Główną religią jest protestantyzm. Holendrzy zaczęli tworzyć portret Holandii. Są to portrety ich wojennych zwycięzców, pojawiły się pejzaże, martwe natury, gatunki czy malarstwa codziennego. Są to obrazy z czarno-białą kompozycją epoki baroku. Po raz pierwszy pojawia się tu specjalizacja artystów. Pojawili się tylko mistrzowie martwej natury lub pejzażu. 12 rodzajów krajobrazu: miejski, morski, wydmowy, wodospadowy, leśny. Na samym początku sztuki holenderskiej głównym kierunkiem staje się portret. W pierwszej połowie XVII wieku największym portrecistą Holandii był Frans Hals.
Praca Fransa Halsa.
Urodzony w 1574 w Antwarpan. Następnie jego rodzina przenosi się do Haarlemu. Tam studiował u artysty Van Mandera. Van Mander stworzył biografie głównych artystów niderlandzkich. Frans Hals zdołał dokonać w portrecie całej rewolucji. Hals wnosi dynamikę do portretów. "Uczta Oficerów Kompanii Św. Jerzego" - pierwsza praca, która przyniosła mu popularność. Hals przedstawia oficerów podczas biesiady, każdy oficer jest przedstawiony w swojej turze. Obraz jest aktywną przekątną. Wszystko zbudowane jest na zasadzie asymetrii. Jest aktywny w kolorze.
Hals maluje swoje portrety bardzo szybko, używając otwartego, dynamicznego pociągnięcia pędzla. "Cygański". Nazwa jest bardzo warunkowa. " Mali Baba»- otwórz mocno porzucony rozmaz. W tej chwili w prawie wszystkich pracach Halsa wszyscy jego bohaterowie się uśmiechają. „Uśmiechnięty kawaler”
Szczególnie aktywna jest dynamika portretu. William van Geith Geisen. Nie zachował się ani jeden rysunek Halsa. Najprawdopodobniej malował swoje portrety bez rysunku i malował bardzo szybko.
Hals namalował Van Dycka w dwie godziny. Van Dyck zaprosił go, by pojechał z nim do Anglii.
Towarzysz dobrodziejstwa. Napisany w ten sam szybki i dynamiczny sposób, w jaki lubił pisać Hals.
Hals malował też poważne portrety: „Portret Petera Van Den Broke’a”, portret na zamówienie, tak szczegółowo pisze Hals, bardzo powściągliwy i zwięzły portret René Kartezjusza. Portret rodzinny, pejzaż namalował dla niego Peter Moleyn. Portret kobiety - bardzo wyrazisty portret Halsa. Portret Izaak Masa i jego żona - portret swojego przyjaciela.
W wieku 30 lat namalował obraz portret oficerów kompanii św. Andriana. Każda figurka ma swoją kolejkę i własny ruch. W latach 40. malarstwo Halsa zmienia się dramatycznie. W tym czasie w modzie stał się portret Van Dycka. Portrety 40-50 lat - portrety z przewagą czerni. Z nich portret regenta domu opieki. W tym portrecie jest 27 odcieni czerni. Jedna z ostatnich prac Halsa - Administratorzy domu opieki. Powstaje obraz starości. Rozkład ciała przedstawia portret. Zupełnie inaczej maluje portret Regenci Szpitala św. Elżbiety. Portret wyraźnie pokazuje wybór trójkąta postaci, każda twarz jest wyraźnie widoczna. W ciągu swojego życia Hals stworzył ponad 200 obrazów. W Haarlemie znajduje się muzeum. Tam gromadzi się prawie cała ich praca.
Dzieło Rembrandta van Rijna.
To jeden z wielkich artystów XVII wieku. Urodzony w 1606 roku w rodzinie młynarza w mieście Leiden. Chłopiec był pierwotnie bardzo uzdolniony. Rembrandt przez pewien czas studiuje na uniwersytecie. Miał 14 lat, kiedy poczuł powołanie do malarstwa i opuścił uczelnię. Wynajmuje stodołę nad brzegiem rzeki i w wieku 16 lat zakłada własną szkołę. Artyści tacy jak Doe uczą się w jego szkole. Pierwsze prace, które napisali - Wygnanie, kupcy ze świątyni. W swoich pierwszych utworach mówi o przynależności do baroku. Praca ma kompozycję diagonalną, kompozycję światła-cienia. W Lejdzie namalowano jego autoportret. Niezwykła praca nad teksturą. W tym czasie przybywa holenderski minister i kupuje kilka dzieł Rembrandta. Rembrandt opuszcza Leidan i wyjeżdża do Amsterdamu, gdzie wchodzi do pracowni artysty Lastmana. W pracach pojawia się nierealne światło. Jest to szczególnie widoczne na zdjęciu Niewiara Tomasza . W Amsterdamie otrzymuje pierwsze zlecenie na portret zbiorowy. – Anatomia dr. Tulipana . Tutaj namalował obraz Ofiara Abrahama. Prorok Jeremiasz w ruinach Jerozolimy. Na obrazie głowa świętego promieniuje światłem. Jego sukces w malarstwie doprowadził go do małżeństwa z Sasky Van Elenburg. Rembrandt kupuje pałac w Amsterdamie. Autoportret z Sasuke na kolanach. Sasaki z kwiatkiem. W tym samym roku, w którym Sasky jest chory, Rembrandt otrzymuje zamówienie na zbiorowy portret firmy kapitana Koka - Nocna Straż. Przedstawia wyjście strzelców na ćwiczenia. Obraz jest arcydziełem Rembrandta z lat 40-tych. Obraz zbudowany jest na podporządkowaniu. Rozpoczął się długi proces sądowy w sprawie długów Rembrandta. Pożegnanie Dawida z Jonathanem napisany w tym samym roku co Straż nocna. Obraz został zakupiony przez Piotra Wielkiego i stał się jednym z pierwszych obrazów w Ermitażu.
Danae.
Służąca Rembrandta, Hendricke, stała się niezawodnym pomocnikiem. Zostanie drugą żoną Rembrandta. na obrazie Święta rodzina z aniołami na tym zdjęciu są dwie przekątne światła, obraz jest przesiąknięty ciepłym światłem. Hendrick pojawia się na portrecie - Hendrick przy oknie, Kąpiąca się kobieta, Versaviya, w historii obrazu leży historia Dawida i Versavii.
Dawid i Uriasz W obrazie ogromną rolę odgrywa światło.
Portret Jana Szóstego. Cała uwaga skupia się na twarzy.
Spisek Klaudiusza Cywilisa. To jedyny obraz z historii Holendrów Rembrandta. .
Portret starca w czerwieni. Biografia portretowa. Portret w czasie.
Portret starego Żyda. Na tym portrecie podkreślone są tylko najważniejsze rzeczy: twarz i dłonie.
Portret starszej kobiety. Na tym portrecie najsubtelniejsze przejścia od światła do cienia.
Portret czytający Tytusa.
Portret poety Deckera.
Asur, Haman, Isfir. Główne dzieło ostatnich obrazów Rembrandta. Obraz oparty jest na bardzo złożonym rozwiązaniu oświetleniowym.
Rembrandt maluje powtórkę tego obrazu Haman prosi Isfira o przebaczenie.
Rembrandt otrzymuje zamówienie na portret grupowy - Syndycy.
Żydowska panna młoda. Motyw miłości jest głównym tematem tego obrazu. To ulubiony obraz Van Gogha i Soutine'a.
Portret rodzinny. Portret grupowy. Wyimaginowany portret jego rodziny.
Dwa autoportrety.
W latach 66-68 Rembrandt maluje obraz Powrót syna marnotrawnego co kończy jego pracę.
Szymon w świątyni. Jego ostatni obraz.
Rembrandt umiera w 1669 roku. Miał wielu uczniów: Gerarda Dou, Fabriciusa, Geldera jednego z ostatnich uczniów Rembrandta. Jego szkoła istniała do końca XVII wieku.
Tematy do zaliczenia:
Odrodzenie niemieckie.
Barok włoski. Architektura baroku. Lorenzo Bernini, Francesco Boromini i Carlo Moderno. Rzeźba Berniniego. Dwóch malarzy Caravaggio i Anibali Karachi. Rubensa. Van Dyck. Jordany. Snyderów. Brouwera.
Holenderski krajobraz XVII wieku.
Jan Fan Goyen.
Charakteryzuje się krajobrazami rzecznymi.
Młyn nad rzeką typowy holenderski krajobraz.
Krajobraz rzeki.
Niemal zawsze w jego pracy światło z nieba odbija się od ziemi.
Salomon Reisdael
Malował pejzaże wczesnego poranka.
Krajobraz z wozem charakterystyczny pejzaż dla tego malarza.
Przeprawa promowa. wietrzny poranek
Wychował jednego z głównych artystów XVII wieku, Jakuba Reizada.
Jakuba Reisdaela.
Widok Edmonda.Światło na niebie, rytmiczny krajobraz, pionowa dzwonnica dokładnie odpowiadają pionowemu formatowi.
Jacob namalował wszystkie 12 rodzajów pejzażu i sam stworzył kilka typów.
Reisadl był wielkim mistrzem krajobrazu leśnego.
Już współcześni zauważyli, że Reisdal jest psychologiem lasu. Każde drzewo ma swój portret, pisze biografię drzewa.
Krajobraz leśny.
Jezioro wśród drzew. Na pierwszym planie zwalone drzewo, obok suche drzewo, a w głębi młode brzozy. Istnieje kilka wieków drzew. Przenosi tę technikę na cykl obrazów:
Rzeka w lesie
las dębowy
Bagno
leśny krajobraz
Droga
Krajobraz panoramiczny: Beintheir Castle, krajobraz z ruinami zamku i kościołem.
Młyn w Vecca. Główny krajobraz Reisdal. Reisdael celowo powiększa młyn. Ten krajobraz jest jednym z symboli Holandii.
Trzy główne dzieła Holandii: Straż nocna, młyn w Vecca, widok na miasto Delta.
Dwa obrazy o tym samym tytule: Cmentarz żydowski. Wyimaginowany rysunek. Przekazuje stan podczas burzy. Na pierwszym planie suche, ale wciąż żywe drzewo. Płynący strumień jest symbolem szybkiego płynącego życia. Drzewo jest przedstawione na tle żywego i bujnego drzewa. Na pierwszym planie znajduje się nagrobek z portretem samego artysty i podpisem Reisdala. W głębi widzimy prawie zniszczoną świątynię, a jednocześnie widzimy, jak po burzy pojawia się tęcza - symbol nadziei. Centralnym uderzeniem światła jest pomnik. Obraz ma powtórzenie, tworzy jeszcze ostrzejszy sens życia i śmierci. Drugi obraz niesie w sobie wielką ciemność, kontrast suchego i zielonego drewna jest bardzo ostro oddany. Płyta z portretem Reisdaela pojawia się ponownie, a świątynia zmieniła swój wygląd, niczym stworzenie z ogromnymi oczodołami - obraz ginącego świata. Reisdael jest uważany za twórcę krajobraz filozoficzny.
Reisdael malował zimowe pejzaże, takie jak: Zimowy krajobraz, Zima która porusza temat samotności. Reisdal jest autorem nastroju pejzażowego.
Był także mistrzem malarstwa marynistycznego: Burza na morzu, wybrzeże Morza.
Był mistrzem krajobrazu miejskiego: Widok na Amsterdam z rzeką Amstel, Widok na Haarlem ( widok na jego rodzinne miasto).
W ostatnich latach Reisdael namalował wiele pejzaży przedstawiających wodospady: Skalisty krajobraz z wodospadem, wodospad w Norwegii, wodospad.
Dwa młyny- niezwykły krajobraz, jeden młyn jest dobrze widoczny, a drugi znajduje się w głębinach.
Górski krajobraz z żaglówką jedno z ostatnich dzieł Reisdaela. W tej pracy podsumowuje swoje życie. To pejzaż poetycki, liryczny.
Praca Mendeta Hobeme.
Był uczniem Reisdaela.
Aleja middel w Harls. Jako pierwszy malował pejzaże z natury. Czasami malował pejzaże z rysunków pejzażowych.
Był popularny w Anglii i przyczynił się do powstania angielskiego krajobrazu. Thomas Gensbra, Turner, John Constable polegali na pracach Hobeme i Reisdael.
Największy mistrz realistycznego krajobrazu. Oprócz krajobrazu angielskiego w dużej mierze zamanifestował się początek francuskiego krajobrazu narodowego.
Pytania dotyczące biletów:
Dzieło Rembrandta.
W XVII wieku Holandia stała się wzorowym krajem kapitalistycznym. Prowadziła rozległy handel kolonialny, miała potężną flotę, jednym z wiodących przemysłów był przemysł stoczniowy.
Historia malarstwa niderlandzkiego XVII wieku. doskonale pokazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii Frans Hals(około 1580-1666). W latach 10-30 Hals dużo pracował w gatunku portretów grupowych. Jest to w zasadzie przedstawienie gildii strzeleckich - korporacji oficerów do obrony i ochrony miast. Mieszczanie chcieli być uwiecznieni na płótnie, wnieśli pewien wkład w prawo do przedstawienia, a artysta musiał pamiętać o równej dbałości o każdego modela. Ale to nie portretowe podobieństwo urzeka nas w tych pracach Halsa. Wyrażają ideały młodej republiki, poczucie wolności, równości i koleżeństwa. Z płócien tamtych lat patrzą pogodni, energiczni, przedsiębiorczy ludzie, pewni swoich umiejętności iw przyszłości („Gildia strzelecka św. Adriana”, 1627 i 1633; „Cech strzelecki św. Jerzego”, 1627). Khale przedstawia je zwykle na uczcie dla towarzystwa, na wesołej uczcie. Duży rozmiar rozciągniętej w poziomie kompozycji, szerokie, pewne siebie pismo, intensywne, nasycone kolory (żółty, czerwony, niebieski itp.) tworzą monumentalny obraz. Artysta jest historiografem całej epoki.m
Rozkwit malarstwa pejzażowego w szkole holenderskiej sięga połowy XVII wieku. Największym mistrzem realistycznego pejzażu był Jacob van Ruysdael (1628/29-1682), artysta o niewyczerpanej wyobraźni. Jego prace są zazwyczaj pełne głębokiego dramatyzmu, niezależnie od tego, czy przedstawia leśne zarośla („Leśne bagna”), pejzaże z wodospadami („Wodospad”) czy romantyczny pejzaż z cmentarzem („Cmentarz żydowski”). Natura w Ruisdael pojawia się w dynamice, w wiecznej odnowie. Nawet najprostsze motywy natury pod pędzlem artysty nabierają monumentalnego charakteru. Ruisdael łączy staranne pisanie z wielką witalnością, z syntetycznym obrazem.
Jedynie Jan Porcellis (ok. 1584-1632) zajmował się pejzażem morskim (marina). Obok realistycznego, czysto holenderskiego pejzażu istniał w tym czasie inny kierunek: pejzaże o charakterze włoskim, animowane mitologicznymi postaciami, postaciami ludzi i zwierząt.
Martwa natura holenderska to jedna z artystycznych realizacji najważniejszego tematu sztuki holenderskiej - motywu życia prywatnego zwykłego człowieka. Ten temat jest w pełni ucieleśniony w obrazie gatunkowym. W latach 20-30 XVII wieku. Holendrzy stworzyli szczególny rodzaj malarstwa drobnofigurowego. Lata 40-60 - rozkwit malarstwa, gloryfikujący spokojne życie mieszczańskie Holandii, wymierną codzienność.
Lata 40-50 to czas twórczej dojrzałości. Zmieniło się nie tylko życie zewnętrzne Rembrandta, Przede wszystkim zmienił się. To czas kształtowania się jego systemu twórczego, z którego wiele odejdzie w przeszłość iw którym nabędzie inne, nieocenione właściwości. W tym okresie często sięga do starych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było na przykład z Danae, o którym pisał już w 1636 roku. Już wtedy w tym obrazie wyrażała się najważniejsza rzecz: zmysłowa zasada, pogańska, do pewnego stopnia „Tycjan”, była w nim tylko częścią ogólnie w wyrażaniu złożonych doświadczeń emocjonalnych, pojedynczy impuls duchowy. Klasyczny, piękny, ale i abstrakcyjny w swoim pięknie ideał został zastąpiony przez wyrażenie prawdy życia, jasną indywidualność fizycznego magazynu. To brzydkie ciało zostało przedstawione niezwykle realistycznie. Ale Rembrandt nie był zadowolony z zewnętrznej prawdy. Wracając do obrazu w latach 40., artysta wzmocnił stan emocjonalny. Przepisał centralną część z bohaterką i pokojówką.
Portrety zmarłego Rembrandta bardzo różnią się od portretów z lat 30., a nawet 40. XX wieku. Te niezwykle proste (połowiczne lub pokoleniowe) obrazy osób bliskich artyście w swojej strukturze wewnętrznej są zawsze przenośnym wyrazem wieloaspektowej osobowości człowieka, uderzając zdolnością mistrza do przekazywania niestabilnych, nieuchwytnych ruchów duchowych.
Rembrandt umiał stworzyć portret-biografię; podkreślając tylko twarz i dłonie, oddał całą historię życia
Sztuka francuska XVII wieku
Sztuka francuska XV wieku opiera się na tradycjach francuskiego renesansu. Obrazy i rysunki Fouqueta i Cloueta, rzeźby Goujon i Pilona, zamki z czasów Franciszka 1, Pałac Fontainebleau i Luwr, poezja Ronsarda i proza Rabelaisa, filozoficzne eksperymenty Montaigne'a, wszystkie nosi to piętno klasycznego rozumienia formy, ścisłej logiki, racjonalizmu, rozwiniętego poczucia wdzięku, - tych. który ma zostać w pełni ucieleśniony w XV wieku. w filozofii Kartezjusza, w dramaturgii Corneille'a i Racine'a, w malarstwie Poussina i Lorraina.
W dziedzinie sztuk pięknych proces kształtowania się klasycyzmu nie był tak ujednolicony.
W architekturze zarysowują się pierwsze cechy nowego stylu, choć nie sumują się one całkowicie. W Pałacu Luksemburskim, zbudowanym dla wdowy po Henryku IV, regentce Marii Medici, przez Salomona de Bros, wiele zaczerpnięto z gotyku i renesansu, ale fasada jest już artykułowana porządkiem, co będzie typowe dla klasycyzmu. Maisons-Lafitte François Mansarta, przy całej złożoności tomów, stanowi jedną całość, klarowną konstrukcję, ciążącą ku normom klasycystycznym.
W malarstwie sytuacja była bardziej skomplikowana, bo przeplatały się tu wpływy manieryzmu, baroku flamandzkiego i włoskiego. Malarstwo francuskie w pierwszej połowie wieku było pod wpływem zarówno karawagizmu, jak i realistycznej sztuki Holandii. W każdym razie te wpływy widać wyraźnie w twórczości braci Le Nain. W obrazach Louisa Lenaina nie ma narracji, ilustracyjności, kompozycja jest ściśle przemyślana i statyczna, szczegóły są starannie weryfikowane i dobierane tak, aby odsłonić przede wszystkim etyczne, moralne podstawy dzieła. Ogromne znaczenie w obrazach Lenaina ma pejzaż.
Ostatnio coraz częściej w literaturze historii sztuki nazwę kierunku, do którego należy Louis Lenin, określa się mianem „malarstwa świata rzeczywistego”. Dzieło artysty Georgesa de Latoura należy do tego samego kierunku. W swoich pierwszych pracach o tematyce gatunkowej Latour pojawia się jako artysta bliski Caravaggio. Już we wczesnych pracach Latoura manifestuje się jedna z najważniejszych cech: niewyczerpana różnorodność jego obrazów, blask koloru, umiejętność tworzenia monumentalnych, znaczących obrazów w malarstwie rodzajowym.
Druga połowa lat 30. - 40. to czas twórczej dojrzałości Latoura. W tym okresie mniej zwraca się do tematów rodzajowych, maluje głównie obrazy religijne. Język artystyczny Latoura jest zapowiedzią stylu klasycznego: rygoryzm, konstruktywna klarowność, klarowność kompozycji, plastyczna równowaga uogólnionych form, nienaganna spójność sylwetki, statyka. Przykładem jest jedna z jego późniejszych prac „Św. Sebastian i Święte Żony” z idealnie piękną postacią Sebastiana na pierwszym planie, przypominającą rzeźbę antyczną, w której ciele – jako symbol męczeństwa – artysta przedstawia tylko jedną wbitą strzałę .
Klasycyzm powstał na szczycie społecznego zrywu narodu francuskiego i państwa francuskiego. Podstawą teorii klasycyzmu był racjonalizm, oparty na systemie filozoficznym Kartezjusza, tylko piękno i wzniosłość ogłoszono przedmiotem sztuki klasycyzmu, starożytność służyła jako ideał etyczny i estetyczny. Twórca nurtu klasycystycznego w malarstwie francuskim XV wieku. był Nicolas Poussin. Tematyka płócien Poussina jest różnorodna: mitologia, historia, Nowy i Stary Testament. Bohaterami Poussina są ludzie o silnych charakterach i majestatycznych czynach, o wysokim poczuciu obowiązku wobec społeczeństwa i państwa. Publiczny cel sztuki był dla Poussina bardzo ważny. Wszystkie te cechy są zawarte w powstającym programie klasycyzmu. Sztuka wnikliwej myśli i jasnego ducha rozwija także specyficzny język. Miara i porządek, równowaga kompozycyjna staje się podstawą malarskiego dzieła klasycyzmu. Gładki i wyraźny liniowy rytm, rzeźbiarski plastik doskonale oddają surowość i majestat pomysłów i postaci. Kolorystyka zbudowana jest na współbrzmieniu mocnych, głębokich tonów. To harmonijny świat sam w sobie, który nie wykracza poza przestrzeń malarską, jak w baroku.
Twórczość Poussin przypada na pierwszą połowę wieku, naznaczoną rozkwitem życia społecznego i artystycznego we Francji oraz aktywną walką społeczną. Stąd ogólna progresywna orientacja jego sztuki, bogactwo jej treści. Inna sytuacja rozwinęła się w ostatnich dekadach XVII wieku, w okresie największego nasilenia absolutystycznego ucisku i wypierania postępowych zjawisk myśli społecznej, kiedy centralizacja rozprzestrzeniła się na artystów zjednoczonych w Akademii Królewskiej i zmuszonych do służby swoją sztuką gloryfikacja monarchii. W tych warunkach ich sztuka straciła głęboką treść społeczną, a do głosu doszły słabe, ograniczone cechy metody klasycznej.
Sztuka Flandrii z XVII wieku.
Sztuka flamandzka to przede wszystkim Rubens i jeszcze raz Rubens. Chociaż w tym samym czasie we Flandrii byli inni wybitni artyści, wszyscy są postrzegani jako „krąg Rubensa”, „szkoła Rubensa”, jak planety krążące wokół Słońca Rubensa.
Wiek XVII to czas powstania narodowej szkoły malarstwa we Flandrii. Podobnie jak we Włoszech, oficjalnym trendem dominującym stał się barok. Jednak flamandzki barok różni się znacznie od włoskiego pod wieloma względami. Barokowe formy przepełnione są tu poczuciem kipiącego życia, a barwnym bogactwem świata, poczuciem żywiołowej siły rozwoju człowieka i natury. W ramach baroku, w większym stopniu niż we Włoszech, powstają realistyczne elementy.
Podstawy kultury artystycznej Flandrii - realizm, nacjonalizm, jasna pogoda, uroczystość - najpełniej wyrażały się w malarstwie. Flamandzcy malarze uchwycili na swoich płótnach poetyckie, zmysłowe piękno świata i obraz człowieka pełnego zdrowia, niespożytej energii.
Zadanie zdobienia zamków rodowych, pałaców arystokracji, kościołów katolickich przyczyniło się do powszechnego stosowania w malarstwie potężnego dekoracyjnystycznego dekoryzmu opartego na efektach kolorystycznych.
Kierownikiem flamandzkiej szkoły malarstwa był Peter Paul Rubens (1577-1640). Wszechstronnie uzdolniony, znakomicie wykształcony Rubens był artystą o ogromnym zakresie twórczym, burzliwym temperamencie. Urodzony malarz monumentalny, utalentowany dyplomata mówiący kilkoma językami, naukowiec-humanista, był wysoko ceniony na dworach książęcych i królewskich Mantui, Madrytu, Paryża i Londynu. Artysta o żywej wyobraźni, Rubens był twórcą kolosalnych, żałosnych kompozycji. Dynamika form, siła plastycznej wyobraźni, triumf dekoracyjnej zasady stanowią podstawę jego twórczości. Jednak sztuka Rubensa jest w zasadzie realistyczna. Świeżość postrzegania życia i chęć nadania wszystkiemu przedstawionemu wiarygodności prawdy to istota jego prac.
Flamandzka martwa natura. W XVII wieku martwa natura jest uznawana za niezależny gatunek. Odzwierciedla zainteresowanie światem materialnym, które wyrosło z „malowania rzeczy” w sztuce holenderskiej początku XV wieku, kultu życia prywatnego. Flamandzkie „sklepy żywych stworzeń” zadziwiają hałaśliwą wesołością i świąteczną dekoracją. Płótna, dużych rozmiarów, w jasnych kolorach, zdobią ściany przestronnych pałaców szlachty flamandzkiej, gloryfikując piękno ziemskiej egzystencji, bogactwo wiejskiego życia, owoce ziemi, morze, rzeki.
Anthony (Anton, Anthony) van Dyck flamandzki malarz i grafik, mistrz portretów dworskich i scen religijnych w stylu barokowy.
Van Dyck wcześnie okazał się mistrzem portretu i malarstwa na tematy religijne i mitologiczne. OD 1618 na 1620 pracował w warsztacie Rubens. Tworzy prace o tematyce religijnej, często w kilku wersjach: Ukoronowanie cierniem» « Pocałunek Judasza» „Niesienie krzyża” „Św. Marcina i żebraków”, „Męczeństwo św. Sebastiana"
Jakub Jordaens ( nether. Jakuba Jordaensa) ( 19 maja 1593, Antwerpia - 18 października 1678, Antwerpia) - flamandzki malarz. Od 1607 studiował u Adam van Noort. W 1616 ożenił się z córką. Przeżył całe swoje życie w Holandia Południowa, dopiero w 1641 pracował przez krótki czas w Anglia. Jego obrazy można znaleźć w każdym kościele w Antwerpii. Nawet po jego apelu do kalwinizm w 1645 r. Kościół katolicki kontynuował zlecanie mu prac. Jordanes jest brany pod uwagę, zwłaszcza po śmierci Rubens, który miał na niego wielki wpływ, jeden z wybitnych przedstawicieli flamandzkiej barokowy.
Malarstwo francuskie XIX wieku
20s 19 wiek były dla Francji czasem kształtowania się sztuki romantycznej. Młodzi artyści wypowiedzieli swoim nauczycielom prawdziwą wojnę. Historycy nazwali ich występ „romantyczną bitwą”, a jej bohaterem został malarz Eugene Ferdinand Victor Delacroix. Delacroix – francuski malarz I harmonogram, lider romantyk trendy w malarstwie europejskim. Artyści romantyczni, ignorując kanony istniejące w sztukach wizualnych poprzednich epok, chętnie sięgali po nietypowe tematy związane z szaleństwem, zjawiskami nadprzyrodzonymi, przemocą czy egzotyką (czyli poza „normalnością”), której liderem był Delacroix we Francji. trend . Eugene Delacroix urodził się w miejscowości Charenton-Saint-Maurice pod Paryżem. Przyszły artysta został wcześnie osierocony. W 1815 wstąpił do pracowni Pierre'a Narcisse Guerin (1774-1833), który niedawno uczył się u Teodora Géricaulta jako praktykant. Współcześni Delacroix uważnie śledzili przebieg rewolucji wyzwoleńczej w Grecji w latach 1821-1829. (od XV wieku Grecja znajdowała się pod panowaniem Turcji). Delacroix wybrał chyba najbardziej tragiczną stronę greckiego eposu. We wrześniu 1821 r. tureccy kryminaliści zniszczyli cywilną ludność Chios, greckiej wyspy na Morzu Egejskim, u wybrzeży Azji Mniejszej. Zginęło ponad czterdzieści tysięcy Greków, a około dwadzieścia tysięcy zostało zniewolonych. Odpowiedzią artysty na te wydarzenia był obraz „Masakra na Chios” (1824).Na pierwszym planie postacie skazanych na zagładę Chios w kolorowych łachmanach; tło to ciemne sylwetki uzbrojonych Turków. Większość jeńców jest obojętna na ich los, tylko dzieci na próżno błagają rodziców o ich ochronę.Delacroix zainteresował się nowoczesnością i stworzył w 1830 roku obraz „Wolność wiodąca lud (28 lipca 1830)”. Artysta nadał ponadczasowy, epicki dźwięk prostemu epizodowi walk ulicznych.W 1832 roku Delacroix towarzyszył misji dyplomatycznej w Algierii i Maroku. Zaraz po powrocie do Paryża artysta przystąpił do pracy nad obrazem „Algierskie kobiety w swoich komnatach” (1833). Od końca lat dwudziestych. 19 wiek malarz stworzył szereg obrazów batalistycznych poświęconych średniowiecznej historii Francji. W Bitwie pod Nancy (1828-1834) żołnierze — szare, zebrane masy z wielobarwnymi twarzami i sztandarami — niezdarnie poruszają się po zaśnieżonej równinie pod zamglonym żółtym niebem o zachodzie słońca. Eugene Delacroix jest najbardziej niezależnym malarzem we Francji pierwszej połowy XIX wieku.
JACQUES LOUIS DAVID (1748-1825) Na początku XIX wieku. Powszechnie uznanym liderem wśród artystów francuskich był Jacques Louis David - najbardziej konsekwentny przedstawiciel neoklasycyzmu w malarstwie i wrażliwy kronikarz swoich burzliwych czasów.David urodził się w Paryżu w zamożnej rodzinie mieszczańskiej. W 1766 wstąpił do Królewskiej Akademii Malarstwa i Rzeźby. Cechą charakterystyczną kultury francuskiej tamtych lat była powszechna fascynacja antykiem. W 1781 David został przyjęty na członka Akademii Królewskiej i otrzymał prawo do udziału w jej wystawach - Salonach Luwru. Już w 1776 r. opracowano rządowy program zachęcający do tworzenia dużych obrazów „przeznaczonych do ożywienia cnót i uczuć patriotycznych”. Dawidowi zaproponowano spisek z wczesnej historii Rzymu - wyczyn trzech braci ze szlacheckiej rodziny Horatii.Aby pracować nad obrazem "Przysięga Horatii" (1784), David udał się do Rzymu. Kiedy płótno zostało skończone i artysta wystawił je publiczności, cała kompozycja opiera się na numerze trzy: trzy łuki, trzy grupy postaci, trzy miecze, trzy ręce gotowe do broni. W latach 1795-1799. David wraz ze swoimi uczniami pracował nad obrazem „Sabini powstrzymują walkę między Rzymianami a Sabinami”. Według niego chciał „z taką dokładnością przedstawić starożytne maniery, by Grecy i Rzymianie, gdyby mieli okazję zobaczyć moje dzieło, nie uznaliby mnie za obcego ich obyczajom”. W 1799 roku w wyniku kolejnego zamachu stanu do władzy doszedł Napoleon Bonaparte. David, podobnie jak wielu byłych rewolucjonistów, z radością przyjął to wydarzenie. (1807) Dawid stworzył kolejny mit - blask ołtarza i przepych strojów dworzan oddziałują na widza nie gorzej niż nędzne meble i stare prześcieradła Marata.Po klęsce Napoleona Dawid, który kiedyś głosował w Konwencji o karę śmierci Ludwika XVI, został zmuszony do opuszczenia Francji. Artysta wyjechał do Brukseli (należącej wówczas do Królestwa Niderlandów), gdzie mieszkał do śmierci. Kontynuował pracę: pilnie, ale już bez entuzjazmu, malował portrety wygnańców tak jak on i pracuje na tematy antyczne.
XVII wiek pokazał światu dwa szkoły artystyczne – holenderska i flamandzka. Obaj byli spadkobiercami artystycznych tradycji Niderlandów – europejskiego państwa, na terenie którego utworzyła się do tego czasu katolicka Flandria, nazwana tak od najważniejszej prowincji (dziś jest to terytorium Belgii i Francji). Inne prowincje, broniąc swego przywiązania do idei reformacji, zjednoczyły się i zaczęto nazywać Republiką Holenderską lub po prostu Holandią. W XVII wieku w Holandii około trzy czwarte ludności było miejskie, główną klasę uważano za klasę średnią. Kościół reformowany zrezygnował ze splendoru wystroju, nie było koronowanych klientów i arystokracji plemiennej, co oznacza, że głównymi konsumentami sztuki stali się przedstawiciele burżuazji. Przestrzeń przeznaczona do malowania ograniczała się do domów mieszczańskich i budynków użyteczności publicznej.
Rozmiary malowideł z reguły nie były duże (w porównaniu do malowideł pałacowych czy kompozycji ołtarzowych do kościołów), a wątki miały charakter kameralny, przedstawiający sceny z życia prywatnego, codziennego. Główne osiągnięcie sztuki holenderskiej XVII wieku. - w malarstwie sztalugowym. Człowiek i przyroda były przedmiotem obserwacji i przedstawienia holenderskich artystów. Pracowitość, pracowitość, zamiłowanie do porządku i czystości znajdują odzwierciedlenie w obrazach przedstawiających holenderski styl życia. Dlatego mistrzów holenderskich z XVII wieku (z wyjątkiem Rembrandta i Halsa) nazywano „mały holenderski” szerokie grono malarzy holenderskich XVII wieku. powstały w związku z kameralnym charakterem ich twórczości, niewielkim rozmiarem ich obrazów (pejzaż, wnętrza, sceny z życia codziennego). Malarstwo Małego Holendra charakteryzuje subtelność pisma, wyrazistość drobnych detali, piękno światła i niuansów kolorystycznych, ogólne poczucie komfortu, bliskości i jedności postaci w krajobrazie lub wnętrzu. Do najwybitniejszych przedstawicieli należą Jan Vermeer, bracia Ostade (Adrian van O. i Isak van O.), Gerard Terborch, Jan Steen, Gabriel Metsu.
Większość artystów znalazła motywy do swoich obrazów w swoim ojczystym kraju, kierując się radą Rembrandta: „Naucz się przede wszystkim podążać za bogatą przyrodą i eksponować przede wszystkim to, co w niej znajdujesz. Niebo, ziemia, morze, zwierzęta, dobrzy i źli ludzie – wszystko to służy nam do ćwiczeń. Równiny, wzgórza, strumienie i drzewa dają artyście dosyć pracy. Miasta, targowiska, kościoły i tysiące naturalnych skarbów wołają do nas i mówią: idź spragniony wiedzy, kontempluj nas i rozmnażaj nas. Wydajność artystów osiągnęła niewiarygodne rozmiary, w wyniku czego wśród malarzy powstała konkurencja, co z kolei doprowadziło do specjalizacji mistrzów. I być może z tego powodu istniało zróżnicowane zróżnicowanie gatunkowe. Pojawili się artyści, którzy pracowali tylko w gatunku pejzażu morskiego lub gatunku widoków miejskich lub przedstawiali wnętrza pomieszczeń (pokoje, świątynie). W historii malarstwa były przykłady martwych natur i pejzaży, ale nigdy wcześniej gatunki te nie osiągnęły tak masowego charakteru i samowystarczalności jak w Holandii w XVII wieku.
Holendrzy chcieli zobaczyć cały różnorodny świat na zdjęciach. Stąd szeroka gama malarstwa tego stulecia, „wąska specjalizacja” w pewnych typach tematów: portret i pejzaż, martwa natura i gatunek zwierzęcy. W Holandii nie było związków z Włochami, a sztuka klasyczna nie odgrywała takiej roli jak we Flandrii. Opanowanie tendencji realistycznych, kształtowanie się pewnej gamy tematów, podział gatunkowy jako jeden proces zakończyły się w latach dwudziestych XVIII wieku.
Historia malarstwa holenderskiego w XVII wieku doskonale pokazuje ewolucję twórczości jednego z największych portrecistów w Holandii Frans Hals(1580-1666) Jego działalność miała miejsce prawie w całości w Harlemie. Tu już około 1616 roku awansował na zaawansowanego portrecistę majora i swoją rolę w tej dziedzinie zachował do końca życia. Wraz z pojawieniem się Halsa, ściśle realistyczny i ostro indywidualny portret holenderski osiąga dojrzałość. Wszystko, co nieśmiałe, małostkowe, naturalistyczne, co wyróżnia jego poprzedników, zostaje przezwyciężone.
Początkowa faza sztuki chałowskiej nie została wyjaśniona. Od razu widzimy, jak mistrz rozwiązuje najtrudniejszy problem portretu grupowego. Maluje jeden po drugim obrazy przedstawiające strzelców korporacji św. Adriana i św. George (Harlem, Frans Hals Museum), gdzie zarówno żywiołowość zatłoczonego spotkania, jak i jasność typów każdego z obecnych są oddane z niezwykłą łatwością. Kunszt malarski i pomysłowość kompozycyjna zgrupowań idą w tych portretach w parze z niezwykłą ostrością cech. Hals nie jest psychologiem: życie psychiczne jego modeli zwykle go omija. Tak, i pisze dla większości ludzi, których całe życie toczy się w warunkach intensywnej, energicznej aktywności, ale nie zagłębia się zbytnio w kwestie natury psychologicznej. Ale Hals, jak nikt inny, oddaje wygląd tych ludzi, potrafi uchwycić to, co najbardziej ulotne, ale jednocześnie najbardziej charakterystyczne w wyrazie twarzy, w postawie, w gestach. Wesoły z natury, stara się uchwycić każdy obraz w chwili ożywienia, radości, a nikt nie przekazuje śmiechu z taką subtelnością i różnorodnością jak on. Portret oficera (1624, Londyn, kolekcja Wallace'a), kołyszący się na krześle „Geytgeizen” (koniec lat 30. XVII w., Bruksela, galeria sztuki), „Cygan” (koniec. „Czarownica z Harlemu” – „Malle Bobbe”(Berlin) można przytoczyć jako charakterystyczne przykłady jego ostrej i często żwawej sztuki. Mężczyźni, kobiety, dzieci są przedstawiani przez niego z tym samym poczuciem żywego obrazu („ Portret młodego mężczyzny w rękawiczce", OK. 1650, Ermitaż). Wrażenie żywotności sprawia również sama technika Halsa, niezwykle swobodna i rozwijająca się z biegiem lat. Dekoracyjny blask wczesnych prac następnie łagodzi, kolor staje się srebrzysty, a swoboda stosowania czarno-białych tonów świadczy o umiejętności, która może pozwolić sobie na śmiałą malarską śmiałość.
W portretach późnego okresu (lat 50-60) zanika beztroska waleczność, energia i presja. W męskim portrecie Ermitażu, mimo całej imponowania postaci, można prześledzić zmęczenie i smutek. Te cechy dodatkowo podkreśla świetnie namalowany portret mężczyzny w kapeluszu z szerokim rondem (muzeum w Kassel). W tych latach Hals przestaje być popularny, ponieważ nigdy nie schlebia i okazuje się być obcy odrodzonym gustom zamożnych klientów, którzy utracili demokratycznego ducha. Ale to w późnym okresie twórczości Hals osiąga szczyt mistrzostwa i tworzy najgłębsze dzieło. W niektórych pracach zarysowane są impresjonistyczne techniki rozwiązań kolorystycznych. Hals maluje niezliczoną ilość portretów indywidualnych do ostatnich lat swojego życia, ale ponownie powraca do portretów grupowych. Maluje 2 portrety - regentów i regentów domu starców, w jednym z nich sam znalazł schronienie pod koniec życia. W portrecie regentów nie ma koleżeństwa z poprzednich kompozycji, modelki są rozbite, bezsilne, mają pochmurne widoki, na twarzach wypisane jest zniszczenie. W ponurej kolorystyce (czarnej, szarej i białej) szczególnego napięcia wprowadza różowo-czerwona plama na kolanie jednego z regentów. Tak więc w wieku 9 lat chory, samotny i zubożały artysta tworzy swoje najbardziej dramatyczne i najwspanialsze pod względem rzemieślniczym dzieła.
Sztuka Halsa miała ogromne znaczenie dla swoich czasów, miała wpływ na rozwój nie tylko portretu, ale także gatunku życia codziennego, pejzażu, martwej natury.
gatunek krajobrazu Holandia XVII wiek szczególnie interesujące. Nie jest to w ogóle przyroda, pewien ogólny obraz wszechświata, ale narodowy, czyli holenderski pejzaż, który rozpoznajemy we współczesnej Holandii: słynne wiatraki, pustynne wydmy. W kompozycjach duże miejsce zajmuje szare niebo. Tak przedstawiana jest Holandia Jan Van Goyen (1596-1656) i Salomon Van Ruysdael (1600-1670).
Świt malarstwa pejzażowego w szkole holenderskiej nawiązuje do środka. XVII wiek Największym mistrzem realistycznego krajobrazu był Jacob van Ruysdael (1628-1682), artysta o niewyczerpanej wyobraźni. Jego prace są zazwyczaj pełne głębokiego dramatyzmu, czy to leśne zarośla („Leśne Bagno”), pejzaże z wodospadami („Wodospad”) czy romantyczny pejzaż z cmentarzem („Cmentarz Żydowski”). Natura w Ruisdael pojawia się w dynamice, w wiecznej odnowie. Nawet najtrudniejsze motywy natury pod pędzlem artysty nabierają monumentalnego charakteru. Ruisdael łączy staranne pisanie z wielką witalną integralnością, z syntetycznym charakterem obrazu.
Urodził się w Haarlemie w 1628 lub 1629 roku. Jego pierwsze zachowane dzieło, datowane na 1646 rok, wygląda jak dzieło dojrzałego mistrza - miał wtedy zaledwie 18 lat. Z całą pewnością możemy powiedzieć, że w 1648 Ruisdael został członkiem cechu artystów Haarlemu.
W młodości Ruisdael dużo podróżował w poszukiwaniu natury - nie oddalając się jednak od swojego rodzinnego Haarlemu o ponad sto mil. W połowie lat pięćdziesiątych artysta przeniósł się z Haarlemu do Amsterdamu, gdzie mieszkał do końca swoich dni.
Metropolitalny Amsterdam w czasach Ruisdaela uderzająco różnił się od prowincjonalnego Haarlemu (chociaż odległość między tymi miastami już wtedy została pokonana w dwie godziny). Ruisdael malował swoje obrazy nie na prywatne zamówienia, ale na darmową sprzedaż.Około 1670 przeniósł się w ścisłe centrum miasta, na Plac Dam, gdzie wynajął mieszkanie tuż nad sklepem handlarza obrazów i książek Hieronima Sveertsa .
Meindert Hobbema(1638, Amsterdam, - 7 grudnia 1709) - najważniejszy mistrz holenderskiego krajobrazu po swoim mentorze, Jacobie van Ruysdaelu.
Wiadomo, że Hobbema i Ruisdael podróżowali razem i robili szkice z natury. W listopadzie 1668 Hobbema poślubiła burmistrza Amsterdamu i za jej pośrednictwem otrzymała stanowisko inspektora jakości importowanych win. Przez długi czas uważano, że to koniec jego lekcji malarstwa.
Być może musiał poświęcać mniej czasu malowaniu niż wcześniej, ale jego najlepsze dzieło, Aleja w Middelharnis, nosi datę 1689, a inny londyński obraz, Ruiny zamku Brederode, nosi 1671. Te późniejsze prace należą do najbardziej udanych osiągnięć holenderskiego malarstwa pejzażowego iw istocie wyznaczają linię w jego rozwoju.
Artysta zmarł w nędzy, ale już w XVIII wieku był często naśladowany, a jego prace stały się przedmiotem rywalizacji kolekcjonerów. W przeciwieństwie do Ruisdaela, który wolał uwieczniać dziką przyrodę, Hobbema pociągały spokojne wiejskie sceny z widokami zalanych słońcem wiosek, które urozmaicają tu i ówdzie wysokie grupy drzew. W tych wiejskich idyllach wszystko jest napisane z wielką starannością, a zwłaszcza listowie.
W ścisłym związku z holenderskim krajobrazem jest gatunek zwierzęcy. Wielu przedstawicieli malarstwa pejzażowego interesuje się przenoszeniem zwierząt. Te ostatnie bardzo często okazują się tożsame z elementami czysto krajobrazowymi, a czasami pejzaż jest dla nich jedynie tłem. Umiejętność identyfikacji rasy zwierzęcia, jego budowy, koloru, charakterystycznych ruchów to jedna z uderzających właściwości Holendrów. Subtelność przekazu atmosfery i światła w połączeniu z tą umiejętnością osiąga u niektórych malarzy zwierząt wyjątkową perfekcję. Świadczą o tym liczne prace Paulus Potter(1625-1654) i Albert Cuyp(1620-1691). Obaj razem z obrazami przedstawiającymi zwierzęta pasące się lub odpoczywające na wolnym powietrzu (Zagroda Garncarza, Ermitaż, 1649) sporządzili także ich indywidualne kopie w zbliżeniu. Potter, poza ujęciami ogólnymi, lubi przedstawiać z bliska jedno lub więcej zwierząt na tle krajobrazu („Pies na łańcuchu”). Ulubionym motywem Przylądka są krowy przy wodopoju („Zachód słońca nad rzeką”, „Krowy na brzegu potoku”). Obraz „Krajobraz ze stadem, jeźdźcem i chłopami”.
Spokojna wiejska scena skąpana jest w złocistym blasku zachodzącego słońca. Ciepłe światło przenika każdy szczegół kompozycji, tworząc efekt poświaty. To uderzająco odróżnia kolor peleryny od zimnych błękitów i zieleni jego współczesnych, takich jak Meindert Hobbema. Pozorna przypadkowość ułożenia zwierząt jest w rzeczywistości starannie przemyślana, aby pokazać grę światła i cienia.
Przylądek należy ponadto do jednego z pierwszych miejsc wśród przedstawicieli czystego krajobrazu. Jego obrazy wyróżnia wyjątkowa umiejętność oddania złotego, słonecznego światła, niezwykle różnorodne motywy i liczne mariny (widoki na morze).
Tylko krajobraz morski(marina) była zaręczona Jan Porcellis(1584-1632). Marina odegrała bardzo ważną rolę w sztuce holenderskiej w XVII wieku i sprowadziła wielu pierwszorzędnych specjalistów. Ogólny przebieg rozwoju mariny wydaje się odpowiadać temu, co powszechnie obserwuje się w historii holenderskiego krajobrazu. Kompozycje na wczesnym etapie są proste. Artysta widzi swój cel osiągnięty, jeśli z największym prawdopodobieństwem odda bezmiar morza, kołyszące się na nim statki i samą wodę. Tak pisze Jan Porcellis. W następnym pokoleniu charakter przenoszenia gatunków morskich zmienia się w kierunku większej dynamiki. Jak poprzednio jednak powstają obrazy przedstawiające spokój żywiołu wody, ale to już nie wystarcza; burze zaczynają rzucać statki na skały, gigantyczne fale grożą im śmiercią i zmuszają żeglarzy do schronienia się w porcie. W obu przypadkach Backhuizen (1631-1709) nie ma trudności. Jego pędzel z tą samą wirtuozerią oddaje bezchmurność nieba, cyklony, bryzgi, skały i ślady wraków.
Genialny rozwój dochodzi do martwej natury. Martwa natura holenderska, w przeciwieństwie do flamandzkiej, ma skromne rozmiary i motywy dla obrazów o charakterze intymnym. Piotr Klass (1597-1661), Willem Kheda(1594-1680) najczęściej portretowano tzw. śniadania: dania z szynką lub ciastem na stosunkowo skromnie podanym stole. W umiejętnym układzie przedmioty są ukazane w taki sposób, że czuje się jakby wewnętrzne życie rzeczy (nie bez powodu Holendrzy nazwali martwą naturę „nadal leven” – „ciche życie”, a nie na darmo). "natura morte" - "martwa natura"). Kolorystyka jest powściągliwa i wyrafinowana (Heda „Śniadanie z homarem”, 1658; Klasa „Martwa natura ze świecami”, 1627)
Willem Heda pracował w Haarlemie i był pod wpływem Pietera Claesza. Skromne martwe natury - „śniadania” Heada, przedstawiające z reguły mały zestaw przyborów domowych i posiłek, charakteryzują się doskonałym kunsztem w przekazywaniu faktury rzeczy, dyskretnym srebrno-zielonym lub srebrno-brązowym kolorem ( „Śniadanie z ciastem jeżynowym”, 1631, Galeria Sztuki, Drezno; „Szynka i sztućce”, 1649, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych, Moskwa).
Wraz ze zmianą życia społeczności holenderskiej na II piętrze. W XVII wieku, wraz ze stopniowym wzrostem dążenia burżuazji do arystokratyzacji i utratą jej dawnej demokracji, zmienia się również charakter martwych natur. „Śniadania” Khedy zostają zastąpione wystawnymi „deserami” Willem Kalf (1619-1693). Proste naczynia zastępują marmurowe stoły, dywanowe obrusy, srebrne kielichy, muszle z masy perłowej i kryształowe kieliszki. Kalf osiąga niesamowitą wirtuozerię w przekazywaniu tekstury brzoskwiń, winogron i kryształowych powierzchni. Pojedynczy ton martwych natur z poprzedniego okresu zostaje zastąpiony bogatą gradacją najwspanialszych barwnych odcieni.
Malarz holenderski. W latach 1640-1645 pracował we Francji, od 1653 w Amsterdamie. W przyszłości Willem Kalf mieszkał i pracował głównie w Amsterdamie. Głęboka, bogata kolorystyka jego obrazów, ten malarz martwych natur, mógł być spowodowany wpływem twórczości jego współczesnego Jana Vermeera. Kalf, jeden z największych mistrzów holenderskiej szkoły martwej natury, malował zarówno skromne obrazy przedstawiające ubogie kuchnie i podwórka („Podwórko domu chłopskiego”, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu), jak i spektakularne kompozycje z cennymi naczyniami i egzotycznymi owocami południowymi („Śniadanie”, Państwowe Muzeum, Amsterdam; „Martwa natura”, Państwowe Muzeum Ermitażu w Petersburgu). Wirtuozeria Kalfa jako malarza martwej natury przejawiała się w klasycznym wyrafinowaniu konstrukcji przestrzennych, subtelnym wyczuciu oryginalności i samoistnej wartości każdej rzeczy, wyrafinowaniu i bogactwie relacji światła i cienia oraz barw, a także spektakularnym kontrastowym zestawieniu różnych faktur i materiały.
„Martwa natura z homarem, rogiem do wina i kieliszkami”. Kolekcja egzotycznych i luksusowych przedmiotów ułożona na stole jest malowana z genialnym kunsztem i głębokim wyczuciem koloru. Homar, róg do wina z lśniącą filigranową srebrną ramą, przezroczyste kielichy, cytryna i turecki dywan są oddane z tak cudowną starannością, że istnieje złudzenie, że są prawdziwe i można je dotknąć ręką. Miejsce na każdy przedmiot dobierane jest z taką starannością, aby grupa jako całość tworzyła harmonię koloru, kształtu i faktury. Ciepłe światło, które otula przedmioty, nadaje im godność cennej biżuterii, a ich rzadkość, przepych i dziwaczność odzwierciedla wyrafinowane gusta holenderskich kolekcjonerów z XVII wieku, kiedy martwe natury były niezwykle popularne.
Holenderska martwa natura- jedna z artystycznych realizacji najważniejszego tematu sztuki holenderskiej - tematu życia prywatnego zwykłego człowieka. Ten temat jest w pełni ucieleśniony w obrazie gatunkowym. W latach 20-30. XVII wiek Holendrzy stworzyli specjalny rodzaj malowania małych postaci. 40-60s - rozkwit malarstwa, gloryfikujący spokojne życie mieszczańskie Holandii, mierzony codziennością. Nawet w kręgu Hals, gdzie rozwijał się także malarz flamandzki Adrian Brouwer, ukształtowało się wyraźne zainteresowanie tematami z życia chłopskiego. Adrian van Ostade(1610-1685) - był największym pod względem walorów malarskich w przedstawieniu życia chłopskiego. Zwykle przedstawia swoje mroczne strony („Walka”) Podobnie jak inni jej przedstawiciele, zwykle podchodzi do swoich tematów całkowicie w duchu ideologii klasy rządzącej i albo idealizuje rzeczywistość, albo widzi w chłopach tylko zabawne stworzenia, których obyczaje dają początek śmiech i żarty. („W wiejskiej karczmie” 1660).
Jego twórczość nabiera w późniejszym okresie cech liryzmu, a dawne wątki zastępują obrazy spokojnego wypoczynku na progu chaty czy na dziedzińcu wiejskiej karczmy, a także wnętrza ze scenami spokojnego rodzinnego komfortu („Country Koncert”, 1655, Ermitaż). Oprócz takich malowideł małopostaciowych Ostade często malował na większą skalę ściśle realistyczne półpostaci przedstawicieli różnych rzemiosł. Słusznie obraz Ostade „Malarz w pracowni” (1663) uważany jest za arcydzieło malarstwa, w którym artysta gloryfikuje ludzką pracę bez odwoływania się ani do deklaracji, ani patosu.
Ale głównym tematem „małego Holendra” wciąż nie jest życie chłopskie, ale mieszczańskie. Zwykle są to obrazy bez fascynującej fabuły. W obrazach tego gatunku wydaje się, że nic się nie dzieje. Kobieta czyta list, pan i dama grają muzykę. Albo właśnie się spotkali i m / mają pierwsze wrażenie, ale jest to tylko zarysowane, widz ma prawo do spekulacji. Najbardziej zabawnym gawędziarzem na tego typu zdjęciach był Jan Stan(1626-1679). Dla Stana, w przeciwieństwie do większości jego współczesnych, strona fabularna nie jest obojętna. W swoich obrazach przypisuje znaczącą rolę początku narracji i lubi przedstawiać pewne zabawne sceny z życia codziennego drobnomieszczaństwa. W nich mistrz ujawnia wyostrzoną zdolność obserwacji, trafnie charakteryzuje typy i opowiada wybrane przez siebie epizody z subtelnym wesołym humorem. Wskazuje na niego obraz „Choroba i lekarz” (ok. 1660, Ermitaż). W późnym okresie twórczości Steena cechy te tracą na ostrości i zgodnie z ogólnym nurtem wkracza on na drogę sztuki bardziej eleganckiej i poświęconej problemom czysto wizualnego postrzegania świata rzeczywistego.
Osiągnięto świetne umiejętności Gerard Terborch(1617-1681). Zaczął od tematów najbardziej demokratycznych ("Młynki"). Wyróżniał się niezwykłą umiejętnością przedstawiania jedwabiów i satyn, przezroczystości szklanych kielichów, powierzchni czegokolwiek. Postacie Terborcha bardzo często charakteryzują się znanym arystokratycznym wyglądem, co tłumaczy dobór modeli ze środowiska szlacheckiego. Wyrafinowanie sztuki Terborcha wynika w dużej mierze z jej koloru, w którym dominują wykwintne srebrzyste tony. Do najlepszych obrazów artysty należą „Szklanka lemoniady” (Ermitaż) i „Koncert” (Berlin, Dahlem).
Wnętrze staje się szczególnie poetyckie wśród małych Holendrów. Życie Holendrów toczyło się głównie w domu. Prawdziwym piosenkarzem tego tematu był Piotr de Hooch(1629-1689). Iluzjonizm przenoszenia rzeczy schodzi na dalszy plan dla tego mistrza, a zainteresowanie skupia się na rozwoju relacji przestrzennych, w szczególności na przedstawieniu wnętrz oraz otwierających się za nimi podwórek i ulic („Pani z Sługa”, Ermitaż, ok. 1660). jego pokoje z uchylonym oknem z nieumyślnie rzuconymi butami lub pozostawioną z reguły miotłą są przedstawione bez postaci ludzkiej, ale ludzie są tu obecni niewidocznie, zawsze istnieje związek między wnętrzem a ludźmi. Kiedy portretuje ludzi, celowo podkreśla zamrożony rytm, przedstawia życie jakby zamrożone, nieruchome jak same rzeczy ("Podwórko").
Powolny rytm życia, dokładność codzienności, pewna monotonia egzystencji doskonale oddaje Gabriel Metsu(1629-1667; „Śniadanie”). W ogólnym charakterze jego obrazów rodzajowych jest zbliżony do Terborcha, ale jaśniejszy w kolorystyce.
Nowy etap malarstwa rodzajowego rozpoczyna się w latach 50. i wiąże się z tzw. Szkoła w Delft, z nazwiskami takich artystów jak Karel Fabricius, Emmanuel de Witte i Jan Vermeer(1632-1675), znany w historii sztuki jako Vermeer z Delft (nazywany od miejsca jego działalności). Sztuka Vermeera z Delft należy do późnego okresu rozwoju Holandii. Pokolenie bohaterskich, ale niegrzecznych bojowników o niepodległość i trzeźwych biznesmenów - organizatorów gospodarki kapitalistycznej - należało do przeszłości. Na arenę historyczną weszły ich wnuki, które mogły bezpiecznie korzystać z nabytych świadczeń. W tych warunkach kształtuje się żywa, radosna sztuka ostatniego okresu rozkwitu Republiki Holenderskiej.
Do tego szczególnego okresu należy dojrzała, przenikliwa, a jednocześnie przejrzysta i prosta, mimo całego wyrafinowania techniki, sztuka Vermeera z Delft. Istnieje niewiele autentycznych dzieł Vermeera, tylko kilka muzeów ma małe i zawsze cenne obrazy mistrza z Delft. Tematyka Vermeera jest mniej lub bardziej tradycyjna; młode kobiety czytające list, haftujące w towarzystwie dżentelmena, malarza przy sztalugach, dziewczyna śniąca w oknie („Dziewczyna z listem”, Drezno; „Cavalier i dama na szpilce” itd.) - jednym słowem wszystko, co niejednokrotnie przedstawiali malarze holenderscy. Pod względem merytorycznym, w wąskim znaczeniu tego słowa, Vermeer nie ma nic oryginalnego. Tylko w nielicznych przypadkach sięga po wątki rozrywkowe i wprowadza do kompozycji element akcji („U swat”, 1656, Drezno). Jednak wszystkie jego obrazy mają całkowicie indywidualny charakter. We wszystkich portretowanych przez niego postaciach jest jakaś lekka i lekka poezja, a wraz z tą poezją i miękkością, we wszystkich jego pracach odciśnięte jest szczególne uczucie surowej prostoty, coś prawdziwie klasycznego.
Vermeer to bez wątpienia jeden z najwybitniejszych kolorystów w historii sztuki zachodnioeuropejskiej. Nie tylko delikatny gust w doborze kolorów, ale także umiejętność odnajdywania ich wzajemnych relacji sprawiają, że Vermeer jest jednym z najbardziej wyrafinowanych mistrzów koloru. Z najwyższym wyczuciem proporcji i taktu łączy cytrynowożółty, niebieski, fioletowy w szerokiej gamie odcieni, szkarłatny i bladozielony w jeden dźwięczny zakres tonalny. To właśnie w pracach Vermeera z Delft tradycyjny holenderski problem sztuki światła otrzymał swoje najdoskonalsze rozwiązanie. Opalizujące światło z masy perłowej to jedna z najbardziej charakterystycznych cech obrazów mistrza z Delft. Nie ma również wątpliwości, że Vermeer z Delft był jednym z najwybitniejszych techników swoich czasów. Jego nieliczne obrazy są napisane w bogatej i zróżnicowanej fakturze. Jego sposób nakładania farby, z góry determinujący późniejszą technikę impresjonistów, umożliwił samemu Vermeerowi ukazanie światła otaczającego przedmioty w całej jego malarskiej konkretności. Światło na obrazach Vermeera to nie tylko przezroczyste medium, ale powietrze bogate w subtelne przejścia srebrzystych tonów.
Wermeer zrobił to, czego nikt inny nie zrobił w XVII wieku: malował pejzaże z natury („Ulica”, „Widok Delft”). Można je nazwać pierwszymi przykładami malarstwa plenerowego. Dojrzała, klasyczna w swej prostocie sztuka Vermeera miała wielkie znaczenie dla przyszłych epok.
Szczyt holenderskiego realizmu, wynik malarskich osiągnięć kultury holenderskiej XVII wieku. jest dziełem Rembrandta. Ale znaczenie R., jak każdego genialnego artysty, wykracza poza granice tylko sztuki holenderskiej i szkoły holenderskiej. Zajmując centralne miejsce w holenderskiej szkole epoki jej największego rozkwitu, Rembrandt nadal wyróżnia się spośród licznych artystów swojej ojczyzny. Pozostały im obce rozpiętość zainteresowań artystycznych Rembrandta i głęboka psychologia jego twórczości.
Harmensz van Rijn Rembrandt urodził się w 1606 r. w Lejdzie i był synem zamożnego właściciela młyna. Wcześnie odkrył pociąg do malarstwa i po krótkim pobycie na uniwersytecie w Leiden poświęcił się całkowicie sztuce. Pod koniec zwykłego trzyletniego okresu studiów u mało znaczącego lokalnego artysty Jacoba Swannenburga, Rembrandt udał się na poprawę do Amsterdamu, gdzie został uczniem Lastmana. Lastman, wykwalifikowany rzemieślnik wyszkolony we Włoszech, wprowadził Rembrandta w efekt światłocienia, który służy do oddania objętości i ukazania dramatyzmu akcji. Ta technika stanie się najważniejszą rzeczą w pracy artysty. W kolejnych latach Rembrandt pracował w Lejdzie, zyskując reputację mistrza scen biblijnych i mitologicznych. Dlatego zwykle nazywa się lata 1625-1632. Lejdeński okres jego twórczości.
W 1632 przeniósł się do Amsterdamu, gdzie od razu zyskał sławę, pisząc „Lekcja anatomii dr Tulpa”. Lata 30. to czas największej świetności, drogę do kt otworzył dla malarza ten obraz, który jest uważany za portret grupowy i ma inną nazwę „Lekcja anatomii”. Na tym płótnie ludzi łączy działanie, wszyscy są przedstawieni w naturalnych pozach, ich uwagę zwraca główny bohater - dr Tulp, demonstrujący budowę mięśni trupa. Mieszka z marszandem Hendrickiem van Uylenborchem, który go patronuje, organizuje zamówienia na portrety, dzięki czemu młody artysta zyskuje reputację modnego, odnoszącego sukcesy mistrza. W 1634 Rembrandt pomyślnie ożenił się z siostrzenicą Hendrika Saskią, a do 1639 wraz z żoną nabył wspaniały dom w stolicy. Do początku lat czterdziestych XVII wieku. cieszy się dużym powodzeniem u klientów, to czas jego osobistego dobrego samopoczucia. W słynnym arcydziele tego okresu - "Autoportrecie z Saskią na kolanach" (ok. 1635, Galeria Sztuki w Dreźnie) Rembrandt przedstawił się ze swoją młodą żoną przy świątecznym stole. Delikatne przelewy złocistych tonów, strumienie światła przenikające obraz oddają radosny nastrój młodego, odnoszącego sukcesy artysty i jego pełnej nadziei i marzeń żony.
Cały ten okres jest pełen romansu. Malarz niejako konkretnie stara się w swojej pracy uciec od nudnej mieszczańskiej codzienności. Maluje siebie i Saskię w luksusowych strojach, w fantastycznych strojach i nakryciach głowy, tworząc efektowne kompozycje, we wszystkim, w pozach, w ruchach, zwycięża rzecz pospolita - radość bycia. (Saskia jako Flora). Język barokowy jest najbliższy wyrażaniu tego dobrego humoru. Rembrandt w tym okresie jest pod dużym wpływem włoskiego baroku.
W skomplikowanych kątach pojawiają się przed nami postacie obrazu „Ofiara Abrahama” (1635). Obraz przedstawia stan umysłu Abrahama, który wraz z nagłym pojawieniem się anioła nie miał czasu na odczuwanie ani radości wyzwolenia ze straszliwej ofiary, ani wdzięczności, ale do tej pory odczuwa jedynie zmęczenie i oszołomienie.
Rembrandt zawsze przywiązywał wielką wagę do akwaforty (rytowania) i rysunku, by wkrótce stać się największym mistrzem techniki graficznej w Europie. Portrety i pejzaże wykonane przez niego w technice akwaforty, sceny codzienne i religijne wyróżniały się nowatorstwem technik artystycznych, głęboką psychologią obrazów, bogactwem światłocienia, wyrazistością i lakonizmem linii. Dotarło do nas około dwóch tysięcy rysunków Rembrandta. Wśród nich są szkice przygotowawcze, szkice do obrazów, szkice scen z życia codziennego i pomysły zrodzone w jego wyobraźni.
Na przełomie wczesnego okresu twórczości pojawia się jeden z jego najsłynniejszych obrazów „Straż nocna” – zbiorowy portret cechu strzeleckiego. Ale porter grupowy to formalna nazwa produktu, wynikająca z pragnienia klientów. W Straży nocnej Rembrandt w nowy sposób podchodzi do tradycyjnego dla sztuki holenderskiej gatunku portretu grupowego. Obraz (1642, Rijks Museum, Amsterdam) jest zbiorowym portretem członków gildii strzeleckiej Captain Banning Cock i został przez artystę rozwiązany jako prawdziwa scena uliczna. Rembrandt zrezygnował z przyjętego wówczas statycznego układu wszystkich uczestników, tworząc scenę pełną ruchu. Kontrasty światła i cienia, emocjonalność obrazu oddają emocje związane z wydarzeniem. Obraz nabiera charakteru historycznego, opowiadając o ludziach odważnych, gotowych bronić wolności i niepodległości swojej ojczyzny z bronią w ręku. Klienci nie zrozumieli intencji artysty i zaczynając od tego obrazu, konflikt z dominującym otoczeniem będzie się nasilał, ale nie zmniejszy energii mistrza, a Rembrandt będzie nadal tworzył realistyczne płótna, wyróżniające się emocjonalnym oddziaływaniem . Spektakularna, niewątpliwie nieco teatralna, swobodna kompozycja, jak już wspomniano, nie miała na celu reprezentowania każdego z odbiorców. Wiele twarzy jest po prostu słabo „odczytywanych” w ostrym światłocieniu, w kontrastach gęstych cieni i jasnego światła słonecznego, na TK wychodzi dystans (w XIX wieku obraz pociemniał tak bardzo, że uważano go za obraz sceny nocnej, stąd błędne nazwisko kapitana na jasnym ubraniu porucznika, dowodzi, że to nie noc, ale dzień). Pojawienie się w tej scenie obcych, zwłaszcza małej dziewczynki w złotożółtej sukience, wydawało się widzowi niezrozumiałe i absurdalne. Wszystko tutaj powodowało dezorientację i irytację publiczności i można powiedzieć, że tym obrazem zaczyna się konflikt między artystą a społeczeństwem. Wraz ze śmiercią Saskii w tym samym roku następuje naturalne zerwanie Rembrandta z obcymi mu kręgami mieszczańskimi.
Realistyczne umiejętności Rembrandta pogłębiały się z biegiem lat. Rezygnuje ze zbędnych detali i efektów dekoracyjnych na rzecz większej głębi i emocjonalnej intensywności obrazu artystycznego. Bardzo duże miejsce w twórczości artysty zaczyna zajmować portret kameralny. Rembrandt ukazuje życie duchowe człowieka, jakby trwało w czasie i przestrzeni. To rodzaj portretu-biografii. Takimi są na przykład „Portret starej kobiety”, „Hendrikje przy oknie”, „Czytanie Tytusa”, portrety przyjaciół artysty N. Breininga, J. Six, liczne autoportrety (ponad sto w oleju i węgiel drzewny).
40-50s - To czas twórczej dojrzałości. To czas, w którym dołączył jego system twórczy, z którego wiele odejdzie w przeszłość i zostaną nabyte nowe, nieocenione cechy. W tym okresie często sięga do starych dzieł, aby przerobić je w nowy sposób. Tak było w przypadku Danae, który namalował już w 1636 roku. Zwracając się do obrazu w latach 40., artysta zintensyfikował swój stan emocjonalny. Przepisał centralną część z bohaterką i pokojówką. Dając Danae nowy gest podniesionej ręki, powiedział jej wielkie podekscytowanie, wyraz radości, nadziei, apel. Światło odgrywa ogromną rolę: strumień świetlny niejako spowija postać Danae, cała ona promienieje miłością i szczęściem, to światło jest odbierane jako wyraz ludzkich uczuć.
Na początku lat 50. artysta tworzy kolejne arcydzieła. Wyszedł już z mody, ale bogaci klienci nie byli tłumaczeni.
W ciągu tych lat wybiera do interpretacji najbardziej liryczne, poetyckie aspekty ludzkiej egzystencji, człowieka, który jest wieczny i uniwersalny: miłość macierzyńską, współczucie. Pismo Święte daje mu największy materiał, az niego - sceny z życia świętej rodziny. Religijny w swej tematyce, ale czysto gatunkowy w interpretacji fabuły, niezwykle charakterystyczny dla tamtych czasów jest obraz Ermitażu Święta Rodzina (1645).
Wraz z kompozycjami z gatunku biblijnego, okres ten obfituje w nowy sposób przedstawiania rzeczywistości dla Rembrandta - pejzaże. Oddając w niektórych przypadkach hołd swoim romantycznym skłonnościom, tworzy wraz z tym obrazy nieozdobionej holenderskiej wioski, urzekające surowym realizmem podejścia. Niewielki „Widok zimowy” (1646, Kassel), przedstawiający chłopski dziedziniec i kilka postaci na powierzchni zamarzniętego kanału w jasny, mroźny dzień, jest jednym z najdoskonalszych przykładów holenderskiego pejzażu realistycznego pod względem subtelność odczuwania i prawdziwość percepcji wzrokowej.
Pomimo ogromu i wartości artystycznej tego, co powstało w tym okresie, sytuacja finansowa Rembrandta okazała się niezwykle trudna do połowy lat pięćdziesiątych XVI wieku. W związku ze spadkiem zamówień, trudną sprzedażą obrazów, a zwłaszcza zaniedbaniami mistrza w prowadzeniu jego spraw, Rembrandt popadł w wielkie kłopoty finansowe. Dług związany z nabyciem drogiego domu za życia Saskii groził całkowitą ruiną. Próba wyjścia z długów mogła jedynie opóźnić katastrofę, ale i tak wybuchła. Latem 1656 Rembrandt ogłosił upadłość, a cały jego majątek został sprzedany na licytacji. Pozbawiony zwykłego domu zmuszony był przenieść się wraz z rodziną do biednej żydowskiej dzielnicy handlowej stolicy i tu minęły jego ostatnie dni w dotkliwym niedostatku.
Te przeciwności, podobnie jak nieszczęścia, które spotkały Rembrandta później – śmierć Hendricka, śmierć jego jedynego syna Tytusa – nie były w stanie powstrzymać dalszego rozwoju jego geniuszu.
Koniec lat pięćdziesiątych i sześćdziesiątych XVII wieku to najtragiczniejsze lata życia R., ale pełne twórczej działalności Rembrandta o imponującej sile. Stanowi jakby syntezę wszystkich jego wcześniejszych psychologicznych i obrazowych poszukiwań. Na tych obrazach wszystko jest oczyszczone z przemijających, przypadkowych. Szczegóły są ograniczone do minimum, gesty, postawy, pochylenie głowy są dokładnie przemyślane i zrozumiane. Postacie są powiększone, blisko przedniej płaszczyzny płótna. Nawet niewielkie prace z tych lat sprawiają wrażenie niezwykłej wielkości i prawdziwej monumentalności. Głównymi środkami wyrazu są światło i linie. Bardziej trafnie byłoby powiedzieć o późnym R., że jego kolor jest „świetlisty”, ponieważ na jego płótnach światło i kolor są jednym, jego kolory zdają się promieniować światłem. Ta złożona interakcja koloru i światła nie jest celem samym w sobie, tworzy pewne emocjonalne środowisko i psychologiczne cechy obrazu.
W portretach Rembrandt ma teraz większą swobodę w doborze modeli i maluje głównie twarze z wyraźną indywidualnością. Są to głównie starsze kobiety i starzy Żydzi. Ale z tą samą ostrością jest w stanie przekazać urok twarzy młodej kobiety lub urok młodzieńczego wyglądu. Wszystko, co drobne w tych portretach, ustępuje miejsca uogólnionemu, ale jednocześnie niezwykle ostremu przedstawieniu obrazu. Jest to w dużej mierze ułatwione przez zwiększający się zakres sposobu wykonania technicznego.
Ostatnim w historii portretu zbiorowego był wizerunek starszego sklepu sukienniczego autorstwa Rembrandta – tzw. „Syndycy” (1662, Amsterdam). zasłużenie uważany za jeden ze szczytów twórczości Rembrandta). Ostra charakterystyka psychologiczna, prostota konstrukcji, ukrywająca nieomylność rytmu linii i brył, a także skąpa w ilości kolorów, ale intensywna kolorystyka podsumowują całą dotychczasową drogę Rembrandta jako portrecisty.
W latach dojrzałości (lat 50) Rembrandt stworzył swoje najlepsze akwaforty. Głębia psychologicznej analizy, która wyróżnia Rembrandta, ekspresyjny realizm obrazów i perfekcja warsztatu artystycznego znalazły odzwierciedlenie w długich seriach wspaniałych arkuszy, tematycznie jeszcze bardziej zróżnicowanych niż malarstwo mistrza. Do najbardziej znanych należą „Chrystus Uzdrawiający Chorych” (tzw. „Liść stu florenów”, ok. 1649), „Trzy krzyże” (1653), portrety Lutmy (1656), Haring (1655), Sześć (1647), a także krajobrazy znane jako Trzy Drzewa (1643) i Posiadłość Złotego Wagi (1651).
Równie ważne miejsce w graficznym dziedzictwie Rembrandta zajmują rysunki. Ostrość i oryginalność postrzegania otaczającego świata przez Rembrandta została ze szczególną mocą odzwierciedlona w tych licznych i różnorodnych arkuszach. Sposób rysowania, podobnie jak styl malarski Rembrandta, zauważalnie ewoluuje w trakcie twórczego rozwoju mistrza. O ile wczesne rysunki Rembrandta były dopracowane szczegółowo i dość złożone kompozycyjnie, to w okresie dojrzalszym wykonywał je w szerokim manierze malarskiej, niezwykle zwięzłej i prostej. Rembrandt rysował zwykle gęsim lub trzcinowym piórem i przy pomocy najprostszych technik potrafił osiągnąć niezwykłą siłę wyrazu. R. pozostawił 2000 rysunków. Jego rysunki, nawet jeśli są drobnymi szkicami jakiegoś zwyczajnego motywu, stanowią kompletną całość, w pełni oddającą całą różnorodność natury.
Za epilog dzieła R. można uznać jego majestatyczne płótno „Powrót syna marnotrawnego” (ok. 1668-1669, Pustelnia), w którym z największą kompletnością objawiła się estetyczna wysokość i malarska kunszt artysty. Ewangeliczna przypowieść o młodym człowieku, który opuścił dom, roztrwonił swój majątek i wrócił do ojca nieszczęśliwy, obdarty, upokorzony, wypełnia artysta głęboko ludzką treścią. Szlachetna idea miłości do cierpiącego człowieka objawia się tutaj w obrazach uderzających życiową przekonywalnością. Twarz starego na wpół ślepego ojca i gest jego rąk wyrażają nieskończoną dobroć, a postać syna w brudnych łachmanach, przytulonego do ojca, jest szczerą i głęboką skruchą. Chyba żaden inny obraz Rembrandta nie wywołuje tylu głębokich i współczujących uczuć. Rembrandt uczył swoich widzów o miłości i przebaczeniu. W przyszłości, w ostatnich latach i miesiącach, życie Rembrandta toczy się na zewnątrz spokojnie. Przeżywszy Hendrickje i Tytusa, zmarł 4 października 1669 r.
R. miał ogromny wpływ na sztukę. Nie było w Holandii malarza, który nie doświadczyłby wpływu wielkiego artysty, z którego najsłynniejszymi byli Ferdinand Bol (1616-1680), Gerbrand van den Eckgout (1621-1674) i Art de Gelder (1645-1727). Po opanowaniu tematów, technik kompozytorskich i typów pedagogów nie wyszli jednak dalej w swoim malarstwie figurowym poza zewnętrzne naśladownictwo technik Rembrandta. Natomiast żywy wpływ mistrza zdecydowanie dotknął licznych sąsiadujących z nim pejzażystów - Philipsa Konincka (1619-1688), Doomera (1622-1700) i innych. Ale większość go zdradziła, przechodząc na pozycję akademizmu i naśladownictwa modnych wówczas Flamandów, a potem Francuzów.
Jak to często bywa w historii sztuki, mimo genialnego talentu Rembrandt zmarł w biedzie i samotności, zapomniany, bezużyteczny mistrz. Ale im dalej biegnie czas, tym cenniejsza w oczach ludzkości jest spuścizna artysty. Bez przesady można powiedzieć, że Rembrandt jest jednym z najwybitniejszych artystów w historii sztuki światowej. Wielu nazwałoby to niedoścignionym. Grób Rembrandta zaginął, ale jego dzieło przetrwa wieki.
W ostatniej ćwierci XVII wieku zaczyna się upadek malarstwa holenderskiego, utrata tożsamości narodowej i od początku. 18 wiek nadchodzi koniec wielkiej ery holenderskiego realizmu.
Kultura holenderska w XVII wieku
Zwycięstwo rewolucji burżuazyjnej w Niderlandach Północnych doprowadziło do powstania niepodległego państwa - Republiki Siedmiu Zjednoczonych Prowincji - Holandii (od nazwy najważniejszej z tych prowincji); po raz pierwszy w jednym z krajów Europy ustanowiono ustrój burżuazyjno-republikański. Siłami napędowymi rewolucji byli chłopi i najbiedniejsze warstwy ludności miejskiej, ale burżuazja, która doszła do władzy, wykorzystała jej zdobycze.
Wyzwolenie spod jarzma hiszpańskiego absolutyzmu i Kościoła katolickiego, zniesienie szeregu ograniczeń feudalnych otworzyło drogę do szybkiego wzrostu sił wytwórczych republiki, która według Marksa „była wzorowym krajem kapitalistycznym XVII wieku”. wieku.” Tylko w Holandii w tym czasie ludność miejska dominowała nad wiejską, ale głównym źródłem zysków nie był przemysł (choć rozwinęła się tu produkcja tekstylna, a zwłaszcza stoczniowa), ale handel pośredniczący, który rozszerzył się dzięki polityce kolonialnej. Wraz z bogaceniem się klas rządzących, pogłębianiem się ubóstwa ludu pracującego, zrujnowaniem chłopów i rzemieślników, aw połowie XVII wieku nasiliły się sprzeczności klasowe.
Jednak w pierwszych dziesięcioleciach po utworzeniu republiki żyły demokratyczne tradycje epoki rewolucyjnej. Szerokość ruchu narodowowyzwoleńczego, wzrost samoświadomości ludu, radość z wyzwolenia spod obcego jarzma zjednoczyły najróżniejsze warstwy ludności. Kraj stworzył warunki do rozwoju nauki i sztuki. Schronienie znaleźli tu zaawansowani myśliciele tamtych czasów, w szczególności francuski filozof Kartezjusz, i ukształtował się fundamentalnie materialistyczny system filozoficzny Spinozy. Najwyższe osiągnięcia osiągnęli artyści holenderscy, tacy malarze jak Rembrandt, Ruisdael, Terborch, Hals, Hobbema, Honthorst i wielu innych mistrzów malarstwa. Artyści holenderscy jako pierwsi w Europie uwolnili się od opresyjnych wpływów środowisk dworskich i Kościoła katolickiego, tworząc demokratyczną i realistyczną sztukę, która bezpośrednio odzwierciedla rzeczywistość społeczną.
Malarstwo holenderskie XVII wieku
Charakterystyczną cechą rozwoju sztuki holenderskiej była znaczna przewaga wśród wszystkich jej rodzajów malarstwa. Obrazy zdobiły domy nie tylko przedstawicieli rządzącej elity społeczeństwa, ale także ubogich mieszczan, rzemieślników i chłopów; sprzedawano je na aukcjach i targach; czasami artyści używali ich jako środka płacenia rachunków. Zawód artysty nie należał do rzadkości, malarzy było wielu i zaciekle ze sobą rywalizowali. Niewielu z nich mogło się wyżywić malując, wielu wykonywało różne prace: Sten był karczmarzem, Hobbema był urzędnikiem akcyzowym, Jacob van Ruysdael był lekarzem.
Szybki rozwój malarstwa niderlandzkiego w XVII wieku tłumaczył nie tylko popyt na obrazy ze strony tych, którzy chcieli nimi ozdobić swoje domy, ale także ich postrzeganie jako towaru, jako środka zysku, źródła spekulacji. Pozbywszy się bezpośredniego klienta - Kościoła katolickiego czy wpływowego filantropa feudalnego - artysta był całkowicie uzależniony od wymagań rynku. Upodobania społeczeństwa burżuazyjnego wyznaczały drogi rozwoju sztuki holenderskiej, a artyści, którzy się im przeciwstawiali, broniąc swojej niezależności w sprawach twórczości, znaleźli się w izolacji, przedwcześnie umierając w potrzebie i samotności. Co więcej, byli to z reguły najbardziej utalentowani mistrzowie. Wystarczy wspomnieć nazwiska Halsa i Rembrandta.
Głównym obiektem obrazu dla artystów holenderskich była otaczająca rzeczywistość, która nigdy wcześniej nie znalazła tak pełnego odzwierciedlenia w twórczości malarzy innych szkół narodowych. Odwoływanie się do najróżniejszych aspektów życia doprowadziło do utrwalenia tendencji realistycznych w malarstwie, w którym wiodącą pozycję zajmował codzienny gatunek oraz portret, pejzaż i martwa natura. Im wierniej, im głębiej artyści oddawali otwierający się przed nimi świat realny, tym bardziej znaczące były ich prace.
Każdy gatunek miał swoje własne gałęzie. I tak np. wśród pejzażystek znajdowali się malarze maryniści (przedstawiający morze), malarze preferujący widoki płaskich miejsc lub zarośli leśnych, byli mistrzowie, którzy specjalizowali się w pejzażach zimowych i pejzażach przy świetle księżyca: wśród malarzy rodzajowych, przedstawiano chłopów, mieszczan, sceny z uczt i życia domowego, sceny myśliwskie i jarmarki; byli mistrzowie wnętrz kościelnych i różnego rodzaju martwych natur - „śniadania”, „desery”, „sklepy” itp. Wpływały na to cechy ograniczeń malarstwa holenderskiego, zawężając liczbę zadań dla jego twórców. Ale jednocześnie koncentracja każdego z artystów na określonym gatunku przyczyniła się do wyrafinowania warsztatu malarza. Tylko najwięksi z holenderskich artystów pracowali w różnych gatunkach.
Powstawanie realistycznego malarstwa holenderskiego odbywało się w walce z nurtem italianizującym i manieryzmem. Przedstawiciele tych trendów, każdy na swój sposób, ale wyłącznie na zewnątrz, zapożyczyli techniki włoskich artystów, głęboko obce tradycjom narodowego malarstwa holenderskiego. Na wczesnym etapie kształtowania się malarstwa niderlandzkiego, obejmującego lata 1609-1640, tendencje realistyczne przejawiały się wyraźniej w gatunkach portretowych i potocznych.
Krajobraz Holandii
Zasady holenderskiego krajobrazu realistycznego ukształtowały się w pierwszej połowie XVII wieku. Zamiast warunkowych kanonów i wyidealizowanej, wymyślonej natury w obrazach mistrzów italianizującego kierunku, twórcy realistycznego pejzażu zwrócili się ku ukazaniu prawdziwej natury Holandii z jej wydmami i kanałami, domami i wsiami. Nie tylko uchwycili charakter okolicy ze wszystkimi znakami, tworząc typowe motywy krajobrazu narodowego, ale starali się oddać klimat pory roku, wilgotne powietrze i przestrzeń. Przyczyniło się to do rozwoju malarstwa tonalnego, podporządkowania wszystkich elementów obrazu jednemu tonu.
Jednym z największych przedstawicieli holenderskiego pejzażu realistycznego był Jan van Goyen (1596-1656). Pracował w Lejdzie i Hadze. Ulubione motywy artysty Jana van Goyena w jego małych pejzażach: doliny i tafla szerokich rzek z miastami i wsiami na ich brzegach w szare, pochmurne dni. Dużo miejsca (około dwie trzecie zdjęcia) Jan van Goyen zostawił niebo z wirującymi chmurami nasyconymi wilgocią. Taki jest obraz „Widok na rzekę Vaal w pobliżu Nijmegen” (1649, Moskwa, Państwowe Muzeum Sztuk Pięknych im. Puszkina), utrzymany w cienkiej brązowo-szarej gamie kolorów.
Szczególny rodzaj pejzażu przedstawiający zwierzęta, pastwiska z krowami, owce stworzył Paul Potter (1625-1654). Artysta, który doskonale przestudiował zwyczaje zwierząt, często robił im zbliżenia, starannie wypisując fakturę każdego materiału, miękkiej wełny i najdrobniejsze szczegóły. Takie są obrazy „Byk” (1647, Haga, Mauritshuis), „Pies na łańcuchu” (Petersburg, Ermitaż).
Holenderska martwa natura
Wraz z malarstwem pejzażowym martwa natura, która wyróżniała się intymnym charakterem, rozpowszechniła się w Holandii w XVII wieku. Artyści holenderscy wybierali do swoich martwych natur najróżniejsze przedmioty, wiedzieli, jak je idealnie komponować, by wydobyć cechy każdego przedmiotu i jego wewnętrzne życie, nierozerwalnie związane z życiem człowieka.
XVII-wieczni malarze holenderscy Pieter Claesz (ok. 1597 - 1661) i Willem Heda (1594-1680/1682) malowali liczne warianty „śniadań”, przedstawiające szynki, rumiane bułeczki, placki jeżynowe, kruche szklane kielichy napełnione do połowy winem, z niesamowitym umiejętnym oddaniem koloru, objętości, faktury każdego przedmiotu. Niedawna obecność człowieka jest namacalna w nieporządku, przypadkowym ułożeniu rzeczy, które mu właśnie służyły. Ale to zaburzenie jest tylko pozorne, ponieważ skład każdej martwej natury jest dokładnie przemyślany i znaleziony. Dyskretna szaro-złota, oliwkowa gama tonalna ujednolica motywy i nadaje szczególny wyraz tym czystym kolorom, które podkreślają świeżość świeżo ściętej cytryny lub miękkiego jedwabiu niebieskiej wstążki.
Z czasem „śniadania” mistrzów martwej natury, malarzy Claesa i Hedy ustępują miejsca „deserom” holenderskich artystów Abrahama van Beijerena (1620/1621-1690) i Willema Kalfa (1622-1693). Martwe natury Beieren są surowe w kompozycji, bogate emocjonalnie, kolorowe. Willem Kalf przez całe życie malował swobodnie i demokratycznie „kuchnie” - garnki, warzywa i martwe natury, arystokratyczny w doborze wykwintnych drogocennych przedmiotów, pełen powściągliwej szlachetności, jak srebrne naczynia, kielichy, muszle nasycone wewnętrznym wypalaniem kolorów .
W dalszym rozwoju martwa natura podąża tymi samymi ścieżkami, co cała sztuka holenderska, tracąc swoją demokrację, duchowość i poezję, swój urok. Martwa natura zamienia się w ozdobę domu wysokiej rangi klientów. Z całą dekoracyjnością i umiejętnością wykonania późne martwe natury przewidują upadek malarstwa holenderskiego.
Zwyrodnienie społeczne, znana arystokratyzacja burżuazji holenderskiej w ostatniej trzeciej połowie XVII wieku, rodzi tendencję do zbieżności z poglądami estetycznymi szlachty francuskiej, prowadzi do idealizacji obrazów artystycznych, ich wyrafinowania. Sztuka traci więź z tradycją demokratyczną, traci swoje realistyczne podstawy i wchodzi w okres długiego upadku. Mocno wyczerpana wojnami z Anglią Holandia traci pozycję wielkiej potęgi handlowej i największego ośrodka artystycznego.
Sztuka francuska XVII wieku
W sztuce francuskiej XVII wieku najpełniejsze odzwierciedlenie znalazły wyobrażenia o człowieku i jego miejscu w społeczeństwie, wygenerowane do czasu powstania scentralizowanych monarchii w Europie. Jako klasyczny kraj absolutyzmu, który zapewniał rozwój stosunków burżuazyjnych, Francja przeżywała rozkwit gospodarczy i stała się potężną potęgą europejską. Walka o zjednoczenie narodowe przeciwko samowoli feudalnej i anarchii przyczyniła się do umocnienia wysokiej dyscypliny umysłu, poczucia odpowiedzialności jednostki za swoje czyny i zainteresowania problemami państwa. Filozof Kartezjusz rozwinął teorię woli, głosząc dominację ludzkiego umysłu. Nawoływał do samopoznania i podboju natury, traktując świat jako racjonalnie zorganizowany mechanizm. Racjonalizm stał się charakterystyczną cechą kultury francuskiej. W połowie XVII wieku rozwinął się narodowy język literacki, który potwierdzał zasady logicznej jasności, dokładności i poczucia proporcji. W twórczości Corneille'a i Racine'a francuska tragedia klasyczna osiągnęła apogeum. W swoich dramatach Molier odtwarza „ludzką komedię”. Francja przeżywała rozkwit kultury narodowej, nieprzypadkowo Voltaire nazwał XVII wiek „wielkim”.
Kultura francuska XVII wieku ukształtowała się w warunkach ustanowienia absolutyzmu. Jednak jego różnorodność i niespójność determinowały szeroki ruch na rzecz zjednoczenia narodowego. Znalazła żywe reakcje na ostre konflikty społeczne, które towarzyszyły narodzinom nowego społeczeństwa. W pierwszej połowie XVII wieku posadami państwa wstrząsnęły powstania chłopskie i miejskie, duży ruch demokratyczny parlamentarnej Frondy. Na tej podstawie rodziły się utopie, marzenia o idealnym społeczeństwie opartym na prawach rozumu i sprawiedliwości oraz wolnomyślicielska krytyka absolutyzmu. Rozwój sztuki francuskiej w XVII wieku przebiegał w dwóch etapach, zbiegając się z pierwszą i drugą połową stulecia.
Sztuka Europy Zachodniej w XVIII wieku
Wiek XVIII w Europie Zachodniej jest ostatnim etapem długiego przejścia od feudalizmu do kapitalizmu. W połowie stulecia zakończył się proces prymitywnej akumulacji kapitału, walka toczyła się we wszystkich sferach świadomości społecznej i dojrzewała sytuacja rewolucyjna. Doprowadziło to później do dominacji klasycznych form rozwiniętego kapitalizmu. W ciągu stulecia dokonano gigantycznego załamania wszelkich społecznych i państwowych fundamentów, koncepcji i kryteriów oceny starego społeczeństwa. Powstało cywilizowane społeczeństwo, ukazywała się prasa periodyczna, powstawały partie polityczne, toczyła się walka o wyzwolenie człowieka z okowów światopoglądu feudalno-religijnego.
W sztukach wizualnych wzrosło znaczenie bezpośredniego realistycznego przedstawiania życia. Sfera sztuki poszerzyła się, stała się aktywnym rzecznikiem idei wyzwoleńczych, przepełnionych aktualnością, duchem walki, piętnował wady i absurdy nie tylko feudalnego, ale i rodzącego się społeczeństwa burżuazyjnego. Przedstawiał też nowy pozytywny ideał nieskrępowanej osobowości człowieka, wolnego od hierarchicznych idei, rozwijającego indywidualne zdolności, a jednocześnie obdarzonego szlachetnym poczuciem obywatelstwa. Sztuka stała się narodowa, przemawiała nie tylko do kręgu wyrafinowanych koneserów, ale do szerokiego środowiska demokratycznego.
| Sztuki plastyczne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najwspanialszych ludzkich przeżyć, odtworzeniem niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna (czasem bezlitosna) obserwacja to cechy charakterystyczne dla sztuki XVIII wieku. zarówno w gatunku portretu, jak i w malarstwie codziennym. Te cechy artystycznego postrzegania życia są wkładem XVIII wieku w rozwój światowej kultury artystycznej, choć należy uznać, że osiągnięto to kosztem utraty uniwersalnej kompletności w obrazowaniu życia duchowego, integralności w ucieleśnienie estetycznych poglądów społecznych, charakterystycznych dla malarstwa Rubensa, Velasqueza, Rembrandta, Poussina. | |
Główne nurty rozwoju społeczno-ideologicznego Europy Zachodniej w XVIII wieku przejawiały się nierównomiernie w różnych krajach. Jeśli w Anglii rewolucja przemysłowa, która miała miejsce w połowie XVIII wieku, umocniła kompromis między burżuazją a szlachtą, to we Francji ruch antyfeudalny miał bardziej masowy charakter i przygotowywał rewolucję burżuazyjną. Wspólny dla wszystkich krajów był kryzys feudalizmu, jego ideologii, powstanie szerokiego ruchu społecznego - Oświecenia, z jego kultem pierwotnej, nietkniętej Natury i chroniącego go Umysłu, z jego krytyką współczesnej skorumpowanej cywilizacji i marzeniem harmonia dobroczynnej natury i nowa demokratyczna cywilizacja skłaniająca się ku kondycji naturalnej.
Wiek XVIII to wiek Rozumu, niszczącego wszystko sceptycyzmu i ironii, wiek filozofów, socjologów, ekonomistów; rozwinęły się ścisłe nauki przyrodnicze, geografia, archeologia, historia i filozofia materialistyczna, związana z technologią. Wdzierając się w życie umysłowe epoki, wiedza naukowa stworzyła podwaliny pod trafną obserwację i analizę rzeczywistości dla sztuki. Oświeceni głosili za cel sztuki naśladowanie natury, ale natury uporządkowanej, udoskonalonej (Didero, A. Pope), oczyszczonej przez umysł ze szkodliwych skutków cywilizacji stworzonej przez człowieka, stworzonej przez reżim absolutystyczny, nierówności społecznej, lenistwa i luksusu. Racjonalizm myśli filozoficzno-estetycznej XVIII wieku nie tłumił jednak świeżości i szczerości uczuć, lecz dawał początek dążeniu do proporcjonalności, wdzięku i harmonijnej kompletności zjawisk artystycznych sztuki, od zespołów architektonicznych po Sztuka użytkowa. Oświeceni przywiązywali wielką wagę w życiu i sztuce do uczucia, będącego przedmiotem najszlachetniejszych dążeń ludzkości, uczucia tęskniącego za celowym działaniem, zawierającego w sobie siłę, która rewolucjonizuje życie, uczucia zdolnego do ożywienia pierwotnych cnót „osoby naturalnej” ( Defoe, Rousseau, Mercier), zgodnie z prawami natury.
Aforyzm Rousseau „Człowiek jest wielki tylko w uczuciach” wyrażał jeden z niezwykłych aspektów życia społecznego XVIII wieku, który dał początek dogłębnej, wyrafinowanej analizie psychologicznej w realistycznym portrecie i gatunku, poezji uczuć nasycony pejzażem lirycznym (Gainsborough, Watteau, Bernay, Robert) „powieść liryczną”, „wiersze prozą” (Rousseau, Prevost, Marivaux, Fielding, Stern, Richardson), osiąga najwyższy wyraz w rozwoju muzyki (Handel, Bach, Gluck, Haydn, Mozart, włoscy kompozytorzy operowi). Z jednej strony „mali ludzie” stali się bohaterami artystycznych dzieł malarstwa, grafiki, literatury i teatru XVIII wieku - ludzie, jak wszyscy, umieszczeni w zwykłych warunkach epoki, nie zepsuty dobrobytem i przywilejami, podlegający zwykłym, naturalnym ruchom duszy, zadowalający się skromnym szczęściem. Artyści i pisarze podziwiali ich szczerość, naiwną bezpośredniość duszy, bliskość natury. Z drugiej strony skupiono się na wyzwolonym przez kulturę oświeceniową ideale wyemancypowanego cywilizowanego człowieka intelektualnego, analizie jego indywidualnej psychiki, sprzecznych stanach psychicznych i uczuciach z ich subtelnymi niuansami, niespodziewanymi impulsami i refleksyjnymi nastrojami.
Ostra obserwacja, wyrafinowana kultura myśli i uczuć są charakterystyczne dla wszystkich gatunków artystycznych XVIII wieku. Artyści starali się uchwycić różne odcienie sytuacji życia codziennego, oryginalne indywidualne obrazy, skłaniające się ku zabawnym narracjom i urzekającemu spektaklowi, ostre, sprzeczne akcje, dramatyczne intrygi i wątki komediowe, wyrafinowana groteska, bufonada, pełne wdzięku pastorały, waleczne biesiady.
Nowe problemy pojawiły się także w architekturze. Zmalało znaczenie budownictwa kościelnego, a wzrosła rola architektury cywilnej, znakomicie prostej, zaktualizowanej, wolnej od nadmiernego imponowania. W niektórych krajach (Francja, Rosja, częściowo Niemcy) rozwiązano problemy planowania miast przyszłości. Narodziły się utopie architektoniczne (graficzne pejzaże architektoniczne - Giovanni Battista Piranesi oraz tzw. "architektura papierowa"). Charakterystyczny stał się typ prywatnej, zazwyczaj kameralnej zabudowy mieszkalnej oraz zespołów urbanistycznych budynków użyteczności publicznej. Jednocześnie w sztuce XVIII wieku, w porównaniu z poprzednimi epokami, zmniejszyła się syntetyczna percepcja i kompletność przekazu życia. Zerwano dawny związek malarstwa monumentalnego i rzeźby z architekturą, utrwaliły się w nich cechy malarstwa sztalugowego i dekoracyjności. Przedmiotem szczególnego kultu była sztuka życia codziennego, formy dekoracyjne. Jednocześnie wzrastała interakcja i wzajemne wzbogacanie się różnych rodzajów sztuki, z dorobku jednego rodzaju sztuki swobodniej korzystały inne. Wpływ teatru na malarstwo i muzykę był więc bardzo owocny.
Sztuka XVIII wieku przechodziła dwa etapy. Pierwsza trwała do 1740-1760. Charakteryzuje się modyfikacją form późnobarokowych w dekoracyjny styl rokoko. Oryginalność sztuki pierwszej połowy XVIII wieku - w połączeniu dowcipnego i prześmiewczego sceptycyzmu i wyrafinowania. Sztuka ta z jednej strony wyrafinowana, analizująca niuanse uczuć i nastrojów, dążąca do eleganckiej intymności, powściągliwego liryzmu, z drugiej skłaniająca się ku „filozofii przyjemności”, ku baśniowym obrazom Wschodu - Arabów, Chińczycy, Persowie. Równolegle z Rococo rozwinął się nurt realistyczny - dla niektórych mistrzów nabrał on charakteru ostro oskarżycielskiego (Hogarth, Swift). Otwarcie manifestowano walkę nurtów artystycznych w szkołach narodowych. Drugi etap wiąże się z pogłębieniem sprzeczności ideologicznych, wzrostem samoświadomości, działalnością polityczną burżuazji i mas. Na przełomie lat 1760-1770. Akademia Królewska we Francji sprzeciwiała się sztuce rokoko i próbowała wskrzesić ceremonialny, idealizujący styl sztuki akademickiej końca XVII wieku. Gatunki szarmanckie i mitologiczne ustąpiły miejsca gatunkowi historycznemu z fabułami zapożyczonymi z historii Rzymu. Miały na celu podkreślenie wielkości monarchii, która utraciła autorytet, zgodnie z reakcyjną interpretacją idei „oświeconego absolutyzmu”. Przedstawiciele myśli zaawansowanej zwrócili się ku dziedzictwu starożytności. We Francji hrabia de Caylus otworzył erę naukową badań w tej dziedzinie („Kolekcja Starożytności”, 7 tomów, 1752-1767). W połowie XVIII wieku niemiecki archeolog i historyk sztuki Winckelmann (Historia sztuki antycznej, 1764) wezwał artystów do powrotu do „szlachetnej prostoty i spokojnej wielkości sztuki antycznej, niosąc w sobie odbicie wolności Grecy i Rzymianie epoki republiki”. Francuski filozof Diderot znalazł w starożytnej historii spiski potępiające tyranów i wzywające do powstania przeciwko nim. Powstał klasycyzm, kontrastujący dekoracyjność rokoka z naturalną prostotą, subiektywną arbitralnością namiętności - znajomością praw realnego świata, wyczuciem proporcji, szlachetnością myśli i czynów. Artyści najpierw studiowali starożytną sztukę grecką przy nowo odkrytych zabytkach. Głoszenie idealnego, harmonijnego społeczeństwa, prymat obowiązku nad uczuciem, patos rozumu to wspólne cechy klasycyzmu XVII i XVIII wieku. Jednak w warunkach rozkwitu społeczeństwa szlacheckiego rozwinął się klasycyzm XVII wieku, który powstał na gruncie zjednoczenia narodowego. Klasycyzm XVIII w. charakteryzuje się antyfeudalną orientacją rewolucyjną. Miał on na celu zjednoczenie postępowych sił narodu do walki z absolutyzmem. Poza Francją klasycyzm nie miał charakteru rewolucyjnego, jaki miał we wczesnych latach rewolucji francuskiej.
Równolegle z klasycyzmem, doświadczając jego wpływu, utrzymał się nurt realistyczny. Zarysowano w nim tendencje racjonalistyczne: artyści dążyli do uogólniania zjawisk życiowych.
W drugiej połowie XVIII wieku narodził się sentymentalizm z kultem uczucia i namiętności, podziwem dla wszystkiego, co proste, naiwne, szczere. Powstał pokrewny nurt przedromantyczny w sztuce, a także zainteresowanie średniowieczem i formami sztuki ludowej. Przedstawiciele tych nurtów podkreślali wartość szlachetnych i aktywnych uczuć człowieka, ujawniali dramat jego konfliktów z otoczeniem, skłaniając go do ingerowania w prawdziwe sprawy publiczne w imię triumfu sprawiedliwości. Utorowali drogę „do poznania ludzkiego serca i magicznej sztuki przedstawiania oczom początku, rozwoju i upadku wielkiej namiętności” (Lessing) i wyrażali rosnącą potrzebę sztuki wzburzonej, żałosnej.
Sztuka XIX wieku
W XIX wieku kapitalizm stał się formacją dominującą nie tylko w Europie, ale także na innych kontynentach. W tym okresie doszło do gwałtownej eskalacji walki między dwiema kulturami - postępową demokracją i reakcyjną burżuazją. Wyrażając zaawansowane idee tamtych czasów, realistyczna sztuka XIX wieku afirmowała estetyczne walory rzeczywistości, gloryfikowała piękno prawdziwej natury i człowieka pracy. Realizm XIX wieku różnił się od wieków poprzednich tym, że bezpośrednio odzwierciedlał w sztuce główne sprzeczności epoki, społeczne warunki życia ludzi. Pozycje krytyczne stały się podstawą metody sztuki realistycznej w XIX wieku. Jego najbardziej konsekwentnym wcieleniem była sztuka realizmu krytycznego - najcenniejszy wkład w kulturę artystyczną epoki.
Różne dziedziny kultury XIX wieku rozwijały się nierównomiernie. Literatura światowa (Victor Hugo, Honore Balzac, Henri Stendhal, Fiodor Dostojewski, Lew Tołstoj), muzyka (Johann Beethoven, Fryderyk Chopin, Ryszard Wagner) osiąga najwyższe wyżyny. Jeśli chodzi o architekturę i sztuki użytkowe, po powstaniu, które zdefiniowało styl empirowy, obie te sztuki przeżywają kryzys. Następuje rozpad form monumentalnych, jedność stylistyczna jako integralny system artystyczny, obejmujący wszystkie rodzaje sztuki. Najpełniejsze rozwinięcie uzyskują sztalugowe formy malarstwa, grafiki i częściowo rzeźby, które w najlepszych przejawach skłaniają się ku formom monumentalnym.
Wraz z tożsamością narodową w sztuce każdego kraju kapitalistycznego wzmacniane są cechy wspólne: krytyczna ocena zjawisk życiowych, historyzm myślenia, czyli głębsze obiektywne zrozumienie sił napędowych rozwoju społecznego, zarówno minionych etapów historycznych, jak i obecny. Jednym z głównych osiągnięć sztuki XIX wieku jest rozwój wątków historycznych, w których po raz pierwszy ujawnia się rola nie tylko pojedynczych bohaterów, ale i mas ludowych, dokładniej odtwarza się środowisko historyczne . Szeroko stosowane są wszelkiego rodzaju portrety, gatunki codzienne, pejzaże o wyraźnym charakterze narodowym. Czas rozkwitu przeżywa satyryczną grafikę.
Wraz ze zwycięstwem kapitalizmu wielka burżuazja staje się główną zainteresowaną siłą w ograniczaniu i tłumieniu realistycznych i demokratycznych tendencji sztuki. Wytwory czołowych postaci kultury europejskiej Constable, Goya, Gericault, Delacroix, Daumier, Courbet, Manet były często prześladowane. Wystawy wypełnione były szlifowanymi dziełami tzw. artystów salonowych, czyli tych, którzy w salonach sztuki zajmowali dominujące miejsce. Aby zadowolić gusta i wymagania mieszczańskich klientów, kultywowali powierzchowne opisy, motywy erotyczne i rozrywkowe, ducha przeprosin za mieszczańskie fundacje i militaryzm.
Już w latach 60. XIX wieku Karol Marks zauważył, że „produkcja kapitalistyczna jest wrogo nastawiona do pewnych gałęzi produkcji duchowej, takich jak sztuka i poezja”. Sztuka interesuje burżuazję głównie jako opłacalna inwestycja (kolekcjonerstwo) lub jako przedmiot luksusowy. Oczywiście byli kolekcjonerzy, którzy naprawdę rozumieli sztukę i jej przeznaczenie, ale było ich niewiele, wyjątków od reguł. Generalnie burżuazja, działając jako wyznacznik trendów i główny konsument sztuki, narzuciła artystom swoje ograniczone rozumienie sztuki. Rozwój masowej produkcji masowej z jej bezosobowością i uzależnieniem od rynku pociągał za sobą stłumienie kreatywności. Podział pracy w produkcji kapitalistycznej kultywuje jednostronny rozwój jednostki i pozbawia samą pracę integralności twórczej. Mówiąc o wrogości kapitalizmu do sztuki, Marks i Engels nie mieli na myśli ogólnej niemożności postępu artystycznego w XIX i XX wieku. Twórcy komunizmu naukowego chwalili w swoich pismach osiągnięcia m.in. XIX-wiecznego realizmu krytycznego.
Demokratyczna linia sztuki, ukazująca rolę ludu jako siły napędowej historii i afirmująca walory estetyczne demokratycznej kultury narodu, przechodzi szereg etapów rozwoju. W pierwszym etapie, od Wielkiej Rewolucji Francuskiej 1789-1794 do 1815 (czasu narodowowyzwoleńczej walki narodów z agresją napoleońską), wyzysk istoty społeczeństwa burżuazyjnego nie był jeszcze w pełni uświadomiony. Sztuka demokratyczna kształtuje się w walce z pozostałościami szlacheckiej kultury artystycznej, a także z przejawami ograniczeń ideologii burżuazyjnej. Najwyższe osiągnięcia ówczesnej sztuki wiązały się z rewolucyjnym patosem mas, które wierzyły w zwycięstwo ideałów wolności, równości i braterstwa. To rozkwit rewolucyjnego klasycyzmu i narodziny sztuki romantycznej i realistycznej.
Drugi etap, od 1815 do 1849 roku, przypada na czas ustanowienia systemu kapitalistycznego w większości krajów europejskich. W zaawansowanej sztuce demokratycznej tego etapu dokonuje się przejście do stanowczej krytyki wyzyskującej istoty społeczeństwa burżuazyjnego. To okres największego rozkwitu rewolucyjnego romantyzmu i kształtowania się sztuki realizmu krytycznego.
Wraz z zaostrzeniem się sprzeczności klasowych między burżuazją a proletariatem, osiągającym swoje apogeum podczas Komuny Paryskiej (1871), antagonizm między reakcyjnymi kulturami burżuazyjnymi i demokratycznymi staje się jeszcze bardziej wyraźny. Pod koniec XIX wieku krytyka kapitalistycznego stylu życia, zarówno w literaturze, jak iw dziełach sztuki, prowadzona jest z punktu widzenia rosnącego światopoglądu rewolucyjnego proletariatu.
Podobne informacje.
Artyści holenderscy wnieśli wielki wkład w twórczość mistrzów, którzy rozpoczęli swoją pracę w XVII wieku i nie poprzestali aż do dziś. Mieli jednak wpływ nie tylko na swoich kolegów, ale także na profesjonalistów z dziedziny literatury (Valentin Proust, Donna Tartt) i fotografii (Ellen Cooy, Bill Gekas i inni).
Początek rozwoju
W 1648 r. Holandia uzyskała niepodległość, ale aby utworzyć nowe państwo, Holandia musiała znieść akt zemsty ze strony Hiszpanii, która zniszczyła w tym czasie około 10 tysięcy ludzi we flamandzkiej Antwerpii. W wyniku masakry mieszkańcy Flandrii wyemigrowali z terenów kontrolowanych przez władze hiszpańskie.
Na tej podstawie logiczne byłoby przyznanie, że impuls dla niezależnych artystów holenderskich pochodził właśnie z twórczości flamandzkiej.
Od XVII wieku odbywały się zarówno gałęzie państwowe, jak i artystyczne, co prowadzi do powstania dwóch szkół artystycznych, oddzielonych narodowością. Miały wspólne pochodzenie, ale w znakach bardzo się różniły. Podczas gdy Flandria pozostawała pod skrzydłami katolicyzmu, Holandia przeżywała od XVII wieku zupełnie nowy rozkwit.
kultura holenderska
W XVII wieku nowe państwo wkroczyło dopiero na ścieżkę swojego rozwoju, całkowicie zrywając związek ze sztuką minionej epoki.
Walka z Hiszpanią stopniowo ucichła. Nastroje narodowe zaczęły być doszukiwane w kręgach ludowych po odejściu od narzuconej wcześniej przez władze religii katolickiej.
Dominacja protestancka miała kontrowersyjny pogląd na dekorację, co doprowadziło do redukcji dzieł o tematyce religijnej, a później trafiło już tylko do rąk sztuki świeckiej.
Nigdy wcześniej realna otaczająca rzeczywistość nie była tak często przedstawiana na zdjęciach. W swoich pracach holenderscy artyści chcieli pokazać zwykłą codzienność bez upiększeń, wyrafinowanych gustów i szlachetności.
Świecka eksplozja artystyczna dała początek tak licznym nurtom, jak pejzaż, portret, codzienność i martwa natura (o istnieniu których nawet najbardziej rozwinięte ośrodki Włoch i Francji nie wiedziały).
Własna wizja realizmu holenderskich artystów, wyrażona w portretach, pejzażach, pracach wnętrz i martwych naturach, wzbudziła zainteresowanie tą umiejętnością we wszystkich sektorach społeczeństwa.
W ten sposób holenderska sztuka XVII wieku została nazwana „Złotym Wiekiem Malarstwa Holenderskiego”, zapewniając jej status najwybitniejszej epoki w malarstwie Niderlandów.
Ważne jest, aby wiedzieć: istnieje błędna opinia, że szkoła holenderska przedstawiała tylko przeciętność ludzkiej egzystencji, ale mistrzowie tamtych czasów bezczelnie zniszczyli ramy za pomocą swoich fantastycznych dzieł (na przykład „Pejzaż z Janem Chrzcicielem ” przez Bloomart).
Artyści holenderscy XVII wieku. Rembrandta
Rembrandt Harmensz van Rijn uważany jest za jedną z największych postaci artystycznych w Holandii. Oprócz działalności artysty zajmował się również grawerowaniem i słusznie był uważany za mistrza światłocienia.
Jego spuścizna jest bogata w indywidualne zróżnicowanie: portrety, sceny rodzajowe, martwe natury, pejzaże, a także obrazy o tematyce historycznej, religijnej i mitologicznej.
Jego umiejętność opanowania światłocienia umożliwiła wzmocnienie emocjonalnej ekspresji i duchowości osoby.
Podczas pracy nad portretami pracował nad ludzką mimiką.
W związku z bolesnymi, tragicznymi wydarzeniami jego późniejsze prace przepełniało przyćmione światło odsłaniające głębokie uczucia ludzi, w wyniku czego błyskotliwe dzieła nikogo nie interesowały.
W tym czasie modne było piękno zewnętrzne bez prób zagłębienia się w głąb, a także naturalizm, który kłócił się z jawnym realizmem.
Obraz „Powrót syna marnotrawnego” może zobaczyć każdy rosyjski miłośnik sztuk pięknych, ponieważ dzieło to znajduje się w Ermitażu w Petersburgu.
Frans Hals
Frans Hals jest znakomitym holenderskim artystą i ważnym portrecistą, który pomógł wprowadzić gatunek wolnego pisania do sztuki rosyjskiej.
Dziełem, które przyniosło mu sławę, był obraz „Uczta oficerów kompanii strzeleckiej św. Jerzego”, napisany w 1616 roku.
Jego praca portretowa jak na tamte czasy była zbyt naturalna, co nie pasowało do współczesności. W związku z tym, że artysta pozostał niezrozumiany, podobnie jak wielki Rembrandt, zakończył życie w biedzie. Cyganka (1625-1630) to jedno z jego najsłynniejszych dzieł.
Jan Steen
Jan Steen to jeden z najbardziej dowcipnych i zabawnych holenderskich artystów na pierwszy rzut oka. Wyśmiewając przywary społeczne, lubił odwoływać się do umiejętności satyry społecznej. On, zabawiając widza nieszkodliwymi, zabawnymi obrazami biesiadników i dam o łatwej cnocie, faktycznie ostrzegał przed takim stylem życia.
Artysta miał też spokojniejsze obrazy, na przykład pracę „Toaleta poranna”, która na pierwszy rzut oka wydawała się działaniem absolutnie niewinnym. Ale jeśli przyjrzysz się uważnie szczegółom, możesz być dość zaskoczony ich rewelacjami: są to ślady pończoch, które wcześniej ściskały ci nogi, i garnek wypełniony czymś nieprzyzwoitym w nocy, a także pies, który pozwala sobie mieć rację na poduszce gospodyni.
W najlepszych własnych pracach artysta wyprzedzał swoich kolegów w eleganckim umiejętnym łączeniu palet barw i opanowaniu cieni.
Inni holenderscy artyści
W tym artykule wymieniono tylko trzy błyskotliwe osoby z dziesiątek, które zasługują na to, by stanąć na równi z nimi na tej samej liście:
W tym artykule zapoznałeś się z holenderskimi artystami z XVII wieku i ich twórczością.
