompozycji. Faceci nie zawsze rozumieją, jak poprawnie stworzyć kompozycję. Aby ich tego nauczyć, same słowa nie wystarczą. To wymaga praktyki. Stosujemy różne techniki i rodzaje pracy.

Zobaczmy, w jaką figurę geometryczną zmieści się produkcja. Rozważamy kilka ustawień wpisanych na jedną figurę i jedno stwierdzenie przestawiania obiektów wpisanych na różne figury

Korzystamy z technologii komputerowej. Rysowanie zajmuje dużo czasu, można skorzystać z operacji „Wstaw kształty”. Dzieci lubią tworzyć obrazy, a przy okazji doskonalą swoje umiejętności obsługi komputera.

Konstruktor magnetyczny: nauczyciel z góry wykonuje płaskie półfabrykaty za pomocą magnesów. Dzieci ćwiczą rysowanie martwych natur, umieszczając na tablicy figurki magnetyczne.

Jedną z metod pracy jest fotografia. Uczniowie chętnie robią zdjęcia. Wcześniej z zaproponowanych elementów tworzona jest kompozycja. Następnie fotografowanie, przesyłanie do komputera, oglądanie, analiza. Porównując i dyskutując, łatwo jest znaleźć odpowiednie rozwiązanie kompozycyjne. Prace postępują szybciej niż planowano (w klasie IX nauka o fotografii jest realizowana). Technika ta nie tylko urozmaica pracę, ale także zostaje zapamiętana przez dzieci i pozwala im dostrzec zalety i wady proponowanych produkcji. Jeśli zapiszesz obrazy, możesz je przeglądać wielokrotnie.

Studenci chętnie pracują nad martwą naturą. Każdy ma swój własny styl, prace mogą nie być do siebie podobne, tym ciekawsza i pouczająca jest ta praca. Zwykle organizujemy wystawy prac studentów z różnych lat.

Dla urozmaicenia pracy nad martwą naturą sugeruję zastosowanie technik, które zainteresują dzieci.

Tworzenie martwej natury techniką aplikacji. Dzieci uczą się układać przedmioty na całej płaszczyźnie kartki tak, aby było wyraziście i ciekawie. Musisz wymyślić, jak umieścić obiekty na arkuszu, wziąć kolorowy papier, nożyczki i klej. Wybierz piękny kolor papieru i określ, jakie będzie tło. Wycinamy kilka kolorowych sylwetek prostych artykułów gospodarstwa domowego (dzbanek lub wazon, kubek, miska lub talerz, okrągłe naczynie czy deska kuchenna), a także sylwetki kilku owoców. A potem zrób z nich martwą naturę.

Nie mniej interesujący jest rodzaj prac kolażowych. Obrazy obiektów są ułożone z kawałków kolorowego papieru o różnych kolorach. Tworząc obrazy, uczniowie nie tylko obserwują kształty obiektów, ale starają się dobrać odpowiednią tonację oraz pokazać światło i cień. Sama praca jest ekscytująca i niezwykła.

Technika „Still Life Storyteller” pomaga wprowadzić dzieci w historię gatunku. Nauczyciel przynosi przedmioty do produkcji i zaprasza uczniów do skomponowania kompozycji. Dzieci biorą przedmiot, ale zanim go odłożą, zapoznają się z informacjami historycznymi związanymi z gatunkiem martwej natury.

Obraz dekoracyjnej martwej natury rozwiązuje kilka problemów. Dzieci tworzą dwie pozornie identyczne martwe natury, ale jednocześnie inaczej je ozdabiają. Uczą się być projektantami. Silni uczniowie mogą wykonać dwa rysunki, słabi uczniowie mogą wykonać co najmniej jeden. W dodatku jest to po prostu ciekawe dla dzieci, bo... nie trzyma ich w pewnych granicach, ale pozwala fantazjować.

Staramy się uczyć dziecko nie tylko rysowania, ważne jest, aby umiało widzieć i słyszeć otaczający go świat, było niezwykle uważne i potrafiło dostrzec niezwykłość w zwykłych rzeczach. A co najważniejsze, dziecko musi umieć to sobie wyobrazić i przenieść na kartkę papieru. Pomocne jest ćwiczenie w postaci dyktanda artystycznego, podczas którego uczniowie słuchają opisu obrazka, zapisują słowa kluczowe, a następnie rysują zgodnie z pomysłem. Wszyscy chłopaki mają swój własny wizerunek, ale łączy go jedna fabuła. Ćwiczenie to śledzi powiązania interdyscyplinarne, rozwój wyobraźni i postrzegania świata z własnego punktu widzenia.

Quizy, ankiety i testy odgrywają ważną rolę w nauczaniu sztuki martwej natury. Możliwe są różne opcje, wykorzystując technologię komputerową. Jest komunikacja na żywo, dyskusja nad odpowiedziami, poszukiwanie odpowiedniego rozwiązania. Same dzieci uwielbiają wymyślać różne zadania, robić prezentacje i układać quizy.

Praca nad martwą naturą powinna być systematyczna. Powodzenie pracy zależy od szeregu warunków, które generalnie tworzą ten system. Oczywiście dzieci powinny chcieć rysować, znać zasady i prawa oraz wykonywać ćwiczenia szkoleniowe. Korzystanie z różnych rodzajów pracy pozwala urozmaicić rysunek martwej natury. Oczywiście konieczna jest pomoc nauczyciela i stały monitoring.

Podsumowując, należy zauważyć, że praca nad martwą naturą była i pozostaje jednym z najważniejszych etapów nauczania uczniów rysowania. Nie powinno to być denerwujące i nudne, dlatego w moim rozwoju starałem się pokazać, jak to urozmaicić, uczynić ciekawszym i ekscytującym. Dzieciom bardzo podobają się tego typu prace i ćwiczenia, lekcja okazuje się bogata, ale nie monotonna. Oczywiście wiele uwagi poświęca się zasadom inscenizacji i wykonywania martwej natury, rozwiązaniom kompozycyjnym i zasadom perspektywy, a także kolejności prac. Ale taka różnorodność prac i stylów nie koliduje z realistyczną martwą naturą, a wręcz przeciwnie, pomaga wszystkim uczniom, nawet bardzo słabym, w prawidłowym wykonywaniu swojej pracy.