Klasycyzm (od łac. classicus - pierwsza klasa) to nurt w sztuce, literaturze i estetyce XVII-XVIII wieku. Estetyka klasycyzmu zorientowana poetów, artystów, kompozytorów do tworzenia dzieł sztuki, które wyróżniają się przejrzystością, logiką, ścisłą równowagą i harmonią. Wszystko to, zdaniem klasyków, znalazło swój pełny wyraz w starożytnej kulturze artystycznej. Dla nich rozum i starożytność są synonimami. Racjonalistyczny charakter estetyki klasycyzmu przejawiał się w abstrakcyjnej typizacji obrazów, ścisłej regulacji gatunków i form, w abstrakcyjnej interpretacji dawnego dziedzictwa artystycznego, w odwoływaniu się sztuki do rozumu, a nie uczuć, w chęć podporządkowania procesu twórczego niewzruszonym zasadom i kanonom. Powstał najbardziej holistyczny system estetyczny Francuski klasycyzm. Francuski racjonalizm Reme służył jako jego ideologiczna podstawa. Kartezjusz(1596-1650). W swojej pracy programowej „Dyskursy o metodzie” (1637) filozof podkreślił, że struktura racjonalności całkowicie pokrywa się ze strukturą świata realnego, a racjonalizm jest ideą fundamentalnego wzajemnego zrozumienia. Poddanie się państwu, spełnienie obowiązku publicznego - najwyższa cnota jednostki. Człowiek myśliciel nie jest już jako byt wolny, co jest typowe dla światopoglądu renesansowego, ale podlega obcym mu normom i regułom, ograniczonym siłami pozostającymi poza jego kontrolą. Okres ten charakteryzuje się nie tylko umacnianiem się władzy absolutystycznej, ale także rozkwitem manufaktury, czego nie znał renesans. Tak więc scharakteryzowany okres wyróżnia się zwycięstwem regulacji produkcji wytwórczej, sukcesami w dziedzinie nauk ścisłych i rozkwitem racjonalizmu w filozofii. W tych warunkach kształtuje się teoria i praktyka estetyki klasycyzmu.
Racjonalizm i normatywizm estetyki klasycyzmu. Klasycyzm to jedna z najważniejszych dziedzin sztuki. Ugruntowując się w twórczości i twórczości wielu pokoleń, przedstawiając genialną plejadę poetów i pisarzy, malarzy i muzyków, architektów, rzeźbiarzy i aktorów, klasycyzm pozostawił takie kamienie milowe na drodze artystycznego rozwoju ludzkości jak tragedie Corneille, Racine, Milton, Voltaire, komedia Moliera muzyka kołysać się, poezja La Fontaine, park i zespół architektoniczny Wersalu, obrazy Poussina.
Zgodnie z kodeksami sztuki od artysty wymagano przede wszystkim „szlachetności wzornictwa”. Fabuła obrazu musiała mieć wartość pouczającą. Dlatego szczególnie wysoko cenione były wszelkiego rodzaju alegorie, w których mniej lub bardziej konwencjonalnie wykonane obrazy życia bezpośrednio wyrażały ogólne idee. Najwyższy gatunek uznano za „historyczny”, który obejmował starożytną mitologię, fabuły ze słynnych dzieł literackich, z Biblii i tym podobne. Portret, krajobraz, sceny z prawdziwego życia uważano za „mały gatunek”. Najbardziej nieistotnym gatunkiem była martwa natura.
Ustanowienie ścisłych reguł twórczości jest jedną z charakterystycznych cech estetyki klasycyzmu. Dzieło sztuki było rozumiane przez klasyków nie jako naturalnie występujący organizm; ale jako sztuczny, stworzony, stworzony ludzkimi rękami według planu, z określonym zadaniem i przeznaczeniem.
Najpełniejszy wykład zasad i norm klasycyzmu był największym teoretykiem tego nurtu”. Nicolas Boileau(1636-1711) w traktacie „Sztuka poetycka”, który został pomyślany na wzór „Nauki o poezji” Horacego („List do Pisos”) i ukończony w 1674 r.
Klasycyzm to kierunek artystyczny epoki absolutyzmu. Klasycyzm kształtuje się we Francji w XVII wieku, w epoce Ludwika XIV, który przeszedł do historii ze słynnym powiedzeniem: „Państwo to ja”. Największymi przedstawicielami klasycyzmu w literaturze francuskiej są tragicy Corneille i Racine, komik Molier i bajkopisarz La Fontaine. Program estetyczny klasycyzmu został nakreślony w poetyckim traktacie Nicolasa Boileau „Sztuka poetycka”.
Przedmiot sztuki według klasyków może być tylko wysoki, piękny. „Trzymaj się z daleka od niskiego, to zawsze brzydota…” pisał Boileau. W prawdziwym życiu niewiele jest wysokich, pięknych, dlatego klasycy zwrócili się ku sztuce antycznej jako źródło piękna. Zapożyczanie fabuł, postaci z literatury antycznej to cecha charakterystyczna klasycyzmu.
Patos klasycyzmu, który ukształtował się w epoce postępowej roli państwa w postaci monarchii absolutnej, polega na zapewnieniu prymatu interesów państwowych nad osobistymi. Ten obywatelski patos wyrażał się na różne sposoby w różnych gatunkach.
Klasycy stworzyli ścisły system gatunkowy. Gatunki podzielono na wysokie (zaliczały się do nich tragedia, poemat epicki, oda) i niskie (komedia, bajka, satyra). Wszystkie gatunki były wyraźnie oddzielone od siebie, ponieważ każdy miał prawa, których pisarze musieli przestrzegać. Tak więc, za tragedię klasycyzmu, konflikt uczuć i obowiązku, prawo trzech jedności („Niech wszystko stanie się w dniu I tylko w jednym miejscu ...” pisał Boileau), pięcioaktowa kompozycja i werset aleksandryjski jako forma narracji były obowiązkowe. Normatywność klasycznej estetyki nie stała się przeszkodą dla artystów, z których najlepsi, w ramach ścisłych praw klasycyzmu, potrafili tworzyć jasne, artystycznie przekonujące dzieła.
Cechy tragedii klasycyzmu. Tragedia Corneille'a „Sid”
Tragedia była wiodącym gatunkiem literatury klasycznej.
W estetyce klasycyzmu starannie rozwijano teorię tragedii. Jego główne prawa są następujące. 1. Tragedia opiera się na wewnętrznym konflikcie uczuć i obowiązku. Ten konflikt jest zasadniczo nierozwiązywalny, a tragedia kończy się śmiercią bohaterów. 2. Fabuła tragedii podlega prawu trzech jedności: jedności miejsca (wszystkie wydarzenia rozgrywają się w jednym miejscu), jedności czasu (wszystkie wydarzenia rozgrywają się w ciągu 24 godzin), jedności akcji (w tragedia, która nie działa na główny konflikt). 3. Tragedia jest napisana wierszem. Określana jest również wielkość: werset aleksandryjski.
Jedną z pierwszych wielkich tragedii klasycystycznych jest Cyd Pierre'a Corneille'a (1637). Bohaterem tragedii jest odważny i szlachetny rycerz Rodrigo Diaz, śpiewany w hiszpańskiej heroicznej epopei „Pieśń o moim boku” i licznych romansach. Akcja tragedii Corneille'a napędzana jest konfliktem uczuć i obowiązku, który realizuje się poprzez system spływających na siebie prywatnych konfliktów. Są to konflikt uczuć i długu publicznego (fabuła Infantki), konflikt uczuć i długu rodzinnego (wątki Rodrigo Diaza i Jimeny) oraz konflikt długu rodzinnego i długu publicznego (fabuła króla Fernanda). Wszyscy bohaterowie tragedii Corneille'a, po bolesnej walce, wybierają obowiązek. Tragedia kończy się aprobatą idei długu publicznego.
„Sid” Corneille został entuzjastycznie przyjęty przez publiczność, ale stał się obiektem ostrej krytyki w środowisku literackim. Faktem jest, że dramaturg złamał podstawowe prawa klasycyzmu: prawo jedności gatunku (w „Sid” tragiczny konflikt zostaje pomyślnie rozwiązany), prawo trzech jedności (w „Sid” akcja toczy się wewnątrz 36 godzin w trzech różnych miejscach), prawo jedności wersetu
(Strofy Rodrigo nie są napisane wierszem aleksandryjskim). Z biegiem czasu zapomniano o odstępstwach od klasycznych norm dopuszczonych przez Corneille'a, a sama tragedia nadal żyje w literaturze i na scenie.
Klasycyzm jest ważnym estetycznie nurtem w sztuce, który powstał w XVII wieku, rozwinął się w XVIII i można go prześledzić w XIX wieku. Charakteryzuje się odwołaniem do starożytnej klasyki jako ścisłego normatywnego modelu doskonałej harmonii. Estetyczne idee klasycyzmu kształtują się w duchu szerzącego w tamtej epoce dominacji racjonalizmu - doktryny filozoficzno-naukowej, według której rozum jest najwyższą ludzką zdolnością, pozwalającą mu poznawać, a nawet przekształcać świat, stając się częściowo na równi z Bogiem, zreorganizuj społeczeństwa. Rozum z punktu widzenia racjonalizmu jest nie tylko główną, ale i jedyną w pełni adekwatną zdolnością ludzkiego umysłu. Uczucia są jedynie przesłanką racjonalnego rozumowania, same w sobie przesłaniając czystą prawdę; intuicja mistyczna jest cenna dla włączenia jej do systemu racjonalnej argumentacji. Taki pogląd nie mógł nie wpłynąć na relacje między sferami kultury, które zaczęły kształtować się w najwyższych kręgach społeczeństwa w krajach europejskich: w szczególności nauka, filozofia i matematyka - są to główne siły napędowe postępu wiedzy; sztuce przypisuje się skromniejszą, drugorzędną rolę sentymentalnej przyjemności, lekkiej rozrywki i zrozumiałej, imponującej budowy; religia tradycyjna, nie „oświecona” racjonalnymi ideami deizmu filozoficznego, jest wiarą prostego, niewykształconego ludu, użyteczną dla organizmu społecznego – swego rodzaju stabilizatorem w dziedzinie obyczajów społecznych.
Klasycyzm opiera się na normatywnej teorii estetycznej. Już Rene Descartes, francuski matematyk i filozof pierwszej połowy XVII wieku, w swoich oryginalnych na ten czas dziełach „Dyskurs o metodzie”, „Kompendium muzyki” itp. przekonuje, że sztuka musi podlegać ścisłemu regulacja przez umysł. Jednocześnie język dzieł sztuki, zdaniem R. Kartezjusza, powinien wyróżniać się racjonalnością, kompozycja powinna opierać się na ściśle ustalonych zasadach. Głównym zadaniem artysty jest przede wszystkim przekonywanie siłą i logiką myśli. Normatywna teoria estetyki klasycyzmu charakteryzuje się racjonalizmem, wyważoną jasnością, formalną kalkulacją z naciskiem na proporcjonalność, integralność, jedność, równowagę i kompletność form, powiązanie z ideami absolutyzmu politycznego i imperatywem moralnym. Normatywne zasady klasycyzmu zakładały wyraźny podział na gatunki wysokie i niskie.
Te zasady klasycyzmu przejawiają się we wszystkich rodzajach sztuki: w teatrze, który hołdował ideologicznym uogólnieniom N. Boileau (Cornel, Racine, Moliere, Lope de Vega i inni); w literaturze (Lafontaine) w architekturze, zwłaszcza świeckiej - pałacowo-parkowej (obraz Wersalu) oraz cywilnej i kościelnej (Levo, Hardouin-Mansart, Lebrun, Le Notre, Jones, Ren, Quarenghi, Bazhenov, Voronikhin, Kazakov, Rossi, itp.); w malarstwie (Poussin, Velasquez, Vermeer, Rembrandt, Van Dyck): w rzeźbie (Canova, Thorvaldsen itp.) w muzyce (Gluck, Haydn, Mozart, wczesny Beethoven itp.) Niektórzy z wymienionych wielkich twórców sztuki w swoim głębokie idee ekspresyjne wykraczały poza ścisłą normatywność klasycyzmu, postulował przez niego rozdzielenie gatunków wysokich i niskich, ale ich twórczość nadal łączy charakterystyczne dla tej epoki zasady wyrazistości, zwięzłości i harmonii stylu.
Najwybitniejszym przedstawicielem estetycznej teorii sztuki tamtej epoki był Nicolas Boileau (1636 - 1711) - francuski poeta satyryk, teoretyk klasycyzmu, którego normy i zasady określa w poetyckim traktacie "Sztuka poetycka" - rodzaj instrukcji dla początkującego poety, artysty.
N. Boileau jest zwolennikiem przewagi w twórczości poety (iw sztuce w ogóle) sfery intelektualnej nad emocjonalną. Uważa, że dzieła sztuki adresowane są nie tyle do uczucia, ile do rozumu. Najważniejszymi oznakami piękna – czymś, co łatwo ujmuje umysł – jest jasność, wyrazistość. Wszystko jest jednocześnie niezrozumiałe i brzydkie. Idea dzieła, jego realizacja powinna być jasna, części i cała architektura dzieła powinna być jasna i wyraźna. Prostota i jasność – to motyw słynnej zasady „trzech jedności”, rozszerzonej przez N. Boileau o poezję i dramaturgię w ich doskonałej kompozycji: jedność miejsca (akcja jest zlokalizowana geograficznie, choć wiąże się ze zmianą scen ), jedność czasu (akcja musi zmieścić się w jeden dzień, jeden dzień), jedność akcji (kolejne sceny muszą odpowiadać czasowemu porządkowi wydarzeń). Jednocześnie portretowane postacie nie mogą się zmieniać w trakcie pracy. Zasady te, według N. Boileau, będąc bezpośrednimi przejawami praw rozumu, dyscyplinują zdolności twórcze poety i pozwalają czytelnikowi lub widzowi na łatwe, a więc zadowalające zrozumienie przekazywanych treści bez przeszkód.
Wiarygodność jest kluczową koncepcją estetyki sztuki N. Boileau. Ponieważ N. Boileau przedstawia piękno jako rozsądne i naturalne. Rozum jest podstawą powszechnej ważności norm smaku. W ten sposób piękno jakoś jest posłuszne prawdzie. Ale prawda życia jest także idealizacją normatywną, a nie tylko poprawną refleksją. Piękno, zdaniem N. Boileau, wprowadzane jest w świat przez jakąś racjonalną zasadę duchową, a dzieło sztuki, jako wytwór racjonalnego działania, okazuje się doskonalsze od wytworów natury. Piękno duchowe znajduje się ponad fizycznością, a sztuka ponad naturą.
N. Boileau konkretyzuje teorię gatunków, która rozwinęła się w klasycyzmie, kiedy dzieli się je na wyższe i niższe: Tragedia powinna więc przedstawiać to, co wysokie i heroiczne, a komedia - niskie i złośliwe. Bohaterami komedii są prości ludzie, wyrażający swoje myśli nie pompatycznym językiem retoryki, ale lekkim, nowoczesnym, świeckim językiem.
Nowe idee Oświecenia były w dużej mierze związane z zasadami klasycyzmu i reprezentowały z nim organiczną jedność w wielu zjawiskach kulturowych XVIII wieku. Epoka Oświecenia w swoich aksjomatycznych zasadach jest tak samo racjonalistyczna, jak wyłaniający się światopogląd XVII wieku… ale w przeciwieństwie do wczesnego racjonalizmu, Oświecenie jest całym programem, którego celem jest nie tyle opanowanie sił natury poprzez naukową znajomość jej praw (ten proces, oczywiście rozpoczęty w XVII wieku, trwał nadal), ale raczej na przemianie całej kultury i całego społeczeństwa na gruncie rozumu, w oparciu o nową wiedzę naukową, która pod wieloma względami przeczyła tradycja duchowa, zakorzeniona w postawach średniowiecza. Projekt oświeceniowy, którego autorami są myśliciele francuscy, angielscy i niemieccy (D. Diderot, Voltaire (M.F. Arue), J.-J. Rousseau, J. Locke, D. Hume, I. Herder i inni, z których wiele było członkowie tajnych stowarzyszeń mistycznych o charakterze racjonalistycznym, takich jak iluminaci (z łac. iluminacja – oświecenie) – składali się z szeregu powiązanych ze sobą dziedzin: utrwalania wiedzy naukowej i rozpowszechniania wiedzy racjonalnej nowego typu na kwestie rozumienia filozoficznego człowieka, społeczeństwa, kultury, w tym sztuki, upowszechnianie wiedzy naukowej i wartości nowego pokolenia wśród ogółu społeczeństwa, apelowanie do społeczeństwa wykształconego, doskonalenie praw, którymi żyje społeczeństwo, aż do rewolucyjnych zmian.
W tym względzie jedną z linii filozofii Oświecenia jest identyfikacja granic poznającego umysłu i jego powiązanie z innymi poznającymi i aktywnymi siłami człowieka, takimi jak czucie rozumiejące – stąd pojawienie się estetyki filozoficznej jako samodzielną dyscyplinę, taką jak wola, której zakres interpretowano jako sferę praktycznego umysłu. Stosunek naturalności do kultury był rozumiany przez oświeconych na różne sposoby: dominującym ideom postępu kulturowego i cywilizacyjnego przeciwstawiała się teza o naturalności człowieka, jasno wyrażona w wezwaniu Jeana-Jacquesa Rousseau: „Powrót do natury”. Kolejnym aspektem związanym z realizacją zadań programowych Oświecenia jest pojawienie się wiedzy o horyzontach kultury światowej, początek rozwoju pozaeuropejskiego doświadczenia kultury, sztuki i religii, a w szczególności pojawienie się koncepcja światowej kultury artystycznej (I. Goethe).
Idee Oświecenia w sztuce znalazły wyraz w szeregu nowych zjawisk w życiu artystycznym XVIII wieku. - w demokracji - pojawienie się sztuki poza świeckimi salonami, urzędami i pałacami do publicznych sal koncertowych, bibliotek, galerii, w podejmowaniu tematów życia ludowego i historii narodowej, w odrzuceniu heroicznej arystokracji i gloryfikacji wizerunku mieszczaństwa, w mieszance wysokich i niskich gatunków, w popularności gatunku codziennego i gatunku komedii; w zainteresowaniu życiem społecznym i postępem; w antyklerykalizmie i karykaturalnie ironicznej krytyce zrujnowanych pozostałości średniowiecza i okrutnych obyczajów, w tym przesłoniętych osobistą pobożnością; w liberalizmie - głoszeniu wolności jednostki, a jednocześnie w moralnym głoszeniu prostoty i naturalności człowieka, skoordynowanej z dobrem społeczeństwa; w szerokich zainteresowaniach encyklopedycznych i dbałości o kultury pozaeuropejskie; w realizmie - ukazującym prostą naturę, kontekst społeczny i psychologiczną aurę ludzkich wyobrażeń, w sielankowym przywiązaniu do naturalności i wierności ludzkiemu uczuciu, w przeciwieństwie do umysłu, który może popełniać błędy.
W literaturze i teatrze znalazło to odzwierciedlenie w pracach Beaumarchais, Lessinga, Sheridana, Goldoniego, Gozziego, Schillera, Goethego, Defoe, Swifta; w malarstwie - Hogarth, Gainsborough, Reynolds, Chardin, Grez, David, Goya, Levitsky; w rzeźbie - Houdon, Shubin itp.
Wiele idei Oświecenia zostało zrealizowanych w formach sztuki wypracowanych przez estetykę klasycyzmu, można więc mówić o rzeczywistym podobieństwie tych stylów z pewnym ideologicznym rozgraniczeniem ich zasad. Niektóre motywy edukacyjne współgrały z figlarnym i wyrafinowanym dworskim stylem rokoka. W ramach idei późnego Oświecenia ukształtował się oryginalny styl sentymentalizmu (zwłaszcza w poezji i malarstwie), charakteryzujący się marzycielstwem, wrażliwością, szczególną rolą przekazywanego uczucia w pojmowaniu życia i współczucia (współczucia) w wychowanie moralne, konformizm naturalny i sielankowe duszpasterstwo – w duchu filozofii J.J. Rousseau. Z jednej strony sentymentalizm i bardzo wyraziste symboliczne wizerunki takich twórców sztuki końca XVIII wieku jak F. Schiller, J. Goethe, F. Goya, J.-L. David, pozwalają mówić o scenie szczególnej preromantyzmu, przygotowany w głębinach estetyki i życia Oświecenia.
Filozoficzne idee estetyki Oświecenia zostały wyraźnie wyrażone w pracach wielu głównych myślicieli XVIII wieku, m.in.:
Alexander Baumgarten (1714 - 1762) - niemiecki filozof, zwolennik Leibniza i Wolffa, twórca estetyki niemieckiej filozofii klasycznej. W 1735
A. Baumgarten jako pierwszy wprowadził termin „estetyka”, który określił jako filozoficzną naukę wiedzy sensorycznej, pojmowania i tworzenia piękna oraz wyrażaną w obrazach sztuki. Estetyczne poglądy Baumgartena zawarte są w pracach: „Filozoficzne refleksje nad niektórymi zagadnieniami dotyczącymi dzieła poetyckiego”, „Estetyka”.
Gotthold Ephraim Lessing (1729 - 1781) - niemiecki filozof - pedagog, dramaturg, krytyk literacki, teoretyk sztuki, orędownik zbieżności literatury i sztuki z życiem; za ich wyzwolenie z kajdan klasowo-arystokratycznej normatywności. Sztuka według Lessinga to naśladowanie natury, rozumianej szeroko jako poznanie życia. Uzasadniając teorię sztuki realistycznej, w walce z klasycyzmem opiera się na terminologii twórczości Arystotelesa i Szekspira. Główna praca teoretyczna Lessinga: „Laokoona. Na pograniczu malarstwa i poezji.
Johann Goethe (1749 - 1832) - niemiecki poeta, twórca niemieckiej literatury New Age, myśliciel i przyrodnik. W młodości Goethe był jednym z liderów ruchu Sturm und Drang. Sztuka, według Goethego, jest wezwana do przeciwstawiania się przestarzałym konwencjom, zrujnowanej moralności, do walki z uciskiem jednostki. I. Goethe interpretował sztukę jako „naśladowanie” natury. W rzeczywistości sformułował ideę „Typyfikacji”. Aby określić jakąkolwiek siłę twórczą, Goethe wprowadził pojęcie „demonicznego”. Główne prace I. Goethego: „Prosta imitacja natury. Sposób. Styl”, „Doktryna światła”.
Immanuel Kant (1724 - 1804) - twórca niemieckiej filozofii klasycznej. Głównym dziełem I. Kanta dotyczącym problemów estetyki jest „Krytyka zdolności sądzenia”. Dla I. Kanta zasada estetyki okazuje się fundamentalną formą a priori (określającą konstytucję świadomości przed jakimkolwiek doświadczeniem empirycznym) - formą niezainteresowanego sądu smaku, który jest uniwersalny w swoim zastosowaniu. Osąd smaku związany jest ze zdolnością odczuwania przyjemności lub niezadowolenia w oparciu o zasadę „celowości bez celu”, której pochodnymi są praktyczna celowość działania woli ludzkiej i legalność działania umysł. Główne kategorie estetyki Kanta to celowość (harmonijne połączenie części i całości), piękno i wzniosłość. Kant rozwiał racjonalistyczne i utylitarne wyobrażenia o pięknie, sprowadzając poczucie piękna do „bezinteresownej” przyjemności, jaką dostarcza kontemplacja estetycznej formy. Jednocześnie główną zaletą dzieła sztuki, według I. Kanta, jest nie tyle jego żywotna treść, ile doskonała forma, odwołująca się do eksperymentalnych możliwości estetycznych człowieka. Istota wzniosłości, według Kanta, jest sprzeczna ze zwykłym środkiem. Ocena wzniosłości wymaga rozwiniętej wyobraźni i wysokiej moralności. Do percepcji sztuki potrzebny jest smak, do tworzenia - geniusz - wyjątkowa osobowość obdarzona wysokim stopniem twórczej wyobraźni.
Georg Hegel (1770 - 1831) - wybitny przedstawiciel niemieckiej filozofii klasycznej, którego poglądy kształtowały się pod wpływem charakterystycznego dla Oświecenia racjonalizmu. Jednak G. Hegel w swoim prawdziwie uniwersalnym systemie filozoficznym przezwyciężył ramy idei oświeceniowych. W kształtowaniu swojej oryginalnej metodologii wpływy miały także motywy wczesnoromantyczne, widoczne w koncepcjach filozofów niemieckich z początku XIX wieku. I. Fichtego i F. Schellinga. G. Hegel udoskonalił metodę racjonalnej refleksji, zdolnej do zrozumienia sprzeczności bytu i świadomości, integrując w sobie zarówno ściśle racjonalno-logiczne, jak i specyficznie estetyczne, a nawet mistyczne modele ruchu myśli, które według Hegla pasują w szersze współrzędne logiki dialektycznej, zamieniając się tym samym w modalności umysłu. G. Hegel jest twórcą systemu obiektywnego idealizmu opartego na metodzie dialektyki.
We wczesnym okresie twórczości G. Hegel uważał, że najwyższym aktem rozumu, obejmującym wszystkie idee, jest akt estetyczny, a prawdę i dobro łączą więzi rodzinne tylko w pięknie. Później pojawia się estetyka G. Hegla jako filozofia sztuki. Sztuka zajmuje podrzędny etap w historycznym rozwoju świadomości historycznej w porównaniu z filozofią jako absolutną formą samopoznania ducha.
Nowość dojrzałej estetyki G. Hegla polegała na podkreśleniu związku sztuki i piękna z działalnością człowieka oraz z rozwojem „ducha obiektywnego”, czyli kultury całego społeczeństwa. Piękno według Hegla jest zawsze ludzkie. Najbardziej ogólną kategorią estetyczną u Hegla jest piękno. Estetyka Hegla jest wpisana w historyczną zasadę rozważania materiału. Dialektyczną triadę samorozwoju sztuki tworzą jej, sukcesywnie zastępowane na przestrzeni dziejów formy: symboliczna (Starożytny Wschód), klasyczna (Antyczność) i romantyczna (Chrześcijańska Europa). W Estetyce Hegla szczegółowo rozważano formy sztuki. Wszędzie starał się uchwycić zasadę rozwoju. Główną pracą, która nakreśla koncepcję estetyczną G. Hegla, są Wykłady z estetyki.
W sztuce i estetyce klasycyzmu (XVII w.), opartej na ideach francuskiego absolutyzmu, jako centrum pojawiła się aktywna osobowość - bohater. Jego postać nie jest charakterystyczna dla tytanicznej skali, która wyróżniała bohaterów. Renesans, a także integralność charakteru i aktywne ukierunkowanie woli osiągnięcia celu, który wyznaczył bohaterów greckiej starożytności.
Zgodnie z ideami materializmu mechanistycznego epoki podzielił świat na dwie niezależne substancje – duchową i materialną, myślącą i zmysłową, bohater sztuki klasycznej jawi się jako zindywidualizowana personifikacja tych przeciwieństw i jest powołany do decydowania o priorytetach . Staje się postacią bohaterską dzięki dostarczaniu korzyści wartościom, które ucieleśniają „powszechność”, a przez „powszechność” klasycyzmu rozumiał tak dość konwencjonalne wartości, jak honor szlachty, rycerskie pobożność feudałów pan do moralnego obowiązku wobec władcy i pod. Dominacja racjonalizmu filozoficznego nie jest kierunkiem pozytywnym w sensie afirmacji idei integralności państwa pod rządami silnej osobowości. W sztuce determinował spekulacje o postaciach i konfliktach bohaterów tragedii. Badacze słusznie zauważają, że klasycyzm „wyprodukował harmonijny początek nie z głębi samej natury ludzkiej (ta humanistyczna” iluzja „została przezwyciężona), ale ze sfery społecznej, w której działał bohater”.
Metoda racjonalistyczna stała się metodologiczną podstawą estetyki klasycyzmu. Kartezjusza, w oparciu o wiedzę matematyczną. Odpowiadał on treści ideologii absolutyzmu, która dążyła do uregulowania wszystkich stron kultury i życia. Motywowana przez filozofa teoria namiętności chroniła dusze przed pobudzeniami cielesnymi wywołanymi bodźcami zewnętrznymi. Metoda racjonalistyczna wykorzystywała teorię tragedii w duchu kartezjanizmu, stosowała zasady poetyki. Arystotelesa. Tendencja ta jest wyraźnie widoczna na przykładzie tragedii najwybitniejszych dramaturgów klasycyzmu. P. Corneille'a i. J. Racine Racina.
wybitny teoretyk estetyki klasycyzmu. O. Boileau (1636-1711) w dziele „Sztuka poetycka” (1674) uczy estetycznych zasad sztuki klasycyzmu. Autorka uważa podporządkowanie obowiązków prawom racjonalnej myśli za podstawę estetyki. Nie oznacza to jednak negowania poetyckiego charakteru sztuki. Miara kunsztu dzieła zależy od stopnia prawdziwości dzieła i wiarygodności jego obrazów. Utożsamianie postrzegania piękna ze znajomością prawdy za pomocą umysłu, twórcza wyobraźnia i intuicja artysty jest również zależna od umysłu.
O. Boileau wzywa artystów do poznania natury, ale radzi poddać ją pewnemu oczyszczeniu i poprawie. Badacz przywiązywał dużą wagę do estetycznych środków wyrażania treści. Aby osiągnąć ideał w sztuce, uważał za konieczne kierowanie się ścisłymi regułami wynikającymi z pewnych uniwersalnych zasad, trzymał się idei istnienia pewnego absolutnego piękna, a co za tym idzie możliwych sposobów jego tworzenia. Głównym celem sztuki, wg. O. Boileau, - prezentacja idei racjonalnych, spowita welonem poetyckiego piękna. Celem jego percepcji jest połączenie rozsądku myśli i zmysłowej przyjemności form dotsilnis yu fortu.
Racjonalizacja form doświadczenia, w tym sztuki, znajduje również odzwierciedlenie w zróżnicowaniu gatunków sztuki, estetyka klasycyzmu dzieli się na „wysokie” i „niskie”. Autor uważa, że nie można ich mieszać, ponieważ nigdy nie przeradzają się nawzajem. Za pomocą. O. Boileau, bohaterskie czyny i szlachetne namiętności to sfera wysokich gatunków. Życie zwykłych ludzi to sfera „niskich” gatunków. Dlatego oddaję lub przypisuję dziełom. Jana Chrzciciela. Moliera rozważał ich brak bliskości teatru ludowego. A więc estetyka. O. Boileau koncentruje się na stworzeniu wymagań, które musi spełnić artysta, aby w swojej twórczości nie postrzegała piękna jako uporządkowania treści i formy, biorąc pod uwagę rozsądną celowość treści i właściwą poezję jego forma i właściwa poetyczność formy jogi.
Pewne idee estetyczne zawierają traktaty. P. Corneille poświęcony teorii dramatu. Dramatopisarz upatruje główne znaczenie tego ostatniego w „oczyszczeniu” działań teatru, podobnie jak w „katharsis” Arystotelesa. Teatr musi wyjaśnić widzom wydarzenia dzieła, aby mogli wyjść z teatru, rozwiewając wszelkie wątpliwości i sprzeczności. Cenna dla teorii estetyki jest idea smaku, uzasadniona. F La Rochefoucauld (1613 - 1680) w swojej pracy „Maxima” Autor rozważa przeciwstawne tendencje w wiedzy, wynikające z różnic między gustami a umysłem. W środku tej sfery estetycznej powtarzają się przeciwieństwa w postaci smaku: namiętne, związane z naszymi zainteresowaniami i ogólne, które kieruje nas do prawdy, choć różnica między nimi jest względna. Odcienie gustu są zróżnicowane, zmienia się wartość jego osądów. Filozof rozpoznaje istnienie dobrego smaku, wytyczającego drogę do prawdy. Mimo deklaratywnego charakteru estetycznych idei klasycyzmu, duchowy i społeczny grunt, na którym wyrosły, a mianowicie tworzenie państw narodowych o silnej wyłącznej władzy (król, cesarz) okazał się niezwykle owocny dla praktyki artystycznej. Opierając się na ideach klasycyzmu, dramaturgia, teatr, architektura, poezja, muzyka i malarstwo osiągnęły wysoki szczyt. We wszystkich tych rodzajach sztuki powstawały państwowe szkoły artystyczne, powstawały państwowe szkoły artystyczne.
1. Jakie są charakterystyczne cechy kultury muzycznej baroku? Czym różni się od muzyki renesansowej? Uzasadnij swoją odpowiedź konkretnymi przykładami. 2. Dlaczego C. Monteverdi nazywany jest pierwszym kompozytorem barokowym? Jaki był reformistyczny charakter jego pracy? Czym charakteryzuje się „Ekscytujący styl” jego muzyki? Jak ten styl znajduje odzwierciedlenie w twórczości operowej kompozytora? Co łączy twórczość muzyczną C. Monteverdiego z dziełami barokowej architektury i malarstwa? 3. Co wyróżnia twórczość muzyczną J. S. Bacha? Dlaczego zwyczajowo rozważa się to w ramach kultury muzycznej baroku? Czy kiedykolwiek słuchałeś muzyki organowej J.S. Bacha? Gdzie? Jakie są twoje wrażenia? Jakie dzieła wielkiego kompozytora są Ci szczególnie bliskie? Czemu? 4. Jakie są charakterystyczne cechy rosyjskiej muzyki barokowej? Jakie były koncerty partes z XVII - początku XVIII wieku? Dlaczego rozwój rosyjskiej muzyki barokowej wiąże się z powstaniem szkoły kompozytorskiej w Rosji? Jakie wrażenie wywiera na was duchowa muzyka chóralna M. S. Bieriezowskiego i D. S. Bortnyansky'ego?
