Praca artysty Mitrokhina. Rosyjscy artyści. Mitrochin Dmitrij Isidorovich. Stowarzyszenia artystyczne, w których członkiem był D. I. Mitrokhin

Okazjonalnie nabywszy drukarnię, przeszedł na emeryturę i poświęcił się dla niego nowemu hobby. N. S. Chaga miał bardzo duży wpływ na artystę, w jego warsztacie D. I. Mitrokhin, we wczesnym dzieciństwie, zapoznał się ze sztuką drukarską, co zaowocowało pasją do książek i czytania, co w konsekwencji w naturalny sposób wpłynęło na jego wielką erudycję. Umiejętność łatwego nawiązywania komunikacji, bez napięcia do prowadzenia rozmowy na niemal każdy temat, łatwego wchodzenia w bardzo wymagające społeczeństwo kulturalne obu stolic, Dmitrij Mitrokhin zawdzięcza oczywiście Naumowi Chadze, jego warsztatowi, dostępności różnorodnej literatury - wreszcie ta bardzo zaraźliwa pasja do druku we wszystkich jego przejawach.

W MUZhVZ nauczycielami D. I. Mitrokhina byli A. M. Vasnetsov („klasa krajobrazowa”) i A. S. Stepanov (rysunek zwierząt), których według niego zajęcia - wraz z rysunkiem i akwarelą - w szkolnej bibliotece , przyciągnęły go bardziej niż nauka w klasie . Ale „musiał sam zostać działem graficznym: w końcu w Rosji nie było takich działów, nie było„ działów książki „”. Artysta z wdzięcznością wspomina kustosza Rumiancewa S. P. Szczurowa „milczące i ponure, ale chętnie otwierające foldery z rycinami dawnych artystów włoskich i niemieckich”. Dużo i ciągle działa z natury.

Wraz z przeniesieniem D. I. Mitrokhina do szkoły Stroganowa zaczął uczyć się pod kierunkiem S. I. Yaguzhinsky'ego (akwarela) i S. V. Noakovsky'ego (rysunek). Znajomość z V. D. Zamirailo w końcu skłania go do konieczności wybrania ścieżki wykresu.

kreacja

DI Mitrochin. W starym Petersburgu. 1910. Akwarela

Dmitrij Isidorovich Mitrochin, który żył długim twórczym życiem, miał szczęście studiować, współpracować, być w bliskich związkach, być w stowarzyszeniach i stowarzyszeniach z wieloma artystami, wśród których byli tacy, których ślad na sztuce XX wieku jest porównywalny z wpływ na bieg historii najważniejszych odkryć epoki. W pierwszych wierszach notatek autobiograficznych artysty znajdują się nazwiska M. F. Larionowa, N. S. Gonczarowej i A. V. Fonvizina, którzy studiowali obok siebie i przyjaźnili się z nim - S. T. Konenkov i S. V. Malyutin, z którymi pracował w artelu ceramicznym Murava .

W Paryżu Dmitry Mitrokhin, pomimo ciasnych okoliczności i stałego zatrudnienia („życie towarzyskie nie było dla mnie”), dość dużo komunikuje. Prawie siedemdziesiąt lat później wspominał swoje wizyty w salonie E. Kruglikovej, który, podobnie jak jej paryski warsztat, przekształcił się w rodzaj rosyjskiego centrum kulturalnego, w którym gromadziło się „wyższe społeczeństwo”, „ale dla wszystkich obecnych sztuka była najważniejsze ”- o wizytach u Maksymiliana Wołoszyna, w którego domu, według artysty, czuł się „bardziej swobodnie”, gdzie również wpadło wielu rodaków, którzy obnosili się z Lutetią i gdzie kiedyś spotkał się z Konstantinem Balmontem (poznali krótko 1904), „który przywiózł swoją córkę, dziewczynkę, w czerwonym płaszczu” - oto wspomnienie 90-letniego artysty! I te wspomnienia wypełniają żywe treści, widoczne obrazy szkiców, kiedy opowiada o bezpośrednim celu swojego pobytu w ówczesnej stolicy sztuki.

D. Mitrochin. Alicja Bruschetti. 1909. Atrament

Mówiąc o swoich paryskich czasach, nieprzypadkowo i nie bez cienia dumy, zauważa, że ​​plakaty Toulouse-Lautreca wciąż wisiały na ulicach francuskiej stolicy – ​​mówi sam D. I. Mitrochin, który miał na niego silny wpływ , - a także , i na Paula Klee, z którego wpływem pierwszy od pewnego czasu był fantazyjnie połączony w linii twórczości artysty, z czego był świadomy, a także wpływu, na pewnych etapach, jego wielkiego zainteresowania w sztuce Henri Matisse'a i Paula Cezanne'a, Constantina Gisa.

W różnych okresach pojmowania dróg ekspresji i mistrzostwa zainteresowanie to koncentrowało się na ich różnych przejawach i z różną miarą ich wpływu na światopogląd artysty, czasem efemeryczny i niemal oportunistyczny, a więc łatwo i bezboleśnie przezwyciężony, np. salonowe, beardsley, nowoczesne trendy – wymagające dłuższej „neutralizacji”, czysto dekoracyjne, stylizowane ornamenty, popularne motywy nadruków i pięt; lub przeciwnie, w postaci głębokiego, esencjalnego zrozumienia, które urzeczywistniało się w systemie poglądów artysty, - grawerunek zachodnioeuropejski i japoński, - na fundamentalnych zasadach, które nie ograniczały się do zrozumienia technologii - grawerowanie w ogóle, sucha igła , światłocień, w szczególności litografia. „Ale po przejściu przez te hobby”, piszczy M. V. Alpatov, „powrócił do takich wartości sztuki, które przekraczają granice czasu i przestrzeni i istnieją wszędzie”.

Znamienne, że w pierwszych słowach o początkach swojej praktyki artysta wspomina bibliotekę szkoły, „o ogromnym i ekscytującym szczęściu”, która „dała kolekcję rycin Muzeum Rumiancewa” .

Zresztą w nie mniejszym stopniu na opanowanie środków autoekspresji pod względem technicznym niż kontakt z wytworem druku – książką (pod względem rozwoju intelektualnego – znajomości grafiki) wpłynęła znajomość artysty z procesem druku, w tym manualnym, który znałem dogłębnie z pracowni dziadka od dzieciństwa – „Kompozytorzy byli moimi przyjaciółmi. Układ słów, okleina, przestrzeń, litera, rozmiar, frazes, korekta są znane od dzieciństwa.

grafika książkowa

Dmitrij Mitrokhin swoje pierwsze eksperymenty z grafiką książkową zawdzięcza nauczycielowi akwareli Stroganowa S. I. Yaguzhinsky'emu, który w 1904 r. Zaoferował mu „małą pracę dla wydawnictw” i który to docenił - Walerijowi Bryusowowi, wówczas - redaktorowi naczelnemu Skorpion. Po powrocie w 1908 r. z Paryża, gdzie znajomość z S.P. Jaremichem wiele mu dała, a ten z kolei przedstawił artystę E.S. warsztat, którego Dmitrij Mitrokhin mieszkał w trudnych czasach, przenosi się do Petersburga i już zaczyna systematyczną pracę jako ilustrator książek, co szybko przynosi mu sławę, a ułatwiła mu znajomość z artystami Świata Sztuki. Na początkowym etapie na pomyślny rozwój dzieła D. I. Mitrokhina jako artysty książki, ilustratora czasopism, oczywiście wpłynęła również pomoc E. E. Lansere, który wysłał do niego wydawców („narysowałem z nim modele , Zaprosił ich do swojego obrazu w holu biblioteki Akademii Sztuk ... Pierwsze lata mojego życia w Petersburgu bardzo rozjaśniła uwaga Jewgienija Jewgienija Lansere ”.- D. ​​Mitrochin. Notatki autobiograficzne ( 1973)). W tym samym czasie zaczął grawerować na linoleum (z V. D. Falileevem), „Grawerował kompozycje kolorystyczne, drukowane nie farbami olejnymi, ale akwarelami - po japońsku”. Współpracuje z wieloma wydawnictwami książkowymi: „I. N. Knebel”, „Golike i Vilborg”, „Oświecenie”, „Pechatnik”, „M. i S. Sabashnikovs” (dla nich D. I. Mitrokhin opracował markę wydawniczą), „Apollo”, „M. V. Popov ”i wielu innych. itd. Kontynuuje badania zbiorów rycin w bibliotece Akademii Sztuk Pięknych i Ermitażu. Dużo pracuje nad ilustracjami książek dla dzieci, wygaszaczami ekranu czasopism, półtytułami, liśćmi much itp. Rzadki w pięknie i dźwięcznej ekspresji, ścigany występ - „County” E. Zamiatina (1916; wydawnictwo M. V. Popova), „ Rosyjskie baśnie o dziadku Piotrze” Arthura Ransome (1916; Londyn i Edynburg) i wielu innych. inni

Niezwykle ważny fakt, który mówi przede wszystkim o tym, jaki jest Dmitrij Mitrochin jako artysta książki, choć był to duży, ale daleki od głównej sceny w jego twórczości - zawsze pracujący nad projektem konkretnej publikacji , przy całej różnorodności technik graficznych, ku którym się zwrócił artysta, kierował się jedną zasadą dla wszystkich elementów książki - począwszy od okładki, wyklejek, a skończywszy na czcionce, wystroju - wszystkie one podlegają wspólności stylistycznej.

• - ilustruje książki dla dzieci wydane przez I. Knebela (do).
• - pracuje nad okładkami serii dla wydawnictwa M. i S. Sabashnikovów.
• - współpraca w pismach „Satyricon” (do 1914) i „Nowy Satyricon” (do 1914); - okładka „Pucharu” V. A. Żukowskiego (wydawnictwo I. N. Knebla, Moskwa); - w marcu na zaproszenie towarzystwa drezdeńskiego "Kunstverein" uczestniczy wraz z G. Yakulovem w wystawie akwareli.
• 1914 - ozdobne bordiury czasopisma „Łukomorye” (do 1917 r.).
• - - zrobił dużo okładek książek.
• - przyjęta do "Świata Sztuki"; - wykonuje projekt graficzny książki Arthura Ransome'a ​​"Rosyjskie opowieści o dziadku Piotrze" (A. Ransome "Rosyjskie opowieści starego Piotra" - Londyn); - Pod koniec roku rozpoczął pracę w dziale rycin i rysunków Muzeum Rosyjskiego (kolejne prace do druku - w spisie).
• 1917 – mobilizacja do wojska z oddelegowaniem do „Komisji Trofeów”; - we wrześniu, z powodu śmierci ojca, wyjeżdża do Jejska, gdzie zostanie do końca przyszłego roku - "dużo czasu poświęcał pisaniu z natury, dużo pracował ołówkiem i akwarelą, malował pejzaże, wnętrza, martwe natury i portrety.”

W czasach sowieckich artysta z powodzeniem opracował tę pracę, która go pochłonęła i wykonała ją z miłością, entuzjastycznie i bardzo skutecznie łącząc ją z grawerowaniem, akwafortą i litografią. Zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek i czasopism w różnych wydawnictwach - „Światła”, „Petropolis”, „Petrograd”, „Myśl”. „Surfowanie” i nie tylko. inne, w najlepszym z nich - Academia (z którą współpracował przez około sześć lat): „Siedem portretów miłosnych” A. de Regniera (1920, 1921; Piotrogród), poemat Mariny Cwietajewej „Dama carska” (1922); - wykonane w tradycyjny dla artysty sposób żarliwe rysunki piórkiem do projektu „Złotego robaka” Edgara Poe (1922), „Epsin” Bena Johnsona (1920, 1921; „Petropolis”), - ilustracje Victora Hugo (1923), Henri Barbusse, Octave Mirbo, „Komedie” Arystofanesa (1930), „Etiopczycy” Heliodora (1932) i wielu innych. itp., - autor różnych elementów zdobniczych wielu publikacji.

• 1918 - powrót pod koniec roku do Piotrogrodu; - Mianowany kierownikiem Działu Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego.
• 1919 - profesor w Wyższym Instytucie Fotografii i Fototechniki (do 1923); - prace nad okładkami dla „Biblioteki Ludowej” Wydawnictwa Państwowego; - okładki seryjne (do 1926 r.).
• 1921 - książka Vs. Voinov „Zakładki D.I. Mitrokhina” (inne publikacje dotyczące D.I. Mitrokhina znajdują się na liście).
• 1924 - profesor na wydziale poligraficznym Akademii Sztuk Pięknych (kurs grafiki książkowej - do 1934).

W latach dwudziestych D. I. Mitrokhin ponownie zetknął się z literaturą dziecięcą, zilustrował i zaprojektował kilka książek, wśród których należy wymienić wspomniany już „Złoty Bug” Edgara Allana Poe (1921-1922) oraz „Podróż do krainy kina”. " W. Szklowskiego (1926), "Alfabet październikowy" (1927). Praca nad najnowszą edycją po raz kolejny potwierdza genialne mistrzostwo artysty w sztuce pisma. Pojawienie się dwutomowej powieści satyrycznej Karla Immermanna „Munchausena” (1930-1932) sugeruje, że artysta bardzo pomysłowo podszedł do rozwiązania całej struktury tej publikacji: postacie dzieła są ostro karykaturalne, zamieniając się w osobliwe, zabawne komentarze do książki, układ kart tytułowych jest dowcipny; wiązanie, flyleaf, obwoluta - wszystko jest w harmonii. Od jesieni 1939 r. D. I. Mitrokhin pracował nad projektem księgi bajek H. K. Andersena, po otrzymaniu zamówienia od niemieckiego wydawnictwa. Jak wynika z listów artysty, już w połowie czerwca 1941 r., sądząc po nielicznych zachowanych egzemplarzach, tworzył ciekawe ilustracje - wydanie to nie było przeznaczone do ujrzenia światła dziennego...

D. Mitrochin. Ekslibris A.P. Ostroumova-Lebedeva. 1924

Opracował kilkadziesiąt marek wydawniczych, emblematów i etykiet handlowych. W dziedzinie „małych form”, którą D. I. Mitrokhin opanował w latach 1910., szczególne miejsce zajmuje znak książki. Doskonały mistrz kompozycji, doskonale zorientowany zarówno w elementach dekoracyjnych, jak i graficznych księgi, subtelnie wyczuwając jej charakter, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów (większość z nich pochodzi z lat 1919-1923) – prace te słusznie zaliczane są do najlepiej wykonanych w ten gatunek w Rosji.

Ale w okresie od końca lat 20. do połowy lat 30. artysta odchodził od grafiki książkowej, tylko okresowo i bez większego zainteresowania do niej. Po wojnie bardzo rzadko wykonuje jakąkolwiek pracę dla wydawnictw. Wyjątek można uznać za ilustrowaną i zaprojektowaną przez D. I. Mitrokhina w 1959 r. „Opowieści francuskie” (M. GIHL), a jedną z ostatnich - książkę wspomnień M. V. Niestierowa (M. „Sztuka”), zaprojektowaną przez niego w tego samego roku.

Twórczość D. I. Mitrokhina przeszła zmiany w ciągu prawie pół wieku jego aktywnej pracy w tej dziedzinie, jakby antycypując apel artysty do jedynej możliwej dla niego, ale także najbardziej uderzającej, unikalnej formy zastosowania jego talentu - rysunek, który od pewnego momentu ma stać się uniwersalnym środkiem wyrazu jego światopoglądu. Odnosi się wrażenie, że tę samą „przygotowawczą” funkcję pełniły inne rodzaje grafiki sztalugowej, jakby pomagając artyście odnaleźć ten lapidarny, zrozumiały, ale daleki od jednosylabowego języka głównych dzieł pod względem treści, pojemności, indywidualności, całkowicie niezależne pismo graficzne.

Drzeworyt. Nóż. Litografia

D. Mitrochin. Sprzedawca pędzli. 1926. Drzeworyt

D. Mitrochin. Piłkarz. 1926. Drzeworyt

Mając możliwość spojrzenia na to doświadczenie twórcze retrospektywnie, można zaobserwować właśnie taki trend w jego rozwoju: od połowy lat 30. grafika książkowa nie ma już pierwszorzędnego znaczenia w twórczości artysty, zaczyna ustępować drzeworytom, rycinom. na metalu, rysunku i akwareli. Praca z natury nigdy nie była wykluczona z liczby regularnych zajęć, ze sfery zainteresowań D. I. Mitrokhina, a on stale poszukiwał i ulepszał w tej dziedzinie, co wpłynęło na stopniową transformację znaczenia i treści rysunku: z niezbędnego zrozumienie tradycji, do której należał, "szkoły natury" - do wyrażonej samodzielnej wartości oryginalnego arkusza sztalugowego.

• 1923 - początek systematycznych studiów drzeworytniczych (do 1934).
• 1925 - pierwsza osobista wystawa (Kazań - 250 arkuszy).
• 1927 - rozpoczyna grawerowanie dłutem i igłą na metalu (do 1951).
• 1928 - zaczął studiować litografię (do 1934).
• 1935-1941 - praca nad cyklem rycin z cyklu "Pejzaże Leningradu" (strona Piotrogrodzka, Centralny Park Kultury i Wypoczynku).
• 1941 - w pierwszych dniach Wielkiej Wojny Ojczyźnianej zgłosił się na ochotnika do milicji ludowej; - 58-letni artysta pracuje dla Wydawnictwa Sztabu Generalnego, dla Instytutu Transfuzji Krwi („Historia Transfuzji Krwi” (1941-1942), - stworzył ok. 100 rysunków ołówkiem i akwarelą, w tym te poświęcone życie oblężonego miasta.
• 1942 - rankiem 1 stycznia zmarła żona artysty Alisa Yakovlevna Bruschetti; - latem pracuje z natury na ulicach oblężonego miasta i wystawia swoje rysunki; - pod koniec roku D. I. Mitrochin po pobycie w szpitalu, w stanie skrajnego wyczerpania, został ewakuowany do Ałma-Aty.
• 1943 - Członek zarządu Związku Artystów Kazachstanu i przewodniczący jego sekcji graficznej, wystawiany, zajmujący się głównie akwarelą.

D. Mitrochin. Blokada. 1941

D. I. Mitrochin zaczął angażować się w drzeworyty „prawie z ciekawości”, pod wpływem Wsiewołoda Władimirowicza Wojnowa, jednego z inicjatorów i propagandystów odrodzenia drzeworytów jako samodzielnej (nieodtwórczej) techniki sztalugowej, z którą dobrze radził sobie Dmitrij Izydorowicz zaznajomieni ze „Świata Sztuki” - i pracy muzealnej; w 1941 r. razem wstąpili do milicji, przeżyli blokadę i byli razem w Ałma-Acie. W. Wojnow wprowadził do drzeworytów także B. M. Kustodiewa, który z powodu choroby w ostatnich latach życia nie był całkowicie odizolowany od twórczości tylko dzięki rytu.

D. Mitrochin. Domy na Karpowce. 1929. Drzeworyt

D. Mitrochin. typy ulic. 1928. Drzeworyt

D. Mitrochin. Burza. 1932. Drzeworyt

D. I. Mitrokhin wykonał nieco ponad 70 rycin, ale nawet ta stosunkowo niewielka liczba prac w tej dziedzinie pozwala zaliczyć go do najlepszych krajowych mistrzów drzeworytu. Zaczynając od technik zbliżonych do „czarnej maniery”, kiedy artysta preferował białą, nieco szorstką kreskę, później dochodzi do „srebrzystej skali bogatej w półtony i różne elementy fakturowe”; obcy jest mu wszelkiego rodzaju „żebrowanie wirtuozerii” – początkowo w drzeworytach pociąga go malarska ekspresja, w tym celu czasem oświetla odbitki akwarelami – czasem ledwo zauważalnymi, czasem – korpusowymi i soczystymi. I tu można zaobserwować integralność sztuki Mitrochina, o czym świadczy dobrze prześledzony związek jego drzeworytu z rysunkiem.

W pracach z tego okresu (lata 20. - koniec lat 30. XX w.) dominują cykle pejzażowe - liczne drzeworyty i ryciny (artysta celowo nie sięgał po akwafortę, doceniając czystą, żywą linię suchej igły i noża), litografie poświęcone potem przedmieścia Leningradu - nieużytki po stronie Piotrogrodzkiej, place wysp. „Mitrokhin bez końca przywiązał się do krajobrazu tej części miasta, która była bardzo wyjątkowa w tamtych latach. To właśnie tutaj, dzięki gwałtownemu rozwojowi początku wieku, przerwanemu przez I wojnę światową i rewolucję, powstał rodzaj niezorganizowanego architektonicznie konglomeratu wielkich kamienic z pustymi ścianami ogniowymi, nieużytków z potężnymi starymi drzewami, niekończących się płotów i powstały ocalałe domy drewniane. Krajobraz, którego nie można było zobaczyć w innych częściach dawnej stolicy, urzekł Mitrochina przejmującym kontrastem miasta, które nagle zatrzymało się w swoim posuwaniu się i wyspami natury, które bohatersko mu się opierały.

Poczynając od paryskich szkiców, twórczość Dmitrija Mitrokhina niezmiennie ma temat gatunkowy. Jej korzenie sięgają stabilnej i najbogatszej tradycji, sięgającej starożytności - kontynuowana jest w średniowiecznej grafice książkowej, w miniaturach orientalnych, w rysunkach dawnych mistrzów, w renesansowych rycinach, w typach ludowych Dürera, wśród małoniderlandzkich, po rosyjsku popularne druki, wreszcie - w japońskich drukach ukiyo-e. Największą ostrość społeczną nabiera w XVIII wieku w słynnej serii rycin francuskich i angielskich „Cries of Paris” i „Cries of London”; tradycję tę rozwijają rysunki, litografie i porcelanowe figurki petersburskich typów ludowych z początku XIX wieku.

D. Mitrochin. Kwiaty w szklance. 1934. Kuter. Ruletka. Malowany nadruk

A jeśli sceny uliczne, małe postacie przechodniów, jako rodzaj „sztabu”, ożywiają prawie wszystkie krajobrazy D. I. Mitrokhina, to w jego miejskim zestawie drzeworytów z połowy lat 20. - początku lat 30., postać, „człowiek od ulicy” zajmuje centralne położenie. Prace tych cykli czasem życzliwie ironicznych, czasem wręcz groteskowych, wraz z serią litografii i rycin w większych formatach, są najbardziej zgodne z tą tradycją („Typy uliczne”, „Lodziarz”, „Piłkarz”, „Kwiatek”). sprzedawca”, „Poliester”, „Petrorayrabkoop” itp.).

Jednocześnie w latach 30. XX wieku w serii rycin końcowych D. I. Mitrochina poświęconych życiu regionu Azowskiego „malarstwo gatunkowe” zostało zastąpione motywami romantycznymi podyktowanymi zainteresowaniem artysty „akcją w jej specyficznych formach, troska o ozdobną integralność i wyrazistość drzeworytu”.

Biegłość w technikach drzeworytniczych, do której D. I. Mitrokhin doszedł w połowie lat 30., w naturalny sposób skłania artystę do przejścia na grawerowanie dłutem, co już wtedy go pociągało. Podczas gdy grawerowanie końcowe i litografia przeżyły odrodzenie od lat 20. XX wieku, grawerowanie w Rosji straciło już cechy sztuki wysokiej, mając jedynie znaczenie użytkowe; w Europie Zachodniej dopiero w latach 10-20. niektórzy mistrzowie zaczęli rozumieć grafikę o jej samodzielnej wartości, która również od dawna występowała tylko wśród rękodzieła, reprodukcji. Artysta, mający ogólne pojęcie o technice grawerowania wycinanego, nie miał wokół siebie żywych przykładów, a to właśnie zrozumienie jego możliwości rozwiązywania niezależnych zadań graficznych od pierwszych eksperymentów odwodzi mistrza od reprodukcji techniki - „rysuje” grawerem. Przy tej okazji Yu A. Rusakov słusznie zauważył: „Nie byłoby przesadą stwierdzenie, że było to nowe odkrycie grawerowania za pomocą noża”. Wzbogacając możliwości tonalne, mistrz pracuje również suchą igłą, której swobodniejsza dyscyplina linii również zbliża ją pod względem osiąganych efektów do rysunku naturalnego, rysunku piórkiem, co było jednym z zadań autora - zachowanie ich żywotność i ciepło. Nie naśladuje jednak rysunku, a jedynie stara się, dzięki temu wykorzystaniu możliwości grawerowania na metalu, nadać odbitce świeżego wrażenia, emocjonalnego charakteru.

D. Mitrochin. Burza. 1932. Sucha igła

D. Mitrochin. Latarnia (detal). 1928. Litografia

W latach 20. zwrócił się ku temu samemu tematowi: pejzaże po stronie piotrogrodzkiej, martwa natura, Jeysk, ale zostaje rozbudowana fabuła - praca nabiera większej dynamiki, w niektórych przypadkach - jakości malowniczości. W połowie lat 30. stworzył cykl wielkoformatowych grafik poświęconych Centralnemu Parkowi Kultury i Kultury - kilka panoramicznych pejzaży opartych na szkicach wykonanych z okien. Odrębną niewielką grupę prac stanowiły martwe natury rytowane przez D. I. Mitrokhina na przełomie lat 30.-40. ogólny stan tych prac jest bliski wizji, do której doszedł znacznie później.

Grawerowanie w metalu autorstwa D. I. Mitrochina to wyjątkowe zjawisko w przedwojennej sztuce radzieckiej. Prawdziwy artyzm, z jakim mistrzowi udało się ucieleśnić subtelną strukturę emocjonalną i liryzm swojej artystycznej natury, nie znalazł odpowiedzi na wsparcie tego świeżego przedsięwzięcia, a prawdziwy obszar jego twórczości naprawdę sam zajmuje miejsce wśród „największe zjawiska europejskiego grawerowania na metalu XX wieku” - zauważa artysta, historyk sztuki Yu A. Rusakov. Uznany specjalista, koneser akwaforty V. M. Zvontsov zgadza się z nim: „On był jedynym, który do naszych czasów rozwinął sztukę grawerowania. taka idea Mitrokhina została wzmocniona opowieściami o nim autorstwa artystów starszego pokolenia, moich nauczycieli (V. N. Levitsky, L. F. Ovsyannikov, G. S. Vereisky i inni ” .

Do drugiej połowy lat dwudziestych tylko dwukrotnie zwrócił się do pracy przy kamieniu. Spośród tych stworzonych przez D. I. Mitrokhina w litografii, połowa odnosi się do 1928 r. - pierwszego roku jego pełnoprawnej pracy w tej technice graficznej.

Aby zachować żywy kontakt miękkiego ołówka litograficznego z powierzchnią roboczą, zaniedbuje stos korzeniowy, co pozwala mu przenieść wcześniej wykonany rysunek – artysta pracuje bezpośrednio na kamieniu. I tu wykorzystuje całe bogactwo technik: rysuje szerokim lekkim pociągnięciem, używa pisaka, rozjaśnia ton drapiąc długimi równoległymi pociągnięciami (co jest możliwe tylko przy pracy bezpośrednio na drukowanej płaszczyźnie). Przede wszystkim wykonywał litografie sztalugowe do wydruków monochromatycznych - na jednym kamieniu, ale wydrukowano kilka litografii z 2, a nawet z 3 kamieni (1929-1931).

W jego litografiach dominuje ten sam temat, co w końcowym rycinie - ulica Leningradu, rybacki Jejsk. Najlepszy cykl to „Sześć litografii pokolorowanych przez autora” (1928). I tutaj uwaga artysty skupia się na barwnych typach ulicznych, prace te oddają nam wygląd miasta, zapach minionej epoki...

Krótka pasja do tej techniki zaowocowała dla D. I. Mitrokhina doświadczeniem w stosowaniu jej w grafice książkowej - zaprojektowano „Wybrane prace” N. S. Leskova (1931). Swoją ostatnią litografię artysta wykonał w 1934 roku - to pejzaż TsPKiO, nigdy więcej się do niego nie zwrócił.

D. Mitrochin. Transport pod moim oknem. 1948-1949. Nóż

• 1944 - przeprowadzka do Moskwy w lipcu; od tego czasu zaczął systematycznie studiować akwarelę i rysunek; okresowo powraca do grafiki książkowej (do lat 60.).
• 1946 - wznowienie grawerowania metali (do 1951).
• 1959 - rozpoczyna pracę z kredkami.
• 1967-1969 - wykonał kilka sztychów suchych.
• 1969 - przyznany tytuł Honorowego Artysty RFSRR.
• 1971 - ostatni artykuł D. I. Mitrokhina „Rysuj codziennie” („Kreatywność”, nr 4)
• 1973 - wystawy w Małej Galerii wydawnictwa „Art” (Drezno) i „Do 90-lecia i 70-lecia działalności twórczej” w Związku Artystów ZSRR w Moskwie (ponad 800 arkuszy). 7 listopada artysta zmarł.

W moskiewskim okresie twórczości D. I. Mitrokhin dwukrotnie powrócił do grawerowania na metalu - 20 odbitek z drugiej połowy lat 40. - na początku lat 50. i kilka prac pod koniec lat 60. XX wieku. Wśród tych prac jest kilka pierwszorzędnych, z których Taran (1948) - bardzo wyrazista, dynamiczna rycina - "Jabłko i Orzechy" (1969), która nawet bez sugerowanej kolorystyki sprawia wrażenie kompletnie wykończonej być wspomnianym.

Obrazek

DI Mitrochin. Krzesła. 1968. Ołówek

Przy wszystkich sukcesach D. I. Mitrokhina w grafice książkowej i osiągnięciach w grawerowaniu najważniejszą i znaczącą częścią jego pracy jest rysunek sztalugowy. Koncepcja ta łączy w sobie pracę ołówkową i akwarelową oraz prace wykonane w technikach mieszanych - główne zajęcie ostatnich trzydziestu lat jego życia. Setki małych kartek sztalugowych (w większości wielkości pocztówki, kartki z notatnika) zawierają najbardziej żywy i imponujący wyraz światopoglądu artysty; bardzo organicznie połączyły zasady graficzne i obrazowe; te tworzone przez lata apartamenty to karty pamiętnika wypełnionego życiem.

Większość z tych, którzy studiowali spuściznę Dmitrija Isidorovicha Mitrokhina, dochodzi do wniosku, że ostatnie trzydzieści lat jego twórczego życia jest najciekawsze pod wieloma względami. Jest to metoda, która całkowicie usatysfakcjonowała artystę, nie krępowała, nie zmuszała go do podporządkowania się nakazowi, to jest uniwersalna forma autoekspresji, którą znalazł, do której, świadomie, a nieświadomie, sięgał po wielu lat jest to synteza wszystkiego, co rozumiał i przecierpiał, co zaowocowało upojoną, wyważoną narracją, skomponowaną z prostych, naturalnych słów jasnego i harmonijnego języka setek utworów. W takiej ocenie ostatniego okresu, nie negując znaczenia wszystkiego, co zrobił wcześniej, wszyscy, którzy znali i doceniali jego pracę, są solidarni: M. V. Alpatov, Yu. A. Rusakov i E. A. Kibrik, N. I. Khardzhiev, V M. Zvontsov, A. Ransome i I. V. Golicyn, wreszcie rzeźbiarz L. V. Chaga, który bardzo subtelnie i empatycznie rozumiał to dzieło, stając się wrażliwym i nieobojętnym świadkiem triumfu prawdziwie wolnej sztuki.

DI Mitrochin. Jabłka i orzechy. 1969. Frez, sucha igła. Malowany nadruk

Wasilij Michajłowicz Zvontsov, który kierował redakcją wydawnictwa Avrora (1973-1977) - najlepszy domownik tamtych czasów i który przygotowywał do publikacji książkę o D. I. Mitrochinie, został zmuszony do odbudowania monografii po tym, jak zobaczył w niej Całość tego, co artysta zrobił w ostatnich dziesięcioleciach. Mówi o „nieoczekiwanym i przytłaczającym” wrażeniu, jakie wywarły na nim te kartki zeszytów: „Na ostatnim etapie tej drogi artysta osiągnął niezwykłą perfekcję, możliwą w rzadkich przypadkach. Zyskał całkowitą jedność intencji i środków wyrazu.

I rzeczywiście, „trzeci” okres jego twórczości, D. I. Mitrokhin, obalił ustaloną opinię o niemożności „świeżego spojrzenia”, „młodej percepcji” dla artysty na starość. Swoimi rysunkami, w odpowiedzi na opinię K. Hamsuna, że ​​„od nikogo nie można oczekiwać… po pięćdziesięciu latach pisać tak dobrze, jak pisał wcześniej” – mistrz deklaruje, że bardzo wiele zależy od wewnętrznego świata tej osoby , i na dyscyplinie, którą się kieruje - artysta nie jest już w stanie narysować równej linii, ale jego prace zadziwiają pewnością linii, dźwięcznością obrazów aż do ostatniego dnia.

DI Mitrochin. Wnętrze. 1964. Ołówek

Tym, którzy przybyli do niego z zamiarem oddania hołdu „żywej relikwii”, „ostatniemu światu sztuki”, Dmitrij Isidorovich oświadczył, że przez długi czas „nie ma Mitrochina”, że „Knebel Mitrochin” nie w ogóle go zainteresować. „Pochwalali jego grafikę książkową… podziwiali ekslibrisy. Wśród takich gości byli nie tylko „skrybowie”, „kolekcjonerzy”, ale także artyści. Żaden z nich nie pamiętał ani rycin Mitrokhina, ani jego rysunków. Dmitrij Isidorovich był bardzo zirytowany takimi gośćmi, zarumienił się ze złością i powiedział, że „jeszcze nie umarł” ... Szerokimi, ciężkimi krokami przechodzi przez pokoje. Ubrania są zbyt luźne na jego wychudzonym ciele. Przyszły mi na myśl rzeźby Giacomettiego. Ale oczy wyglądają bystro i młodo. A dłonie, niezwykle wyraziste, do końca zachowały swój wdzięk i siłę.

I w zależności od gotowości poszukiwań, które pojawiły się w percepcji, co w tym momencie martwiło artystę, a D. I. Mitrokhin był wnikliwy - zawsze „bardzo dobrze widział rozmówcę”, układał przed nim swoje ostatnie prace: niesamowicie różnorodne pejzaże obserwowane z tych samych okien, bardzo wymowne realizacje - dwa, trzy obiekty, różne wnętrza widziane w tym samym pomieszczeniu...

To opowieść bez literatury, kiedy „bohaterowie” żyją własnym życiem, mają wyrazisty charakter, temperament, oddziałują, a teatr – prawdziwy dramat dosłownie zmusza widza do poszukiwania, uchwycenia nastrojów, intonacji „aktorów”. Może to jedyna pozytywna alternatywa dla teatralizacji żydowskiej? Nawiasem mówiąc, D. I. Mitrokhin był dobrze zaznajomiony z N. N. Evreinovem, zarówno jako autor, jak i dramaturg, a także jako osoba (nawet „zgodzili się” w jednym wydaniu - na tytuł „Prymitywny dramat Niemców” tylko to, że marka wydawnicza Gwiazdy Polarnej stworzona przez grafika) - bo przy okazji znał wielu aktorów i pisarzy. Sam pisał wiersze w młodości - w 1908 roku w Charkowie N. Poyarkov opublikował almanach "Crystal" z okładką, która nie wyczerpuje udziału w publikacji D. I. Mitrokhina - dwa wiersze z jego cyklu "Na południe" umieszczone tutaj: Rybacy” i „Upał”, które inspirowane są wspomnieniami Jeyska i Morza Azowskiego. W almanachu uczestniczyli Andrey Bely, Konstantin Balmont, Alexander (Alexander Bryusov), I. Novikov, S. Krechetov i inni.

„Wciąż-Leben”

D. Mitrochin. Orzech. 1969. Ołówek, akwarela

Początkowo D. I. Mitrokhin z woli losu trafił do obozu tych, którzy byli najbliżej salonu, ale potem w Rosji była to nieunikniona droga estetyki, przeciwstawiającej się dominacji wulgarności, bezceremonialnie wkraczającej na sztukę; doświadczył także innych wpływów, pokonując je krok po kroku na dwie trzecie swojej drogi, pozostając ponadto mistrzem pierwszej klasy.

„Droga powrotna”, ale droga do „nowych przestrzeni”, też była trudna, aż do czasu, gdy „przebił się nowy głos” – bolesny. „Zamówienia wydawców są wycofywane. Klienci są zawiedzeni – były mistrz wirtuoz nie istnieje.”

Według L. Chaga artysta musiał zacząć od studiów, nieśmiałych rysunków, „brudnych” studenckich martwych natur, czarnych cieni. Ten mądry artysta zwraca „obiektywizm” przedstawionego – z jedną tylko różnicą: teraz „składniki opowiadania” są uduchowione, obdarza je nowym poczuciem uczestnictwa, bez potrzeby sentymentalno-dekoracyjnej, superrealistycznej czy skrajnie uogólnione – nie są obojętne wobec widza, deklarując prawo do poufnego, szczerego dialogu między artystą a nim… Autor jest przedstawicielem tych właśnie „głównych sił” (polski artysta zapytał ich kiedyś o czas ich przybycia) pojawiają się, gdy tylko zostali przyjęci w ramiona przez kulturę masową i wszędzie ogłoszeni), spokojnie i konsekwentnie, bez reklam i afektów, zaczęli dobrze wykonywać swoją ulubioną rzecz, nadając nowe znaczenie i przestrzeń - nie ma potrzeba gigantycznych formatów do wyrażania wspaniałych myśli.

Nawiasem mówiąc, kwiaty tutaj to nie tylko piękne rośliny lub ich odmiany, mają nie tylko cechy życia, ale także zdolność oddania odcieni nastroju ich „drugiego” twórcy - sumiennego, cierpliwego i troskliwego uczeń „pierwszego”. Butelki farmaceutyczne, dzięki trosce autorki, bardzo aktywnie przewyższają swoją użyteczność. Owoce się radują, orzechy czają się, muszle za chwilę zawalczą, tutaj krzesła są przedłużeniem ich właścicieli, a nie odwrotnie.

„Były też fabuły„ Anderson ” - igła i szpilka, motek sznurka. Rękodzieła zabawek – gwizdki, konie, koguty, drewniane, malowane jajka – pojawiały się na rysunkach w najbardziej nieoczekiwanych wcieleniach i interpretacjach: zmieniały kolor, proporcje, przenosiły się w wyimaginowaną przestrzeń, rozgrywały się sceny, „małe tragedie”.

Suche gałęzie starego drzewa są obficie usiane kwiatami.

Galeria

Artykuły D. I. Mitrochina

• „Wystawy sztuki w Moskwie” – „Poranek”. Charków, 1907, 25 stycznia
• „Wystawa obrazów B. E. Borisova-Musatova” - „Rano”. Charków, 1907, 27 lutego
• „Czechy” – „Rano”. Charków, 1907, 4 listopada
• K. Gies. - "Młodzież", 1907, nr 2-3, s. 13, 14
• Manga Hokusai. - „Rosyjska plotka”, 1912, 22 grudnia. Anonimowy, bez tytułu. - Pierwszy artykuł o wielkim japońskim artyście, napisany przez rosyjskiego autora. Autorstwo D. I. Mitrokhina odnotowano w raporcie P. I. Neradovsky'ego (1919).
• 1870 na francuskiej kreskówce. - „Głos życia”, 1915, nr 7, s. 16
• Katastrofy wojenne Jacquesa Callota. - „Głos życia” (Piotrograd), 1915, nr 10, s. 14, 16
• Rysunki V. D. Zamirailo. - „Nowe czasopismo dla wszystkich” (Piotrograd), 1915, nr 5, s. 54, 55
• O Narbut (o wystawie w Muzeum Rosyjskim) - w książce „Argonauci” (Piotrograd), 1923, s. 19-21
• Pamięci Narbuta. - Wśród kolekcjonerów, 1922, nr 9, s. 5-9
• O rysunkach M. Dobuzhinsky'ego dla artysty Tupey N. Leskova i V. Konashevicha dla wierszy A. Feta. - Wśród kolekcjonerów, 1922, nr 7-8, s. 71, 72
• Notatki akwafortowe. - w książce P. A. Szylingowskiego „Rosyjscy rytownicy”. Kazań 1926
• WM Konashevich. - w książce „B. M. Konashevich o sobie i swojej działalności. M. 1968. S. 115-119
• O rysunku. - Journal of Creativity, 1971, nr 4, s. 6-8

Stowarzyszenia artystyczne, w których członkiem był D. I. Mitrokhin

Książki i artykuły o D. I. Mitrokhin

• Zamirailo V. DI Mitrochin. - "Lustro". 1911. Nr 20
• Płaszcz A. D. Mitrochin. Przedmowa N. Roericha. Kazań. 1912
• Levinson A. Publikacje artystyczne. - „Dzień” (aplikacja „Literatura, sztuka i nauka”). 1913, 16 grudnia.
• Filozofowie D. Piękne książki. - "Przemówienie". 1915, 19 stycznia.
• Lisenkov E. Dwie książki z rysunkami Mitrokhina. - Dom Sztuki. 1921, nr 2, s. 108, 109
• Wojownicy Wsiewołod. Zakładki D. I. Mitrokhina. Petersburg. 1921
• M. Kuźmin, Wojownicy Wsiewołod . DI Mitrochin. Moskwa. 1922
• Kuźmin M. Wojnow W. DI Mitrochin. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Kusmin M. Woinov W. DI Mitrochin. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Kuźmine M. Wojnow V. DI Mitrochina. Moskwa-Piotrograd. 1922
• Ettinger P. DI Mitrochin. M.: Literatura dziecięca. 1940
• Rusakow Yu. Nowe prace D. Mitrokhina. M.: art. 1961
• Alpatow M. Rysunki artysty Mitrokhina. Dziennik „Sztuka Dekoracyjna ZSRR” nr 5. 1962. S. 32, 33
• Koivtun Y. Metalowe ryciny Dmitrija Mitrokhina. Literatura radziecka. Moskwa. 1964. I. PP. 167, 169
• Rusakow Yu. Dmitrij Isidorovich Mitrochin. L.-M. 1966
• Aleksandrowa N. DI Mitrochin. - Sztuka książki. V. 5. M. 1968. S. 146-153
• Zvoncow W. Spuścizna Dmitrija Isidorovicha Mitrokhina (1883-1973) - Art Magazine. nr 8. 1974. S. 33-38
• Souris B. Dmitrij Mitrochin. - grafika sowiecka „73. M. 1974. S. 78-84
• Alpatow M. Rysunki Mitrokhina z ostatnich lat. - Zagadnienia sowieckich sztuk plastycznych. M. 1975. S. 238-251

Uwagi

Źródła

• Dmitrij Mitrochin. L: Zorza polarna. 1977.
• Książka o Mitrochinie. Artykuły, listy, wspomnienia. Opracowane przez L. V. Chagę. Przygotowanie tekstu i notatek przez I. Ya Vasilyeva. - M.: Artysta RSFSR. 1986
• DI Mitrochin. Dzieła ostatnich lat. Zestaw pocztówek (dwujęzycznych). - Leningrad: Zorza Polarna. 1973
w Wikimedia Commons
• Mała udręka na stronie Runivers z ilustracjami D. Mitrokhina
• Życie Almansora na stronie Runivers z ilustracjami D. Mitrokhina

Dmitrij Isidorovich Mitrochin- mądry człowiek i niesamowity artysta. Jego droga twórcza obejmuje trzy czwarte naszego wieku. Jako dziecko postanowił zostać grafikiem, a wybór ten był spowodowany głęboką wewnętrzną skłonnością Mitrokhina do tego rodzaju sztuki, która wymaga dużej erudycji, artystycznego gustu i samodyscypliny.
Zasady pracy Mitrokhina powstały na tle bogatym w różnorodne doświadczenia. W latach przedrewolucyjnych artysta często współpracował w czasopismach „Apollo”, „Lukomorye” i innych. Następnie pełnił funkcję ilustratora książki.
Podczas tworzenia ilustracji do baśni R. Gustafsona „Barka” (1913) Mitrokhin był bliski artystom stowarzyszenia „World of Art”, aw 1916 został członkiem.
Artysta wybrał w "Barce" lakoniczną, wygodną technikę reprodukcji drukarskiej, nawiązującą do techniki drzeworytu. Czarny kolor pojawia się w połączeniu z obrysem z wypełnieniem płaszczyzn. Na niektórych ilustracjach duże obszary są pokryte kolorem, ale odgrywa to rolę drugorzędną.
Mitrokhin szczegółowo ilustruje historię wędrówek brygu „Sea Eagle”, ale chcąc wzmocnić poetycką melodię opowieści, nigdzie nie przedstawia konkretnych epizodów z przygód statku. W prawie wszystkich arkuszach, w których obecny jest bryg, widzimy go z daleka. W arkuszu „Ocean Arktyczny” biała łódź na tle ponurej wody wydaje się kruchą wizją. Ciekawa jest decyzja arkusza „Rainforest”. Graficzne arabeski, które wypełniają arkusz, obejmują mieszkańców i rośliny lasu deszczowego, narysowane z naukową dokładnością.
W przyszłości ilustracje Mitrokhina staną się bardziej zwięzłe, swobodniej umieszczone na powierzchni arkusza. Godnym uwagi zjawiskiem w twórczości artysty były ilustracje do książki Edgara Allana Poe The Gold Bug, opublikowanej w 1922 roku. W nich najbogatsze efekty plastyczne osiąga w nich jedynie łącząc pociągnięcia i sylwetkę. Po „Złotym Żuku” przejście do ażurowej grafiki „Efioniki” Heliodora było naturalne. W lekkim rysunku „Efioniki” i lakonicznych rycinach dłutem, gdzie każde uderzenie dokładnie i elastycznie leży na powierzchni arkusza, można przewidzieć pojawienie się wspaniałych rysunków Mitrochina z lat sześćdziesiątych.

Praca artysty

Mitrochin Dmitrij Isidorovich (1883-1973)

D. I. Mitrokhin miał szczęście żyć nie jednym, ale trzema niezależnymi twórczymi życiami, a każde z nich było pełne i piękne na swój sposób.

Pierwszy zaczął się w dzieciństwie, kiedy urodzony na odległej prowincji, w rodzinie małego pracownika, zapragnął zostać artystą książek. W tym celu wstąpił do MUZHVZ (1902), dwa lata później zmienił go na SHPU, ale był przekonany, że umiejętności graficzne, których potrzebował, musi jeszcze rozwijać samodzielnie.

Tu pomogły mu wrażenia z podróży do Paryża, ale głównym punktem odniesienia były grafiki mistrzów Świata Sztuki. Dlatego w 1908 przeniósł się do Petersburga, gdzie znalazł się w bardzo pożądanym środowisku artystycznym. Tutaj szybko zwrócił na siebie uwagę, ilustrując kilka książek dla dzieci, m.in. „Małą mąkę” V. Gaufa (1912), „Roland the Squire” V. A. Żukowskiego i „Barkę” R. Gustafsona (obie 1913). Każdy z nich był wzorowy pod względem nieskazitelnej stylistyki graficznej oraz jedności rysunków, napisów i ornamentów.

Uznanie przyszło Mitrokhinowi, a wraz z uznaniem - liczne zamówienia, które sumiennie i entuzjastycznie wykonywał, niejednokrotnie zamieniając zwykłe okładki w dzieła wyrafinowanej grafiki. Wraz z G. I. Narbutem i S. V. Chekhoninem określił wysoki poziom rosyjskiej sztuki książki w przededniu rewolucji.

Grafika książkowa pozostawała w centrum jego zainteresowań nawet po rewolucji, mimo że krąg jego działalności wyraźnie się rozszerzył: od 1918 roku został kustoszem i kierownikiem działu rycin i rysunków Muzeum Rosyjskiego oraz zajmował się nauczaniem . Kontynuując robienie okładek za okładką, wypracował własny styl, uwalniając go stopniowo od nadmiernego wzornictwa i podporządkowania wypracowanemu kanonowi; w tym pomogły mu intensywne studia nad rysowaniem z życia. Wrócił do książki dla dzieci, dużo pracował w czasopismach.

Ale z czasem kierunek jego twórczych zainteresowań zaczął się zmieniać. W połowie lat dwudziestych. Mitrokhin interesował się możliwościami drukowanych technik graficznych, a grafika książkowa stopniowo schodziła na dalszy plan. W każdej z opanowanych przez siebie technik pokazał się jako utalentowany i pewny siebie mistrz.
Początkowo był to drzeworyt, potem litografia, a w końcu grawer na metalu (dłutem i suchą igłą) – wyrafinowany i coraz rzadszy w XX wieku. technika. W nim osiągnął najbardziej imponujące wyniki i wyrósł na jednego z największych i najbardziej oryginalnych mistrzów sztalugowania.

W swoich niewielkich, kameralnych pejzażach, przedstawiających zwykle spokojne zakątki Leningradu i stary park na wyspie Elagin, działał w nowym charakterze – jako uważny i liryczny obserwator, potrafiący poetykować bezpretensjonalne motywy życiowe i wznieść je na poziom sztuki wysokiej. . Nowe zmiany w twórczości Mitrochina, który od 1943 r. mieszkał w Moskwie, nastąpiły dobrowolnie. Pod koniec lat czterdziestych on, tracąc siły, musiał rozstać się z grawerem, a dziesięć lat później - z grafiką książkową.

Coraz bardziej spętany starością i chorobą, zamknięty w ciasnych murach swojego mieszkania, ale wciąż przytłoczony nieposkromionym pragnieniem kreatywności, znalazł wyjście w tym, co jeszcze dostępne - w prostym rysunku ołówkowym, często lekko podbarwionym akwarelą. Setki tych małych (zwykle nie więcej niż pocztówkowych) rysunków stały się dowodem fenomenalnej twórczej młodości artysty i stały się klasyką sztuki rosyjskiej XX wieku.

Biografia

Wybitny rosyjski i radziecki grafik, ilustrator, mistrz grawerowania sztalugowego, akwaforty i litografii; autor wielu ilustracji książkowych. Krytyk sztuki. Kierował sekcją graficzną leningradzkiego oddziału Związku Artystów ZSRR (LOSH, 1932-1939). Czczony Działacz Sztuki RFSRR (1969).

Dmitry Isidorovich Mitrokhin urodził się w Jeysku na terytorium Krasnodaru. Po ukończeniu szkoły realnej w Jeysku (1902) wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury (MUZHVZ). W MUZhVZ nauczycielami D. I. Mitrochina byli A. M. Vasnetsov i A. S. Stepanov. W 1904 przeniósł się do szkoły Stroganowa. Jego ceramika uczestniczy w XII wystawie Moskiewskiego Związku Artystów (1905); w listopadzie podróżuje do Paryża przez Petersburg i Kolonię. W 1906 studiował w klasie rysunku w Akademii Grande Chaumière (Académie de la Grande Chaumiére) u E. Grasse i T. Steinlena.

Artysta pracuje w kilku wydawnictwach w Petersburgu (1908). Na zaproszenie A. Benois i K. Somov Mitrokhin bierze udział w wystawie „Świat sztuki”. Uczestniczy w „Salonie” S. Makowskiego oraz w VI wystawie Związku Artystów Rosyjskich.

Dmitry Mitrokhin jest członkiem wielu stowarzyszeń artystycznych: „Murava” (Artel garncarzy, 1904-1908), Moskiewskiego Stowarzyszenia Artystów (1905-1924), Towarzystwa Leonarda da Vinci (1906-1911), Towarzystwa Społeczno-Pedagogicznego w Twerze Koło (1909-1913), Związek Artystów Rosyjskich (SRH, 1910-1923), Pierścień (1911-1914), Salon Moskiewski (1911-1921), Apartament nr 5 (1915-1917), Świat Sztuki (1916- 1924), „Dom Sztuki” (1919-1922), Stowarzyszenie Artystów Rewolucyjnej Rosji (1922-1932), „Szesnaście” (1923-1928), „Kolor ognia” (1923-1929), Sekcja Grawerów ( OPKh, 1928-1929), Stowarzyszenie Malarzy (1928-1930). Członek założyciel Towarzystwa Artystów Grafików (1928–1932).

Pracuje jako kierownik Działu Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego (1918), profesor Wyższego Instytutu Fotografii i Fototechniki (1919-1926). Profesor wydziału poligrafii Wyższego Instytutu Artystyczno-Technicznego (1924-1930) w Leningradzie.

Opracował kilkadziesiąt marek wydawniczych, emblematów i etykiet handlowych. W dziedzinie „małych form”, którą D. I. Mitrokhin opanował w latach 1910., szczególne miejsce zajmuje znak książki. Doskonały mistrz kompozycji, doskonale orientujący się zarówno w elementach dekoracyjnych, jak i graficznych księgi, subtelnie wyczuwając jej charakter, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów (większość z nich pochodzi z lat 1919-1923).

W czasach sowieckich artysta z powodzeniem zajmował się grafiką sztalugową, projektował i ilustrował książki; jest autorem ogromnego cyklu miniatur z gatunku kameralnej martwej natury. To dzieło ilustratora, wykonywane przez niego z miłością, entuzjastycznie iz dużym powodzeniem łączył je z grawerem, akwafortą i litografią. Zaprojektował i zilustrował znaczną liczbę książek i czasopism w różnych wydawnictwach – „Światła”, „Petropolis”, „Petrograd”, „Myśl”. „Surf” i wiele innych, w najlepszym z nich - Academia (z którą współpracował przez około sześć lat): „Siedem portretów miłosnych” A. de Regniera (1920, 1921; Piotrogród), bajkowy wiersz Mariny Cwietajewej „The Carska Dziewica” (1922); - wykonane w tradycyjny dla artystki sposób prowokacyjne rysunki piórkiem do projektu „Złotego robaka” Edgara Allana Poe (1922), „Epsin” Bena Jonsona (1920, 1921; „Petropolis”), - ilustracje Victor Hugo (1923), Henri Barbusse, Octave Mirbeau, „Księgi komedii” Arystofanesa (1930), „Etiopczycy” Heliodora (1932).

W latach dwudziestych D. I. Mitrokhin ponownie zetknął się z literaturą dziecięcą, zilustrował i zaprojektował kilka książek, wśród których należy wymienić wspomniany już „Złoty Bug” Edgara Allana Poe (1921-1922) oraz „Podróż do krainy kina”. " W. Szklowskiego (1926), "Alfabet październikowy" (1927). Praca nad najnowszą edycją po raz kolejny potwierdza genialne mistrzostwo artysty w sztuce pisma. Pojawienie się dwutomowego zestawu satyrycznej powieści K. Immermanna „Munchausen” (1930–1932) sugeruje, że artysta bardzo pomysłowo podszedł do rozwiązania całego systemu tej publikacji: postacie dzieła są ostro karykaturalne, zamieniając się w osobliwe, zabawne komentarze do książki, układ kart tytułowych jest dowcipny; wiązanie, flyleaf, obwoluta - wszystko jest w harmonii. Od jesieni 1939 r. D. I. Mitrokhin pracował nad projektem księgi bajek H. K. Andersena, po otrzymaniu zamówienia od niemieckiego wydawnictwa. Jak wynika z listów artysty, już w połowie czerwca 1941 r., sądząc po nielicznych zachowanych egzemplarzach, tworzył ciekawe ilustracje - wydanie to nie było przeznaczone do ujrzenia światła dziennego.

Od połowy lat trzydziestych dla D. I. Mitrokhina grafika książkowa nie miała już pierwszorzędnego znaczenia w jego twórczości, zaczęła ustępować miejsca drzeworytom, grawerowaniu na metalu, rysunku i akwareli. Twórczość z natury nigdy nie była wykluczona z szeregu regularnych zajęć, ze sfery zainteresowań artysty iw tej dziedzinie nieustannie poszukiwał i doskonalił. Dmitrij Mitrochin wykonał nieco ponad 70 rycin, ale nawet ta stosunkowo niewielka liczba prac w tej dziedzinie pozwala zaliczyć go do najlepszych krajowych mistrzów drzeworytu. Zaczynając od technik bliskich „czarnej manierze”, kiedy artysta preferował białą, nieco szorstką kreskę, później dochodzi do „srebrzystej gamy bogatej w półtony i różne elementy fakturowe”.

Mitrochin zaczął uprawiać drzeworyty „niemal z ciekawości”, pod wpływem W. W. Wojnowa, jednego z inicjatorów i propagandystów odrodzenia drzeworytów jako samodzielnej (nieodtwórczej) techniki sztalugowej, z którą Dmitrij Izydorowicz był dobrze zaznajomiony Świat Sztuki, - i prace muzealne; w 1941 r. razem wstąpili do milicji, przeżyli blokadę i byli razem w Ałma-Acie. Mitrokhin pracował w wydawnictwie Sztabu Generalnego, od 1941 do 1942 w Instytucie Transfuzji Krwi. Stworzył około 100 rysunków ołówkiem i akwarelą, w tym te poświęcone życiu oblężonego miasta.

Grawerowanie w metalu autorstwa D. I. Mitrochina to wyjątkowe zjawisko w przedwojennej sztuce radzieckiej. Prawdziwy artyzm, z jakim mistrzowi udało się ucieleśnić subtelną strukturę emocjonalną i liryzm swojej artystycznej natury, nie znalazł odpowiedzi na wsparcie tego świeżego przedsięwzięcia, a prawdziwy obszar jego twórczości naprawdę sam zajmuje miejsce wśród „największe zjawiska europejskiego grawerowania na metalu XX wieku” - zauważa artysta, historyk sztuki Yu A. Rusakov.

Do drugiej połowy lat dwudziestych tylko dwukrotnie zwrócił się do pracy przy kamieniu. Spośród tych stworzonych przez D. I. Mitrokhina w litografii, połowa odnosi się do 1928 r. - pierwszego roku jego pełnoprawnej pracy w tej technice graficznej. Aby zachować żywy kontakt miękkiego ołówka litograficznego z powierzchnią roboczą, zaniedbuje stos korzeniowy, co pozwala na przeniesienie wykonanego wcześniej rysunku – artysta pracuje bezpośrednio na kamieniu. I tu wykorzystuje całe bogactwo technik: rysuje szerokim lekkim pociągnięciem, posługuje się piórem, rozjaśnia ton, drapie długimi równoległymi pociągnięciami. Przede wszystkim wykonywał litografie sztalugowe do wydruków monochromatycznych - na jednym kamieniu, ale wydrukowano kilka litografii z 2, a nawet z 3 kamieni (1929-1931).

W jego litografiach dominuje ten sam temat, co w końcowym rycinie - ulica Leningradu, rybacki Jejsk. Najlepsza seria – „Sześć litografii pokolorowanych przez autora” (1928). I tutaj uwaga artysty skupia się na barwnych typach ulicznych, prace te oddają nam wygląd miasta, zapach minionej epoki.

Krótka pasja do tej techniki zaowocowała dla D. I. Mitrokhina doświadczeniem w stosowaniu jej w grafice książkowej - zaprojektowano „Wybrane prace” N. S. Leskova (1931). Ostatnią litografię artysta wykonał w 1934 roku - to pejzaż Centralnego Parku Kultury i Kultury, nigdy więcej się do niego nie zwrócił.

Przy wszystkich sukcesach D. I. Mitrokhina w grafice książkowej i osiągnięciach w grawerowaniu najważniejszą i znaczącą częścią jego pracy jest rysunek sztalugowy. Koncepcja ta łączy w sobie pracę ołówkową i akwarelową oraz prace wykonane w technikach mieszanych - główne zajęcie ostatnich trzydziestu lat jego życia. Setki małych kartek sztalugowych (w większości wielkości pocztówki, kartki z notatnika) zawierają najbardziej żywy i imponujący wyraz światopoglądu artysty; bardzo organicznie połączyły zasady graficzne i obrazowe; te tworzone przez lata apartamenty to karty pamiętnika wypełnionego życiem. Twórczość D. I. Mitrokhina przeszła zmiany w ciągu prawie pół wieku jego aktywnej pracy w tej dziedzinie, jakby antycypując apel artysty do jedynej możliwej dla niego, ale także najbardziej uderzającej, unikalnej formy zastosowania jego talentu - rysunek, który od pewnego momentu ma stać się uniwersalnym środkiem wyrazu jego światopoglądu. Odnosi się wrażenie, że tę samą „przygotowawczą” funkcję pełniły inne rodzaje grafiki sztalugowej, jakby pomagając artyście odnaleźć ten lapidarny, zrozumiały, ale daleki od jednosylabowego języka głównych dzieł pod względem treści, pojemności, indywidualności, całkowicie niezależne pismo graficzne.

Dmitrij Isidorovich Mitrokhin, który żył długim twórczym życiem, miał szczęście studiować, współpracować, nawiązywać przyjaźnie, być w stowarzyszeniach i stowarzyszeniach z wieloma artystami, wśród których byli tacy, których ślad na sztuce XX wieku jest porównywalny z wpływem o przebiegu dziejów najważniejszych odkryć epoki. W pierwszych wierszach notatek autobiograficznych artysty znajdują się nazwiska M. F. Larionowa, N. S. Gonczarowej i A. V. Fonvizina, którzy studiowali obok siebie i byli z nim przyjaciółmi - S. T. Konenkov i S. V. Malyutin.

W różnych okresach pojmowania dróg ekspresji i umiejętności, zainteresowania artysty skupiały się na ich różnych przejawach i przy innej mierze ich wpływu na światopogląd artysty, czasem efemeryczne i niemal oportunistyczne, a przez to łatwe i bezbolesne do pokonania, takie jak np. salonowe, Beardsley, nowoczesne tendencje – te, które wymagały dłuższej „neutralizacji”, czysto dekoracyjne, stylizowane ornamenty, popularne druki i motywy drukowane; lub przeciwnie, w postaci głębokiego, esencjalnego zrozumienia, realizowanego w systemie poglądów artysty - rycinach zachodnioeuropejskich i japońskich. „Ale po przejściu przez te hobby”, pisze M. V. Alpatov, „powrócił do takich wartości sztuki, które przekraczają granice czasu i przestrzeni i istnieją wszędzie”.

Dzieło artysty D. I. Mitrochina jest reprezentowane w Muzeum Rosyjskim (RM), Państwowej Galerii Trietiakowskiej, Rosyjskim Archiwum Literatury i Sztuki (RGALI), Rosyjskiej Bibliotece Narodowej (Petersburg), Muzeum Sztuk Pięknych w Karelii , Galeria Narodowa Republiki Komi, Udmurckie Muzeum Sztuk Pięknych, Muzeum Sztuki Czuwaski, Muzeum Ługańska, wiele prywatnych kolekcji i galerii.

Ten adres pocztowy jest chroniony przed spamowaniem. Aby wyświetlić, musisz mieć włączoną obsługę JavaScript.

Biografia

Dmitrij Isidorovich Mitrochin(1883-1973) - rosyjski grafik, ilustrator, autor książek, krytyk sztuki.

Urodził się w rodzinie drobnego pracownika i córki kupca kozackiego. Jako dziecko, spędzając dużo czasu w drukarni swojego dziadka, zapoznał się ze sztuką drukarską i zainteresował się czytaniem. Po ukończeniu szkoły realnej w Jeysku wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, aw 1903 wziął udział po raz pierwszy w szkolnej wystawie. Rok później przeniósł się do szkoły Stroganowa, studiował na zajęciach rysunkowych Akademii Grande Chaumière. (Academie de la Grande Chaumiere), poświęcając wiele czasu na studiowanie zarówno współczesnej grafiki, jak i rysunków dawnych mistrzów, klasycznych rycin europejskich i japońskich.

Od 1908 roku Dmitrij Mitrochin współpracuje z kilkoma wydawnictwami, biorąc udział w wystawie World of Art. Przez całe życie był członkiem wielu stowarzyszeń i towarzystw artystycznych. Od 1908 roku systematycznie zajmuje się grafiką książkową, rysując dla wielu czołowych wydawnictw książkowych - I. N. Knebel”, „Golike i Vilborg”, „Oświecenie”, „Pechatnik”, „M. i S. Sabashnikovs” i inni. Dużo pracował nad ilustracjami do książek dla dzieci; w swojej pracy trzymał się jednej zasady dla wszystkich elementów książki - wszystko, od okładki z wyklejkami po czcionki z dekoracją, podlegało wspólności stylistycznej.

W czasach sowieckich kontynuował swoją pracę, łącząc ją z grawerowaniem, akwafortą, litografią; od 1918 kierował Działem Rycin i Rysunków Muzeum Rosyjskiego, był profesorem w Instytucie Fotografii i Fototechniki Wydziału Drukarstwa Akademii Sztuk Pięknych. W sumie zaprojektował i zilustrował ogromną liczbę książek, opracował kilkadziesiąt znaków wydawniczych, emblematów i etykiet handlowych, wykonał prawie pięćdziesiąt ekslibrisów.

Przeważnie rysuję ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię kolorować swój rysunek akwarelami. Ta metoda pracy najwyraźniej powstała w wyniku długiego grawerowania. Ołówek często układa się jak dłuto lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych ołówków. Ale nie jestem malarzem, kolor w moich pracach odgrywa drugorzędną rolę. Podstawą projektu jest rysunek. Objętość rysunków (prawdopodobnie w wyniku wieloletniej pracy nad książką) nie przekracza wielkości stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.

Nie mogę powiedzieć nic nowego o rysunku. Nic poza prostymi zasadami określonymi w każdym podręczniku. To jest metoda, którą kierowałem się przez całe życie: rysuj, rysuj, rysuj. Rysuj każdego dnia, dopóki żyjesz, tak długo, jak istniejesz, ponieważ rysowanie to znaczy żyć, łączyć się ze wszystkimi żywymi istotami. Rysunek jest podstawą wszelkiej sztuki plastycznej, wszystkich jej rodzajów.

Czerpanie z natury to badanie otaczającej nas rzeczywistości, całego życia: ludzi, krajobrazu, mieszkań, chmur, światła, cienia, rzeczy żyjących w pobliżu.

Nie lubię słowa „martwa natura”. Lepiej inny termin: "Still-Leben". Ciche, ukryte życie, które artysta może i powinien zobaczyć.

Całe moje długie życie zajmowałem się głównie ilustrowaniem książek. Powstało również wiele kompozycji, rycin, litografii. Tak więc podstawą całej mojej pracy zawsze były rysunki i szkice z natury.

Zanim zaczniesz rysować, musisz zobaczyć: im więcej rysunków zrobionych jest z natury, tym łatwiej będzie zobrazować to, co wymyślono, przeczytano lub usłyszano.

Rysuj codziennie, zastanów się, co narysujesz dalej, obserwuj, szukaj, zawsze szukaj nowych sposobów przedstawiania. Szukaj, zawsze pozostając sobą, nigdy nie opierając się na tym, co zostało zrobione. Rzeczywistość ciągle się zmienia. Każdego dnia w oknie nowy pejzaż, rzeczy są pogrupowane w nowy sposób, zmienia się światło i przestrzeń, powstają nowe, tajemnicze relacje. Kwiaty pojawiają się i opadają. Ktoś przynosi nieoczekiwane owoce z odległych krajów. Ludzie przechodzą przez okno, wieszają ubrania na podwórku, czyszczą dywany, grają w siatkówkę. Jeździec podąża ze stajni na hipodrom, stado ptaków po jedzenie, samochody pędzą, po stronie opada coś skrzydlatego. Przechodnie zatrzymali się, rozmawiając (teraz tak się ubierają!). Obserwuj, rysuj, zawsze ucz się nowych rzeczy.

W ostatnich latach mało grawerowałem, tylko rysowałem. Rysunek to przecież osobna, niezależna dziedzina sztuk pięknych. Chciałbym tworzyć gotowe rysunki, jak kryształy, a co najważniejsze - żywe. Ale bardzo rzadko to, co się robi, sprawia przyjemność. Przeważnie rysuję ołówkiem (ołówkiem). Potem lubię kolorować swój rysunek akwarelami. Ta metoda pracy najwyraźniej powstała w wyniku długiego grawerowania. Ołówek często układa się jak dłuto lub igła do grawerowania. Czasami używam kolorowych ołówków. Ale nie jestem malarzem, kolor w moich pracach odgrywa drugorzędną rolę. Podstawą projektu jest rysunek. Objętość rysunków (prawdopodobnie w wyniku wieloletniej pracy nad książką) nie przekracza wielkości stron książki. Wszystko, co chcę powiedzieć, mieści się na małej kartce papieru. Mówię cicho i zwięźle.

Moje rysunki są pogrupowane w serie. Cykl łączy albo fabułę – kwiaty, rybie pejzaże, wnętrza – albo materiał, którego używam w danym okresie czasu: kredki lub akwarelę, latarkę lub papier whatman. Uważam, że od czasu do czasu muszę zmieniać materiały, a także narzędzia, których używam. To jest tak samo potrzebne, jak nowa fabuła, nowa natura. Staram się wszelkimi sposobami osiągnąć, poszukać nowego, żywego i jasnego języka obrazkowego.

Moje słabe zdrowie od najmłodszych lat, mój wiek uniemożliwia rysowanie ludzi - portretów, zbliżeń grup ludzi. Na moich rysunkach ludzie to najczęściej małe postacie biegające w oddali. Widzę je jak przez odwróconą lornetkę. Dlatego też nieistotne przedmioty, zwane nieożywionymi, często pojawiają się na moich rysunkach jako fabuła, temat (np. szkło apteczne, krzesła).

Ludzie mają tendencję do postrzegania, ograniczeni pewnymi ograniczeniami. Rama może być szersza lub węższa, ale jest też głębokość. Pracując, obserwując, staram się wydobyć i odsłonić nie tylko kształt, ciężar, relacje przestrzenne (swoją drogą kartka, powierzchnia papieru ustanawia nowe relacje przestrzenne), ale także uczę się nimi zarządzać, różnicować. Staram się odnaleźć i przekazać percepcji widza poetycką i filozoficzną esencję przedstawianego. Prawie zawsze znajduję w rzeczach jakąś życzliwość, życzliwość. I chcę o tym porozmawiać.

Przypominam sobie niesamowite rysunki Vrubela, ubóstwianego przez jednego z moich przyjaciół-nauczycieli - V. D. Zamirailo - S. V. Noakowskiego, S. P. Yaremicha, K. S. Pietrowa-Wodkina. Kaligrafia Zamiraila i jego podziw dla rysunków Vrubela, znakomite rysunki kredowe na tablicy Noakowskiego, petersburskie rysunki Jaremicha i jego najbogatszy zbiór rysunków i rycin dawnych mistrzów, niezwykła wiedza P. D. Ettingera na temat dzieł mistrzów rosyjskich i zagranicznych, rozmowy o sztuce z Pietrow-Wodkin (interesował się moimi rycinami nożem do metalu) - wszystko to niewątpliwie wpłynęło na moją formację artystyczną.

Kiedy patrzę na moje rysunki, te najbardziej udane wydają mi się obce, ale te wady czuję jak własne. To będzie łatwe, gdy będziesz pracować sto razy. Ciągle pamiętam nieśmiertelnego Hokusaia, niezrównanego Mangwę. Kiedy ludzie pytają mnie, którą z moich prac cenię najbardziej, zwykle odpowiadam: te, które będą robione jutro. Ponieważ praca życia przygotowuje się do tego, co zrobisz jutro”.

(c) „Rysuj codziennie”
Magazyn „Kreatywność”, 1971, nr 4

„Po osiągnięciu wieku dziewięćdziesięciu lat, wieku, w którym tylko nieliczni są w stanie naprawdę twórczo pracować, Mitrokhin kontynuował niestrudzenie aż do ostatniego dnia, ponieważ znaczenie jego istnienia skoncentrowało się dla niego na rysowaniu. Ale chyba najbardziej niezwykłą rzeczą jest to, że Mitrokhin nie tylko działał, ale stale rozwijał się jako artysta. Z roku na rok, z dnia na dzień szukał „nowego, żywego i jasnego, jak sam mówi, języka obrazkowego”. I znalazł nowe sposoby, środki, formy wyrazu obserwacji, osiągając w rysunku coraz pełniejsze i głębsze ujawnienie ciągle zmieniającej się, nigdy nie powtarzającej się rzeczywistości.

(c) Yu.A. Rusakow.

„W życiu twórczym Dmitrija Isidorovicha nie jest trudno rozróżnić pewne okresy, ale żaden z nich nie jest zamkniętym cyklem, wszystkie są kamieniami milowymi jednej, długiej ścieżki, ciągłego ruchu w kierunku wzniosłego celu. Na ostatnim etapie tej drogi artysta osiągnął niezwykłą doskonałość, możliwą w rzadkich przypadkach. Zyskał całkowitą jedność intencji i środków wyrazu. W drodze do tej perfekcji artysta pokonał takie życiowe trudy, z którymi radzi sobie niewielu. Choroba zmusiła go do ograniczenia się do małego mieszkania przez ponad dziesięć lat, aby odmówić szerokiej komunikacji z ludźmi. Artysta odkrył bogate życie na własnym biurku, w każdym zakątku pokoju. Udało mu się wyczuć współczesny świat poprzez otaczające go przedmioty i opowiedzieć o swoim afirmującym życie, optymistycznym stosunku do niego.