Materiał referencyjny „Trendy i prądy literackie. Nurty i nurty literackie Nurty artystyczne w literaturze

2) Sentymentalizm
Sentymentalizm to ruch literacki, który uznał uczucie za główne kryterium osobowości człowieka. Sentymentalizm narodził się w Europie i Rosji mniej więcej w tym samym czasie, w drugiej połowie XVIII wieku, jako przeciwwaga dla panującej wówczas surowej teorii klasycznej.
Sentymentalizm był ściśle związany z ideami Oświecenia. Dał pierwszeństwo przejawom przymiotów duchowych człowieka, analizie psychologicznej, starał się rozbudzić w sercach czytelników zrozumienie natury ludzkiej i miłość do niej, a także humanitarny stosunek do wszystkich słabych, cierpiących i prześladowanych. Uczucia i doświadczenia człowieka są godne uwagi, niezależnie od jego przynależności klasowej - idei powszechnej równości ludzi.
Główne gatunki sentymentalizmu:
fabuła
elegia
powieść
listy
podróże
pamiętniki
Anglię można uznać za kolebkę sentymentalizmu. Poeci J. Thomson, T. Gray, E. Jung próbowali rozbudzić w czytelnikach miłość do środowiska, czerpiąc w swoich utworach proste i spokojne wiejskie pejzaże, sympatię dla potrzeb biednych ludzi. S. Richardson był wybitnym przedstawicielem angielskiego sentymentalizmu. W pierwszej kolejności przedstawił analizę psychologiczną i zwrócił uwagę czytelników na losy swoich bohaterów. Pisarz Lawrence Stern głosił humanizm jako najwyższą wartość człowieka.
W literaturze francuskiej sentymentalizm jest reprezentowany przez powieści księdza Prevosta, PK de Chamblain de Marivaux, J.-J. Rousseau, AB de Saint-Pierre.
W literaturze niemieckiej - prace F.G. Klopstocka, F.M. Klingera, J.W. Goethego, J.F. Schillera, S. Laroche.
Sentymentalizm zawitał do literatury rosyjskiej wraz z tłumaczeniami dzieł sentymentalistów zachodnioeuropejskich. Pierwsze sentymentalne dzieła literatury rosyjskiej można nazwać „Podróżą z Petersburga do Moskwy” A.N. Radishchev, „Listy od rosyjskiego podróżnika” i „Biedna Lisa” N.I. Karamzin.

3) Romantyzm
Romantyzm powstał w Europie pod koniec XVIII i na początku XIX wieku. jako przeciwwaga dla poprzednio dominującego klasycyzmu z jego pragmatyzmem i przestrzeganiem ustalonych praw. Romantyzm, w przeciwieństwie do klasycyzmu, opowiadał się za odejściem od reguł. Warunkiem romantyzmu była Wielka Rewolucja Francuska 1789-1794, która obaliła władzę burżuazji, a wraz z nią burżuazyjne prawa i ideały.
Romantyzm, podobnie jak sentymentalizm, przywiązywał dużą wagę do osobowości człowieka, jego uczuć i doświadczeń. Głównym konfliktem romantyzmu była konfrontacja jednostki ze społeczeństwem. Na tle postępu naukowego i technologicznego, coraz bardziej złożonej struktury społecznej i politycznej, postępowała duchowa dewastacja jednostki. Romantycy starali się zwrócić uwagę czytelników na tę okoliczność, wywołać w społeczeństwie protest przeciwko brakowi duchowości i egoizmowi.
Romantycy byli zawiedzeni otaczającym ich światem i to rozczarowanie jest wyraźnie widoczne w ich pracach. Niektórzy z nich, tacy jak F. R. Chateaubriand i V. A. Zhukovsky, wierzyli, że człowiek nie może oprzeć się tajemniczym siłom, musi być im posłuszny i nie próbować zmieniać swojego losu. Inni romantycy, tacy jak J. Byron, P.B. Shelley, S. Petofi, A. Mickiewicz, wczesny A. S. Puszkin, uważali, że trzeba walczyć z tzw. „światowym złem” i przeciwstawiali się mu siłą ludzkiego ducha .
Wewnętrzny świat romantycznego bohatera był pełen przeżyć i namiętności, przez całą pracę autor zmuszał go do walki z otaczającym go światem, obowiązkiem i sumieniem. Romantycy przedstawiali uczucia w ich skrajnych przejawach: wysoką i namiętną miłość, okrutną zdradę, nikczemną zazdrość, niską ambicję. Ale romantycy interesowali się nie tylko wewnętrznym światem człowieka, ale także tajemnicami bytu, istotą wszystkich żywych istot, być może dlatego w ich pracach jest tak wiele mistyki i tajemnicy.
W literaturze niemieckiej romantyzm najdobitniej wyrażał się w pracach Novalisa, W. Tiecka, F. Hölderlina, G. Kleista i E. T. A. Hoffmanna. Angielski romantyzm jest reprezentowany przez prace W. Wordswortha, ST Coleridge, R. Southeya, W. Scotta, J. Keatsa, J. G. Byrona, P. B. Shelleya. We Francji romantyzm pojawił się dopiero na początku lat 20. XIX wieku. Głównymi przedstawicielami byli F.R. Chateaubriand, J. Stahl, E.P. Senancourt, P. Merimet, V. Hugo, J. Sand, A. Vigny, A. Dumas (ojciec).
Duży wpływ na rozwój rosyjskiego romantyzmu miała Rewolucja Francuska i Wojna Ojczyźniana z 1812 roku. Romantyzm w Rosji dzieli się zwykle na dwa okresy - przed i po powstaniu dekabrystów w 1825 roku. Przedstawiciele pierwszego okresu (V.A. Zhukovsky, K.N. Batyushkov, A. Puszkina w okresie wygnania południowego), wierzył w zwycięstwo wolności duchowej nad życiem codziennym, ale po klęsce dekabrystów, egzekucjach i wygnaniach romantyczny bohater zamienia się w osobę odrzuconą i niezrozumianą przez społeczeństwo oraz konflikt między jednostka i społeczeństwo stają się nierozwiązywalne. Wybitnymi przedstawicielami drugiego okresu byli M. Yu Lermontov, E. A. Baratynsky, D. V. Venevitinov, A. S. Chomyakov, F. I. Tiutchev.
Główne gatunki romantyzmu:
Elegia
Idylla
Ballada
Nowela
Powieść
historia fantasy
Estetyczne i teoretyczne kanony romantyzmu
Idea dualności to walka między obiektywną rzeczywistością a subiektywnym światopoglądem. Realizmowi brakuje tej koncepcji. Idea dualności ma dwie modyfikacje:
ucieczka do świata fantazji;
podróż, koncepcja drogi.
Koncepcja bohatera:
bohater romantyczny to zawsze wyjątkowa osobowość;
bohater jest zawsze w konflikcie z otaczającą rzeczywistością;
niezadowolenie bohatera, które przejawia się w tonie lirycznym;
celowość estetyczna wobec nieosiągalnego ideału.
Paralelizm psychologiczny - tożsamość stanu wewnętrznego bohatera z otaczającą naturą.
Styl mowy dzieła romantycznego:
ostateczna ekspresja;
zasada kontrastu na poziomie kompozycji;
obfitość postaci.
Estetyczne kategorie romantyzmu:
odrzucenie rzeczywistości burżuazyjnej, jej ideologii i pragmatyzmu; romantycy negowali system wartości, który opierał się na stabilności, hierarchii, ścisłym systemie wartości (dom, wygoda, moralność chrześcijańska);
kultywowanie indywidualności i artystycznego światopoglądu; odrzucona przez romantyzm rzeczywistość została podporządkowana subiektywnym światom opartym na twórczej wyobraźni artysty.

4) Realizm
Realizm to nurt literacki, który obiektywnie oddaje otaczającą rzeczywistość dostępnymi jej środkami artystycznymi. Główną techniką realizmu jest typizacja faktów rzeczywistości, obrazów i postaci. Pisarze realistyczni stawiają swoje postacie w określonych warunkach i pokazują, jak te warunki wpłynęły na osobowość.
Podczas gdy pisarze romantyczni martwili się rozbieżnością między otaczającym ich światem a ich wewnętrznym światopoglądem, pisarz realistyczny interesuje się tym, jak otaczający świat wpływa na osobowość. Działania bohaterów prac realistycznych determinowane są okolicznościami życiowymi, innymi słowy, gdyby człowiek żył w innym czasie, w innym miejscu, w innym środowisku społeczno-kulturowym, to on sam byłby inny.
Podstawy realizmu położył w IV wieku Arystoteles. pne mi. Zamiast pojęcia „realizmu” użył pojęcia „naśladowania”, które jest mu bliskie w znaczeniu. Realizm odrodził się wtedy w okresie renesansu i epoce oświecenia. W latach 40. 19 wiek w Europie, Rosji i Ameryce realizm zastąpił romantyzm.
W zależności od motywów treści odtworzonych w pracy, istnieją:
realizm krytyczny (społeczny);
realizm postaci;
realizm psychologiczny;
groteskowy realizm.
Realizm krytyczny koncentruje się na rzeczywistych okolicznościach, które wpływają na daną osobę. Przykładami realizmu krytycznego są prace Stendhala, O. Balzaca, C. Dickensa, W. Thackeraya, A. S. Puszkina, N. V. Gogola, I. S. Turgieniewa, F. M. Dostojewskiego, L. N. Tołstoja, A. P. Czechowa.
Wręcz przeciwnie, charakterystyczny realizm pokazywał silną osobowość, która potrafiła walczyć z okolicznościami. Realizm psychologiczny zwracał większą uwagę na świat wewnętrzny, psychologię postaci. Głównymi przedstawicielami tych odmian realizmu są F. M. Dostojewski, L. N. Tołstoj.

W realizmie groteskowym dopuszcza się odstępstwa od rzeczywistości, w niektórych pracach odstępstwa ocierają się o fantazję, przy czym im bardziej groteskowy, tym bardziej autor krytykuje rzeczywistość. Realizm groteskowy rozwija się w pracach Arystofanesa, F. Rabelaisa, J. Swifta, E. Hoffmanna, w satyrycznych opowieściach N. V. Gogola, dziełach M. E. Saltykowa-Szczedrina, M. A. Bułhakowa.

5) Modernizm
Modernizm to zbiór ruchów artystycznych, które promowały wolność wypowiedzi. Modernizm powstał w Europie Zachodniej w drugiej połowie XIX wieku. jako nowa forma twórczości, przeciwstawiająca się sztuce tradycyjnej. Modernizm przejawiał się we wszystkich rodzajach sztuki – malarstwie, architekturze, literaturze.
Główną cechą wyróżniającą modernizm jest jego zdolność do zmiany otaczającego świata. Autor nie stara się realistycznie czy alegorycznie przedstawiać rzeczywistość, jak to było w realizmie, czy wewnętrzny świat bohatera, jak to było w sentymentalizmie i romantyzmie, ale przedstawia własny świat wewnętrzny i własny stosunek do otaczającej rzeczywistości, wyraża osobiste wrażenia, a nawet fantazje.
Cechy modernizmu:
zaprzeczenie klasycznemu dziedzictwu artystycznemu;
deklarowana rozbieżność z teorią i praktyką realizmu;
orientacja na jednostkę, a nie osobę społeczną;
wzmożona uwaga na duchową, a nie społeczną sferę życia człowieka;
skoncentruj się na formie nad treścią.
Główne nurty modernizmu to impresjonizm, symbolizm i secesja. Impresjonizm dążył do uchwycenia momentu w formie, w jakiej autor go widział lub odczuwał. W percepcji tego autora przeszłość, teraźniejszość i przyszłość mogą się przeplatać, ważne jest wrażenie, że jakiś przedmiot lub zjawisko wywiera na autorze, a nie sam przedmiot.
Symboliści próbowali znaleźć tajne znaczenie we wszystkim, co się wydarzyło, nadawali znanym obrazom i słowom mistyczne znaczenie. Art Nouveau promował odrzucenie regularnych kształtów geometrycznych i linii prostych na rzecz linii gładkich i zakrzywionych. Art Nouveau przejawiał się szczególnie jasno w architekturze i sztuce użytkowej.
W latach 80. 19 wiek narodził się nowy trend modernizmu - dekadencja. W sztuce dekadencji człowiek znajduje się w nieznośnych okolicznościach, jest załamany, skazany na zagładę, stracił smak życia.
Główne cechy dekadencji:
cynizm (nihilistyczny stosunek do wartości uniwersalnych);
erotyczność;
tonatos (według Z. Freuda - pragnienie śmierci, upadek, rozkład osobowości).
W literaturze modernizm reprezentowany jest przez następujące nurty:
acmeizm;
symbolizm;
futuryzm;
wyobraźnia.
Najwybitniejszymi przedstawicielami modernizmu w literaturze są francuscy poeci Ch. Baudelaire, P. Verlaine, rosyjscy poeci N. Gumilyov, A. A. Blok, V. V. Mayakovsky, A. Achmatova, I. Severyanin, angielski pisarz O. Wilde, Amerykanin pisarz E. Poe, skandynawski dramaturg G. Ibsen.

6) Naturalizm
Naturalizm to nazwa nurtu w literaturze i sztuce europejskiej, który powstał w latach 70-tych. 19 wiek a szczególnie szeroko rozpowszechniony w latach 80-90, kiedy naturalizm stał się najbardziej wpływowym trendem. Teoretyczne uzasadnienie nowego trendu podał Emile Zola w książce „Powieść eksperymentalna”.
Koniec XIX wieku (zwłaszcza lata 80.) to rozkwit i umacnianie się kapitału przemysłowego, który przeradza się w kapitał finansowy. Odpowiada to z jednej strony wysokiemu poziomowi techniki i zwiększonemu wyzyskowi, z drugiej zaś wzrostowi samoświadomości i walce klasowej proletariatu. Burżuazja zamienia się w klasę reakcyjną, walczącą z nową siłą rewolucyjną - proletariatem. Drobnomieszczaństwo oscyluje między tymi głównymi klasami, a wahania te znajdują odzwierciedlenie w stanowiskach pisarzy drobnomieszczańskich, którzy przyłączyli się do naturalizmu.
Główne wymagania stawiane literaturze przez przyrodników: naukowość, obiektywizm, apolityczność w imię „prawdy uniwersalnej”. Literatura musi stać na poziomie współczesnej nauki, musi być przepojona naukowym charakterem. Jasne jest, że przyrodnicy opierają swoje prace tylko na tej nauce, która nie neguje istniejącego systemu społecznego. Podstawą swojej teorii naturaliści opierają się na mechanistycznym materializmie przyrodniczo-naukowym typu E.Haeckela, G.Spencera i C.Lombroso, dostosowując doktrynę dziedziczności do interesów klasy rządzącej (dziedziczność jest uznawana za przyczynę rozwarstwienia społecznego , co daje przewagę jednemu nad drugim), filozofię pozytywizmu Augusta Comte'a i drobnomieszczańskich utopistów (Saint-Simon).
Poprzez obiektywne i naukowe ukazanie mankamentów współczesnej rzeczywistości francuscy przyrodnicy mają nadzieję wpłynąć na umysły ludzi, a tym samym spowodować przeprowadzenie szeregu reform w celu uratowania istniejącego systemu przed zbliżającą się rewolucją.
Teoretyk i przywódca francuskiego naturalizmu E. Zola uznał G. Flauberta, braci Goncourt, A. Daudeta i wielu innych mniej znanych pisarzy za przyrodników. Zola przypisał francuskich realistów bezpośrednim poprzednikom naturalizmu: O. Balzacowi i Stendhalowi. Ale w rzeczywistości żaden z tych pisarzy, nie wyłączając samego Zoli, nie był przyrodnikiem w takim sensie, w jakim ten nurt rozumiał Zola teoretyk. Do naturalizmu jako do stylu klasy rządzącej dołączyli na jakiś czas pisarze bardzo niejednorodni zarówno pod względem metody artystycznej, jak i przynależności do różnych grup klasowych. Charakterystyczne, że jednoczącym momentem nie była metoda artystyczna, ale reformistyczne tendencje naturalizmu.
Zwolenników naturalizmu charakteryzuje jedynie częściowe rozpoznanie zbioru wymagań stawianych przez teoretyków naturalizmu. Kierując się jedną z zasad tego stylu, odpychają się od innych, różniąc się znacznie od siebie, reprezentując zarówno różne trendy społeczne, jak i różne metody artystyczne. Szereg zwolenników naturalizmu przyjęło jego reformistyczną istotę, odrzucając bez wahania nawet taki typowy dla naturalizmu wymóg, jak wymóg obiektywności i ścisłości. Tak samo niemieccy „pierwsi przyrodnicy” (M. Kretzer, B. Bille, W. Belshe i inni).
Pod znakiem rozkładu, zbliżenia z impresjonizmem rozpoczął się dalszy rozwój naturalizmu. Powstały w Niemczech nieco później niż we Francji, niemiecki naturalizm był głównie stylem drobnomieszczańskim. Tutaj rozpad patriarchalnej drobnomieszczaństwa i intensyfikacja procesów kapitalizacji tworzy coraz więcej kadr inteligencji, która bynajmniej nie zawsze znajduje dla siebie użytek. Coraz większe rozczarowanie potęgą nauki przenika do nich. Stopniowo kruszą się nadzieje na rozwiązanie sprzeczności społecznych w ramach systemu kapitalistycznego.
Naturalizm niemiecki, podobnie jak naturalizm w literaturze skandynawskiej, jest całkowicie przejściowym krokiem od naturalizmu do impresjonizmu. Tak więc słynny niemiecki historyk Lamprecht w swojej „Historii narodu niemieckiego” zaproponował, aby nazwać ten styl „fizjologicznym impresjonizmem”. Termin ten jest dalej używany przez wielu historyków literatury niemieckiej. Rzeczywiście, wszystko, co pozostało z naturalistycznego stylu znanego we Francji, to szacunek dla fizjologii. Wielu niemieckich pisarzy przyrodników nie próbuje nawet ukrywać swojej tendencyjności. Zwykle skupia się na jakimś problemie, społecznym lub fizjologicznym, wokół którego grupują się ilustrujące go fakty (alkoholizm w Przed wschodem słońca Hauptmanna, dziedziczność w Duchach Ibsena).
Założycielami niemieckiego naturalizmu byli A. Goltz i F. Shlyaf. Ich podstawowe zasady są nakreślone w broszurze Arta Goltza, w której Goltz stwierdza, że „sztuka ma tendencję do ponownego stawania się naturą i staje się naturą zgodnie z istniejącymi warunkami reprodukcji i praktycznego zastosowania”. Zaprzeczana jest również złożoność fabuły. Miejsce pełnej wydarzeń powieści Francuzów (Zoli) zajmuje opowiadanie lub opowiadanie, niezwykle ubogie w fabułę. Główne miejsce zajmuje tu żmudny przekaz nastrojów, wrażeń wzrokowych i słuchowych. Powieść zostaje również zastąpiona dramatem i wierszem, który francuscy przyrodnicy potraktowali wyjątkowo negatywnie jako „rodzaj sztuki rozrywkowej”. Szczególną uwagę przywiązuje się do dramatu (G. Ibsen, G. Hauptman, A. Goltz, F. Shlyaf, G. Zuderman), który również zaprzecza intensywnie rozwijanej akcji, daje jedynie katastrofę i utrwalenie przeżyć bohaterów ("Nora ”, „Duchy”, „Przed wschodem słońca”, „Mistrz Elze” i inne). W przyszłości dramat naturalistyczny odradza się w impresjonistyczny, symboliczny dramat.
W Rosji naturalizm nie rozwinął się. Wczesne prace F.I. Panferova i M.A. Szołochowa nazwano naturalistycznymi.

7) szkoła naturalna
W ramach szkoły naturalnej krytyka literacka rozumie kierunek, który powstał w literaturze rosyjskiej w latach 40. XX wieku. 19 wiek Była to epoka coraz ostrzejszych sprzeczności między systemem feudalnym a rozwojem elementów kapitalistycznych. Zwolennicy szkoły przyrodniczej starali się w swoich pracach odzwierciedlić sprzeczności i nastroje tamtych czasów. Samo określenie „szkoła naturalna” pojawiło się w krytyce dzięki F. Bulgarinowi.
Szkoła naturalna, w szerszym użyciu terminu, jaki był używany w latach czterdziestych, nie oznacza jednego kierunku, ale jest pojęciem w dużej mierze warunkowym. Szkoła przyrodnicza obejmowała takich pisarzy heterogenicznych pod względem podstawy klasowej i wyglądu artystycznego, jak I. S. Turgieniew i F. M. Dostojewski, D. V. Grigorovich i I. A. Goncharov, N. A. Niekrasow i I. I. Panaev.
Najczęstszymi cechami, na podstawie których uznano pisarza za przynależnego do szkoły przyrodniczej, były: tematy istotne społecznie, które obejmowały szerszy krąg niż choćby krąg obserwacji społecznych (często w „niskich” warstwach społeczeństwa), krytyczny stosunek do rzeczywistości społecznej, realizm wypowiedzi artystycznych, który walczył z upiększaniem rzeczywistości, estetyką, romantyczną retoryką.
V. G. Belinsky wyróżnił realizm szkoły naturalnej, twierdząc, że najważniejsza cecha „prawdy”, a nie „fałszu” obrazu. Szkoła naturalna zwraca się nie do idealnych, wymyślonych bohaterów, ale do „tłumu”, do „masy”, do zwykłych ludzi i najczęściej do ludzi „niskiej rangi”. Powszechne w latach 40. wszelkiego rodzaju eseje „fizjologiczne” zaspokajały tę potrzebę refleksji nad innym, nieszlachetnym życiem, choćby tylko w refleksji tego, co zewnętrzne, codzienne, powierzchowne.
N. G. Czernyszewski szczególnie ostro podkreśla jako najistotniejszą i podstawową cechę „literatury okresu gogolskiego” jej krytyczny, „negatywny” stosunek do rzeczywistości – „literatura okresu gogolskiego” to tu inna nazwa tej samej szkoły przyrodniczej: jest do N. V. Gogola - autora "Martwych dusz", "Głównego inspektora", "Płaszcz" - jako przodka szkoła naturalna została wzniesiona przez V. G. Belinsky'ego i wielu innych krytyków. Rzeczywiście, wielu pisarzy należących do szkoły przyrodniczej doświadczyło potężnego wpływu różnych aspektów twórczości N.V. Gogola. Oprócz Gogola na pisarzy szkoły przyrodniczej wpływ mieli tacy przedstawiciele zachodnioeuropejskiej literatury drobnomieszczańskiej i mieszczańskiej, jak C. Dickens, O. Balzac, George Sand.
Jeden z nurtów szkoły naturalnej, reprezentowany przez liberalną, kapitalizującą się szlachtę i sąsiadujące z nią warstwy społeczne, odznaczał się powierzchownością i ostrożnością krytyki rzeczywistości: jest to albo nieszkodliwa ironia w stosunku do pewnych aspektów szlacheckiej postawy. rzeczywistością lub szlacheckim protestem przeciwko pańszczyźnie. Krąg spostrzeżeń społecznych tej grupy ograniczał się do majątku dworskiego. Przedstawiciele tego nurtu szkoły przyrodniczej: I. S. Turgieniew, D. V. Grigorovich, I. I. Panaev.
Inny nurt szkoły przyrodniczej opierał się głównie na miejskim filistynizmie lat 40., naruszanym z jednej strony przez wciąż upartą pańszczyźnianość, a z drugiej przez rosnący kapitalizm przemysłowy. Pewna rola należała tutaj do F. M. Dostojewskiego, autora wielu powieści i opowiadań psychologicznych ("Biedni ludzie", "Double" i inne).
Trzeci nurt w szkole naturalnej, reprezentowany przez tak zwanych „raznochinców”, ideologów rewolucyjnej demokracji chłopskiej, najdobitniej oddaje w swojej pracy tendencje, jakie współcześni (W.G. Bieliński) kojarzą z nazwą szkoły naturalnej i sprzeciwiał się szlachetnej estetyce. Tendencje te najpełniej i najdobitniej ujawniły się u N. A. Niekrasowa. A. I. Herzen („Kto jest winien?”), M. E. Saltykov-Szchedrin („Zaplątany przypadek”) należy przypisać tej samej grupie.

8) Konstruktywizm
Konstruktywizm to ruch artystyczny, który powstał w Europie Zachodniej po I wojnie światowej. Początki konstruktywizmu tkwią w tezie niemieckiego architekta G. Sempera, który twierdził, że o wartości estetycznej każdego dzieła sztuki decyduje zgodność jego trzech elementów: dzieła, materiału, z którego jest wykonane i obróbka techniczna tego materiału.
Teza ta, przyjęta później przez funkcjonalistów i funkcjonalistów-konstruktywistów (L. Wright w Ameryce, J. J. P. Oud w Holandii, W. Gropius w Niemczech), podkreśla materialno-techniczną i materialno-utylitarną stronę sztuki. ideologiczna strona tego jest wykastrowana.
Na Zachodzie tendencje konstruktywistyczne w okresie I wojny światowej iw okresie powojennym wyrażały się w różnych kierunkach, mniej lub bardziej „ortodoksyjnych” interpretując podstawowe tezy konstruktywizmu. Tak więc we Francji i Holandii konstruktywizm wyrażał się w „puryzmie”, w „estetyce maszyn”, w „neoplastyce” (sztuka), estetyzującym formalizmie Corbusiera (w architekturze). W Niemczech - w nagim kulcie rzeczy (pseudokonstruktywizm), jednostronnym racjonalizmie szkoły Gropiusa (architektura), abstrakcyjnym formalizmie (w kinie nieobiektywnym).
W Rosji w 1922 r. pojawiła się grupa konstruktywistów. W jej skład weszli A.N. Cziczerin, K.L. Zelinsky i I.L. Selvinsky. Konstruktywizm był pierwotnie nurtem wąsko formalnym, podkreślającym rozumienie dzieła literackiego jako konstrukcji. Następnie konstruktywiści uwolnili się od tego wąsko estetycznego i formalnego nastawienia i przedstawili znacznie szersze uzasadnienia dla swojej platformy twórczej.
A. N. Cziczerin odszedł od konstruktywizmu, wielu autorów zgrupowanych wokół I. L. Selvinsky'ego i K. L. Zelinsky'ego (V. Inber, B. Agapov, A. Gabrilovich, N. Panov), a w 1924 r. Zorganizowano centrum literackie konstruktywistów (LCC). W swojej deklaracji LCC wychodzi przede wszystkim ze stwierdzenia o potrzebie jak najściślejszego udziału sztuki w „organizacyjnym napadzie klasy robotniczej”, w konstruowaniu kultury socjalistycznej. Stąd rodzi się konstruktywistyczny stosunek do nasycania sztuki (zwłaszcza poezji) tematyką współczesną.
Główny temat, który zawsze przyciągał uwagę konstruktywistów, można określić następująco: „Inteligencja w rewolucji i budownictwie”. Zwracając szczególną uwagę na wizerunek intelektualisty w wojnie domowej (I.L. Selvinsky, „Dowódca 2”) i w budownictwie (I.L. Selvinsky „Pushtorg”), konstruktywiści przede wszystkim przedstawiali w boleśnie przerysowanej formie jego specyficzny ciężar i znaczenie pracy w toku. Jest to szczególnie widoczne w Pushtorgu, gdzie wyjątkowemu specjaliście Polujarowowi przeciwstawia się niekompetentny komunista Król, który ingeruje w jego pracę i doprowadza go do samobójstwa. Tu patos techniki pracy jako takiej przesłania główne konflikty społeczne współczesnej rzeczywistości.
Ta wyolbrzymienie roli inteligencji znajduje swoje teoretyczne rozwinięcie w artykule głównego teoretyka konstruktywizmu Kornely'ego Zelinsky'ego „Konstruktywizm i socjalizm”, w którym konstruktywizm traktuje jako holistyczny światopogląd epoki w przejściu do socjalizmu, jako skondensowany wyraz w literatura przeżywanego okresu. Jednocześnie znów główne sprzeczności społeczne tego okresu zastępuje Zelinsky walka człowieka z naturą, patos nagiej techniki, interpretowanej poza warunkami społecznymi, poza walką klas. Te błędne tezy Zelińskiego, które wywołały ostry odrzucenie krytyki marksistowskiej, nie były przypadkowe i z wielką wyrazistością odsłaniały społeczny charakter konstruktywizmu, który łatwo zarysować w praktyce twórczej całej grupy.
Źródłem społecznym żywiącym się konstruktywizmem jest niewątpliwie ta warstwa miejskiej drobnomieszczaństwa, którą można określić mianem inteligencji wykwalifikowanej technicznie. To nie przypadek, że w twórczości Selwińskiego (największego poety konstruktywizmu) pierwszego okresu obraz silnej indywidualności, potężnego budowniczego i zdobywcy życia, w swej istocie indywidualistyczny, charakterystyczny dla rosyjskiego burżua styl przedwojenny, niewątpliwie odnaleziony.
W 1930 r. LCC rozpadła się, a zamiast niej utworzono „Brygadę Literacką M. 1”, deklarującą się organizacją przejściową do RAPP (Rosyjskiego Stowarzyszenia Pisarzy Proletariackich), której zadaniem jest stopniowe przechodzenie pisarzy-towarzyszy podróży na szyny ideologii komunistycznej, na styl literatury proletariackiej i potępienie dawnych błędów konstruktywizmu, zachowując jednak jego metodę twórczą.
Jednak i tutaj daje się odczuć sprzeczny i zygzakowaty postęp konstruktywizmu w kierunku klasy robotniczej. Świadczy o tym wiersz Selwinskiego „Deklaracja praw poety”. Potwierdza to również fakt, że brygada M.1, istniejąca niecały rok, również rozwiązała się w grudniu 1930 r., przyznając, że nie rozwiązała swoich zadań.

9)Postmodernizm
Postmodernizm w języku niemieckim oznacza dosłownie „to, co następuje za modernizmem”. Ten nurt literacki pojawił się w drugiej połowie XX wieku. Odzwierciedla złożoność otaczającej rzeczywistości, jej zależność od kultury minionych wieków oraz informacyjne bogactwo nowoczesności.
Postmodernistom nie podobał się podział literatury na elitarną i masową. Postmodernizm sprzeciwiał się wszelkiej nowoczesności w literaturze i zaprzeczał kulturze masowej. Pierwsze prace postmodernistów pojawiły się w formie kryminału, thrillera, fantasy, za którym kryła się poważna treść.
Postmoderniści wierzyli, że sztuka wyższa się skończyła. Aby przejść dalej, musisz nauczyć się prawidłowo korzystać z niższych gatunków popkultury: thrillera, westernu, fantasy, science fiction, erotyki. Postmodernizm odnajduje w tych gatunkach źródło nowej mitologii. Prace nakierowane są zarówno na elitarnego czytelnika, jak i na niewymagającą publiczność.
Oznaki postmodernizmu:
wykorzystanie wcześniejszych tekstów jako potencjału dla własnych utworów (duża ilość cytatów, nie można zrozumieć dzieła bez znajomości literatury poprzednich epok);
przemyślenie na nowo elementów kultury przeszłości;
wielopoziomowa organizacja tekstu;
specjalna organizacja tekstu (element gry).
Postmodernizm kwestionował istnienie sensu jako takiego. Z drugiej strony o znaczeniu dzieł postmodernistycznych decyduje ich wrodzony patos - krytyka kultury masowej. Postmodernizm stara się zatrzeć granicę między sztuką a życiem. Wszystko, co istnieje i kiedykolwiek istniało, jest tekstem. Postmoderniści mówili, że wszystko zostało już przed nimi napisane, że nic nowego nie da się wymyślić, a oni muszą tylko pobawić się słowami, wziąć gotowe (czasem już wymyślone, napisane przez kogoś) pomysły, frazy, teksty i zbierać z nich prace . To nie ma sensu, bo w pracy nie ma samego autora.
Dzieła literackie są niczym kolaż, złożony z odmiennych obrazów i połączonych w całość jednolitością techniki. Ta technika nazywa się pastiszem. To włoskie słowo tłumaczy się jako medley opera, aw literaturze oznacza zestawienie kilku stylów w jednym dziele. W pierwszych etapach postmodernizmu pastisz jest swoistą formą parodii lub autoparodii, ale potem jest sposobem adaptacji do rzeczywistości, sposobem ukazania iluzoryczności kultury masowej.
Pojęcie intertekstualności kojarzy się z postmodernizmem. Termin ten został wprowadzony przez Yu Kristeve w 1967. Uważała, że historię i społeczeństwo można uznać za tekst, a kultura jest pojedynczym intertekstem, który służy jako przed-tekst (wszystkie teksty poprzedzające ten) dla każdego nowo powstającego tekstu gubi się tu indywidualność tekstu, który rozpływa się w cytatach. Modernizm charakteryzuje myślenie cytatami.
Intertekstualność- obecność w tekście dwóch lub więcej tekstów.
Paratekst- stosunek tekstu do tytułu, epigrafu, posłowia, przedmowy.
Metatekstualność- mogą to być komentarze lub link do pretekstu.
hipertekstualność- ośmieszenie lub parodia jednego tekstu przez drugi.
Architekstualność- gatunkowe połączenie tekstów.
Osoba w postmodernizmie jest przedstawiana w stanie całkowitego zniszczenia (w tym przypadku zniszczenie można rozumieć jako naruszenie świadomości). W pracy nie ma rozwoju postaci, wizerunek bohatera pojawia się w rozmytej formie. Ta technika nazywa się defokalizacją. Ma dwa cele:
unikaj nadmiernego heroicznego patosu;
weź bohatera w cień: bohater nie jest wysuwany na pierwszy plan, wcale nie jest potrzebny w pracy.
Wybitnymi przedstawicielami postmodernizmu w literaturze są J. Fowles, J. Barthes, A. Robbe-Grillet, F. Sollers, J. Cortazar, M. Pavic, J. Joyce i inni.

We współczesnej krytyce literackiej terminy „kierunek” i „przepływ” można interpretować na różne sposoby. Czasem używa się ich jako synonimów (klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm i modernizm nazywa się zarówno nurtami, jak i nurtami), a czasem nurt utożsamia się ze szkołą lub ugrupowaniem literackim, a kierunek utożsamia z metodą lub stylem artystycznym (w w tym przypadku kierunek obejmuje dwa lub więcej strumieni).

Zwykle, kierunek literacki nazwał grupę pisarzy o podobnym typie myślenia artystycznego. O istnieniu nurtu literackiego można mówić, jeśli pisarze zdają sobie sprawę z teoretycznych podstaw swojej działalności artystycznej, propagują je w manifestach, wystąpieniach programowych, artykułach. Tak więc pierwszym artykułem programowym rosyjskich futurystów był manifest „Slap w twarz gustu publicznego”, w którym ogłoszono główne zasady estetyczne nowego kierunku.

W pewnych okolicznościach w ramach jednego ruchu literackiego mogą powstawać grupy pisarzy szczególnie bliskich sobie w poglądach estetycznych. Takie grupy utworzone w określonym kierunku nazywa się zwykle trend literacki. Na przykład w ramach takiego nurtu literackiego jak symbolizm można wyróżnić dwa nurty: symbolistów „starszych” i symbolistów „młodszych” (według innej klasyfikacji - trzy: dekadenci, symboliści „starsi”, symboliści „młodsi”).

KLASYCYZM(od łac. klasyk- przykładowy) - nurt artystyczny w sztuce europejskiej przełomu XVII-XVIII - początku XIX wieku, ukształtowany we Francji pod koniec XVII wieku. Klasycyzm głosił prymat interesów państwowych nad osobistymi, dominację motywów obywatelskich, patriotycznych, kult moralnego obowiązku. Estetykę klasycyzmu charakteryzuje surowość form artystycznych: jedność kompozycyjna, styl normatywny i fabuła. Przedstawiciele rosyjskiego klasycyzmu: Kantemir, Trediakovsky, Lomonosov, Sumarokov, Knyaznin, Ozerov i inni.

Jedną z najważniejszych cech klasycyzmu jest postrzeganie sztuki antycznej jako wzorca, normy estetycznej (stąd nazwa kierunku). Celem jest tworzenie dzieł sztuki na obraz i podobieństwo antycznych. Ponadto ogromny wpływ na ukształtowanie się klasycyzmu miały idee oświecenia i kult rozumu (wiara we wszechmoc umysłu i racjonalną reorganizację świata).

Klasycy (przedstawiciele klasycyzmu) postrzegali twórczość artystyczną jako ścisłe przestrzeganie rozsądnych reguł, odwiecznych praw, stworzonych na podstawie studiowania najlepszych przykładów literatury antycznej. W oparciu o te rozsądne prawa podzielili oni prace na "poprawne" i "niepoprawne". Na przykład nawet najlepsze sztuki Szekspira zostały sklasyfikowane jako „złe”. Wynikało to z faktu, że postacie Szekspira łączyły cechy pozytywne i negatywne. A twórcza metoda klasycyzmu powstała na podstawie racjonalistycznego myślenia. Istniał ścisły system postaci i gatunków: wszystkie postacie i gatunki wyróżniały się „czystością” i jednoznacznością. Tak więc u jednego bohatera surowo zabroniono nie tylko łączenia wad i cnót (czyli cech pozytywnych i negatywnych), ale nawet kilku wad. Bohater musiał wcielić się w jedną cechę charakteru: albo skąpiec, albo przechwałek, albo hipokrytę, albo hipokrytę, albo dobro, albo zło itd.

Głównym konfliktem klasycznych dzieł jest walka bohatera między rozumem a uczuciem. Jednocześnie pozytywny bohater musi zawsze dokonać wyboru na korzyść umysłu (na przykład wybierając między miłością a koniecznością całkowitego oddania się służbie państwa, musi wybrać tę drugą), a negatywny - na korzyść uczuć.

To samo można powiedzieć o systemie gatunkowym. Wszystkie gatunki podzielono na wysokie (ode, poemat epicki, tragedia) i niskie (komedia, bajka, epigram, satyra). Jednocześnie wzruszające epizody nie miały być wprowadzane do komedii, a zabawne do tragedii. W wysokich gatunkach przedstawiano „przykładowych” bohaterów - monarchów, „dowódców, którzy mogliby służyć za wzór do naśladowania. W niskich gatunkach przedstawiano postacie pokryte jakąś „namiętnością”, czyli silnym uczuciem.

Dla dzieł dramatycznych istniały specjalne zasady. Musieli obserwować trzy "jedności" - miejsca, czasy i działania. Jedność miejsca: dramaturgia klasycystyczna nie pozwalała na zmianę sceny, to znaczy przez cały spektakl bohaterowie musieli znajdować się w tym samym miejscu. Jedność czasu: czas artystyczny dzieła nie powinien przekraczać kilku godzin, w skrajnych przypadkach - jednego dnia. Jedność działania zakłada obecność tylko jednej fabuły. Wszystkie te wymagania związane są z tym, że klasycy chcieli stworzyć na scenie swego rodzaju iluzję życia. Sumarokov: „Spróbuj mierzyć moje godziny w grze godzinami, aby zapomnieć, że mogę ci uwierzyć *.

A więc charakterystyczne cechy klasycyzmu literackiego:

Czystość gatunku (w gatunkach wysokich nie można było przedstawić zabawnych lub codziennych sytuacji i bohaterów, a w gatunkach niskich tragicznych i wzniosłych);

Czystość języka (w wysokich gatunkach - wysokie słownictwo, w niskich gatunkach - wernakularny);

Bohaterowie są ściśle podzieleni na pozytywnych i negatywnych, podczas gdy bohaterowie pozytywni, wybierając między uczuciem a rozumem, preferują ten drugi;

Zgodność z zasadą „trzech jedności”;

Praca powinna afirmować pozytywne wartości i stan ideału.

Rosyjski klasycyzm charakteryzuje patos państwowy (państwo (a nie osoba) zostało uznane za najwyższą wartość) w połączeniu z wiarą w teorię oświeconego absolutyzmu. Zgodnie z teorią oświeconego absolutyzmu na czele państwa powinien stanąć mądry, oświecony monarcha, który wymaga od wszystkich służby dla dobra społeczeństwa. Rosyjscy klasycy, zainspirowani reformami Piotra Wielkiego, wierzyli w możliwość dalszej poprawy społeczeństwa, które wydawało im się racjonalnie zorganizowanym organizmem. Sumarokow: „ Chłopi orają, kupcy handlują, wojownicy bronią ojczyzny, sędziowie sądzą, naukowcy uprawiają nauki. Klasycy traktowali naturę ludzką w ten sam racjonalistyczny sposób. Wierzyli, że natura ludzka jest egoistyczna, podlegająca namiętnościom, czyli uczuciom, które sprzeciwiają się rozumowi, ale jednocześnie poddają się edukacji.

SENTYMENTALIZM(z angielskiego sentymentalny- wrażliwy, z francuskiego sentyment- uczucie) - ruch literacki drugiej połowy XVIII wieku, który zastąpił klasycyzm. Sentymentaliści głosili prymat uczucia, a nie rozumu. Oceniano człowieka na podstawie jego zdolności do głębokich uczuć. Stąd - zainteresowanie wewnętrznym światem bohatera, obraz odcieni jego uczuć (początek psychologii).

W przeciwieństwie do klasyków sentymentaliści za najwyższą wartość uważają nie państwo, lecz jednostkę. Przeciwstawiali niesprawiedliwym porządkom feudalnego świata wiecznym i rozsądnym prawom natury. Pod tym względem natura dla sentymentalistów jest miarą wszystkich wartości, w tym samego człowieka. Nieprzypadkowo głosili oni wyższość człowieka „naturalnego”, „naturalnego”, czyli żyjącego w zgodzie z naturą.

Wrażliwość leży również u podstaw twórczej metody sentymentalizmu. Jeśli klasycy tworzyli postacie uogólnione (obłudnik, przechwałek, skąpiec, głupek), to sentymentaliści interesują się konkretnymi ludźmi o indywidualnym przeznaczeniu. Bohaterowie w swoich pracach są wyraźnie podzieleni na pozytywy i negatywy. Pozytywni obdarzeni są naturalną wrażliwością (sympatyczną, życzliwą, współczującą, zdolną do poświęcenia). Negatywny - rozważny, samolubny, arogancki, okrutny. Nosicielami wrażliwości są z reguły chłopi, rzemieślnicy, raznochintsy, wiejskie duchowieństwo. Okrutni - przedstawiciele władzy, szlachty, wyższych rang duchowych (bo despotyczne rządy zabijają w ludziach wrażliwość). Przejawy wrażliwości w twórczości sentymentalistów nabierają często zbyt zewnętrznego, wręcz przerysowanego charakteru (okrzyki, łzy, omdlenia, samobójstwa).

Jednym z głównych odkryć sentymentalizmu jest indywidualizacja bohatera i obraz bogatego świata duchowego pospolitego (obraz Lizy w opowiadaniu Karamzina „Biedna Liza”). Głównym bohaterem prac była zwykła osoba. Pod tym względem fabuła dzieła często przedstawiała indywidualne sytuacje z życia codziennego, podczas gdy życie chłopskie często przedstawiano w barwach pasterskich. Nowa treść wymagała nowej formy. Wiodącymi gatunkami były powieść rodzinna, pamiętnik, spowiedź, powieść listowa, notatki z podróży, elegia, przesłanie.

W Rosji sentymentalizm narodził się w latach 60. XVIII wieku (najlepszymi przedstawicielami są Radishchev i Karamzin). Z reguły w dziełach rosyjskiego sentymentalizmu rozwija się konflikt między chłopem pańszczyźnianym a ziemianinem pańszczyźnianym, a moralna wyższość tego pierwszego jest uporczywie podkreślana.

ROMANTYZM - kierownictwo artystyczne w kulturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII - pierwszej połowy XIX wieku. Romantyzm powstał w latach 90. XVIII wieku, najpierw w Niemczech, a następnie rozprzestrzenił się w Europie Zachodniej. Warunkiem powstania był kryzys racjonalizmu Oświecenia, artystyczne poszukiwania nurtów przedromantycznych (sentymentalizm), Wielka Rewolucja Francuska i niemiecka filozofia klasyczna.

Powstanie tego nurtu literackiego, jak i każdego innego, jest nierozerwalnie związane z ówczesnymi wydarzeniami społeczno-historycznymi. Zacznijmy od przesłanek powstania romantyzmu w literaturach zachodnioeuropejskich. Rewolucja francuska z lat 1789-1899 i związana z nią rewizja ideologii edukacyjnej wywarły decydujący wpływ na ukształtowanie się romantyzmu w Europie Zachodniej. Jak wiadomo, wiek XV111 minął we Francji pod znakiem Oświecenia. Przez prawie całe stulecie francuscy oświeceni pod wodzą Woltera (Rousseau, Diderot, Montesquieu) przekonywali, że świat można zreorganizować na rozsądnych zasadach i głosili ideę naturalnej (naturalnej) równości wszystkich ludzi. To właśnie te idee edukacyjne zainspirowały francuskich rewolucjonistów, których hasłem były słowa: „Wolność, równość i braterstwo”.

Rezultatem rewolucji było ustanowienie republiki burżuazyjnej. W efekcie zwyciężyła mniejszość burżuazyjna, która przejęła władzę (należała niegdyś do arystokracji, najwyższej szlachty), a reszta została „z niczym”. Iluzją okazało się więc długo oczekiwane „królestwo rozumu”, a także obiecana wolność, równość i braterstwo. Nastąpiło ogólne rozczarowanie rezultatami i skutkami rewolucji, głębokie niezadowolenie z otaczającej rzeczywistości, które stało się warunkiem wstępnym pojawienia się romantyzmu. Bo podstawą romantyzmu jest zasada niezadowolenia z istniejącego porządku rzeczy. Następnie w Niemczech pojawiła się teoria romantyzmu.

Jak wiadomo, kultura zachodnioeuropejska, w szczególności francuska, miała ogromny wpływ na język rosyjski. Trend ten utrzymywał się w XIX wieku, więc rewolucja francuska wstrząsnęła również Rosją. Ale dodatkowo istnieją rosyjskie przesłanki do pojawienia się rosyjskiego romantyzmu. Przede wszystkim jest to Wojna Ojczyźniana z 1812 roku, która wyraźnie pokazała wielkość i siłę zwykłych ludzi. To ludowi Rosja zawdzięczała zwycięstwo nad Napoleonem, ludzie byli prawdziwymi bohaterami wojny. Tymczasem, zarówno przed wojną, jak i po niej, większość ludności, chłopi, nadal pozostawała poddanymi, w rzeczywistości niewolnikami. To, co wcześniej było postrzegane przez postępowych ludzi tamtych czasów jako niesprawiedliwość, teraz zaczęło wydawać się rażącą niesprawiedliwością, sprzeczną z wszelką logiką i moralnością. Ale po zakończeniu wojny Aleksander I nie tylko nie zniósł pańszczyzny, ale także zaczął prowadzić znacznie ostrzejszą politykę. W rezultacie w rosyjskim społeczeństwie powstało wyraźne poczucie rozczarowania i niezadowolenia. W ten sposób powstała podstawa do pojawienia się romantyzmu.

Termin „romantyzm” w odniesieniu do ruchu literackiego jest przypadkowy i nieścisły. W związku z tym od samego początku jego powstania interpretowano go na różne sposoby: niektórzy wierzyli, że pochodzi od słowa „roman”, inni - z poezji rycerskiej tworzonej w krajach posługujących się językami romańskimi. Po raz pierwszy słowo „romantyzm” jako nazwa ruchu literackiego zaczęto używać w Niemczech, gdzie powstała pierwsza wystarczająco szczegółowa teoria romantyzmu.

Bardzo ważne dla zrozumienia istoty romantyzmu jest pojęcie romantycznej dwoistości. Jak już wspomniano, odrzucenie, zaprzeczenie rzeczywistości jest głównym warunkiem pojawienia się romantyzmu. Wszyscy romantycy odrzucają świat zewnętrzny, stąd ich romantyczna ucieczka od istniejącego życia i poszukiwanie ideału poza nim. Dało to początek romantycznemu podwójnemu światu. Świat dla romantyków został podzielony na dwie części: tu i tam. „Tam” i „tu” są antytezą (kontrast), te kategorie są skorelowane jako ideał i rzeczywistość. Pogardzane „tutaj” to współczesna rzeczywistość, w której triumfuje zło i niesprawiedliwość. „Tam” to rodzaj poetyckiej rzeczywistości, której romantycy przeciwstawiali się rzeczywistości. Wielu romantyków wierzyło, że dobro, piękno i prawda, wyparte z życia publicznego, nadal są zachowane w duszach ludzi. Stąd ich uwaga na wewnętrzny świat człowieka, pogłębiony psychologizm. Ich „tam” są dusze ludzi. Na przykład Żukowski szukał „tam” w innym świecie; Puszkin i Lermontow, Fenimore Cooper - w wolnym życiu ludów niecywilizowanych (wiersze Puszkina „Więzień Kaukazu”, „Cyganie”, powieści Coopera o życiu Indian).

Odrzucenie, zaprzeczenie rzeczywistości określały specyfikę romantycznego bohatera. To zasadniczo nowy bohater, podobnie jak on nie znał starej literatury. Jest w wrogich stosunkach z otaczającym społeczeństwem, przeciwny mu. To osoba niezwykła, niespokojna, najczęściej samotna i tragiczna. Bohater romantyczny jest ucieleśnieniem romantycznego buntu przeciwko rzeczywistości.

REALIZM(z łac. realis - materialny, real) - metoda (oprawa twórcza) lub nurt literacki, który ucieleśnia zasady wiernego życia wobec rzeczywistości, dążącego do artystycznego poznania człowieka i świata. Często termin „realizm” jest używany w dwóch znaczeniach: 1) realizm jako metoda; 2) realizm jako nurt, który pojawił się w XIX wieku. Zarówno klasycyzm, jak i romantyzm, i symbolizm dążą do poznania życia i na swój sposób wyrażają na nie swoją reakcję, ale dopiero w realizmie wierność rzeczywistości staje się definiującym kryterium artyzmu. To odróżnia realizm np. od romantyzmu, który charakteryzuje się odrzuceniem rzeczywistości i chęcią jej „odtworzenia”, a nie pokazywania jej taką, jaka jest. Nie jest przypadkiem, że romantyczna George Sand, odwołując się do realisty Balzaka, tak zdefiniowała różnicę między nim a sobą: „Przyjmujesz osobę taką, jaką się wydaje twoim oczom; Czuję powołanie, aby przedstawić go tak, jak chciałbym go zobaczyć. Można więc powiedzieć, że realiści reprezentują rzeczywistość, a romantycy – pożądaną.

Początek formowania się realizmu kojarzy się zwykle z renesansem. Realizm tamtych czasów charakteryzuje skala obrazów (Don Kichot, Hamlet) i poetyczność osobowości człowieka, postrzeganie człowieka jako króla natury, korony stworzenia. Kolejnym etapem jest realizm oświecenia. W literaturze Oświecenia pojawia się demokratyczny realistyczny bohater, człowiek „od dołu” (np. Figaro w sztukach Beaumarchais „Cyrulik sewilski” i „Wesele Figara”). W XIX wieku pojawiły się nowe typy romantyzmu: „fantastyczny” (Gogol, Dostojewski), „groteskowy” (Gogol, Saltykov-Szczedrin) i „krytyczny” realizm związany z działalnością „szkoły przyrodniczej”.

Główne wymagania realizmu: przestrzeganie zasad narodowości, historyzm, wysoki kunszt, psychologizm, obraz życia w jego rozwoju. Pisarze realistyczni wykazywali bezpośrednią zależność idei społecznych, moralnych, religijnych bohaterów od warunków społecznych, przywiązując dużą wagę do aspektu społecznego. Centralnym problemem realizmu jest relacja między prawdopodobieństwem a prawdą artystyczną. Wiarygodność, wiarygodne przedstawienie życia jest bardzo ważne dla realistów, ale prawdę artystyczną określa nie wiarygodność, ale wierność w zrozumieniu i przekazaniu istoty życia i znaczenia idei wyrażanych przez artystę. Jedną z najważniejszych cech realizmu jest typizacja postaci (połączenie typowego i indywidualnego, wyjątkowo osobistego). Wiarygodność postaci realistycznej zależy bezpośrednio od stopnia indywidualizacji osiągniętej przez pisarza.

Pisarze realistyczni tworzą nowe typy bohaterów: typ „małego człowieka” (Vyrin, Bashmachki n, Marmeladov, Devushkin), typ „dodatkowej osoby” (Chatsky, Oniegin, Pieczorin, Oblomov), typ „nowego” bohatera (nihilista Bazarow w Turgieniewie, „nowi ludzie” Czernyszewski).

MODERNIZM(z francuskiego współczesny- najnowszy, nowoczesny) - kierunek filozoficzno-estetyczny w literaturze i sztuce, który powstał na przełomie XIX i XX wieku.

Termin ten ma różne interpretacje:

1) wyznacza szereg nierealistycznych nurtów w sztuce i literaturze przełomu XIX/XX w.: symbolizm, futuryzm, akmeizm, ekspresjonizm, kubizm, imagizm, surrealizm, abstrakcjonizm, impresjonizm;

2) jest używany jako symbol poszukiwań estetycznych artystów o nierealistycznych nurtach;

3) oznacza złożony zespół zjawisk estetycznych i ideologicznych, obejmujący nie tylko właściwe trendy modernistyczne, ale także twórczość artystów, którzy nie do końca wpisują się w ramy żadnego kierunku (D. Joyce, M. Proust, F. Kafka i inni ).

Symbolizm, akmeizm i futuryzm stały się najbardziej uderzającymi i znaczącymi trendami rosyjskiego modernizmu.

SYMBOLIZM - nierealistyczny nurt w sztuce i literaturze lat 70.-1920., skoncentrowany głównie na ekspresji artystycznej za pomocą symbolu intuicyjnie rozumianych bytów i idei. Symbolizm ujawnił się we Francji w latach 1860-1870 w utworach poetyckich A. Rimbauda, P. Verlaine'a, S. Mallarme'a. Następnie poprzez poezję symbolizm łączył się nie tylko z prozą i dramaturgią, ale także z innymi formami sztuki. Za przodka, założyciela, „ojca” symboliki uważany jest francuski pisarz C. Baudelaire.

W sercu światopoglądu artystów-symbolistów leży idea niepoznawalności świata i jego praw. Za jedyne „narzędzie” rozumienia świata uważali doświadczenie duchowe człowieka i intuicję twórczą artysty.

Symbolizm jako pierwszy przedstawił ideę tworzenia sztuki wolnej od zadania przedstawiania rzeczywistości. Symboliści twierdzili, że celem sztuki nie jest przedstawianie rzeczywistego świata, który uważali za drugorzędny, ale przekazywanie „wyższej rzeczywistości”. Zamierzali to osiągnąć za pomocą symbolu. Symbol jest wyrazem nadzmysłowej intuicji poety, któremu w chwilach wglądu objawia się prawdziwa istota rzeczy. Symboliści opracowali nowy język poetycki, który nie nazywa bezpośrednio tematu, ale wskazuje na jego treść poprzez alegorię, muzykalność, kolorystykę, wiersz wolny.

Symbolizm jest pierwszym i najważniejszym z ruchów modernistycznych, które powstały w Rosji. Pierwszym manifestem rosyjskiej symboliki był artykuł D. S. Mereżkowskiego „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej”, opublikowany w 1893 roku. Zidentyfikował trzy główne elementy „nowej sztuki”: treść mistyczną, symbolizację i „poszerzenie artystycznej wrażliwości”.

Symboliści są zwykle podzieleni na dwie grupy lub prądy:

1) „starsi” symboliści (V. Bryusov, K. Balmont, D. Merezhkovsky, Z. Gippius, F. Sologub

i in.), który zadebiutował w latach 90. XIX wieku;

2) „młodsi” symboliści, którzy rozpoczęli swoją twórczą działalność w XX wieku i znacznie zaktualizowali wygląd prądu (A. Blok, A. Bely, V. Ivanov i inni).

Należy zauważyć, że symbolistów „seniorów” i „juniorów” dzielił nie tyle wiek, ile różnica postaw i kierunku twórczości.

Symboliści wierzyli, że sztuka to przede wszystkim „ rozumienie świata w inny, nieracjonalny sposób„(Bryusow). Wszakże tylko zjawiska podlegające prawu przyczynowości liniowej mogą być racjonalnie pojęte, a przyczynowość taka działa tylko w niższych formach życia (rzeczywistość empiryczna, życie codzienne). Symboliści byli zainteresowani wyższymi sferami życia (obszar „idei absolutnych” w terminologii Platona lub „duszy świata”, według W. Sołowjowa), niepodlegającymi racjonalnej wiedzy. To sztuka ma zdolność wnikania w te sfery, a obrazy-symbole z ich nieskończoną wieloznacznością są w stanie oddać całą złożoność światowego uniwersum. Symboliści wierzyli, że zdolność do zrozumienia prawdziwej, wyższej rzeczywistości dano tylko wybranym, którzy w chwilach natchnionych wglądów byli w stanie pojąć „wyższą” prawdę, prawdę absolutną.

Obraz-symbol był uważany przez symbolistów za skuteczniejszy niż obraz artystyczny, narzędzie, które pomaga „przebić się” przez osłonę codzienności (niższego życia) do wyższej rzeczywistości. Symbol różni się od realistycznego obrazu tym, że nie przekazuje obiektywnej istoty zjawiska, ale własną, indywidualną wizję świata poety. Ponadto symbol, jak rozumieli go rosyjscy symboliści, nie jest alegorią, ale przede wszystkim obrazem, który wymaga od czytelnika twórczej reakcji. Symbol niejako łączy autora i czytelnika - to rewolucja, jaką wywołuje w sztuce symbolizm.

Obraz-symbol jest z gruntu wieloznaczny i zawiera perspektywę nieograniczonego rozmieszczenia znaczeń. Ta jego cecha była wielokrotnie podkreślana przez samych symbolistów: „Symbol jest prawdziwym symbolem tylko wtedy, gdy ma niewyczerpane znaczenie” (Vyach. Ivanov); „Symbol jest oknem na nieskończoność” (F. Sologub).

ACMEIZM(z greckiego. akt- najwyższy stopień czegoś, siła kwitnienia, szczyt) - modernistyczny nurt literacki w rosyjskiej poezji lat 1910. Przedstawiciele: S. Gorodetsky, wczesna A. Achmatowa, JI. Gumilow, O. Mandelsztam. Termin „acmeizm” należy do Gumilowa. Program estetyczny został sformułowany w artykułach Gumilowa „Dziedzictwo symbolizmu i acmeizmu”, „Niektóre nurty we współczesnej poezji rosyjskiej” Gorodeckiego oraz „Poranek aceizmu” Mandelsztama.

Akmeizm wyróżniał się na tle symboliki, krytykując jego mistyczne aspiracje do „niepoznawalnego”: „Wśród ameistów róża znów stała się dobra sama w sobie, ze swoimi płatkami, zapachem i kolorem, a nie z jej wyobrażalnymi podobieństwami do mistycznej miłości czy czegokolwiek innego”. (Gorodecki) . Acmeiści głosili wyzwolenie poezji od symbolicznych impulsów do ideału, od wieloznaczności i płynności obrazów, skomplikowanej metafory; mówił o potrzebie powrotu do świata materialnego, o przedmiocie, dokładnym znaczeniu tego słowa. Symbolizm opiera się na odrzuceniu rzeczywistości, a akmeiści uważali, że nie należy porzucać tego świata, należy w nim szukać pewnych wartości i uchwycić je w swoich dziełach, a czynić to przy pomocy dokładnych i zrozumiałych obrazy, a nie niejasne symbole.

Właściwie nurt akmeistyczny był niewielki, nie trwał długo – około dwóch lat (1913-1914) – i był związany z „Warsztatem Poetów”. „Warsztat Poetów” powstał w 1911 roku i początkowo zrzeszał dość dużą liczbę osób (nie wszyscy później zajęli się akmeizmem). Organizacja ta była znacznie bardziej spójna niż odmienne grupy symbolistów. Na spotkaniach „Warsztatu” analizowano wiersze, rozwiązywano problemy mistrzostwa poetyckiego i uzasadniano metody analizy utworów. Ideę nowego kierunku w poezji po raz pierwszy wyraził Kuźmin, choć sam nie wszedł do „Warsztatu”. W swoim artykule „O pięknej klarowności” Kuźmin przewidział wiele deklaracji aceizmu. W styczniu 1913 roku pojawiły się pierwsze manifesty acmeizmu. Od tego momentu zaczyna się istnienie nowego kierunku.

Akmeizm głosił „piękną klarowność” jako zadanie literatury lub klaryzm (od łac. klarus- jasne). Acmeiści nazywali swój obecny adamizm, łącząc ideę jasnego i bezpośredniego spojrzenia na świat z biblijnym Adamem. Akmeizm głosił jasny, „prosty” język poetycki, w którym słowa bezpośrednio nazywały przedmioty, wyrażały miłość do obiektywności. Dlatego Gumilow nalegał, aby szukać nie „niepewnych słów”, ale słów „o bardziej stabilnej treści”. Najkonsekwentniej ta zasada była realizowana w tekstach Achmatowej.

FUTURYZM - jeden z głównych nurtów awangardowych (awangarda jest skrajnym przejawem modernizmu) w sztuce europejskiej początku XX wieku, który najbardziej rozwinął się we Włoszech i Rosji.

W 1909 roku we Włoszech poeta F. Marinetti opublikował Manifest futurystyczny. Główne zapisy tego manifestu: odrzucenie tradycyjnych wartości estetycznych i doświadczenia całej dotychczasowej literatury, odważne eksperymenty na polu literatury i sztuki. Jako główne elementy poezji futurystycznej Marinetti nazywa „odwagą, śmiałością, buntem”. W 1912 roku rosyjscy futuryści V. Majakowski, A. Kruchenykh, V. Chlebnikov stworzyli swój manifest „Slap w twarz gustu publicznego”. Starali się także zerwać z kulturą tradycyjną, chętnie podejmowali eksperymenty literackie, poszukiwali nowych środków wyrazu mowy (proklamowanie nowego swobodnego rytmu, rozluźnianie składni, niszczenie znaków interpunkcyjnych). W tym samym czasie rosyjscy futuryści odrzucili faszyzm i anarchizm, co Marinetti deklarował w swoich manifestach, i zwrócili się głównie ku problemom estetycznym. Proklamowali rewolucję formy, jej niezależność od treści („ważne nie jest co, ale jak”) i absolutną wolność słowa poetyckiego.

Futuryzm był kierunkiem niejednorodnym. W jego ramach można wyróżnić cztery główne grupy lub prądy:

1) „Hilea”, która zjednoczyła kubo-futurystów (V. Chlebnikov, V. Mayakovsky, A. Kruchenykh i inni);

2) „Stowarzyszenie Egofuturystów” (I. Severyanin, I. Ignatiev i inni);

3) „Antresolę poezji” (W. Szershenevich, R. Ivnev);

4) „Wirówka” (S. Bobrov, N. Aseev, B. Pasternak).

Najważniejszą i najbardziej wpływową grupą była „Gilea”: w rzeczywistości to ona określiła oblicze rosyjskiego futuryzmu. Jego uczestnicy wydali wiele zbiorów: „Ogród sędziów” (1910), „Slap w twarz publicznego gustu” (1912), „Dead Moon” (1913), „Took” (1915).

Futuryści pisali w imieniu człowieka z tłumu. W sercu tego ruchu było poczucie „nieuchronności upadku starego” (Majakowski), świadomość narodzin „nowej ludzkości”. Twórczość artystyczna, zdaniem futurystów, nie powinna być imitacją, ale kontynuacją natury, która poprzez twórczą wolę człowieka tworzy „nowy świat, dzisiejszy, żelazny…” (Malevich). Stąd chęć zniszczenia „starej” formy, pragnienie kontrastów, pociąg do mowy potocznej. Bazując na żywym języku potocznym, futuryści zajmowali się „słowotwórstwem” (tworzeniem neologizmów). Ich twórczość wyróżniała się złożonymi przesunięciami semantycznymi i kompozycyjnymi - kontrastem między komizmem a tragiką, fantastyką i tekstem.

Futuryzm zaczął się rozpadać już w latach 1915-1916.

socrealizm(realizm socjalistyczny) – światopoglądowa metoda twórczości artystycznej, stosowana w sztuce Związku Radzieckiego, a następnie w innych krajach socjalistycznych, wprowadzona do twórczości artystycznej za pomocą polityki państwa, w tym cenzury, i odpowiadająca rozwiązaniu problemów budowanie socjalizmu.

Został zatwierdzony w 1932 r. przez organy partyjne w dziedzinie literatury i sztuki.

Równolegle istniała sztuka nieoficjalna.

Artystyczne przedstawienie rzeczywistości „dokładnie, zgodnie ze specyficznym historycznym rozwojem rewolucyjnym”.

· koordynacja twórczości artystycznej z ideami marksizmu-leninizmu, aktywne zaangażowanie ludu pracującego w budowanie socjalizmu, zapewnienie wiodącej roli partii komunistycznej.

Łunaczarski był pierwszym pisarzem, który położył podwaliny ideologiczne. Już w 1906 roku wprowadził do życia codziennego takie pojęcie jak „realizm proletariacki”. W latach dwudziestych w odniesieniu do tej koncepcji zaczął używać terminu „nowy socrealizm”, a na początku lat trzydziestych poświęcił „dynamicznemu i poprzez i poprzez aktywny socrealizm”, „dobremu, znaczącemu określeniu, które może być ciekawie ujawnione z właściwą analizą”, cykl artykułów programowych i teoretycznych, które zostały opublikowane w Izwiestia.

Termin „socjalistyczny realizm” został po raz pierwszy zaproponowany przez I. Grońskiego, przewodniczącego Komitetu Organizacyjnego Związku Pisarzy ZSRR, w „Literackiej Gazecie” 23 maja 1932 r. Powstało w związku z potrzebą ukierunkowania RAPP i awangardy na artystyczny rozwój kultury radzieckiej. Decydujące w tym było uznanie roli tradycji klasycznych i zrozumienie nowych jakości realizmu. W latach 1932-1933 Groński i kierownik. sektor fikcji KC WKP(b) bolszewików W. Kirpotin intensywnie promował ten termin [ źródło nieokreślone 530 dni] .

Na I Ogólnounijnym Kongresie Pisarzy Radzieckich w 1934 roku Maksym Gorki stwierdził:

„Socrealizm afirmuje bycie jako akt, jako twórczość, której celem jest nieustanny rozwój najcenniejszych indywidualnych zdolności człowieka dla jego zwycięstwa nad siłami natury, dla jego zdrowia i długowieczności, ze względu na wielkie szczęście żyć na ziemi, którą, zgodnie z ciągłym wzrostem swoich potrzeb, chce wszystko przetwarzać, jako piękne mieszkanie ludzkości zjednoczonej w jednej rodzinie.

Państwo musiało zatwierdzić tę metodę jako główną dla lepszej kontroli nad jednostkami twórczymi i lepszej propagandy swojej polityki. W poprzednim okresie, w latach dwudziestych, byli pisarze radzieccy, którzy niekiedy zajmowali postawy agresywne w stosunku do wielu wybitnych pisarzy. Na przykład RAPP, organizacja pisarzy proletariackich, była aktywnie zaangażowana w krytykę pisarzy nieproletariackich. RAPP składał się głównie z aspirujących pisarzy. W okresie tworzenia nowoczesnego przemysłu (lata industrializacji) rząd sowiecki potrzebował sztuki, która wznosi ludzi do „roboczych wyczynów”. Również sztuki piękne lat 20. przedstawiały dość pstrokaty obraz. Ma kilka grup. Najważniejszą grupą było Stowarzyszenie Artystów Rewolucji. Przedstawiali dziś: życie Armii Czerwonej, robotników, chłopów, przywódców rewolucji i pracy. Uważali się za spadkobierców Wędrowców. Jeździli do fabryk, fabryk, do koszar Armii Czerwonej, aby bezpośrednio obserwować życie swoich bohaterów, je „rysować”. To oni stali się głównym kręgosłupem artystów „socjalistycznego realizmu”. Mniej tradycyjni mistrzowie mieli dużo trudniejsze życie, w szczególności członkowie OST (Towarzystwa Malarzy Sztalugowych), które zrzeszało młodych ludzi, którzy ukończyli pierwszą sowiecką uczelnię artystyczną [ źródło nieokreślone 530 dni] .

Gorki uroczyście powrócił z wygnania i kierował specjalnie utworzonym Związkiem Pisarzy ZSRR, w skład którego wchodzili głównie sowieccy pisarze i poeci.

Po raz pierwszy oficjalna definicja socrealizmu została podana w Karcie Związku Pisarzy ZSRR, przyjętej na I Zjeździe Związku Pisarzy:

Realizm socjalistyczny, będący główną metodą sowieckiej prozy i krytyki literackiej, wymaga od artysty prawdziwego, historycznie konkretnego obrazu rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju. Co więcej, prawdziwość i historyczna konkretność artystycznego ujęcia rzeczywistości musi być połączona z zadaniem przeróbki ideologicznej i wychowania w duchu socjalizmu.

Ta definicja stała się punktem wyjścia dla wszystkich dalszych interpretacji aż do lat 80-tych.

« socrealizm jest niezwykle żywotną, naukową i najbardziej zaawansowaną metodą artystyczną, wypracowaną w wyniku sukcesów budownictwa socjalistycznego i wychowania ludności radzieckiej w duchu komunizmu. Zasady socrealizmu […] były dalszym rozwinięciem nauki Lenina o partyzantowości literatury. (Wielka radziecka encyklopedia, 1947)

Lenin wyraził ideę, że sztuka powinna stanąć po stronie proletariatu w następujący sposób:

„Sztuka należy do ludzi. Najgłębsze źródła sztuki można znaleźć wśród szerokiej klasy ludzi pracy... Sztuka musi opierać się na ich uczuciach, myślach i wymaganiach i musi rosnąć wraz z nimi.

Jeśli ktoś myśli, że jest bardzo trudny do zapamiętania, to oczywiście się myli. Wszystko jest dość proste.

Otwieramy bibliografię. Widzimy, że tutaj wszystko jest ułożone w czasie. Podane są konkretne przedziały czasowe. A teraz na tym skupiam waszą uwagę – prawie każdy ruch literacki ma wyraźne odniesienie czasowe.

Patrzymy na zrzut ekranu. „Undergrowth” Fonvizina, „Pomnik” Derzhavina, „Biada dowcipu” Gribojedowa – wszystko to jest klasycyzmem. Potem klasycyzm zastępuje realizm, sentymentalizm istnieje od jakiegoś czasu, ale nie jest reprezentowany w tym zestawieniu dzieł. Dlatego prawie wszystkie wymienione poniżej prace są realizmem. Jeśli obok pracy jest napisane „powieść”, to jest to tylko realizm. Nic więcej.

Na tej liście jest też romantyzm, nie wolno nam o tym zapomnieć. Jest słabo reprezentowany, są to takie utwory jak ballada V.A. Żukowski „Swietłana”, wiersz M.Yu. Lermontow „Mtsyri”. Wydawałoby się, że romantyzm umarł na początku XIX wieku, ale wciąż możemy go spotkać w XX. Oto historia M.A. Gorki „Stara kobieta Izergil”. To wszystko, koniec z romantyzmem.

Wszystko inne, co jest podane na liście, której nie wymieniłem, to realizm.

A jaki jest zatem kierunek kampanii Tale of Igor's Campaign? W takim przypadku nie jest podświetlony.

A teraz przyjrzyjmy się pokrótce, jakie funkcje mają te wskazówki. To proste:

Klasycyzm- to są 3 jedności: jedność miejsca, czasu, działania. Przypomnijmy sobie komedię Gribojedowa „Biada dowcipowi”. Cała akcja trwa 24 godziny i rozgrywa się w domu Famusova. Z „Undergrowth” Fonvizin wszystko jest podobne. Kolejny szczegół klasycyzmu: bohaterów można wyraźnie podzielić na pozytywnych i negatywnych. Reszta funkcji nie jest wymagana. To wystarczy, aby zrozumieć, że mamy przed sobą klasyczną pracę.

Romantyzm- wyjątkowy bohater w wyjątkowych okolicznościach. Przypomnijmy, co wydarzyło się w wierszu M.Yu. Lermontow „Mtsyri”. Na tle majestatycznej przyrody, jej boskiego piękna i wielkości, rozgrywają się wydarzenia. „Mtsyra ucieka”. Natura i bohater łączą się ze sobą, następuje całkowite zanurzenie świata wewnętrznego i zewnętrznego. Mtsyri to wyjątkowa osoba. Silny, odważny, odważny.

Przypomnijmy w opowiadaniu „Stara kobieta Izergil” bohatera Danko, który wyrwał mu serce i utorował drogę ludziom. Wspomniany bohater również wpisuje się w kryterium wyjątkowej osobowości, więc jest to opowieść romantyczna. Ogólnie rzecz biorąc, wszyscy bohaterowie opisani przez Gorkiego są zdesperowanymi buntownikami.

Realizm zaczyna się od Puszkina, który rozwija się bardzo szybko w drugiej połowie XIX wieku. Całe życie ze swoimi zaletami i wadami, ze sprzecznościami i złożonością - staje się przedmiotem pisarzy. Podejmowane są konkretne wydarzenia historyczne i osobowości, które żyją razem z fikcyjnymi postaciami, które bardzo często mają prawdziwy prototyp lub nawet kilka.

W skrócie, realizm To, co widzę, jest tym, co piszę. Nasze życie jest złożone, złożone i bohaterowie, pędzą, myślą, zmieniają się, rozwijają, popełniają błędy.

Na początku XX wieku stało się jasne, że nadszedł czas, aby poszukać nowych form, nowych stylów i innych podejść. Dlatego nowi autorzy błyskawicznie wdzierają się do literatury, rozkwita nowoczesność, która obejmuje wiele gałęzi: symbolikę, acmeizm, imagizm, futuryzm.

A żeby określić, do jakiego ruchu literackiego można przypisać dane dzieło, trzeba też znać czas jego powstania. Bo na przykład błędem jest mówić, że Achmatowa to tylko akmeizm. Tylko wczesne prace można przypisać temu kierunkowi. Prace niektórych w ogóle nie pasowały do określonej klasyfikacji, na przykład Cwietajewa i Pasternak.

Jeśli chodzi o symbolikę, tutaj będzie nieco prościej: Blok, Mandelstam. Futuryzm - Majakowski. Akmeizm, jak powiedzieliśmy, Achmatowa. Był też imagizm, ale jest on słabo reprezentowany, przypisuje się mu Jesienina. Tak to jest.

Symbolizm- termin mówi sam za siebie. Autorzy poprzez dużą liczbę różnych symboli zaszyfrowali znaczenie dzieła. Ilość znaczeń, które poeci ustalili, można przeszukiwać i doszukiwać się w nieskończoność. Dlatego te wiersze są tak skomplikowane.

Futuryzm- słownictwo. Sztuka przyszłości. Odrzucenie przeszłości. Nieskrępowane poszukiwanie nowych rytmów, rymów, słów. Czy pamiętamy drabinę Majakowskiego? Takie utwory przeznaczone były do recytacji (czytane publicznie). Futuryści to po prostu szaleni ludzie. Zrobili wszystko, aby publiczność ich zapamiętała. Wszystkie środki do tego były dobre.

ameizm- jeśli nic nie jest jasne w symbolice, to acmeiści zobowiązali się do całkowitego przeciwstawienia się im. Ich kreatywność jest zrozumiała, konkretna. Nie unosi się gdzieś w chmurach. Jest tutaj, tutaj. Przedstawiały ziemski świat, jego ziemskie piękno. Starali się także zmienić świat poprzez słowo. Wystarczy.

Imaginizm- na podstawie obrazu. Czasami nie sam. Takie wiersze z reguły są całkowicie pozbawione znaczenia. Seryozha Yesenin pisał takie wiersze przez krótki czas. Nikt inny z listy referencji nie należy do tego trendu.

To wszystko. Jeśli coś nadal nie jest zrozumiane lub jeśli znajdziesz błędy w moich słowach, napisz w komentarzach. Wymyślmy to razem.

Pojęcia „kierunek”, „przepływ”, „szkoła” odnoszą się do terminów opisujących proces literacki – rozwój i funkcjonowanie literatury w skali historycznej. Ich definicje są dyskusyjne w literaturoznawstwie.

W XIX wieku kierunek był rozumiany jako ogólny charakter treści, idei całej literatury narodowej lub dowolnego okresu jej rozwoju. Na początku XIX wieku nurt literacki był ogólnie kojarzony z „głównym nurtem umysłów”.

Tak więc I. V. Kireevsky w artykule „XIX wiek” (1832) napisał, że dominujący trend umysłów końca XVIII wieku jest destrukcyjny, a nowy polega na „pragnieniu kojącego równania nowego ducha z ruinami dawnych czasów...

W literaturze skutkiem tego nurtu była chęć pogodzenia wyobraźni z rzeczywistością, poprawności form z wolnością treści… słowem, na próżno to, co nazywa się klasycyzmem, z tym, co jeszcze błędniej nazywa się romantyzmem.

Jeszcze wcześniej, w 1824 r., V. K. Küchelbecker zadeklarował kierunek poezji jako główną treść w artykule „O kierunku naszej poezji, zwłaszcza poezji lirycznej, w ostatniej dekadzie”. ks. A. Polevoi jako pierwszy w rosyjskiej krytyce użył słowa „kierunek” do pewnych etapów rozwoju literatury.

W artykule „O kierunkach i partiach w literaturze” nazwał kierunek „to wewnętrzne dążenie literatury, często niewidoczne dla współczesnych, które nadaje charakter wszystkim, a przynajmniej bardzo wielu jej dziełom w określonym czasie… Jego podstawą, w sensie ogólnym, jest idea ery nowożytnej.

W przypadku „prawdziwej krytyki” - N. G. Czernyszewskiego, N. A. Dobrolyubowa - kierunek był skorelowany z ideologiczną pozycją pisarza lub grupy pisarzy. Generalnie kierunek był rozumiany jako różnorodne wspólnoty literackie.

Ale główną cechą, która ich łączy, jest to, że kierunek ustala jedność najbardziej ogólnych zasad ucieleśniania treści artystycznych, wspólność głębokich podstaw artystycznego światopoglądu.

Ta jedność wynika często z podobieństwa tradycji kulturowych i historycznych, często związanych z typem świadomości epoki literackiej, niektórzy badacze uważają, że jedność kierunku wynika z jedności metody twórczej pisarzy.

Nie ma ustalonej listy nurtów literackich, gdyż rozwój literatury wiąże się ze specyfiką historycznego, kulturalnego, społecznego życia społeczeństwa, narodowymi i regionalnymi cechami danej literatury. Jednak tradycyjnie istnieją takie dziedziny, jak klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm, symbolika, z których każdy charakteryzuje się własnym zestawem cech formalnych i znaczeniowych.

Na przykład w ramach romantycznego światopoglądu można wyróżnić ogólne cechy romantyzmu, takie jak motywy niszczenia znajomych granic i hierarchii, idee „inspirującej” syntezy, które zastąpiły racjonalistyczną koncepcję „połączenia” i „porządek”, świadomość człowieka jako centrum i tajemnicy bytu, osobowość otwarta i twórcza itp.

Ale konkretny wyraz tych ogólnych filozoficznych i estetycznych podstaw światopoglądu w dziełach pisarzy i ich samych poglądach jest inny.

Tak więc w romantyzmie problem ucieleśnienia uniwersalnych, nowych, nieracjonalnych ideałów został z jednej strony ucieleśniony w idei buntu, radykalnej reorganizacji istniejącego porządku światowego (D.G. Byron, A. Mickiewicz, P.B. Shelley, K. F. Ryleev) , a z drugiej strony w poszukiwaniu wewnętrznego „ja” (V. A. Zhukovsky), harmonii natury i ducha (W. Wordsworth), samodoskonalenia religijnego (F. R. Chateaubriand).

Jak widać, taka wspólnota zasad ma charakter międzynarodowy, w dużej mierze różnej jakości i istnieje w dość niewyraźnych ramach chronologicznych, co w dużej mierze wynika z narodowej i regionalnej specyfiki procesu literackiego.

Ta sama sekwencja zmian kierunków w różnych krajach zazwyczaj świadczy o ich ponadnarodowym charakterze. Ten lub inny kierunek w każdym kraju działa jako narodowa odmiana odpowiedniej międzynarodowej (europejskiej) społeczności literackiej.

Zgodnie z tym punktem widzenia klasycyzm francuski, niemiecki i rosyjski uważa się za odmiany międzynarodowego nurtu literackiego - klasycyzmu europejskiego, który jest kombinacją najczęstszych cech typologicznych właściwych dla wszystkich odmian tego nurtu.

Ale z pewnością należy wziąć pod uwagę, że często cechy narodowe danego kierunku mogą przejawiać się znacznie wyraźniej niż typologiczne podobieństwo odmian. W uogólnieniu istnieje pewien schematyzm, który może zniekształcać rzeczywiste fakty historyczne procesu literackiego.

Na przykład klasycyzm objawił się najwyraźniej we Francji, gdzie jest przedstawiany jako kompletny system cech zarówno treściowych, jak i formalnych dzieł, skodyfikowany przez teoretyczną poetykę normatywną (Sztuka poetycka N. Boileau). Ponadto jest reprezentowana przez znaczące osiągnięcia artystyczne, które wywarły wpływ na inną literaturę europejską.

W Hiszpanii i we Włoszech, gdzie sytuacja historyczna rozwijała się odmiennie, klasycyzm okazał się kierunkiem w dużej mierze odtwórczym. Wiodącą w tych krajach okazała się literatura barokowa.

Rosyjski klasycyzm staje się centralnym nurtem w literaturze również nie bez wpływu francuskiego klasycyzmu, ale nabiera własnego narodowego brzmienia, krystalizuje się w walce między ruchami Łomonosowa i Sumarok. Istnieje wiele różnic w narodowych odmianach klasycyzmu, a jeszcze więcej problemów wiąże się z określeniem romantyzmu jako jednego paneuropejskiego nurtu, w ramach którego spotyka się często bardzo różne zjawiska jakościowe.

Tak więc konstrukcja paneuropejskich i „światowych” modeli trendów jako największych jednostek funkcjonowania i rozwoju literatury wydaje się zadaniem bardzo trudnym.

Stopniowo wraz z „kierunkiem” wchodzi do obiegu termin „przepływ”, często używany jako synonim „kierunek”. Tak więc D. S. Mereżkowski w obszernym artykule „O przyczynach upadku i nowych trendach we współczesnej literaturze rosyjskiej” (1893) pisze, że „między pisarzami o różnych, czasem przeciwnych temperamentach, ustala się specjalne prądy umysłowe, specjalne powietrze, jak między przeciwległymi biegunami, pełen kreatywności”. To on, zdaniem krytyka, decyduje o podobieństwie „zjawisk poetyckich”, twórczości różnych pisarzy.

Często „kierunek” jest uznawany za pojęcie ogólne w odniesieniu do „przepływu”. Oba pojęcia oznaczają jedność wiodących zasad duchowo-treściowych i estetycznych powstających na pewnym etapie procesu literackiego, obejmującego twórczość wielu pisarzy.

Termin „kierunek” w literaturze rozumiany jest jako twórcza jedność pisarzy pewnej epoki historycznej, posługująca się wspólnymi zasadami ideologicznymi i estetycznymi przedstawiania rzeczywistości.

Kierunek literacki uważany jest za uogólniającą kategorię procesu literackiego, jako jedną z form artystycznego światopoglądu, poglądów estetycznych, sposobów przedstawiania życia, powiązaną ze swoistym stylem artystycznym. W historii literatur narodowych narodów europejskich wyróżnia się takie nurty jak klasycyzm, sentymentalizm, romantyzm, realizm, naturalizm i symbolika.

Wprowadzenie do literaturoznawstwa (N.L. Vershinina, E.V. Volkova, A.A. Ilyushin i inni) / wyd. L.M. Krupczanow. - M, 2005

Kierunek literacki - często utożsamiany z metodą artystyczną. Wyznacza zbiór podstawowych zasad duchowych i estetycznych wielu pisarzy, a także szereg grup i szkół, ich zasady programowe i estetyczne oraz stosowane środki. W walce i zmianie kierunku najdobitniej wyrażają się prawa procesu literackiego.

Zwyczajowo wyróżnia się następujące wskazówki literackie:

a) Klasycyzm
b) sentymentalizm,
c) naturalizm,
d) romantyzm,
e) Symbolizm,
e) realizm.

Ruch literacki - często utożsamiany z grupą literacką i szkołą. Oznacza zespół osobowości twórczych, które charakteryzują się bliskością ideową i artystyczną oraz jednością programową i estetyczną. W przeciwnym razie nurt literacki jest odmianą (niejako podklasą) nurtu literackiego. Na przykład w odniesieniu do rosyjskiego romantyzmu mówi się o nurcie „filozoficznym”, „psychologicznym” i „obywatelskim”. W realizmie rosyjskim niektórzy rozróżniają trendy „psychologiczne” i „socjologiczne”.

Klasycyzm

Styl i kierunek artystyczny w literaturze i sztuce europejskiej początku XVII. XIX wieki. Nazwa pochodzi od łacińskiego „classicus” – wzorowa.

Cechy klasycyzmu:

Odwołanie się do obrazów i form starożytnej literatury i sztuki jako idealnego standardu estetycznego, wysuwając na tej podstawie zasadę „naśladowania natury”, która implikuje ścisłe przestrzeganie niewzruszonych reguł zaczerpniętych z antycznej estetyki (np. w osobie Arystotelesa, Horacego).
Estetyka opiera się na zasadach racjonalizmu (z łac. „ratio” – umysł), który afirmuje pogląd na dzieło sztuki jako na sztuczny twór – świadomie tworzony, rozsądnie zorganizowany, logicznie skonstruowany.
Obrazy w klasycyzmie pozbawione są cech jednostkowych, gdyż wzywane są przede wszystkim do uchwycenia cech stałych, rodzajowych, trwałych w czasie, pełniących rolę ucieleśnienia wszelkich sił społecznych czy duchowych.
Społeczna i edukacyjna funkcja sztuki. Edukacja harmonijnej osobowości.
Ustalona została ścisła hierarchia gatunków, które dzielą się na „wysokie” (tragedia, epos, oda; ich zakresem jest życie publiczne, wydarzenia historyczne, mitologia, ich bohaterami są monarchowie, generałowie, postacie mitologiczne, asceci religijni) i „niskie”. (komedia, satyra), bajka przedstawiająca prywatne życie codzienne ludzi z klasy średniej). Każdy gatunek ma ścisłe granice i wyraźne cechy formalne, nie wolno było mieszać wzniosłości z podstawą, tragizmu z komizmem, heroizmu z przyziemnością. Wiodącym gatunkiem jest tragedia.
Dramaturgia klasyczna aprobowała tzw. zasadę „jedności miejsca, czasu i akcji”, co oznaczało: akcja sztuki powinna rozgrywać się w jednym miejscu, czas trwania akcji powinien być ograniczony czasem trwania spektaklu (ewentualnie więcej, ale maksymalny czas, jaki spektakl powinien był opowiedzieć, wynosił jeden dzień), jedność akcji oznaczała, że spektakl powinien odzwierciedlać jedną centralną intrygę, nie przerywaną akcjami pobocznymi.

Klasycyzm powstał i rozwinął się we Francji wraz z ustanowieniem absolutyzmu (klasycyzm, z jego koncepcjami „wzorcowymi”, ścisłą hierarchią gatunków itp., jest na ogół często kojarzony z absolutyzmem i rozkwitem państwowości - P. Corneille, J. Racine , J. La Fontaine, J. B. Moliere, itd. Po wejściu w okres schyłkowy pod koniec XVII w. klasycyzm odrodził się w Oświeceniu – Voltaire, M. Chenier itp. Po rewolucji francuskiej, wraz z upadkiem racjonalistów idee, klasycyzm popada w ruinę, dominującym stylem sztuki europejskiej staje się romantyzm.

Klasycyzm w Rosji:

Rosyjski klasycyzm powstał w drugiej ćwierci XVIII wieku w twórczości twórców nowej literatury rosyjskiej - A. D. Kantemira, V. K. Trediakowskiego i M. V. Lomonosova. W dobie klasycyzmu literatura rosyjska opanowała wypracowane na Zachodzie formy gatunkowe i stylistyczne, włączyła się w ogólnoeuropejski rozwój literacki, zachowując przy tym swoją tożsamość narodową. Charakterystyczne cechy rosyjskiego klasycyzmu:

a) Orientacja satyryczna - ważne miejsce zajmują takie gatunki jak satyra, bajka, komedia, adresowane bezpośrednio do konkretnych zjawisk życia rosyjskiego;
b) Przewaga wątków narodowo-historycznych nad antycznymi (tragedie A.P. Sumarokova, Ya. B. Kniazhnina i innych);
w) Wysoki poziom rozwoju gatunku ody (M. V. Lomonosov i G. R. Derzhavin);
G) Ogólny patos patriotyczny rosyjskiego klasycyzmu.

Pod koniec XVIII - wcześnie. XIX-wieczny rosyjski klasycyzm jest pod wpływem sentymentalistycznych i przedromantycznych idei, co znajduje odzwierciedlenie w poezji G. R. Derzhavina, tragediach V. A. Ozerova i cywilnych tekstach poetów dekabrystów.

Sentymentalizm

Sentymentalizm (z angielskiego sentymentalny - „wrażliwy”) to nurt w europejskiej literaturze i sztuce XVIII wieku. Został przygotowany przez kryzys oświeceniowego racjonalizmu, był ostatnim etapem Oświecenia. Chronologicznie poprzedzał w zasadzie romantyzm, przekazując mu szereg jego cech.

Główne oznaki sentymentalizmu:

Sentymentalizm pozostał wierny ideałowi osobowości normatywnej.
W przeciwieństwie do klasycyzmu z jego oświecającym patosem, dominację „natury ludzkiej” deklarował uczucie, a nie rozum.
Uważał za warunek ukształtowania się idealnej osobowości nie „rozsądną reorganizację świata”, ale uwolnienie i poprawę „naturalnych uczuć”.
Bohater literatury sentymentalizmu jest bardziej zindywidualizowany: z pochodzenia (lub przekonań) jest demokratą, bogaty świat duchowy mieszczaństwa jest jednym z podbojów sentymentalizmu.
Jednak w przeciwieństwie do romantyzmu (przedromantyzmu), „irracjonalny” jest obcy sentymentalizmowi: niespójność nastrojów, impulsywność duchowych impulsów postrzegał jako dostępną racjonalistycznej interpretacji.

Sentymentalizm najpełniej wyrażał się w Anglii, gdzie najwcześniej ukształtowała się ideologia stanu trzeciego – dzieła J. Thomsona, O. Goldsmitha, J. Crabba, S. Richardsona, JI. Rufa.

Sentymentalizm w Rosji:

W Rosji przedstawicielami sentymentalizmu byli: M. N. Muravyov, N. M. Karamzin (naib, słynne dzieło - „Biedna Liza”), I. I. Dmitriev, V. V. Kapnist, N. A. Lwów, młody V A. Zhukovsky.

Charakterystyczne cechy rosyjskiego sentymentalizmu:

a) Racjonalistyczne tendencje są dość jasno wyrażone;
b) Postawa dydaktyczna (moralizująca) jest silna;
c) trendy oświeceniowe;
d) Udoskonalając język literacki, rosyjscy sentymentaliści zwrócili się ku normom potocznym, wprowadzonym w języku wernakularnym.

Ulubionymi gatunkami sentymentalistów są elegia, list, powieść epistolarna (powieść listowa), notatki z podróży, pamiętniki i inne rodzaje prozy, w których dominują motywy wyznaniowe.

Romantyzm

Jeden z największych trendów w literaturze europejskiej i amerykańskiej końca XVIII i pierwszej połowy XIX wieku, który zyskał światowe znaczenie i dystrybucję. W XVIII wieku wszystko, co fantastyczne, niezwykłe, dziwne, znajdowane tylko w książkach, a nie w rzeczywistości, nazywano romantycznym. Na przełomie XVIII i XIX wieku. „romantyzm” zaczyna być nazywany nowym ruchem literackim.

Główne oznaki romantyzmu:

Orientacja antyoświeceniowa (tj. przeciw ideologii oświeceniowej), która przejawiała się w sentymentalizmie i przedromantyzmie, a swój szczyt osiągnęła w romantyzmie. Społeczno-ideologiczne przesłanki - rozczarowanie skutkami Wielkiej Rewolucji Francuskiej i owocami cywilizacji w ogóle, protest przeciwko wulgaryzmowi, rutynie i prozaicznemu naturze życia burżuazyjnego. Rzeczywistość historii okazała się poza kontrolą „rozumu”, irracjonalna, pełna tajemnic i nieprzewidzianych wydarzeń, a współczesny porządek świata okazał się wrogi ludzkiej naturze i osobistej wolności.
Ogólna orientacja pesymistyczna to idee „kosmicznego pesymizmu”, „smutku świata” (bohaterowie dzieł F. Chateaubrianda, A. Musseta, J. Byrona, A. Vigny'ego itp.). Temat „strasznego świata” „leżącego w złu” został szczególnie wyraźnie odzwierciedlony w „dramie rocka” czy „tragedii rocka” (G. Kleist, J. Byron, E. T. A. Hoffman, E. Poe).
Wiara we wszechmoc ludzkiego ducha, w jego zdolność do odnawiania się. Romantycy odkryli niezwykłą złożoność, wewnętrzną głębię ludzkiej indywidualności. Człowiek jest dla nich mikrokosmosem, małym wszechświatem. Stąd – absolutyzacja zasady osobowej, filozofia indywidualizmu. W centrum romantycznego dzieła zawsze znajduje się silna, wyjątkowa osobowość, która sprzeciwia się społeczeństwu, jego prawom czy normom moralnym.
„Dwa światy”, czyli podział świata na realny i idealny, które są sobie przeciwstawne. Wgląd duchowy, natchnienie, którym podlega romantyczny bohater, to nic innego jak wnikanie w ten idealny świat (np. twórczość Hoffmanna, szczególnie żywotna w: „Złotym garnku”, „Dziadku do orzechów”, „Małych Tsakhes”, nazywany Zinnoberem" . Romantycy przeciwstawiali klasycystycznemu „naśladowaniu natury” twórczą działalność artysty z jego prawem do przekształcania świata realnego: artysta tworzy swój własny, wyjątkowy świat, piękniejszy i prawdziwszy.
„Kolor lokalny” Osoba, która sprzeciwia się społeczeństwu, odczuwa duchową bliskość z naturą, jej żywiołami. Dlatego romantycy tak często mają za scenę działania egzotyczne kraje i ich naturę (Wschód). Egzotyczna dzika przyroda była w zgodzie z duchem romantycznej osobowości dążącej do ponadprzeciętności. Romantycy jako pierwsi zwracali baczną uwagę na dziedzictwo twórcze ludu, jego cechy narodowe, kulturowe i historyczne. Różnorodność narodowa i kulturowa, zgodnie z filozofią romantyków, była częścią jednej wielkiej całości – „wszechświata”. Było to wyraźnie widoczne w rozwoju gatunku powieści historycznej (tacy autorzy jak W. Scott, F. Cooper, V. Hugo).

Romantycy, absolutyzując swobodę twórczą artysty, odmawiali racjonalistycznej regulacji w sztuce, co jednak nie przeszkadzało im w głoszeniu własnych kanonów romantycznych.

Rozwinęły się gatunki: fantastyczna historia, powieść historyczna, poemat liryczno-epicki, a teksty osiągnęły niezwykły rozkwit.

Klasyczne kraje romantyzmu - Niemcy, Anglia, Francja.

Począwszy od lat 40. XIX wieku romantyzm w głównych krajach europejskich ustąpił miejsca wiodącej pozycji realizmu krytycznego i zniknął na dalszy plan.

Romantyzm w Rosji:

Narodziny romantyzmu w Rosji wiążą się ze społeczno-ideologiczną atmosferą życia rosyjskiego - ogólnonarodowym zrywem po wojnie 1812 roku. Wszystko to doprowadziło nie tylko do powstania, ale także do szczególnego charakteru romantyzmu dekabrystów (na przykład walki K.F. Ryleev, V.K.).

Charakterystyczne cechy romantyzmu w Rosji:

a) Przyspieszony rozwój literatury w Rosji na początku XIX wieku doprowadził do „wtargnięcia” i połączenia różnych etapów doświadczanych etapami w innych krajach. W rosyjskim romantyzmie tendencje przedromantyczne przeplatały się z tendencjami klasycyzmu i oświecenia: wątpliwości co do wszechwładnej roli rozumu, kultu wrażliwości, natury, elegijnej melancholii połączonej z klasycznym porządkiem stylów i gatunków, umiarkowany dydaktyzm (zbudowanie) oraz walka z nadmierną metaforą w imię „dokładności harmonicznej” (wyrażenie A. S. Puszkin).

b) Bardziej wyraźna orientacja społeczna rosyjskiego romantyzmu. Na przykład poezja dekabrystów, dzieła M. Yu Lermontowa.

W rosyjskim romantyzmie szczególnie rozwinięte są takie gatunki jak elegia i sielanka. Bardzo ważny dla samostanowienia rosyjskiego romantyzmu był rozwój ballady (na przykład w twórczości V. A. Żukowskiego). Kontury rosyjskiego romantyzmu zostały najostrzej określone wraz z pojawieniem się gatunku wiersza liryczno-eposowego (południowe wiersze A. S. Puszkina, dzieła I. I. Kozłowa, K. F. Ryleeva, M. Yu. Lermontowa itp.). Powieść historyczna rozwija się jako wielka forma epicka (M. N. Zagoskin, I. I. Lazhechnikov). Szczególnym sposobem na stworzenie dużej formy epickiej jest cyklizacja, czyli ujednolicenie pozornie niezależnych (i częściowo publikowanych osobno) dzieł („Podwójne lub moje wieczory w Małej Rusi” A. Pogorelskiego, „Wieczory na farmie pod Dikanką ” N. V. Gogola, „Bohater naszych czasów” M. Yu. Lermontowa, „Rosyjskie noce” V. F. Odoevsky'ego).

Naturalizm

Naturalizm (z łac. natura - „natura”) to nurt literacki, który rozwinął się w ostatniej tercji XIX wieku w Europie i USA.

Charakterystyczne cechy naturalizmu:

Pragnienie obiektywnego, dokładnego i beznamiętnego oddania rzeczywistości i charakteru człowieka, ze względu na fizjologiczny charakter i środowisko, rozumiane przede wszystkim jako bezpośrednie środowisko domowe i materialne, ale nie wykluczające czynników społeczno-historycznych. Głównym zadaniem przyrodników było badanie społeczeństwa z taką samą kompletnością, z jaką przyrodnik bada naturę, wiedza artystyczna jest porównywana do naukowej.
Dzieło sztuki traktowane było jako „dokument ludzki”, a głównym kryterium estetycznym była kompletność dokonanego w nim aktu poznawczego.
Przyrodnicy odmówili moralizowania, wierząc, że rzeczywistość przedstawiona z naukową bezstronnością jest sama w sobie wystarczająco wyrazista. Uważali, że literatura, podobnie jak nauka, nie ma prawa dobierać materiału, że nie ma nieodpowiednich fabuł czy niegodnych tematów dla pisarza. Stąd w pracach przyrodników często pojawiała się bezmyślność i publiczna obojętność.

Naturalizm zyskał szczególny rozwój we Francji - na przykład naturalizm obejmuje prace takich pisarzy jak G. Flaubert, bracia E. i J. Goncourt, E. Zola (którzy rozwinęli teorię naturalizmu).

W Rosji naturalizm nie rozpowszechnił się, odegrał tylko pewną rolę w początkowym etapie rozwoju rosyjskiego realizmu. Tendencje naturalistyczne można prześledzić wśród pisarzy tak zwanej „szkoły naturalnej” (patrz poniżej) - V. I. Dal, I. I. Panaev i innych.

Realizm

Realizm (od późnego łacińskiego realis - real, real) to ruch literacki i artystyczny XIX-XX wieku. Wywodzi się z renesansu (tzw. „realizm renesansowy”) lub z okresu oświecenia („realizm oświeceniowy”). Cechy realizmu odnotowuje się w folklorze starożytnym i średniowiecznym, literaturze starożytnej.

Główne cechy realizmu:

Artysta przedstawia życie w obrazach, które odpowiadają istocie zjawisk samego życia.
Literatura w realizmie jest środkiem poznania człowieka i otaczającego go świata.
Poznanie rzeczywistości odbywa się za pomocą obrazów tworzonych przez wpisywanie faktów rzeczywistości („typowe postacie w typowej scenerii”). Typizacja postaci w realizmie dokonuje się poprzez „prawdziwość szczegółów” w „konkretności” warunków istnienia postaci.
Sztuka realistyczna to sztuka afirmująca życie, nawet w tragicznym rozwiązaniu konfliktu. Filozoficzną podstawą tego jest gnostycyzm, wiara w poznawalność i adekwatne odzwierciedlenie otaczającego świata, w przeciwieństwie np. do romantyzmu.
Sztuka realistyczna tkwi w chęci rozważenia rzeczywistości w rozwoju, umiejętności wykrywania i uchwycenia pojawiania się i rozwoju nowych form życia i relacji społecznych, nowych typów psychologicznych i społecznych.

Realizm jako nurt literacki ukształtował się w latach 30. XIX wieku. Bezpośrednim prekursorem realizmu w literaturze europejskiej był romantyzm. Niezwykłość uczyniwszy tematem obrazu, tworząc wyimaginowany świat szczególnych okoliczności i wyjątkowych namiętności, jednocześnie (romantyzm) ukazał osobowość bogatszą duchowo, uczuciowo, bardziej złożoną i sprzeczną niż to było dostępne dla klasycyzmu, sentymentalizmu i inne trendy poprzednich epok. Realizm rozwijał się więc nie jako antagonista romantyzmu, ale jako jego sojusznik w walce z idealizacją stosunków społecznych, o narodowo-historyczną oryginalność obrazów artystycznych (kolor miejsca i czasu). Nie zawsze łatwo jest wytyczyć wyraźne granice między romantyzmem a realizmem w pierwszej połowie XIX wieku, w twórczości wielu pisarzy łączyły się cechy romantyczne i realistyczne - na przykład dzieła O. Balzaca, Stendhala, V. Hugo, częściowo C. Dickensa. W literaturze rosyjskiej znalazło to szczególnie wyraźne odzwierciedlenie w pracach A. S. Puszkina i M. Yu Lermontowa (południowe wiersze Puszkina i Lermontowa Bohater naszych czasów).

W Rosji, gdzie fundamenty realizmu były jeszcze w latach 20. i 30. XIX wieku. ustanowione przez twórczość A. S. Puszkina („Eugeniusz Oniegin”, „Borys Godunow”, „Córka kapitana”, późne teksty), a także niektórych innych pisarzy („Biada dowcipu” A. S. Gribojedowa, bajki I. A. Kryłowa ) , ten etap jest związany z nazwiskami I. A. Gonczarowa, I. S. Turgieniewa, N. A. Niekrasowa, A. N. Ostrovsky'ego i innych. Zaostrzony społecznie krytyczny patos to jeden z głównych wyróżników rosyjskiego realizmu – np. Inspektor Generalny, Dead Souls N.V. Gogola, działalność pisarzy „szkoły naturalnej”. Realizm drugiej połowy XIX wieku osiągnął swój szczyt właśnie w literaturze rosyjskiej, zwłaszcza w dziełach L. N. Tołstoja i F. M. Dostojewskiego, którzy pod koniec XIX wieku stali się centralnymi postaciami światowego procesu literackiego. Wzbogacili światową literaturę o nowe zasady konstruowania powieści społeczno-psychologicznej, zagadnienia filozoficzne i moralne, nowe sposoby ujawniania ludzkiej psychiki w jej najgłębszych warstwach.