„Narzeczona cara” Rimskiego-Korsakowa została napisana w 1898 roku w dziesięć miesięcy, a premiera odbyła się 22 października 1899 roku w Prywatnej Operze S.I. Mamontowa. Opera została przyjęta przez współczesnych niejednoznacznie, jednak znakomicie przetrwała próbę czasu, pozostając dziś jednym z najbardziej rozchwytywanych dzieł kompozytora. Bardzo zbliżony w istocie do opery europejskiej, w sensie muzycznym zrozumiały i znany zachodnim słuchaczom, ale jednocześnie wyposażony w bogaty rosyjski smaczek i melodię – to właśnie utwór, który doskonale nadaje się do ukazania możliwości języka rosyjskiego opera dla obcokrajowców, ma swoje miejsce na wielu „wizytówkach” Teatru Bolszoj, głównej opery Moskwy.
I tu zaczyna się lista zawiedzionych oczekiwań. Spektakle, jak to jest obecnie w zwyczaju w operach, odbywają się z napisami. Kiedy opery zagraniczne są wykonywane w języku oryginalnym, stosuje się tłumaczenie rosyjskie, ale tutaj oczywiście pojawiło się tłumaczenie z rosyjskiego na angielski. Szczerze mówiąc, rosyjskie napisy nie byłyby złym pomysłem – wyraźna mniejszość śpiewaków doskonale radziła sobie z dykcją, a realistyczna koncepcja produkcji i tak wymagała dokładnego zrozumienia każdego słowa. Ale nawet nie o to tu chodzi, ale o samo słownictwo przekładu: przekładanie libretta opery, napisanej przed stuleciem o wydarzeniach historycznych starożytności, na język drugorzędnych filmów hollywoodzkich jest pomysłem niedopuszczalnym, wulgarnym . Przecież nikt nie próbuje tłumaczyć na przykład „Makbeta” Szekspira na rosyjski w słowniku serialu detektywistycznego (choć czemu nie, skoro oba są dramatami kryminalnymi o morderstwach), a wręcz przeciwnie, z jakiegoś powodu okazało się, że żeby było to możliwe...
W rzeczywistości nie jest to jeszcze największe zło, ale mimo to niepokojące. Dużo większe niebezpieczeństwo czaiło się paradoksalnie w kierunku, którego miejsce w zrekonstruowanej inscenizacji wydaje się wcale nie tak znaczące.
Ale najpierw mała dygresja. Ja, fanatycznie kochający gatunek opery, zawsze byłem zniesmaczony radykalizmem współczesnych reżyserów i wydawało mi się, że w koncepcji reżysera nie ma nic piękniejszego niż tradycjonalizm. Premiera „Narzeczonej cara” ujawniła jednak inny problem. Nie w radykalnej modernizacji jako takiej, nie w podkreślaniu ukrytej lub wymyślonej warstwy semantycznej – po tym wszystko jest jasne, cóż, taka jest opera reżyserska! W pewnym sensie to podejście stopniowo wpływało na nas jako widzów – już nigdy nie będziemy tacy sami, tylko poczekamy na wprowadzenie na scenę nowych możliwości technicznych i rozsądne „otrząsnięcie się z naftaliny”. Jednak największe zło dzieje się, gdy kaftany na mole i podwieszane do sufitów fortece są już na swoim miejscu, a widz otrzymuje oczekiwany i znajomy spektakl, tyle że od środka, w drobny sposób, skorodowany przez zupełnie niestosowny tunel czasoprzestrzenny analogii do nowoczesności.
„Narzeczona cara” w Teatrze Bolszoj. Fot. Damir Jusupow/Teatr Bolszoj
Oto na przykład koniec drugiego aktu: Car Iwan Groźny jedzie na koniu – no cóż, powiedzmy, na wielkich scenach teatralnych często tak jeździł, choć wiadomo, że publiczność, gdy tylko zwierzę się pojawiło na scenie nie obchodziło już, co ktoś tam w tej chwili wciąż śpiewa i gra. Ale tutaj wprowadzany jest mały „nowoczesny” szczegół: nie towarzyszy mu gwardzista z miotłą, jak w libretto, ale dobry pluton z szablami otwarcie wystającymi spod klasztornych szat, w które są ubrani dla kamuflażu , a drogę przed nimi przeszukują inni „pracownicy” ” Autorzy XIX wieku nawet nie marzyli o takich „środkach bezpieczeństwa” dla władcy, który postanowił potajemnie przyglądać się córkom kupieckim.
Ale wielka aria Gryaznego – męka sam na sam ze sobą? Nic podobnego, to on otwiera się przed służącą zajętą obowiązkami domowymi, a ta po skończeniu pracy spokojnie i bez pozwolenia odchodzi. Albo dziewczynki, które w starożytności były „zamknięte” przez Moskali, lekkomyślnie huśtają się na huśtawkach w przedszkolu na środku ulicy – ku uciesze dobrych ludzi. Ten sam Gryaznoj nie zostaje zabrany na karę za zbrodnię przeciwko władcy, ale szybko zostaje dźgnięty nożem tuż na scenie, pozostawiając Marfę ze zwłokami jeszcze przed zakończeniem wszystkich jej wersów. Dziewczyny Sennaya serwują do stołu, a następnie zaprzęgają się do „rosyjskiej ptasiej trojki”, która dosiada pijanego Maluty, ubrana w naszyjniki i odświętne bojarskie kokoshniki... Czy muszę kontynuować?
O kokoshnikach i strojach, a także skórach niedźwiedzich, kapeluszach bojarskich i innych rzeczach, przekształcających „realizm pasmanteryjny” w stylu Siergieja Solomki (może notabene zupełnie normalny w przypadku pierwszych inscenizacji opery sto lat temu) w upowszechnienie eksportuj dziś „żurawiny” - osobna rozmowa. Nie tylko obcokrajowcy, ale także nasi współobywatele są pewni, że rosyjski styl to kokoshnik, perły, futrzane czapki, a także kaftany i sukienki (nawiasem mówiąc, same słowa są tureckie). Podstawą tego pomysłu stały się znane na całym świecie fotografie z balu kostiumowego w Pałacu Zimowym w lutym 1903 roku, czyli we współczesnym rozumieniu „imprezy rekonstrukcyjnej”, podczas której panie i panowie towarzystwa mieli obowiązek ubierać się elegancko w dawny sposób, o którym mieli bardzo niejasne pojęcie. Dlatego oficerowie odważnie zakładali polskie szaty na wykrochmalone koszule, a panie zalotnie nakładały na przycięte i kręcone loki drogocenne kokoszniki (mimo, że historycznie jest to nakrycie głowy, które symbolicznie zakrywa włosy zamężnej kobiety na zawsze po ślubie). Bal ten był ostatnim na taką skalę w historii Rosji, dwa lata później nastąpiła pierwsza rewolucja i nie było na to czasu, choć sami jego uczestnicy w swoich wspomnieniach nazywali kostiumy nie autentycznie historycznymi, ale „operowymi”. Od tego czasu minęło ponad sto lat, a stopień badań naukowych nad historią ubioru oraz dostępnością informacji w bibliotekach i Internecie zmienił się zasadniczo. Teraz za pomocą kilku kliknięć nie jest trudno dowiedzieć się, że kokoshnik (jeśli w ogóle taki był w rodzinie, ponieważ tylko dość zamożni ludzie mogli sobie na niego pozwolić) był noszony tylko kilka razy w życiu - po na weselu i w szczególnie ważne święta oraz że przy takim kształcie i stopniu dekoracji drogimi kamieniami, jak obecnie na scenie, kokoszniki mogły nosić tylko zamężne kobiety z wyższej klasy bojarów. A jeśli w ironicznej komedii „Iwan Wasiljewicz zmienia zawód” można używać takich pomysłów, to w poważnym przedstawieniu operowym, i to nawet przy deklarowanym historyzmie, jest to wyjątkowo lekkomyślne. Powstaje bowiem pytanie, które z prawd historycznych zachowujemy z takim „realizmem”?
Możliwości są co najmniej trzy: zaprojektowanie opery w stylu epoki autora (w aktualnej premierze, częściowo odzwierciedlonej w kostiumach), sowieckiej scenografii (tutaj zrealizowanej w częściowo zachowanych i przebudowanych scenografiach dla nowego świata, dość spektakularnej) lub z wykorzystaniem prawdziwa historia Rosji? A widz, który nie przejmuje się szczegółami, wychodzi ze spektaklu z pełnym przekonaniem, że to właśnie ona została mu pokazana! Co gorsza, reżyser z dużo większą łatwością niż w modernistycznej produkcji potrafi wrzucić w pseudohistoryczny obraz dowolną mitologię, dowolne, przypadkowe skojarzenia dotyczące interpretacji naszej historii – a one szczęśliwie zostaną „pochłonięte”, niepostrzeżenie, na poziomie podświadomości. Jest to nie tylko łatwiejsze niż dokładne przemyślenie, jak ludzie wtedy żyli, jak się poruszali, jak się zachowywali, ale daje też pole do manipulacji!
Wróćmy jednak do opery, nie wszyscy, jak królewska panna młoda, pozostają za fałszywą, złoconą klatką scenicznych decyzji. Obecność czcigodnego dyrygenta Giennadija Rozhdestvensky'ego zapewniła występowi wystarczająco konwencjonalne podejście do naszej wielkiej opery, jej akcentów muzycznych, a także, w miarę możliwości w premierze, minimalizację wad orkiestrowych. To chyba wszystko. Chórowi niestety nie udało się doprowadzić go do tego samego poziomu gotowości – w grupie tenorowej i sopranowej panowała raczej niedoceniona, wręcz niedostateczna intonacja oraz ogólna otępienie i zakurzenie brzmienia.
Marfa – Olga Kulchinskaya. Łykow – Roman Szulakow. Fot. Damir Jusupow/Teatr Bolszoj
Wokaliści, ogólnie rzecz biorąc, pozostawili po sobie umiarkowanie dobre wrażenie. Listę pochwał należy zdecydowanie zacząć od Marata Gali (Bomeliy) – to błyskotliwego, charakterystycznego tenora, o doskonałej dykcji, o latającym i wyrazistym brzmieniu. Koncepcja reżysera widziała w królewskim lekarzu prawdziwego średniowiecznego europejskiego czarnoksiężnika – więc dla Galii i aktorstwa nie stanowiło to problemu, okazał się kolorowym, kulawym starcem, diabelnie przebiegłym i nieustępliwym.
Na scenie pojawił się oczywiście także nasz wybitny bas Władimir Matorin (Sobakin), który w swojej wieloletniej karierze przekroczył już równik optymalnej formy wokalnej, ale nadal utrzymuje kondycję do wykonywania rosyjskich oper. Jego bas jest nadal dźwięczny, jakby specjalnie stworzony przez naturę, aby wypełnić historyczną salę Teatru Bolszoj. Choć głos był już nieco nieostry, artysta zagrał to poprawnie, czyniąc ze swojego bohatera nie „szlachetnego ojca”, ale raczej charakterystyczną postać rosyjską, niezwykle szczerą zarówno w miłości do święta, jak i w palącym ojcowskim smutku.
Dla sopranistki Olgi Kulchinskiej (Marfa) pomimo wszystkich pytań o grę aktorską (no cóż, nie jest dobrze, gdy skromna i niezbyt zdrowa córka kupca do ostatniej chwili sportowo biegnie po scenie i rzuca zupełnie nowoczesnymi gestami), powinniśmy uznać sukces wokalny. Kompozytor zaszczycił tytułową bohaterkę niezwykłym zadaniem, powierzając jej kilka tematów głównych i dwie duże, podobne materiałowo arie. Ale Kulchinskaya zdołała pozostać główną na scenie i nie zamieniła opery w „Grigorija Gryaznoja” (jak to najczęściej bywa) ani nawet „Wasilija Sobakina” (choć Matorin, co prawda, był już bardzo bliski naciągnięcia koca na siebie). Jej głos jest miękki, w żadnym wypadku nie szklisty-koloraturowy, ale raczej liryczny, wystarczająco jasny na scenę Bolszoj, z dobrą szkołą i jeszcze w ogóle nie paplany, świeży i przyjemny. A wokalistka wykorzystuje to bardzo mądrze, bez przesady, ale ekspresyjnie, na swój sposób bardzo europejsko. Od tego oczywiście końcowa scena ostatecznie przekształciła się w „szaleństwo Łucji z Lammermooru”, dość aktywne, a nie ofiarnie bierne - interpretacja piosenkarza podkreśliła jedynie muzyczne podobieństwo dwóch wielkich scen zaplanowanych przez kompozytora.
Alexander Kasyanov (Gryaznoy) oddał mistrzostwo bez walki. Rola niespokojnego gwardzisty carskiego jest prawdopodobnie znana piosenkarzowi, od dawna się go nie uczyła i nawet premierowe podekscytowanie w głównym teatrze kraju tego nie zepsuło. Ale nie odnieśliśmy żadnego szczególnego wrażenia, prawdziwa tragedia – pracował nad rolą sumiennie, najlepiej jak potrafił, zamiast ją przeżyć. To samo można powiedzieć o twórczości Iriny Udalovej (Saburova) i Eleny Novak (Dunyasha) – wszystko zrobiły standardowo, niczego nie popsuły, nie ujawniły żadnych rewelacji, ale w przeciwieństwie do Gryaznoya nie było to wymagane w ich małe role.
Najbardziej kontrowersyjny wynik pokazała Agunda Kulaeva (Lyubasha). Już w chwili wejścia na scenę jej pierwsze zdanie wywołało dreszcz na widowni – na wskroś szlachetne, głębokie, niemal kontraltowe brzmienie, tragiczna barwa. Ale potem ciarki po plecach, mimo że jej tekst muzyczny jest najbardziej błogosławiony i różnorodny, już nie pojawiały się. Skala sceny i sali zmusiła wokalistę w pogoni za dźwięcznością do przesunięcia górnych nut w sposób czysto perkusyjny, a dolne jakoś zmatowiały wskutek nadmiernego uszlachetnienia. Nie żeby wyglądało to źle – wręcz przeciwnie, śpiewała lepiej niż niejeden. Znając możliwości tej wokalistki, mam o niej odmienne zdanie – chciałam więcej i wierzymy, że to naprawdę z czasem się ujawni. Ale najważniejsze jest to, że ona wraz z Kulchinską nie wpadła w osobliwą pułapkę stylistyczną tego dzieła - partie Marfy i Lyubaszy są napisane w bliskim zakresie z różnicą zaledwie półtora tonu, a dźwięk powinno być bardzo kontrastowe - i naprawdę to czuli!
Partia Łykowa z Romana Szułakowa wymaga poważniejszego przygotowania - z jakiegoś powodu piosenkarz widział w niej włoskiego miłośnika bohaterów, a nie zamyślonego lirycznie „prozachodniego liberała” z czasów Iwana Groźnego. Shulakov starał się śpiewać jasno, ekspresyjnie, czasami zaniedbywał konsekwentne wykonywanie roli na rzecz przesadnej wokalizacji, zakłócało to intonację i nie było potrzeby mówić o jakiejkolwiek swobodzie i prawdziwym locie dźwięku.
Cóż, szczerze mówiąc, Oleg Tsybulko (Malyuta) nie spisał się najlepiej - dla dość młodego i „włoskiego kształtu”, a nie rosyjskiego basu, może być za wcześnie, aby go zaśpiewać, a gra na nim nie ma zbliżonej tekstury. Wysoki piosenkarz, przedstawiający pijacką zabawę w kostiumie Malyuty, wydawał się niezwykle spięty i napięty - jak wesoły mistrz życia, ale zamiast radości i śmiałości z jakiegoś powodu w jego wyglądzie była tylko udręka i sztywność.
Jeśli chodzi o prognozy dotyczące przyszłości tego występu: wierzymy, że prawie na pewno nastąpi wiele nowych prezentacji rosyjskich solistów, być może innych sił dyrygenckich, możliwe jest także odrzucenie niektórych niepotrzebnych ruchów artystów na scenie scenie w ramach koncepcji reżyserskiej. Ale najważniejsze, że mamy taką operę i śpiewa się ją w Bolszoj.
Fot. Damir Jusupow / Teatr Bolszoj
Zakończyłem sezon teatralny jako widz w Teatrze Bolszoj, tak jak dobry gospodarz zostawia na koniec uczty najdroższe wino. Bilety kupiłam przez internet z dwumiesięcznym wyprzedzeniem i nie mogłam się doczekać tego dnia.
Chciałem iść do opery i wybrałem Carską narzeczoną Rimskiego-Korsakowa. I oczywiście chciałem zobaczyć Scenę Historyczną po rekonstrukcji.
Godzina przed rozpoczęciem spektaklu to za mało, aby w pełni zwiedzić teatr, dlatego jest on tak duży.
Teatr ma 7 pięter w górę i 3 piętra w dół – w sumie 10 pięter! 10 pięter eleganckiego stylu klasycznego z udogodnieniami nowoczesnego komfortu i technologii.
Ucieszyło mnie, że podczas przebudowy projektanci nie bali się poświęcić niektórych przestarzałych konstrukcji i wyposażyli teatr w windy, trzy bufety i toalety na wszystkich poziomach.
Cóż, historyczne wnętrza są wspaniałe.
Centralny biały foyer, dwie luksusowe czerwone sale z sofami, lustrami i wazonami, marmurowe schody i wejścia do sali zachowały cesarski gust artystyczny XIX wieku.
Każde piętro jest wyjątkowe i ma swoją własną kolorystykę.
Główny bufet znajduje się na 7. piętrze, zajmuje całą swoją przestrzeń i został zaprojektowany zgodnie z nowoczesnymi zasadami projektowania. Tutaj możesz usiąść w przytulnych zakątkach na kanapach lub możesz stać przy stołach przy blacie. Ceny w bufecie też są wysokie, ale jak to mówią: tu nie wypada się targować.
Widownia Teatru Bolszoj to świat wyjątkowy.
Każda loża ma dwie strefy: zamykany aksamitnymi zasłonami pokój z sofą i lustrem oraz samą lożę z siedziskami.
Moja skrzynka nr 2 na antresoli „wisi” tuż nad orkiestronem. Widziałem wszystkich muzyków i dyrygenta.
Obserwowanie, jak tworzą muzykę, jest również bardzo interesujące. Oświetleni jedynie iluminacją pulpitów nutowych muzycy instrumentów dętych podczas przerw w swoich partiach potrafią czyścić klarnety, oboje i fagoty specjalną chustą, przeciągając ją przez rurę. Skrzypkowie odkładają swoje smyczki na półkę pulpitu nutowego. Cała uwaga muzyków, nawet w chwilach odpoczynku, skupiona jest na ruchach dyrygenta, a oni są gotowi dołączyć do muzycznej fali.
Na scenie teatru najwyższej rangi scenografia musi być przekonująca aż do materialnej rzeczywistości. Opera „Narzeczona cara” wpisuje się w zakres twórczości artystów scenicznych.
Ta edycja spektaklu oparta jest na scenerii Fiodora Fiodorowskiego, którego wystawa odbywa się obecnie w Galerii Trietiakowskiej na Krymskiej Walii, poświęcona 130-leciu artysty. Z kolei pojawiła się dębowa rezydencja kupiecka z ogromnym piecem kaflowym, z kolorowymi oknami, królewskimi czerwonymi komnatami, całą ulicą Aleksandrowską Słobodą, po której dwukrotnie jechał prawdziwy żywy koń - niesamowicie wysoki, piękny koń arystokratycznej rasy koni na scenie. Sam Iwan Groźny jechał na koniu, złowieszcza postać wisząca nad losami głównych bohaterów tej smutnej historii. Król wykonał swoją najcięższą pracę: trzy zgony i jedna wariatka – tak kończy się opera. Proste ludzkie szczęście nie może przebić się w tym okrutnym świecie przemocy i oszczerstw. Miłość na scenie nie trwała długo. Ale w tym krótkim czasie przeznaczonym na libretto kompozytor uchwycił całą namiętność, radość i rozpacz miłości. Niepokój o subtelne uczucia i krótkie chwile słodkiej nadziei Rimski-Korsakow osadza w muzyce i głosach.
Kolejną szczególną przyjemnością są kostiumy wykonawców. Sukienki damskie, kaftany męskie wykonane z malowanych tkanin wzorzystych, kokoshniki z perłami o różnorodnych kształtach i stylach.
Na tle strasznych czasów piękno rosyjskiego stroju zachwyca i zadziwia doskonałym gustem artystycznym. Dla zagranicznych widzów opera „Narzeczona cara” jest okazją do zobaczenia samej istoty kultury rosyjskiej w jej najbardziej jaskrawym przejawie. Ale były też poważne momenty, które warto było dostrzec. Ciekawe, jak liczni widzowie zagraniczni postrzegają scenę biesiady gwardzistów w osadzie.
Ta scena uderzyła mnie swoim historycznym okrucieństwem, kiedy oddział gwardzistów w czarnych płaszczach z kapturami dręczył męża na oczach jego żony i wieszał zwłoki ogromnego wilka na huśtawce. Horror z bronią!
Ale potem zamknęła się złota kurtyna.
Widzowie mają także możliwość powolnego rozproszenia się i zrobienia sobie zdjęć na pamiątkę.
Po wyjściu z teatru wita Cię ciepły moskiewski wieczór.
Fontanna na Placu Teatralnym jest pełna ludzi. Piękna, spokojna Moskwa.
Dobrze, że jest świetna muzyka, wspaniały teatr, wspaniali artyści operowi. Niech to żyje wiecznie. Żeby w naszym życiu nie było tematów do tragicznych czynów. Niech piękno zbawi świat.
Carska narzeczona to jedna z najpopularniejszych oper Rimskiego-Korsakowa, napisana pod koniec XIX wieku, a dziś aktualna i popularna. Fabuła opiera się na miłości. Córka nowogrodzkiego kupca Marfa zakochuje się w bojarze Iwanie Łykowie i zostaje z nim zaręczona. Ale Grigorij Gryaznow jest w niej zakochany. Aby w jakiś sposób odciągnąć dziewczynę od Łykowa i zwrócić na siebie uwagę, postanawia podać Marfie do wypicia eliksir wiedźmy. Ale wynik tego pomysłu jest smutny, Marta pije truciznę. Opera kończy się pożegnaniem Grigorija Gryaznoja z dziewczyną i podjęciem decyzji o zemście na wszystkich sprawcach.
Fabuła opery „Narzeczona cara” jest niezwykle fascynująca. Znakomite wykonanie wszystkich arii, wyjątkowa treść muzyczna, doskonale zagrane role... A wszystko to dopełniają pięknie wykonane antyczne dekoracje i świetnie zaprojektowane kostiumy, nawiązujące do swojej epoki. Mimo że opera ma stuletnią historię, jej popularność trwa do dziś. Bliskość ujawnianych wątków miłości, zdrady i oszustwa pozwala cieszyć się oglądaniem tej produkcji. A jeśli chcesz miło spędzić czas to polecamy kupić bilety za operę „Narzeczona cara” wystawianą w Teatrze Bolszoj.
Opera „Narzeczona cara” zostanie wystawiona w Teatrze Bolszoj.
Nikołaj Rimski-Korsakow
Scenografka - Alona Pikalova na podstawie scenografii Fiodora Fedorowskiego (1955)
Główny chórmistrz – Walery Borisow
Premiera odbyła się w 1899 roku w Moskwie w prywatnej operze Savvy Mamontowa. Publiczność przyjęła „niezaawansowaną” operę z hukiem. I do dziś „Narzeczona cara” to jedna z najbardziej lubianych i najczęściej wystawianych oper w rosyjskim repertuarze. A jej wspaniałe „kompletne numery muzyczne” są niezmiennie wykonywane na koncertach. Po raz pierwszy wystawiono go w Teatrze Bolszoj w 1916 roku. Już w pierwszym przedstawieniu na scenie pojawiła się wielka Marfa – Antonina Nezhdanova i wielka Lyubasha – Nadieżda Obukhova, wówczas dopiero początkująca solistka Bolszoj. A później w tej produkcji zabłysnęli najsłynniejsi artyści. W 1955 roku, w drugim roku służby, produkcją „Narzeczonej cara” zajął się dwudziestosiedmioletni Jewgienij Swietłanow. Dziesięć lat wcześniej odłożono na półkę drugi odcinek filmu Siergieja Eisensteina „Iwan Groźny”: Stalinowi nie podobał się złowieszczy obraz krwawego cara-dyktatora. Ale w 1955 roku Stalina już nie było i wyraźnie czuć było oddech zbliżającej się „odwilży”. I coś w rodzaju tego, co Eisenstein ucieleśniał na ekranie dzięki pałce Swietłanowa, a następnie zabrzmiało w muzyce Rimskiego-Korsakowa: historia „ożyła” i skrzyżowała się z nowoczesnością w najbardziej bolesnym momencie. To przedstawienie z kolei było niezwykłe: zgodnie z początkowo ustaloną tradycją historyzm został w tej operze podkreślony za pomocą innych środków wyrazu. Realizm i historyczna prawdziwość życia codziennego – takie było jego niepisane hasło.
Po raz kolejny „Narzeczona cara” została wystawiona w Bolszoj w 1966 roku. Trzecia produkcja, zawierająca historycznie wierne dekoracje Fiodora Fiodorowskiego, zadziwiające wspaniałością, to klasyczny przykład tzw. „wielkiego stylu”.
W 2014 roku Julia Pevzner zaproponowała swoją reżyserską wersję Carskiej narzeczonej.
22 października (3 listopada, nowy styl) 1916 roku w prywatnej operze Savvy Morozowa zaprezentowano jedną z najwspanialszych oper rosyjskich – „Narzeczoną carską” Mikołaja Rimskiego-Korsakowa w ramach dramatu Lwa Meya pod tym samym tytułem, który opowiada o losach Marfy Sobakiny, trzeciej żony Iwana Groźnego, która zmarła nagle wkrótce po ślubie.
W ciągu 118 lat od premiery opera doczekała się wielu różnych inscenizacji. Na samej scenie Teatru Bolszoj opera była wystawiana 7 razy w ciągu stulecia od 1916 roku do chwili obecnej.
Premiera: Opera dla diwy
W pierwszym przedstawieniu Narzeczonej cara, który miał miejsce rok po ukończeniu dzieła, znakomicie zaprezentowała się sopranistka Nadieżda Zabela-Vrubel, żona i inspiracja rosyjskiego artysty Michaiła Wrubela. To ona została uchwycona przez artystę na jego słynnym płótnie „Księżniczka łabędzi”.
Sam Vrubel brał także udział w produkcji „Narzeczonej cara” – pełnił funkcję scenografa i projektanta kostiumów. Występ okazał się ogromnym sukcesem, stając się prawdziwym triumfem kompozytora.
Nadieżdę Zabelę-Wrubel i Nikołaja Rimskiego-Korsakowa łączyły silne więzi twórcze.
Śpiewaczka była główną wykonawczynią głównych ról kobiecych w operach kompozytora, począwszy od pierwszej opery kompozytora „Kobieta Pskowa” aż do początków XX wieku, kiedy w 1902 roku wystąpiła jako Księżniczka Łabędzi w „Opowieści”. cara Saltana”.
„Narzeczona cara” w Teatrze Bolszoj
Teatr Bolszoj zaczął wystawiać arcydzieło Rimskiego-Korsakowa dopiero w 1916 roku. „Narzeczona cara” została wystawiona ze scenografią i kostiumami autorstwa Konstantina Korovina, a w roli głównej wystąpiła wielka Antonina Nieżdanowa.
Do sukcesu spektaklu przyczyniły się umiejętności rosyjskiego barytona Leonida Sawrańskiego, którego krytycy uznali za jednego z najlepszych wykonawców roli Gryaznoja.
Pierwsza radziecka produkcja opery w 1931 roku odznaczała się włączeniem aspirującej solistki teatru Nadieżdy Obuchowej do tandemu Nieżdanow-Sawranskiego, w którego repertuarze rola Lubaszy była jedną z najbardziej uderzających i zapadających w pamięć.
Wznowienie przedstawienia w nowej obsadzie artystycznej nastąpiło już w 1937 roku. Scenografię i kostiumy do opery stworzono według szkiców Borysa Kustodiewa.
Z okazji 100. rocznicy urodzin kompozytora w 1944 r. w Teatrze Bolszoj Borys Pokrowski wystawił „Carską narzeczoną”. Było to pierwsze samodzielne dzieło wielkiego reżysera. Droga twórcza innego wielkiego mistrza kultury rosyjskiej, Jewgienija Swietłanowa, rozpoczęła się także od arcydzieła Rimskiego-Korsakowa (wystawionego w 1955 r.).
W 1966 roku w Teatrze Bolszoj odbyła się premiera Carskiej narzeczonej z efektowną scenografią i kostiumami Fiodora Fedorowskiego, podkreślającymi świetność minionej epoki.
Wznowienie „Narzeczonej carskiej” w 2014 roku przez reżyserkę Julię Pevzner i reżysera Giennadija Rozhdestvensky’ego opierało się na ustaleniach scenograficznych Fedorowskiego i generalnie miało na celu odtworzenie na historycznej scenie Teatru Bolszoj atmosfery wielkiej rosyjskiej opery z pięknymi głosów, bogactwo kostiumów i scenografii oraz tradycyjne rozwiązania scenograficzne.
Gościnny dyrygent Teatru Bolszoj Dmitrij Kryukow, który bierze udział w wykonaniu opery, podzielił się swoimi wrażeniami z najnowszej produkcji Carskiej Oblubienicy w Teatrze Bolszoj:
„W naszych czasach, gdy dzieła klasyczne są wszędzie wywracane na lewą stronę, przychodząc do teatru, słuchając najwyższej szlachty rosyjskiego szlachcica lub budząc się w muzyce majestatycznej rosyjskiej natury, na scenie widzowie widzą sportową klub, biuro czy stacja benzynowa, „Narzeczona cara” w Bolszoj – prawdziwa gratka dla widzów!
Monumentalne dekoracje wielkiego artysty Fiodorowskiego, oryginalnie skrojone rosyjskie stroje narodowe i co najważniejsze bohaterowie, którzy nie bawią się na imprezie, ale w ścisłej zgodzie z wielką muzyką ujawniają charaktery, uczucia, rytuały i tradycje Rusi – to wszystko czeka na tych, którzy będą mieli szczęście odwiedzić tę znakomitą produkcję.
Wielka sztuka jest jak natura, jest nieśmiertelna, nie trzeba jej przerabiać, każdy znajdzie w niej prostotę, szczerość i filozoficzne refleksje oraz odpowiedzi na nurtujące nas wszystkich pytania.”
Spektakle opery „Narzeczona cara” w Teatrze Bolszoj odbędą się 21, 22 i 23 listopada 2017 r.
