Swietłana Obuchowa
O życiu kreteńskiego Domenico Theotokopuli, artysty, który podbił hiszpańskie Toledo pod nazwą El Greco, czyli Greka, prawie nie ma dowodów. „Głupota” jego postaci i dziwny malarski sposób bycia zadziwiły wielu i zmusiły do chwycenia za pióro – ale zachowało się tylko kilka liter. Jedna z nich zawiera następujące wersy: „...pogoda była piękna, wiosenne słońce delikatnie świeciło. To wszystko dawało radość, a miasto wyglądało odświętnie. Wyobraź sobie moje zdziwienie, gdy wszedłem do warsztatu El Greco i zobaczyłem, że okiennice w oknach są zamknięte i dlatego trudno było zobaczyć, co jest w pobliżu. Sam El Greco siedział na stołku i nic nie robił, ale nie spał. Nie chciał ze mną wychodzić, bo według niego światło słoneczne zakłócało jego wewnętrzne światło…”
Nie ma prawie żadnych dowodów na to, że Domenico był człowiekiem, są tylko echa: żył w wielkim stylu, prowadził najbogatszą bibliotekę, czytał wielu filozofów, a także pozywał klientów (był kochany, ale częściej nie rozumiany), umierał prawie w biedzie, - jak cienkie promienie światła dziennego przebijają się przez szczeliny w „zamkniętych okiennicach” jego życia. Ale nie odwracają uwagi od najważniejszego - od wewnętrznego światła, które wypełnia obrazy artysty El Greco. Zwłaszcza portrety.
Nie mają pejzaży, które otwierają się za portretowaną osobą, nie ma mnóstwa szczegółów, które przyciągają ciekawskie oko. Nawet imię bohatera jest często pomijane. Bo to wszystko uniemożliwiłoby zobaczenie twarzy. I oczy, głębokie, ciemne, patrzące prosto na ciebie. Trudno się od nich oderwać, a jeśli się zmusisz, to zobacz gest - i znowu zatrzymaj się w myślach.
Taki jest „Portret pana z ręką na piersi” (1577-1579), napisany przez mistrza wkrótce po przeprowadzce do Toledo. Ten portret jest uznawany za jeden z najlepszych w malarstwie hiszpańskim XVI wieku. Obcokrajowiec El Greco stworzył „żywe obrazy hiszpańskiego życia i historii”, które przedstawiają „prawdziwe żywe istoty, łączące w sobie wszystko, co należy podziwiać w naszym narodzie, wszystko, co heroiczne i niezłomne, z tymi przeciwstawnymi właściwościami, które nie mogą nie zostać odzwierciedlone, bez niszczenia samą jego istotą” (A. Segovia). Arystokraci ze starożytnych rodów Toledo stali się prawdziwymi bohaterami El Greco, zobaczył ich wewnętrzne światło - ich szlachetność i godność, wierność obowiązkom, inteligencję, wyrafinowanie obyczajów, odwagę, zewnętrzną powściągliwość i wewnętrzny impuls, siłę serca, który wie po co żyje i po co umiera...
Dzień po dniu odwiedzający galerię Prado zatrzymują się przed nieznanym hidalgo, zdziwieni słowami: „Jak żywy…” Kim jest ten rycerz? Dlaczego otwiera swoje serce z taką szczerością? Dlaczego jego oczy są tak atrakcyjne? A ten gest przysięgi? A rękojeść miecza?... Może te pytania zrodziły legendę, że ten przedstawiony na portrecie to kolejny wielki Hiszpan: Miguel de Cervantes. Wojownik i pisarz, który opowiedział światu historię rycerza o smutnym wizerunku, który otrzymał ten sam boski dar, co El Greco – widzieć ludzi takimi, jakimi powinni być, widzieć ich wewnętrzne światło…
I inne obrazy z Muzeum Prado w Ermitażu...
El Greco „Chrystus w objęciach krzyża” 1600 - 1605
Przedstawiony na tle burzowego nieba, typowego dla El Greco, Chrystus obejmuje krzyż wdzięcznymi ramionami, spoglądając w górę ze spokojną zagładą. Obraz odniósł wielki sukces, a wiele jego wersji powstało w warsztacie El Greco.
El Greco „Święta Rodzina ze św. Anną i Małym Janem Chrzcicielem” 1600 - 1605
Późny okres twórczości El Greco charakteryzuje się przeszywającymi kolorami i błyskami; przestrzeń jest całkowicie wypełniona postaciami, które zasłaniają horyzont. Formy rysowane wibrującą kreską tracą na materialności. Mały Jan Chrzciciel wzywa widza do milczenia, aby nie zakłócać spokoju Dzieciątka Chrystus...
Velasquez - Portret Filipa IV Portret króla Filipa IV. 1653-1657
Podstawy portretu psychologicznego w sztuce europejskiej położył hiszpański malarz Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Urodził się w biednej szlacheckiej rodzinie w Sewilli, studiował u Herrery Starszego i Pacheco. W 1622 po raz pierwszy przybył do Madrytu. W sensie praktycznym ta podróż nie była zbyt udana - Velasquez nie znalazł dla siebie godnego miejsca. Miał nadzieję spotkać młodego króla Filipa IV, ale do spotkania nie doszło. Mimo to na dwór dotarły pogłoski o młodym artyście i już w następnym roku 1623 pierwszy minister, książę de Olivares (również pochodzący z Sewilli), zaprosił Velázqueza do Madrytu, aby namalował portret króla. Ta praca, która do nas nie dotarła, zrobiła na monarchie tak przyjemne wrażenie, że natychmiast zaproponował Velázquezowi stanowisko nadwornego malarza. Wkrótce między królem a Velasquezem rozwinęły się dość przyjazne stosunki, co nie było zbyt typowe dla porządku panującego na dworze hiszpańskim. Króla, który władał największym imperium na świecie, uważany był nie za człowieka, lecz za bóstwo, a artysta nie mógł nawet liczyć na szlacheckie przywileje, gdyż zarabiał na życie pracą. Tymczasem Filip nakazał, aby odtąd tylko Velasquez malował swoje portrety. Wielki monarcha był zaskakująco hojny i wspierał Velasqueza. W królewskich apartamentach znajdowała się pracownia artysty, w której zainstalowano krzesło dla Jego Królewskiej Mości. Król, który miał klucz do warsztatu, przyjeżdżał tu niemal codziennie, aby obserwować pracę artysty. Podczas służby królewskiej w latach 1623-1660 Velazquez namalował kilkanaście portretów swojego zwierzchnika. Spośród nich sprowadzono do nas nieco ponad 10 obrazów. Tak więc średnio Velasquez przedstawiał swojego zwierzchnika raz na trzy lata. Malowanie portretów króla było dziełem Velasqueza i wykonał to doskonale. Dzięki temu mamy unikalny w swoim rodzaju kompleks dzieł: portrety Velasqueza śledzą drogę życia króla Filipa tak wyraźnie, jak później stało się to zwyczajem dopiero w epoce fotografii. Ewolucja jest wyraźnie widoczna na płótnach artysty. Po pierwsze, zmienia się sam król, 18-latek na pierwszym portrecie i 50-latek na ostatnim, na jego twarzy widnieje piętno wieku i przemian duchowych. Po drugie, pogłębia się postrzeganie przez artystę swojego modela, przechodząc od powierzchownego do wnikliwego. Z biegiem czasu zmienia się sposób prezentacji modela i techniki artystyczne. Maniera Velazqueza ulega przekształceniu pod wpływem jego własnego rozwoju twórczego, a także pod wpływem nowoczesnych tradycji krajowych i zagranicznych. Na tym portrecie z popiersiem Filip IV jest przedstawiony na ciemnym tle, ubrany w czarną szatę z białym kołnierzem, który podkreśla twarz monarchy. Velasquez unika ostentacyjnego luksusu w portrecie króla i pokazuje „ludzką twarz” monarchy bez pochlebstwa i dworskiej przebiegłości. Wyraźnie czujemy, że osoba patrząca na nas z płótna jest nieszczęśliwa, ostatnie lata panowania nie były dla króla łatwe. To osoba, która zaznała rozczarowania, ale jednocześnie - osoba, której ciało jest pełne wrodzonej wielkości, której nic nie może zachwiać. Inny wielki artysta, Hiszpan do szpiku kości - Pablo Ruiz Picasso tak mówi o wizerunku hiszpańskiego króla: „nie możemy sobie wyobrazić innego Filipa IV, z wyjątkiem tego stworzonego przez Velazqueza ...”
„Portret króla Filipa IV” (ok. 1653-1657)
Jeden z ostatnich portretów monarchy. Warto zauważyć, że nie ma tu ani jednego elementu mówiącego o królewskim statusie portretowanej osoby. Velazquez służył Filipowi IV przez prawie czterdzieści lat - od 1623 roku aż do śmierci malował portrety króla i jego rodziny, płótna wielkoformatowe dla Kolekcji Królewskiej.
Diego Velasquez „Portret błazna Don Diego de Acedo” (El Primo) 1644
Diego Velasquez „Portret królowej Marianny Austrii” 1652-1653
Tycjan (Tiziano Vecellio) „Wenus z Kupidynem i organistą” 1555
Muzyk, siedząc u stóp Wenus i podziwiając nagie ciało bogini, gra abstrakcyjną grę z Kupidynem. Jedni widzieli w tym obrazie dzieło czysto erotyczne, inni postrzegali je symbolicznie - jako alegorię uczuć, gdzie wzrok i słuch działają jako narzędzia do zrozumienia piękna i harmonii. Tycjan napisał pięć wersji tego tematu.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Pokutująca Maria Magdalena 1583
Po swoim nawróceniu Maria Magdalena poświęciła swoje życie pokucie i modlitwie, wycofując się ze świata. Na tym płótnie jest przedstawiona wpatrując się w niebiosa i skąpana w boskim świetle. Obraz napisany jest gęstymi ciemnymi kolorami, charakterystycznymi dla stylu Veronese w późnym okresie jego twórczości. Przed wejściem do hiszpańskich zbiorów królewskich dzieło należało do króla angielskiego Karola I (wykonanego w 1649 r.)
Anthony van Dyck „Portret mężczyzny z lutnią” 1622-1632
Anthony Van Dyck swoją sławę zawdzięcza gatunkowi portretowemu, który zajmował dość niską pozycję w hierarchii malarstwa europejskiego. Jednak we Flandrii w tym czasie rozwinęła się już tradycja sztuki portretowej. Van Dyck namalował setki portretów, kilka autoportretów i stał się jednym z twórców ceremonialnego stylu portretowego XVII wieku. W portretach współczesnych ukazywał ich świat intelektualny, emocjonalny, życie duchowe, żywy charakter człowieka.
Tradycyjnym wzorem tego portretu jest Jacob Gautier, lutnista na dworze angielskim w latach 1617-1647, ale obecność miecza, a w większym stopniu cechy stylistyczne dzieła wskazują, że musi ono być datowane znacznie wcześniej niż Podróż Van Dycka do Londynu, która podważa tę teorię. Obecność instrumentu muzycznego nie musi oznaczać, że model był muzykiem. Jako symbol, instrumenty muzyczne były często przedstawiane na portretach, jako wskazówka intelektualnego wyrafinowania i wrażliwości przedstawionych.
Juan Bautista Maino „Adoracja pasterzy” 1612-1614
Jedno z arcydzieł Maino. Zbiór Państwowej Ermitażu zawiera inną wersję tej historii, napisaną przez Maino. Artysta urodził się w Pastranie (Guadalajara) i mieszkał w Rzymie w latach 1604-1610. W tym dziele, napisanym po powrocie do Hiszpanii, wyczuwa się wpływ Caravaggia i Orazio Gentileschi. W 1613 Maino został członkiem zakonu dominikanów, a obraz wszedł do cyklu ołtarzowego klasztoru św. Piotra Męczennika w Toledo.
Georges de Latour "Niewidomy muzyk z lirą" ca. 1625-1630
Latour przedstawia starego, niewidomego muzyka grającego na lirze korbowej, który wielokrotnie powtarzał tę historię. Artysta, który działał pod wpływem stylu Caravaggia, entuzjastycznie odwzorowuje detale – wzór zdobiący instrument muzyczny, zmarszczki na twarzy niewidomego, jego włosy.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseusz uwalniający Andromedę” ca. 1639-1640
Francisco de Goya „Portret Ferdynanda VII” 1814-1815
Po klęsce Napoleona w 1814 roku Ferdynand VII powrócił na tron hiszpański. Na portrecie przedstawiony jest w płaszczu królewskim podszytym gronostajem, z berłem oraz orderami Karola III i Złotym Runem.
Ferdynand VII, który rządził krajem do 1833 r., założył w 1819 r. Muzeum Prado.
Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz” 1805
Maria von Santa Cruz, żona pierwszego dyrektora Prado, była jedną z najbardziej szanowanych kobiet w Hiszpanii swoich czasów.
Na portrecie z 1805 roku Goya przedstawiła markizę jako muzę poezji lirycznej, Euterpe, leżącą na baldachimie iz lirą w lewej ręce. Wybór takiego właśnie obrazu wynika z zamiłowania markizy do poezji.
Francisco Goya - "Jesień (żniwa winogron)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Zbiory winogron. fragment
W latach 1775 - 1792 Goya stworzył siedem serii tekturowych gobelinów dla pałaców Escorial i Prado na obrzeżach Madrytu. W szczególności ten obraz należy do serii pór roku i był przeznaczony do jadalni księcia Asturii w Prado. Goya przedstawił klasyczną fabułę jako codzienną scenę, która oddaje charakter relacji między różnymi klasami – na zdjęciu właściciele winnicy z synem i służącą.
Francisco Goya „Portret generała José de Urrutia” (ok. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - jeden z najwybitniejszych hiszpańskich dowódców wojskowych i jedyny oficer armii niearystokratycznego pochodzenia w XVIII wieku, który osiągnął stopień kapitana generalnego - jest przedstawiany z Orderem św. który został odznaczony przez rosyjską cesarzową Katarzynę Wielką za udział w zdobyciu Oczakowa w czasie kampanii krymskiej w 1789 r.
Peter Paul Rubens „Portret Marii Medycejskiej”. OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) była córką wielkiego księcia Toskanii Francesco I. W 1600 roku została żoną króla Francji Henryka IV. Od 1610 r. była regentką swojego młodego syna, przyszłego króla Ludwika XIII. Rubensa zleciła wykonanie serii prac gloryfikujących siebie i swojego zmarłego męża. Portret przedstawia królową w nakryciu głowy wdowy i na niedokończonym tle.
Domenico Tintoretto "Kobieta obnażająca piersi" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna „Portret Felixa Maximo Lopeza, pierwszego organisty Kaplicy Królewskiej” 1820
Hiszpański malarz neoklasyczny, zachowując przy tym ślady stylu rokoko. Lopez był uważany za jednego z najlepszych malarzy portretowych swoich czasów, ustępujący jedynie Francisco de Goya. W wieku 13 lat rozpoczął studia malarskie w Walencji, a cztery lata później zdobył kilka pierwszych nagród w Akademii San Carlos, dzięki czemu otrzymał stypendium na studia w prestiżowej Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando w stolicy. Po ukończeniu studiów Lopez przez kilka lat pracował w pracowni swojego nauczyciela Mariano Salvadora Maelli. Do 1814 roku, po okupacji francuskiej, López był już dość znanym artystą, więc hiszpański król Ferdynand VII wezwał go do Madrytu i mianował go oficjalnym malarzem dworskim, mimo że „pierwszym królewskim artystą” był sam Francisco Goya. w tym czasie. Vicente López był płodnym artystą, malował na tematy religijne, alegoryczne, historyczne i mitologiczne, ale przede wszystkim był oczywiście portrecistą. W swojej długiej karierze malował portrety niemal wszystkich znanych osobistości w Hiszpanii pierwszej połowy XIX wieku.
Ten portret pierwszego organisty kaplicy królewskiej oraz słynnego muzyka i kompozytora został namalowany na krótko przed śmiercią artysty, a dokończył jego najstarszy syn Ambrosio López.
Anton Raphael Mengs „Portret Marii Louise z Parmy, księżniczki Asturii” 1766
Juan Sanchez Cotán „Martwa natura z dziczyzną, warzywami i owocami” 1602
Don Diego de Acedo jest na dworze od 1635 roku. Oprócz „usługi błazna” pełnił funkcję posłańca królewskiego i był odpowiedzialny za pieczęć króla. Podobno o tych czynnościach mówią przedstawione na zdjęciu książki, dokumenty i materiały piśmiennicze. Uważa się, że portret został namalowany we Fraga, w prowincji Huesca, podczas podróży Filipa IV do Aragonii, w której towarzyszył mu Diego de Acedo. W tle wznosi się szczyt Maliceos z pasma górskiego Guadarrama.
Hieronymus Bosch „Usuwanie kamienia głupoty” 1490
W satyrycznej scenie z postaciami na tle pejzażu przedstawiona jest operacja wydobycia „kamienia głupoty”. Napis pismem gotyckim brzmi: „Mistrzu, szybko usuń kamień. Nazywam się Lubbert Das”. Lubbert to rzeczownik pospolity oznaczający ignorancję i niewinność. Chirurg w nakryciu głowy w formie odwróconego lejka, symbolizującego ignorancję, „wyciąga” kamień (lilię wodną) z głowy łatwowiernego pacjenta i żąda od niego hojnej zapłaty. W tym czasie ludzie o prostych sercach wierzyli, że za ich głupotę odpowiada kamień w głowie. Tego właśnie używali szarlatani.
Rafael (Raffaello Santi) „Święta rodzina z barankiem” 1507
Maryja pomaga małemu Chrystusowi usiąść na baranku – chrześcijańskim symbolu nadchodzącej męki Chrystusa i św. Józef ich obserwuje. Obraz został namalowany we Florencji, gdzie artysta studiował twórczość Leonarda da Vinci pod wpływem jego kompozycji ze Świętą Rodziną. W Muzeum Prado jest to jedyna praca Rafaela napisana we wczesnym okresie.
Albrecht Dürer „Portret nieznanego mężczyzny” ca. 1521
Portret należy do późnego okresu twórczości Dürera. Napisany w sposób zbliżony do stylu artystów holenderskich. Kapelusz z szerokim rondem zwraca uwagę na twarz portretowanej osoby, światło padające z lewej strony skupia na niej uwagę widza. Drugim ogniskiem uwagi na portrecie są dłonie, a przede wszystkim lewe, w których nieznana osoba trzyma zwój – podobno wyjaśniający jego status społeczny.
Rogier Van der Weyden „Lamentacja” ok. 1930 r. 1450
Za wzór posłużył tryptyk ołtarzowy do klasztoru Miraflores (przechowywany w galerii sztuki w Berlinie), stworzony przez Van der Weydena przed 1444 rokiem i powtórzony z pewnymi różnicami. W tej wersji, z górną częścią dodaną w nieznanym okresie, Maryję, Chrystus, św. John i darczyńca (klient obrazu) - członek rodziny Broers - są przedstawieni w tej samej przestrzeni. Artystka ekspresyjnie przekazuje smutek Matki Bożej, przyciskając do piersi ciało zmarłego syna. Grupie tragicznej po lewej stronie przeciwstawia się oddzielona kamieniem postać darczyńcy. Jest w stanie modlitewnej koncentracji. W tamtych czasach klienci często prosili o przedstawienie się na obrazach. Ale ich obrazy zawsze były drugorzędne - gdzieś w tle, w tłumie itp. Tutaj dawca jest przedstawiony na pierwszym planie, ale oddzielony od głównej grupy kamieniem i za pomocą koloru.
Alonso Cano „Martwy Chrystus wsparty przez anioła” 1646 - 1652
Na tle mrocznego krajobrazu anioł podtrzymuje martwe ciało Chrystusa. Niezwykłą ikonografię tego płótna tłumaczy fakt, że kojarzy się ono nie z tekstami ewangelickimi, ale z tzw. Chrystusem św. Grzegorza. Według legendy papież Grzegorz Wielki miał wizję martwego Chrystusa wspieranego przez dwóch aniołów. Kano inaczej zinterpretował tę historię – tylko jeden anioł podtrzymuje nieruchome ciało Chrystusa.
Bartolome Esteban Murillo "Matka Boża Różańcowa" ca. 1650 -1655
Dzieło Bartolome Estebana Murillo dopełnia złoty wiek hiszpańskiego malarstwa. Prace Murillo są nieskazitelnie dokładne w kompozycji, bogate i harmonijne kolorystycznie oraz piękne w najwyższym tego słowa znaczeniu. Jego uczucia są zawsze szczere i delikatne, ale na płótnach Murillo nie ma już tej duchowej siły i głębi, które tak szokują w dziełach jego starszych współczesnych. Życie artysty związane jest z jego rodzinną Sewillą, choć musiał odwiedzić Madryt i inne miasta. Po studiach u miejscowego malarza Juana del Castillo (1584-1640), Murillo dużo pracował na zlecenie klasztorów i świątyń. W 1660 został prezesem Akademii Sztuk Pięknych w Sewilli.
Swoimi płótnami o tematyce religijnej Murillo starał się przynieść pocieszenie i otuchy. To nie przypadek, że bardzo często malował obraz Matki Bożej. Od zdjęcia do zdjęcia obraz Maryi przechodził w postaci ślicznej młodej dziewczyny o regularnych rysach i spokojnym spojrzeniu. Jej niewinny wygląd miał wywołać w widzu uczucie słodkiej czułości. Na tym obrazie Bartolome Murillo przedstawił Madonnę i Jezusa z różańcem, tradycyjnym różańcem katolickim, o którego modlitwie przywiązywano w czasach artysty wielkie znaczenie. W tym dziele nadal widoczne są cechy naturalizmu, które panowały w twórczości przedstawicieli szkoły sewilskiej w pierwszej połowie XVII wieku, ale styl malarski Murillo jest już bardziej swobodny niż we wczesnej twórczości. Ten swobodny sposób jest szczególnie widoczny w przedstawieniu zasłony Matki Boskiej. Artysta używa jasnego światła do podkreślenia postaci na ciemnym tle i stworzenia kontrastu między delikatnymi tonami twarzy Dziewicy i ciała Dzieciątka Chrystus a głębokimi cieniami w fałdach tkanin.
W XVII wieku w Andaluzji obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem był szczególnie pożądany. Murillo, którego twórcze życie spędził w Sewilli, namalował wiele z tych obrazów, nasyconych czułością. W tym przypadku przedstawiona jest Matka Boża z różańcem. I tutaj, podobnie jak we wczesnych latach swojej twórczości, artysta pozostaje wierny swojemu upodobaniu do kontrastów światła i cienia.
Bartolome Esteban Murillo „Dobry Pasterz” 1655-1660
Obraz przesycony jest głębokim liryzmem i życzliwością. Tytuł zaczerpnięty jest z Ewangelii św. Jana: „Ja jestem dobrym pasterzem”. Sugeruje to, że obraz przedstawia Chrystusa, choć w bardzo młodym wieku. Na zdjęciu Murillo wszystko jest piękne i proste. Artysta uwielbiał malować dzieci i całą tę miłość włożył w piękno wizerunku tego chłopca-Boga. W latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XVII wieku, w okresie największego rozkwitu sztuki malarskiej, Murillo dążył do upoetyzowania swoich postaci i często był oskarżany o sentymentalne obrazy i ich celowe piękno. Jednak te oskarżenia nie są do końca słuszne. Przedstawione na zdjęciu dziecko można dziś oglądać zarówno w Sewilli, jak i okolicznych wioskach. I właśnie w tym przejawiała się demokratyczna orientacja twórczości artystki - w zrównaniu piękna Madonny z urodą zwykłych hiszpańskich kobiet, a urody jej syna, małego Chrystusa, z urodą ulicznych chłopczycy.
Alonso Sanchez Coelho „Portret Infante Isabelli Clara Eugenii i Cataliny Michaeli” 1575
Portret księżniczki w wieku 8 i 9 lat trzyma wieniec z kwiatów. Sanchez Coelho malował od najmłodszych lat portrety infantek – ukochanych córek króla Filipa II i jego trzeciej żony Izabeli Walejskiej. Wszystkie portrety wykonane są zgodnie z kanonami portretu dworskiego - dziewczęta we wspaniałych strojach i beznamiętnej mimice.
Anton Raphael Mengs. Portret króla Karola III. 1767
Karol III został nazwany prawdopodobnie jedynym prawdziwie oświeconym monarchą w historii Hiszpanii. To on założył Muzeum Prado w 1785 roku, najpierw jako muzeum historii naturalnej. Karol III marzył, aby Muzeum Prado wraz z sąsiednimi ogrodami botanicznymi stało się ośrodkiem edukacji naukowej.
Po objęciu tronu zaczął przeprowadzać poważne reformy polityczne i gospodarcze, których kraj tak bardzo wówczas potrzebował. Jego wysiłki poszły jednak na marne – jego syn Karol IV nie podzielał postępowych poglądów ojca, a po śmierci Karola III reformy się skończyły.
Ten portret jest absolutnie typowy dla swoich czasów. Artysta każdym detalem zwraca uwagę na pozycję, jaką zajmuje model: płaszcz obszyty gronostajem, krzyż maltański inkrustowany klejnotami, lśniąca zbroja to nieodzowne atrybuty królewskiej wielkości. Bujne draperie i pilaster (element architektury klasycznej) są tradycyjnym tłem dla takich portretów.
Ale już na tym portrecie zaskakuje sposób, w jaki prezentowana jest twarz modelki. Mengs nie próbuje skurczyć swojego przypominającego cebulę królewskiego nosa ani wygładzić zmarszczek na pomarszczonych policzkach. Dzięki maksymalnej indywidualności obraz ten stwarza poczucie życia, którego nie mogli osiągnąć poprzednicy Mengsa. Portret wzbudza współczucie dla Carlosa III, który jest gotów „pokazać” swój niedoskonały wygląd.
Antoine Watteau „Festiwal w parku” 1713 - 1716
Ta urocza scena jest typowym przykładem „dzielnego świętowania” Watteau. Lekka mgła, która zamazuje kontury, posąg Neptuna prawie ukryty w listowiu nad fontanną i wyblakły złoty kolor - wszystko to oddaje atmosferę ostrej, ale ulotnej przyjemności.
Obraz należał do Isabelli Farnese, drugiej żony króla Filipa V.
Antonio Carnicero „Podniesienie balonu na ogrzane powietrze w Aranjuez” 1784
Obraz powstał na zamówienie księcia i księżnej Oswan, oddaje ducha oświecenia, który wzbudził zainteresowanie osiągnięciami postępu naukowego. Przedstawiono prawdziwe wydarzenie: w 1784 r. W Królewskich Ogrodach Aranjuez, w obecności monarchy, członków jego rodziny i dworzan, odbył się lot balonem Montgolfier. Antonio Carnicero był znany ze swoich uroczych scen rodzajowych, a to płótno jest jednym z jego najbardziej ambitnych dzieł.
José de Madrazo y Agudo „Niebiańska miłość i ziemska miłość” 1813
Francisco de Zurbaran „Agnus Dei. Baranek Boży” 1635-1640
Na szarym stole leży jagnię, ostro wyróżniające się na ciemnym tle w ostrym, jasnym świetle. Każdy człowiek w XVII wieku natychmiast rozpoznałby w nim „baranka Bożego” i zrozumiałby, że jest to ślad samoofiary Chrystusa. Wełna jagnięca jest niezwykle wypisana i wydaje się tak miękka, że trudno oderwać wzrok od zwierzęcia i chcieć go dotknąć.
Juan Pantoja de la Cruz "Portret królowej Izabeli Valois" 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz namalował ten portret, powtarzając dzieło Sofonisby Anguischoli – oryginał spłonął w pałacu w 1604 roku. Artysta dodał jedynie pelerynę z futra świstaka do stroju królowej.
Sofonisba Anguixola jest artystką z Cremony, która pracowała na dworze hiszpańskim. Był to pierwszy portret młodej królowej z serii wykonanej przez artystkę. Obraz jest napisany w sposób zbliżony do hiszpańskiego, ale w cieplejszych i jaśniejszych barwach.
Jean Rann „Portret Karola III jako dziecko” 1723
Luis Melendez „Martwa natura z pudełkiem słodyczy, preclem i innymi przedmiotami” 1770
Największy mistrz hiszpańskiej martwej natury XVIII wieku, Luis Melendez, urodził się we Włoszech, w rodzinie miniaturzysty z Asturii. W 1717 r. rodzina przeniosła się do Madrytu, gdzie młody człowiek wstąpił na wydział przygotowawczy Akademii San Fernando, a wśród najzdolniejszych z jej uczniów zajął pierwsze miejsce. Jednak w 1747 roku został zmuszony do opuszczenia Akademii w ślad za ojcem, który został z niej wyrzucony w wyniku konfliktu. W tym okresie Melendez ponownie odwiedza Włochy. Pomagając początkowo ojcu, został miniaturzystą, a wracając z Włoch, został zaproszony przez Ferdynanda VI do ilustrowania książek w Kaplicy Królewskiej w Madrycie. W gatunku martwej natury, do którego artysta zwrócił się na początku lat 60. XVIII wieku, pojawił się nowy aspekt jego twórczości.
Ta martwa natura została napisana w dojrzałym okresie twórczości artysty. W tym czasie w jego kompozycjach pojawiają się luksusowe przedmioty, srebrne naczynia. Mimo to artysta nadal trzyma się swoich ideałów i tworzy zgodnie z gatunkową tradycją. Materialna namacalność każdego z namalowanych na płótnie obiektów sprawia, że przywołujemy najlepsze przykłady martwej natury w sztuce światowej. Wyczuwalne przezroczyste szkło szkła odbija się w matowej, lśniącej powierzchni srebrnego wazonu. Delikatny precel na białej serwetce, pachnie jak świeżo upieczony chleb. Szyjka zamkniętej butelki błyszczy matowo. Srebrny widelec wystaje nieco poza krawędź oświetlonego stołu. W kompozycji tej martwej natury nie ma ascetycznego ułożenia przedmiotów w jednym rzędzie, charakterystycznego np. dla martwych natur Zurbarana. Być może ma to coś wspólnego z holenderskimi samplami. Ale ton jest ciemniejszy, obiekty mniejsze, a kompozycja prostsza.
Juan de Arellano „Kosz kwiatów” 1670
Urodził się w 1614 roku w Santorcase, hiszpański malarz barokowy specjalizujący się w aranżacjach kwiatowych. Początkowo studiował w pracowni nieznanego dziś artysty, ale w wieku 16 lat przeniósł się do Madrytu, gdzie studiował u Juana de Solisa, artysty realizującego zamówienia dla królowej Izabeli. Juan de Arellano długo żył kosztem drobnych zamówień, w tym malowideł ściennych, aż postanowił skupić się wyłącznie na malowaniu kwiatów i stał się niedoścignionym mistrzem w tej dziedzinie. Uważa się, że mistrz zaczął od kopiowania dzieł innych, zwłaszcza włoskich artystów, flamandzkie martwe natury dodały elegancji i rygoru jego stylowi. Później do tego zestawienia dodał własne ustalenia kompozycyjne i charakterystyczną paletę barw.
Charakterystyczna dla Arellano jest dość prosta kompozycja tej martwej natury. Czyste, intensywne kolory roślin wyraźnie wyróżniają się na neutralnym brązowawym tle dzięki intensywnemu oświetleniu.
Być może jednym z najwcześniejszych portretów El Greco stworzonych w Hiszpanii jest tak zwany „Portret dżentelmena z ręką na piersi” (ok. 1577-1579). Świadczy o tym przede wszystkim bardziej tradycyjna, mroczna, malarska maniera zbudowana na odcieniach brązowawych tonów z gęstą gładką kreską. Charakterystyczna jest neutralność psychologiczna interpretacji, która w przyszłości ustąpi miejsca znacznie bardziej aktywnej charakterystyce.
Ten słynny portret El Greco jest niejako obrazem szlachcica swoich czasów wpisanym w ramy kanonu. Elegancki, bardzo spokojny, kładąc prawą rękę na piersi z gestem przekleństwa lub przekonania, nieznany caballero uosabia charakterystyczną cechę hiszpańskiej arystokracji sociego, czyli wyraz w zewnętrznym wyglądzie spokoju, powściągliwości, godności.
Rękojeść miecza Toledo to wymowny szczegół jego surowego wyglądu, czarny garnitur, ozdobiony wysokim kołnierzem i mankietami ze śnieżnobiałej koronki. Antonina Vallantin słusznie zauważa, że ten typ Hiszpana wdarł się na scenę i żył już na kartach powieści, ale aby zostać portretowanym, musiał poczekać na przybycie El Greco do Toledo.
Portret jest jednak nierozerwalnie związany z wewnętrzną niespójnością, ponieważ idealny aspekt obrazu nie do końca odpowiada osobowości portretowanej osoby - przedstawiona jest niezbyt znacząca natura. Wrażenie robi malarska struktura płótna, gdzie twarz i ręka z symbolicznym układem palców wystają z ciemnego tła jako jasne plamy; cenne piękno cienkiej połyskującej koronki, rękojeść miecza, jakby wisząca w powietrzu, nabiera szczególnej kruchości. Oderwanie spojrzenia caballero, obdarzonego typową dla Elgreków dziwacznością, potęguje wyrazistość obrazu.
Swietłana Obuchowa
O życiu kreteńskiego Domenico Theotokopuli, artysty, który podbił hiszpańskie Toledo pod nazwą El Greco, czyli Greka, prawie nie ma dowodów. „Głupota” jego postaci i dziwny malarski sposób bycia zadziwiły wielu i zmusiły do chwycenia za pióro – ale zachowało się tylko kilka liter. Jedna z nich zawiera następujące wersy: „...pogoda była piękna, wiosenne słońce delikatnie świeciło. To wszystko dawało radość, a miasto wyglądało odświętnie. Wyobraź sobie moje zdziwienie, gdy wszedłem do warsztatu El Greco i zobaczyłem, że okiennice w oknach są zamknięte i dlatego trudno było zobaczyć, co jest w pobliżu. Sam El Greco siedział na stołku i nic nie robił, ale nie spał. Nie chciał ze mną wychodzić, bo według niego światło słoneczne zakłócało jego wewnętrzne światło…”
Nie ma prawie żadnych dowodów na to, że Domenico był człowiekiem, są tylko echa: żył w wielkim stylu, prowadził najbogatszą bibliotekę, czytał wielu filozofów, a także pozywał klientów (był kochany, ale częściej nie rozumiany), umierał prawie w biedzie, - jak cienkie promienie światła dziennego przebijają się przez szczeliny w „zamkniętych okiennicach” jego życia. Ale nie odwracają uwagi od najważniejszego - od wewnętrznego światła, które wypełnia obrazy artysty El Greco. Zwłaszcza portrety.
Nie mają pejzaży, które otwierają się za portretowaną osobą, nie ma mnóstwa szczegółów, które przyciągają ciekawskie oko. Nawet imię bohatera jest często pomijane. Bo to wszystko uniemożliwiłoby zobaczenie twarzy. I oczy, głębokie, ciemne, patrzące prosto na ciebie. Trudno się od nich oderwać, a jeśli się zmusisz, to zobacz gest - i znowu zatrzymaj się w myślach.
Taki jest „Portret pana z ręką na piersi” (1577-1579), napisany przez mistrza wkrótce po przeprowadzce do Toledo. Ten portret jest uznawany za jeden z najlepszych w malarstwie hiszpańskim XVI wieku. Obcokrajowiec El Greco stworzył „żywe obrazy hiszpańskiego życia i historii”, które przedstawiają „prawdziwe żywe istoty, łączące w sobie wszystko, co należy podziwiać w naszym narodzie, wszystko, co heroiczne i niezłomne, z tymi przeciwstawnymi właściwościami, które nie mogą nie zostać odzwierciedlone, bez niszczenia samą jego istotą” (A. Segovia). Arystokraci ze starożytnych rodów Toledo stali się prawdziwymi bohaterami El Greco, zobaczył ich wewnętrzne światło - ich szlachetność i godność, wierność obowiązkom, inteligencję, wyrafinowanie obyczajów, odwagę, zewnętrzną powściągliwość i wewnętrzny impuls, siłę serca, który wie po co żyje i po co umiera...
Dzień po dniu odwiedzający galerię Prado zatrzymują się przed nieznanym hidalgo, zdziwieni słowami: „Jak żywy…” Kim jest ten rycerz? Dlaczego otwiera swoje serce z taką szczerością? Dlaczego jego oczy są tak atrakcyjne? A ten gest przysięgi? A rękojeść miecza?... Może te pytania zrodziły legendę, że ten przedstawiony na portrecie to kolejny wielki Hiszpan: Miguel de Cervantes. Wojownik i pisarz, który opowiedział światu historię rycerza o smutnym wizerunku, który otrzymał ten sam boski dar, co El Greco – widzieć ludzi takimi, jakimi powinni być, widzieć ich wewnętrzne światło…
I inne obrazy z Muzeum Prado w Ermitażu...
El Greco „Chrystus w objęciach krzyża” 1600 - 1605
Przedstawiony na tle burzowego nieba, typowego dla El Greco, Chrystus obejmuje krzyż wdzięcznymi ramionami, spoglądając w górę ze spokojną zagładą. Obraz odniósł wielki sukces, a wiele jego wersji powstało w warsztacie El Greco.
El Greco „Święta Rodzina ze św. Anną i Małym Janem Chrzcicielem” 1600 - 1605
Późny okres twórczości El Greco charakteryzuje się przeszywającymi kolorami i błyskami; przestrzeń jest całkowicie wypełniona postaciami, które zasłaniają horyzont. Formy rysowane wibrującą kreską tracą na materialności. Mały Jan Chrzciciel wzywa widza do milczenia, aby nie zakłócać spokoju Dzieciątka Chrystus...
Velasquez - Portret Filipa IV Portret króla Filipa IV. 1653-1657
Podstawy portretu psychologicznego w sztuce europejskiej położył hiszpański malarz Diego Rodriguez de Silva Velazquez. Urodził się w biednej szlacheckiej rodzinie w Sewilli, studiował u Herrery Starszego i Pacheco. W 1622 po raz pierwszy przybył do Madrytu. W sensie praktycznym ta podróż nie była zbyt udana - Velasquez nie znalazł dla siebie godnego miejsca. Miał nadzieję spotkać młodego króla Filipa IV, ale do spotkania nie doszło. Mimo to na dwór dotarły pogłoski o młodym artyście i już w następnym roku 1623 pierwszy minister, książę de Olivares (również pochodzący z Sewilli), zaprosił Velázqueza do Madrytu, aby namalował portret króla. Ta praca, która do nas nie dotarła, zrobiła na monarchie tak przyjemne wrażenie, że natychmiast zaproponował Velázquezowi stanowisko nadwornego malarza. Wkrótce między królem a Velasquezem rozwinęły się dość przyjazne stosunki, co nie było zbyt typowe dla porządku panującego na dworze hiszpańskim. Króla, który władał największym imperium na świecie, uważany był nie za człowieka, lecz za bóstwo, a artysta nie mógł nawet liczyć na szlacheckie przywileje, gdyż zarabiał na życie pracą. Tymczasem Filip nakazał, aby odtąd tylko Velasquez malował swoje portrety. Wielki monarcha był zaskakująco hojny i wspierał Velasqueza. W królewskich apartamentach znajdowała się pracownia artysty, w której zainstalowano krzesło dla Jego Królewskiej Mości. Król, który miał klucz do warsztatu, przyjeżdżał tu niemal codziennie, aby obserwować pracę artysty. Podczas służby królewskiej w latach 1623-1660 Velazquez namalował kilkanaście portretów swojego zwierzchnika. Spośród nich sprowadzono do nas nieco ponad 10 obrazów. Tak więc średnio Velasquez przedstawiał swojego zwierzchnika raz na trzy lata. Malowanie portretów króla było dziełem Velasqueza i wykonał to doskonale. Dzięki temu mamy unikalny w swoim rodzaju kompleks dzieł: portrety Velasqueza śledzą drogę życia króla Filipa tak wyraźnie, jak później stało się to zwyczajem dopiero w epoce fotografii. Ewolucja jest wyraźnie widoczna na płótnach artysty. Po pierwsze, zmienia się sam król, 18-latek na pierwszym portrecie i 50-latek na ostatnim, na jego twarzy widnieje piętno wieku i przemian duchowych. Po drugie, pogłębia się postrzeganie przez artystę swojego modela, przechodząc od powierzchownego do wnikliwego. Z biegiem czasu zmienia się sposób prezentacji modela i techniki artystyczne. Maniera Velazqueza ulega przekształceniu pod wpływem jego własnego rozwoju twórczego, a także pod wpływem nowoczesnych tradycji krajowych i zagranicznych. Na tym portrecie z popiersiem Filip IV jest przedstawiony na ciemnym tle, ubrany w czarną szatę z białym kołnierzem, który podkreśla twarz monarchy. Velasquez unika ostentacyjnego luksusu w portrecie króla i pokazuje „ludzką twarz” monarchy bez pochlebstwa i dworskiej przebiegłości. Wyraźnie czujemy, że osoba patrząca na nas z płótna jest nieszczęśliwa, ostatnie lata panowania nie były dla króla łatwe. To osoba, która zaznała rozczarowania, ale jednocześnie - osoba, której ciało jest pełne wrodzonej wielkości, której nic nie może zachwiać. Inny wielki artysta, Hiszpan do szpiku kości - Pablo Ruiz Picasso tak mówi o wizerunku hiszpańskiego króla: „nie możemy sobie wyobrazić innego Filipa IV, z wyjątkiem tego stworzonego przez Velazqueza ...”
„Portret króla Filipa IV” (ok. 1653-1657)
Jeden z ostatnich portretów monarchy. Warto zauważyć, że nie ma tu ani jednego elementu mówiącego o królewskim statusie portretowanej osoby. Velazquez służył Filipowi IV przez prawie czterdzieści lat - od 1623 roku aż do śmierci malował portrety króla i jego rodziny, płótna wielkoformatowe dla Kolekcji Królewskiej.
Diego Velasquez „Portret błazna Don Diego de Acedo” (El Primo) 1644
Diego Velasquez „Portret królowej Marianny Austrii” 1652-1653
Tycjan (Tiziano Vecellio) „Wenus z Kupidynem i organistą” 1555
Muzyk, siedząc u stóp Wenus i podziwiając nagie ciało bogini, gra abstrakcyjną grę z Kupidynem. Jedni widzieli w tym obrazie dzieło czysto erotyczne, inni postrzegali je symbolicznie - jako alegorię uczuć, gdzie wzrok i słuch działają jako narzędzia do zrozumienia piękna i harmonii. Tycjan napisał pięć wersji tego tematu.
Paolo Veronese (Paolo Cagliari) - Pokutująca Maria Magdalena 1583
Po swoim nawróceniu Maria Magdalena poświęciła swoje życie pokucie i modlitwie, wycofując się ze świata. Na tym płótnie jest przedstawiona wpatrując się w niebiosa i skąpana w boskim świetle. Obraz napisany jest gęstymi ciemnymi kolorami, charakterystycznymi dla stylu Veronese w późnym okresie jego twórczości. Przed wejściem do hiszpańskich zbiorów królewskich dzieło należało do króla angielskiego Karola I (wykonanego w 1649 r.)
Anthony van Dyck „Portret mężczyzny z lutnią” 1622-1632
Anthony Van Dyck swoją sławę zawdzięcza gatunkowi portretowemu, który zajmował dość niską pozycję w hierarchii malarstwa europejskiego. Jednak we Flandrii w tym czasie rozwinęła się już tradycja sztuki portretowej. Van Dyck namalował setki portretów, kilka autoportretów i stał się jednym z twórców ceremonialnego stylu portretowego XVII wieku. W portretach współczesnych ukazywał ich świat intelektualny, emocjonalny, życie duchowe, żywy charakter człowieka.
Tradycyjnym wzorem tego portretu jest Jacob Gautier, lutnista na dworze angielskim w latach 1617-1647, ale obecność miecza, a w większym stopniu cechy stylistyczne dzieła wskazują, że musi ono być datowane znacznie wcześniej niż Podróż Van Dycka do Londynu, która podważa tę teorię. Obecność instrumentu muzycznego nie musi oznaczać, że model był muzykiem. Jako symbol, instrumenty muzyczne były często przedstawiane na portretach, jako wskazówka intelektualnego wyrafinowania i wrażliwości przedstawionych.
Juan Bautista Maino „Adoracja pasterzy” 1612-1614
Jedno z arcydzieł Maino. Zbiór Państwowej Ermitażu zawiera inną wersję tej historii, napisaną przez Maino. Artysta urodził się w Pastranie (Guadalajara) i mieszkał w Rzymie w latach 1604-1610. W tym dziele, napisanym po powrocie do Hiszpanii, wyczuwa się wpływ Caravaggia i Orazio Gentileschi. W 1613 Maino został członkiem zakonu dominikanów, a obraz wszedł do cyklu ołtarzowego klasztoru św. Piotra Męczennika w Toledo.
Georges de Latour "Niewidomy muzyk z lirą" ca. 1625-1630
Latour przedstawia starego, niewidomego muzyka grającego na lirze korbowej, który wielokrotnie powtarzał tę historię. Artysta, który działał pod wpływem stylu Caravaggia, entuzjastycznie odwzorowuje detale – wzór zdobiący instrument muzyczny, zmarszczki na twarzy niewidomego, jego włosy.
Peter Paul Rubens, Jacob Jordaens „Perseusz uwalniający Andromedę” ca. 1639-1640
Francisco de Goya „Portret Ferdynanda VII” 1814-1815
Po klęsce Napoleona w 1814 roku Ferdynand VII powrócił na tron hiszpański. Na portrecie przedstawiony jest w płaszczu królewskim podszytym gronostajem, z berłem oraz orderami Karola III i Złotym Runem.
Ferdynand VII, który rządził krajem do 1833 r., założył w 1819 r. Muzeum Prado.
Francisco de Goya „Maria von Santa Cruz” 1805
Maria von Santa Cruz, żona pierwszego dyrektora Prado, była jedną z najbardziej szanowanych kobiet w Hiszpanii swoich czasów.
Na portrecie z 1805 roku Goya przedstawiła markizę jako muzę poezji lirycznej, Euterpe, leżącą na baldachimie iz lirą w lewej ręce. Wybór takiego właśnie obrazu wynika z zamiłowania markizy do poezji.
Francisco Goya - "Jesień (żniwa winogron)" 1786 - 1787
Francisco Goya - Zbiory winogron. fragment
W latach 1775 - 1792 Goya stworzył siedem serii tekturowych gobelinów dla pałaców Escorial i Prado na obrzeżach Madrytu. W szczególności ten obraz należy do serii pór roku i był przeznaczony do jadalni księcia Asturii w Prado. Goya przedstawił klasyczną fabułę jako codzienną scenę, która oddaje charakter relacji między różnymi klasami – na zdjęciu właściciele winnicy z synem i służącą.
Francisco Goya „Portret generała José de Urrutia” (ok. 1798)
José de Urrutia (1739 - 1809) - jeden z najwybitniejszych hiszpańskich dowódców wojskowych i jedyny oficer armii niearystokratycznego pochodzenia w XVIII wieku, który osiągnął stopień kapitana generalnego - jest przedstawiany z Orderem św. który został odznaczony przez rosyjską cesarzową Katarzynę Wielką za udział w zdobyciu Oczakowa w czasie kampanii krymskiej w 1789 r.
Peter Paul Rubens „Portret Marii Medycejskiej”. OK. 1622-1625.
Maria Medici (1573 - 1642) była córką wielkiego księcia Toskanii Francesco I. W 1600 roku została żoną króla Francji Henryka IV. Od 1610 r. była regentką swojego młodego syna, przyszłego króla Ludwika XIII. Rubensa zleciła wykonanie serii prac gloryfikujących siebie i swojego zmarłego męża. Portret przedstawia królową w nakryciu głowy wdowy i na niedokończonym tle.
Domenico Tintoretto "Kobieta obnażająca piersi" ca. 1580-1590
Viscente Lopez Portagna „Portret Felixa Maximo Lopeza, pierwszego organisty Kaplicy Królewskiej” 1820
Hiszpański malarz neoklasyczny, zachowując przy tym ślady stylu rokoko. Lopez był uważany za jednego z najlepszych malarzy portretowych swoich czasów, ustępujący jedynie Francisco de Goya. W wieku 13 lat rozpoczął studia malarskie w Walencji, a cztery lata później zdobył kilka pierwszych nagród w Akademii San Carlos, dzięki czemu otrzymał stypendium na studia w prestiżowej Królewskiej Akademii Sztuk Pięknych w San Fernando w stolicy. Po ukończeniu studiów Lopez przez kilka lat pracował w pracowni swojego nauczyciela Mariano Salvadora Maelli. Do 1814 roku, po okupacji francuskiej, López był już dość znanym artystą, więc hiszpański król Ferdynand VII wezwał go do Madrytu i mianował go oficjalnym malarzem dworskim, mimo że „pierwszym królewskim artystą” był sam Francisco Goya. w tym czasie. Vicente López był płodnym artystą, malował na tematy religijne, alegoryczne, historyczne i mitologiczne, ale przede wszystkim był oczywiście portrecistą. W swojej długiej karierze malował portrety niemal wszystkich znanych osobistości w Hiszpanii pierwszej połowy XIX wieku.
Ten portret pierwszego organisty kaplicy królewskiej oraz słynnego muzyka i kompozytora został namalowany na krótko przed śmiercią artysty, a dokończył jego najstarszy syn Ambrosio López.
Anton Raphael Mengs „Portret Marii Louise z Parmy, księżniczki Asturii” 1766
Juan Sanchez Cotán „Martwa natura z dziczyzną, warzywami i owocami” 1602
Don Diego de Acedo jest na dworze od 1635 roku. Oprócz „usługi błazna” pełnił funkcję posłańca królewskiego i był odpowiedzialny za pieczęć króla. Podobno o tych czynnościach mówią przedstawione na zdjęciu książki, dokumenty i materiały piśmiennicze. Uważa się, że portret został namalowany we Fraga, w prowincji Huesca, podczas podróży Filipa IV do Aragonii, w której towarzyszył mu Diego de Acedo. W tle wznosi się szczyt Maliceos z pasma górskiego Guadarrama.
Hieronymus Bosch „Usuwanie kamienia głupoty” 1490
W satyrycznej scenie z postaciami na tle pejzażu przedstawiona jest operacja wydobycia „kamienia głupoty”. Napis pismem gotyckim brzmi: „Mistrzu, szybko usuń kamień. Nazywam się Lubbert Das”. Lubbert to rzeczownik pospolity oznaczający ignorancję i niewinność. Chirurg w nakryciu głowy w formie odwróconego lejka, symbolizującego ignorancję, „wyciąga” kamień (lilię wodną) z głowy łatwowiernego pacjenta i żąda od niego hojnej zapłaty. W tym czasie ludzie o prostych sercach wierzyli, że za ich głupotę odpowiada kamień w głowie. Tego właśnie używali szarlatani.
Rafael (Raffaello Santi) „Święta rodzina z barankiem” 1507
Maryja pomaga małemu Chrystusowi usiąść na baranku – chrześcijańskim symbolu nadchodzącej męki Chrystusa i św. Józef ich obserwuje. Obraz został namalowany we Florencji, gdzie artysta studiował twórczość Leonarda da Vinci pod wpływem jego kompozycji ze Świętą Rodziną. W Muzeum Prado jest to jedyna praca Rafaela napisana we wczesnym okresie.
Albrecht Dürer „Portret nieznanego mężczyzny” ca. 1521
Portret należy do późnego okresu twórczości Dürera. Napisany w sposób zbliżony do stylu artystów holenderskich. Kapelusz z szerokim rondem zwraca uwagę na twarz portretowanej osoby, światło padające z lewej strony skupia na niej uwagę widza. Drugim ogniskiem uwagi na portrecie są dłonie, a przede wszystkim lewe, w których nieznana osoba trzyma zwój – podobno wyjaśniający jego status społeczny.
Rogier Van der Weyden „Lamentacja” ok. 1930 r. 1450
Za wzór posłużył tryptyk ołtarzowy do klasztoru Miraflores (przechowywany w galerii sztuki w Berlinie), stworzony przez Van der Weydena przed 1444 rokiem i powtórzony z pewnymi różnicami. W tej wersji, z górną częścią dodaną w nieznanym okresie, Maryję, Chrystus, św. John i darczyńca (klient obrazu) - członek rodziny Broers - są przedstawieni w tej samej przestrzeni. Artystka ekspresyjnie przekazuje smutek Matki Bożej, przyciskając do piersi ciało zmarłego syna. Grupie tragicznej po lewej stronie przeciwstawia się oddzielona kamieniem postać darczyńcy. Jest w stanie modlitewnej koncentracji. W tamtych czasach klienci często prosili o przedstawienie się na obrazach. Ale ich obrazy zawsze były drugorzędne - gdzieś w tle, w tłumie itp. Tutaj dawca jest przedstawiony na pierwszym planie, ale oddzielony od głównej grupy kamieniem i za pomocą koloru.
Alonso Cano „Martwy Chrystus wsparty przez anioła” 1646 - 1652
Na tle mrocznego krajobrazu anioł podtrzymuje martwe ciało Chrystusa. Niezwykłą ikonografię tego płótna tłumaczy fakt, że kojarzy się ono nie z tekstami ewangelickimi, ale z tzw. Chrystusem św. Grzegorza. Według legendy papież Grzegorz Wielki miał wizję martwego Chrystusa wspieranego przez dwóch aniołów. Kano inaczej zinterpretował tę historię – tylko jeden anioł podtrzymuje nieruchome ciało Chrystusa.
Bartolome Esteban Murillo "Matka Boża Różańcowa" ca. 1650 -1655
Dzieło Bartolome Estebana Murillo dopełnia złoty wiek hiszpańskiego malarstwa. Prace Murillo są nieskazitelnie dokładne w kompozycji, bogate i harmonijne kolorystycznie oraz piękne w najwyższym tego słowa znaczeniu. Jego uczucia są zawsze szczere i delikatne, ale na płótnach Murillo nie ma już tej duchowej siły i głębi, które tak szokują w dziełach jego starszych współczesnych. Życie artysty związane jest z jego rodzinną Sewillą, choć musiał odwiedzić Madryt i inne miasta. Po studiach u miejscowego malarza Juana del Castillo (1584-1640), Murillo dużo pracował na zlecenie klasztorów i świątyń. W 1660 został prezesem Akademii Sztuk Pięknych w Sewilli.
Swoimi płótnami o tematyce religijnej Murillo starał się przynieść pocieszenie i otuchy. To nie przypadek, że bardzo często malował obraz Matki Bożej. Od zdjęcia do zdjęcia obraz Maryi przechodził w postaci ślicznej młodej dziewczyny o regularnych rysach i spokojnym spojrzeniu. Jej niewinny wygląd miał wywołać w widzu uczucie słodkiej czułości. Na tym obrazie Bartolome Murillo przedstawił Madonnę i Jezusa z różańcem, tradycyjnym różańcem katolickim, o którego modlitwie przywiązywano w czasach artysty wielkie znaczenie. W tym dziele nadal widoczne są cechy naturalizmu, które panowały w twórczości przedstawicieli szkoły sewilskiej w pierwszej połowie XVII wieku, ale styl malarski Murillo jest już bardziej swobodny niż we wczesnej twórczości. Ten swobodny sposób jest szczególnie widoczny w przedstawieniu zasłony Matki Boskiej. Artysta używa jasnego światła do podkreślenia postaci na ciemnym tle i stworzenia kontrastu między delikatnymi tonami twarzy Dziewicy i ciała Dzieciątka Chrystus a głębokimi cieniami w fałdach tkanin.
W XVII wieku w Andaluzji obraz Matki Boskiej z Dzieciątkiem był szczególnie pożądany. Murillo, którego twórcze życie spędził w Sewilli, namalował wiele z tych obrazów, nasyconych czułością. W tym przypadku przedstawiona jest Matka Boża z różańcem. I tutaj, podobnie jak we wczesnych latach swojej twórczości, artysta pozostaje wierny swojemu upodobaniu do kontrastów światła i cienia.
Bartolome Esteban Murillo „Dobry Pasterz” 1655-1660
Obraz przesycony jest głębokim liryzmem i życzliwością. Tytuł zaczerpnięty jest z Ewangelii św. Jana: „Ja jestem dobrym pasterzem”. Sugeruje to, że obraz przedstawia Chrystusa, choć w bardzo młodym wieku. Na zdjęciu Murillo wszystko jest piękne i proste. Artysta uwielbiał malować dzieci i całą tę miłość włożył w piękno wizerunku tego chłopca-Boga. W latach sześćdziesiątych i siedemdziesiątych XVII wieku, w okresie największego rozkwitu sztuki malarskiej, Murillo dążył do upoetyzowania swoich postaci i często był oskarżany o sentymentalne obrazy i ich celowe piękno. Jednak te oskarżenia nie są do końca słuszne. Przedstawione na zdjęciu dziecko można dziś oglądać zarówno w Sewilli, jak i okolicznych wioskach. I właśnie w tym przejawiała się demokratyczna orientacja twórczości artystki - w zrównaniu piękna Madonny z urodą zwykłych hiszpańskich kobiet, a urody jej syna, małego Chrystusa, z urodą ulicznych chłopczycy.
Alonso Sanchez Coelho „Portret Infante Isabelli Clara Eugenii i Cataliny Michaeli” 1575
Portret księżniczki w wieku 8 i 9 lat trzyma wieniec z kwiatów. Sanchez Coelho malował od najmłodszych lat portrety infantek – ukochanych córek króla Filipa II i jego trzeciej żony Izabeli Walejskiej. Wszystkie portrety wykonane są zgodnie z kanonami portretu dworskiego - dziewczęta we wspaniałych strojach i beznamiętnej mimice.
Anton Raphael Mengs. Portret króla Karola III. 1767
Karol III został nazwany prawdopodobnie jedynym prawdziwie oświeconym monarchą w historii Hiszpanii. To on założył Muzeum Prado w 1785 roku, najpierw jako muzeum historii naturalnej. Karol III marzył, aby Muzeum Prado wraz z sąsiednimi ogrodami botanicznymi stało się ośrodkiem edukacji naukowej.
Po objęciu tronu zaczął przeprowadzać poważne reformy polityczne i gospodarcze, których kraj tak bardzo wówczas potrzebował. Jego wysiłki poszły jednak na marne – jego syn Karol IV nie podzielał postępowych poglądów ojca, a po śmierci Karola III reformy się skończyły.
Ten portret jest absolutnie typowy dla swoich czasów. Artysta każdym detalem zwraca uwagę na pozycję, jaką zajmuje model: płaszcz obszyty gronostajem, krzyż maltański inkrustowany klejnotami, lśniąca zbroja to nieodzowne atrybuty królewskiej wielkości. Bujne draperie i pilaster (element architektury klasycznej) są tradycyjnym tłem dla takich portretów.
Ale już na tym portrecie zaskakuje sposób, w jaki prezentowana jest twarz modelki. Mengs nie próbuje skurczyć swojego przypominającego cebulę królewskiego nosa ani wygładzić zmarszczek na pomarszczonych policzkach. Dzięki maksymalnej indywidualności obraz ten stwarza poczucie życia, którego nie mogli osiągnąć poprzednicy Mengsa. Portret wzbudza współczucie dla Carlosa III, który jest gotów „pokazać” swój niedoskonały wygląd.
Antoine Watteau „Festiwal w parku” 1713 - 1716
Ta urocza scena jest typowym przykładem „dzielnego świętowania” Watteau. Lekka mgła, która zamazuje kontury, posąg Neptuna prawie ukryty w listowiu nad fontanną i wyblakły złoty kolor - wszystko to oddaje atmosferę ostrej, ale ulotnej przyjemności.
Obraz należał do Isabelli Farnese, drugiej żony króla Filipa V.
Antonio Carnicero „Podniesienie balonu na ogrzane powietrze w Aranjuez” 1784
Obraz powstał na zamówienie księcia i księżnej Oswan, oddaje ducha oświecenia, który wzbudził zainteresowanie osiągnięciami postępu naukowego. Przedstawiono prawdziwe wydarzenie: w 1784 r. W Królewskich Ogrodach Aranjuez, w obecności monarchy, członków jego rodziny i dworzan, odbył się lot balonem Montgolfier. Antonio Carnicero był znany ze swoich uroczych scen rodzajowych, a to płótno jest jednym z jego najbardziej ambitnych dzieł.
José de Madrazo y Agudo „Niebiańska miłość i ziemska miłość” 1813
Francisco de Zurbaran „Agnus Dei. Baranek Boży” 1635-1640
Na szarym stole leży jagnię, ostro wyróżniające się na ciemnym tle w ostrym, jasnym świetle. Każdy człowiek w XVII wieku natychmiast rozpoznałby w nim „baranka Bożego” i zrozumiałby, że jest to ślad samoofiary Chrystusa. Wełna jagnięca jest niezwykle wypisana i wydaje się tak miękka, że trudno oderwać wzrok od zwierzęcia i chcieć go dotknąć.
Juan Pantoja de la Cruz "Portret królowej Izabeli Valois" 1604 - 1608
Pantoja de la Cruz namalował ten portret, powtarzając dzieło Sofonisby Anguischoli – oryginał spłonął w pałacu w 1604 roku. Artysta dodał jedynie pelerynę z futra świstaka do stroju królowej.
Sofonisba Anguixola jest artystką z Cremony, która pracowała na dworze hiszpańskim. Był to pierwszy portret młodej królowej z serii wykonanej przez artystkę. Obraz jest napisany w sposób zbliżony do hiszpańskiego, ale w cieplejszych i jaśniejszych barwach.
Jean Rann „Portret Karola III jako dziecko” 1723
Luis Melendez „Martwa natura z pudełkiem słodyczy, preclem i innymi przedmiotami” 1770
Największy mistrz hiszpańskiej martwej natury XVIII wieku, Luis Melendez, urodził się we Włoszech, w rodzinie miniaturzysty z Asturii. W 1717 r. rodzina przeniosła się do Madrytu, gdzie młody człowiek wstąpił na wydział przygotowawczy Akademii San Fernando, a wśród najzdolniejszych z jej uczniów zajął pierwsze miejsce. Jednak w 1747 roku został zmuszony do opuszczenia Akademii w ślad za ojcem, który został z niej wyrzucony w wyniku konfliktu. W tym okresie Melendez ponownie odwiedza Włochy. Pomagając początkowo ojcu, został miniaturzystą, a wracając z Włoch, został zaproszony przez Ferdynanda VI do ilustrowania książek w Kaplicy Królewskiej w Madrycie. W gatunku martwej natury, do którego artysta zwrócił się na początku lat 60. XVIII wieku, pojawił się nowy aspekt jego twórczości.
Ta martwa natura została napisana w dojrzałym okresie twórczości artysty. W tym czasie w jego kompozycjach pojawiają się luksusowe przedmioty, srebrne naczynia. Mimo to artysta nadal trzyma się swoich ideałów i tworzy zgodnie z gatunkową tradycją. Materialna namacalność każdego z namalowanych na płótnie obiektów sprawia, że przywołujemy najlepsze przykłady martwej natury w sztuce światowej. Wyczuwalne przezroczyste szkło szkła odbija się w matowej, lśniącej powierzchni srebrnego wazonu. Delikatny precel na białej serwetce, pachnie jak świeżo upieczony chleb. Szyjka zamkniętej butelki błyszczy matowo. Srebrny widelec wystaje nieco poza krawędź oświetlonego stołu. W kompozycji tej martwej natury nie ma ascetycznego ułożenia przedmiotów w jednym rzędzie, charakterystycznego np. dla martwych natur Zurbarana. Być może ma to coś wspólnego z holenderskimi samplami. Ale ton jest ciemniejszy, obiekty mniejsze, a kompozycja prostsza.
Juan de Arellano „Kosz kwiatów” 1670
Urodził się w 1614 roku w Santorcase, hiszpański malarz barokowy specjalizujący się w aranżacjach kwiatowych. Początkowo studiował w pracowni nieznanego dziś artysty, ale w wieku 16 lat przeniósł się do Madrytu, gdzie studiował u Juana de Solisa, artysty realizującego zamówienia dla królowej Izabeli. Juan de Arellano długo żył kosztem drobnych zamówień, w tym malowideł ściennych, aż postanowił skupić się wyłącznie na malowaniu kwiatów i stał się niedoścignionym mistrzem w tej dziedzinie. Uważa się, że mistrz zaczął od kopiowania dzieł innych, zwłaszcza włoskich artystów, flamandzkie martwe natury dodały elegancji i rygoru jego stylowi. Później do tego zestawienia dodał własne ustalenia kompozycyjne i charakterystyczną paletę barw.
Charakterystyczna dla Arellano jest dość prosta kompozycja tej martwej natury. Czyste, intensywne kolory roślin wyraźnie wyróżniają się na neutralnym brązowawym tle dzięki intensywnemu oświetleniu.
„Rycerz z ręką na piersi”- obraz hiszpańskiego artysty El Greco, napisany w Toledo około 1580 roku. Najsłynniejszy z serii świeckich portretów nieznanych caballeros w czarnych szatach i białych dłutach na ciemnym tle. Obecnie trzymany w Prado.
Poza caballero może oznaczać złożenie przysięgi, okazanie zaufania przy zawieraniu kontraktu, szlachetne pochodzenie postaci, a nawet tajny wcześniej ustalony sygnał. Złoty miecz i medalion wskazują na bogactwo i przynależność do wyższych sfer. Wygląd postaci jest typowy dla szlachcica epoki hiszpańskiego Złotego Wieku. Podczas renowacji obrazu okazało się, że początkowo tło nie było czarne, lecz jasnoszare, ale z czasem obraz pociemniał. Bogactwo odcieni na ciemnych ubraniach świadczy o wpływie weneckiej szkoły malarskiej na El Greco.
Wcześniej uważano, że „Rycerz z ręką na piersi” to portret Cervantesa, ale obecnie większość historyków sztuki jest skłonna wierzyć, że portret przedstawia Juana de Silva y Ribera, trzeciego markiza Montemayor i Alcalde z Toledo Alcazar. Historyk sztuki Alex Berghart i artysta Robert Shrive dopuszczają możliwość, że jest to autoportret artysty.
Napisz recenzję artykułu „Rycerz z ręką na piersi”
Uwagi
Fragment charakteryzujący Rycerza z ręką na piersi
„Wręcz przeciwnie, wydaje się, że wszystko idzie dobrze, ma kuzynko”, powiedział Pierre z tym zwyczajem żartobliwości, którego Pierre, który zawsze z zakłopotaniem znosił swoją rolę dobroczyńcy przed księżniczką, nauczył się w stosunku do niej.- Tak, to bezpieczne ... dobre samopoczucie! Dziś Varvara Ivanovna powiedziała mi, jak różne są nasze oddziały. Z pewnością zaszczyt do przypisania. Tak, a ludzie całkowicie się zbuntowali, przestają słuchać; moja dziewczyna i stała się niegrzeczna. Więc wkrótce nas pokonają. Nie możesz chodzić po ulicach. A co najważniejsze, dziś Francuzi będą tu jutro, czego możemy się spodziewać! Proszę o jedno, mon kuzynie - powiedziała księżna - każ mi zawieźć do Petersburga: kimkolwiek jestem, ale nie mogę żyć pod władzą Bonapartego.
„Daj spokój, ma kuzynko, skąd czerpiesz informacje?” Przeciwko…
„Nie poddam się twojemu Napoleonowi. Inni, jak chcą… Jeśli nie chcesz tego robić…
- Tak, zamówię, zamówię teraz.
Najwyraźniej księżniczka była zirytowana, że nie ma na kogo się gniewać. Ona, szepcząc coś, usiadła na krześle.
„Ale jesteś źle zgłoszony”, powiedział Pierre. W mieście jest cicho i nie ma niebezpieczeństwa. Czytałam więc teraz... - Pierre pokazał plakaty księżniczce. - Hrabia pisze, że odpowiada życiem, że wroga nie będzie w Moskwie.
— Ach, ten twój hrabia — powiedziała złośliwie księżniczka — to hipokryta, łotr, który sam zmusił ludzi do buntu. Czy nie napisał na tych głupich plakatach, że cokolwiek to było, przeciągnij go za grzebień do wyjścia (a jakie to głupie)! Ktokolwiek bierze, mówi, cześć i chwałę. Właśnie tam nawalił. Varvara Ivanovna powiedziała, że prawie zabiła swój lud, ponieważ mówiła po francusku ...
„Ale tak jest… Bardzo wszystko bierzesz sobie do serca”, powiedział Pierre i zaczął grać w pasjansa.
Pomimo tego, że pasjans zbiegł się, Pierre nie poszedł do wojska, ale pozostał w opuszczonej Moskwie, wciąż w tym samym niepokoju, niezdecydowaniu, w strachu i razem w radości, oczekując czegoś strasznego.
Następnego dnia księżna wyjechała wieczorem, a jego naczelny wódz przybył do Pierre'a z wiadomością, że pieniędzy, których potrzebuje na umundurowanie pułku, nie można uzyskać, chyba że sprzeda się jeden majątek. Naczelny dowódca generalnie reprezentował Pierre'a, że wszystkie te przedsięwzięcia pułku miały go zrujnować. Pierre ledwo mógł ukryć uśmiech, słuchając słów kierownika.
– Cóż, sprzedaj to – powiedział. „Co mogę zrobić, nie mogę teraz odmówić!”
