Wstęp
Impresjonizm jako zjawisko w sztuce
Impresjonizm w malarstwie
Artyści - Impresjoniści
3.1 Claude Monet
3.2 Edgar Degas
3.3 Alfred Sisley
3.4 Camille Pissarro
Wniosek
Lista bibliograficzna
Wstęp
Ten esej poświęcony jest impresjonizmowi w sztuce - malarstwie.
Impresjonizm to jedno z najjaśniejszych i najważniejszych zjawisk w sztuce europejskiej, które w dużej mierze zdeterminowało cały rozwój sztuki współczesnej. Obecnie prace nieuznawanych wówczas impresjonistów są wysoko cenione, a ich wartość artystyczna jest niezaprzeczalna. Trafność wybranego tematu tłumaczy się potrzebą zrozumienia przez każdą współczesną osobę stylów sztuki, poznania głównych kamieni milowych jej rozwoju.
Wybrałem ten temat, ponieważ impresjonizm był rodzajem rewolucji w sztuce, która zmieniła ideę dzieł sztuki jako rzeczy integralnych, monumentalnych. Impresjonizm wysunął na pierwszy plan indywidualność twórcy, własną wizję świata, zepchnął na dalszy plan tematy polityczne i religijne, prawa akademickie. Ciekawe, że w twórczości impresjonistów główną rolę odgrywały emocje i wrażenia, a nie fabuła i moralność.
Impresjonizm (fr. impresjonizm, z wrażenie- impresja) - nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku, który powstał we Francji, a następnie rozprzestrzenił się na cały świat, którego przedstawiciele dążyli do jak najbardziej naturalnego i bezstronnego uchwycenia świata rzeczywistego w jego ruchliwości i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie również w literaturze i muzyce.
Termin „impresjonizm” powstał z lekkiej ręki krytyka magazynu „Le Charivari” Louisa Leroya, który zatytułował swój felieton o Salonie Nędzników „Wystawą Impresjonistów”, biorąc za podstawę nazwę tego obrazu przez Claude'a Moneta.
Auguste Renoir Brodzik dla dzieci, Metropolitan Museum of Art, Nowy Jork
pochodzenie
W okresie renesansu malarze szkoły weneckiej próbowali przekazać żywą rzeczywistość za pomocą jasnych kolorów i tonów pośrednich. Hiszpanie skorzystali z ich doświadczeń, co najdobitniej wyrażają tacy artyści jak El Greco, Velazquez czy Goya, których twórczość wywarła później poważny wpływ na Maneta i Renoira.
W tym samym czasie Rubens barwi cienie na swoich płótnach za pomocą transparentnych odcieni pośrednich. Według Delacroix Rubens pokazywał światło o subtelnych, wyrafinowanych tonach, a cienie o cieplejszych i bardziej nasyconych barwach, oddając efekt światłocienia. Rubens nie używał czerni, która później stała się jedną z głównych zasad malarstwa impresjonistycznego.
Édouard Manet był pod wpływem holenderskiego artysty Fransa Halsa, który malował ostrymi pociągnięciami i uwielbiał kontrast jasnych kolorów i czerni.
Przejście malarstwa do impresjonizmu przygotowali także malarze angielscy. Podczas wojny francusko-pruskiej (1870-1871) Claude Monet, Sisley i Pissarro udali się do Londynu, aby studiować wielkich malarzy pejzażowych Constable, Bonington i Turner. Co do tego ostatniego, już w jego późniejszych pracach zauważalne jest zanikanie związku z rzeczywistym obrazem świata i wycofywanie się do indywidualnego przekazu wrażeń.
Duży wpływ miał Eugene Delacroix, wyróżniał już lokalny kolor i kolor nabyty pod wpływem światła, jego akwarele malowane w Afryce Północnej w 1832 lub w Etretat w 1835, a zwłaszcza obraz „Morze w Dieppe” (1835) pozwalają nam mówić o nim jako o prekursorze impresjonistów.
Ostatnim elementem, który wpłynął na innowatorów, była sztuka japońska. Od 1854 roku dzięki wystawom odbywającym się w Paryżu młodzi artyści odkrywają mistrzów japońskiej grafiki, takich jak Utamaro, Hokusai czy Hiroshige. Szczególny, nieznany dotąd w sztuce europejskiej układ obrazu na kartce papieru - kompozycja przemieszczona lub kompozycja o skłonności, schematycznym przekazywaniu formy, zamiłowaniu do syntezy artystycznej, zdobyła przychylność impresjonistów i ich zwolenników.
Fabuła
Edgara Degasa, niebieskie tancerki, 1897, Muzeum Puszkina im. Puszkin, Moskwa
Początek poszukiwań impresjonistów sięga lat 60. XIX wieku, kiedy młodzi artyści nie byli już usatysfakcjonowani środkami i celami akademizmu, w wyniku czego każdy z nich samodzielnie poszukuje innych dróg rozwoju swojego stylu. W 1863 r. Edouard Manet wystawił obraz „Obiad na trawie” w „Salonie odrzuconych” i aktywnie przemawiał na spotkaniach poetów i artystów w kawiarni Guerbois, w których uczestniczyli wszyscy przyszli założyciele nowego ruchu, dzięki czemu stał się głównym obrońcą sztuki nowoczesnej.
W 1864 roku Eugene Boudin zaprosił Moneta do Honfleur, gdzie mieszkał przez całą jesień, obserwując, jak jego nauczyciel malował szkice pastelami i akwarelami, a jego przyjaciel Jonkind malował swoje prace wibracyjnymi pociągnięciami. To tutaj nauczyli go pracować w plenerze i pisać jasnymi kolorami.
W 1871 roku, podczas wojny francusko-pruskiej, Monet i Pissarro wyjeżdżają do Londynu, gdzie zapoznają się z twórczością prekursora impresjonizmu, Williama Turnera.
Claude Monet. Wrażenie. Wschód słońca. 1872, Muzeum Marmottana Moneta, Paryż.
Pojawienie się nazwy
Pierwsza ważna wystawa impresjonistów odbyła się od 15 kwietnia do 15 maja 1874 w pracowni fotografa Nadara. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Obraz na płótnie Monet - „Wrażenie. Wschodzące słońce" ( Wrażenie, soleil levant), obecnie w Musée Marmottin w Paryżu, napisanym w 1872 r., zrodził termin „impresjonizm”: mało znany dziennikarz Louis Leroy w swoim artykule w czasopiśmie Le Charivari nazwał grupę „impresjonistami”, aby wyrazić swoją pogardę. Artyści, z powodu wyzwania, przyjęli ten epitet, później zakorzenił się, stracił swoje pierwotne negatywne znaczenie i wszedł do aktywnego użytku.
Nazwa „Impresjonizm” jest raczej pusta, w przeciwieństwie do nazwy „Szkoła Barbizon”, gdzie jest przynajmniej wskazanie geograficznego położenia grupy artystycznej. Jeszcze mniej jasności jest w przypadku niektórych artystów, którzy formalnie nie byli zaliczeni do kręgu pierwszych impresjonistów, chociaż ich techniki i środki są całkowicie „impresjonistyczne” (Whistler, Edouard Manet, Eugene Boudin itp.). Ponadto środki techniczne impresjoniści byli znani na długo przed XIX wiekiem i byli (częściowo, w ograniczonym zakresie) wykorzystywani przez Tycjana i Velasqueza, nie zrywając z dominującymi ideami ich epoki.
Był jeszcze jeden artykuł (autorstwa Emile Cardona) i kolejny tytuł – „Wystawa Rebeliantów”, absolutnie potępiający i potępiający. To ona trafnie odtworzyła dezaprobaty mieszczańskiej publiczności i dominującą przez lata krytykę artystów (impresjonistów). Impresjonistów natychmiast oskarżano o niemoralność, buntownicze nastroje, brak szacunku. W tej chwili jest to zaskakujące, bo nie jest jasne, co jest niemoralne w pejzażach Camille Pissarro, Alfreda Sisleya, codziennych scenach Edgara Degasa, martwych naturach Moneta i Renoira.
Minęły dziesięciolecia. A nowe pokolenie artystów dojdzie do prawdziwego upadku form i zubożenia treści. Wtedy zarówno krytycy, jak i publiczność dostrzegli potępionych impresjonistów – realistów, a nieco później klasyków sztuki francuskiej.
Impresjonizm jako zjawisko w sztuce
Impresjonizm, jeden z najbardziej uderzających i interesujących nurtów sztuki francuskiej ostatniego ćwierćwiecza XIX wieku, narodził się w bardzo trudnym środowisku, charakteryzującym się różnorodnością i kontrastami, co dało impuls do powstania wielu nowoczesnych nurtów. Impresjonizm, mimo krótkiego czasu trwania, wywarł znaczący wpływ na sztukę nie tylko Francji, ale także innych krajów: USA, Niemiec (M. Lieberman), Belgii, Włoch, Anglii. W Rosji wpływ impresjonizmu odczuli K. Balmont, Andrei Bely, Strawiński, K. Korovin (najbliższy estetyce impresjonistom), wczesny V. Serov, a także I. Grabar. Impresjonizm był ostatnim dużym ruchem artystycznym we Francji w XIX wieku, wyznaczającym granicę między sztuką nowoczesną a nowoczesną.
Według M. Aplatova „czysty impresjonizm prawdopodobnie nie istniał. Impresjonizm nie jest doktryną, nie mógł mieć kanonizowanych form… Francuscy malarze impresjoniści, w różnym stopniu, mają jedną z jej cech”. Zwykle termin „impresjonizm” oznacza kierunek w malarstwie, chociaż jego idee znalazły swoje ucieleśnienie w innych formach sztuki, na przykład w muzyce.
Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwowania rzeczywistości, przekazywania lub tworzenia wrażenia, która osiągnęła niespotykany dotąd poziom wyrafinowania, sztuka, w której fabuła nie jest ważna. To nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Impresjoniści wysuwają własne zasady percepcji i pokazywania otaczającego świata. Zatarli granicę między głównymi przedmiotami godnymi sztuki wysokiej a przedmiotami wtórnymi.
Ważną zasadą impresjonizmu było odejście od typowości. Przemijalność, swobodny wygląd wkroczył do sztuki, wydaje się, że płótna impresjonistów zostały napisane przez zwykłego przechodnia spacerującego bulwarami i cieszącego się życiem. To była rewolucja w wizji.
Estetyka impresjonizmu ukształtowała się po części jako próba zdecydowanego uwolnienia się od konwencji sztuki klasycznej, a także od uporczywej symboliki i zamyślenia późnoromantycznego malarstwa, które proponowało dostrzeganie zaszyfrowanych znaczeń we wszystkim, co wymagało starannej interpretacji. Impresjonizm afirmuje nie tylko piękno codzienności, ale także nadaje artystycznego znaczenia postrzeganej zmienności otaczającego świata, naturalności spontanicznego, nieprzewidywalnego, przypadkowego wrażenia. Impresjoniści dążą do uchwycenia jego barwnej atmosfery bez szczegółów czy interpretacji.
Impresjonizm, zwłaszcza w malarstwie, jako ruch artystyczny, szybko wyczerpał swoje możliwości. Klasyczny francuski impresjonizm był zbyt wąski i niewielu pozostało wiernych jego zasadom przez całe życie. W procesie rozwoju metody impresjonistycznej podmiotowość percepcji obrazowej przezwyciężyła obiektywność i wzniosła się na coraz wyższy poziom formalny, otwierając drogę wszystkim nurtom postimpresjonizmu, w tym symbolice Gauguina i ekspresjonizmowi Van Gogha. Ale mimo wąskich ram czasowych – jakichś dwóch dekad impresjonizm przeniósł sztukę na zupełnie inny poziom, wywierając znaczący wpływ na wszystko: współczesne malarstwo, muzykę i literaturę, a także kino.
Impresjonizm wprowadził nowe tematy; dzieła dojrzałego stylu wyróżniają się jasną i spontaniczną witalnością, odkryciem nowych artystycznych możliwości kolorystycznych, estetyzacją nowej techniki malarskiej, samą strukturą dzieła. To właśnie te cechy, które pojawiły się w impresjonizmie, są dalej rozwijane w neoimpresjonizmie i postimpresjonizmie. Wpływ impresjonizmu jako podejścia do rzeczywistości lub jako systemu technik ekspresyjnych odnaleziono niemal we wszystkich szkołach artystycznych początku XX wieku, stał się on punktem wyjścia dla rozwoju wielu nurtów, aż po abstrakcjonizm. Niektóre z zasad impresjonizmu – przekaz natychmiastowego ruchu, płynność formy – przejawiały się w różnym stopniu w rzeźbie z lat 1910. E. Degasa, ks. Rodin, M. Golubkina. Impresjonizm artystyczny w znacznym stopniu wzbogacił środki wyrazu w literaturze (P. Verlaine), muzyce (C. Debussy) i teatrze.
2. Impresjonizm w malarstwie
Wiosną 1874 roku grupa młodych malarzy, w tym Monet, Renoir, Pizarro, Sisley, Degas, Cezanne i Berthe Morisot, zaniedbała oficjalny Salon i zorganizowała własną wystawę, stając się później centralnymi postaciami nowego kierunku. Miało to miejsce od 15 kwietnia do 15 maja 1874 roku w pracowni fotografa Nadara w Paryżu, na Boulevard des Capucines. Zaprezentowanych zostało 30 artystów, łącznie - 165 prac. Taki akt był sam w sobie rewolucyjny i zerwał z odwiecznymi podstawami, a obrazy tych artystów na pierwszy rzut oka wydawały się jeszcze bardziej wrogie tradycji. Minęły lata, zanim ci, później uznani klasycy malarstwa, zdołali przekonać publiczność nie tylko o swojej szczerości, ale także o swoim talencie. Wszystkich tych bardzo różnych artystów połączyła wspólna walka z konserwatyzmem i akademizmem w sztuce. Impresjoniści zorganizowali osiem wystaw, ostatnią w 1886 roku.
To właśnie na pierwszej wystawie w 1874 roku w Paryżu pojawił się obraz Claude'a Moneta przedstawiający wschód słońca. Uwagę wszystkich zwróciła przede wszystkim nietypowym tytułem: „Wrażenie. Wschód słońca". Ale sam obraz był niezwykły, oddawał tę niemal nieuchwytną, zmienną grę kolorów i światła. To właśnie nazwa tego obrazu - "Impresja" - dzięki kpiny jednego z dziennikarzy dała podwaliny całemu nurtowi w malarstwie zwanym impresjonizmem (od francuskiego słowa "impresja" - wrażenie).
Próbując jak najdokładniej wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia rzeczy, impresjoniści stworzyli nową metodę malowania. Jego istotą było oddanie zewnętrznego wrażenia światła, cienia, refleksów na powierzchni przedmiotów osobnymi pociągnięciami czystych kolorów, które wizualnie rozpuszczały formę w otaczającym środowisku światło-powietrze.
Wiarygodność poświęcono osobistej percepcji – impresjoniści, w zależności od wizji, potrafili pisać niebo zielone, a trawy błękitne, owoce w ich martwych naturach były nie do poznania, postacie ludzkie były niejasne i szkicowe. Ważne było nie to, co zostało przedstawione, ale ważne było „jak”. Obiekt stał się okazją do rozwiązywania problemów wizualnych.
Charakterystyczna jest zwięzłość, etiudowy charakter metody twórczej impresjonizmu. Przecież tylko krótkie studium pozwoliło na dokładne zarejestrowanie poszczególnych stanów przyrody. To, co wcześniej było dozwolone tylko w szkicach, teraz stało się główną cechą gotowych płócien. Artyści impresjonistyczni z całych sił starali się przezwyciężyć statyczność malarstwa, aby na zawsze uchwycić cały urok nieuchwytnej chwili. Zaczęli stosować asymetryczne kompozycje, aby lepiej podkreślić interesujące ich postacie i przedmioty. W niektórych metodach impresjonistycznego konstruowania kompozycji i przestrzeni wyczuwalny jest wpływ namiętności do swojej epoki - nie starożytności jak dawniej, japońskiego ryciny (takich mistrzów jak Katsushika Hokusai, Hiroshige, Utamaro) i częściowo fotografii, jej zbliżeń i nowych punkty widzenia.
Impresjoniści unowocześnili także kolorystykę, porzucili ciemne, ziemiste farby i werniksy i nałożyli na płótna czyste, widmowe kolory, prawie bez wcześniejszego ich mieszania na palecie. Warunkowa, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca grze kolorowych cieni.
Dzięki wynalezieniu gotowych do przenoszenia metalowych tub po farbach, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z olejów i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli opuszczać pracownie i pracować w plenerze. Pracowali bardzo szybko, bo ruch słońca zmieniał oświetlenie i kolorystykę krajobrazu. Czasami wyciskały farbę na płótno bezpośrednio z tubki i uzyskiwały czyste, mieniące się kolory z efektem pociągnięcia pędzla. Nakładając odrobinę jednej farby obok drugiej, często pozostawiali szorstką powierzchnię obrazów. Aby zachować świeżość i różnorodność kolorów natury na zdjęciu, impresjoniści stworzyli obrazowy system, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem się oddzielnych pociągnięć czystego koloru, jakby mieszał się w oku widza, z kolorowymi cieniami i postrzegane przez widza zgodnie z prawem kolorów dopełniających.
Dążąc do maksymalnej bezpośredniości w przekazywaniu otaczającego świata, impresjoniści po raz pierwszy w historii sztuki zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli rangę szkicu z natury, który niemal wyparł tradycyjny typ malarstwa, starannie i powoli tworzone w studio. Dzięki samej metodzie pracy w plenerze pejzaż, w tym odkryty przez nich krajobraz miejski, zajmował w sztuce impresjonistów bardzo ważne miejsce. Tematem przewodnim było dla nich drżące światło, powietrze, w którym niejako zanurzeni są ludzie i przedmioty. W ich obrazach czuć było wiatr, wilgotną, nagrzaną słońcem ziemię. Starali się pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie.
Impresjonizm wprowadził do sztuki nowe wątki - codzienność miasta, pejzaże uliczne i rozrywkę. Jego zakres tematyczny i fabularny był bardzo szeroki. Artyści w pejzażach, portretach i wielopostaciowych kompozycjach starają się zachować bezstronność, siłę i świeżość „pierwszego wrażenia”, bez wnikania w poszczególne detale, w których świat jest ciągle zmieniającym się zjawiskiem.
Impresjonizm wyróżnia się jasną i natychmiastową witalnością. Charakteryzuje się indywidualnością i walorami estetycznymi płócien, ich celową przypadkowością i niekompletnością. Ogólnie dzieła impresjonistów wyróżniają się pogodą ducha, pasją do zmysłowego piękna świata.
ZawartośćWstęp………………………………………………………………...…….3
1 Impresjonizm jako jeden z kierunków sztuki XIX wieku………5
1.1 Historia rozwoju impresjonizmu…………..………………..…….5
1.2 Główne cechy charakterystyczne impresjonizmu………...…….7
2 Twórczość artystów - impresjonistów……..………...……9
2.1 Edouard Manet………………………………….………………….……9
2.2 Edgar Degas……………………………….…………………….……..11
2.3 Auguste Renoir………………………….……………………….…….13
2.4 Claude Monet……………….…………………………………….……..15
2.5 Alfred Sisley……………………………………………….…….16
2.6 Camille Pissarro………………………………………………………...17
2.7 Paul Cezanne………………………………………………………….……18
3 Kulturowa wartość impresjonizmu……………………………….....19
Wniosek………………………………………………………………………20
Wykaz wykorzystanej literatury…………………………………………21
Wstęp
W XIX wieku rozwój przemysłu skrócił odległości i skrócił czas. Krajobrazy zmieniły się i pojawiły się przed człowiekiem w nowej, niezwykłej dla niego formie. Rozkwit krajobrazu przygotował cały rozwój kultury i sztuki francuskiej. Pragnienie natury, wszystkiego, co naturalne, pragnienie przeciwstawienia się akademickiemu nurtowi uczuć prostych i bezpretensjonalnych, zostało wyraźnie zrealizowane już w przededniu rewolucji francuskiej. Na początku lat 70. grupa młodych artystów zaczęła pracować we Francji. Po raz pierwszy w historii sztuki artyści postawili sobie za zasadę malować nie w pracowni, ale w plenerze: nad brzegiem rzeki, na polu, na polanie w lesie. Byli to przyszli impresjoniści. Ważną zasadą impresjonizmu było odejście od typowości. Przemijalność, swobodny wygląd wkroczył do sztuki, wydaje się, że płótna impresjonistów zostały napisane przez zwykłego przechodnia spacerującego bulwarami i cieszącego się życiem.
Obecnie prace impresjonistów są wysoko cenione. Grupa impresjonistów z reguły obejmuje tych artystów, którzy uczestniczyli w wystawach impresjonistów w latach 70. i 80. XIX wieku w Paryżu. Są to Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley i inni.
Znaczenie wybranego tematu tłumaczy się koniecznością zbadania tego obszaru sztuki francuskiej w celu zrozumienia wartości kulturowej impresjonizmu i oceny jego dziedzictwa kulturowego (obrazów i płócien, które przetrwały do naszych czasów) z nowoczesnego punktu widzenia. pogląd.
Celem pracy jest zbadanie impresjonizmu jako jednego z nurtów sztuki francuskiej XIX wieku. Zgodnie z tym rozwiązano następujące zadania:
▬ poznawać historię rozwoju impresjonizmu;
▬ studiować pracę głównych przedstawicieli impresjonizmu;
Przedmiotem badań tej pracy jest sztuka francuska XIX wieku. Przedmiotem opracowania jest impresjonizm jako jeden z nurtów sztuki francuskiej XIX wieku.
Badanie tematu - „Impresjonizm jako jeden z kierunków sztuki francuskiej XIX wieku” przeprowadzono następującymi metodami:
▬metoda dialektyczna – realizacja kompleksowej wiedzy o przedmiocie i przedmiocie badań tej pracy;
▬ metoda analizy i syntezy – odrębna analiza części składowych (twórczość, płótna, obrazy wybitnych artystów tego kierunku);
▬ metoda strukturalno-funkcjonalna – określająca rolę impresjonizmu w sztuce XIX wieku i jej znaczenie;
▬ metoda systemowa – analiza sztuki francuskiej jako całości i rozpoznanie w niej roli i znaczenia impresjonizmu;
▬ metoda analityczna – analiza twórczości kilku wybitnych artystów tego kierunku;
▬ metoda podsumowania całej wiedzy zdobytej na dany temat.
Podstawą teoretyczną prezentowanej pracy były prace naukowe z zakresu kulturoznawstwa, mające wpływ na badanie sztuki francuskiej XIX wieku, w szczególności twórczości impresjonistów. Są to prace takich autorów jak Gurevich P.S., Stolyarov D.Yu., Kortunov V.V., Markaryan E.S., Radugin A.A., Schweitzer A., Dmitrieva N.A. itd.
Wyznaczone cele i określone zadania wyznaczały strukturę prezentowanej pracy. Praca składa się ze wstępu, części głównej i zakończenia, zawiera spis odniesień i zastosowań.
Część główna obejmuje trzy sekcje: pierwsza sekcja poświęcona jest badaniu historii pojawienia się impresjonizmu, druga sekcja poświęcona jest badaniu twórczości najwybitniejszych przedstawicieli tego nurtu, trzecia sekcja poświęcona jest kulturowa ocena impresjonizmu.
Praca przedstawiona jest na 21 stronach, zawiera 2 załączniki, do jej napisania wykorzystano 13 źródeł naukowych.
1 Impresjonizm jako jeden z kierunków sztuki XIX wiek
1.1 Historia rozwoju impresjonizmu
Na szczycie idei Rewolucji Francuskiej w sztuce francuskiej zachodzą poważne zmiany. Dla wielu artystów nurt realistyczny przestaje być standardem, a w zasadzie odmawia się bardzo realistycznej wizji świata. Artyści są zmęczeni wymogami obiektywizmu i typizacji. Rodzi się nowa, subiektywna rzeczywistość artystyczna. Teraz liczy się nie to, jak wszyscy widzą świat, ale to, jak ja go widzę, ty to widzisz, on to widzi. Na tej fali kształtuje się jeden z kierunków sztuki – impresjonizm.
Na początku lat 70-tych. 19 wiek grupa młodych artystów rozpoczęła pracę we Francji. Po raz pierwszy w historii sztuki światowej artyści przyjęli sobie zasadę malowania nie w pracowni, ale w plenerze - nad brzegiem rzeki, na polu, na polanie w lesie. Dzięki wynalezieniu gotowych do przenoszenia metalowych tub po farbach, które zastąpiły stare, ręcznie robione farby z olejów i sproszkowanych pigmentów, artyści mogli opuszczać pracownie i pracować w plenerze. Pracowali bardzo szybko, bo ruch słońca zmieniał oświetlenie i kolorystykę krajobrazu. Czasami wyciskały farbę na płótno bezpośrednio z tubki i uzyskiwały czyste, mieniące się kolory z efektem pociągnięcia pędzla. W latach 70. XIX wieku wielu z tych artystów przyciągnęło do Paryża. Byli to przyszli „impresjoniści”.
Ta nazwa łączy wielu różnych artystów, a każdy z nich miał swój własny styl rysowania. W ten sposób grupa impresjonistów zrzesza artystów, którzy brali udział w wystawach impresjonistów w latach 70. i 80. XIX wieku. Są to Claude Monet, Edgar Degas, Edouard Manet, Auguste Renoir, Alfred Sisley, Henri Toulouse-Lautrec i inni.
Nowe techniki malarskie młodych artystów, niezwykły wygląd obrazów spowodowały, że ich prace nie zostały przyjęte do Salonu Paryskiego, gdzie malarze mieli jedyną okazję zaprezentować swoje prace publiczności. Potem odważnie przeciwstawili się wrogiemu jury Salonu, które rok po roku uparcie odmawiało wystawiania swoich prac. Razem w 1874 zorganizowali własną niezależną wystawę. Wystawa została otwarta w pracowni fotografa Nadara, która znajdowała się w Paryżu na Bulwarze Kapucynów. Po tej wystawie artystów zaczęto nazywać impresjonistami. Ta nazwa narodziła się dzięki krytykowi Louisowi Leroy. Tak nazywał się obraz Claude'a Moneta, pokazany na wystawie „Wrażenie. Rising Sun” („Impresja. Levant soleil”).
To słowo pasowało do ich prac, ponieważ artyści oddali w nich bezpośrednie wrażenie tego, co widzieli. Artyści w nowy sposób podeszli do obrazu świata. Najważniejsze dla nich było drżące światło, powietrze, w którym zanurzone są niejako postacie ludzi i przedmiotów. Na ich obrazach czuć było wiatr, mokry po deszczu, ziemię nagrzaną słońcem. Starali się rozpoznać i pokazać niesamowite bogactwo kolorów w przyrodzie. Impresjonizm był ostatnim dużym ruchem artystycznym we Francji w XIX wieku.
Nie można powiedzieć, że droga artystów impresjonistów była łatwa. Początkowo nie zostali rozpoznani, prasa albo ignorowała artystów, albo wyszydzała ich; ich malarstwo wydawało się zbyt odważne i niezwykłe, wyśmiewano ich. Nikt nie chciał kupować ich obrazów. Ale uparcie szli swoją drogą. Ani bieda, ani głód nie zmusiły ich do porzucenia swoich przekonań.
Artyści nie od razu zaakceptowali nazwę „impresjoniści”, którą przykleił im jeden nieprzyjazny dziennikarz. Ale powrócili do doświadczeń niezależnych wystaw z 1876 roku. Publiczność zaczęła je akceptować dopiero pod koniec XIX wieku, dzięki wsparciu historyków sztuki i licznych marszandów. Minęło wiele lat, niektórzy z artystów impresjonistów już nie żyli, kiedy wreszcie ich sztuka została doceniona.
Impresjonizm jest więc fenomenem nowego podejścia do malarstwa, nowego spojrzenia, chęci zatrzymania chwili prawdziwego życia, uchwycenia go na długo w obrazie. Ten kierunek w sztuce otworzył oczy zarówno artystom, jak i widzom na kolor i światło natury, wywrócił do góry nogami rutynę akademickich reguł.
1.2 Główne cechy charakterystyczne impresjonizmu
Teraz, gdy gorąca debata na temat znaczenia i roli impresjonizmu należy już do przeszłości, mało kto ośmieli się zakwestionować, że ruch impresjonistyczny był kolejnym krokiem w rozwoju europejskiego malarstwa realistycznego. „Impresjonizm to przede wszystkim sztuka obserwowania rzeczywistości, która osiągnęła niespotykane dotąd wyrafinowanie”.
Dążąc do maksymalnej bezpośredniości i dokładności w przekazywaniu otaczającego świata, zaczęli malować głównie w plenerze i podnieśli rangę szkicu z natury, który niemal wyparł tradycyjny rodzaj malarstwa, starannie i powoli tworzony w pracowni.
Impresjoniści pokazali piękno prawdziwego świata, w którym każda chwila jest wyjątkowa. Konsekwentnie doprecyzowując swoją paletę, impresjoniści uwolnili malarstwo od ziemistych i brązowych werniksów i farb. Warunkowa, „muzealna” czerń w ich płótnach ustępuje miejsca nieskończenie zróżnicowanej grze refleksów i kolorowych cieni. Niezmiernie rozszerzyli możliwości sztuki, odkrywając nie tylko świat słońca, światła i powietrza, ale także piękno londyńskich mgieł, niespokojną atmosferę życia wielkiego miasta, rozproszenie jego nocnych świateł i rytm nieustannego ruchu.
ks. impresja - impresja) - kierunek w sztuce ostatniej tercji XIX - wczesnej. XX wieku, którego przedstawiciele zaczęli malować pejzaże i sceny rodzajowe wprost z życia, starając się oddać blask słońca, powiew wiatru, szelest trawy, ruch miejskiego tłumu bardzo czystymi i intensywnymi kolorami. Impresjoniści starali się uchwycić rzeczywisty świat w jego mobilności i zmienności w najbardziej naturalny i bezstronny sposób, aby przekazać swoje ulotne wrażenia.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
IMPRESJONIZM
Francuski impresjonizm, od impresji - wrażenie), kierunek w sztuce con. 1860 - wcześnie. 1880 Najwyraźniej przejawia się w malarstwie. Czołowi przedstawiciele: C. Monet, O. Renoir, C. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J. F. Basile. Wraz z nimi swoje obrazy wystawiali E. Manet i E. Degas, choć stylu ich prac nie można nazwać całkowicie impresjonistycznym. Nazwa „Impresjoniści” została przypisana grupie młodych artystów po ich pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itd.), co wywołało wściekłe oburzenie publiczności i krytyków. Jeden z prezentowanych obrazów C. Moneta (1872) nosił tytuł „Wrażenie. Sunrise ”(„ L'impression. Soleil levant ”), a recenzent kpiąco nazwał artystów „impresjonistami” - „impresjonistami”. Pod tym nazwiskiem malarze występowali na trzeciej wspólnej wystawie (1877). W tym samym czasie zaczęli wydawać magazyn impresjonistyczny, którego każdy numer był poświęcony pracy jednego z członków grupy.
Impresjoniści starali się uchwycić otaczający ich świat w jego ciągłej zmienności, płynności i wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia bez uprzedzeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii kolorów (spektralny rozkład promienia słonecznego na siedem kolorów tęczy); w tym jest zgodny z duchem naukowej analizy, charakterystycznym dla con. 19 wiek Jednak sami impresjoniści nie próbowali określić teoretycznych podstaw swojej sztuki, kładąc nacisk na spontaniczność, intuicyjność pracy artysty. Artystyczne zasady impresjonistów nie były jednolite. Monet malował pejzaże tylko w bezpośrednim kontakcie z naturą, na świeżym powietrzu (en plein air), a nawet zbudował warsztat na łodzi. Degas pracował w warsztacie ze wspomnień lub zdjęć. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych ruchów radykalnych, artyści nie wyszli poza renesansowy system iluzyjno-przestrzenny oparty na wykorzystaniu perspektywy bezpośredniej. Mocno trzymali się metody pracy z natury, którą wynieśli do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się „malować to, co widzisz” i „jak widzisz”. Konsekwentne stosowanie tej metody pociągało za sobą przekształcenie wszystkich fundamentów istniejącego systemu obrazowego: koloru, kompozycji, konstrukcji przestrzennej. Czyste kolory zostały naniesione na płótno małymi osobnymi pociągnięciami: wielobarwne „kropki” układały się obok siebie, mieszając się w barwny spektakl nie na palecie i nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli bezprecedensową dźwięczność koloru, niespotykane bogactwo odcieni. Pociągnięcie pędzla stało się samodzielnym środkiem wyrazu, wypełniając powierzchnię obrazu żywą, migoczącą wibracją kolorowych drobinek. Płótno przyrównano do mieniącej się drogocennymi kolorami mozaiki. W dawnym malarstwie dominowały odcienie czerni, szarości, brązu; na płótnach impresjonistów kolory świeciły jasno. Impresjoniści nie używali światłocienia do przenoszenia tomów, porzucili ciemne cienie, cienie na ich obrazach również stały się kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe tony (czerwień i zieleń, żółć i fiolet), których kontrast zwiększał intensywność koloru. Na obrazach Moneta kolory zostały rozjaśnione i rozpuszczone w blasku promieni słonecznych, lokalne kolory nabrały wielu odcieni.
Impresjoniści przedstawiali otaczający świat w nieustannym ruchu, przejście z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować serię obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle Boulevard Montmartre autorstwa C. Pissarro, 1897; Katedra w Rouen, 1893–95, oraz „Parlament londyński”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie w obrazach ruchu chmur (A. Sisley. „Louan in Saint-Mamme”, 1882), gry blasku słońca (O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchów wiatru (C. Monet. „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Jer. Effect of rain”, 1875), padający śnieg (C. Pissarro. „Przejście operowe. Efekt śniegu”, 1898), szybki bieg koni (E. Manet „Wyścigi w Longchamp”, 1865).
Impresjoniści opracowali nowe zasady konstruowania kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu była porównywana do sceny, teraz uchwycone sceny przypominały migawkę, ramkę do zdjęć. Wynaleziony w XIX wieku fotografia miała znaczący wpływ na kompozycję malarstwa impresjonistycznego, zwłaszcza w twórczości E. Degasa, który sam był zapalonym fotografem i, jak sam mówi, starał się zaskoczyć przedstawione baletnice, zobaczyć je „jak gdyby przez dziurkę od klucza”, kiedy ich pozy, linie ciała są naturalne, wyraziste i autentyczne. Tworząc obrazy w plenerze, chęć uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia zmusiła artystów do przyspieszenia pracy, pisania „alla prima” (w jednym kroku), bez wstępnych szkiców. Fragmentaryzacja, „przypadkowość” kompozycji i dynamiczna maniera malarska stworzyły w obrazach impresjonistów poczucie szczególnej świeżości.
Ulubionym gatunkiem impresjonistów był pejzaż; portret był także rodzajem „krajobrazu twarzy” (O. Renoir, „Portret aktorki J. Samary”, 1877). Ponadto artyści znacznie poszerzyli wachlarz tematów malarskich, zwracając się do tematów wcześniej uważanych za niegodne uwagi: festiwale folklorystyczne, wyścigi konne, pikniki bohemy artystycznej, kulisy życia teatrów itp. Ich obrazy nie posiadają szczegółowa fabuła, szczegółowa narracja; życie ludzkie rozpływa się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjoniści nie pisali wydarzeń, ale nastroje, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucali wątki historyczne i literackie, unikali przedstawiania dramatycznych, ciemnych stron życia (wojny, katastrofy itp.). Starali się uwolnić sztukę od wypełniania zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku oceny przedstawianych zjawisk. Artyści wyśpiewywali piękno świata, potrafiąc zamienić najzwyklejszy motyw (remont pokoju, szara londyńska mgła, dym parowozów itp.) w czarujące widowisko (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet „Stacja Saint-Lazare”, 1877).
W 1886 roku odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów (nie brali w niej udziału O. Renoir i K. Monet). Do tego czasu ujawniono znaczące różnice zdań między członkami grupy. Możliwości metody impresjonistycznej wyczerpały się, a każdy z artystów zaczął szukać własnej drogi w sztuce.
Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza był zjawiskiem głównie sztuki francuskiej, ale twórczość impresjonistów wywarła wpływ na całe malarstwo europejskie. Chęć unowocześnienia języka artystycznego, rozjaśnienia barwnej palety i wyeksponowania technik malarskich jest teraz mocno wpisana w arsenał artystów. W innych krajach bliscy impresjonizmu byli J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Corinth (Niemcy), J. Sorolla (Hiszpania). Wpływ impresjonizmu odczuło wielu rosyjskich artystów (V. A. Serov, K. A. Korovin, I. E. Grabar i inni).
Oprócz malarstwa impresjonizm został ucieleśniony w pracach niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Rodin we Francji, M. Rosso we Włoszech, P. P. Trubetskoy w Rosji) w żywym swobodnym modelowaniu płynnych miękkich form, które tworzą złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności dzieła; w pozach moment ruchu uchwycony zostaje rozwój. W muzyce bliskość impresjonizmu odnajdujemy w pracach C. Debussy'ego („Żagle”, „Mgły”, „Odbicia w wodzie” itp.).
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
Międzyregionalna Akademia Zarządzania Personelem
Instytut Siewierodonieck
Wydział Kształcenia Ogólnego i Humanistycznego
Praca kontrolna w kulturoznawstwie
Impresjonizm jako kierunek w sztuce
Zakończony:
grupa uczeń
ІН23-9-06 BUB (4. Od)
Szeszenko Siergiej
W kratę:
Kandydatka Prawa, doc.
Smolina O.O.
Siewierodonieck 2007
Wstęp
4. Postimpresjonizm
Wniosek
Bibliografia
Aplikacje
Wstęp
Ważny fenomen kultury europejskiej drugiej połowy XIX wieku. istniał artystyczny styl impresjonizmu, który rozpowszechnił się nie tylko w malarstwie, ale także w muzyce i fikcji. A jednak powstało w malarstwie. Impresjonizm (francuski impresjonizm, od wrażenia - wrażenie), nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początku XX wieku. Ukształtowała się w malarstwie francuskim pod koniec lat 60. i na początku lat 70. XIX wieku. (nazwa powstała po wystawie w 1874 roku, na której wystawiono obraz C. Moneta „Wrażenie. Wschodzące słońce”).
Przejawami stylu impresjonistycznego jest brak jasno określonej formy i chęć ukazania tematu we fragmentarycznym, natychmiastowym utrwalaniu każdego wrażenia pociągnięć, które jednak przy przeglądaniu całości ujawniły swoją ukrytą jedność i powiązanie. Impresjonizm jako styl szczególny, ze swoją zasadą wartości „pierwszego wrażenia”, umożliwiał opowiedzenie historii poprzez niejako uchwycone przypadkowo szczegóły, które najwyraźniej naruszały ścisłą spójność planu narracyjnego i zasada doboru tego, co istotne, ale z ich „prawdą boczną” nadawała historii niezwykłego blasku i świeżości.
W sztukach temporalnych akcja toczy się w czasie. Malarstwo niejako jest w stanie uchwycić tylko jedną chwilę w czasie. W przeciwieństwie do kina zawsze ma jedną „klatkę”. Jak przekazać w nim ruch? Jedną z takich prób uchwycenia świata realnego w jego ruchliwości i zmienności była próba twórców kierunku w malarstwie, zwanego impresjonizmem (od francuskiej impresji). Ten kierunek skupiał różnych artystów, z których każdy można scharakteryzować w następujący sposób. Impresjonista to artysta, który przekazuje swoje bezpośrednie wrażenie natury, widzi w nim piękno zmienności i nietrwałości, odtwarza wizualne wrażenie jasnego światła słonecznego, grę kolorowych cieni, używając palety czystych niezmieszanych kolorów, z których czerń i szarość są wygnane. Strumienie słońca, opary unoszą się z wilgotnej ziemi. Woda, topniejący śnieg, zaorana ziemia, kołysząca się na łąkach trawa nie mają wyraźnych, zamarzniętych konturów. Ruch, który wcześniej został wprowadzony w krajobraz jako obraz poruszających się postaci, w wyniku działania sił natury – wiatru, pędzących chmur, kołyszących się drzew, teraz zastępuje spokój. Ale ten spokój materii nieożywionej jest jedną z form jej ruchu, którą oddaje sama faktura malarstwa - dynamiczne pociągnięcia o różnych kolorach, nieskrępowane sztywnymi liniami rysunku.
1. Narodziny impresjonizmu i jego założyciele
Kształtowanie się impresjonizmu rozpoczęło się od obrazu E. Maneta (1832-1893) „Śniadanie na trawie” (1863). Nowy styl malowania nie został od razu zaakceptowany przez publiczność, która zarzucała artystom, że nie potrafią rysować, rzucając na płótno zeskrobaną z palety farbę. Tak więc różowe katedry Moneta w Rouen wydawały się niewiarygodne zarówno dla publiczności, jak i dla kolegów artystów - najlepsza z serii obrazów artysty („Poranek”, „Z pierwszymi promieniami słońca”, „Południe”). Artysta nie starał się przedstawiać katedry na płótnie o różnych porach dnia - rywalizował z gotyckimi mistrzami, by pochłonąć widza kontemplacją magicznych efektów świetlnych i kolorystycznych. Fasada katedry w Rouen, jak większość katedr gotyckich, kryje w sobie mistyczny spektakl ożywiających się w słońcu jaskrawych witraży we wnętrzu. Oświetlenie wewnątrz katedr różni się w zależności od kierunku, z którego świeci słońce, pochmurnej lub bezchmurnej pogodzie. Jeden z obrazów Moneta zawdzięcza swój wygląd słowu „impresjonizm”. To płótno było rzeczywiście ekstremalnym wyrazem innowacji powstającej metody malarskiej i zostało nazwane „Wschód słońca w Le Havre”. Kompilator katalogu obrazów na jedną z wystaw zasugerował, aby artysta nazwał to inaczej, a Monet, przekreślając „w Le Havre”, umieścił „wrażenie”. A kilka lat po pojawieniu się jego dzieł napisali, że Monet „ujawnia życie, którego nikt przed nim nie był w stanie uchwycić, o którym nikt nawet nie wiedział”. Na obrazach Moneta zaczęli dostrzegać niepokojącego ducha narodzin nowej ery. Tak więc w jego twórczości pojawił się „seryjny” jako nowy fenomen malarstwa. I zwróciła uwagę na problem czasu. Malarstwo artysty, jak zaznaczono, wyrywa z życia jedną „klatkę”, z całą jej niekompletnością i niekompletnością. I to dało impuls do rozwoju serii jako kolejnych ujęć. Oprócz „katedr w Rouen” Monet tworzy serię „Stacji Saint-Lazare”, w której obrazy są ze sobą połączone i wzajemnie się uzupełniają. Nie udało się jednak połączyć „kadr” życia w jedną taśmę wrażeń malarskich. To stało się zadaniem kina. Historycy kina uważają, że przyczyną jego powstania i szerokiej dystrybucji były nie tylko odkrycia techniczne, ale także pilna artystyczna potrzeba ruchomego obrazu, a obrazy impresjonistów, w szczególności Moneta, stały się symptomem tej potrzeby. Wiadomo, że jednym z wątków pierwszej w historii sesji filmowej, zaaranżowanej przez braci Lumiere w 1895 roku, był „Przybycie pociągu”. Lokomotywy parowe, stacja, szyny były tematem serii siedmiu obrazów Moneta „Gare Saint-Lazare” wystawionych w 1877 roku.
Pierre Auguste Renoir (1841-1919) wraz z C. Monetem i A. Sisleyem stworzyli rdzeń ruchu impresjonistycznego. W tym okresie Renoir pracował nad rozwinięciem żywego, kolorowego stylu artystycznego z pierzastym pociągnięciem pędzla (znanym jako opalizujący styl Renoira); tworzy wiele zmysłowych aktów ("Kąpiący się"). W latach 80. coraz bardziej skłaniał się w swojej twórczości do klasycznej klarowności obrazów. Przede wszystkim Renoir lubił pisać dziecięce i młodzieńcze obrazy oraz spokojne sceny z życia Paryża („Kwiaty”, „Młody człowiek spacerujący z psami w lesie Fontainebleau”, „Wazon z kwiatami”, „Kąpiel w Sekwanie”, „ Lisa z parasolką”, „Kobieta w łódce”, „Jeźdźcy w Lasku Bulońskim”, „Bal w Le Moulin de la Galette”, „Portret Jeanne Samary” i wiele innych). Jego prace charakteryzują jasne i przejrzyste pejzaże, portrety, gloryfikujące zmysłowe piękno i radość bycia. Ale Renoir ma następującą myśl: „Przez czterdzieści lat zmierzałem do odkrycia, że królową wszystkich kolorów jest czarna farba”. Imię Renoir jest synonimem piękna i młodości, tego okresu ludzkiego życia, kiedy duchowa świeżość i rozkwit fizycznej siły są w doskonałej harmonii.
2. Impresjonizm w twórczości C. Pissarro, C. Moneta, E. Degasa, A. Toulouse-Lautreca
Camille Pissarro (1830-1903) – przedstawiciel impresjonizmu, autor jasnych, czystych pejzaży („Zaorana ziemia”). Jego obrazy charakteryzują się miękką, powściągliwą gamą. W późnym okresie twórczości zwrócił się ku wizerunkowi miasta - Rouen, Paryż (Montmartre Boulevard, Pasaż Opery w Paryżu). W drugiej połowie lat 80-tych. był pod wpływem neoimpresjonizmu. Pracował również jako planista.
Claude Monet (1840-1926) - czołowy przedstawiciel impresjonizmu, autor pejzaży cienkich w kolorze, wypełnionych światłem i powietrzem. W serii płócien „Stóg siana”, „Katedra w Rouen” starał się uchwycić ulotne, chwilowe stany środowiska świetlnego i powietrznego o różnych porach dnia. Od imienia krajobrazowego Moneta Impresja. Zdarzyło się wschodzące słońce, a nazwa kierunku to impresjonizm. W późniejszym okresie w twórczości C. Moneta pojawiły się cechy dekoracyjne.
Twórczy styl Edgara Degasa (1834-1917) charakteryzuje się nienagannie dokładną obserwacją, najsurowszym rysunkiem, iskrzącą się, przepięknie piękną kolorystyką. Zasłynął swobodnie asymetryczną kompozycją kątową, znajomością mimiki, postawy i gestykulacji ludzi różnych zawodów, trafnych charakterystyk psychologicznych: „Niebiescy Tancerze”, „Gwiazda”, „Toaleta”, „Prasowcy”, „Odpoczynek Tancerzy” . Degas jest znakomitym mistrzem portretu. Pod wpływem E. Maneta przeszedł do gatunku codziennego, ukazując paryski tłum uliczny, restauracje, wyścigi konne, tancerki baletowe, praczki i chamstwo zarozumiałych mieszczan. Jeśli prace Maneta są jasne i wesołe, to w Degas są zabarwione smutkiem i pesymizmem.
Z impresjonizmem ściśle związana jest twórczość Henri Toulouse-Lautreca (1864-1901). Pracował w Paryżu, gdzie malował tancerzy kabaretowych i śpiewaków oraz prostytutki w swoim szczególnym stylu, charakteryzującym się jasnymi kolorami, odważną kompozycją i błyskotliwą techniką. Jego plakaty litograficzne cieszyły się dużym powodzeniem.
3. Impresjonizm w rzeźbie i muzyce
Współczesnym i kolegą impresjonistów był wielki francuski rzeźbiarz Auguste Rodin (1840-1917). Jego dramatyczna, namiętna, heroicznie wzniosła sztuka gloryfikuje piękno i szlachetność człowieka, jest przesiąknięta impulsem emocjonalnym (grupa Kiss, The Thinker itp.), charakteryzuje się odwagą realistycznych poszukiwań, witalnością obrazów oraz energetyczne modelowanie obrazowe. Rzeźba ma płynną formę, nabiera swego rodzaju niedokończonego charakteru, co sprawia, że jego twórczość jest związana z impresjonizmem, a jednocześnie daje możliwość wywołania wrażenia bolesnych narodzin form ze spontanicznej amorficznej materii. Rzeźbiarz połączył te cechy z dramaturgią idei, pragnieniem refleksji filozoficznej („Epoka brązu”, „Obywatele Calais”). Artysta Claude Monet nazwał go największym z wielkich. Rodin jest właścicielem słów: „Rzeźba to sztuka zakamarków i wypukłości”.
impresjonizm impresjonizm
(francuski impresjonizm, od impresja - wrażenie), nurt w sztuce ostatniej tercji XIX - początku XX wieku. Ukształtowała się w malarstwie francuskim na przełomie lat 60. i 70. XX wieku. Nazwa „Impresjonizm” powstała po wystawie w 1874 roku, na której pokazano obraz C. Moneta „Impresja. Wschodzące słońce” („Impresja. Soleil levant”, 1872, obecnie w Musée Marmottan w Paryżu). W okresie dojrzałości impresjonizmu (lata 70. - pierwsza połowa lat 80.) był reprezentowany przez grono artystów (Monet, O. Renoir, E. Degas, K. Pissarro, A. Sisley, B. Morisot itp. .), zjednoczyła się w walce o odnowę sztuki i przezwyciężenie oficjalnego akademizmu salonowego i zorganizowała w tym celu w latach 1874-86 8 wystaw. Jednym z twórców impresjonizmu był E. Manet, który nie należał do tej grupy, ale jeszcze w latach 60. i wczesnych 70. który występował z utworami rodzajowymi, w których na nowo przemyśleł techniki kompozycyjno-malarskie mistrzów XVI-XVIII wieku. w odniesieniu do współczesnego życia, a także scen wojny domowej z lat 1861-65 w USA, egzekucji komunardów paryskich, nadając im ostry nacisk polityczny.
Impresjonizm kontynuuje to, co zapoczątkowała realistyczna sztuka lat 40-60. wyzwolenie z konwencji klasycyzmu, romantyzmu i akademizmu, afirmuje piękno codzienności, proste, demokratyczne motywy, osiąga żywą autentyczność obrazu. Nadaje autentycznemu, nowoczesnemu życiu znaczenie estetyczne w swojej naturalności, w całym bogactwie i blasku jego barw, ujmując świat widzialny w jego nieodłącznej nieustannej zmienności, odtwarzając jedność człowieka i jego otoczenia. W wielu obrazach impresjonistów (zwłaszcza w pejzażach i martwych naturach, w szeregu wielofigurowych kompozycji) akcentowany jest ulotny moment nieustannego biegu życia, jakby przypadkowo uchwycony przez oko, bezstronność, siła i świeżość pierwszego wrażenia są zachowane, co pozwala uchwycić to, co niepowtarzalne i charakterystyczne w tym, co widzą. Dzieła impresjonistów wyróżniają się pogodą ducha, zamiłowaniem do zmysłowego piękna świata, ale w wielu pracach Maneta i Degasa pojawiają się gorzkie, sarkastyczne nuty.
Impresjoniści jako pierwsi stworzyli wieloaspektowy obraz życia codziennego współczesnego miasta, oddając oryginalność jego krajobrazu i wygląd zamieszkujących je ludzi, ich sposób życia, pracy i rozrywki. W krajobrazie, oni (zwłaszcza Sisley i Pissarro) opracowali przeszukania plenerowe J. Constable, szkoła Barbizon, C. Corot i inni, opracowali kompletny system plenerowy. W pejzażach impresjonistycznych prosty, codzienny motyw jest często przekształcany przez przenikające wszystko, ruchome światło słoneczne, które nadaje obrazowi świąteczny nastrój. Praca nad obrazem bezpośrednio w plenerze umożliwiła odtworzenie natury w całej jej rozedrganej, rzeczywistej żywości, subtelną analizę i uchwycenie jej stanów przejściowych, uchwycenie najdrobniejszych zmian kolorystycznych, jakie pojawiają się pod wpływem wibrującego i płynnego powietrza. medium (organicznie jednoczące człowieka i naturę), które staje się impresjonizmem, jest samodzielnym obiektem obrazu (głównie w pracach Moneta). Aby zachować świeżość i różnorodność barw natury w obrazach, impresjoniści (z wyjątkiem Degasa) stworzyli system malarski, który wyróżnia się rozkładem złożonych tonów na czyste kolory i przenikaniem wyraźnych oddzielnych pociągnięć czystego kolor, jakby mieszał się w oku widza, jasne i jasne kolory, bogactwo Valery i refleksy, kolorowe cienie. Formy wolumetryczne niejako rozpływają się w otaczającej je lekkiej powłoce powietrznej, dematerializują się, nabierają niestabilności konturów: gra rozmaitych kresek, pastowatych i płynnych, nadaje warstwie barwnej drgania, ulgi; stwarza to swoiste wrażenie niekompletności, formowania obrazu przed kontemplującym płótno. W ten sposób następuje zbieżność szkicu i obrazu, a często połączenie kilku. etapy pracy w jeden ciągły proces. Obraz staje się osobną ramą, fragmentem poruszającego się świata. Tłumaczy to z jednej strony równoważność wszystkich części obrazu, jednocześnie rodzących się pod pędzlem artysty i w równym stopniu uczestniczących w figuratywnej konstrukcji prac, z drugiej zaś pozorną przypadkowość i nierównowagę, asymetrię kompozycji, śmiałość cięcia figur, nieoczekiwane punkty widzenia i skomplikowane kąty, które aktywizują konstrukcję przestrzenną.
W niektórych metodach konstruowania kompozycji i przestrzeni w impresjonizmie zauważalny jest wpływ japońskiej ryciny i częściowo fotografii.
Impresjoniści zwrócili się także w stronę portretu i gatunku codziennego (Renoir, B. Morisot, częściowo Degas). Codzienny gatunek i akt w impresjonizmie często przeplatały się z pejzażem (zwłaszcza w Renoir); postacie ludzi oświetlonych naturalnym światłem przedstawiano najczęściej przy otwartym oknie, w altanie itp. Impresjonizm charakteryzuje się mieszaniem gatunku codziennego z portretem, tendencją do zacierania wyraźnych granic międzygatunkowych. Od początku lat 80-tych. niektórzy mistrzowie impresjonizmu we Francji starali się zmodyfikować jego zasady twórcze. Późny impresjonizm (połowa lat 80. - 90.) rozwinął się w okresie kształtowania się stylu „nowoczesnego”, różnych trendów postimpresjonizmu. Późny impresjonizm charakteryzuje się pojawieniem się poczucia własnej wartości subiektywnej maniery artystycznej artysty, rozwojem trendów dekoracyjnych. Gra odcieni i dodatkowych tonów w dziele impresjonizmu staje się coraz bardziej wyrafinowana, pojawia się tendencja do większego nasycenia barw płótna lub do jedności tonalnej; krajobrazy są połączone w szereg.
Malarski styl impresjonizmu wywarł wielki wpływ na malarstwo francuskie. W malarstwie salonowo-akademickim dostrzegało się pewne cechy impresjonizmu. Dla wielu artystów badanie metody impresjonizmu stało się początkowym etapem na drodze do powstania własnego systemu artystycznego (P. Cezanne, P. Gauguin, V. van Gogh, J. Seurat).
Twórcze odwołanie się do impresjonizmu, badanie jego zasad było ważnym krokiem w rozwoju wielu narodowych europejskich szkół artystycznych. Pod wpływem francuskiego impresjonizmu prace M. Liebermanna, L. Corintha w Niemczech, K. A. Korovina, V. A. Serova, I. E. Grabara i wczesnego M. F. Larionowa w Rosji, M. Prendergasta i M. Cassatta w USA, L. Vychulkovsky'ego w Polska, słoweńscy impresjoniści itd. Jednocześnie poza Francją wychwycono i rozwinięto tylko niektóre aspekty impresjonizmu: odwołanie się do współczesnej tematyki, efekty malarstwa plenerowego, rozjaśnienie palety, szkicowy styl malowania itp. Termin „impresjonizm” odnosi się również do rzeźby z lat 1880-1910, która ma pewne cechy podobne do malarstwa impresjonistycznego - chęć oddania natychmiastowego ruchu, płynności i miękkości form, celowej niekompletności plastycznej. Impresjonizm w rzeźbie przejawiał się najwyraźniej w twórczości M. Rosso we Włoszech, O. Rodina i Degasa we Francji, P.P. Trubetskoya i A.S. Golubkiny w Rosji i innych. Impresjonizm w sztukach wizualnych wpłynął na rozwój środków wyrazu w literaturze, muzyce i teatrze.
K. Pissarro. „Trener poczty w Louveciennes”. Około 1870 r. Muzeum Impresjonizmu. Paryż.
Źródło: Encyklopedia sztuki popularnej. Wyd. pole VM; M.: Wydawnictwo „Sowiecka Encyklopedia”, 1986.)
impresjonizm(francuski impresjonizm, od impresji - wrażenie), kierunek w sztuce con. 1860 - wcześnie. 1880 Najwyraźniej przejawia się w malarstwie. Czołowi przedstawiciele: K. monet, O. Renoir, DO. Pissarro, A. Guillaumin, B. Morisot, M. Cassatt, A. Sisley, G. Caillebotte i J.F. Basile. Razem z nimi wystawiali swoje obrazy autorstwa E. Grzywa i E. Odgazować, choć stylu ich prac nie można nazwać całkowicie impresjonistycznym. Nazwa „Impresjoniści” została przypisana grupie młodych artystów po ich pierwszej wspólnej wystawie w Paryżu (1874; Monet, Renoir, Pizarro, Degas, Sisley itd.), co wywołało wściekłe oburzenie publiczności i krytyków. Jeden z prezentowanych obrazów C. Moneta (1872) nosił tytuł „Wrażenie. Sunrise ”(„ L'impression. Soleil levant ”), a recenzent kpiąco nazwał artystów „impresjonistami” - „impresjonistami”. Pod tym nazwiskiem malarze występowali na trzeciej wspólnej wystawie (1877). W tym samym czasie zaczęli wydawać magazyn impresjonistyczny, którego każdy numer był poświęcony pracy jednego z członków grupy.
Impresjoniści starali się uchwycić otaczający ich świat w jego ciągłej zmienności, płynności i wyrazić swoje bezpośrednie wrażenia bez uprzedzeń. Impresjonizm opierał się na najnowszych odkryciach optyki i teorii kolorów (spektralny rozkład promienia słonecznego na siedem kolorów tęczy); w tym jest zgodny z duchem naukowej analizy, charakterystycznym dla con. 19 wiek Jednak sami impresjoniści nie próbowali określić teoretycznych podstaw swojej sztuki, kładąc nacisk na spontaniczność, intuicyjność pracy artysty. Artystyczne zasady impresjonistów nie były jednolite. Monet malował pejzaże wyłącznie w bezpośrednim kontakcie z naturą, w plenerze (in na wolnym powietrzu), a nawet zbudował warsztat na łodzi. Degas pracował w warsztacie ze wspomnień lub zdjęć. W przeciwieństwie do przedstawicieli późniejszych ruchów radykalnych, artyści nie wyszli poza renesansowy system iluzoryczno-przestrzenny oparty na wykorzystaniu perspektywy. Mocno trzymali się metody pracy z natury, którą wynieśli do głównej zasady kreatywności. Artyści starali się „malować to, co widzisz” i „jak widzisz”. Konsekwentne stosowanie tej metody pociągało za sobą przekształcenie wszystkich podstaw istniejącego systemu obrazowego: kolor, kompozycja, budownictwo przestrzenne. Czyste kolory zostały naniesione na płótno małymi osobnymi pociągnięciami: wielobarwne „kropki” układały się obok siebie, mieszając się w barwny spektakl nie na palecie i nie na płótnie, ale w oku widza. Impresjoniści osiągnęli bezprecedensową dźwięczność koloru, niespotykane bogactwo odcieni. Pociągnięcie pędzla stało się samodzielnym środkiem wyrazu, wypełniając powierzchnię obrazu żywą, migoczącą wibracją kolorowych drobinek. Płótno przyrównano do mieniącej się drogocennymi kolorami mozaiki. W dawnym malarstwie dominowały odcienie czerni, szarości, brązu; na płótnach impresjonistów kolory świeciły jasno. Impresjoniści nie używali światłocień aby oddać tomy, porzucili ciemne cienie, cienie na ich obrazach również stały się kolorowe. Artyści szeroko stosowali dodatkowe tony (czerwień i zieleń, żółć i fiolet), których kontrast zwiększał intensywność koloru. Na obrazach Moneta kolory zostały rozjaśnione i rozpuszczone w blasku promieni słonecznych, lokalne kolory nabrały wielu odcieni.
Impresjoniści przedstawiali otaczający świat w nieustannym ruchu, przejście z jednego stanu do drugiego. Zaczęli malować serię obrazów, chcąc pokazać, jak ten sam motyw zmienia się w zależności od pory dnia, oświetlenia, warunków pogodowych itp. (cykle Boulevard Montmartre autorstwa C. Pissarro, 1897; Katedra w Rouen, 1893-95, oraz „Parlament londyński”, 1903-04, C. Monet). Artyści znaleźli sposoby na odzwierciedlenie w obrazach ruchu chmur (A. Sisley. „Louan in Saint-Mamme”, 1882), gry blasku słońca (O. Renoir. „Swing”, 1876), podmuchów wiatru (C. Monet. „Taras w Sainte-Adresse”, 1866), strumienie deszczu (G. Caillebotte. „Jer. Effect of rain”, 1875), padający śnieg (C. Pissarro. „Przejście operowe. Efekt śniegu”, 1898), szybki bieg koni (E. Manet „Wyścigi w Longchamp”, 1865).
Impresjoniści opracowali nowe zasady konstruowania kompozycji. Wcześniej przestrzeń obrazu była porównywana do sceny, teraz uchwycone sceny przypominały migawkę, ramkę do zdjęć. Wynaleziony w XIX wieku fotografia miała znaczący wpływ na kompozycję malarstwa impresjonistycznego, zwłaszcza w twórczości E. Degasa, który sam był zapalonym fotografem i, jak sam mówi, starał się zaskoczyć przedstawione baletnice, zobaczyć je „jak gdyby przez dziurkę od klucza”, kiedy ich pozy, linie ciała są naturalne, wyraziste i autentyczne. Tworząc obrazy w plenerze, chęć uchwycenia szybko zmieniającego się oświetlenia zmusiła artystów do przyspieszenia pracy, pisania „alla prima” (za jednym zamachem), bez wstępnych szkiców. Fragmentaryzacja, „przypadkowość” kompozycji i dynamiczna maniera malarska stworzyły w obrazach impresjonistów poczucie szczególnej świeżości.
Ulubionym gatunkiem impresjonistów był pejzaż; portret był także rodzajem „krajobrazu twarzy” (O. Renoir, „Portret aktorki J. Samary”, 1877). Ponadto artyści znacznie poszerzyli wachlarz tematów malarskich, zwracając się do tematów wcześniej uważanych za niegodne uwagi: festiwale folklorystyczne, wyścigi konne, pikniki bohemy artystycznej, kulisy życia teatrów itp. Ich obrazy nie posiadają szczegółowa fabuła, szczegółowa narracja; życie ludzkie rozpływa się w przyrodzie lub w atmosferze miasta. Impresjoniści nie pisali wydarzeń, ale nastroje, odcienie uczuć. Artyści zasadniczo odrzucali wątki historyczne i literackie, unikali przedstawiania dramatycznych, ciemnych stron życia (wojny, katastrofy itp.). Starali się uwolnić sztukę od wypełniania zadań społecznych, politycznych i moralnych, od obowiązku oceny przedstawianych zjawisk. Artyści wyśpiewywali piękno świata, potrafiąc zamienić najzwyklejszy motyw (remont pokoju, szara londyńska mgła, dym parowozów itp.) w czarujące widowisko (G. Caillebotte. "Parquette", 1875; C Monet „Stacja Saint-Lazare”, 1877).
W 1886 roku odbyła się ostatnia wystawa impresjonistów (nie brali w niej udziału O. Renoir i K. Monet). Do tego czasu ujawniono znaczące różnice zdań między członkami grupy. Możliwości metody impresjonistycznej wyczerpały się, a każdy z artystów zaczął szukać własnej drogi w sztuce.
Impresjonizm jako holistyczna metoda twórcza był zjawiskiem głównie sztuki francuskiej, ale twórczość impresjonistów wywarła wpływ na całe malarstwo europejskie. Chęć unowocześnienia języka artystycznego, rozjaśnienia barwnej palety i wyeksponowania technik malarskich jest teraz mocno wpisana w arsenał artystów. W innych krajach bliscy impresjonizmu byli J. Whistler (Anglia i USA), M. Lieberman, L. Corinth (Niemcy), J. Sorolla (Hiszpania). Wpływ impresjonizmu odczuło wielu rosyjskich artystów (V.A. Sierow, K.A. Korowin, TJ. Grabar itd.).
Oprócz malarstwa impresjonizm ucieleśniał twórczość niektórych rzeźbiarzy (E. Degas i O. Rodin we Francji, M. Rosso we Włoszech, P.P. Trubieckoj w Rosji) w żywym swobodnym modelowaniu płynnych miękkich form, co tworzy złożoną grę światła na powierzchni materiału i poczucie niekompletności dzieła; w pozach moment ruchu uchwycony zostaje rozwój. W muzyce bliskość impresjonizmu odnajdujemy w pracach C. Debussy'ego („Żagle”, „Mgły”, „Odbicia w wodzie” itp.).
