Japonia? Jak to się rozwinęło? Na te i inne pytania odpowiemy w artykule. Kultura japońska powstała w wyniku historycznego ruchu, który rozpoczął się, gdy Japończycy przenieśli się z kontynentu na archipelag i narodziła się cywilizacja okresu Jomon.
Europa, Azja (zwłaszcza Korea i Chiny) oraz Ameryka Północna wywarły silny wpływ na obecne oświecenie tego ludu. Jednym z przejawów kultury japońskiej jest jej długi rozwój w epoce całkowitej izolacji państwa (polityka sakoku) od wszystkich innych krajów w okresie panowania szogunatu Tokugawa, który trwał do połowy XIX wieku - początku Era Meiji.
Wpływ
Jak rozwijała się kultura artystyczna Japonii? Na cywilizację duży wpływ miało odosobnione położenie regionalne kraju, warunki klimatyczne i geograficzne, a także zjawiska naturalne (tajfuny i częste trzęsienia ziemi). Wyrażało się to w niezwykłym stosunku ludności do przyrody jako istoty żywej. Cechą narodowego charakteru Japończyków jest umiejętność podziwiania obecnego piękna wszechświata, które wyraża się w wielu rodzajach sztuki w małym kraju.
Kultura artystyczna Japonii powstała pod wpływem buddyzmu, szintoizmu i konfucjanizmu. Te same trendy wpłynęły na jego dalszy rozwój.
starożytność
Zgadzam się, kultura artystyczna Japonii jest wspaniała. Szintoizm ma swoje korzenie w czasach starożytnych. Buddyzm, choć pojawił się przed naszą erą, zaczął się rozprzestrzeniać dopiero od V wieku. Okres Heian (VIII-XII wiek) jest uważany za złotą erę państwowości Japonii. W tym samym okresie malownicza kultura tego kraju osiągnęła swój szczyt.
Konfucjanizm pojawił się w XIII wieku. Na tym etapie nastąpiło rozdzielenie filozofii Konfucjusza i buddyzmu.
Hieroglify
Obraz kultury artystycznej Japonii jest ucieleśniony w wyjątkowej wersyfikacji, którą nazywa się W tym kraju wysoko rozwinięta jest również sztuka kaligrafii, która według legendy powstała z niebiańskich boskich obrazów. To oni tchnęli życie w pismo, więc ludność jest życzliwa dla każdego znaku w pisowni.
Plotka głosi, że to hieroglify dały japońską kulturę, ponieważ pojawiły się z nich obrazy otaczające inskrypcję. Nieco później zaczęto obserwować silne połączenie elementów malarstwa i poezji w jednym dziele.
Jeśli przestudiujesz japoński zwój, odkryjesz, że praca zawiera dwa rodzaje symboli. Są to znaki pisania - pieczęcie, wiersze, kolofen, a także malownicze. W tym samym czasie dużą popularność zyskał teatr Kabuki. Inny typ teatru - Ale - preferowany jest głównie przez personel wojskowy. ich surowość i okrucieństwo miały silny wpływ na Nie.
Obraz
Kultura artystyczna była badana przez wielu specjalistów. Ogromną rolę w jej powstawaniu odegrało malarstwo kaiga, co po japońsku oznacza rysunek lub malowanie. Sztukę tę uważa się za najstarszy rodzaj malarstwa państwa, o czym decyduje ogromna ilość rozwiązań i form.
W nim szczególne miejsce zajmuje natura, która określa świętą zasadę. Podział malarstwa na sumi-e i yamato-e istnieje od X wieku. Pierwszy styl rozwinął się bliżej XIV wieku. Jest to rodzaj monochromatycznej akwareli. Yamato-e to złożone poziomo zwoje, które są powszechnie używane w dekoracji dzieł literackich.
Nieco później, w XVII wieku, w kraju pojawił się druk na tabliczkach – ukiyo-e. Mistrzowie przedstawili pejzaże, gejsze, znanych aktorów teatru Kabuki. Ten rodzaj malarstwa w XVIII wieku wywarł silny wpływ na sztukę Europy. Powstający trend nazwano „Japanizmem”. W średniowieczu kultura Japonii wykroczyła poza granice kraju – zaczęła być wykorzystywana w projektowaniu stylowych i modnych wnętrz na całym świecie.
Kaligrafia
Och, jak piękna jest kultura artystyczna Japonii! W każdym z jej segmentów widać zrozumienie harmonii z naturą. Czym jest współczesna kaligrafia japońska? Nazywa się shodo ("sposób powiadomień"). Kaligrafia, podobnie jak pisanie, jest dyscypliną obowiązkową. Naukowcy odkryli, że sztuka ta pojawiła się tam jednocześnie z chińskim pismem.
Nawiasem mówiąc, w czasach starożytnych kulturę człowieka oceniano na podstawie jego poziomu kaligrafii. Obecnie istnieje wiele stylów pisma, które rozwijają mnisi buddyjscy.
Rzeźba
Jak powstała kultura japońska? Jak najbardziej szczegółowo zbadamy rozwój i rodzaje tego obszaru ludzkiego życia. Rzeźba to najstarszy rodzaj sztuki w Japonii. W starożytności mieszkańcy tego kraju wykonywali figurki bożków i naczynia z ceramiki. Następnie zaczęto umieszczać na grobach posągi chaniwa, wykonane z wypalanej gliny.
Rozwój rzemiosła rzeźbiarskiego we współczesnej kulturze japońskiej wiąże się z rozprzestrzenianiem się buddyzmu w państwie. Za jednego z najstarszych przedstawicieli japońskich zabytków uważana jest rzeźba Buddy Amitabhy, wykonana z drewna, umieszczona w świątyni Zenko-ji.
Rzeźby były bardzo często wykonane z belek, ale wyglądały bardzo bogato: rzemieślnicy pokrywali je lakierem, złotem i jasnymi kolorami.
Origami
Lubisz kulturę artystyczną Japonii? Zrozumienie harmonii z naturą przyniesie niezapomniane wrażenia. Cechą charakterystyczną kultury japońskiej stały się niesamowite produkty origami („papier składany”). Umiejętność ta zawdzięcza swoje pochodzenie Chinom, gdzie w rzeczywistości wynaleziono pergamin.
Początkowo „papier składany” był używany w ceremoniach religijnych. Tę sztukę studiować mogła tylko klasa wyższa. Ale po II wojnie światowej origami opuściły domy szlachty i znalazły swoich wielbicieli na całej Ziemi.
Ikebana
Każdy powinien wiedzieć, jaka jest kultura artystyczna krajów Wschodu. Japonia zainwestowała wiele pracy w jego rozwój. Kolejnym elementem kultury tego niesamowitego kraju jest ikebana („żywe kwiaty”, „nowe życie kwiatów”). Japończycy są fanami estetyki i prostoty. To właśnie te dwie cechy są zainwestowane w prace. Wyrafinowanie obrazów osiąga się poprzez dobroczynne wykorzystanie naturalnego piękna roślinności. Ikebana, podobnie jak origami, służyła również jako część ceremonii religijnej.
Miniatury
Prawdopodobnie wielu już zrozumiało, że kultura artystyczna starożytnych Chin i Japonii jest ściśle ze sobą spleciona. A czym jest bonsai? To unikalna japońska umiejętność wyhodowania niemal dokładnej miniaturowej repliki prawdziwego drzewa.
W Japonii często wykonuje się również netsuke - małe rzeźby, które są rodzajem breloczka. Często takie figurki w tym charakterze były przyczepiane do ubrań Japończyków, które nie miały kieszeni. Nie tylko go ozdobiły, ale również służyły jako oryginalna przeciwwaga. Breloki zostały wykonane w formie klucza, sakiewki, wiklinowego kosza.
Historia malarstwa
Kultura artystyczna starożytnej Japonii interesuje wielu ludzi. Malarstwo w tym kraju powstało w okresie japońskiego paleolitu i rozwinęło się w ten sposób:
- Okres Yamato. W czasach Asuki i Kofuna (IV-VII w.), wraz z wprowadzeniem hieroglifów, stworzeniem chińskiego reżimu państwowego i popularyzacją buddyzmu, wiele dzieł sztuki zostało sprowadzonych do Japonii z Chin. Następnie w Kraju Kwitnącej Wiśni zaczęto powielać obrazy w stylu chińskim.
- Czas Nary. W VI i VII wieku. W Japonii nadal rozwijał się buddyzm. W związku z tym zaczęło kwitnąć malarstwo religijne, wykorzystywane do ozdabiania licznych świątyń budowanych przez arystokrację. Ogólnie rzecz biorąc, w epoce Nara wkład w rozwój rzeźby i sztuki był większy niż w malarstwie. Wczesne obrazy z tego cyklu obejmują malowidła ścienne na wewnętrznych ścianach świątyni Horyu-ji w prefekturze Nara, przedstawiające życie Buddy Siakjamuniego.
- Era Heian. W malarstwie japońskim, począwszy od X wieku, wyróżnia się nurt yamato-e, o czym pisaliśmy powyżej. Takie obrazy to poziome zwoje używane do ilustrowania książek.
- Era Muromachi. W XIV wieku pojawił się styl Supi-e (akwarela monochromatyczna), aw pierwszej połowie XVII wieku. artyści zaczęli drukować ryciny na deskach - ukiyo-e.
- Malarstwo epoki Azuchi-Momoyama stoi w ostrym kontraście z malarstwem okresu Muromachi. Ma styl polichromii z szerokim zastosowaniem srebra i w tym okresie placówka edukacyjna Kano cieszyła się dużym prestiżem i sławą. Jej założycielem był Kano Eitoku, który malował sufity i przesuwane drzwi do oddzielnych pomieszczeń. Takie rysunki zdobiły zamki i pałace szlachty wojskowej.
- Era Maiji. Od drugiej połowy XIX wieku sztuka podzieliła się na konkurujące ze sobą style tradycyjne i europejskie. W epoce Maiji Japonia przeszła wielkie przemiany społeczne i polityczne poprzez proces modernizacji i europeizacji zorganizowanej przez władze. Młodzi obiecujący artyści zostali wysłani na studia za granicę, a zagraniczni artyści przyjechali do Japonii, aby tworzyć szkolne programy artystyczne. Tak czy inaczej, po początkowym przypływie ciekawości zachodnim stylem sztuki, wahadło odwróciło się i odrodził się tradycyjny japoński styl. W 1880 roku zachodnie praktyki artystyczne zostały zakazane na oficjalnych wystawach i ostro krytykowane.
Poezja
Wciąż badana jest kultura artystyczna starożytnej Japonii. Jego cechą jest wszechstronność, pewne syntetyki, ponieważ powstała pod wpływem różnych religii. Wiadomo, że japońska poezja klasyczna wyłoniła się z codzienności, działała w jej obrębie, a ta jej przyziemność została do pewnego stopnia zachowana w tradycyjnych formach dzisiejszej poezji – trzywierszowym haiku i pięciowierszowym tankie, które wyróżnia wyrazista masowy charakter. Nawiasem mówiąc, to właśnie ta cecha odróżnia ich od skłaniającego się ku elitarności „wiersza wolnego”, który pojawił się w Japonii na początku XX wieku pod wpływem poezji europejskiej.
Czy zauważyłeś, że etapy rozwoju kultury artystycznej Japonii są wieloaspektowe? Poezja w społeczeństwie tego kraju odegrała szczególną rolę. Jednym z najsłynniejszych gatunków jest haiku, można go zrozumieć tylko zapoznając się z jego historią.
Po raz pierwszy pojawił się w epoce Heian, był podobny do stylu renga, który był swoistym ujściem dla poetów, którzy chcieli odpocząć od przemyślanych wersów wah. Haikai rozwinął się w gatunek sam w sobie w XVI wieku, gdy renga stało się zbyt poważne, a haiku opierało się na języku potocznym i nadal było humorystyczne.
Oczywiście kultura artystyczna Japonii jest pokrótce opisana w wielu pracach, ale postaramy się omówić ją bardziej szczegółowo. Wiadomo, że w średniowieczu jednym z najbardziej znanych japońskich gatunków literackich była tanka („pieśń lakoniczna”). W większości przypadków jest to pięciolinijka, składająca się z pary zwrotek o ustalonej liczbie sylab: 5-7-5 sylab w trzech wersach pierwszej strofy i 7-7 w dwóch wersach drugiej. Jeśli chodzi o treść, tanka wykorzystuje następujący schemat: pierwsza strofa reprezentuje konkretny naturalny obraz, a druga odzwierciedla uczucia osoby, które odzwierciedlają ten obraz:
- W odległych górach
Drzemiący bażant długoogoniasty -
Ta długa, długa noc
Czy mogę spać sam? ( Kakinomoto no Hitovaro, początek VIII w., przekład Sanovich.)
japońska dramaturgia
Wielu twierdzi, że kultura artystyczna Chin i Japonii jest hipnotyzująca. Lubisz sztuki sceniczne? Tradycyjna dramaturgia Kraju Kwitnącej Wiśni dzieli się na joruri (teatr lalkowy), dramaturgię teatru Noh (kyogen i yokyoku), teatr kabuki i shingeki. Zwyczaje tej sztuki obejmują pięć podstawowych gatunków teatralnych: kyogen no, bugaku, kabuki i bunraku. Wszystkie te pięć tradycji są nadal obecne. Pomimo kolosalnych różnic łączy je wspólne zasady estetyczne, które leżą u podstaw japońskiej sztuki. Nawiasem mówiąc, dramaturgia Japonii powstała na scenie No.
Teatr Kabuki pojawił się w XVII wieku, a swoje apogeum osiągnął pod koniec XVIII wieku. Forma spektakli, która rozwinęła się w określonym okresie, zachowała się na współczesnej scenie Kabuki. Spektakle tego teatru, w przeciwieństwie do scen „Nie”, skupionych wokół wąskiego kręgu wielbicieli sztuki antycznej, przeznaczone są dla masowego odbiorcy. Korzenie umiejętności Kabuki wywodzą się z występów komików - wykonawców małych fars, scen składających się z tańca i śpiewu. Teatralne umiejętności Kabuki wchłonęły elementy joruri i nie.
Pojawienie się teatru Kabuki wiąże się z nazwiskiem pracownika buddyjskiego sanktuarium O-Kuni w Kioto (1603). O-Kuni wystąpił na scenie z tańcami religijnymi, które obejmowały ruchy tańców ludowych Nembutsu-odori. Jej występy przeplatały się ze sztukami komiksowymi. Na tym etapie produkcje nazywano yujo-kabuki (kabuki kurtyzan), o-kuni-kabuki lub onna-kabuki (damskie kabuki).
ryciny
W ostatnim stuleciu Europejczycy, a potem Rosjanie, zetknęli się z fenomenem sztuki japońskiej poprzez grawerowanie. Tymczasem w Kraju Kwitnącej Wiśni rysowanie na drzewie początkowo nie było w ogóle uważane za umiejętność, choć posiadało wszystkie cechy kultury masowej – taniość, dostępność, obieg. Koneserom Ukiyo-e udało się osiągnąć najwyższą zrozumiałość i prostotę zarówno we wcielaniu fabuł, jak i ich wyborze.
Ukiyo-e była specjalną szkołą plastyczną, więc mogła wystawić wielu wybitnych mistrzów. Tak więc nazwisko Hisikawy Moronobu (1618-1694) wiąże się z początkową fazą rozwoju grawerowania fabuł. W połowie XVIII wieku powstał Suzuki Harunobu, pierwszy koneser wielobarwnego grawerunku. Głównymi motywami jego twórczości były sceny liryczne, w których zwracano uwagę nie na działanie, ale na przekazywanie nastrojów i uczuć: miłości, czułości, smutku. Podobnie jak wykwintna starożytna sztuka epoki Heian, wirtuozi ukiyo-e ożywili niezwykły kult wykwintnego piękna kobiet w odnowionym środowisku miejskim.
Jedyna różnica polegała na tym, że zamiast dumnych arystokratów Heian, na rycinach widniały pełne wdzięku gejsze z rozrywkowych dzielnic Edo. Artysta Utamaro (1753-1806) jest chyba wyjątkowym w historii malarstwa przykładem profesjonalisty, który całkowicie poświęcił swoje dzieło przedstawianiu kobiet w różnych pozach i strojach, w różnych sytuacjach życiowych. Jednym z jego najlepszych dzieł jest grawer „Gejsza Osama”, przechowywany w Moskwie w Muzeum Malarstwa Puszkina. Artysta niezwykle subtelnie oddał jedność gestu i nastroju, mimiki.
Manga i anime
Wielu artystów próbuje studiować malarstwo Japonii. Czym jest anime (japońska animacja)? Różni się od innych gatunków animacji tym, że jest bardziej dostrojona do dorosłego widza. Istnieje duplikatowy podział na style dla jednoznacznej grupy docelowej. Miarą miażdżenia jest płeć, wiek czy portret psychologiczny widza. Bardzo często anime to filmowa adaptacja japońskich komiksów manga, które również zyskały wielką sławę.
Podstawowa część mangi przeznaczona jest dla dorosłego widza. Według danych z 2002 roku około 20% całego japońskiego rynku książkowego zajmowały komiksy manga.
Japonia jest nam bliska geograficznie, ale mimo to przez długi czas pozostawała niezrozumiała i niedostępna dla całego świata. Dziś o tym kraju wiemy bardzo dużo. Długa dobrowolna izolacja doprowadziła do tego, że jej kultura jest zupełnie inna od kultur innych państw.
Dzień dobry, drodzy czytelnicy! Kontynuuję wybór filmów fabularnych o Japonii, które polecam do obejrzenia. Filmy, podobnie jak książki, pozwalają poznać styl życia, mentalność i kulturę mieszkańców kraju wschodzącego słońca.
Japońskie filmy fabularne:
1. Cesarz, wspólny film Japonii i Stanów Zjednoczonych, wydany w 2012 roku, gatunek - historia wojskowości, w reżyserii Pittera Webbera. Film ukazuje wydarzenia, które miały miejsce w Japonii po II wojnie światowej, kiedy wojska amerykańskie przybyły do Japonii, aby przywrócić porządek, aresztować zbrodniarzy wojennych i określić przyszły kierunek rozwoju Japonii. Obraz sytuacji ukazany jest oczami amerykańskiego generała, który przed wojną kochał Japonkę. Musiał określić stopień winy cesarza Japonii Hirohito w rozpętaniu wojny.
Film jest ciekawy z historycznego punktu widzenia, ponieważ pokazuje prawdziwe wydarzenia z tamtych czasów. A Japonia jest przedstawiana nie tylko jako kraj agresora, ale także jako kraj dotknięty - miasta są doszczętnie zniszczone i spalone, setki tysięcy ludzi spłonęło w eksplozji bomb atomowych.
2. Shinsengumi, rok powstania filmu 1969, nakręcony w Japonii, wyreżyserowany przez Tadashi Sawashima.
Film przedstawia ostatnie lata szogunatu Tokugawa. Kiedy z grupy wolnych samurajów (roninów) utworzono niewielki oddział do ochrony ostatniego szoguna klanu Tokugawa, tak zwany oddział samozwańczej policji. Tym wojskowym oddziałem zdesperowanych i odważnych samurajów dowodził Kondo Isami, chłop z urodzenia. Oddział słynął z niezrównanej zręczności wojskowej w walce wręcz oraz z idei zwycięstwa szogunatu nad władzą imperialną.
Na ten sam temat można znaleźć film dokumentalny, który przywraca wydarzenia z tamtych czasów i daje obiektywną ocenę działań oddziału Shinsengumi i jego dowódcy Kondo Isami. Film oparty jest na wydarzeniach historycznych, a film fabularny praktycznie nie zmienia istoty dokumentu.
3. Ukryte ostrze, wyprodukowany w Japonii, wydany w 2004 roku, reżyseria Yoji Yamada. Gatunek filmu to dramat, melodramat. Akcja filmu rozgrywa się w połowie XIX wieku w małym księstwie Unasaku na północno-zachodnim wybrzeżu Japonii. W tym okresie w kraju zachodzą wielkie zmiany, samuraje są przebudowywani na zachodni sposób i opanowują broń palną oraz nowe sposoby prowadzenia wojny. Rozpoczyna się konflikt między starym stylem życia a wszystkim nowym, co szybko oddaje życie Japończykom.
Na tle relacji między mężczyzną a kobietą dyskretnie ukazany jest wizerunek samuraja, który polega na ścisłym przestrzeganiu zasad honoru, godności i uczciwości. Po obejrzeniu tego filmu po raz kolejny dochodzisz do wniosku, że stereotyp, że samuraj to klasa bojowa, jest błędny. Jak mówi bohater filmu, „dla samuraja zabicie człowieka jest tak samo trudne, jak każdego innego”.
4. Moje deszczowe dni, produkcja Japonia 2009, gatunek dramatyczny. Film pokazuje życie uczennic wykonujących enjo-kasai. Wszystko zmienia się, gdy główny bohater spotyka młodego mężczyznę, nauczyciela historii. Ten romantyczny film opowiada o rozwoju relacji między nimi. Bardzo słodki i wzruszający film.
5.Miłość na specjalnym poziomie- produkcja Japonia, reżyser filmowy Naoto Kumazawa, rok wydania 2014, gatunek melodramat.
Wszystko zaczyna się w liceum, Kururuki Yuni jest uczennicą liceum, mądra, ma wysokie oceny we wszystkich dyscyplinach z wyjątkiem angielskiego. Jest celowa i mądra, ukrywa w sobie wszystkie emocje i dlatego jest bardzo samotna.
Młoda nauczycielka angielskiego, Sakurai, wyznacza codzienne zajęcia Yuni. Co go skłoniło do tego? Chęć nauczenia Kukuruki języka lub chęć wyciągnięcia dziewczyny z jej skorupy. Ale cokolwiek to było, dodatkowe lekcje angielskiego doprowadziły do wyniku, którego nikt się nie spodziewał. Film jest uroczy, wszystkie akcje rozgrywają się powoli, z minimalnym zestawem słów i grą uczuć, piękni aktorzy, spokojny akompaniament muzyczny. Przeznaczony dla nastoletnich kobiet. Może wydawać się trochę ciasny.
6. Chcę Cię przytulić- produkcja Japonia, reżyser Akihiko Shioto, rok wydania 2014.
Smutna i wzruszająca historia związku młodego Masamiego z dziewczyną Tsukasa oparta jest na prawdziwych wydarzeniach. Akcja filmu rozgrywa się na wyspie Hokkaido. Pewnego dnia na salę gimnastyczną, którą w tym samym czasie zarezerwowała grupa osób niepełnosprawnych, przybywa grupa młodych koszykarzy. To wydarzenie pozwoliło taksówkarzowi Masami, który od szkoły gra w koszykówkę, spotkać Tsukasę, która została niepełnosprawna w wyniku wypadku samochodowego.
Tsukasa nie lubi być traktowana jak inwalida. Po przeżyciu ciężkich konsekwencji wypadku i stopniowym powrocie do życia stała się silna. Z kolei Masami jest miłą i delikatną osobą. Ich związek nie został zrozumiany przez rodziców po obu stronach, ale mimo to młodzi ludzie nadal się spotykali. Zdając sobie sprawę, że w relacji młodych ludzi szczerzy rodzice również zakochali się w Tsukasie. Był cudowny ślub przystojnego młodzieńca i dziewczyny na wózku inwalidzkim, ale życie toczy się po swojemu…
Współczesna japońska scena artystyczna wydaje się być całkowicie zglobalizowana. Artyści podróżują między Tokio a Nowym Jorkiem, prawie wszyscy otrzymali europejskie lub amerykańskie wykształcenie, opowiadają o swojej pracy w międzynarodowym artystycznym angielskim. Obraz ten jest jednak daleki od pełnego.
Krajowe formy i trendy okazują się być jednym z najbardziej poszukiwanych dóbr, jakie Japonia może zaoferować światowemu rynkowi pomysłów i dzieł artystycznych.
operacja samolotu. Jak superflat łączy amerykańską kulturę maniaków z tradycyjnym japońskim malarstwem?
Takashi Murakami. „Tang Tan Bo”Jeśli w świecie zachodnim dla prawie wszystkich (z wyjątkiem być może najbardziej zagorzałych teoretyków postmodernizmu) granica między kulturą wysoką a masową nadal pozostaje aktualna, choć problematyczna, to w Japonii te światy są całkowicie pomieszane.
Przykładem tego jest Takashi Murakami, który z powodzeniem łączy wystawy w najlepszych galeriach świata i produkcję strumieniową.
Nagranie wycieczki po wystawie Murakami „Będzie delikatny deszcz”
Jednak związek Murakamiego z kulturą popularną – a dla Japonii jest to przede wszystkim kultura fanów mangi i anime (otaku) – jest bardziej skomplikowany. Filozof Hiroki Azuma krytykuje rozumienie otaku jako autentycznego japońskiego fenomenu. Otaku uważają się za bezpośrednio związanych z tradycjami okresu Edo XVII-XIX wieku - epoką izolacjonizmu i odrzucenia modernizacji. Azuma przekonuje, że ruch otaku – oparty na mandze, animacji, powieściach graficznych, grach komputerowych – mógł powstać jedynie w kontekście powojennej amerykańskiej okupacji w wyniku importu kultury amerykańskiej. Sztuka Murakamiego i jego zwolenników na nowo odkrywa otaku technikami pop-artu i obala nacjonalistyczny mit autentyczności tradycji. Reprezentuje „reamerykanizację japońskiej kultury amerykańskiej”.
Z artystycznego punktu widzenia superpłaski jest najbliższy wczesnemu japońskiemu malarstwu ukiyo-e. Najsłynniejszym dziełem w tej tradycji jest druk The Great Wave Off Kanagawa autorstwa Katsushika Hokusai (1823–1831).
Dla zachodniego modernizmu odkrycie japońskiego malarstwa było przełomem. Umożliwiło postrzeganie obrazu jako płaszczyzny i nie stara się przezwyciężyć tej jego osobliwości, ale pracować z nim.
Katsushiki Hokusai. „Wielka fala z Kanagawy” Pionierzy wydajności. Co oznacza dziś sztuka japońska lat 50. XX wieku?
Dokumentacja procesu twórczego Akiry Kanayamy i Kazuo Shiragi
Superflat ukształtował się dopiero w 2000 roku. Ale znaczące dla sztuki światowej działania artystyczne rozpoczęły się w Japonii znacznie wcześniej – a nawet wcześniej niż na Zachodzie.
Zwrot performatywny w sztuce nastąpił na przełomie lat 60. i 70. ubiegłego wieku. W Japonii spektakl pojawił się w latach pięćdziesiątych.
Po raz pierwszy Grupa Gutai przeniosła swoją uwagę z tworzenia samowystarczalnych przedmiotów na proces ich produkcji. Stąd krok do porzucenia obiektu sztuki na rzecz efemerycznego wydarzenia.
Choć poszczególni artyści z Gutai (a było ich w ciągu dwudziestu lat 59) aktywnie egzystowali w kontekście międzynarodowym, rozumiejąc, jak ich kolektywna działalność japońskiej sztuki powojennej w ogóle zaczęła się na Zachodzie całkiem niedawno. Boom przyszedł w 2013 roku, kiedy to kilka wystaw w małych galeriach w Nowym Jorku i Los Angeles, Tokio 1955-1970: The New Avant-Garde w MoMA oraz ogromna retrospektywa historyczna Gutai: Splendid Playground w Muzeum Guggenheima. Moskiewski import sztuki japońskiej wydaje się być niemal spóźnioną kontynuacją tego nurtu.
Sadamasę Motonagę. Praca (Woda) w Muzeum Guggenheima To uderzające, jak nowocześnie wyglądają te wystawy retrospektywne. Na przykład centralnym obiektem ekspozycji w Muzeum Guggenheima jest rekonstrukcja Dzieła (Woda) Sadamasy Motonagi, w której poziomy rotundy muzealnej są połączone rurami polietylenowymi z kolorową wodą. Przypominają pociągnięcia pędzla, które zostały oderwane od płótna i są przykładem centralnego skupienia się Gutai na „konkretności” (jak nazwa zespołu tłumaczy się z języka japońskiego), materialności przedmiotów, z którymi artysta pracuje.
Wielu członków Gutai otrzymało wykształcenie związane z klasycznym malarstwem nihonga, wielu jest biograficznie związanych z religijnym kontekstem buddyzmu zen, z jego charakterystyczną japońską kaligrafią. Wszyscy znaleźli nowe, proceduralne lub partycypacyjne podejście do starożytnych tradycji. Kazuo Shiraga nagrał na wideo, jak rysuje stopami swoje antyrauschenbergowskie monochromy, a nawet tworzył obrazy w miejscach publicznych.
Minoru Yoshida zamienił kwiaty z japońskich grafik w obiekty psychodeliczne – przykładem jest Biseksualny Kwiat, jedna z pierwszych kinetycznych (ruchomych) rzeźb na świecie.
O politycznym znaczeniu tych dzieł opowiadają kuratorzy wystawy w Muzeum Guggenheima:
„Gutai zademonstrowali znaczenie swobodnego działania indywidualnego, niszczenia oczekiwań publiczności, a nawet głupoty jako sposobów na przeciwdziałanie bierności społecznej i konformizmowi, które przez dziesięciolecia pozwoliły militarystycznemu rządowi uzyskać krytyczną masę wpływów, zaatakować Chiny, a następnie dołącz do II wojny światowej”.
Dobry i mądry. Dlaczego artyści wyjechali z Japonii do Ameryki w latach 60.?
Gutai był wyjątkiem od reguły w powojennej Japonii. Grupy awangardowe pozostały marginalne, świat sztuki był ściśle zhierarchizowany. Główną drogą do uznania był udział w konkursach organizowanych przez uznane stowarzyszenia artystów klasycznych. Dlatego wielu wolało wyjechać na Zachód i zintegrować się z anglojęzycznym systemem sztuki.
Szczególnie ciężko było kobietom. Nawet w postępowym Gutai udział ich obecności nie sięgał nawet jednej piątej. Co możemy powiedzieć o tradycyjnych instytucjach, do których dostęp wymagał specjalnego wykształcenia. W latach sześćdziesiątych dziewczęta już nabyły do tego prawa, jednak ucząc się sztuki (jeśli nie chodziło o dekorację, która była częścią zestawu umiejętności ryosai kenbo- dobra żona i mądra matka) była społecznie krzywo nastawiona na okupację.
Yoko Ono. wyciąć kawałek
Historia emigracji pięciu potężnych japońskich artystek z Tokio do Stanów Zjednoczonych była tematem studium Midori Yoshimoto „Into Performance: Japanese Women Artists in New York”. Yayoi Kusama, Takako Saito, Mieko Shiomi i Shigeko Kubota na początku swojej kariery postanowili wyjechać do Nowego Jorku i tam pracowali, m.in. nad modernizacją tradycji sztuki japońskiej. Tylko Yoko Ono dorastała w USA, ale też świadomie odmówiła powrotu do Japonii, rozczarowana hierarchią artystyczną Tokio podczas swojego krótkiego pobytu w latach 1962-1964.
Ono stała się najsłynniejszą z całej piątki, nie tylko jako żona Johna Lennona, ale także jako autorka protofeministycznych performansów poświęconych uprzedmiotowieniu kobiecego ciała. Istnieją oczywiste paralele między Cut Piece It, w którym publiczność mogła odciąć kawałki garderoby artystki, a „Rhythm 0” „babci performansu” Mariny Abramović.
Na krótkich nogach. Jak przejść szkolenie aktorskie autora Tadashi Suzuki
W przypadku Ono i Gutai metody i tematyka ich pracy, oddzielone od autorów, zyskały międzynarodowe znaczenie. Istnieją inne formy eksportu - kiedy prace artysty są postrzegane z zainteresowaniem na arenie międzynarodowej, ale zapożyczenie właściwej metody nie następuje ze względu na jej specyfikę. Najbardziej uderzającym przypadkiem jest system treningu aktorskiego Tadashi Suzuki.
Teatr Suzuki jest kochany nawet w Rosji - i nie jest to zaskakujące. Ostatni raz był z nami w 2016 roku z przedstawieniem Trojanki na podstawie tekstów Eurypidesa, a w latach 2000-tych kilkakrotnie przyjeżdżał z przedstawieniami Szekspira i Czechowa. Suzuki przeniósł akcję sztuk do aktualnego japońskiego kontekstu i zaproponował nieoczywiste interpretacje tekstów: odkrył antysemityzm w Iwanowie i porównał go z pogardliwym stosunkiem Japończyków do Chińczyków, przeniósł akcję Króla Leara na japoński azyl dla obłąkanych.
Suzuki zbudował swój system w opozycji do rosyjskiej szkoły teatralnej. Pod koniec XIX wieku, w tak zwanym okresie Meiji, modernizująca się cesarska Japonia doświadczyła wzrostu ruchów opozycyjnych. Rezultatem była zakrojona na szeroką skalę westernizacja dotychczas ekstremalnie zamkniętej kultury. Wśród importowanych form był system Stanisławski, który nadal pozostaje w Japonii (i Rosji) jedną z głównych metod reżyserskich.
Ćwiczenia Suzuki
W latach sześćdziesiątych, kiedy Suzuki rozpoczynał karierę, coraz bardziej szerzyła się teza, że japońscy aktorzy ze względu na rysy ciała nie mogą przyzwyczaić się do ról z zachodnich tekstów, które wypełniały ówczesny repertuar. Młodemu reżyserowi udało się zaproponować najbardziej przekonującą alternatywę.
System ćwiczeń Suzuki, zwany gramatyką nóg, obejmuje dziesiątki sposobów siedzenia, a jeszcze więcej stania i chodzenia.
Jego aktorzy zazwyczaj grają boso i wydają się, obniżając środek ciężkości, jak najmocniej przywiązani do podłoża, ciężkimi. Suzuki uczy ich i zagranicznych wykonawców swojej techniki w wiosce Toga, w starożytnych japońskich domach wypełnionych nowoczesnym sprzętem. Jego trupa daje tylko około 70 przedstawień rocznie, a przez resztę czasu mieszka, prawie nie wyjeżdżając ze wsi i nie mając czasu na sprawy osobiste - tylko pracuje.
Centrum Toga pojawiło się w latach 70. i zostało zaprojektowane na zlecenie reżysera przez światowej sławy architekta Aratę Isozakę. System Suzuki może wydawać się patriarchalny i konserwatywny, ale on sam mówi o Todze w nowoczesnych terminach decentralizacji. Nawet w połowie 2000 roku Suzuki rozumiał znaczenie eksportu sztuki ze stolicy do regionów i organizowania lokalnych punktów produkcyjnych. Według reżysera teatralna mapa Japonii pod wieloma względami przypomina rosyjską – sztuka koncentruje się w Tokio i kilku mniejszych ośrodkach. Rosyjski teatr skorzystałby również na towarzystwie, które regularnie jeździ na tournee po małych miastach i ma siedzibę z dala od stolicy.
SCOT Company Center w Toga Szlaki kwiatowe. Jakie zasoby odkrył współczesny teatr w systemach noh i kabuki?
Metoda Suzuki wyrasta z dwóch starożytnych tradycji japońskich – ale także z kabuki. Nie chodzi tylko o to, że tego typu teatry są często określane jako sztuka chodzenia, ale także w bardziej oczywistych szczegółach. Suzuki często kieruje się zasadą wykonywania wszystkich ról przez mężczyzn, stosuje charakterystyczne rozwiązania przestrzenne, np. hanamichi („ścieżkę kwiatów”) z próbki kabuki – platformę rozciągającą się ze sceny w głąb widowni. Wykorzystuje również dość rozpoznawalne symbole, takie jak kwiaty i zwoje.
Oczywiście w globalnym świecie nie ma mowy o przywileju Japończyków do używania ich narodowych form.
Teatr jednego z najważniejszych reżyserów naszych czasów, Amerykanina Roberta Wilsona, został zbudowany na zapożyczeniach z ale.
Używa nie tylko masek i makijażu, które przypominają masowemu widzowi Japonię, ale także zapożycza sposoby działania oparte na maksymalnym spowolnieniu ruchu i samowystarczalnej ekspresji gestu. Łącząc tradycyjne i rytualne formy z ultranowoczesną partyturą światła i minimalistyczną muzyką (jednym z najbardziej znanych dzieł Wilsona jest produkcja opery Philipa Glassa Einstein na plaży), Wilson zasadniczo tworzy syntezę pochodzenia i znaczenia, do których dąży większość współczesnej sztuki. .
Roberta Wilsona. „Einstein na plaży”
Z noh i kabuki wyrósł jeden z filarów tańca współczesnego – w dosłownym tłumaczeniu butoh – taniec ciemności. Wynaleziony w 1959 roku przez choreografów Kazuo Ono i Tatsumi Hijikatę, czerpiących również z niskiego środka ciężkości i koncentracji na stopach, butoh miał na celu przeniesienie refleksji z traumatycznych doświadczeń wojennych w wymiar cielesny.
„Pokazali ciało chore, zapadające się, nawet potworne, potworne.<…>Ruchy są albo powolne, albo celowo ostre, wybuchowe. W tym celu stosuje się specjalną technikę, podczas której ruch odbywa się tak, jakby nie angażował głównych mięśni, dzięki kostnym dźwigniom szkieletu”, historyk tańca Irina Sirotkina wpisuje butoh w historię wyzwolenia ciała, łączy to wraz z odejściem od normatywności baletowej. Porównuje butoh z praktykami tancerzy i choreografów początku XX wieku - Isadora Duncan, Martha Graham, Mary Wigman, mówi o wpływie na późniejszy taniec "postmodernistyczny".
Fragment tańca Katsura Kana, współczesnego następcy tradycji butoh
Dziś butoh w swojej pierwotnej formie nie jest już praktyką awangardową, lecz historyczną rekonstrukcją.
Jednak słownictwo ruchowe opracowane przez Ono, Hijikatę i ich zwolenników pozostaje znaczącym źródłem dla współczesnych choreografów. Na Zachodzie jest używany przez Dimitrisa Papaioannou, Antona Adasinsky'ego, a nawet w teledysku do „Belong To The World” The Weekend. W Japonii spadkobiercą tradycji butoh jest na przykład Saburo Teshigawara, który przyjedzie do Rosji w październiku. Choć on sam zaprzecza podobieństwom z tańcem ciemności, krytycy znajdują dość rozpoznawalne znaki: pozornie pozbawione kości ciało, kruchość, bezgłośny krok. Owszem, są już osadzone w kontekście postmodernistycznej choreografii – z jej szybkim tempem, biegami, pracą z postindustrialną muzyką noise.
Saburo Teshigawara. metamorfoza
Lokalnie globalnie. Jak współczesna sztuka japońska jest podobna do sztuki zachodniej?
Prace Teshigawary i wielu jego kolegów organicznie wpisują się w programy najlepszych zachodnich festiwali tańca współczesnego. Jeśli przejrzysz opisy spektakli i spektakli, które były pokazywane na Festiwalu / Tokio - największym dorocznym pokazie teatru japońskiego, to trudno będzie dostrzec zasadnicze różnice w stosunku do europejskich trendów.
Jednym z głównych tematów jest site-specificity – japońscy artyści eksplorują przestrzenie Tokio, od skupisk kapitalizmu w postaci drapaczy chmur po marginalne obszary koncentracji otaku.
Kolejnym tematem jest badanie nieporozumień międzypokoleniowych, teatr jako miejsce żywego spotkania i zorganizowanej komunikacji ludzi w różnym wieku. Dedykowane jej projekty Toshiki Okady i Akiry Tanayamy na kilka lat z rzędu przyjeżdżały do Wiednia na jeden z kluczowych europejskich festiwali sztuk performatywnych. Przeniesienie materiałów dokumentalnych i osobistych historii na scenę pod koniec lat 2000. nie było niczym nowym, ale kurator wiedeńskiego festiwalu przedstawił publiczności te projekty jako okazję do żywego, bezpośredniego kontaktu z innym. kultura.
Kolejną główną linią jest przepracowanie traumatycznego doświadczenia. Dla Japończyków kojarzy się nie z Gułagami czy Holokaustem, ale z bombardowaniem Hiroszimy i Nagasaki. Teatr odwołuje się do niego nieustannie, ale najmocniejsze stwierdzenie o wybuchach atomowych jako momencie powstania całej współczesnej kultury japońskiej należy do Takashiego Murakamiego.
na wystawę „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” „Little Boy: The Arts of Japan’s Exploding Subculture” to tytuł jego kuratorskiego projektu pokazanego w Nowym Jorku w 2005 roku. "Little Boy" - po rosyjsku "dziecko" - nazwa jednej z bomb zrzuconych na Japonię w 1945 roku. Kolekcjonując setki komiksów manga od czołowych ilustratorów, charakterystyczne zabawki vintage, gadżety inspirowane słynnym anime od Godzilli po Hello Kitty, Murakami skoncentrował koncentrację na słodkości – kawaii – do granic możliwości w przestrzeni muzealnej. Jednocześnie uruchomił szereg animacji, w których centralnymi obrazami stały się obrazy eksplozji, gołej ziemi i zniszczonych miast.
Ta opozycja była pierwszym poważnym stwierdzeniem dotyczącym infantylizacji kultury japońskiej jako sposobu radzenia sobie z zespołem stresu pourazowego.
Teraz ten wniosek wydaje się już oczywisty. Na tym opiera się akademickie studium kawaii autorstwa Inuhiko Yomota.
Istnieją również późniejsze traumatyczne wyzwalacze. Z najważniejszych - wydarzenia z 11 marca 2011 r., trzęsienie ziemi i tsunami, które doprowadziły do poważnej awarii w elektrowni jądrowej Fukushima. Na Festiwalu/Tokio-2018 cały program sześciu spektakli poświęcony był zrozumieniu konsekwencji katastrofy naturalnej i technologicznej; stały się też tematem jednej z prac prezentowanych na Solance. Ten przykład wyraźnie pokazuje, że arsenał metod krytycznych stosowanych przez sztukę zachodnią i japońską nie różni się zasadniczo. Haruyuki Ishii tworzy instalację złożoną z trzech telewizorów, które zapętlają szybko zmontowany i zapętlony materiał z programów telewizyjnych o trzęsieniu ziemi.
„Praca składa się ze 111 filmów, które artysta codziennie oglądał w wiadomościach, aż do momentu, w którym wszystko, co zobaczył, przestało być postrzegane jako fikcja” – wyjaśniają kuratorzy. Nowa Japonia jest wymownym przykładem tego, jak sztuka nie opiera się interpretacji opartej na mitach narodowych, ale jednocześnie krytyczne oko ujawnia, że ta sama interpretacja może mieć znaczenie dla sztuki o dowolnym pochodzeniu. Kuratorzy mówią o kontemplacji jako podstawie japońskiej tradycji, czerpiąc z cytatów z Lao Tzu. Jednocześnie, jakby wychodząc z nawiasów, niemal cała sztuka współczesna nastawiona jest na „efekt obserwatora” (jak nazywa się wystawę) – czy to w postaci tworzenia nowych kontekstów dla percepcji znanych zjawisk, czy też podnoszenia kwestia możliwości adekwatnej percepcji jako takiej.
Imagined Communities – kolejna praca artysty wideo Haruyukiego Ishii
Gra
Nie należy jednak myśleć, że Japonia lat 2010 to koncentracja progresywności.
Zwyczaje starego dobrego tradycjonalizmu i zamiłowanie do orientalistycznej egzotyki nie przetrwały jeszcze. „Teatr Dziewic” to tytuł budzącego podziw artykułu o japońskim teatrze „Takarazuka” w rosyjskim konserwatywnym czasopiśmie „PTJ”. Takarazuka pojawiła się pod koniec XIX wieku jako projekt biznesowy, który miał przyciągnąć turystów do odległego miasta o tej samej nazwie, które przypadkowo stało się zajezdnią prywatnej kolei. W teatrze grają tylko niezamężne dziewczęta, które według właściciela kolei miały zwabić do miasta męskich widzów. Dziś Takarazuka funkcjonuje jak przemysł, z własnym kanałem telewizyjnym, bogatym programem koncertowym, a nawet lokalnym parkiem rozrywki. Ale tylko niezamężne dziewczęta nadal mają prawo być w trupie - miejmy nadzieję, że przynajmniej nie sprawdzają dziewictwa.
Takarazuka blednie jednak w porównaniu z klubem Toji Deluxe w Kioto, który Japończycy nazywają też teatrem. Są absolutnie dzikie, sądząc po opis New Yorker felietonista Ian Buruma pokazuje striptiz: kilka nagich dziewczyn na scenie zamienia demonstrację genitaliów w publiczny rytuał.
Podobnie jak wiele praktyk artystycznych, ten spektakl opiera się na antycznych legendach (przy pomocy świecy i lupy mężczyźni z widowni mogli na zmianę zgłębiać „tajemnice bogini matki Amaterasu”), a przypomniał sam autor tradycji noh.
Poszukiwanie zachodnich odpowiedników dla Takarazuki i Tojiego zostawimy czytelnikowi - nie jest trudno je znaleźć. Zauważmy tylko, że znaczna część sztuki współczesnej jest ukierunkowana właśnie na zwalczanie takich praktyk opresji – zarówno zachodnich, jak i japońskich, od superpłaskiego po taniec butoh.
Swoje obrazy tworzył w okresie Taise (1912-26) i wczesnej Showa. Urodził się w 1891 roku
rok w Tokio był synem dziennikarza Kishidy Ginko. W 1908 ukończył szkołę w wieku
W wieku 15 lat został chrześcijaninem i poświęcił się działalności kościelnej, potem Kishida
Ryūsei studiował zachodnie style sztuki w studio Hakubakai pod kierunkiem
Seiki Kuroda (1866-1924), który był jednym z założycieli Akademii Sztuk Pięknych w Japonii.
Już w 1910 roku młody artysta zaczął wystawiać swoje prace na corocznym
Wystawa Państwowa Banten. Jego wczesne prace, zwłaszcza pejzaże, były malowane
mocno zainspirowany stylem jego nauczyciela Kurody Seiki.
Portret Reiko
Później artysta poznał i zaprzyjaźnił się z Musanoką Saneatsu (Mushanokoji Saneatsu),
który przedstawił artystę społeczeństwu Sirakaba (Biała Brzoza) i zapoznał go z Europejczykami
Fowizm i kubizm. Powstanie Kishidy Ryūsei jako artysty nastąpiło w pierwszym
dekada XX wieku, kiedy wielu młodych japońskich artystów wyjechało na studia
malowanie za granicą, przede wszystkim do Paryża. Kishida Ryūsei nigdy nie był w Europie i
nie studiował u europejskich mistrzów, ale wpływ na niego europejskiego postimpresjonizmu
był ogromny, zwłaszcza dzieło Van Gogha i Cezanne'a. Od końca 1911 do początku
1912 zainspirowała go twórczość współczesnych artystów francuskich, z których pracami
Poznał w magazynie Shirakaba i poprzez książki ilustrowane. Jego wczesna praca jest wyraźnie
stworzony pod wpływem Henri Matisse'a i Fowistów.
Autoportret w kapeluszu, 1912
styl: fowizm
W 1912 roku, w wieku 21 lat, Kishida Ryūsei zadebiutował jako
profesjonalny artysta, jego pierwsza indywidualna wystawa miała miejsce w
Galeria Sztuki Rokando. W tym samym roku artysta zorganizował
Fyizankai Art Circle do nauki i promocji
postimpresjonizm.
Ogród Prezesa Południowomandżurskiej Spółki Kolejowej 1929
Wkrótce krąg rozpadł się na skutek konfliktów wewnętrznych po dwóch wystawach.
Od około 1914 artysta porzucił swój wczesny styl fowizmu. W 1915 r
roku Kishida Reisai stworzył grupę Shodosa, w której jego główny towarzysz, student
a artysta Michisai Kono był naśladowcą.
Ścieżka wczesnym latem 1917
styl: joga-ka
Od tego czasu wypracował własny, niepowtarzalny styl wielkiego mistrza, po japońsku
w języku nazywa się to „shajitsu” lub „shasei”, zwykle tłumaczone na rosyjski jako realizm.
Artysta upraszcza formy, odnajduje niepowtarzalny kolor, wszystko to wywodzi się ze sztuki
Cezanne'a. Wprawdzie Kishida Reisai wysoko cenił sztukę Francji, ale w późniejszym okresie on
uważana za sztukę orientalną znacznie przewyższającą sztukę zachodnią.
Droga przecinająca wzgórze, 1915
styl: joga-ka
Portret Bernarda Leacha, 1913
styl: fowizm
Autoportret, 1915,
styl: joga-ka
Autoportret, 1913,
styl: joga-ka
Autoportret, 1917,
styl: joga-ka
Portret mężczyzny
styl: joga-ka
Od około 1917 artysta przeniósł się do Kugenuma Fujisawa w rejonie Kanagawa. Rozpoczął
studiować style i techniki północnoeuropejskich artystów renesansowych, takich jak
Dürera i Van Dycka. W tym okresie namalował swoją słynną serię obrazów córki Reiko,
które łączą niemal fotograficzny realizm z surrealizmem
elementy dekoracyjne. Na początku lat dwudziestych Kishida Ryūsei zainteresował się
elementy sztuki orientalnej, w szczególności do chińskiego malarstwa „Pieśni” i
"Dynastia Yuan".
„Portret Sanady Hisakichi”
Podczas wielkiego trzęsienia ziemi w Kanto w 1923 roku dom artysty w Kugenum był
zniszczony, Kishida Ryūsei przeniósł się na krótki okres do Kioto, po czym w lutym
1926 powrócił do życia w Kamakura. W latach 20. artysta malował liczne
artykuły dotyczące estetyki i historii malarstwa japońskiego.
Filiżanka do herbaty i trzy zielone jabłka, 1917
styl: sezannizm
Martwa natura, 1918,
styl: sezannizm
Dwa czerwone jabłka, filiżanka, miseczka i butelka, 1918
styl: sezannizm
W 1929 roku, z pomocą kolei południowomandżurskiej, Kishida Ryūsei dokonał
jedyna zagraniczna podróż w moim życiu, odwiedzając Dalian, Harbin i Fengtian
w Mandżurii. W drodze powrotnej do domu zatrzymał się w dzielnicy Tokuyama
Yamaguchi, gdzie nagle zmarł z powodu ostrego samozatrucia ciała. Kishida Ryusei
tworzył portrety, pejzaże i martwe natury aż do swojej przedwczesnej śmierci w wieku
38 lat. Grób artysty znajduje się na cmentarzu Tama Reien w Tokio. Po śmierci
Kishida Ryūsei do dwóch swoich obrazów Japanese Government Agency for Cultural Affairs
uhonorowany tytułem „Narodowego Dóbr Kultury”. W grudniu 2000 r. jeden z
jego portret córki Reiko z chusteczką na ramionach został sprzedany za 360 milionów jenów, co
stała się najwyższą ceną na aukcjach malarstwa japońskiego.
Witajcie drodzy czytelnicy - poszukiwacze wiedzy i prawdy!
Japońscy artyści wyróżniają się niepowtarzalnym stylem, dopracowywanym przez pokolenia mistrzów. Dziś porozmawiamy o najjaśniejszych przedstawicielach malarstwa japońskiego i ich obrazach, od czasów starożytnych po współczesność.
Cóż, zanurzmy się w sztuce Kraju Kwitnącej Wiśni.
Narodziny sztuki
Starożytna sztuka malarstwa w Japonii kojarzy się przede wszystkim z osobliwościami pisma i dlatego opiera się na podstawach kaligrafii. Do pierwszych przykładów należą odnalezione podczas wykopalisk fragmenty dzwonów z brązu, naczyń i przedmiotów gospodarstwa domowego. Wiele z nich zostało pomalowanych naturalnymi farbami, a badania sugerują, że produkty powstały przed 300 rokiem p.n.e.
Wraz z przybyciem do Japonii rozpoczął się nowy etap w rozwoju sztuki. Na emakimono – specjalnych papierowych zwojach – zastosowano wizerunki bóstw buddyjskiego panteonu, sceny z życia Nauczyciela i jego wyznawców.
Dominację motywów religijnych w malarstwie można prześledzić w średniowiecznej Japonii, a mianowicie od X do XV wieku. Niestety do dziś nie zachowały się nazwiska artystów tamtej epoki.
W okresie XV-18 w. rozpoczyna się nowy czas, charakteryzujący się pojawieniem się artystów o rozwiniętym indywidualnym stylu. Wyznaczyli wektor dalszego rozwoju sztuk pięknych.
Jasni przedstawiciele przeszłości
Napięty Shubun (początek XV wieku)
Aby stać się wybitnym mistrzem, Xubong studiował techniki pisania chińskich artystów Sung i ich pracę. Następnie stał się jednym z założycieli malarstwa w Japonii i twórcą sumi-e.
Sumi-e to styl artystyczny oparty na rysunku tuszem, co oznacza jeden kolor.
Shubun zrobił wiele, aby nowy styl zakorzenił się w kręgach artystycznych, uczył sztuki inne talenty, w tym przyszłych słynnych malarzy, takich jak Sesshu.
Najpopularniejszy obraz Shubun nosi tytuł „Czytanie w Bambusowym Gaju”.
„Czytanie w Bambusowym Gaju” autorstwa Tense Shubun
Hasegawa Tohaku (1539-1610)
Stał się twórcą szkoły, nazwanej swoim imieniem – Hasegawa. Początkowo starał się podążać za kanonami szkoły Kano, ale stopniowo jego indywidualne „pismo ręczne” zaczęło być śledzone w jego pracach. Tohaku kierował się grafiką Sesshu.
Podstawą pracy były proste, zwięzłe, ale realistyczne pejzaże o nieskomplikowanych nazwach:
- „Sosny”;
- "Klon";
- Sosny i rośliny kwitnące.
Sosny, Hasegawa Tohaku
Bracia Ogata Korin (1658-1716) i Ogata Kenzan (1663-1743)
Bracia byli znakomitymi rzemieślnikami XVIII wieku. Najstarszy, Ogata Korin, całkowicie poświęcił się malarstwu i założył gatunek rimpa. Unikał stereotypowych obrazów, preferując gatunek impresjonistyczny.
Ogata Korin malowała przyrodę w ogóle, a kwiaty w szczególności w postaci jasnych abstrakcji. Jego pędzle należą do obrazu:
- „Kwiat śliwy czerwony i biały”;
- „Fale Matsushimy”;
- „Chryzantemy”.
Fale Matsushimy autorstwa Korina Ogata
Młodszy brat - Ogata Kenzan - miał wiele pseudonimów. Przynajmniej zajmował się malarstwem, ale był bardziej znany jako wspaniały ceramik.
Ogata Kenzan opanowała wiele technik garncarskich. Wyróżniał się niestandardowym podejściem, na przykład stworzył tabliczki w formie kwadratu.
Własne malarstwo nie wyróżniało się przepychem – to była też jego osobliwość. Lubił umieszczać kaligrafię na produktach, takich jak zwój czy fragmenty poezji. Czasami pracowali razem z bratem.
Katsushika Hokusai (1760-1849)
Pracował w stylu ukiyo-e – rodzaj drzeworytu, czyli malarstwa grawerskiego. Przez cały czas twórczości zmienił około 30 nazwisk. Najsłynniejszym dziełem jest Wielka fala z Kanagawy, dzięki której zasłynął poza ojczyzną.
„Wielka fala z Kanagawy” Hokusai Katsushika
Szczególnie ciężko Hokusai zaczął pracować po 60 latach, co przyniosło dobre rezultaty. Van Gogh, Monet, Renoir znali jego twórczość i do pewnego stopnia wpłynęła ona na twórczość europejskich mistrzów.
Ando Hiroshige (1791-1858)
Jeden z najwybitniejszych artystów XIX wieku. Urodził się, żył, pracował w Edo, kontynuował dzieło Hokusaia, inspirował się jego twórczością. Sposób, w jaki przedstawił przyrodę, jest niemal tak samo uderzający, jak liczba samych prac.
Edo to dawna nazwa Tokio.
Oto kilka postaci o jego twórczości, które reprezentuje cykl obrazów:
- 5,5 tys. - liczba wszystkich rycin;
- „100 widoków Edo;
- „36 widoków Fuji”;
- „69 Stacji Kisokaido”;
- „53 Stacje Tokaido”.
Obraz Ando Hiroshige
Co ciekawe, wybitny Van Gogh napisał kilka kopii swoich rycin.
Nowoczesność
Takashi Murakami
Malarz, rzeźbiarz, projektant mody, zyskał sławę już pod koniec XX wieku. W swojej twórczości hołduje trendom mody z elementami klasyki, a inspiracje czerpie z kreskówek anime i manga.
Obraz Takashi Murakami
Prace Takashi Murakamiego zaliczane są do subkultury, ale jednocześnie cieszą się niezwykłą popularnością. Na przykład w 2008 roku jedna z jego prac została kupiona na aukcji za ponad 15 milionów dolarów. Kiedyś współczesny twórca współpracował z domami mody „Marc Jacobs” i „Louis Vuitton”.
Tycho Asima
Współpracownik poprzedniej artystki, tworzy współczesne obrazy surrealistyczne. Przedstawiają widoki miast, ulic megamiast i stworzeń jakby z innego wszechświata - duchy, złe duchy, obce dziewczyny. W tle obrazów często widać nieskazitelną, czasem wręcz przerażającą przyrodę.
Jej obrazy osiągają duże rozmiary i rzadko ograniczają się do papieru. Przenoszone są na skórę, tworzywa sztuczne.
W 2006 roku w ramach wystawy w stolicy Wielkiej Brytanii kobieta stworzyła około 20 łukowych konstrukcji, które w dzień iw nocy odzwierciedlały piękno przyrody wsi i miasta. Jeden z nich ozdobił stację metra.
Hej Arakawa
Młodego człowieka nie można nazwać tylko artystą w klasycznym tego słowa znaczeniu - tworzy instalacje, które są tak popularne w sztuce XXI wieku. Tematyka jego wystaw jest prawdziwie japońska i dotyka przyjaznych relacji, a także pracy całego zespołu.
Ei Arakawa często uczestniczy w różnych biennale, na przykład w Wenecji, jest wystawiany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w swojej ojczyźnie i zasłużenie otrzymuje różne nagrody.
Ikenaga Yasunari
Współczesnemu malarzowi Ikenadze Yasunari udało się połączyć dwie pozornie niekompatybilne rzeczy: życie dzisiejszych dziewcząt w formie portretowej i tradycyjne techniki Japonii wywodzą się ze starożytności. W swojej pracy malarz posługuje się specjalnymi pędzlami, naturalnymi farbami pigmentowymi, tuszem i węglem. Zamiast zwykłego lnu - lniana tkanina.
Obraz Ikenagi Yasunari
Ta technika kontrastowania przedstawionej epoki i wyglądu bohaterek sprawia wrażenie, że powróciły do nas z przeszłości.
Cykl obrazów o zawiłościach życia krokodyla, który ostatnio stał się popularny w społeczności internetowej, stworzył także japoński rysownik Keigo.
Wniosek
Tak więc malarstwo japońskie powstało około III wieku p.n.e. i od tego czasu bardzo się zmieniło. Pierwsze obrazy zostały naniesione na ceramikę, potem w sztuce zaczęły dominować motywy buddyjskie, ale nazwiska autorów nie zachowały się do dziś.
W dobie New Age mistrzowie pędzla nabierali coraz większej indywidualności, tworzyli różne kierunki, szkoły. Dzisiejsze sztuki wizualne nie ograniczają się do tradycyjnego malarstwa – wykorzystywane są instalacje, karykatury, rzeźby artystyczne, konstrukcje specjalne.
Bardzo dziękuję za uwagę, drodzy czytelnicy! Mamy nadzieję, że nasz artykuł okazał się przydatny, a opowieści o życiu i twórczości najzdolniejszych przedstawicieli sztuki artystycznej pozwoliły im lepiej poznać.
Oczywiście trudno w jednym artykule opowiedzieć o wszystkich artystach od starożytności do współczesności. Niech więc będzie to pierwszy krok w kierunku poznania japońskiego malarstwa.
I dołącz do nas - zapisz się na bloga - będziemy wspólnie studiować buddyzm i kulturę Wschodu!
