Moda i teatr: jak powstają kostiumy i teatralny dress code. Wykład Anny Bashtovej na temat ubioru teatralnego

W zeszłym tygodniu TheatreALL, Muzeon Arts Park i stowarzyszenie artystyczne CoolConnections zaprezentowały TheatreALL Week w Muzeon, artystka teatralna Vera Martynova oraz stylistka, autorka wizerunku i komentatorka mody Anna Bashtovaya wzięły udział w wykładzie na temat mody i teatru. Główną ideą tego wydarzenia była chęć pokazania zmian zachodzących w kulturze teatralnej na przestrzeni ostatnich kilku lat, opowiedzenie o trudnościach, jakie napotyka widz przy wyborze stroju. W związku z otwarciem dużej liczby nowoczesnych teatrów stosunek do nich stał się prostszy, coraz więcej osób, idąc do spektaklu, stara się nie posuwać się za daleko w „wspaniałości” swojego wyglądu. Oczywiście zachowany jest pełen szacunku stosunek do takich teatrów jak Bolszoj, ale nawet tam można zobaczyć widzów w dżinsach i bluzach. Bohaterowie tygodnia teatralnego postanowili opowiedzieć o tym i wielu innych rzeczach.

Kiedy szkoła zaczęła się, mała sala szkolna była całkowicie wypełniona, wszyscy siedzieli na składanych krzesłach i byli przygotowani do słuchania. Wśród gości byli przedstawiciele różnych pokoleń i zawodów, w tym przedstawiciele Muzeum-Teatru Bułhakowa.

Wykład Very Martynovej o kostiumie teatralnym

Co to jest mundur?

Vera Martynova wyszła na publiczność w czarnej sukience z krótkim rękawem. Według niej taka sukienka nazywa się mundurem. Mundur to coś do zabawy. Warto dodać jasny dodatek lub podwinąć rękawy, a ogólny obraz będzie mienił się zupełnie innymi kolorami. Martynova przywiązuje dużą wagę do reinkarnacji, dotyczy to nie tylko samego kostiumu, ale także aktora, dla którego jest wykonany. Specjalna umiejętność przejawia się, gdy bohater może zmienić się bezpośrednio na scenie, zachowując jednocześnie swój osobisty urok.

W pewnym momencie rozmowa przeradza się z monologu w przyjazną formę rozmowy, goście zaczynają zadawać pytania. Jeden z mężczyzn próbuje zaskoczyć bohaterkę, wyrażając swoją niepewność w wyjaśnianiu zasad pracy artysty - wyboru takiej czy innej sylwetki, wizerunku, detalu. Jednak Vera Martynova odpowiada mu z łatwością i bez cienia irytacji, tłumacząc, że obrazy są gromadzone w procesie myślenia, a każdy szczegół wyjaśnia fabuła i wizja artysty. Próbują wspierać mężczyznę z tylnych rzędów, ale wkrótce ich pytania się kończą, publiczność uspokaja się, a rozmowa znów nabiera pożądanego formatu.

Gdzie zaczyna się kostium?

Każdy kostium jest rodzajem dzieła sztuki, nie sposób wymyślić czegoś uniwersalnego, odpowiedniego na kilka przedstawień. Najtrudniejszą rzeczą dla scenografa teatralnego jest zmuszenie noża do szycia „niewymiarowego”. Na dużym ekranie gościom pokazywane są szkice – zaskakujące, że wyglądają bardziej jak rysunki, bez śladów szwów i rzutek. Martynova tłumaczy, że dla artysty nie ma sensu rysować w szczegółach, jego zadaniem jest tylko pokazanie, jak to powinno wyglądać, reszta to dzieło innego mistrza. Bohaterka wysyła szkice do szycia, a potem cały czas dzwonią do niej, wyjaśniając, że każdy potrzebuje komunikacji na żywo, to jedyny sposób, aby nadać kostiumowi oryginalność, tchnąć w niego życie. To jeden z powodów, dla których wiele szczegółów znajduje na pchlich targach lub w sklepach ze starociami. Według niej te ostatnie w Moskwie są tylko dwa i taniej jest polecieć do Berlina. Vera Martynova kupuje wiele rzeczy w takich sklepach i dla siebie są to ubrania, które przeżyły, zmieniły kilku właścicieli i stały się kostiumem.

„Sen nocy letniej” Dmitrija Krymowa, scenografka Vera Martynova

Bez którego proces tworzenia jest niekompletny...

Dla artysty teatralnego bardzo ważny jest kontakt z rzeczami, z aktorami, z reżyserem. Nie możesz po prostu podejść do niego i powiedzieć: „Chcę, żeby tak wyglądało”. Przed występem z reżyserem Martynova musi go poznać. Mówi, że najpierw piją, idą na spacer, oglądają film, potem idzie rysować, a potem znowu rozmawiają, dyskutują i tak zawsze się dzieje. Czasami Vera Martynova wydaje się, że ma tyle szczęścia i żyje w idealnym świecie.

Gra kontrastów

Jak w każdym innym zawodzie, artyście teatralnemu czasem brakuje pomysłów, wtedy trzeba szeroko otworzyć oczy i spojrzeć, bo inspiracja jest cały czas wokół nas. Następnie wszystko, co widziane, zostaje przekształcone w rysunki i ucieleśnione w kostiumach. Martynova opowiada, jak ona i jej przyjaciółka spacerowały po plaży boso w lekkich letnich ubraniach i obserwowały nieoczekiwaną akcję: nagle otwierają się drzwi jednego z zamków Monako, skąd kobiety w sukniach balowych, na których szyjach i nadgarstkach błyszczą diamenty, i mężczyźni w smokingach. Wtedy ten kontrast uderzył ją tak bardzo, że później stał się podstawą jednego z przedstawień. Ale nie zawsze tak jest, czasami dla artysty nie jest jasne, co chce zobaczyć, i wtedy szkice powstają ze śmieci i dopiero w trakcie dyskusji nabierają kształtu.

Podsumowując, Martynova opowiedziała historię o tym, jak przyjechała do Chorwacji z teczką szkiców. Miała bardzo krótkie włosy i bała się, że zostanie lekko potraktowana, ale jej praca została przyjęta. Dlatego jeśli marzysz o zostaniu artystą, nie bój się ryzykować, spróbuj, na pewno wszystko się ułoży, bo to bardzo ciekawy zawód.

Wykład Anny Bashtovej na temat ubioru teatralnego

Teatr Moskwa

Sasha Podielskaya została ogłoszona jako druga mówczyni, ale z powodu nakładania się harmonogramu nie mogła przyjść, a zamiast niej przemówiła Anna Bashtova. Chciałbym zauważyć, że dziewczyna natychmiast odmówiła mikrofonu, co wprawiło wszystkich obecnych w odpowiedni nastrój. Alexandra rozpoczęła swoje przemówienie cytatem dyrektora kreatywnego Lanvina Albera Elbaza, że Moskwa to wyjątkowe, teatralne miasto. Tylko u nas w teatrze układają się najlepiej, robią makijaż i stylizację. Dostrzegł szczególną urodę i urok w tym, jak kilka pięknych, cudownie ubranych, ale oczywiście nie bogatych dam wyjęło z torebek kanapki i ciasteczka i zaczęło je jeść. Dla tych kobiet nie było problemu, aby ubrać się w najlepsze, poświęcić wiele godzin na przygotowania i nadal przynosić ze sobą jedzenie. Tylko w Moskwie mógł to zobaczyć. I bardzo się z tego cieszył.

Rosja to kraj teatralny, kontynuuje Bashtova, mamy za sobą Czechowa. Ale ostatnio pojawiła się tendencja do uproszczeń, zaczęło nam się wydawać, że ubierając się elegancko, przesadzamy. My zakładamy sukienki, a mężczyźni garnitury, podczas gdy English Modern Theatre sprzedaje piwo i cydr. Wszyscy siedzą i piją – i to normalne, mimo że na scenie grają świetni, znani aktorzy. Tam nie wygląda to dziwnie, ale dla Saszy Bashtovej był to szok. W Rosji stosunek do teatru jest nadal zachowany, jak do czegoś wysokiego. To dobrze, bo robiąc to składamy hołd autorom prac. Szczególnie warto to robić na premierach, kiedy wszyscy uczestnicy produkcji są szalenie zdenerwowani, a reżyser wygląda zza kulis, żeby zobaczyć, jak reaguje publiczność i jak to wygląda.

W co się ubrać do teatru? Co nie jest tego warte?

Ogólnie rzecz biorąc, nie ma czegoś takiego jak teatralny dress code. Wszystko zależy od teatru i produkcji. Jeśli chcesz ubierać się elegancko, ale boisz się posunąć za daleko, zwróć uwagę na kostiumy aktorów, dzięki czemu możesz wymyślić ciekawy wygląd. Na przykład, jeśli wszyscy aktorzy są ubrani na biało, należałoby założyć białą sukienkę lub białą koszulę. Najważniejsze w tym biznesie to nie wstyd. Nie bój się wyróżniać, nawet jeśli jesteś jedyną dziewczyną w sukience. Teraz modna jest sylwetka „Diorian” z puszystą spódnicą - i to jest świetne, z jakiegoś powodu dziewczyny wstydziły się tego nosić. Jeśli masz jeszcze dużo do zrobienia przed teatrem, możesz spokojnie założyć długą sukienkę i trampki. Moskwa nie jest miejscem na obcasy, po prostu dlatego, że jest niewygodna. Jeśli nadal chcesz nosić szpilki do teatru, lepiej włożyć je do torby i zmienić buty przy wejściu. Są jednak rzeczy, które nie będą wyglądały do przyjęcia w żadnym teatrze. Są to podarte dżinsy, legginsy i dresy. Należy je zostawić na ulicę i na jogging.

Czasami zdarza się, że teatr był wzywany po pracy. Jeśli masz ścisły kodeks ubioru, warto zabrać ze sobą jakąś jasną rzecz - szalik, biżuterię lub bluzkę i zmienić ubranie. Umożliwi ci to zmianę stroju do zadań.

Do obrazu należy podchodzić jak do gry, najważniejsze jest, aby nie przesadzać. To w Anglii można nawet chodzić z patelnią na głowie i w torbie, ale w Rosji trzeba zachować umiar.

Tekst: Daria Stiepanowa

W przeddzień otwarcia wyjątkowej platformy artystycznej Vera Martynov, artystka i kuratorka Nowej Przestrzeni Teatru Narodów, opowiedziała Time Out o tym, jak zmienić Moskwę, aby nie smuciła.

W jakim mieście się urodziłeś? A kiedy przeprowadziłeś się do Moskwy?

Formalnie - w Chabarowsku. Przeniesiony w 2001 roku, wydaje się trudny do zapamiętania...

Jak wyobrażałeś sobie Moskwę przed przeprowadzką?

Z czerwonymi murami Kremla, jak w sowieckich podręcznikach. A jednak, sądząc po wiadomościach - zawsze chłodny i energiczny!

Jaki pomysł na Moskwę okazał się fałszywy?

W Moskwie są jednak cudowne, ciepłe, słoneczne dni. I są cudowne!

Co okazało się łatwiejsze niż myślałeś?

Okazało się to trudniejsze niż myślałem...

A trudniejsze?

Bardzo trudno jest zasnąć, uspokoić się i zapamiętać, co chcę zrobić.

Co cię zaskoczyło w Moskwie?

Każdy dzień czymś zaskakuje. Moskwa to połączenie pozornie niekompatybilnych rzeczy.

Do czego jeszcze nie możesz się przyzwyczaić?

Za złe powietrze, przesycone spalinami samochodowymi i ciągłe wycinanie drzew.

Gdzie teraz mieszkasz? A co lubisz w tym obszarze?

Prechistenka. Podoba mi się, że jest blisko i odkryty basen. Podoba mi się, że jest to obszar bez klubów nocnych. I jest wiele pięknych starych rezydencji.

Gdzie najczęściej można Cię spotkać w Moskwie?

Maria Tregubowa

Kto to jest: Ukończyła Moskiewską Państwową Akademię Sztuki, a następnie kurs Dmitrija Krymowa w GITIS, gdzie teraz uczy. Dużo pracowała w Szkole Sztuki Dramatycznej razem z Krymovem, wydając jako scenograf m.in. absurdalną kalkę na podstawie Czechowa „Tararabumbia” i czarno-białą tekturę Opus nr 7 o Szostakowiczu (razem z Verą Martynova). Od kilku sezonów regularnie jest autorem imponujących rozwiązań artystycznych do głównych premier moskiewskich i petersburskich: psychodelicznego antyku „Alicja” w BDT im. Towstonogow; „Pijany” w duchu Tima Burtona i „Mefisto” z czarującymi zasłonami w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. Czechow; „Manon Lescaut” z gigantyczną lalką w Teatrze Bolszoj; spektakl z trójwymiarowymi literami, salą lustrzaną i gęsiami „Czarny Rosjanin”, który jest odtwarzany jednocześnie w kilku salach Domu Spiridonowa; prace na zaproszenie w teatrach w Budapeszcie i Düsseldorfie. Lista jest długa: Maria Tregubova jest również rekordzistką wydajności.

„Alicja” w BDT im. Towstonogów

1 z 3

„Dreamworks* Dream Spełnia się” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. Czechow

2 z 3

„Czarny Rosjanin” w Domu Spiridonowa

3 z 3

Maria Tregubova:„Myślę, że artysta teatralny powinien mieć bardzo szczególny rodzaj myślenia. Teatr generalnie gdzieś się przemieszcza, jak wszystko inne, a granice między zawodami coraz bardziej się zacierają. Artysta musi myśleć nie tylko obrazem, ale także akcją, dramaturgią, muzyką, rytmem i tak dalej. Kiedy nowi studenci są przyjmowani na kurs do Krymowa (w warsztacie Dmitrija Krymowa w GITIS. - Notatka. Ed.), to po prostu staramy się wybierać z całego potoku ludzi właśnie tych, których typ myślenia wydaje się odpowiedni dla tego zawodu. Bardzo często przyjeżdżają najzdolniejsi artyści, którzy na przykład mają talent malarski, ale nie mają w głowie tego dziwnego teatralnego zwrotu. I ktoś może nie umie rysować, ale we wszystkich jego przejawach jest coś, co zdradza artystę myślącego teatralnie. Teraz jestem zainteresowany i chcę spróbować bardzo różnych rzeczy: w zawodzie iw życiu. I właśnie to robię”.

Galya Solodovnikova

Kto to jest: Postacie ze spektakli Teatru Narodów, Teatru Aleksandryńskiego, Permskiego Teatru Opery i Baletu i kilkunastu innych ważnych scen tego kraju obnoszą się w futurystycznych strojach Gali Solodovnikovej. Jako scenograf Solodovnikova częściej niż jej koledzy sugeruje teatralny anglicyzm scenografa. Jego perfekcjonistyczne tonacje i gładkie powierzchnie zamieniają sceny przedstawień w animowaną grafikę komputerową, radykalnie daleką od realistycznej. Takie są wspólne prace Solodovnikova z Philipem Grigoryanem („Full Moon”, „Agatha Returns Home”, „Field”), Maximem Didenko („Ziemia”, „Chapaev and Pustka”) i Kirillem Serebrennikov („Złoty Kogucik”). Mając dwie specjalistyczne wykształcenie (Kosygin Textile University, następnie St. Martin's College of Art and Design w Londynie) i szalone zapotrzebowanie, prowadzi kurs scenografii w brytyjskiej Wyższej Szkole Projektowania.

„Czapajew i pustka” w „Praktyce”

1 z 3

„Małżeństwo” w Teatrze Narodów

2 z 3

Opowieści Hoffmanna w Teatrze Opery i Baletu w Permie

3 z 3

Galia Sołodownikowa:„Polina Bachtina i ja prowadzimy kurs scenografii w brytyjskiej Wyższej Szkole Projektowania. Na kurs przystąpiły 22 osoby, w tym cztery osoby młode. Potem odpadły dwa. Niepokoi nas ta sytuacja! Gdzie idą chłopcy? Dlaczego nie idą do artystów teatralnych? Przecież całkiem niedawno był to zawód męski i w ogóle nie było w nim kobiet. Niedawno zaprosiliśmy Vladimira Arefieva (scenografa teatralnego) na nasz kurs, aby uczyć, a jego pierwsze pytanie brzmiało: „Ilu masz chłopców?” A potem długo z nim rozmawialiśmy na ten temat. W końcu scenograf w starym ujęciu to człowiek, który rozumie, jak wszystko poprawnie złożyć i który sam może wszystko złożyć, jeśli to konieczne. Ale tak już nie jest. Dziś ten zawód jest bardziej kobiecy. Myślę, że radzimy sobie całkiem nieźle.

Podczas pracy nad spektaklem, przy wyborze reżyserii wszystko determinują dla mnie dwa czynniki: gatunek i reżyser. Potrafię stworzyć superrealistyczny świat, w którym wszystko jest prawdziwe, lub odwrotnie, mogę wejść w absolutnie fantastyczny, bardzo abstrakcyjny świat. W rzeczywistości, która wcale nie jest podobna do tej, którą znamy i rozpoznamy.

Lubię tworzyć przestrzeń totalną, w której zanurzenie daje poczucie wychodzenia z pudełka. Pomaga w tym np. wydłużenie horyzontu – stwarza to poczucie nieskończoności. A wszystko, co widzimy na scenie, zamienia się w okno do innej rzeczywistości”.

Ksenia Peretruchina

Kto to jest: Artysta-demonstrator, wzywający do wyprowadzenia widza z równowagi. Do teatralnego świata trafiła ze sztuki współczesnej. Z wykształcenia jest krytykiem filmowym, ukończyła kolejno dwie szkoły sztuki współczesnej: najpierw Rosyjski Państwowy Uniwersytet Humanitarny, potem Fundację Sorosa. Po raz pierwszy została zauważona jako scenograf w Praktika, Teatr.doc i Centrum Dramatu i Reżyserii, pracując z Maratem Gatsalowem, Georgiem Genotem i Michaiłem Ugarowem. W latach 2010 stał się stałym współautorem spektakli minimalistycznego Dmitrija Volkostrelova, realizując instalacje totalne, zupełnie odmienne od tego, co zwykle nazywa się scenografią. Może to być zagajnik brzozowy otaczający publiczność („Rosyjski romans” w Teatrze Narodów), ogród fikusowy w ogromnej piwnicy („Trzy, cztery” w podziemiach Wieży Federacji) i płócienny namiot z widzem miejsca w środku („Trzy dni w piekle” w Teatrze Narodów). Za serię eksperymentalnych spektakli tandem Volkostrelov i Peretrukhina otrzymał specjalną nagrodę od jury Złotej Maski w 2013 roku.

„Rosyjski romans” w Teatrze Narodów

1 z 3

„Oddech” w Teatrze Narodów

2 z 3

„Cantos” w Permskim Teatrze Opery i Baletu

3 z 3

Ksenia Peretruchina:„To, czy widz chodzi, czy siedzi, nie ma znaczenia. Ważne jest, aby doświadczył przemiany. A transformacja jest dokładnie tym, z czym mogę pracować. To znaczy tworzę pewną sytuację przestrzenną, której widz doświadcza w czasie. Można powiedzieć, że jestem podekscytowany niestatyczną scenografią. Zależy mi na tym, że w spektaklu nie ma ani jednego statycznego punktu. Erich Fromm ma taką książkę - "Mieć czy być", gdzie dwie sytuacje są po prostu przeciwstawne: bycie i posiadanie. Posiadanie to jakiś stół, oto jest, mamy go i jest statyczny. A istnienie nie ma statyki, dzieje się cały czas, jest nie do powstrzymania. A teraz interesuje mnie ten moment jako artysta w teatrze. Bo wydaje mi się, że zarówno procesualność, jak i teatr partycypacji dotyczą dynamicznych procesów. Wydaje się ważne, aby dać widzowi to doświadczenie zrozumienia, że życie nie jest punktem, ale dynamicznym procesem.

Larisa Lomakina

Kto to jest: Stały i stały artysta-współautor Konstantina Bogomolowa, najbardziej wstrętnego i bardzo płodnego reżysera. Teatrem zainteresowała się podczas pracy nad projektem kursu w Moskiewskim Instytucie Architektury, a ostatecznie zdecydowała się na zawód po spotkaniu z Igorem Popowem, artystą wszystkich głównych przedstawień Anatolija Wasiliewa. Scenografii Lomakiny nie da się z niczym pomylić - to zawsze zamknięty pawilon jakiejś półoficjalnej przestrzeni, ze ścian, z której dokładnie wysuwają się ekrany plazmowe, a wszelkie przedmioty i meble zapożyczone są wprost ze znanej rzeczywistości.

„Karamazow” w Moskiewskim Teatrze Artystycznym. Czechow

1 z 3

„Gargantua i Pantagruel” w Teatrze Narodów

2 z 3

Pasażerka w Nowej Operze

3 z 3

Larisa Lomakina:„W teatrze wszystko jest połączone ze wszystkim. A jeśli na scenie jest coś, czego widz nie widzi, a artyści widzą, to wpływa to również na publiczność.

Na przykład w sztuce „Gargantua i Pantagruel” wystawianej w Teatrze Narodów jest epizod, w którym bohaterowie lądują na Wyspie Kiełbasy. W tym momencie pokrojona kiełbasa zostaje wyniesiona na scenę na tacy. Wiele różnych odmian. A to wszystko oczywiście pachnie, choć publiczność może tego nie wyczuć – sala wciąż jest duża. Ważne było, aby artyści to poczuli, bo ten zapach i reakcja na niego staje się integralną częścią ich ról. Ostatnio jednak w teatrze zdecydowano, że praktyczniej będzie użyć fałszywej kiełbasy i, niestety, scena już nie śmierdzi. A w spektaklu „Wydarzenie” (w Moskiewskim Teatrze Artystycznym Czechowa. - Notatka. wyd.) do kurtki Igora Vernika przypięta jest specjalna odznaka. Ta ikona jest bardzo dobrze widoczna dla wszystkich aktorów na scenie, ale nie dla publiczności. Jaka ikona - nie powiem.

Olga Nikitina

Kto to jest: Absolwent warsztatu Dmitrija Krymowa w GITIS. Wraz z kolegami z klasy brała udział w spektaklach warsztatów w Studiu na Powarskiej iw „Szkoły Sztuki Dramatycznej” od trzeciego roku. Po ukończeniu studiów zaczęła regularnie otrzymywać zaproszenia do Centrum. Meyerholda, gdzie dziś w scenerii Nikitiny grane są np. spektakle Wiktora Ryżakowa „Sasza wyrzuć śmieci” i „Przestarzały koncert”. W pierwszym przypadku jest to dosłownie instalacja kobiecego dialogu Natalii Worożbit o wojnie w kuchni, w drugim sterylny pawilon projektowy na programowy performance zespołu July Ensemble. Nikitina została nominowana do Złotej Maski 2017 za pracę artystyczną w sztuce Pustka Tver Youth Theatre. Obecnie pracuje nad premierą Madama Butterfly w Operze w Kłajpedzie (Litwa).

"Sasha, wyrzuć śmieci" w Centrum. Meyerhold

1 z 3

„Koncert nienowoczesny” w Centrum. Meyerhold

2 z 3

„Pustka” w Twerskim Teatrze Młodzieży

3 z 3

Olga Nikitina:„Niezależnie od projektu, nad którym pracuję, jestem przyzwyczajony do myślenia nieszablonowego. To znaczy, aby najpierw wymyślić występ w głowie, nie ograniczając się w niczym, a następnie poszukać sposobów dostosowania wszystkiego, co wymyślono, do specyficznych możliwości konkretnego miejsca. I wydaje mi się, że jest to najważniejsza rzecz, jaką dały studia Krymowa (na kursie Dmitrija Krymowa w GITIS. - Notatka. Ed.).

Na przykład, po przeczytaniu sztuki „Sasha, wyjmij śmieci”, od razu zdałem sobie sprawę, że należy ją postawić pod ścianą. A premiera nie odbyła się nawet na scenie, we foyer TsIM. Z tego pomysłu wzięło się wszystko inne - scena jako instalacja, postacie jako obiekty sztuki współczesnej. W końcu wszystko to zostało przeniesione na dużą scenę, gdzie aktorzy zostali dosłownie trzydzieści centymetrów od ściany. Okazało się, że taki kartonowy płaski teatr.
Ilekroć miałem okazję zagrać na tej czy innej dużej scenie, za każdym razem pojawiały się problemy z budżetem. I za każdym razem w trakcie pracy musiałem zrezygnować z 60% pierwotnego planu. Jeśli więc mówimy o teatrze moich marzeń, o jakimś idealnym procesie, to oczywiście zawsze interesowała mnie praca z dużą formą. Abyś mógł pracować bez oglądania się na wysokość sufitu i możliwości techniczne witryny. I naprawdę chciałbym pracować z nowym cyrkiem i operą - gatunkami, w których można bezpiecznie fantazjować i być jak najbardziej wolnym.

Ekaterina Dzhagarova

Kto to jest: Po uzyskaniu dyplomu z architektury w Moskiewskim Instytucie Architektury (warsztat Evgeny Ass), wstąpiła na Wyższe Kursy dla Scenarzystów i Reżyserów. Tam poznała reżyserkę Lerę Surkovą, a w 2013 roku obie zadebiutują ostro towarzyską sztuką Pagans at Theater.doc. Dziś już wiadomo, że bez Dzhagarovej, z jej minimalistycznymi rozwiązaniami, takimi jak przezroczysty ekran w Kedah, Praktika nie byłaby taka, jaką znamy: minimalistyczna, schludna i o nowoczesności.

„Sneakersy” w teatrze „Praktyka”

1 z 3

Dotknięty Teatrem Narodów

2 z 3

„Poganie” w „Teatr.doc”

3 z 3

Ekaterina Dżagarowa:„Korzyści z edukacji architektonicznej w teatrze są ogromne. Na przykład zawsze przyjaźnię się z dyrektorami technicznymi. Przynajmniej dlatego, że dobrze rozumiem, co należy zrobić iz czego.

Ostatnio w pracy nad „Burzam” w Teatrze Wołkowa (występ Denisa Azarowa w Jarosławskim Teatrze Dramatycznym im. Wołkowa. - Notatka. wyd.) po raz pierwszy też odpowiadałam za kostiumy. To bardzo interesujące - jak kostium przechodzi od szkiców do krawiectwa, ze wszystkimi szczegółami. Galya Solodovnikova poradziła mi wtedy, kupiłem wszelkiego rodzaju książki, nauczyłem się wielu nowych rzeczy.

Teraz mam dosłownie wymarzony projekt - to spektakl na podstawie sztuki Andrieja Rodionowa „Dywizjon Nurofen”. My (z reżyserem Ruslanem Malikovem. - Notatka. wyd.) wykonali już szkic na zamknięcie Politeatru na podstawie tej sztuki. Potem praca trwała tylko 10 dni, a wynik wciąż mnie ekscytuje. Szkoda, że materiał ten jest obecnie objęty cenzurą (ze względu na zakaz wulgaryzmów w art. - Notatka. wyd.). Ale wciąż jest nadzieja, że kiedyś to zrobimy. A o obfitości dziewcząt w zawodzie - nie myślałem. Moim zdaniem są ludzie utalentowani lub nie, i nie ma znaczenia, czy są to mężczyźni, czy kobiety.

Polina Bachtina

Kto to jest: W 2003 roku uzyskała dyplom na Moskiewskim Uniwersytecie Poligraficznym na kierunku grafik. Przekroczyła drogę do teatru przez kino, pracując m.in. z Valerią Gai Germanika. Jako scenografka zadebiutowała w Praktice spektaklem Aleksandra Vartanowa The Product. Następnie zbudowała książkę „Fryzjer” (reżyser – Ruslan Malikov). Potem był tekturowy przebój „Cops on Fire” w duchu Gondry, od którego zaczęła się historia współtworzenia z Jurijem Kvyatkovskim. Od niedawna - futurystyczny musical "Łabędź" w Centrum. Meyerhold i hip-hoper Noyz MC „Orfeusz i Eurydyka” w Tesli 4000. Ponadto Polina Bachtina wraz z Galyą Solodovnikovą prowadzi kurs projektowania teatralnego w Wyższej Brytyjskiej Szkole Projektowania. A w 2015 roku otrzymała złoty medal na międzynarodowej wystawie scenografii na Praskim Quadriennale, gdzie reprezentowała Rosję instalacją „Sen Meyerholda” (zespół z Janem Kalnberzinem).

,artysta i reżyser, zdobywca nagrody Złotej Maski:

Luksus to demonstracja dóbr materialnych z ich późniejszym niszczeniem... Ostatnio wszedłem na drogę minimalizacji ilości używanych rzeczy... Minimalizm polega na prostym i jasnym komunikowaniu się z człowiekiem w interesach. Praktyka luksusu w komunikacji zakłada ciągłą fermentację obrazów ozdobnymi gałązkami... Mówiąc o luksusie i minimalizmie rozumiem, że pojęcia te są ze sobą bardzo ściśle powiązane. I dochodzę do wniosku, że minimalizm (i prostota) to największy luksus.Dlaczego nie podoba mi się hierarchiczna struktura teatru? Bo w zasadzie hierarchia nie jest mi bliska, zwłaszcza oficjalna. Nie lubię też pracować z ludźmi bez motywacji, a często można ich spotkać w teatrach.

Wykład Very Martynovej „Luksus i minimalizm” odbył się 7 kwietnia w Domu Czechowa (siedziba Stowarzyszenia „Maneż”). Artystka podzieliła się z publicznością swoimi przemyśleniami na temat minimalizmu i luksusu jako stylu w sztuce i podejściu do życia; o pochodzeniu, znaczeniu, punktach styku i sprzecznościach tych dwóch pojęć.

Vera Martynova jest artystką i reżyserką. Kurator Nowej Przestrzeni Teatru Narodów w Moskwie (od 2016). Od 2004 do 2013 pracowała jako scenograf, projektantka kostiumów i aktorka w Laboratorium Dmitrija Krymowa. Od 2012 do 2014 - główny artysta Centrum Gogola. Autor około 30 spektakli. Jako pedagog współpracuje z Moskiewską Szkołą Teatralną i Brytyjską Wyższą Szkołą Projektowania. Laureat nagrody Edinburgh International Arts Festival Award za „Jak wam się podoba” na podstawie „Snu nocy letniej” Szekspira (2012). Laureatka Złotej Maski w nominacji dla Najlepszego Artysty Teatru za projekt spektaklu Opus 7 (2010) oraz Złotej Maski za spektakl Demon. Widok z góry ”(2008). Otrzymał nagrodę "Złotej Trigi" na międzynarodowej wystawie scenografii i przestrzeni scenicznej Praski Quadriennale (w ramach grupy artystów).

Zdjęcia udostępnione przez serwis prasowy Stowarzyszenia Muzealno-Wystawienniczego "Manege".
Fotograf: Julia Sukhanova
Zdjęcia udostępnione przez serwis prasowy Stowarzyszenia Muzealno-Wystawienniczego "Manege".
Fotograf: Julia Sukhanova

Rysunek Vera Martynova, 2015. Chorwacja - Czarnogóra