Gatunek bitewny

W 1503 roku dwaj wielcy artyści włoskiego renesansu, Leonardo da Vinci i Michał Anioł, otrzymali zamówienie na tekturę na przyszłe freski, które miały wychwalać militarne sukcesy Republiki Florenckiej. Leonardo wybrał bitwę pod Anghiari jako fabułę, przedstawiającą zaciekłą walkę między jeźdźcami na koniach. Tektura była odbierana przez współczesnych jako potępienie brutalnego szaleństwa wojny, w której ludzie tracą swój ludzki wygląd i stają się jak dzikie zwierzęta.

Kopia P. Rubensa z fresku „Bitwa pod Anghiari” Leonarda da Vinci
(freski w sali Wielkiej Rady Pałacu Signoria, Florencja, 1503-1505)

Preferowane było dzieło Michała Anioła „Bitwa pod Kaszynem”, które podkreślało moment heroicznej gotowości do walki.

Arystotelesa z Sangallo. Kopia kartonu „Bitwa pod Kaszynem” Michała Anioła Buonarrotiego (1503–1506).
Holkham Hall, Norfolk, Wielka Brytania.

Oba kartony nie zachowały się i sprowadzają się do nas w rycinach wykonanych w XVI-XVII wieku. według rysunków artystów, którzy skopiowali te sceny w początek XVI w. Niemniej ich wpływ na dalszy rozwój europejskiego malarstwa batalistycznego był bardzo znaczący. Można powiedzieć, że to od tych dzieł zaczyna się formowanie gatunku bitewnego.

Francuskie słowo „bataille” (czytaj: batai) oznacza „bitwę”. Od niego wzięła się nazwa gatunku sztuki, poświęconej tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew i kampanii wojskowych. Artyści bitewni starają się przekazać patos i heroizm wojny. Często udaje im się odkryć historyczne znaczenie wydarzeń militarnych. W tym przypadku dzieła gatunku bitewnego zbliżają się do gatunku historycznego (na przykład „Poddanie się Bredy” D. Velasqueza, 1634-1635, Prado, Madryt), podnosząc się do wysokiego poziomu uogólnienia przedstawionego wydarzenia, aż na ujawnienie antyludzkiego charakteru wojny (karton Leonardo da Vinci) i sił, które ją rozpętały („Tłumienie indyjskiego powstania przez Brytyjczyków” V.V. Vereshchagin, ok. 1884; „Guernica” P. Picasso, 1937, Prado, Madryt). Do gatunku bitewnego zaliczają się także dzieła przedstawiające sceny z życia wojskowego (życie w kampaniach, obozach, koszarach). Z wielką uwagą Francuzi artysta XVIII w. A. Watteau („Odpoczynek wojskowy”, „Ciężar wojny”, oba w Państwowym Muzeum Ermitażu).

D. Velasqueza. Poddanie się Bredy.
1634-1635. Płótno, olej.
Prado. Madryt.

Obrazy scen bitew i życia wojskowego znane są od czasów starożytnych. Różne alegoryczne i symboliczne dzieła gloryfikujące wizerunek zwycięskiego króla były szeroko rozpowszechnione w sztuce starożytnego Wschodu (np. płaskorzeźby przedstawiające asyryjskich królów oblegających twierdze wroga), w sztuce starożytnej (kopia mozaiki bitwy Aleksandra Wielkiego i Dariusza, IV-III wiek pne), na miniaturach średniowiecznych.

Jednak powstanie gatunku bitewnego datuje się na XV-XVI wiek. Na początku XVII wieku. ważną rolę w kształtowaniu gatunku bitewnego odegrały ryciny Francuza J. Callota, który obnażył okrucieństwo zdobywców, ostro ukazując narodowe katastrofy podczas wojen. Wraz z płótnami D. Velazqueza, które głęboko odsłaniały społeczno-historyczne znaczenie wydarzenia militarnego, pojawiają się namiętne, przesiąknięte patosem walki obrazy Fleminga JJ Rubensa. Od połowy XVII wieku. Przeważają sceny dokumentalno-kronikowe z bitew i kampanii wojennych, na przykład Holendra F. Wauermana („Bitwa kawalerii”, 1676, Państwowe Muzeum Ermitażu).

W XVIII - początku XIX wieku. malarstwo bitewne rozwija się we Francji, gdzie szczególnie znane są obrazy A. Gro, gloryfikujące Napoleona I. Oszałamiające sceny odważnej walki narodu hiszpańskiego z francuskim najeźdźcą utrwalone są w grafikach i obrazach F. Goi (seria akwafort „Katastrofy wojny”, 1810-1820). Postępujący trend w rozwoju gatunku bitewnego w XIX-XX wieku. związane z realistycznym ujawnieniem społecznego charakteru wojen. Artyści demaskują niesprawiedliwe wojny agresji, gloryfikują narodowe bohaterstwo w wojnach rewolucyjnych i wyzwoleńczych, zaszczepiają wysokie uczucia patriotyczne.

Cenny wkład w rozwój gatunku bitewnego wnieśli rosyjscy artyści drugiego roku połowa XIX w. V. V. Vereshchagin i V. I. Surikov. Obrazy Vereshchagin potępiają militaryzm, nieokiełznane okrucieństwo zdobywców, pokazują odwagę i cierpienie prostego żołnierza („Po ataku. Punkt tranzytowy pod Plewną”, 1881, Państwowa Galeria Trietiakowska).

V. V. VERESCHAGIN. Z wrogością, hurra, hurra! (Atak). Z serii Wojna 1812 roku.
1887-1895. Płótno, olej.
Państwowe Muzeum Historyczne. Moskwa.

Surikow na płótnach „Podbój Syberii Ermaka” (1895) i „Przekroczenie Alp Suworowa” (1899, oba w Państwowym Muzeum Rosyjskim) stworzył majestatyczny epos o wyczynie narodu rosyjskiego, pokazał swoją heroiczną siłę. F. A. Rubo dążył do obiektywnej demonstracji działań wojennych w swoich panoramach „Obrona Sewastopola” (1902-1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911).

W.I. Surikow. „Podbój Syberii przez Yermak”
1895. Olej na płótnie.

W.I. Surikow. „Podbój Syberii przez Yermak”
1895. Olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Prace sowieckich malarzy batalistów ujawniają obraz radzieckiego wojownika-patrioty, jego niezłomność i odwagę oraz niezrównaną miłość do Ojczyzny. Już w latach dwudziestych. M. B. Grekov stworzył niezapomniane obrazy bojowników wojny domowej („Tachanka”, 1925). A. A. Deineka pokazał surowy patos tej epoki na monumentalnym płótnie „Obrona Piotrogrodu” (1928, Centralne Muzeum Sił Zbrojnych, Moskwa).

M.B. Grekow. Tachanka.
1933. Olej na płótnie.
Centralne Muzeum Sił Zbrojnych. Moskwa.

Gatunek bitewny doświadczył nowego rozkwitu w strasznych dniach Wielkiej Wojna Ojczyźniana 1941 -1945 w pracach Pracowni Artystów Wojskowych im. M. B. Grekowa, Kukryniksy, A. A. Deineki, B. M. Niemenskiego, P. A. Krivonogova i innych mistrzów. Niezłomną odwagę obrońców Sewastopola, ich zdecydowaną determinację w walce do ostatniego tchu pokazała Deineka na obrazie „Obrona Sewastopola” (1942, Państwowe Muzeum Rosyjskie).

A. A. Deinekę. „Obrona Sewastopola”.
1942. Olej na płótnie.

A. A. Deinekę. „Obrona Sewastopola”.
1942. Olej na płótnie.
Państwowe Muzeum Rosyjskie w Petersburgu

Współcześni radzieccy malarze batalni ożywili sztukę dioram i panoram, stworzyli prace na tematy cywilne (E. E. Moiseenko i inni) i Wielkie Wojny Ojczyźniane (A. A. Mylnikov, Yu. P. Kugach i inni).

STUDIO ARTYSTÓW WOJSKOWYCH IM. M. B. GREKOV

Powstanie pracowni jest nierozerwalnie związane z nazwiskiem wybitnego artysty Mitrofana Borisowicza Grekowa, jednego z twórców sowieckiego malarstwa batalistycznego. Jego płótna „Tachanka”, „Trębacze I Armii Kawalerii”, „Do oddziału do Budionnego”, „Sztandar i trębacz” są wśród dzieła klasyczne Malarstwo radzieckie.

W 1934 roku, po śmierci artysty, specjalną uchwałą Rady Komisarzy Ludowych w Moskwie utworzono „Pracownię Artystyczną Amatorskiej Sztuki Armii Czerwonej im. M. B. Grekowa”. Studio zostało wezwane do kontynuowania i twórczego rozwijania najlepszych tradycji radzieckiego gatunku bitewnego. Początkowo był to warsztat szkoleniowy dla najzdolniejszych artystów Armii Czerwonej, którzy doskonalili swoje umiejętności pod okiem wybitnych artystów: W. Bakszejewa, M. Awiłowa, G. Sawickiego i innych. W 1940 roku pracownia stała się organizacją artystyczną Armii Czerwonej, zrzeszającą artystów wojskowych.

Podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wielu Greków poszło na front. Głównym rodzajem pracy twórczej w warunkach wojskowych były szkice pełnowymiarowe. Ich znaczenie historyczne i artystyczne jest nie do przecenienia. Rysunki wojskowe N. Żukowa, I. Łukomskiego, V. Bogatkina, A. Kokorekina i innych artystów są rodzajem widocznej kroniki Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, jej głównych bitew wojskowych, życia na froncie. Są oznaczone Wielka miłość bohaterowi tej największej bitwy o Ojczyznę - sowieckiemu żołnierzowi.

Temat wyczynu ludzi w Wielkiej Wojnie Ojczyźnianej został twórczo wzbogacony nawet po jej zakończeniu. W pierwszych latach powojennych Grecy tworzyli płótna, serie graficzne, kompozycje rzeźbiarskie który otrzymał największe uznanie. Są to obrazy „Matka” B. Niemenskiego, „Zwycięstwo” P. Krivonogova, pomnik Wyzwoliciela E. Vucheticha, zainstalowany w Treptow Park w Berlinie.

Artyści studyjni stworzyli i tworzą wiele monumentalnych pomników chwała militarna w różnych miastach Rosji i za granicą. Najważniejsze bitwy są ujęte w takich pracach jak panorama „Bitwa pod Stalingradem” w Wołgogradzie (wykonana przez grupę artystów pod kierunkiem M. Samsonowa), diorama „Bitwa pod Perekopem” w Symferopolu (autor N. But) itp. W tych pracach niejako na nowo ożywają wydarzenia z lat wojskowych, pomagają uświadomić sobie, jak ogromną cenę osiągnięto wielkie zwycięstwo naród radziecki.

Życie na różne sposoby odbijało się w twórczości artystów. Armia radziecka, jej spokojna codzienność, ćwiczenia wojskowe. Prace czołowych mistrzów studia N. Owieczkina, M. Samsonowa, W. Perejasławca, W. Dmitriewskiego, N. Solomina i innych ujawniają obraz radzieckiego wojownika, człowieka o wysokiej czystości moralnej, ideologicznego zaangażowania, bezinteresownie kochającego jego Ojczyzny.

Przez ponad 80 lat swojego istnienia pracownia uczestniczyła w tworzeniu wielkoformatowych projekty rządowe. Jej artyści stworzyli ponad 70 panoram i dioram, zaczynając od pierwszej sowieckiej panoramy „Bitwa pod Stalingradem”, kończąc na cyklu 6 dioram w Centralnym Muzeum Wielkiej Wojny Ojczyźnianej na Wzgórze Poklonnaya. Artyści Grekov Studio stworzyli arcydzieła gatunku monumentalno-historycznego, przełomowe dzieła dla historii, a także ambitne projekty zagraniczne – panoramę „Pleven epos z 1877” w Bułgarii, malowniczy projekt Mauzoleum Ataturka w Ankarze i Główne Muzeum Wojskowe w Stambule itp.

Zróżnicowany zakres tematyczny utworów Greków, w których ujawniają się nie tylko wątki militarno-patriotyczne, ale także religijno-duchowe, liryczne, jest bogactwo artystyczne klasyczna sztuka rosyjska, ucieleśniona w dziesiątkach tysięcy obrazów, rysunków i rzeźb.

Aby skorzystać z podglądu prezentacji, załóż konto (konto) Google i zaloguj się: https://accounts.google.com

Podpisy slajdów:

Gatunek bitewny (z francuskiego bataille - bitwa) to gatunek sztuki poświęcony tematyce wojny, bitew, kampanii i epizodów życia wojskowego.

Z historii….. Formowanie gatunku bitewnego rozpoczęło się w XVI wieku. W Rosji aktywny rozwój gatunku bitewnego rozpoczyna się w XVIII wieku. - od wspaniałych zwycięstw Piotra I i jego generałów. Rosyjski gatunek bitewny jest nasycony szczególnym duchem patriotyzmu, stara się wyrazić podziw dla bohaterstwa i odwagi wojowników. Malarze bitewni z reguły starają się przekazać heroiczną gotowość do walki, opiewać waleczność wojskową, triumf zwycięstwa, obnażają antyludzką istotę wojny, przeklinają ją.

Co jest najważniejsze w gatunku bitewnym?

V. Surikov „Przejście Suworowa przez Alpy” Pejzaż obrazu: wznoszące się szczyty gór, spowite welonem chmur, czasem ciemne, czasem mieniące się zimnym, niebieskawym połyskiem - pozwala widzowi dogłębniej odczuć trud przejścia, odczuć znaczenie wyczyn cudownych bohaterów Suworowa.

B. Grekowa. „Trębacze Pierwszej Kawalerii”

A. Deinekę. „Obrona Sewastopola”

V. Vereshchagin. Koniec bitwy pod Borodino

Informacje "na ziemi. na niebie. na morzu"

Czołg średni Czołg średni T-62 powstał jako dalszy rozwój czołgu T-55. Czołg ma nową odlewaną wieżę z armatą gładkolufową 2A20 (U-5TS) kal. 115 mm z 40 pociskami i karabinem maszynowym PKT kal. 7,62 mm z 2500 pociskami. Czołg był wyposażony w silnik wysokoprężny V-55V o mocy 580 KM, celownik GSh-2B-41 (TShS-41U), celownik nocny TPN-1-41-11, broń Meteor (Meteor-M) stabilizator, półkompas żyroskopowy GPK-59, radiostacja R-113 (R-123). Produkowany seryjnie w latach 1961-1972. Od 1972 roku na zmodyfikowanej wieży zainstalowano 12,7-mm działo przeciwlotnicze DShK-M, a od 1975 roku dalmierz laserowy KTD-1 (KTD-2).

Trójwspółrzędny mobilny radar dozorowania 1L117M Przeznaczony do monitorowania przestrzeni powietrznej i wyznaczania trzech współrzędnych (azymut, zasięg pochylenia, wysokość) celów powietrznych. Stacja radarowa zbudowana jest na nowoczesnych podzespołach, ma duży potencjał i niskie zużycie energii. Radar posiada wbudowany interrogator identyfikacji stanu oraz urządzenia do przetwarzania danych pierwotnych i wtórnych, zestaw urządzeń zdalnego sygnalizacji, dzięki czemu może być stosowany w zautomatyzowanych i niezautomatyzowanych systemach obrony powietrznej oraz Siły Powietrzne do kontroli lotu i kierowania przechwytywaniem oraz do kontroli ruchu lotniczego (ATC).

Wojskowy samolot transportowy An-22 Samolot jest wyposażony w cztery ekonomiczne silniki turbośmigłowe NK-12MA o mocy 15 000 KM każdy. projekty N.D. Kuzniecowa. Posiada dwukilowe upierzenie, pochyłą rampę zainstalowaną na różnych poziomach i umożliwia załadunek sprzętu zarówno z ziemi, jak i z platformy lub pudła samochodowego za pomocą dwóch suwnic o udźwigu 10 t. Nieutwardzone i zaśnieżone lotniska. Masa startowa 225 ton, maksymalna ładowność - 60 ton, normalna - 40 ton, zasięg lotu z normalnym obciążeniem - 5250 km, prędkość przelotowa - 560 km/h. Dzięki dużemu przedziałowi ładunkowemu Antey jest w stanie przewieźć do 290 żołnierzy, czołgi średnie, do czterech bojowych wozów piechoty lub bojowych wozów piechoty, prawie wszystkie typy samolotów i śmigłowców na pierwszej linii

MALARSTWO BOJOWE, czyli malarstwo batalistyczne (z francuskiego bataille – bitwa) to gatunek malarstwa poświęcony tematyce wojskowej. Gatunek bitewny obejmuje nie tylko sceny bezpośrednich bitew, ale także sceny z życia wojskowego. Battalistyka to gałąź malarstwa historycznego. Styka się również z życiem codziennym (sceny życia wojskowego), portretem (portrety dowódców wojskowych, żołnierzy), gatunkami pejzażowymi, zwierzęcymi (w przedstawieniu kawalerii), a także martwą (wizerunki broni i inne atrybuty życie wojskowe). Formowanie się gatunku bitewnego rozpoczęło się w XVI wieku, jednak sceny bitew i bitew znajdują się już w malowidłach naskalnych, w starożytnych freskach i mozaikach, średniowiecznych miniatury książkowe, na dywanach i gobelinach. Prawdziwy rozkwit gatunku rozpoczyna się w renesansie, kiedy wzrosło zainteresowanie historią i pojawiła się chęć ukazania zaciekłości bitwy, uwielbienia wyczynu i bohatera, który go dokonał. Wśród autorów, którzy zwrócili się do malarstwa batalistycznego w okresie renesansu, byli tacy artyści jak Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Tintoretto. W XVII wieku do zadań stojących przed mistrzami MALARSTWA BOJOWEGO dodano zainteresowanie ludzką psychologią („Poddanie się Bredy” D. Velasqueza, 1634), a w epoce romantyzmu – oburzenie na okrucieństwo zdobywców i współczucie dla bojowników o wolność („Masakra na wyspie Chios” E. Delacroix, 1826).
W Rosji sceny batalistyczne występują już w ikonach i miniaturach książkowych. W XVIII wieku dużą popularnością cieszyły się ryciny poświęcone wojnie północnej autorstwa A.F. Zubowa. Gatunek batalistyczny w Rosji kwitnie w drugiej połowie XIX wieku. W monumentalnych płótnach eposów V.I. Surikova („Podbój Syberii przez Jermaka”, 1895; „Przejście przez Alpy Suworowa”, 1899) cały lud pojawia się jako bohater. Pomimo tego, że głównym celem BATTLE PAINTING jest gloryfikowanie waleczności militarnej, triumf zwycięstwa, heroiczna gotowość do walki, wielu artystów zwróciło się na drugą stronę wojny - nieludzką, odbierającą życie. Wśród tych artystów był malarz V.V. Vereshchagin, który sam brał udział w działaniach wojennych. W jego obrazach z cyklu Turkiestan (1871-1874) i Bałkany (1877-1880) nie przedstawia się bohaterstwa zwycięstw, ale nielakierowaną prawdę o wojnie ("Apoteoza wojny", 1871). Mistrzami gatunku bitewnego przedstawiającego bitwy morskie w Rosji byli IK Aivazovsky i A.P. Bogolyubov. W XX wieku tradycje gatunku batalistycznego kontynuowali M.B. Grekov i założone przez niego Studio Artystów Wojskowych, a także mistrz panoram F. Roubaud. Nowy wzrost BATTLE PAINTING w Rosji nastąpił podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej i lat powojennych - w plakatach i "Oknach TASS", malarstwie frontowym i grafice.
W dziale obrazów poświęconym malarstwu bitewnemu prezentowane są przedmioty związane z tematyką militarną, przedstawiające sceny bitew, wojen, kampanii wojennych, a także portrety wojskowe. W tym dziale znajdziesz nie tylko obrazy, ale także plakaty, litografie i akwarele o tematyce militarnej. Oferujemy zakup przedmiotów z działu MALOWANIE BITWY w naszej Komisji Sklep z antykami. Sekcja MALOWANIE BITWY jest stale aktualizowana, bądź na bieżąco z nowościami.

Początków malarstwa batalistycznego przedstawiającego bitwy wojenne można doszukiwać się w kulturze starożytnej Grecji i Rzymu, a także wielu Kraje wschodnie- Indie, Japonia, Chiny. Wojny o ziemię, wodę i bogactwa toczyły się od wieków, nic więc dziwnego, że fragmenty bitew można znaleźć na freskach w buddyjskich świątyniach i starożytnych pałacach, w grobowcach egipskich faraonów i na kartach ksiąg V-VII wne.

Powstawanie gatunku bitewnego przypada na okres rozkwitu renesansu, kiedy szczególną uwagę zwrócono na badanie dziedzictwa kulturowego minionych stuleci. Próbując odtworzyć kluczowe wydarzenia z różnych okresów, artyści byli przekonani, że to wojny miały największy wpływ na bieg historii. I nawet w mitologii poświęcono im wielką uwagę, ponieważ tylko w bitwie zostały w pełni ujawnione cechy charakteru starożytnych bohaterów.

Założycielami gatunku batalistycznego są włoscy mistrzowie malarstwa Vecello Tycjan, Buonarotti Michelangelo, Piero Della Francesca, Jacopo Tintoretto, Paolo Uccello. Później obrazy historycznych bitew znajdują się na płótnach Diego Velasqueza i Petera Rubensa.

W połowie XIX wieku w malarstwie bitewnym ukształtowało się kilka kierunków, związanych z pokazami bitew morskich, ataków pieszych i konnych. Ponadto modne stają się portrety wielkich generałów na tle bitew i sceny z życia żołnierzy, odbijające się echem obrazów z gatunku codziennego.

Wojny epoki napoleońskiej i ruchy narodowowyzwoleńcze w Europie dają nowy impuls rozwojowi malarstwa batalistycznego, które zyskuje ogromną popularność. W tym gatunku nawet ci artyści, którzy odrzucają taki trend w sztuki piękne jak realizm. Francisco Goya i Henry Van de Velde, Charles Lebrun i Antoine Gros, Philips Wauermann i Horace Vernet, Adolf Yebens i Peter von Hess poświęcają swoje obrazy burzliwym wydarzeniom militarnym XIX wieku.

W Rosji w tym czasie tworzyła się również dość silna szkoła malarstwa bitewnego, której najjaśniejszymi przedstawicielami są Franz Roubaud, Nikołaj Dmitriew-Orenburg, Aleksander Sauerweid, Wasilij Wierieszczagin, Mitrofan Grekow, Michaił Awiłow, Nikołaj Karazin, Aleksander Awieryanow . W różnych okresach swojej twórczości tak znani rosyjscy malarze, jak Karl Bryullov, Orest Kiprensky i Ivan Aivazovsky, zwracają się do scen batalistycznych.

Jednak największa liczba grafika poświęcony wydarzeniom II wojny światowej, co znajduje szerokie odzwierciedlenie w twórczości takich rosyjskich malarzy sowieckich, jak Anatolij Sokołow, Rudolf Frentz, Piotr Malcew, Iwan Władimirow, Piotr Kriwonogow i Iwan Pietrow.

Dziś wielu znanych artystów tworzy swoje prace z gatunku malarstwa batalistycznego, w tym Wu Guanyu, Igor Egorov, Petr Lyubaev, Olesya Maidibor.

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Hostowane na http://www.allbest.ru/

Gatunek bitwy

Gatunek bitewny (z francuskiego bataille - bitwa), gatunek sztuki poświęcony tematyce wojny i życia wojskowego. Główne miejsce w gatunku bitewnym zajmują sceny bitew (w tym morskich) oraz kampanii militarnych z teraźniejszości lub przeszłości. Chęć uchwycenia szczególnie ważnego lub charakterystycznego momentu bitwy, a często ujawnienia historycznego znaczenia wydarzeń militarnych, zbliża gatunek bitewny do gatunku historycznego. Sceny życia codziennego wojska i marynarki wojennej, odnajdywane w dziełach gatunku batalistycznego, mają coś wspólnego z gatunkiem życia codziennego. Postępujący trend w rozwoju gatunku bitewnego XIX-XX wieku. związane z realistycznym ujawnieniem społecznego charakteru wojen i roli w nich ludu, z demaskowaniem niesprawiedliwych wojen agresywnych, gloryfikacją narodowego bohaterstwa w wojnach rewolucyjnych i wyzwoleńczych, z wychowaniem obywatelskich uczuć patriotycznych wśród ludu. W XX wieku, w dobie wyniszczających wojen światowych, gatunki batalistyczne, historyczne i codzienne są ściśle związane z utworami, które odzwierciedlają okrucieństwo wojen imperialistycznych, niewyobrażalne cierpienie narodów, ich gotowość do walki o wolność.

Obrazy bitew i kampanii znane są w sztuce od czasów starożytnych (reliefy starożytnego Wschodu, starożytne greckie wazy, płaskorzeźby na frontonach i fryzy świątyń, na starożytnych rzymskich łukach triumfalnych i kolumnach). W średniowieczu bitwy przedstawiano w europejskich i orientalnych miniaturach książkowych („Kronika Facebooka”, Moskwa, XVI w.), czasem na ikonach; znane są również obrazy na tkaninach („Bayeux Carpet” ze scenami podboju Anglii przez normańskich panów feudalnych, ok. 1073-83); na płaskorzeźbach z Chin i Kampuczy, indyjskich malowidłach ściennych i malarstwie japońskim znajdują się liczne sceny batalistyczne. W XV-XVI wieku, w okresie renesansu we Włoszech, obrazy bitew tworzyli Paolo Uccello, Piero della Francesca. Sceny batalistyczne otrzymały heroiczne uogólnienie i wielką treść ideową w kartonach na freski Leonarda da Vinci („Bitwa pod Anghiari”, 1503-06), który ukazywał zaciekłość bitwy, oraz Michała Anioła („Bitwa pod Kashin” , 1504-06), który podkreślał heroiczną gotowość wojowników do walki. Tycjan (tzw. „Bitwa pod Cadore”, 1537-38) wprowadził w scenę bitwy prawdziwe środowisko, a Tintoretto wprowadził niezliczone masy wojowników („Bitwa o świcie”, ok. 1585). W tworzeniu gatunku bitewnego w XVII wieku. ważną rolę odegrało ostre ujawnienie rabunku i okrucieństwa żołnierzy na rycinach Francuza J. Callota, głębokie ujawnienie społeczno-historycznego znaczenia i etycznego znaczenia wydarzeń wojskowych przez Hiszpana D. Velasqueza („Poddanie się Breda”, 1634), dynamikę i dramaturgię obrazów batalistycznych Fleminga P.P. Rubensa. Później wyróżniają się profesjonalni malarze batalni (A.F. van der Meulen we Francji), powstają typy warunkowo alegorycznych kompozycji, wywyższające dowódcę, przedstawione na tle bitwy (Ch. Lebrun we Francji), mały obraz bitewny ze spektakularnym obraz potyczek kawalerii, epizody z życia wojskowego (F. Wauerman w Holandii) oraz sceny bitew morskich (V. van de Velde w Holandii). W XVIII wieku. w związku z wojną o niepodległość w malarstwie amerykańskim pojawiły się dzieła gatunku bitewnego (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), narodził się rosyjski patriotyczny gatunek bitewny - obrazy „Bitwa pod Kulikowem” i „Bitwa połtawska” , przypisywany I.N. Nikitin, ryciny A.F. Zubov, mozaika M.V. Łomonosow „Bitwa połtawska” (1762-64), kompozycje historyczno-bitewne autorstwa G.I. Ugryumov, akwarele M.M. Iwanowa. Świetny Rewolucja Francuska(1789-94) i wojny napoleońskie znalazły odzwierciedlenie w twórczości wielu artystów - A. Gro (który przeszedł od pasji romansu wojen rewolucyjnych do wywyższenia Napoleona I), T. Gericaulta (który stworzył bohaterski romantyczne obrazy Epos napoleoński), F. Goya (który pokazał dramat walki narodu hiszpańskiego z francuskimi najeźdźcami). Historyzm i kochający wolność patos romantyzmu zostały żywo wyrażone w bitewno-historycznych obrazach E. Delacroix, inspirowanych wydarzeniami rewolucji lipcowej 1830 we Francji. Ruchy narodowowyzwoleńcze w Europie inspirowały romantyczne kompozycje batalistyczne P. Michalowskiego i A. Orłowskiego w Polsce, G. Wappersa w Belgii, później J. Matejki w Polsce, M. Aloszy, J. Cermaka w Czechach i innych We Francji w oficjalnym malarstwie batalistycznym (O. Vernet) fałszywe romantyczne efekty połączono z zewnętrzną wiarygodnością. Rosyjskie akademickie malarstwo batalistyczne przeszło od tradycyjnie warunkowych kompozycji z dowódcą w centrum do większej dokładności dokumentalnej. całokształt szczegóły dotyczące walki i gatunku (A.I. Sauerweid, B.P. Villevalde, A.E. Kotzebue). Poza akademicką tradycją gatunku bitewnego I.I. Terebieniew poświęcony Wojnie Ojczyźnianej z 1812 r. „Sceny kozackie” w litografiach Orłowskiego, rysunki P.A. Fedotova, G.G. Gagarina, M.Yu. Lermontow, litografie V.F. Timma.

Rozwój realizmu w drugiej połowie XIX - początku XX wieku. doprowadziły do wzmocnienia pejzażowych, gatunkowych, a czasem psychologicznych zasad gatunku bitewnego, dbałości o działania, doświadczenia, życie zwykłych żołnierzy (A. Menzel w Niemczech, J. Fattori we Włoszech, W. Homer w USA, M. Gerymsky w Polsce, N. Grigorescu w Rumunii, Ya Veshin w Bułgarii). Realistyczne przedstawienie epizodów wojny francusko-pruskiej z lat 1870-71 przedstawili Francuzi E. Detail i A. Neuville. W Rosji rozkwitła sztuka malowania bitew morskich (IK Aivazovsky, A.P. Bogolyubov), pojawiło się malarstwo bitewne (P.O. Kovalevsky, V.D. Polenov). Z bezlitosną prawdomównością V.V. pokazał trudną codzienność wojny. Vereshchagin, który potępił militaryzm i zdobył odwagę i cierpienie ludzi. Realizm i odrzucenie konwencjonalnych schematów są również nieodłącznym elementem gatunku bitewnego Wędrowców – I.M. Pryanisznikowa, AD Kiwszenko, W.I. Surikov, który stworzył monumentalny epos o militarnych wyczynach ludu, V.M. Vasnetsov, inspirowany starożytną rosyjską epopeją. największy mistrz panorama bitwy była F.A. Roubauda.

W XX wieku. rewolucje społeczne i narodowowyzwoleńcze, bezprecedensowe wojny destrukcyjne radykalnie zmieniły gatunek bitewny, poszerzając jego granice i znaczenie artystyczne. Wiele dzieł z gatunku bitewnego poruszało kwestie historyczne, filozoficzne i społeczne, problemy pokoju i wojny, faszyzmu i wojny, wojny i społeczeństwo i inne W krajach faszystowskiej dyktatury brutalna siła i okrucieństwo były gloryfikowane w bezdusznych, fałszywie monumentalnych formach. W przeciwieństwie do przeprosin militaryzmu, Belg F. Mazerel, niemieccy artyści K. Kollwitz i O. Dix, Anglik F. Brangvin, Meksykanin H.K. Orozco, francuski malarz P. Picasso, japońscy malarze Maruki Iri i Maruki Toshiko i inni, protestujący przeciwko faszyzmowi, wojnom imperialistycznym, okrutnej nieludzkości, stworzyli żywo emocjonalne, symboliczne obrazy narodowej tragedii.

W sztuce radzieckiej gatunek batalistyczny był bardzo szeroko rozwinięty, wyrażający idee ochrony socjalistycznej ojczyzny, jedności wojska i ludu, ujawniający klasowy charakter wojen. Radzieccy malarze bataliści wysunęli na pierwszy plan obraz sowieckiego wojownika-patrioty, jego wytrzymałość i odwagę, miłość do Ojczyzny i wolę zwycięstwa. Sowiecki gatunek bitewny ukształtował się w grafice okresu wojny domowej 1918-20, a następnie w malarstwie M.B. Grekova, MI Avilova, F.S. Bogorodski, P.M. Szuchmina, K.S. Petrova-Vodkina, A.A. Deineki, G.K. Sawicki, N.S. Samoki, RR Franza; przeżył nowy zryw w czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-45 oraz w latach powojennych - w plakatach i "TASS Windows", grafice frontowej, cyklach graficznych D.A. Shmarinova, A.F. Pachomow, B.I. Prorokov i inni, obrazy Deineki, Kukrynickiego, członków Pracowni Artystów Wojskowych im. M.B. Grekov (PA Krivonogov, B.M. Nemensky i inni), w rzeźbie Yu.Y. Mikenas, E.V. Vuchetich, M.K. Anikushina, A.P. Kibalnikova, V.E. Tsygalya i inni.

W sztuce krajów socjalizmu i postępowej sztuce krajów kapitalistycznych dzieła gatunku batalistycznego poświęcone są ukazaniu walk antyfaszystowskich i rewolucyjnych, ważnych wydarzeń w historii narodowej (K. Dunikowski w Polsce, J. Andriejewicz- Kun, G.A. Kos i P. Lubard w Jugosławii, J. Salim w Iraku), dzieje walki wyzwoleńczej narodów (M. Lingner w NRD, R. Guttuso we Włoszech, D. Siqueiros w Meksyku).

Leonardo da Vinci. „Bitwa pod Angyari”. 1503-1506. Rysunek P.P. Rubensa. Żaluzja. Paryż

M.B. Grecy. „Tachanka”. 1925. Galeria Tretiakowska. Moskwa

W.W. Wierieszczagin. „Atak z zaskoczenia”. 1871. Galeria Tretiakowska. Moskwa

AA Deineki. „Obrona Sewastopola”. 1942. Muzeum Rosyjskie. Leningrad

bitwa obrazkowa bitwa wojskowa

Formacja gatunku bitewnego rozpoczyna się w renesansie (Leonardo da Vinci, Michał Anioł, Tycjan, Tintoretto), rozkwita w XVII-XVIII wieku. (D. Velazquez, Rembrandt, N. Poussin, A. Watteau) a szczególnie obrazowo przedstawia tragedię wojny w okresie romantyzmu w I połowie XIX wieku. (F. Goya, T. Gericault, E. Delacroix). Malarze bitewni z reguły starają się przekazać heroiczną gotowość do walki, opiewać waleczność wojskową, triumf zwycięstwa, ale czasami w swoich pracach obnażają antyludzką istotę wojny, przeklinają ją (P. Picasso „Guernica” , obrazy V. Vereshchagin, M. Grekov, A. Deineki, E. Moiseenko, G. Korzheva i inni).

Formacja B.. nawiązuje do XVI-XVII wieku, ale obrazy bitew znane są w sztuce od czasów starożytnych. Płaskorzeźby starożytnego wschodu przedstawiają króla lub wodza eksterminującego wrogów, oblężenia miast, pochody wojowników. W starożytnym greckim malarstwie wazowym, płaskorzeźbach na frontonach i fryzach świątyń jako wzór moralny śpiewa się sprawność wojskową. mityczni bohaterowie; obraz bitwy między Aleksandrem Wielkim a Dariuszem jest wyjątkowy (rzymska mozaikowa kopia modelu hellenistycznego z IV-III w. p.n.e.). Płaskorzeźby na starożytnych rzymskich łukach i kolumnach triumfalnych wysławiają podboje i zwycięstwa cesarzy. W średniowieczu bitwy przedstawiano na tkaninach („Dywan z Bayeux” ze scenami podboju Anglii przez Normanów, ok. 1073-83), w europejskich i orientalnych miniaturach książkowych („Kronika ogniskowa”, Moskwa, XVI w.) , czasami na ikonach; liczne sceny batalistyczne w płaskorzeźbach Chin i Kambodży, malowidła indyjskie, Malarstwo japońskie. Renesans we Włoszech obejmuje pierwsze próby realistycznego przedstawienia bitew (Paolo Uccello, Piero della Francesca - XV wiek); otrzymała heroiczne uogólnienie i wielką ideową treść w kartonach do fresków Leonarda da Vinci („Bitwa pod Anghiari”, 1503-06), które ukazywały zaciekłość walki i „brutalne szaleństwo” konfliktów społecznych i Michała Anioła („Bitwa pod Kaszynem”, 1504-06), który podkreślał heroiczną gotowość do walki; Tycjan wprowadził w scenę bitwy prawdziwe otoczenie (tzw. „Bitwa pod Cadore”, 1537-38), a Tintoretto wprowadził niezliczone masy wojowników („Bitwa o świcie”, około 1585 r.).

W formacji B.. w XVII wieku ważną rolę odegrało ostre ujawnienie okrucieństwa zdobywców w rycinach Francuza J. Callota, głębokie ujawnienie społeczno-historycznego znaczenia wydarzeń wojskowych w „Poddaniu się Bredy” przez Hiszpana D. Velazqueza (1634-35), dramatyczna pasja obrazów batalistycznych Fleminga P.P. Rubensa. Później wyróżniają się profesjonalni malarze batalni (A.F. van der Meulen we Francji), powstają typy warunkowo alegorycznych kompozycji, wywyższające dowódcę, przedstawione na tle bitwy (Ch. Lebrun we Francji), mały obraz bitewny ze spektakularnym (ale obojętne na znaczenie wydarzeń) przedstawiające potyczki kawalerii lub epizody z życia wojskowego (S. Rosa we Włoszech, F. Wauerman w Holandii) oraz sceny bitwy morskiej (V. van de Velde w Holandii). W XVIII wieku warunkowym oficjalnym bitwom przeciwstawiały się prawdziwe obrazy trudów obozowego i obozowego życia (A. Watteau we Francji), a później obrazy malarzy amerykańskich (B. West, J.S. Copley, J. Trumbull), którzy przynieśli szczery patos i świeżość obserwacje do obrazu epizodów wojskowych: urodził się rosyjski patriota B. Ż. - obrazy „Bitwa pod Kulikowem” i „Bitwa pod Połtawą”, przypisywane I.N. Nikitin, ryciny A.F. Zubova z bitwy morskie, mozaika M.V. Łomonosowa „Bitwa połtawska” (1762-64), duże kompozycje bitewno-historyczne autorstwa G.I. Ugryumov, akwarele M.M. Iwanow ze zdjęciami napadów Oczakowa i Izmaila. Wielka rewolucja francuska i wojny napoleońskie dały początek wielkoformatowym płótnom bojowym A. Gro (który wyszedł z pasji do romansu wojen rewolucyjnych do fałszywego wywyższenia Napoleona i zewnętrznej pozorności egzotyki otoczenia), suche obrazy dokumentalne niemieckich artystów A. Adama i P. Hessa, ale jednocześnie psychologicznie prawdziwe romantyczne obrazy eposu napoleońskiego w obrazach T. Gericaulta i oszałamiające dramatyczne sceny walki Hiszpanów z francuskimi najeźdźcami w obrazy i rysunki hiszpańskiego artysty F. Goyi. Historyzm i wolnościowy patos postępowego romantyzmu zostały wyraźnie wyrażone w bitewno-historycznych obrazach E. Delacroix, które ukazywały dramatyczne i namiętne napięcie masowych bitew, okrucieństwo zdobywców i natchnienie bojowników o wolność.

Romantyczne kompozycje batalistyczne P. Michalovsky'ego i A. Orlovsky'ego w Polsce, G. Wappera w Belgii, później J. Matejki w Polsce, J. Cermaka w Czechach, J. Jaksicia w Serbii itd. były inspirowane wyzwoleniem We Francji romantyczna legenda Napoleona koloruje półgatunkowe obrazy N.T. Charlet i O. Raffe. W dominującym oficjalnym malarstwie batalistycznym (O. Berne) koncepcje nacjonalistyczne i fałszywe romantyczne efekty połączono z wiarygodnością zewnętrzną. Rosyjskie akademickie malarstwo bitewne z tradycyjnych kompozycji warunkowych z dowódcą w centrum (V.I. Moshkov) przeszło z większą dokumentacyjną dokładnością ogólnego obrazu bitwy i szczegółów gatunkowych (A.I. Sauerweid, B.P. Villevalde, a zwłaszcza A.E. Kotzebue) , ale nawet K.P. mógł nie przezwyciężyć tradycyjnego dla niej ducha idealizacji. Bryulłowa, który próbował stworzyć ludowo-heroiczną epopeję w Oblężeniu Pskowa (1839-43). Poza akademicką tradycją B. Zh. były luboki I.I. Terebieniew, poświęcony wyczynowi narodowemu w Wojnie Ojczyźnianej w 1812 r., „Sceny kozackie” w litografiach Orłowskiego, rysunki P.A. Fedotow na tematy baraków i życia obozowego, rysunki G.G. Gagarina i M.Yu. Lermontow, żywo odtwarzający sceny wojny na Kaukazie, litografie V.F. Timm na temat wojny krymskiej 1853-56.

Apoteoza wojny w wizji VV Vereshchagin.

Dowiedziawszy się w kwietniu 1868 r., że przebywający w Samarkandzie emir Buchary wypowiedział „świętą wojnę” wojskom rosyjskim, Wierieszczagin ruszył za armią w kierunku wroga. "Wojna! I tak blisko mnie! W najbardziej centralnej Azji! Chciałem przyjrzeć się niepokojowi bitew i od razu opuściłem wioskę. Vereshchagin nie uchwycił bitwy, która rozegrała się na obrzeżach Samarkandy 2 maja 1868 r., Wzdrygnął się na obraz tragicznych konsekwencji tej bitwy. „Nigdy nie widziałem pola bitwy i krwawiło mi serce”. Te słowa artysty są krzykiem grozy jeszcze niestwardniałej, wrażliwej duszy, która otrzymała pierwszy impuls do głębokich refleksji nad tym, czym jest wojna. Stąd było jeszcze bardzo daleko od rozwoju stanowczych poglądów antymilitarnych. Jednak pierwszy poważny szok miał daleko idące konsekwencje.

Po zatrzymaniu się w okupowanej przez Rosjan Samarkandzie, Vereshchagin zaczął studiować życie i życie miasta. Kiedy jednak główne oddziały pod dowództwem Kaufmana opuściły Samarkandę, by dalej walczyć z emirem, mały garnizon miasta zamknął się w cytadeli i był oblegany przez tysiące oddziałów Chanatu Szachrisabz i zbuntowaną miejscową ludność. Przeciwnicy prawie osiemdziesięciokrotnie przewyższali siły rosyjskie. Od ich ognia szeregi odważnych obrońców cytadeli Samarkandy znacznie się przerzedziły. Sytuacja czasami stawała się po prostu katastrofalna. Vereshchagin, zamieniwszy ołówek na broń, wstąpił w szeregi obrońców.

Obrona Samarkandy nie tylko złagodziła charakter i wolę Vereshchagin, ale także skłoniła go do zastanowienia się nad tym, czego doświadczył i zobaczył. Okropności bitwy, śmierć i cierpienie masy ludzi, okrucieństwa wrogów, którzy poddali więźniów bolesnym torturom i odcięli im głowy - wszystko to pozostawiło niezatarty ślad w umyśle artysty, bardzo wzburzonego i poruszonego. dręczyły go. Później powiedział, że wygląd umierających pozostał dla niego bolesnym wspomnieniem na zawsze.

Podczas drugiej podróży do Turkiestanu Vereshchagin pracował szczególnie ciężko i bardzo skutecznie w dziedzinie malarstwa.

Aby uogólnić materiał zgromadzony w Turkiestanie, Wierieszczagin od początku 1871 r. osiedlił się w Monachium, gdzie zaczął tworzyć dużą serię obrazów. Szereg obrazów batalistycznych artysta połączył w cykl, który nazwał „Barbarzyńcami”. Na obrazach z tej serii: „Uważaj” (1873), „Atak z zaskoczenia” (1871), „Otoczony - prześladowany” (1872), „Prezentacja trofeów” (1872), „Triumfujący” (1872), „Na grób świętego, któremu dziękują Wszechmogącemu” (1873) i „Apoteoza wojny” (1871-1872), uchwycone są powiązane ze sobą epizody z wojny turkiestańskiej, opowiadające o jej okrucieństwie. Ostatnie zdjęcie z cyklu „Apoteoza wojny” przedstawia piramidę ludzkich czaszek ułożonych w środkowoazjatyckiej dolinie, na tle rozdartego wojną miasta i wyschniętych ogrodów. stada głodnych ptaki drapieżne krążąc nad piramidą, usiądź na czaszce. Gorące powietrze jest transportowane z wielką umiejętnością. Wyrazisty szaro-żółty kolor doskonale oddaje wrażenie wysuszonej słońcem, martwej natury. W Apoteozie wojny artysta osiąga znaczącą jedność tonalną, wskazującą na wzrost jego umiejętności przekazywania przestrzeni, powietrza i światła.

„Apoteoza wojny” to surowe potępienie przez artystę wojen podboju, które niosą śmierć, unicestwienie i zniszczenie. Obraz przedstawia jedną z „piramid”, które na rozkaz Tamerlana i innych wschodnich despotów zbudowano z czaszek ich pokonanych wrogów. Na ramie obrazu artysta wpisał znaczące słowa: „Poświęcony wszystkim wielkim zdobywcom, przeszłości, teraźniejszości i przyszłości”. Obraz w pełni zachowuje swoją oskarżycielską moc do naszych czasów, ujawniając zbrodnię nowoczesnej imperialistycznej agresji, skazując na zagładę całe kraje i narody.

Malarstwo wojskowe 1941-1945

Najtrudniejszym testem dla kraju była II wojna światowa z nazistowskie Niemcy. Kiedy drugi się zepsuł Wojna światowa, historia sztuki światowej przeżyła niezwykłe wydarzenia. Ruchy społeczne tamtych lat wywołują rewolucyjne trendy w twórczości artystycznej. Ruchy narodowe stymulują nowe idee i formy sztuki. Wysoko rozwinięta kultura artystyczna w tych latach mierzy się z elementarnym ideologicznym i prymitywnym populizmem. W tym okresie rząd i partie polityczne coraz bardziej wytrwale wykazują zainteresowanie sztuką.

Coraz częściej zainteresowanie to wyrażało się w polityce kulturalnej, w duchu której proklamowane są prawa do dziedzictwa narodowego i klasycznego, a nowożytne ruchy artystyczne otrzymują kwalifikację ideologiczną, polityczną, z której wypływają również wnioski praktyczne. Malarze tamtych czasów próbowali oddać intensywność zaciekłej walki ludzi poprzez obraz rosyjskiej natury, dla której obecność obcych najeźdźców była obca, ujawniono wiele wydarzeń wojny. Kronika żałobnych strat została na zawsze utrwalona w malarstwie rosyjskim. Wydarzenia Wielkiej Wojny Ojczyźnianej nigdy nie zostaną wymazane z ludzkiej pamięci. Do niej niejednokrotnie zwracać się do artystów. Najgłębszy dramat, jakiego doświadczyła ludzkość w ostatnich dziesięcioleciach XX wieku – inwazja faszyzmu i II wojna światowa – umieścił procesy historyczne i artystyczne w najbardziej bezpośrednim związku i zależności od niego. Emigracja architektów i artystów z krajów opanowanych przez faszyzm spowodowała istotne zmiany demograficzne kultura artystyczna pokój. Ucieczka przed faszyzmem, odrzucenie go przez artystów zamkniętych w swoim wewnętrzny świat, zachowanie wizerunków i ideałów ich twórczości, było aktem duchowego oporu wobec faszystowskiej agresji.

W ZSRR powstają także kapitalne dzieła sztuki sztalugowej. W krajach okupowanych przez faszyzm kształtuje się sztuka ruchu oporu - ruch artystyczny, który ma polityczną skuteczność i rozwija własne właściwości treści i stylu. Ta sztuka zawiera ostrą odpowiedź na tragedię wojny, ucieleśnia koszmary faszyzmu w alegorycznych i konkretnych kompozycjach wydarzeń.

Arkady Aleksandrowicz Płastow

Plastov A.A. urodził się w 1893 r. we wsi Reszta prowincji Simbirsk. Jego najlepsze obrazy stały się klasykami sztuki rosyjskiej XX wieku. Plastov to wielki artysta chłopskiej Rosji. Patrzy na nas z jego obrazów i portretów i pozostanie na wieczność tak, jak ją przedstawił Plastov.

Był synem wiejskiego księgarza i wnukiem miejscowego malarza ikon. Ukończył szkołę wyznaniową i seminarium duchowne. Od młodości marzył o zostaniu malarzem. W 1914 udało mu się wstąpić do MUZhVZ, ale został przyjęty tylko do działu rzeźby. W tym samym czasie studiował malarstwo. W latach 1917-1925. Plastov mieszkał w swojej rodzinnej wiosce; jako „piśmienny” zajmował się różnymi sprawami publicznymi. Dopiero w drugiej połowie lat dwudziestych. mógł wrócić do profesjonalnej pracy artystycznej.

W 1931 r. Plastov A.A. dom spłonął, prawie wszystko, co do tego czasu powstało, zginęło. Artysta ma prawie czterdzieści lat i był praktycznie początkującym. Ale jeszcze czterdzieści lat niestrudzonej pracy - a liczba jego prac zbliżyła się do 10 000. Niektóre portrety - kilkaset. W większości są to portrety współmieszkańców wsi. Artysta pracował dużo i owocnie w latach 30., ale pierwsze arcydzieła stworzył w latach wojny.

Arkady Aleksandrowicz jest naturalnym realistą. Modernistyczna duma, poszukiwanie czegoś zupełnie nowego i bezprecedensowego były mu zupełnie obce. Żył w świecie i podziwiał jego piękno. Podobnie jak wielu rosyjskich artystów-realistów, Plastov jest przekonany, że najważniejszą rzeczą dla artysty jest dostrzeżenie tego piękna i bycie niezwykle szczerym. Nie trzeba pięknie pisać, trzeba pisać prawdę, a będzie piękniejsza niż jakakolwiek fantazja. Każdy odcień, każdą kreskę na swoich obrazach artysta wielokrotnie sprawdzał w swoich pracach z natury.

Niewinność, całkowity brak tego, co nazywa się „manierą”, odróżnia Plastova nawet od tych wspaniałych mistrzów, których spadkobiercą był obrazowy zasad - A.E. Arkhipova, F.A. Malyavin, K.A. Korowin. Plastov A.A. uznaje się za spadkobiercę całej narodowej tradycji artystycznej. W barwach rosyjskiej natury widzi czarujące kolory naszych starych ikon. Te kolory żyją w jego obrazach: w złocie zbóż, w zieleni trawy, w czerwieni, różu i niebieski kolor ubrania chłopskie. Rosyjscy chłopi zajmują miejsce świętych ascetów, których praca jest zarówno ciężka, jak i święta, których życie dla Płastowa jest ucieleśnieniem harmonii natury i człowieka.

Prace Plastova odzwierciedlają procesy narodu radzieckiego podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej („Faszysta przelatywał”, 1942), patriotyczną pracę kobiet, starców i dzieci na polach kołchozów w latach wojny („Żniwa”, „Sianokosy” , 1945 oba obrazy zostały nagrodzone w 1946 Nagrodą Stalina). Obraz „Sianokosy” brzmiał jak barwny hymn spokojnego życia, które nadeszło, radości ludzi, którzy z honorem i chwałą wyszli z ciężkich wojennych prób. W obrazie „Żniwa” – temat wojny jest ukryty, jest to brak ojców i starszych braci dzieci siedzących obok starszego chłopa. Jej triumf tkwi w blasku słonecznych promieni, huraganie ziół i kwiatów, szerokości rosyjskiego krajobrazu, prostej i wiecznej radości pracy w jej ojczyźnie.

W czasie wojny artysta mieszkał i pracował we wsi Prislonikha. Płótno Plastova "Faszysta przeleciał" (1942) jest jednym z najbardziej niepokojących i niezapomnianych dzieł sztuki. Rosyjska jesień, ze złotym nakryciem głowy opadających liści, więdnącą zielenią na polach i postacią martwego pasterza na pierwszym planie, nosi ślady bezsensownego okrucieństwa militarnego. Na horyzoncie ledwo widać sylwetkę lecącego niemieckiego zabójczego samolotu.

A później w swoich najlepszych pracach Płastow utrzymał osiągnięty poziom: „Wiosna” (1952), „Młodość” (1953-54), „Wiosna” (1954), „Lato” (1959-60), „Kierowcy traktorów”. Kolacja” (1951). Wśród dzieł Plastova wyróżnia się również obraz „Wiosna” (1951). Z tego płótna emanuje poetyckie uczucie życia. Młoda dziewczyna, wybiegając z wiejskiej łaźni, starannie ubiera małą dziewczynkę. Artysta umiejętnie oddaje piękno młodego nagiego kobiecego ciała, przejrzystość nieruchomego, lodowatego powietrza. Człowiek i przyroda jawią się tu nierozerwalnie ze sobą powiązane.

To nie przypadek, że w tytułach wielu jego obrazów jest coś uogólniającego. Arkady Aleksandrowicz otrzymał rzadką umiejętność przekształcania rzeczywistych wydarzeń, często tych najbardziej przyziemnych, w idealny obraz jak odkryć ich ukryte, prawdziwe znaczenie i znaczenie w ogólnym systemie wszechświata. Dlatego on, nowoczesny rosyjski realista, w naturalny sposób kontynuował klasyczną tradycję artystyczną.

Szczęście życia, niewytłumaczalnie słodkie uczucie Ojczyzny dosłownie przelewa się na nas z obrazów Plastova. Ale ... ta Rosja, którą Płastow tak bardzo kochał, której był częścią, już odchodziła w przeszłość na jego oczach. „Z przeszłości” (1969-70) – tak nazywa się jedno z ostatnich ważniejszych dzieł artysty. Rodzina chłopska w polu, podczas krótkiego odpoczynku. Wszystko jest tak naturalnie proste i tak znaczące. Chłopska Święta Rodzina. Świat harmonii i szczęścia. Kawałek nieba na ziemi.

Interesujące są również ilustracje Plastova do dzieł rosyjskich poetów i prozaików. Są bardzo zbliżeni w swoim światopoglądzie do jego obrazów. Jasność i emocjonalność idei wyróżniają prace Plastova w dziedzinie ilustracji („Frost, Red Nose” N.A. Niekrasowa, 1948; „ Córka kapitana" JAK. Puszkin, 1948-1949; prace L.N. Tołstoj, 1953; historia A.P. Czechow, 1954 itd.).

Obraz na płótnie "Zbiorowe wakacje na farmie". Z wielu powodów praca ta wpisuje się w definicję stylu socrealizm, oświadczył główny Sztuka radziecka. Co prawda należy doprecyzować, że wspomniane zdjęcie zostało zawarte w realistyczna metoda z zastrzeżeniami, bo jest zbyt jasny i wyzywająco ludowy. Autor kilkakrotnie przeładował fabułę szczegółami, ale pomogło mu to stworzyć wrażenie naturalnej wiejskiej zabawy, pozbawionej oficjalnego lenistwa.

Plastov A.A. - malarz radziecki artysta ludowy ZSRR. Plenerowe obrazy rodzajowe i pejzaże, portrety Płastowa nasycone są poetyckim postrzeganiem natury, życia rosyjskiej wsi i jej mieszkańców („Faszysta latał”, 1942, cykl „Ludzie kołchozu”, 1951-1965). Nagroda Lenina (1966) Państwo. Nagroda ZSRR (1946).

W 1945 roku zakończył się wielki okres historia sztuki XX wieku. Zwycięstwo sił demokratycznych nad faszyzmem i idące za nim wielkie przemiany społeczno-polityczne, narodowe i międzynarodowe zdecydowanie przebudowały geografię artystyczną świata, wprowadziły poważne zmiany w składzie i przebiegu rozwoju sztuki światowej. Z nowymi problemami sztuka wkracza w okres powojenny, kiedy trzy główne czynniki determinujące jej rozwój – społeczno-polityczny, narodowy i międzynarodowy, ideologiczny i artystyczny – tworzą nową sytuację historyczną i artystyczną.

Duch wojny był przepojony twórczością artystów i rzeźbiarzy. W latach wojny rozpowszechniły się takie formy operacyjnej agitacji wizualnej, jak plakaty i karykatury wojskowe i polityczne. Tysiące egzemplarzy wyszło tak niezapomniane dla całego pokolenia wojskowego naród radziecki plakaty: „Wojowniku Armii Czerwonej, ratuj!” (V. Koretsky), „Partyzanci, mścijcie się bez litości!” (T. Eremin), "Ojczyzna woła!" (I. Toidze) i wielu innych. W tworzeniu satyrycznych okien TASS wzięło udział ponad 130 artystów i 80 poetów.

Gierasimow Siergiej Wasiljewicz (1885-1964)

Utalentowany malarz i grafik, mistrz ilustracja książkowa, urodzony nauczyciel, S.V. Gerasimov z powodzeniem realizował swój talent we wszystkich tych obszarach kreatywności.

Wykształcenie artystyczne otrzymał w SHPU (1901-07), a następnie w Moskiewskiej Szkole Malarstwa i Sztuki (1907-12), gdzie uczył się u K.A. Korovin i S.V. Iwanowa. W młodości Gierasimow wolał akwarele i to w tej doskonałej technice rozwinął wyszukaną kolorystykę charakterystyczną dla jego prac ze srebrno-perłowymi przelewami swobodnych, lekkich pociągnięć. Wraz z portretami i pejzażami często sięgał po motywy życia ludowego, ale to nie narracja i nie detale etnograficzne przyciągały tu artystę, ale sam element wiejskiego i prowincjonalnego miejskiego życia („Na wózku”, 1906; „Mozhaisk Rows”, 1908; „Wesele w tawernie”, 1909). W rysunkach, litografiach, rycinach z początku lat dwudziestych. (seria "Mężczyźni") artysta szukał ostrzejszego, dramatycznego wyrazu intensywnych chłopskich charakterów. Poszukiwania te częściowo kontynuowane były w malarstwie: „Żołnierz pierwszej linii” (1926), „Strażnik gospodarstwa zbiorowego” (1933). Gierasimow jest z natury autorem tekstów, znakomitym pejzażystą. Jego największe osiągnięcia to małe studia przyrodnicze natury rosyjskiej. Wyróżniają się poezją, subtelnym poczuciem życia, harmonią i świeżością koloru („Zima”, 1939; „Przeszedł lód”, 1945; „Wiosenny poranek”, 1953; cykl „Pejzaże Możajska”, lata 50. itp.) . Tymczasem zgodnie z przyjętą w jego czasach oficjalną hierarchią gatunkową obraz o szczegółowej i ideologicznie podtrzymywanej fabule uważany był za pełnoprawne dzieło malarskie. Ale do pewnego stopnia Gerasimov odniósł sukces w takich obrazach tylko wtedy, gdy mógł przekazać w nich liryczny stan, który łączy poetycką naturę środowiska naturalnego: „Na Wołchowie. Rybacy” (1928-30), „Wspólne wakacje w gospodarstwie” (1937).

Próby przedstawienia sytuacji dramatycznych nie były zbyt przekonujące (Przysięga partyzantów syberyjskich, 1933; Matka partyzanta, 1947). Wśród prac graficznych artysty ilustracje do wiersza N.A. Niekrasowa „Kto powinien dobrze żyć w Rosji” (1933-36) oraz powieści M. Gorkiego „Sprawa Artamonowa” (1939-54, za które Gierasimow otrzymał złoty medal wystawa światowa 1958 w Brukseli). Od najmłodszych lat i przez cały czas kreatywny sposób Gierasimow entuzjastycznie angażował się w nauczanie: in Szkoła Artystyczna w drukarni I.D. Sytin (1912-14), w Państwowej Szkole Drukarskiej przy Ludowym Komisariacie Oświaty (1918-23), w Wkhutemas - Wkhutein (1920-29), Moskiewskim Instytucie Poligraficznym (1930-36), Moskiewskim Państwowym Instytucie Sztuki (1937) -50), MVHPU (1950-64). W 1956 uzyskał stopień doktora sztuki.

Aleksander Aleksandrowicz Deineka

Aleksander Aleksandrowicz Deineka urodził się 8 maja (20) 1899 r. w Kursku w rodzinie kolejarza. Początkową edukację otrzymał w Charkowskiej Szkole Artystycznej (1915-1917). Młodość artysty, podobnie jak wielu jemu współczesnych, była związana z wydarzeniami rewolucyjnymi. W 1918 pracował jako fotograf w Ugrozysku, kierował sekcją Sztuk Pięknych Gubnadobraz, projektował pociągi propagandowe, brał udział w obronie Kurska przed Białymi.

Z wojska został wysłany na studia do Moskwy, w VKhUTEMAS na wydziale drukarskim, gdzie jego nauczycielami byli V.A. Favorsky i I.I. Niwiński (1920-1925). Bardzo ważne w rozwoju twórczym i kształtowaniu postawy artysty, mieli wieloletnie praktyki i komunikację z V.A. Favorsky, a także spotkania z V.V. Majakowski. Twórczy obraz Deineki został żywo i wyraźnie przedstawiony w jego pracach na pierwszej wystawie w 1924 roku, w której brał udział w ramach „Grupy Trzech” (w grupie byli również A.D. Goncharov i Yu.I. Pimenov), oraz na wystawie Pierwszej Dyskusji stowarzyszeń aktywnej sztuki rewolucyjnej. W 1925 roku Deineka została jednym z założycieli Towarzystwa Malarzy Sztalugowych (OST). W tych latach stworzył pierwszy radziecki, prawdziwie monumentalny obraz historyczny i rewolucyjny, Obronę Piotrogrodu (1928). W 1928 Deineka została członkiem stowarzyszenia artystycznego „Październik”, aw latach 1931-1932 członkiem Rosyjskiego Związku Artystów Proletariackich (RAPH). W 1930 roku artysta stworzył wyraziste kolorystycznie i kompozycyjnie plakaty „Mechanizujemy Donbas”, „Sportowiec”. W 1931 roku pojawiły się obrazy i akwarele bardzo różniące się nastrojem i tematyką: „Na balkonie”, „Dziewczyna przy oknie”, „Najemnik interwencji”.

Nowy znaczący etap w twórczości Deineki rozpoczął się w 1932 roku. Najważniejszym dziełem tego okresu jest obraz „Matka” (1932). W tych samych latach artysta stworzył odważne w swej nowatorstwie i poezji dzieła: „Nocny pejzaż z końmi i suchymi ziołami” (1933), „Kąpielące się” (1933), „Południe” (1932) itp. Wraz z Ukazały się także utwory dźwiękowe liryczne Utwory społeczno-polityczne: „Bezrobotni w Berlinie” (1933), pełne gniewu rysunki do powieści „Ogień” A. Barbusa (1934). Od połowy lat 30. Deineka zainteresowała się współczesne motywy. Artysta już wcześniej podejmował tematykę lotnictwa (Spadochroniarze nad morzem, 1934), ale w 1937 pracował nad ilustracjami do książki dla dzieci pilota G.F. Wydana w 1938 r. książka Bajdukowa „Przez biegun do Ameryki” przyczyniła się do tego, że mistrz z nowym zapałem zainteresował się lotnictwem. Namalował szereg obrazów, jeden z najbardziej romantycznych – „Piloty przyszłości” (1937). Wątek historyczny znalazł swoje ucieleśnienie w monumentalnych pracach poświęconych głównie historii przedrewolucyjnej. Artysta wykonał szkice do paneli na wystawy w Paryżu i Nowym Jorku. Wśród najważniejszych dzieł końca lat 30. i początku lat 40. znajduje się Marsz lewicy (1940). W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej Deineka tworzyła prace pełne napięcia i dramatyzmu. Obraz „Okolice Moskwy. Listopad 1941 r. „(1941) – pierwszy z tej serii. Głębokie cierpienie przesycone jest innym dziełem – „Spaloną wioską” (1942). W 1942 roku Deineka stworzyła płótno „Obrona Sewastopola” (1942), przepełnione heroicznym patosem, które było rodzajem hymnu ku odwadze obrońców miasta. Do znaczących dzieł okresu powojennego należą płótna „Nad morzem. Rybacy” (1956), „Wojskowa Moskwa”, „W Sewastopolu” (1959), a także mozaiki do foyer auli Uniwersytetu Moskiewskiego (1956), mozaika do foyer Pałacu Kongresów w Moskwie Kreml (1961). Mozaiki Deineki zdobią moskiewskie stacje metra Majakowskaja (1938) i Nowokuźniecka (1943), a za mozaiki Dzień Dobry (1959-1960) i Hokeiści (1959-1960) otrzymał Nagrodę Lenina w 1964 roku.

Deineka wykładała w Moskwie w Vkhutein (1928-1930), w Moskiewskim Instytucie Poligraficznym (1928-1934), w Moskiewskim Instytucie Sztuki im. V.I. Surikow (1934-1946, 1957-1963), w Moskiewskim Instytucie Sztuki Stosowanej i Dekoracyjnej (1945-1953, dyrektor do 1948), w Moskiewskim Instytucie Architektury (1953-1957). Był członkiem prezydium (od 1958), wiceprezesem (1962-1966), sekretarzem naukowym (1966-1968) wydziału sztuka dekoracyjna Akademia Sztuki ZSRR. Odznaczony Orderem Lenina, Orderem Czerwonego Sztandaru Pracy i medalami Bohater Pracy Socjalistycznej (1969)

12 czerwca 1969 Aleksander Aleksandrowicz Deineka zmarł w Moskwie, został pochowany na moskiewskim cmentarzu Nowodziewiczy

Korin Pavel Dmitrievich

Korin Pavel Dmitrievich (1892-1967), rosyjski artysta. Urodzony w Palech 25 czerwca (7 lipca) 1892 r. w rodzinie malarza ikon. W 1912 wstąpił do Moskiewskiej Szkoły Malarstwa, Rzeźby i Architektury, którą ukończył w 1916. Wśród jego mentorów byli K.A. Korovin i S.V. Maliutin; jednak głównymi nauczycielami Korina byli AA. Iwanow i M.V. Niestierow. Korin mieszkał w Moskwie, często odwiedzał Palecha.

Marzenia młodego artysty o stworzeniu wielkiego płótna, ekwiwalentu Mesjasza Iwanowskiego, urzeczywistniły się wreszcie w klasztorze Donskoy, w dniu pogrzebu patriarchy Tichona (1925). Tysiące wiernych zainspirowało Korina do stworzenia Requiem, obrazu, który uosabia „Świętą Rosję” na przełomie tragicznych przemian. Zgodnie z tą ideą tworzy wspaniałe typy portretów (Ojciec i syn, 1930; Żebrak, 1933; Ksieni, 1935; Metropolitan (przyszły patriarcha Sergiusz), 1937 itd.; prawie wszystkie prace znajdują się w Muzeum Domu Korina); jego oryginalny styl pisania jest rozwinięty, znacznie bardziej sztywny i surowy niż styl Niestierowa. Na zaproszenie M. Gorkiego (który zaproponował nazwanie przyszłego obrazu, który opuszcza Rosja), Korinowi udało się w latach 1931-1932 odwiedzić Włochy i inne kraje europejskie. W latach 30. prace nad odchodzącą Rosją (w wyniku bezpośrednich gróźb ze strony NKWD) musiały zostać przerwane. Podążając za tragicznie samotnym wizerunkiem Gorkiego (1932), Korin napisał w latach 1939-1943 (z polecenia Komitetu ds. Sztuki) serię portretów sowieckich postaci kultury (M.V. Niestierow, A.N. Tołstoj, W.I. Kaczałow; wszystkie - w Galerii Trietiakowskiej ;i inne), uroczysty, a zarazem ostro dramatyczny. Tryptyk Aleksander Newski (1942-1943, tamże) i mozaiki na stacji metra Komsomolskaja (1953), powstałe w latach wojny i powojennych, przesycone są patosem walki i zwycięstwa. W dekady powojenne Korin ukończył szkic kompozycyjny Requiem (1959, dom-muzeum) i kontynuował cykl „heroicznych portretów” (S.T. Konenkov, 1947; Kukryniksy, 1958; oba portrety w Galerii Trietiakowskiej; Nagroda Lenina, 1963).

W latach 1932-1959 Korin kierował warsztatami konserwatorskimi Muzeum Sztuk Pięknych im. A.S. Puszkina. Zgromadził najcenniejszą kolekcję starożytnej sztuki rosyjskiej (eksponowaną - wraz z dziełami samego artysty - w jego moskiewskim domu-muzeum, otwartym w 1971 r.).

Windows TASS

„Okna TASS” to propagandowe plakaty polityczne produkowane przez Agencję Telegraficzną Związku Radzieckiego (TASS) podczas Wielkiej Wojny Ojczyźnianej 1941-1945. Podobnie jak „Windows of GROWTH” – cykl artystyczny stworzony przez Władimira Majakowskiego w czasach wojny secesyjnej – jest to oryginalna forma propagandy i sztuki masowej. Ostre, czytelne plakaty satyryczne z krótkimi, łatwymi do zapamiętania tekstami poetyckimi demaskowały wrogów Ojczyzny.

Każda wojna to nie tylko konfrontacja armii, broni i schematów taktycznych. Każda wojna to potężna bitwa ideologiczna, której przewaga pomaga wygrywać na polach bitew. Najbardziej uderzającym, widocznym potwierdzeniem tego faktu stała się Wielka Wojna Ojczyźniana. Pokonawszy wroga w śmiertelnych bitwach, pokonaliśmy go moralnie. Wygraliśmy w strasznym i katastrofalnym 41. miejscu. Bo już wtedy odwoływały się do najlepszych, jasnych stron ludzka dusza. Nasza wojna była sprawiedliwa, ofiarna, patriotyczna. Walczyliśmy o naszą ziemię, o nasz naród, o zbezczeszczony honor naszego kraju.

W "Oknach TASS" - serii plakatów, które pojawiały się regularnie przez całą wojnę i miały odzwierciedlenie w satyrycznym lub patriotyczny mundur w najważniejszych, aktualnych wydarzeniach, które miały miejsce na froncie, z tyłu czy na arenie międzynarodowej, z talentem pracował zespół najlepszych ówczesnych artystów, pisarzy i poetów. "Windows TASS" - kolorowe plakaty satyryczne, które weszły do historii Wielkiej Wojny Ojczyźnianej jako wyjątkowa strona heroiczna, jako jeden z groźnych rodzajów broni ideologicznej, która bezlitośnie rozgromiła nazistowskich najeźdźców i ich generałów. Plakaty te były wykonane z reguły z wielką wprawą i wywarły na widza niezwykły wpływ, wywołując w nim płomień. sowiecki patriotyzm, wzniecając święty gniew i skwierczącą nienawiść do okrutnego i śmiertelnego wroga, który zdradziecko zaatakował naszą Ojczyznę. Byli dobrze znani na froncie i na tyłach, w podziemiu na okupowanych terenach iw oddziałach partyzanckich, w wielu krajach świata, w tym w samych Niemczech.

Artyści potrafili oddać w karykaturach portretowe podobieństwo do oryginału, a jednocześnie podkreślić to, co najbardziej charakterystyczne w wyglądzie lub działaniach faszystowskiego przywódcy. Tassovites powiedział, że przez długi czas uważnie oglądali niemieckie kroniki filmowe, fotografie, studiowali charakterystyczne gesty, chód, wygląd swoich przyszłych „bohaterów”: Hitlera, Goebbelsa, Goeringa, Himmlera i innych. Tutaj, oprócz umiejętności artystyczne, trzeba było być subtelnym psychologiem. Boris Efimov wspomina: „Gdzieś przeczytałem, że w intymnym kręgu hitlerowskiej elity Goebbels nosił przydomek „Myszka Miki” po słynnej kreskówkowej myszy. Podobało mi się to porównanie i zacząłem przedstawiać „mistrza wielkiego kłamstwa” w odpowiednim przebraniu. Kukryniksy przedstawiał Hitlera w gorączkowym ruchu wskazującym palcem, przerażającymi gestami, rozczochranymi włosami.

Pierwszy plakat „Windows TASS” został wydany 27 czerwca 1941 roku, później plakaty zaczęły pojawiać się co tydzień. W Okny TASS pracowało ponad 130 artystów i 80 poetów. W jednym odruchu patriotycznym pracowali w warsztacie ludzie różnych zawodów: rzeźbiarze, artyści, malarze, twórcy teatralni, graficy, historycy sztuki.

Główny trzon zespołu stanowili ci, którzy współpracowali z Władimirem Majakowskim w „Oknach ROSTA” na początku lat 20.: artyści M. Czeremnych, N. Denisowski, B. Efimow, W. Lebiediew i V. Kozlinsky. Wiele nazwisk artystów i poetów, którzy pracowali w TASS Windows, było szeroko znanych nie tylko w Związku Radzieckim, ale także na świecie - trio Kukryniksy (Kupriyanov, Krylov, Sokolov), Demyan Bedny, Samuil Marshak, Konstantin Simonov.

Każde wydanie „okien” w wojsku oczekiwano nie mniej niż dostawy amunicji i sprzętu wojskowego. Komunikacja z frontem była stale utrzymywana. Pod drzwiami warsztatu na Kuźnieckim Moście można było stale widzieć samochody z pierwszej linii przyjeżdżające na kolejny nakład. Często sami Tassovites udawali się na miejsce jednostki wojskowe a na pierwszej linii zaaranżował improwizowane wystawy „Windows TASS”.

Plakaty TASS Windows były skuteczną bronią ideologiczną podczas wojny. Można je było zobaczyć na pancerzach czołgów, na samolotach. Plakaty rozwścieczyły nazistów. Partyzanci szczególnie gorliwie podsycali to uczucie wśród zaborców. Na przykład w Charkowie partyzanci całkowicie uszczelnili budynek lokalnego gestapo za pomocą okien TASS. Nie trzeba tłumaczyć, czego doświadczyli naziści, kiedy rano zobaczyli tak wiele żrących satyrycznych antynazistowskich plakatów. A w Tuli i Witebsku plakaty przyklejone do domów i mocno odmrożone, że nie można było ich oderwać od murów, hitlerowcy strzelali z wściekłością. Bezsilna złość Niemców wobec okien TASS była tak silna, że Goebbels osobiście zagroził „odwieszeniem wszystkich tych, którzy pracują w oknach TASS natychmiast po zdobyciu Moskwy przez wojska niemieckie”.

Dyrekcja Polityczna Armii Czerwonej przygotowała małe ulotki najpopularniejszego „Windows TASS” z tekstami na Niemiecki. Ulotki te zostały wyrzucone na tereny okupowane przez nazistów i rozprowadzone przez partyzantów. Teksty pisane po niemiecku wskazywały, że ulotka może służyć jako przepustka do poddania się niemieckim żołnierzom i oficerom.

Już w pierwszych plakatach Tassovites starał się wskrzesić heroiczną przeszłość narodu rosyjskiego, aby jeszcze raz przypomnieć mu o trudnych próbach, jakie przeszedł naród rosyjski w walce z obcymi najeźdźcami. Jeden z plakatów nosił tytuł „Rosjanie”. Przedstawiał on zdjęcia z walk żołnierzy rosyjskich z Krzyżakami Jezioro Peipsi, z hordami Mamai, z wojskami pruskimi, wojskami Napoleona. Wszystkie te bitwy zakończyły się zwycięstwem armii rosyjskiej.

Niejednokrotnie motyw obrazu stał się legendarny postacie historyczne, wielcy rosyjscy dowódcy: Aleksander Newski, Dmitrij Donskoj, Kutuzow, Suworow. Skrzydlate linie Puszkina, Lermontowa, Gribojedowa, Majakowskiego były również często używane w plakatach. Pisane o innych wydarzeniach nabrały nowoczesnego brzmienia.

Bez żadnego zaplecza poligraficznego zespołowi autorów wciąż udało się codziennie wypuszczać nowe „Okno”. Jednocześnie należy zauważyć, że nie ukazał się ani jeden plakat, ale cały nakład kilkuset egzemplarzy (pod koniec wojny sięgający półtora tysiąca), który w najtrudniejszych warunkach został ręcznie wzorowane w warsztacie na Kuznetsky Most. Jednocześnie często pracowali jako „umowa rodzinna” - pracy było wystarczająco dużo dla wszystkich. Gdy tylko komunikaty Sofinformburo pojawiły się w radiu, artyści natychmiast naszkicowali szkic, a poeci, często wyprzedzając artystów, pisali wiersze. Zazwyczaj plakat był gotowy w 24 godziny, a w niektórych nagłych przypadkach – nie więcej niż 4 godziny! Powstały więc na przykład plakaty poświęcone bitwie na Wybrzuszenie Kurskie, zdobycie Stalingradu, Charków. Często plakaty wykorzystywały teksty już opublikowane w prasie periodycznej. Tak więc 18 godzin po opublikowaniu wiersza K. Simonowa „Zabij go!” Powstał plakat Kukrynickiego, na którym faszysta pod postacią goryla z karabinem maszynowym w rękach chodził po zwłokach kobiet i dzieci. Nie trzeba dodawać, że wściekłe, wyzywające słowa Konstantina Simonowa w połączeniu z obrazem nieludzkiego wyglądu okupanta wywarły potężny wpływ moralny na dusze żołnierzy walczących o ojczyznę!

"Windows TASS" zostały wydrukowane w kilku kolorach przy użyciu szablonów i były spadkobiercami rosyjskich tradycji zdjęcia ludowe i satyryczne "Okna WZROSTU" lat 20-tych. ubiegłego wieku: lapidarny, celny rysunek, dźwięczny kontrastujący kolor, gryzący, dowcipny tekst, łatwy do zapamiętania wierszyk. Oto kilka podpisów tekstowych na pierwszych plakatach: „Faszysta drogą na Prut, ale faszysta z pręta Prut”, „Każde uderzenie młota to cios we wroga”!, „Śmierć faszystowskiemu gadowi !”, „Wiedzieliśmy: obrońca Moskwy nie narobi bałaganu!” ”, „Niszcząc nazistów bez litości, armaty morskie mówią: kto pokona wroga pod Leningradem, broni Stalingradu! Położysz wroga na północy - pomożesz pokonać wroga na Wołdze! ”...

W pracach redakcyjnych szczególne miejsce zajmowała obrona Moskwy. W najtrudniejszych warunkach oblężonego miasta, kiedy większość przedsiębiorstw i instytucji kulturalnych została ewakuowana na wschód kraju, w tym główny trzon redakcji Okon TASS, garstka artystów TASS na czele z M. Sokołowem -Skalya, pozostała w mieście, aby pomagać w pracy Armii Czerwonej w obronie swojej rodzimej stolicy. Aby przekonać wszystkich Moskali i bojowników na froncie, że redakcja pracuje spokojnie nawet w groźnej sytuacji, postanowiono napisać datę i słowo „Moskwa” na pieczątce każdego „okna”. W ciągu zaledwie dwóch miesięcy - w październiku i listopadzie - wydano około 200 plakatów! To była naprawdę heroiczna praca. Popularność i znaczenie „Okna TASS” była taka, że już w 1942 roku w Muzeum Historycznym na wystawie „Klęska wojsk hitlerowskich na przedmieściach Moskwy” znaczną część ekspozycji stanowiły właśnie plakaty z pracowni Kuzniecki Most. Wzbudziło to duże zainteresowanie wśród mieszkańców miasta. Od 22 marca do 3 maja wystawę odwiedziło 10199 osób.

„Windows TASS” zyskał dużą popularność nie tylko w naszym kraju, ale także za granicą. Sześć wystaw odbyło się za granicą na początku wojny - w Anglii, USA, Ameryka Łacińska, Chiny, Szwecja. Na przykład w Chinach po obejrzeniu wystawy 12 Chińczyków przybyło do konsulatu sowieckiego i złożyło wniosek o przyjęcie jako ochotnicy do Armii Czerwonej. W Helsinkach, gdzie wystawa odbyła się zaraz po tym, jak Finlandia przestała być niemieckim satelitą, wielu zwiedzających pozostawiło w księdze gości entuzjastyczne wpisy: „Związek Radziecki umie walczyć, ale jest też mistrzem rysunku. Znakomity! Zdejmijmy czapki!" Jeden z amerykańskich producentów wysłał list do Moskwy z prośbą o wydanie prenumeraty „Windows TASS” w jego imieniu, motywując swoją prośbę tym, że choć nie podziela ideologii, która jest realizowana w tych plakatach, to jednak umieszczone w sklepach jego przedsiębiorstw, znacząco przyczyniają się do zwiększenia wydajności pracowników, co jest niezwykle korzystne. „Niektóre okienka”, napisała Wieczerniaja Moskwa w sierpniu 1942 r., „są całkowicie przedrukowywane za granicą i wychodzą jako plakaty z obcym tekstem”.

Rząd radziecki wysoko ocenił pracę zespołu. W 1942 roku grupa poetów i artystów otrzymała dziewięć Nagród Państwowych. Przyjęli ich S. Marshak, Kukryniksy, P. Sokolov-Skalya, G. Savitsky, N. Radlov, P. Shumikhin, M. Cheremnykh. W sumie w czasie wojny wydano 1250 plakatów, które były prawdziwie poetycką i artystyczną kroniką Wielkiej Wojny Ojczyźnianej. Nie ma wątpliwości, że TASS Windows na zawsze pozostanie jedną z najjaśniejszych kart w historii kultury naszego kraju. Wysokość pozycja cywilna Najlepsi przedstawiciele kultury narodowej, którzy swoją bezinteresowną pracą w warsztatach artystycznych na moście kuźnieckim przybliżyli zwycięstwo, są niewątpliwie przykładem służby Ojczyźnie i jej mieszkańcom.

Hostowane na Allbest.ru

...

Podobne dokumenty

Gatunek bitewny w sztukach wizualnych poświęcony tematyce wojny i życia militarnego. Historia powstania gatunku, doświadczenie realistycznego przedstawienia bitew. Artyści działający w gatunku bitewnym. Główne kamienie milowe w biografii A.S. Chagadaev, jego prace.

prezentacja, dodana 22.05.2012

Badania dziedzictwo twórcze Rosyjski malarz batalistyczny V.V. Wierieszczagin. Zmaganie się za pomocą sztuki z "strasznym widmem wojny" jako głównym zadaniem jego twórczości. Analiza obrazów z cyklu bitewnego poświęconego kampanii turkiestańskiej i wojnie na Bałkanach.

streszczenie, dodane 11.05.2014

Początki gatunku. Tradycja ballady w historii Europy. Wpływ hiszpańskiego romansu na rozwój gatunku ballady. Ballada w renesansie i czasach nowożytnych. Rozwój gatunku literackiego ballady. Ballada w historii poezji rosyjskiej. Rola ballady w rozwoju sztuki.

praca semestralna, dodana 30.10.2004

ogólna charakterystyka, klasyfikacja i rodzaje krajobrazu jako jeden z aktualnych gatunków form sztuki. Identyfikacja cech, związków gatunku pejzażu w malarstwie, fotografii, filmie i telewizji. Historia powstania fotografii na przełomie XIX i XX wieku.

streszczenie, dodane 26.01.2014

Malarstwo Wielkiej Wojny Ojczyźnianej: gatunek bitewny, apoteoza wojny w wizji V.V. Wierieszczagin, malarstwo wojskowe 1941-1945. Twórczość artystów Plastov A.A., Gerasimov S.V., Deineka A.A., Korina P.D. Dramatyczne sytuacje czasowe w sztuce.

streszczenie, dodane 03.06.2011

Istota gatunek zwierząt, zasady i główne wątki obrazów w tym kierunku. Opis malarstwa i drogi życiowej Christopha Drochona, Sony Reida, Dana Amiko, Nikołaja Kondakowa, Konstantina Florowa, Jewgienija Charuszina, Wasilija Aleksiejewicza Watagina.

test, dodano 23.01.2014

Historia powstania i rozwoju fenomenu gatunku. Osobliwości związku gatunku z treścią dzieła sztuki z zakresu literatury. Gatunek jako zbiór dzieł połączonych wspólnym zakresem tematów i przedmiotów reprezentacji w sztukach wizualnych.

streszczenie, dodane 17.07.2013

Cechy gatunku historycznego w systemie Malarstwo rosyjskie. Wielcy przedstawiciele historycznego gatunku malarstwa, ich wkład w rozwój ten kierunek i słynne dzieła. Rozwój gatunku i pejzaż, ich przedstawiciele i popularność.

streszczenie, dodane 27.07.2009

Vereshchagin V.V. - malarz, reformator rosyjskiego gatunku bitewnego. Styl twórczy artysty. Treść dokumentalna i etnograficzna malarstwa z cyklu turkiestańskiego i bałkańskiego. ekspresja emocjonalna i motyw antywojenny na obrazie „Apoteoza wojny”.

prezentacja, dodana 02.11.2015

Rodzaje gatunku teatralnego. Cechy gatunków artystycznych związanych z teatrem i muzyką. Opera jako forma sztuki muzycznej i teatralnej. Początki operetki, jej związki z innymi formami sztuki. Monoopera i monodram w teatrze. Historia tragedii.