Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy „pasterskiego życia” na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowych alegorii. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego należy łapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, aby żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” (M. Kuźmin) staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „stylu królewskiego”.
Dla większości malarzy rokokowych Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa. Wszelkiego rodzaju „kąpiel”, „poranne toalety” i chwilowe przyjemności są teraz niemal głównym tematem obrazu. W modzie stają się egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przestraszonej nimfy” (cielesny), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski). Przemyślane, smukłe kompozycje w stylu klasycyzmu ustępują miejsca eleganckiemu i wyrafinowanemu wzorowi.
Antoine Watteau (1684-1721) nazywany był przez współczesnych „poetą beztroskiego wypoczynku” i „wielkich uroczystości”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach uwieczniał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach jest dojmujący smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.
Jednym ze słynnych obrazów artysty jest „Pielgrzymka na wyspę Cythera”. Urocze panie i dzielni panowie zebrali się na usianym kwiatami brzegu morskiej zatoki. Popłynęli na wyspę Cythera – wyspę bogini miłości i piękna Wenus, gdzie według legendy
Antoine’a Watteau. Pielgrzymka na wyspę Cythera. 1717 Luwr w Paryżu
wyłonił się z piany morskiej. Święto miłości rozpoczyna się od posągu przedstawiającego Wenus i amorki, z których jeden sięga w dół, by złożyć wieniec laurowy na najpiękniejszą z bogiń. U stóp posągu ułożona jest broń, zbroja, lira i książki - symbole wojny, sztuki i nauki. Cóż, miłość naprawdę może pokonać wszystko!
Akcja toczy się jak film, opowiadając kolejno o wędrówce każdej z zakochanych par. W relacji bohaterów króluje język aluzji: nagle rzucone spojrzenia, zapraszający gest wachlarza w rękach dziewczyny, przemówienie ucięte w pół zdania... Harmonia człowieka i natury wyczuwalna jest we wszystkim .
Ale jest już wieczór, złoty zachód słońca barwi niebo. Święto miłości odchodzi w niepamięć, zapełniając smutkiem beztroską zabawę zakochanych par. Już niedługo wrócą na swój statek, który zabierze ich z nierealnego świata do świata codziennej rzeczywistości. Wspaniała żaglówka – statek miłości – jest gotowa do wypłynięcia. Ciepłe, miękkie kolory, stonowane kolory, lekkie pociągnięcia pędzlem, które ledwo dotykały płótna - wszystko to tworzy wyjątkową atmosferę uroku i miłości.
I znowu kocham ziemię za
Jakie są promienie zachodu słońca tak uroczyste,
Lekkim pędzlem Antoine Watteau
Raz dotknęło mojego serca.
G. Iwanow
Jednym z prawdziwych arcydzieł jest obraz Watteau „Gilles” („Pierrot”), stworzony jako znak dla występów wędrownych komików.
Gilles to główny i ulubiony bohater francuskiej komedii masek, zgodny z Pierrotem, bohaterem włoskiej komedii dell'arte. Wydaje się, że to niezdarne, naiwne stworzenie zostało stworzone specjalnie do ciągłych kpin i sztuczek zręcznego i przebiegłego Arlekina. Gilles jest przedstawiony w tradycyjnym białym garniturze z peleryną i okrągłym kapeluszem. Stoi nieruchomo i zagubiony przed widzem, podczas gdy inni komicy zasiadają do odpoczynku. Wygląda na to, że szuka 
sednika, który potrafi go wysłuchać i zrozumieć. Jest coś wzruszającego i pozbawionego ochrony w absurdalnej pozie komika z bezwładnie opuszczonymi rękami i nieruchomym spojrzeniem. W zmęczonym i smutnym wyglądzie błazna czaiła się myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. Emocjonalna otwartość bohatera czyni go jednym z najgłębszych i najbardziej uderzających obrazów w historii malarstwa światowego.
François Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni postrzegali go jako artystę „obłudnika”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże tam, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.
Pędzel artysty należy do szeregu uroczystych portretów kochanki króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Bushowi, niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej dla rezydencji wiejskich i paryskich rezydencji. Na obrazie Madame de Pompadour bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, co przypomina jej upodobania artystyczne i hobby. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperiów. Książka, którą trzyma w ręku, jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne.
Francoisa Busha. Pani Pompadour. 1756 Alte Pinakothek, Monachium
Markiza de Pompadour hojnie podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem Manufaktury Gobelin, a następnie prezesem Akademii Sztuk, nadając mu tytuł „pierwszego malarza królewskiego”.
Francois Boucher niejednokrotnie zwracał się do przedstawiania niepoważnych scen, których głównymi bohaterami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie dziewczęta w postaci mitologicznej Wenus i Diany. Jego obrazy pełne są niejednoznacznych aluzji, pikantnych detali (podniesiony brzeg satynowej spódnicy pasterza, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, baranki przylegające do nóg kochanków w miłość, symboliczne całowanie gołębi itp.). Cóż, artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa światowego Francois Boucher nadal pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego rysunku. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty postaci, dziwaczne sylwetki niemal teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jasne odbicia przezroczystych kolorów nakładanych drobnymi, lekkimi pociągnięciami, gładkie, płynne rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niezrównanym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza korytarzy i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych snów.
Pytania i zadania
1. Dlaczego twórczość N. Poussina nazywana jest szczytem klasycyzmu w malarstwie? W czym i jak wyraził swój ideał piękna? Czy zgadzacie się ze stwierdzeniem artysty, że wszystkie jego dzieła można tematycznie podzielić na „orgię” i „wysublimowane bohaterstwo”? Który z obrazów N. Poussina zainteresował Cię najbardziej? Dlaczego?
2. Czy można zgodzić się z opinią współczesnych, że w twórczości rzeźbiarskiej A. Canovy „pulsuje samo życie”? Wyjaśnij swoją odpowiedź. Jak myślisz, dlaczego A. Canova i B. Thorvaldsen często sięgali po wątki i obrazy mitologiczne? Jakie są cechy charakterystyczne maniery twórczej A. Houdona?
3. Opowiedz nam o A. Watteau i F. Bushu - największych mistrzach „gatunku walecznego” w malarstwie rokokowym. Jakie są główne motywy ich pracy?
warsztaty kreatywne
Porównaj obraz Poussina „Parnas” z freskiem o tym samym tytule autorstwa Rafaela. Co jest wspólnego i jaka jest różnica w sposobie twórczym tych artystów?
Przygotuj pokaz slajdów do wykładu na temat „Rzeźbiarskie arcydzieła klasycyzmu”. Do wybranego materiału dołącz krótkie adnotacje.
Przygotuj artykuł do ilustrowanego magazynu artystycznego o największych mistrzach „gatunku walecznego” (A. Watteau, F. Boucher i O. Fragonard). Spróbuj odzwierciedlić w nim charakterystyczne cechy stylu artystycznego każdego z tych mistrzów.
Napisz krótki esej na temat „O czym mogliby marzyć i rozmawiać bohaterowie obrazów Antoine’a Watteau? „.
Chyba w każdym stylu i gatunku sztuk pięknych można wymienić tych jego przedstawicieli, którzy są ich uosobieniem. I tak na przykład triumf Michała Anioła i Rafaela w malarstwie renesansowym, Peter Paul Rubens w baroku, Gustav Klimt i Alfons Mucha w secesji.
A jeśli mówimy o sztuce rokokowej, to przede wszystkim pamiętane są nazwiska takich mistrzów jak Antoine Watteau i Francois BOUCHER.
Antoine WATTO
Francois BOUCHER
Malarstwo rokokowe i najsłynniejsi mistrzowie tego stylu poświęcone są temu wpisowi, który polecam wszystkim miłośnikom sztuki.
Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie arystokracji dworskiej, „wielkie uroczystości”, idylliczne obrazy „pasterskiego życia” na tle dziewiczej przyrody (tzw. malarstwo pasterskie. Przypomnij sobie gobelin „Pasterka”, jak gdyby wiszący w domu prymasa szlacheckiego Ippolita Matwiejewicza Worobjaninowa, o którym udawał, że pamięta niezapomnianego Ostapa Bendera, gdy poznał archiwistę Korobeinikowa?), świat skomplikowanych romansów i pomysłowych alegorii.
Życie człowieka jest krótkie i ulotne, dlatego trzeba złapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się i poczuć – taka była opinia wielu francuskich arystokratów XVIII wieku, daleka od idei filozofów Oświecenia, którzy zbliżyli się do tego, co wydarzyło się w roku 1789. Pogrążeni w hedonizmie i epikureizmie nie mogli stawić praktycznie żadnego oporu fali rewolucyjnej, która porwała zarówno ich, jak i znany im świat „wyrafinowanych przyjemności”. I to nie przypadek, że po rewolucji francuskiej 1789 r. i terrorze jakobińskim sztuka ponownie dokonała ostrego zwrotu, w wyniku którego wyłonił się taki styl jak imperium.
Swoją drogą, czy pewne podobieństwa historyczne nie są oczywiste?
W poprzednim poście o stylu rokoko pisałam już, że secesję można uznać za jej następcę od ponad wieku. Niezwykła popularność secesji w Rosji na początku XX wieku we wszystkim, od architektury i sztuk pięknych po literaturę i modę, wynika w dużej mierze z tego samego hedonizmu i tym razem rosyjskiej arystokracji i inteligencji (w końcu XX wiek, a nie 18.). Do tego dochodzi jeszcze dekadencja, niezwykle modna wśród młodzieży Rosji na początku XX wieku. Poeta M. Kuzmin, który w Rosji na początku ubiegłego wieku śpiewał „ducha małych rzeczy pięknych i zwiewnych”, jest z pewnością na tej samej fali semantycznej co kochanka Ludwika XV, markiza Pompadour, która oświadczyła: „ Po nas przynajmniej potop.”
Jak wiadomo, ani przedrewolucyjna Francja, ani przedrewolucyjna Rosja nie czekały długo na tę „powódź”. I fakt, że ostatecznie w ZSRR, po eksperymentach z konstruktywizmem w duchu Corbusiera, zatriumfował styl zasadniczo eklektyczny, zwany „stylem imperium stalinowskiego”, również mówi wiele (choć oczywiście tak zwane „imperium stalinowskie styl”, pod względem architektonicznym nie do końca Empire).
Jednak to wprowadziło mnie nieco w paralelizm kulturowo-historyczny. Wróćmy do malarstwa rokokowego, czyli do XVIII wieku.
Dla większości malarzy rokokowych Wenus, Diana, nimfy i amorki przyćmiewają wszystkie inne bóstwa starożytnej mitologii, nie wspominając o tematach chrześcijańskich, które są całkowicie ignorowane. Wszelkiego rodzaju „kąpiel”, „poranne toalety” i chwilowe przyjemności są teraz niemal głównym tematem obrazu.
W modzie stają się egzotyczne nazwy kolorów: „kolor uda przestraszonej nimfy” (miąższ), „kolor róży pływającej w mleku” (blady róż), „kolor straconego czasu” (niebieski) itp. Przejrzyście przemyślane, solidne kompozycje w stylu klasycyzmu ustępują miejsca pełnemu wdzięku i wyrafinowanemu wzorowi.
Antoine WATTO (1684 - 1721) współcześni nazywali go „poetą beztroskiego wypoczynku”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach uwieczniał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach pojawia się przejmujący smutek, poczucie przemijania piękna i ulotności tego, co się dzieje.
Ale ten obraz Antoine’a Watteau, stworzony w 1720 roku jako znak dla występów wędrownych komików, jest jego prawdziwym arcydziełem. Nazywa się to Gillesa.
Gilles to jeden z głównych bohaterów francuskiej komedii masek, zgodny z Pierrotem, bohaterem włoskiej komedii dell'arte. Niezdarna, naiwna istota, jakby specjalnie stworzona do ciągłych kpin i sztuczek zręcznego i przebiegłego Arlekina. W absurdalnej pozie komika, stojącego zagubionego i nieruchomego przed publicznością, można wyczuć jego bezsensowne poszukiwanie rozmówcy, który będzie w stanie go wysłuchać i zrozumieć. Ale na próżno. W zmęczonym i smutnym wyglądzie błazna czaiła się myśl o samotności człowieka zmuszonego do zabawiania i zabawiania znudzonej publiczności. Na tym zdjęciu Antoine Watteau zdawał się podejmować próbę przekroczenia hedonistycznych obyczajów panujących we współczesnym społeczeństwie, co stanowi o wielkości jego talentu.
„Gilles” – główne arcydzieło zmarłego w wieku 36 lat Antoine’a Watteau, zostało napisane przez niego na krótko przed śmiercią. Uważam, że komentarze na ten temat są niepotrzebne.
Francois BOUCHER (1703 - 1770) uważał się za wiernego ucznia Antoine’a Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Drugi widział w nim „artystę – hipokrytę”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże, gdzie inni znajdują tylko ciernie”.
François Boucher namalował kilka uroczystych portretów słynnej kochanki Ludwika XV Markiza Pompadour który patronował artyście.
Najbardziej znanym wizerunkiem markizy autorstwa F. Bouchera jest obraz „Pani Pompadour” 1756, w którym bohaterka ukazana jest w otoczeniu przedmiotów przypominających jej gusta artystyczne i hobby. Jednocześnie książka w jej rękach jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne („Po nas przynajmniej potop!” Pamiętacie? Ona także jest intelektualistką i zwolenniczką edukacji!!!)
Markiza Pompadour hojnie podziękowała artyście, mianując go najpierw dyrektorem fabryki gobelinów (no bo inaczej skąd miałby pochodzić słynny gobelin Pasterka?), A następnie rektorem Akademii Sztuk, nadając mu tytuł „ pierwszy malarz królewski.”
Oprócz wykonywania poleceń francuskiego dworu królewskiego, François Boucher nieustannie uciekał się do przedstawiania wszelkiego rodzaju frywolnych scen, których głównymi bohaterkami były urocze, nieśmiałe pasterki lub pulchne nagie damy w postaci mitologicznej Wenus i Diany.
Jego obrazy pełne są niejednoznacznych podpowiedzi, pikantnych detali (podniesiony brzeg pasterskiej spódnicy, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, baranki przylegające do nóg kochanków, całowanie gołębi itp.).
Cóż, Francois Boucher doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa światowego Francois Boucher do dziś pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wyrafinowanego rysunku, którego obrazy przywołują świat szczęścia, miłości i pięknych snów.
Ale dla każdego, kto uważnie przeczyta ten post, powinno być jasne, dokąd ostatecznie prowadzą te sny.
Dziękuję za uwagę.
Siergiej Worobiow.
Idea rozsądnej prawidłowości świata, piękna natury, ideałów moralnych
Obiektywne odzwierciedlenie otaczającego świata
Pragnienie rozsądnej przejrzystości harmonii, ścisłej prostoty
Kształtowanie smaku estetycznego
Powściągliwość i spokój w manifestowaniu uczuć
Racjonalizm i logika w działaniu
Rokoko jest...
styl w sztuce XVIII wieku, którego charakterystyczną cechą było upodobanie do wykwintnych i skomplikowanych form, dziwacznych linii, przypominających sylwetkę muszli.
43. Rocaille jest…… główny element ozdoby w stylu rokoko, przypominający kształtem zakręt muszli i dziwaczne rośliny.
44. Maszkaron jest .... rodzaj dekoracji rzeźbiarskiej budowli w kształcie głowy ludzkiej lub zwierzęcej Pełna twarz
45. Sentymentalizm to... to nurt w literaturze i sztuce drugiej połowy XVIII wieku, charakteryzujący się wzmożonym zainteresowaniem ludzkimi uczuciami i emocjonalnym podejściem do otaczającego świata, gdzie na pierwszym miejscu stawiana jest miłość do człowieka i przyrody.
Która z wybitnych budowli architektonicznych klasycyzmu nazywana jest „Bajkowym snem”
Rezydencją królów francuskich na obrzeżach Paryża jest Pałac Wersalski.
47. Zasady urbanistyki w dobie klasycyzmu:
Stworzenie idealnego miasta z budynkami wykonanymi według jednego planu. Zespół miejski zaprojektowano na planie kwadratu lub prostokąta. Wewnątrz nich zaplanowano ściśle regularny układ ulic, prostokątny lub promieniście kołowy, z placem miejskim pośrodku.
48. Dlaczego twórczość N. Poussina nazywana jest szczytem klasycyzmu w malarstwie?
N. Poussin - twórca stylu klasycyzmu. Wracając do tematów mitologii starożytnej, historii starożytnej, Biblii, Poussin odsłonił tematykę swojej epoki współczesnej. Swoimi dziełami wychował doskonałą osobowość, pokazując i śpiewając przykłady wysokiej moralności, męstwa obywatelskiego.
N. Poussin
49. Co łączy największych mistrzów „gatunek waleczny”- A. Watteau i F. Boucher
Świat skomplikowanych romansów i życia na tle dziewiczej przyrody.
Wymień kompozytorów klasycyzmu wiedeńskiego.
A – Joseph Haydn, B – Wolfgang Mozart, C – Ludwig van Beethoven
A 
B S 
51. Symfonia to ...(konsonans) utwór na orkiestrę symfoniczną, składający się z 4 części, gdzie pierwsza i ostatnia część mają te same klucze, a środkowe są zapisane w kluczach związanych z główną, co jest ustalone
Powrót do przodu
Uwaga! Podgląd slajdu służy wyłącznie celom informacyjnym i może nie odzwierciedlać pełnego zakresu prezentacji. Jeśli jesteś zainteresowany tą pracą, pobierz pełną wersję.
Sztuki piękne XVIII wieku w najlepszych dziełach charakteryzują się analizą najsubtelniejszych ludzkich doświadczeń, reprodukcją niuansów uczuć i nastrojów. Intymność, liryzm obrazów, ale także analityczna obserwacja to cechy charakterystyczne sztuki XVIII wieku, zarówno w gatunku portretu, jak i w malarstwie codziennym. Te właściwości artystycznego postrzegania życia stanowią wkład XVIII wieku w rozwój światowej kultury artystycznej, choć należy przyznać, że osiągnięto to kosztem utraty powszechnej kompletności w obrazowaniu życia duchowego, integralności w ucieleśnienie estetycznych poglądów społeczeństwa, charakterystycznych dla malarstwa Rubensa, Velazqueza, Rembrandta, Poussina.
ROKOKO („osobliwy”, „kapryśny”; francuski rokoko z rocaille - fragmenty kamieni, muszli), nurt stylistyczny, który dominował w sztuce europejskiej w pierwszych trzech ćwierci XVIII wieku. Było to nie tyle samodzielne zjawisko artystyczne, ile faza, pewien etap paneuropejskiego stylu barokowego. Termin „rokoko” powstał we Francji pod koniec XVIII wieku, w okresie rozkwitu klasycyzmu, jako pogardliwy przydomek dla wszelkiej maniery i pretensjonalności sztuki XVIII wieku: zakrzywiona, kapryśna linia, przypominająca zarysy muszli , jego główna cecha. Sztuka rokoka to świat fikcji i intymnych przeżyć, dekoracyjnej teatralności, wyrafinowania, wyrafinowania, nie ma w niej miejsca na heroizm i patos, zastępuje je gra miłości, fantazji i uroczych bibelotów. Głównymi tematami malarstwa rokokowego są wykwintne życie dworskiej arystokracji, idylliczne obrazy „pasterskiego” życia na tle dziewiczej przyrody, świat skomplikowanych romansów i pomysłowe alegorie. Życie ludzkie jest chwilowe i ulotne, dlatego należy łapać „szczęśliwą chwilę”, spieszyć się, aby żyć i czuć. „Duch uroczych i zwiewnych drobiazgów” staje się motywem przewodnim twórczości wielu artystów „stylu królewskiego”.
Francois Boucher Francois Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Niektórzy nazywali go „artystą łask”, „anakreonem malarstwa”, „malarzem królewskim”. Inni widzieli w nim artystę – „obłudnika”, „który ma wszystko oprócz prawdy”. Jeszcze inni sceptycznie zauważyli: „Jego ręka zbiera róże, gdzie inni znajdują tylko ciernie”. François Boucher (1703-1770) uważał się za wiernego ucznia Watteau. Pędzel artysty należy do szeregu portretów kochanki króla Ludwika XV, markizy de Pompadour. Wiadomo, że patronowała Bushowi, niejednokrotnie zamawiała mu obrazy o tematyce religijnej dla rezydencji wiejskich i paryskich rezydencji. W Madame de Pompadour bohaterka ukazana jest w otoczeniu porozrzucanych kwiatów i luksusowych przedmiotów, co przypomina jej artystyczne upodobania i hobby. Leży po królewsku na tle bujnych, uroczystych draperiów. Książka, którą trzyma w ręku, jest wyraźną oznaką oświecenia i zaangażowania w poszukiwania intelektualne. Markiz hojnie podziękował artyście. Mianując go dyrektorem Manufaktury Tkaniny, a następnie nadając mu tytuł „pierwszego malarza królewskiego”.
Francois Boucher niejednokrotnie zwracał się do przedstawiania niepoważnych scen, których głównymi bohaterami byli uroczi, nieśmiali pasterze lub pulchne nagie dziewczęta w postaci mitologicznej Wenus i Diany. Jego obrazy pełne są niejednoznacznych aluzji, pikantnych detali (podniesiony brzeg satynowej spódnicy pasterskiej, zalotnie uniesiona noga kąpiącej się Diany, palec przyciśnięty do ust, wymowne, zachęcające spojrzenie, symbolicznie całujące gołębie itp.). artysta doskonale znał modę i gusta swojej epoki!
W historii malarstwa Francois Boucher nadal pozostaje wspaniałym mistrzem koloru i wykwintnego rysunku. Dowcipne kompozycje, niezwykłe kąty postaci, dziwaczne sylwetki niemal teatralnej scenerii, bogate akcenty kolorystyczne, jasne odbicia przezroczystych kolorów nakładanych małymi, lekkimi pociągnięciami, płynne rytmy - wszystko to czyni F. Bouchera niezrównanym mistrzem malarstwa. Jego obrazy zamieniają się w dekoracyjne panele, zdobią bujne wnętrza korytarzy i salonów, przywołują do świata szczęścia, miłości i pięknych snów.
FRAGONARD Jean Honore Francuski malarz i rytownik, największy mistrz epoki Ludwika XVI. zasłynął dzięki mistrzowsko zrealizowanym scenom galowym i codziennym, w których rokokowa elegancja łączy się z wiernością naturze, subtelnością efektów świetlnych i lotniczych oraz majestatycznymi starożytnymi ruinami. Oprócz prac tworzonych na podstawie prawdziwych obserwacji tworzy także improwizowane pastorałki, odtwarza scenę z taką żywością, że sprawia wrażenie pisanej z natury.
Antoine’a Watteau- współcześni nazywani „poetą beztroskiego wypoczynku” i „wielkich uroczystości”, „pieśniarzem wdzięku i piękna”. W swoich pracach uwieczniał pikniki w wiecznie zielonych parkach, koncerty muzyczne i teatralne na łonie natury, namiętne wyznania i kłótnie kochanków, idylliczne randki, bale i maskarady. Jednocześnie w jego obrazach jest przejmujący smutek. Poczucie przemijania piękna i efemeryczności tego, co się dzieje.
Watteau znalazł siebie, swój temat, kiedy przybył do Paryża: są to tak zwane galanteryjne uroczystości - arystokratyczne towarzystwo w parku, grające muzykę, tańczące, bezczynne; malarstwo, w którym wydaje się, że nie ma akcji, fabuły - sceny z beztroskiego życia, przekazane z wyrafinowanym wdziękiem. Wszystko to widziane jakby z boku przez szczupłego, nieco ironicznego obserwatora z nutą melancholii i smutku. Kolorystyka Watteau – jedna z najmocniejszych cech jego talentu – opiera się na subtelnych niuansach odcieni szarości, brązu, bladego bzu i żółto-różowego. W obrazach Watteau nigdy nie ma czystego tonu. Podobnie jak w kolorze, podane są wszystkie najsubtelniejsze odcienie uczuć miłosnych. W 1717 roku artysta stworzył jedno z największych dzieł „Pielgrzymka na wyspę Cythera”. Ten obraz odzwierciedla najlepszą paletę uczuć, którą tworzy przede wszystkim sam kolor. Ale to wszystko nie jest miłością, ale grą miłosną, teatrem.
Fiodor Stepanowicz Rokotow- słynny rosyjski portrecista, akademik malarstwa Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu (1765). Życie Fiodora Stepanowicza Rokotowa, najbardziej poetyckiego portrecisty XVIII wieku, przez długi czas pozostawało tajemnicą. Artysta, który za życia cieszył się wielką sławą, po śmierci został zapomniany na całe stulecie.
Jego obrazy znajdują się w wielu muzeach dużych i małych miast Rosji i niestety piękne portrety nazywane są „Portretami nieznanej kobiety”. Na kształtowanie się osobowości F.S. Rokotowa wpłynęła jego znajomość z M.V. Łomonosowem. Wydaje się, że temat godności ludzkiej, który tak wyraźnie brzmi w portretach Rokotowa, został zdeterminowany nie bez wpływu genialnego naukowca i pisarza, jakim był Łomonosow. Dopiero XX wiek przywrócił sztuce rosyjskiej imię F.S. Rokotowa. Ale nawet teraz wiele osób wie o nim jako o autorze jednego lub dwóch obrazów.
Williama Hogartha- angielski grafik i malarz gatunkowy, założyciel i główny przedstawiciel narodowej szkoły malarstwa, Hogarth - wybitny ilustrator, autor rycin satyrycznych, odkrywca nowych gatunków w malarstwie i grafice. Zasłynął dzięki rysunkom satyrycznym i realistycznym portretom. Artysta pozostający pod wpływem idei filozofów Oświecenia wiele swoich dzieł podporządkował zadaniu wychowania w człowieku zasad moralnych i wykorzeniania wad za pomocą twórczości artystycznej.
Najsłynniejsze dzieła Williama Hogartha: cykl rycin „Modne małżeństwo”, „Kariera prostytutki”, „Kariera Mot”, „Wybory do parlamentu”, ryciny „Ulica Piwna”, „Gin Lane”, „Postacie i karykatury”, obrazy „Autoportret”, „Portret Kapitana Korem”, „Dziewczyna z krewetkami”.
Aby skorzystać z podglądu prezentacji utwórz konto Google (konto) i zaloguj się: https://accounts.google.com
Podpisy slajdów:
OBRAZ ROKOKOWSKI „MISTRZ „GATUNKU WSPANIAŁEGO” Antoine Watteau Boucher Francois Wykładowca historii, nauk społecznych, MHK MBOU „Szkoła Średnia nr 48”, Władywostok Shabalina Swietłana Nikołajewna
Plan rokokowy Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Francois Boucher (1703-1770) Plan
Termin „rokoko”, wywodzący się z francuskiego „rocaille” (dosłownie: dekoracja z diamentów i muszli), pojawił się pod koniec XVIII wieku. Rokoko charakteryzuje się odejściem od życia w świat fantazji, zabaw teatralnych, wątków mitologicznych i sytuacji erotycznych. Rokoko
Wykwintne życie arystokracji „Wielkie uroczystości” Obrazy „życia pasterskiego na tle dziewiczej przyrody Życie ludzkie jest chwilowo ulotne, dlatego konieczne jest uchwycenie „szczęśliwej chwili” Główne tematy malarstwa rokokowego
Jean Antoine Watteau (1684 - 1721) Elementy teatralne, maskaradowe są niezwykle charakterystyczne dla malarstwa Watteau. To właśnie waleczne sceny przyniosły mu sławę. „Waleczny można nazwać elegancką bezczynną akcją ludzi spędzających razem wolny czas, której ważnym elementem są flirty i miłosne przygody. Oczywiście z udziałem bohaterów komedii dell” arte w komponowaniu takich scen należy uznać za genialny wynalazek. Piero, Colombina, Harlequin pomogli artyście zatrzeć granicę pomiędzy teatrem a światem zewnętrznym, fikcją a rzeczywistością, intencją a czynem.
Gamma miłości (ok. 1715), National Gallery, Londyn
Radości życia
Dzielny Arlekin i Kolombina 1716-1718. Kolekcja Wallace'a, Londyn.
Komedia francuska (1716)
Uczta wenecka (ok. 1718)
Boucher Francois (Francois Boucher) (1703–1770) Francois Boucher, który oprócz malarstwa zajmował się wszelkiego rodzaju sztuką dekoracyjną i użytkową: tworzył tekturę na gobeliny, rysunki do porcelany Sevres, malował wachlarze, wykonywał miniatury i obrazy dekoracyjne , w przyszłości malowane plafony, panele, obrazy ze scenami mitologicznymi, sielskimi, rodzajowymi, elegancko zalotne portrety, idylliczne pejzaże, utrzymane w delikatnych srebrno-zielonych tonach
Krajobraz w pobliżu Beauvais 1740-1745. Ermitaż w Petersburgu.
Portret markizy de Pompadour 1756. Alte Pinakothek, Monachium
Młyn w Sharaton, lata pięćdziesiąte XVIII wieku. Muzeum Sztuki, Orlean.
Artysta w swojej pracowni, lata 30. XVIII w. Luwr, Paryż.
Modistka 1746. Muzeum Narodowe, Sztokholm.
Porwanie Europy 1732-1734. Kolekcja Wallace'a, Londyn.
Portret żony artysty Marie-Jeanne Busot 1743. Frick Collection, Nowy Jork
Śniadanie 1739. Luwr, Paryż.
