Historia muzycznych stylów scenicznych. Historia sceny. Historia świąt masowych Estrada: co to jest w ogólnym znaczeniu

Taniec na scenie - krótki numer taneczny , solo lub w grupie, prezentowane w zbiorowych koncertach różnorodności, pokazy odmian, sale muzyczne, teatry miniatur, akompaniament i uzupełnienie programu wokalistów, liczby są oryginalne nawet w gatunkach mowy . Rozwinął się na bazie tańca ludowego, codziennego (salowego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki , na przekraczaniu wszelkiego rodzaju obcych wpływów i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, powstające pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Historię rozwoju kierunku tańca można warunkowo podzielić na dwa kamienie milowe: okres przed XX wiekiem oraz okres od XX wieku do współczesności.

Oprócz średniowiecznych wędrownych artystów i ich występów, divertissementy można również uznać za protoplastów współczesnej odmiany tańca. Były to sceny, które w XVII-XVIII pokazywano pomiędzy aktami muzycznymi lub fragmentami spektakli dramatycznych. Arie operowe były wykonywane w divertissementach, widz mógł obejrzeć fragmenty baletów, posłuchać ludowych pieśni i wreszcie potańczyć. W Rosji początki sceny tanecznej znajdują się w występach tancerzy w chórach rosyjskich i cygańskich, od połowy XIX wieku - na festiwalach ludowych. Koniec XIX wieku upłynął pod znakiem koncertów zbiorowych na scenach ogrodów, „woksali” i kawiarni.

Popularny taniec XIX wieku. - może może(kankan francuski, od canard - kaczka), taniec francuski pochodzenia algierskiego, 2 uderzenia, szybkie tempo. Charakterystyczne pas - wyrzucanie nóg, skakanie. Jest szeroko rozpowszechniony od połowy XIX wieku, był szeroko stosowany w klasycznej operetce i pokazach odmian. Można powiedzieć, że wraz z pojawieniem się kankanu rozpoczyna się nowa era tańca. Puszka pochodzi z Paryża około 1830 roku. Był to taniec kobiet wykonywany na scenie, któremu towarzyszył wysoki rzut nóg. W latach 60. XIX wieku w Petersburgu otwarto wiele lekcji tańca, gdzie tańczono głównie kankan.

Innym popularnym tańcem XIX wieku jest taniec z ciastem.

Spacer po ciastach -(także cakewalk, cake walk; angielski cakewalk - spacer z ciastem) - popularny od połowy XIX wieku pochód taneczny pochodzenia afroamerykańskiego. Cechy charakterystyczne: szybkie tempo, metrum - 2-beat, synkopowany rytm, akordy odtwarzające brzmienie banjo, zabawny, komediowy (często ironicznie groteskowy) magazyn. Ostre akcentowane rytmy typowe dla cake walk stały się później podstawą ragtime, a dwie dekady później określiły styl pop jazzu. Cake walk był częścią humorystycznych przedstawień dziewiętnastowiecznego północnoamerykańskiego teatru minstreli, w którym wykonywano go do szybkiej, synkopowanej muzyki w stylu późniejszego ragtime. W ostatnich latach XIX wieku spacer po torcie, oddzielony od sceny minstreli, upowszechnił się w Europie w formie tańca salonowego. choreograf tańca pop dramaturgia

Na scenie minstreli spacer z ciastem miał szczególne znaczenie symboliczne. Była to scena spacerowa, na której przebrani murzyni dandys, ramię w ramię ze swoimi równie modnie ubranymi damami, odtworzyli w komicznej formie uroczyste niedzielne procesje białych dam i dżentelmenów. Odwzorowując zewnętrzne maniery plantatorów, czarni dandys wyśmiewali ich głupie znaczenie, otępienie umysłowe, zadowolone z siebie poczucie wyimaginowanej wyższości. Motyw ukrytej kpiny zawarty w spacerze po torcie znalazł swoiste odbicie w sferze dźwiękowej.

Muzyka taneczna, której wyrazistość opierała się przede wszystkim na brzmieniach perkusyjnych i znacznie bardziej skomplikowanym metro-rytmie, odegrała znaczącą, innowacyjną rolę, otworzyła nowe drogi dla rozwoju współczesnej sztuki muzycznej. Nowe zasady muzyczne zostały wprowadzone do psychologii najszerszej publiczności, najpierw tylko w USA, a potem w Europie, przeciwstawiając się wszystkiemu, co od wieków afirmowali kompozytorzy europejscy. Muzyczną formę chodzenia z ciastem można znaleźć w salonowych utworach fortepianowych, w popowych numerach do tradycyjnej kompozycji instrumentalnej, w marszach na orkiestrę dętą, a czasem w tańcu towarzyskim pochodzenia europejskiego. „Nawet w walcach pojawiła się synkopa, o której Waldteuffel i Strauss nigdy nie marzyli” (Blesh R., Janis H. Wszyscy grali ragtime). Gatunek spacerów po torcie był używany przez wielu kompozytorów akademickich (na przykład Debussy, Stravinsky itp.).

Nowatorski spacer po torcie dotyczył nie tylko muzyki, ale także choreografii. Przejawiało się to w specjalnych ruchach nóg, które wydawały się „niezależne” od ciała tancerza. Podobnie jak w innych tańcach teatru minstreli, ciało performera pozostawało w ściśle kontrolowanym, zrównoważonym stanie, ręce zwisały jak bezradne, bezkształtne „łachmany”. Cała energia tancerza, wszystkie jego fenomenalne umiejętności i zawrotne tempo ucieleśniały ruchy nóg. Precyzyjne synchroniczne akcenty wytwarzane przez piętę jednej stopy i palce drugiej; rodzaj „pukania” deptania drewnianymi podeszwami; bieganie do przodu na piętach; wolne, jakby chaotyczne „szuranie”. Niezwykłe dla tradycyjnego baletu proporcje „obojętnego ciała” i „chwiejnych” nóg podkreślały humorystyczny efekt zewnętrznego spokoju, nieodłącznego od wizerunku zamrożonej maski.

Spacer po torcie miał ogromny wpływ na sztukę taneczną przełomu XIX i XX wieku. Dało to początek wielu tańcom, które wyparły z kultury polki, square dance, country dance i inne popularne tańce z niedawnej przeszłości. Te najnowsze tańce - grizzly bar, bunny hag, texas tommy, tarki kłus itp. wyróżniały się specjalnym 2-taktowym, nieodłącznym od chodzenia po torcie, i charakterystycznym efektem "kołysania". Ich ewolucja zakończyła się znanym dwukrokiem i fokstrotem, który zdobył największą popularność na całym świecie i przez wiele lat pozostawał w domowym repertuarze tanecznym.

Początkowy rozkwit wszystkich tych tańców zbiegł się z kulminacją popularności ragtime i początkiem „epoki jazzu”.

Rozdział V

"Forma jest sposobem istnienia i wyrażaniem treści... Jedność treści i formy dzieła sztuki nie oznacza absolutnej tożsamości, ale tylko pewien stopień wzajemnej zgodności... Stopień zgodności... zależy od... talentu i umiejętności artysty."

Estetyka. Słownik

Koncert [od łac. koncert - konkuruję] - publiczne wykonanie artystów według ustalonego wcześniej programu.

Encyklopedia teatralna

Nie odchodząc w tym rozdziale od stanowiska eksploracji tylko tego, co bezpośrednio dotyczy scenicznej twórczości reżysera, nie musimy w pełni ujawniać cech kreatywności każdej z form programów odmianowych. Tutaj również ważne jest dla nas ujawnienie tylko tego, co odróżnia pracę reżysera od reżysera podczas wystawiania programu scenicznego.

Z reguły żadna z form programów rozmaitościowych nie ma dla reżysera znaczenia, gdyż w praktyce nie ma z nimi do czynienia podczas wystawiania sztuki, bo one (te formy) należą wyłącznie do sztuki rozmaitości.

Zanim zaczniesz mówić o tej lub innej formie programu pop:

koncert, występ, warto określić znaczenie ...... słowa „koncert” (oprócz tego, że słowo to oznacza pewną akcję sceniczną, składającą się z sumy liczb, które ją tworzą).

A więc słowo „koncert” [łac. koncert] po łacinie oznacza zawody, zawody.

Rzeczywiście, na każdym koncercie, w tym na różnorodnym, jest jakby konkurencja, konkurencja między wykonawcami i liczbami w ich twórczości artystycznej: według umiejętności wykonania, według sukcesu z publicznością itp. Co więcej, to właśnie w koncercie (konkursie przed publicznością) akt odmiany otrzymuje swoje artystyczne dopełnienie.

Oczywiście koncert pop, jak każdy koncert, to nie tylko mechaniczny zestaw, ale połączenie różnych numerów gatunkowych w jedną całość, w wyniku czego rodzi się nowe dzieło sztuki, którego nazwa to koncert .

To tworzenie koncertu z czasami różnych gatunków, postaci, treści liczb - kolejna ważna różnica między pracą reżysera a reżysera teatralnego, który z reguły zajmuje się utworem (sztuką) tego samego gatunku , o jednolitej fabule i rozwijający się od początku do końca spektaklu jako pojedynczy przez akcję.

Koncert muzyki pop to efektowne widowisko dynamiczne, to szczególny, figuratywny świat, w którym dominuje zasada rozrywkowa, ubrana w jasną, ostrą formę, w świąteczną atmosferę, która pozwala widzowi łatwo odbierać jego treść.

Oczywiście powodzenie koncertu zależy od wielu czynników: są to wykonawcy i jakość ich numerów, a także ich nowość, konstrukcja kolejności numerów (skład) i spójność przejść od liczby do numer, jego gatunek, jego rodzaje itp. .

Jeśli otworzymy stronę 95 tomu VIII III wydania Wielkiej Encyklopedii Radzieckiej, możemy przeczytać: „Koncert to publiczne wykonanie artystów według określonego programu. Rodzaje koncertów muzycznych (symfoniczny, kameralny, fortepian, skrzypce itp.), literacki (czytanie artystyczne), różnorodność (lekka muzyka wokalna i instrumentalna, opowiadania humorystyczne, parodie, numery cyrkowe itp.) „Możemy czytać prawie to samo oraz w „Encyklopedii teatralnej”: „Rodzaje koncertów: muzyczne (symfoniczne, kameralne, fortepianowe, skrzypcowe itp.), literackie (czytanie artystyczne), mieszane (numery muzyczne, lektura artystyczna, sceny z przedstawień, baletów itp.) , różnorodność (lekka muzyka wokalna i instrumentalna, humorystyczne opowiadania, parodie, występy cyrkowe itp.)

Nie kwestionując opinii dwóch autorytatywnych źródeł, zauważamy, że takie pojęcie słowa „koncert” nie ujawnia bardzo ważnej okoliczności. Mianowicie, że wszystkie typy koncertów, ze względu na charakter i treść wykonywanych w nich numerów, ze względu na sposób ich wyrażenia (nawet jeśli mamy do czynienia z „koncertem mieszanym”) dzielą się na dwa główne typy: filharmoniczne i różnorodność. Wychodzimy z tego, że funkcjonalnie i psychologicznie koncerty filharmoniczne i popowe są od siebie odizolowane. Pomimo tego, że obie funkcje, nie odbiegając od rozwiązania niektórych wspólnych zadań (estetycznych, ideologicznych, edukacyjnych), zaspokajają różne potrzeby widza (słuchacza).

Sale koncertowe w celu spełnienia miesięcznego limitu występów.

Nie mogło być mowy o jakiejkolwiek logice konstruowania takiego koncertu. To tam artysta musiał „wyjść”.

Być może ta ostatnia okoliczność w pewnym stopniu odegrała rolę w zniknięciu ze sceny połączonych koncertów: czołowi artyści popu zaczęli preferować koncerty solowe lub występy o dużej różnorodności od zespołów narodowych, ponieważ wraz z ilościowym wzrostem liczby zwykłych koncertów ich twórczość poziom był zdecydowanie niższy od średniej.

Kolejnym ważnym powodem zniknięcia koncertów łączonych w naszych czasach był niezwykle niski poziom artystyczny ludzi, którzy uważali się za profesjonalnych animatorów. Prawdziwi artyści, którzy wiedzą, jak tworzyć popową akcję z różnych gatunków, z różnych powodów praktycznie zniknęli. Telewizja odegrała również znaczącą rolę w zniknięciu połączonych koncertów, na których ekranach nieustannie migoczą popowe „gwiazdy”, zwłaszcza w różnych klipach reklamowych. Po co dużo płacić (żeby nie powiedzieć - dużo pieniędzy na koncert, kiedy na ekranie telewizora widać swoich ulubionych artystów).

Przeprowadzona przez autora pracy ankieta wśród wielu potencjalnych widzów wskazuje nie tylko na zbieżność ich punktu widzenia z opinią V. Kalisza, ale także na to, że moda na widowiskowe widowiska, bez względu na to, jak zaszczepiła ją showbiznes, minie, a na scenie na Equal to the show powrócą połączone koncerty, choć w innej i przede wszystkim spektakularnej jakości, ale składającej się z wielu różnych gatunków. Potwierdzenie tego: praktyka zachodniej muzyki pop w dzisiejszych czasach i szereg wcześniejszych koncertów w Moskiewskim Teatrze Rozmaitości, dzisiejsze życie regionalnych i regionalnych towarzystw filharmonicznych oraz fakt, że nawet na koncertach solowych jego bohater zaprasza innych wykonawców tego gatunku do uczestniczyć, ponieważ podświadomie odczuwa nieodłączną psychologiczną percepcję człowieka - pragnienie różnorodnych doświadczeń.

W ostatnich latach na plakatach reklamujących koncerty pop najczęściej możemy spotkać takie nazwy jak „odmiana”, „kabaret”, ale najczęściej – „show”. Choć każdy z tych koncertów opiera się na zestawie wykonań różnych gatunków (jak w drużynie narodowej), każdy z nich ma swoje dość oczywiste cechy.

Jeśli weźmiemy pod uwagę „różnorodność” jako szczególną formę koncertu odmiany, to najczęściej pod tą nazwą kryje się lekki, rozrywkowy występ, składający się z występów śpiewaków, tancerzy, muzyków, parodystów, akrobatów, magików itp.

Zazwyczaj program rozrywkowy to kalejdoskop liczb, często z minimalnym udziałem artysty, nie mówiąc już o innych gatunkach potocznych.

Jeśli mówimy o różnicy między programem odmiany a kabaretem, to od połowy XX wieku granica między nimi, zarówno pod względem treści, jak i formy, praktycznie zaczęła się zacierać. Dziś bardzo trudno dostrzec między nimi różnicę.

Kabaret [fr. - cukinia] to nie tyle publiczność siedząca przy stołach, co styl, forma i treść urozmaiconego koncertu, w dużej mierze uzależniona od atmosfery, w jakiej się odbywa.

U jego podstaw program kabaretowy to także zestaw różnych przedstawień (liczb). Ale te programy miały wiele istotnych funkcji.

Najpierw udali się do tawern, kawiarni, gdzie publiczność siedząca przy stolikach patrzyła na mówców. Początkowo były to swego rodzaju kluby artystyczno-literackie, w których po północy zbierali się poeci, artyści, pisarze, artyści. Z reguły ci, którzy przyjeżdżali tu, aby odpocząć i pobawić się, wchodzili na małą scenę znajdującą się na środku lub z boku sali, śpiewając piosenki, czytając poezję. W pewnym stopniu to, co działo się w takich karczmach, było odzwierciedleniem procesów zachodzących w sferze artystycznej.

Po drugie, spektakl był urozmaicony i miał charakter improwizacyjny. Wykonawcy starali się poruszyć publiczność emocjonalnie. Wybuchy śmiechu, oklaski, okrzyki „brawo” były typową atmosferą programu kabaretowego. W ówczesnym kabarecie panowało podniecenie i rywalizacja, która stworzyła atmosferę luzu, radości i swobody twórczej, świętowania. W kabarecie granica między sceną a widownią wydawała się niewyraźna.

Po trzecie, warunkiem działalności kabaretu była intymność sytuacji, pozwalająca wykonawcom na nawiązanie bliskiego kontaktu z publicznością. I choć programy kabaretowe składały się i składały z różnych piosenek humorystycznych i lirycznych, tańców solowych, numerów satyrycznych, parodii itp. itp., główną rolę odgrywa w nich animator, któremu zależy na stworzeniu ufnej, intymnej atmosfery, prowadzeniu swobodnej rozmowy, często wywołującej natychmiastową reakcję (co jest bardzo ważne w programie kabaretowym)

Ilość programów kabaretowych znacznie wzrosła, stając się swoistym kalejdoskopem liczb charakterystycznym dla kabaretu. Jednocześnie w ich rozwiązaniu zastosowano techniki groteski, ekscentryków, bufonady i ironicznej stylizacji. Zaczęły być szeroko stosowane parodie, w których wyśmiewano występy i wydarzenia, które obecnie miały miejsce na scenie.

W Rosji pierwsze kabarety pojawiły się już na początku XX wieku. Wśród nich najbardziej znane były: "Nietoperz" w Moskwie - początkowo kabaret aktorów Moskiewskiego Teatru Artystycznego, który później stał się Teatrem Kabaretowym N.F. Baliyeva, „Krzywe lustro”, „Zabłąkany pies”, „Zatrzymanie komików” w Petersburgu i inne. Wkrótce kabarety pojawiły się w Odessie, w Kijowie, Baku, Charkowie. Zazwyczaj znajdowały się w piwnicach i półpiwnicach z małą sceną.

Już na początku lat dziewięćdziesiątych XX wieku wiele kabaretów utraciło swoje cechy rodzajowe: zniknęły stoliki, zmieniła się struktura i treść programów.

Teatry kabaretowe zaczęły stosować sprzęt teatralny: kurtynę, rampę, dekoracje sceniczne.

Pokaż [angielski] - 1. Spektakl; 2. Show] - bardzo popularny rodzaj widowiska rozrywkowego, szczególnie w naszych czasach, z obowiązkowym udziałem przynajmniej jednej odmiany "gwiazdy".

Spektakl jest jasnym, bogatym emocjonalnie programem, bez solidnej fabuły, opartym na spektakularnych na pozór spektakularnych przedstawieniach i atrakcjach, połączonych w jedną całość nieoczekiwanymi przejściami i więzadłami; zbudowany na szybkiej akcji scenicznej, blisko natury do sali muzycznej. Z tą samą salową elegancją choreograficznych numerów, z tym samym błyskotliwością i przepychem, z oszałamiającą dynamiką tempa, co pozwala nasycić program widowiskowy dużą liczbą różnych numerów, ale bez obowiązkowego dla salowego programu, choć prymitywnego, „kropkowany” ruch fabularny. Jednocześnie program pokazu nie wyklucza odwagi do zaprezentowania liczb. Wręcz przeciwnie, im bardziej zróżnicowane są sposoby prezentacji liczb zawartych w programie, tym jaśniejsza forma sceniczna spektaklu.

Należy zauważyć, że spektakl to nie tylko kategoria gatunkowa. W formie spektaklu mogą odbywać się występy popularnego artysty pop, różnego rodzaju konkursy, prezentacje, aukcje teatralne itp.

Program widowiskowy to wielkoformatowe widowisko, którego scenografia powstaje w realnej przestrzeni scenicznej i w dużej mierze zależy od możliwości technicznych sceny i jej wyposażenia. Spektakl nie ogranicza wyobraźni scenografa. Ważne jest, aby jego wynalazek był technicznie wykonalny.

I choć dziś dość często można zaobserwować, jak scenograf działa jako reżyser, wydaje nam się, że zjawisko to wynika z braku prawdziwej scenografii. Można się temu sprzeciwić: mówią, że wielu artystów zostało później reżyserami. Na przykład Gordon Craig, Nikołaj Pawłowicz Akimow i inni. Rzeczywiście, ich życie twórcze zaczęło się od zawodu artysty. Ale później reżyseria stała się ich twórczym zawodem, jako podstawą działalności scenicznej. Być może taki sam będzie twórczy los B. Krasnova, który nazywa siebie „scenografem”.

Oczywiście scenograf poniekąd jako reżyser odczuwa dramaturgię w dynamice, w ruchu. Ale to oznacza, że w ten sposób może zastąpić reżysera-producenta. Niestety, dokładnie to obserwujemy dzisiaj w produkcji różnych programów pokazowych. Z tego powodu scenografia artysty uzależniona jest od projektu, a nie odwrotnie, gdy artysta, treść swojego programu, jego performance determinuje inne rozwiązanie scenograficzne. Często trzeba zobaczyć, jak rozwiązanie sceny, ze wszystkimi nowoczesnymi trikami zabawy światłem, dymem, elektroniką i innymi efektami specjalnymi, nie działa na artystę, a staje się pompatycznym tłem. Na przykład, jak powiedzieliśmy w poprzednim rozdziale, zostało to wyraźnie widoczne w ostatniej produkcji A.B. Pugaczowa „Spotkania świąteczne” w 1998 roku (artysta B. Krasnov).

Rewia [fr. - pantomima, recenzja] po raz pierwszy pojawiła się we Francji w pierwszej tercji XIX wieku (1830) jako satyryczny gatunek teatralny. Popularny wówczas „Przegląd Roczny” był więc aktualnym przeglądem życia Paryża. Już wtedy zawartość rewii była naprzemienna różnymi gatunkami. Oznacza to, że w rzeczywistości rewia zawierała wszystkie główne cechy programu pop.

Rewia (recenzja) to forma spektaklu urozmaiconego, w którym poszczególne liczby łączy ruch fabularny, który w miarę rozwoju pozwala „zmieniać” scenę cały czas. Na przykład scena sceniczna, czasem bez zmiany projektu (wykorzystując tylko detale), staje się przejściem podziemnym dla jednego numeru, ławką w parku dla drugiego, trybuną stadionową dla trzeciego i tak dalej. Najczęściej ruch fabuły opiera się na potrzebie, która pojawiła się dla bohatera (bohaterów), aby odbyć „podróż” lub „poszukać” kogoś lub czegoś, lub ruch fabularny może być wydaniem scenicznej wersji gazety , jak w tej samej recenzji pop „Wieczernaja Moskwa”. W rewii każdy numer odbierany jest przez widza nie jako wyizolowany utwór, ale jako żywy epizod, żywiołowa akcja w całościowej kompozycji koncertu. Innymi słowy, rewia (recenzja) to popowy spektakl na temat wymyślony i wyrażony poprzez fabułę, złożony z różnych liczb połączonych w odcinki.

Program sali muzycznej"

Zwykle „Music Hall” definiuje się na dwa sposoby: pierwsza definicja to rodzaj teatru, który daje różnorodne występy koncertowe, druga to rodzaj programu różnorodności, spektakl, którego treść jest zbudowana na przemian różnych numerów, atrakcji , pokazy wirtuozowskich technik wykonawczych, sztuczki sceniczne, utrwalone fabułą („kropkowaną”) ruchami i numerami tanecznymi baletu, z reguły żeńskiej grupy („dziewczęta”).

Programy Music Hall od samego początku, w przeciwieństwie do kabaretów, nie miały na celu tematyki aktualnej. Na pierwszym planie w takich programach nie było tak dużego znaczenia, jak jasność formy zewnętrznej, wykonującej wyrafinowanie.

Warunki programów Music Hall, ich nasycenie różnymi efektami scenicznymi i atrakcjami zmieniły zachowania publiczności. „Zamiast roli wspólnika (jak w innych formach sztuki rozrywkowej) w sali muzycznej publiczność stała się, podobnie jak w teatrze, publicznością widzów”.

Losy Moskiewskiej Sali Muzycznej były dość trudne. Albo był prześladowany i przestał istnieć, potem powstał na nowo. Na początku lat dwudziestych teatr nie posiadał stałej trupy, w programach występowali goście gościnni, w tym zagraniczni, którzy przybyli prawie w dniu przedstawienia. Naturalnie reżyserom rzadko udało się stworzyć jedną, zjednoczoną wspólną ideą.

Ale tym bardziej znaczące były sukcesy, które wymagały otchłani inwencji i umiejętności.

Program Music Hall to rodzaj inscenizowanego jasnego, kolorowego, czasem ekscentrycznego spektaklu przeglądowo-przeglądowego, składającego się z urokliwych obrazów szybko zastępujących się nawzajem, pełnych różnorodności i cyrkowych atrakcji; spektakl-przegląd, w którym pierwszorzędne numery i odcinki z udziałem „gwiazd” popu łączy tak zwana „kropkowata” fabuła. Bardzo ważne miejsce w programach music hallu zajmują genialnie wyreżyserowane masowe numery taneczne „dziewczęta” z doskonałą synchronizacją ruchów. Jest to program, w którym bierze udział różnorodna orkiestra, zwykle znajdująca się na scenie. Są to zawsze jasne, chwytliwe kostiumy wykonawców (zwłaszcza baletowe). To blask kolorów, gra światła i cienia. To jest transformacja projektu. Na przykład w trakcie programu lodowe stalaktyty nagle zamieniają się w kwiaty; albo statek kosmiczny leci przez salę na scenę i ląduje (jak w Alcazarze w Paryżu); albo nagle na środku sceny wznosi się ogromny przeszklony basen, w którym dziewczyny w kostiumach kąpielowych pływają razem z krokodylami, wykonując pod wodą szereg sportów synchronicznych („Friedrichstatpalas”). Są to różnego rodzaju efekty sceniczne. Jest to wykorzystanie szerokiej gamy nowoczesnych technicznych środków projektowania.

W sztuce urozmaicania istnieje taka forma wykonania różnorodności, jak „zespół miniatur”.

W naszym rozumieniu słowo „teatr” podkreśla jego twórcze i organizacyjne początki, gdyż w tym przypadku słowo „teatr” nie jest równoznaczne z pojęciem „teatr”, gdy rozumiemy to słowo jako organizm twórczy, którego repertuar opiera się na przedstawieniach dramatycznych lub baletowych. Z drugiej strony w teatrach miniatur ich programy opierają się na tych samych numerach pop, które różnią się od spektakli rozrywkowych i kabaretów tylko skalą numerów, które je tworzą. Jeśli chodzi o podział w teatrach miniatur widzów i wykonawców (oddzielenie widzów od tych ostatnich rampą i innymi elementami sceny) oraz znikanie stolików z sali, pojawienie się rampy, stolików pojawiło się również w późniejszych kabarety.

Teatr miniatur to nie tylko pewna forma i pewna treść, ale także szczególny styl i sposób myślenia, sposób na życie.

To właśnie przerażało rządzących, którzy widzieli w nim (zwłaszcza w latach dwudziestych i trzydziestych) sztukę burżuazyjną obcą proletariatowi. Taki stosunek do sztuki małych form nie mógł nie hamować rozwoju pop-artu.

Nie mogąc tego zabronić (z powodów, które nie są przedmiotem naszego badania), tylko to tolerowali. Nie było mowy o tym, że na plakatach zapowiadających koncerty pop pojawiły się słowa „variety show”, zwłaszcza „kabaret”. Okazało się, że wyjście jest akceptowalne dla wszystkich: sztukę małych form zaczęto nazywać „rozmaitością”, chociaż wcześniej słowo „rozmaitość” oznaczało scenę, scenę sceniczną i teatry małych form - teatry miniatur, który nie posiadał stacjonarnej, etatowej trupy, a zasadniczo służył jako wypożyczalnia.

Miniatura [fr. miniatura] - słowo, które kiedyś oznaczało jedynie malowaną i malarską dekorację w starożytnych księgach rękopiśmiennych (takie nazwy nosiły te rysunki od farby wykonanej z mini), ma znaczenie figuratywne: coś w zmniejszonych rozmiarach. Ta ostatnia określa repertuar Teatru Miniatur. Tutaj można zobaczyć różnorodne spektakle: krótką zabawę-żart i wodewil, a także skecz, a także miniaturę choreograficzną i scenę pantomimiczną, a nawet kino. To znaczy, jak mówią, - dzieła o małych formach.

W latach powojennych Moskiewski Teatr Miniatur pod dyrekcją Władimira Poliakowa, Saratowski Teatr Miniatur (dyrektor artystyczny Lew Gorelik) i oczywiście najbardziej znanym przez wiele lat był Leningradzki Teatr Miniatur pod dyrekcją artystyczną reżyseria wyjątkowego artysty Arkadego Raikina.

Ale oprócz rodzajów programów, o których mówimy, w pop-artu występują takie formy wykonania, które różnią się od tych, które rozważaliśmy. To jest występ popowy, performance.

Zachowując wszystkie główne cechy programu popowego i wariacyjnego, a przede wszystkim obecność w nich różnych gatunków, dzieła te do pewnego stopnia syntetyzują w sobie znaki działania teatralnego. W samym sercu dramaturgii przedstawienia odmiany przedstawienie odmiany jest szczegółowym ruchem fabularnym z personifikacją odgrywania ról i losem bohaterów. Szeroko posługują się środkami wyrazu tkwiącymi w teatrze: akcja sceniczna, mise-en-scene, atmosfera sceniczna itp.

Wykonanie rozmaitości, wykonanie rozmaitości nie jest przypadkiem przez nas wyróżniane z ogólnej koncepcji „koncertu rozmaitości”. Jeśli nie trzeba ujawniać pojęcia „performance” (być może nie ma ani jednej pracy o sztuce teatralnej, w której pojęcie to nie zostałoby dokładnie zbadane), to „performance” ma wiele, czasem sprzecznych, definicji. Często przed słowem „występ” piszą lub wymawiają słowo „teatralny”, czyli w istocie nazywają olej naftowy, ponieważ samo pojęcie „przedstawienia” jest identyczne z pojęciem „teatralizacji”.

Ponieważ pojęcie to („teatralizacja”) jest do dziś różnie interpretowane, uważamy za konieczne w niniejszej pracy ukazanie go z perspektywy praktyków, którzy wystawili więcej niż jedno przedstawienie odmianowe, zwłaszcza że koncert teatralny jest zwiastunem odmiany wydajność, w naszym rozumieniu ostatnia. Pojęcie „teatralizacji” w odniesieniu do koncertu oznacza, że podczas inscenizacji takiego koncertu, oprócz wszystkich tych popowych środków ekspresyjnych, o których mówiliśmy analizując cechy koncertu kombinowanego, środków wyrazowych charakterystycznych dla teatru, akcja teatralna jest używany w koncercie teatralnym. Mianowicie: akcja sceniczna (jak wiadomo, główny środek wyrazu teatru), mise-en-scène (kiedy takie zestawienie póz ruchów wykonawców wprowadza się w tkwiącą w gatunku spektaklu statykę, która na moment wyraża istotę treści spektaklu i relacji między wykonawcami), atmosferę sceniczną (do jej stworzenia, jak w teatrze, figlarne światło, odgłosy, muzyka w tle i inne elementy są wykorzystywane do stworzenia pewnego środowiska, w którym akcja spektaklu rozwija się), kostium i dekoracja.

Oglądając różne odmiany spektakli można łatwo zauważyć, że w takim spektaklu poruszanie się fabuły sprawia, że publiczność nie tylko śledzi rozwój fabuły, ale także rozumie i akceptuje logikę spektaklu, a czasem dostrzega tę lub inną liczbę (lub wszystkie numery) w nieoczekiwanym świetle.

Urozmaicony spektakl, w przeciwieństwie do koncertu teatralnego, charakteryzuje się odgrywaniem ról personifikacji artysty (lidera lub prezenterów). Oznacza to, że on lub oni, obdarzeni pewnymi cechami charakteru i cechami (zawód, wiek, status społeczny, nawyki itp.), stają się aktywną postacią w spektaklu, ponieważ to on (oni) ucieleśnia ruch fabuły .

W trakcie wykonywania spektaklu reżyser nie zastanawia się, jakie „warunki gry” – teatralne czy popowe – determinują decyzję reżysera o tym czy innym momencie spektaklu. Synteza tych „warunków gry” dla reżysera następuje na poziomie podświadomości, a reżyser w czasie prób nie zdaje sobie sprawy, co aktualnie płynie ze sceny, a co – z teatru. Ta umiejętność, choć nieświadomie, opiera się na dwóch różnych rodzajach sztuk scenicznych.

Jak widać, nawet w takim spektaklu, pozornie bliskim gatunkom sztuki teatralnej, jako spektakl różnorodności, spektakl różnorodność ma swoją specyfikę, własne metody kierowania twórczością. A jednak pomimo złożoności tego popowego programu, zgodnie z naszym rozumieniem, potwierdzonym przez współczesną praktykę, przyszłość muzyki pop wiąże się z przedstawieniami fabularnymi. Kiedy spektakl powstaje za pomocą pop-artu, w którym wszystko – rozrywka, efekty sceniczne, gra światła i koloru, scenografia, a przede wszystkim dobór liczb – są podporządkowane myśli, fabule, konfliktowi, co najważniejsze - artystyczny wizerunek spektaklu. Wystarczy przypomnieć niektóre z najnowszych programów realizowanych na scenie Sali Koncertowej Rossija.

Spektakl jest oczywiście najbardziej złożonym programem odmianowym, ponieważ, jak pisał wybitny reżyser Fiodor Nikołajewicz Kawerin: „istnieje pewien materiał tekstowy, z własną fabułą, z niektórymi, nawet jeśli bardzo małą liczbą postaci, a ich bohaterowie i przeznaczenie (najczęściej ich komediowe przygody) stają się nieuniknionym celem. Czysto popowe numery przeplatają się w pewnych momentach w trakcie spektaklu... Rozwijając ideę takiego spektaklu w akcji, reżyser spotyka się z zupełnie specjalnymi zadaniami, zupełnie innymi od tego, co determinuje jego pracę w teatrze w ogóle. Musi ustalić zasadę, według której liczby są wprowadzane do takiego programu zabaw, znaleźć i ustalić prawidłowe proporcje ich liczby w stosunku do fabuły, określić ich charakter .... Podczas pracy nad takim spektaklem szczególną troską reżysera jest znalezienie i określenie stylu całego spektaklu, sposobu gry, który obok warunkowych utworów pop…. wymaga również własnego, wewnętrznego przebiegu i wyraźnie ustalonej korelacji (czy to spójnej, czy świadomie przeciwstawionej) w ramach spektaklu.

- 135,00 KB

Sztuka sceniczna. Przesłanki powstania i historia rozwoju sztuki odmianowej……………………………………………………………… 3
Cyrk. Specyfika sztuki cyrkowej………………………………………………………………16

Wykaz wykorzystanej literatury………………………………………..20

Sztuka sceniczna. Przesłanki powstania i historia rozwoju pop-artu, reżyser gatunku sztuki

Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, doszukiwanej w sztuce Egiptu i Grecji. Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, wytropionej w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jej elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komików-bufonów (Rosja), szpilmanów (Niemcy), kuglarzy (Francja), dandysów (Polska), maskarabów (Azja Środkowa) itp.

Ruch trubadurów we Francji (pod koniec XI wieku) stał się nosicielem nowej idei społecznej. Jego osobliwością było pisanie muzyki na zamówienie, różnorodność gatunkowa piosenek od wątków tekstów miłosnych po gloryfikację militarnych wyczynów dowódców wojskowych. Wynajęci śpiewacy i wędrowni artyści rozpowszechniają muzyczną twórczość. Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, wytropionej w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jej elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komików-bufonów (Rosja), szpilmanów (Niemcy), kuglarzy (Francja), dandysów (Polska), maskarabów (Azja Środkowa) itp.

Satyra na miejskie życie i obyczaje, ostre żarty na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, skecze komiksowe, dowcipy, gry, muzyczna ekscentryczność to zaczątki przyszłych gatunków pop, które narodziły się w zgiełku karnawału i publicznej rozrywki. Szczekacze, którzy za pomocą żartów, dowcipów i wesołych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i targach, później stali się prekursorami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było nieodzownym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi nie grali przedstawień. Podstawą spektaklu była miniatura, odróżniająca je od teatru, którego główną cechą są elementy spajające akcję. Artyści ci nie przedstawiali postaci, ale zawsze przemawiali we własnym imieniu, bezpośrednio komunikując się z publicznością. To obecnie główna, wyróżniająca cecha współczesnego show-biznesu.

Nieco później (połowa i koniec XVIII wieku) za granicą pojawiły się różne lokale rozrywkowe - sale muzyczne, programy rozrywkowe, kabarety, pokazy ministerialne, które łączyły w sobie całe doświadczenie jarmarków i przedstawień karnawałowych i były prekursorami współczesnej rozrywki organizacje. Wraz z przejściem wielu gatunków ulicznych do przestrzeni zamkniętych zaczął kształtować się szczególny poziom sztuki performatywnej, ponieważ nowe warunki wymagały bardziej skupionej percepcji ze strony widza. Powstała w drugiej połowie XIX wieku działalność kawiarni – chantanów, kawiarni – koncertów, przeznaczonych dla niewielkiej liczby zwiedzających, pozwoliła na rozwój takich gatunków kameralnych jak śpiew liryczny, estradowy, taniec solowy, ekscentryczność. Sukces takich kawiarni spowodował powstanie większych, spektakularnych przedsięwzięć - koncertów kawiarnianych, takich jak "Ambasador", "Eldorado" i innych.

Ta forma pokazywania spektakli charakteryzowała się takimi cechami jak otwartość, lapidarność, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka. W tym czasie Francja zyskuje status centrum kulturalnego i rozrywkowego. "Teatr Montasier" (varieshow) - połączenie sztuki muzycznej, teatralnej i cyrkowej. W 1792 r. dużą popularnością cieszył się Teatr Wodewil. Na repertuar teatru składają się spektakle komediowe, w których dialogi przeplatają się z kupletami, pieśniami i tańcami. Dużą popularnością cieszyły się kabaret (placówka rozrywkowa, która łączy gatunek pieśni i tańca o charakterze rozrywkowym) oraz operetka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Poczucie własnej świętości powstało dzięki zewnętrznej rozrywce, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu sceny.

Od lat 20. ubiegłego wieku muzyka pop znajdowała się w centrum uwagi pracowników kultury i sztuki, badaczy różnych dziedzin wiedzy, będąc przedmiotem kontrowersji na łamach prasy periodycznej i sporów w kręgach naukowych. W całej historii rosyjskiego pop-artu stosunek do niego wielokrotnie się zmieniał. „W nauce krajowej rozwinęła się tradycja uznawania pop-artu, a w tym kontekście jazzu, a następnie muzyki rockowej, za przejawy kultury masowej, która stała się przedmiotem badań w ramach socjologii, psychologii społecznej i innych nauk społecznych Zainteresowanie kulturologów i politologów problematyką współczesnej sztuki odmiany i generowanymi przez nią zjawiskami społeczno-kulturowymi nie słabnie do dziś.

Rozwój kina wywołał oszałamiający efekt na całym świecie, stając się następnie bezpośrednim atrybutem każdego społeczeństwa. Od końca lat 80. i początku XX wieku ściśle sąsiaduje z rodzącą się sceną krajową, jako instytucja i jako spektakl jest bezpośrednią kontynuacją stoiska. Taśmy z miasta do miasta przewozili przedsiębiorcy samochodami dostawczymi wraz ze sprzętem projekcyjnym. Brak prądu hamował rozwój kina na dużym obszarze kraju. W związku z tym przedsiębiorcy nabywają małe przenośne elektrownie, które znacznie rozszerzyły możliwości dystrybucji filmów.

W Rosji początki gatunków pop przejawiały się w bufonach, zabawie i masowej twórczości festiwali ludowych. Ich przedstawiciele to dziadkowie raus-jokerzy z niezastąpioną brodą, którzy zabawiali i zapraszali publiczność z górnej platformy budki-raus, pietruszka, raesznik, przywódcy „uczonych” niedźwiedzi, aktorzy-bufony, grający „szkic” i „powtórka”. wśród tłumu, grającego na dudach, harfie, smarkaczach i zabawiających lud.

Sztuka różnorodności charakteryzuje się takimi cechami jak otwartość, lapidarność, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka.

Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Samo uczucie świętowania powstało dzięki zewnętrznej rozrywce, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, zmianie kształtu sceny itp.

Różnorodność jako sztuka zsyntetyzowana pochłonęła różne gatunki - muzykę instrumentalną i śpiew, taniec i kino, poezję i malarstwo, teatr i cyrk. Wszystko to, pomieszane jak amalgamat, zaczęło żyć własnym, niezależnym życiem, zamieniając się w klarowne, skończone formy gatunkowe, które nie zmęczą się syntezą i do dziś rodzą coś nowego, na co nie było miejsca. być. Sztuka różnorodności jest jak ogromne drzewo z wieloma gałęziami - gatunki, które dorastając, stając się silniejsze, wypuszczają nowe pędy.

„Sztuka różnorodności łączy różne gatunki, których wspólność polega na łatwej adaptacji do różnych akcji publicznej demonstracji, w krótkim czasie trwania akcji, w koncentracji jej artystycznych środków wyrazu, co przyczynia się do żywej identyfikacji twórczej indywidualności wykonawca, aw dziedzinie gatunków związanych z żywym słowem, w aktualności, ostrej społecznej i politycznej relewancji poruszanych tematów, w przewadze elementów humoru, satyry i dziennikarstwa. Ta cecha jest szczególnie cenna, a jednocześnie specyficzna dla sceny.

Pomimo tego, że scenę charakteryzuje różnorodność form i gatunków, można ją podzielić na trzy grupy:

Scena koncertowa (wcześniej nazywana „divertissement”) łączy w sobie wszelkiego rodzaju występy w różnych koncertach;

Scena teatralna (występy kameralne teatru miniatur, teatrów kabaretowych, kawiarnio-teatralnych lub rewia koncertowa na dużą skalę, sala muzyczna, z liczną kadrą wykonawczą i pierwszorzędnym wyposażeniem scenicznym);

Scena świąteczna (festiwale folklorystyczne, święta na stadionach, pełne numerów sportowych i koncertowych, a także bale, karnawały, maskarady, festiwale itp.).

Są też takie:

1. Teatry różnorodności

2. Sale muzyczne

Jeśli podstawą przedstawienia odmiany jest gotowy numer, to recenzja, jak każda akcja dramatyczna, wymagała podporządkowania fabuły wszystkiego, co dzieje się na scenie. To z reguły nie łączyło się organicznie i prowadziło do osłabienia jednego ze składników przedstawienia: albo spektaklu, albo postaci, albo fabuły. Stało się to podczas produkcji „Cudów XX wieku” – spektakl rozpadł się na szereg niezależnych, luźno powiązanych ze sobą odcinków. Tylko zespół baletowy i kilka pierwszorzędnych przedstawień rozrywkowych i cyrkowych odniosło sukces z publicznością. Zespół baletowy wystawiony przez Goleizovsky'ego wykonał trzy numery: „Hej, chodźmy!”, „Moskwa w deszczu” i „30 angielskich dziewcząt”. Szczególnie spektakularny był występ „Węża”. Wśród numerów cyrkowych najlepsze były: Tea Alba i „Australian Drwale” Jackson i Laurer. Alba jednocześnie prawą i lewą ręką zapisywała kredą różne słowa na dwóch tablicach. Drwale pod koniec wyścigu rąbali dwie grube kłody. Znakomity numer bilansowy na drucie pokazał Niemiec Strodi. Wykonywał salta na drucie. Spośród radzieckich artystów, jak zawsze, wielki sukces odnieśli Smirnov-Sokolsky i ditties V. Glebova i M. Darskaya. Wśród numerów cyrkowych numer Zoyi i Marthy Koch wyróżniał się na dwóch równoległych drutach.

We wrześniu 1928 odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

3. Teatr Miniatur – grupa teatralna pracująca głównie nad małymi formami: małe sztuki, szkice, szkice, opery, operetki wraz z numerami odmian (monologów, kupletów, parodii, tańców, pieśni). W repertuarze dominuje humor, satyra, ironia, a teksty nie są wykluczone. Zespół jest mały, teatr jednego aktora, dwóch aktorów jest możliwy. Przedstawienia, lakoniczne w projektowaniu, przeznaczone są dla stosunkowo niewielkiej widowni, stanowią rodzaj mozaikowego płótna.

4. Gatunki konwersacyjne na scenie - symbol gatunków związanych głównie ze słowem: estradowy, interludium, skecz, skecz, opowiadanie, monolog, felieton, mikrominiaturka (wyreżyserowana anegdota), burime.

Entertainer - artysta może być sparowany, pojedynczy, masowy. Gatunek potoczny zbudowany zgodnie z prawami „jedności i walki przeciwieństw”, czyli przejścia od ilości do jakości zgodnie z zasadą satyryczną.

Popowy monolog może być satyryczny, liryczny, humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub fragment muzyczny o zabawnej treści, który jest wykonywany jako samodzielny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła budowana jest na nieoczekiwanych śmiesznych, ostrych sytuacjach, zwrotach, pozwalających na powstanie w toku akcji całej serii absurdów, ale gdzie wszystko z reguły się kończy w szczęśliwym rozwiązaniu. 1-2 aktorów (ale nie więcej niż trzech).

Miniatura to najpopularniejszy gatunek potoczny w muzyce pop. Na scenie dziś popularna anegdota (niepublikowana, nie drukowana – z języka greckiego) to krótka aktualna opowieść ustna z nieoczekiwanym dowcipnym zakończeniem.

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby zagrać na podobieństwie dźwiękowym równoważnych słów lub kombinacji.

Reprise to najczęstszy krótki gatunek potoczny.

Kuplety to jedna z najbardziej zrozumiałych i popularnych odmian gatunku potocznego. Kuplety starają się ośmieszyć to lub inne zjawisko i wyrazić swój stosunek do niego. Musi mieć poczucie humoru

Gatunki muzyczne i potoczne obejmują dwuwiersz, piosenkę, chansonette, felieton muzyczny.

Popularna na scenie parodia może być „potoczna”, wokalna, muzyczna, taneczna. Kiedyś recytacje, melodeklamacje, montaże literackie, „czytanie artystyczne” sąsiadowały z gatunkami mowy.

Nie da się podać precyzyjnie ustalonej listy gatunków mowy: nieoczekiwane syntezy słowa z muzyką, tańcem, gatunkami oryginalnymi (transformacja, wentrologia itp.) dają początek nowym formacjom gatunkowym. Ćwiczenia na żywo nieustannie dostarczają wszelkiego rodzaju odmian, nie jest przypadkiem, że na starych plakatach zwyczajowo do imienia aktora dodawano „w swoim gatunku”.

Każdy z powyższych gatunków mowy ma swoją własną charakterystykę, własną historię, strukturę. Rozwój społeczeństwa, warunki społeczne podyktowały pojawienie się tego lub innego gatunku na pierwszy plan. Właściwie tylko artysta urodzony w kabarecie może być uważany za gatunek „różnorodny”. Reszta wyszła z budki, teatru, ze stron magazynów humorystycznych i satyrycznych. Gatunki mowy, w przeciwieństwie do innych, skłonne do opanowania nowinek zagranicznych, rozwijane zgodnie z tradycją narodową, w ścisłym związku z teatrem, z literaturą humorystyczną.

Rozwój gatunków mowy wiąże się z poziomem literatury. Za aktorem stoi autor, który „umiera” w performerze. A jednak sama wartość aktorstwa nie umniejsza znaczenia autora, który w dużej mierze decyduje o powodzeniu spektaklu. Twórcy często sami stawali się artystami. Tradycje I. Gorbunowa zostały podchwycone przez popowych gawędziarzy - Smirnov-Sokolsky, Afonin, Nabatov i inni stworzyli własny repertuar.Aktorzy, którzy nie mieli talentu literackiego, zwrócili się o pomoc do autorów, którzy pisali na podstawie ustnych występów, biorąc pod uwagę maska wykonawcy. Autorzy ci z reguły pozostawali „bezimienni”. Od wielu lat w prasie dyskutowane jest pytanie, czy utwór napisany do występu na scenie można uznać za literaturę. Na początku lat 80. utworzono Ogólnounijne, a następnie Ogólnorosyjskie Stowarzyszenie Autorów Rozmaitości, które pomogło w legitymizacji tego typu działalności literackiej. „Anonimowość” autora to już przeszłość, co więcej, na scenę weszli sami autorzy. Pod koniec lat 70. ukazał się program „Za kulisami śmiechu”, skompilowany według rodzaju koncertu, ale wyłącznie z występów autorów pop. Jeśli w poprzednich latach tylko indywidualni pisarze (Averchenko, Ardov, Laskin) wymyślali własne programy, to teraz zjawisko to stało się powszechne. Do sukcesu przyczynił się fenomen M. Żvanetsky'ego. Zaczynając w latach 60. jako autor Leningradzkiego Teatru Miniatur, omijając cenzurę, zaczął czytać swoje krótkie monologi i dialogi podczas zamkniętych wieczorów w Domach Inteligencji Twórczej, które podobnie jak piosenki Wysockiego rozprowadzane były po całym kraju .

5. Jazz na scenie

Termin „jazz” jest powszechnie rozumiany jako: 1) rodzaj sztuki muzycznej opartej na improwizacji i szczególnej intensywności rytmicznej, 2) orkiestry i zespoły wykonujące tę muzykę. Określenia „zespół jazzowy”, „zespół jazzowy” są również używane do oznaczania zespołów (czasami wskazujących liczbę wykonawców – trio jazzowe, kwartet jazzowy, orkiestra jazzowa, big band).

6. Piosenka na scenie

Miniatura wokalna (wokalno-instrumentalna), szeroko stosowana w praktyce koncertowej. Na scenie jest często rozwiązywany jako miniatura sceniczna „gry” za pomocą plastyczności, kostiumu, światła, mise-en-scen („teatr piosenki”); Duże znaczenie ma osobowość, cechy talentu i umiejętności wykonawcy, który w niektórych przypadkach staje się „współautorem” kompozytora.

Krótki opis

Numer biletu 30. Różne pokazy. Nowoczesne funkcje i trendy.

Pokazać - to szczególny czarujący spektakl, którego strona semantyczna i fabularna znika w kierunku spektakularnej prezentacji wrażeń (akcja jest w efektach „rozmyta”), program widowiska powinien być zbudowany na ciągłej zmianie wrażeń i jasnym widowiskowym techniki środków wyrazu.

Showbiznes jako termin pojawił się w literaturze specjalistycznej od połowy lat 80-tych. XX wiek i zastąpił dotychczasową koncepcję „sowieckiej sceny”. Termin „odmiana” pojawił się w rosyjskiej historii sztuki na początku ubiegłego wieku i zjednoczył wszystkie rodzaje sztuki o łatwo dostrzegalnych gatunkach.

Różnorodność sztuki charakteryzuje się otwartość, zwięzłość,

improwizacja, świętowanie, oryginalność, rozrywka. Rozwijając się jako sztuka świątecznego wypoczynku, muzyka pop zawsze dążyła do niezwykłości i różnorodności. Poczucie święta powstało dzięki zewnętrznej rozrywce, grze świateł, zmianie malowniczej scenerii, przeobrażeniu sceny itp.

W przejściu do otwartego społeczeństwa demokratycznego konsument ma wybór. Tendencja współczesne przedstawienie jest takie: szybko zmieniające się gusta publiczności wymagają ciężkiej pracy menedżerów, artystów, producentów.

Produkt działalności kulturalnej jest już przedmiotem „zakupu i sprzedaży”, tj. powstają ekonomicznie uzasadnione relacje, a skoro scena wkracza w świat biznesu, to potrzebuje do tego fachowców, ludzi, którzy potrafią zorganizować biznes w taki sposób, aby przynosił zysk nie tylko artyście, grupie, firmie, ale także państwu ( w formie podatków). Obecnie show biznes rozwija się zgodnie z prawami rynku. Duże znaczenie ma rozwiązanie zagadnień związanych z zarządzaniem personelem, wykorzystanie jego potencjału, który warunkuje sukces w osiągnięciu celu.

Więc, nowoczesny show- to wspaniały występ sceniczny z udziałem „gwiazd” sceny, cyrku, sportu, orkiestry jazzowej, baletu na lodzie itp. Akcent wystawy przesuwa się na efekty zewnętrzne, mające na celu upiększenie treści trwających wydarzeń.

W zarządzaniu show-biznesem wykorzystuje się szeroką gamę metod, podejść i technik, aby stworzyć warunki do efektywnej pracy. W ten sposób możemy podkreślić cechy nowoczesnego show:

1. Obecność „gwiazdy”.

Pojęcie „gwiazdy” powstało w epoce kina, kiedy aktorzy filmowi byli bezimienni, a publiczność nazywała lubiane przez siebie postacie nazwami filmów, a także ich danymi zewnętrznymi („człowiek o smutnych oczach”, „dziewczyna z lokami” itp.). Widzowie zaczęli atakować firmy produkujące filmy, prosząc je o podanie nazwiska, imienia i różnych danych biograficznych aktorów, których lubili. Szef amerykańskiej firmy „IMP” Karl Laemmle jako pierwszy wykorzystał popularność aktorki Florence Lawrence, aby przyciągnąć publiczność do kina, rozsiewając pogłoski o jej śmierci. W ten sposób wzbudził żywe zainteresowanie publiczności i z dnia na dzień zmienił aktorkę w amerykańską gwiazdę filmową.

W ten sposób położono początek „systemu gwiazd”. Inne firmy filmowe poszły w ich ślady. Liczba „gwiazd” zaczęła gwałtownie rosnąć. Stają się przynętą kasową zarówno dla przemysłu filmowego, jak i muzycznego, teatralnego, pokazów modelek i nie tylko.

Istotą koncepcji „gwiazdy” jest to, że artysta, którego lubią, wywołuje sympatię wśród publiczności, dlatego chcą go zobaczyć, chcą być tacy jak on. Konsument (widz, słuchacz) nie ogranicza się tylko do oglądania idola, chce wiedzieć o nim wszystko, w tym szczegóły jego życia osobistego. Ten aspekt jest bardzo przydatny w tworzeniu „gwiazd”, ponieważ jest uważany za znak dużej popularności, co oznacza, że opłaty za „gwiazdę” rosną. Przyciągnięcie „gwiazdy” do udziału w pokazie, pokazie modelowym, filmie, musicalu, produkcji teatralnej, nagraniu albumu to gwarancja popytu, full house.

Wysyłanie dobrej pracy do bazy wiedzy jest proste. Skorzystaj z poniższego formularza

Studenci, doktoranci, młodzi naukowcy, którzy wykorzystują bazę wiedzy w swoich studiach i pracy będą Ci bardzo wdzięczni.

Wysłany dnia http://www.allbest.ru/

Wstęp

3. Gatunki sztuki odmiany

Wniosek

Lista wykorzystanej literatury

Wstęp

reżyser gatunku pop-art

Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, doszukiwanej w sztuce Egiptu i Grecji. Różnorodne elementy były obecne w przedstawieniach wędrowców - bufonów (Rosja), spielmanów (Niemcy), żonglerów (Francja) i tak dalej. Ruch trubadurów we Francji (pod koniec XI wieku) stał się nosicielem nowej idei społecznej. Jego osobliwością było pisanie muzyki na zamówienie, różnorodność gatunkowa piosenek od wątków tekstów miłosnych po gloryfikację militarnych wyczynów dowódców wojskowych. Wynajęci śpiewacy i wędrowni artyści rozpowszechniają muzyczną twórczość.

Tym samym „rozwój kultury muzycznej nie jest możliwy bez realizacji całego szeregu zadań kierowniczych, których rozwiązanie wymaga przeszkolenia wykwalifikowanej kadry zgodnie ze współczesnymi warunkami społeczno-kulturowymi”.

Jest też proces odwrotny – komercjalizacja (bez negatywnej konotacji) muzyki pop. Na przykład ceny fanów na koncerty Madonny w Londynie, które w sierpniu 2007 r. wahały się od 80 do 160 funtów (od 140 do 280 dolarów) plus 13 funtów za rezerwację. Trasa Re-Invention, z którą dwa lata temu koncertowała w USA i Europie, przyniosła 125 milionów dolarów, więcej niż jakikolwiek inny koncert w tym roku. Bilety na koncerty w Londynie kosztują wtedy do 150 funtów.

W rzeczywistości Madonna jest jednym z głównych beneficjentów zmiany, którą niektóre potężne siły ekonomiczne wprowadziły do show-biznesu.

1. Numer - wywodzący się z elementów sztuki odmiany

Numer - osobny, skończony występ jednego lub więcej artystów. To podstawa pop-artu - "Jego Królewska Mość liczba" - powiedział N. Smirnov-Sokolsky. Sekwencja, „montaż” liczb to esencja koncertu, programu teatralnego, odmiany wykonania. Początkowo pojęcie „liczba” było używane w sensie dosłownym, określało kolejność artystów jeden po drugim: pierwszy, drugi, piąty… w programie rozrywkowym (czy cyrkowym) (również naprzemienność poszczególnych scen w opera - "opera numer", w balecie).

Dla artysty występującego na scenie numer to małe przedstawienie z własnym początkiem, punktem kulminacyjnym i rozwiązaniem. Krótość numeru (nie więcej niż 15-20 minut) wymaga najwyższego skupienia środków wyrazu, zwięzłości i dynamiki. W wystawianie spektakli zaangażowani są reżyserzy, a czasem kompozytorzy, choreografowie, artyści, w tym projektanci kostiumów i oświetlenia.

W scenariuszu numer można zdefiniować jako osobny segment akcji, który ma swoją wewnętrzną strukturę.

Struktura liczby jest identyczna ze strukturą każdej akcji dramatycznej. Powinien być jakiś moment ekspozycyjny, konieczny spisek akcji. Liczba nie może istnieć bez rozwoju, którego intensywność zależy od konkretnych zadań reżysera. Kulminacja spektaklu wyrażana jest najczęściej jako kontrastowy punkt zwrotny, bez którego nie może być koniecznej pełni rozwoju całego scenariusza. Liczba kończy się z reguły momentem zezwalającym, prowadzącym skargę do względnej kompletności.

Liczba powinna być stosunkowo krótka, ale nie przysadzista. Jego czas trwania jest bezpośrednio zależny od jego funkcji, celu, zadania w ogólnym rozwiązaniu tematu: nie mniej i nie więcej niż to, co przypisuje mu logika artystyczna.

Kolejnym wymogiem dla spektaklu jest wysoka koncentracja treści: w niezwykle krótkim czasie trzeba przekazać maksimum informacji, a nie tylko przekazać informacje widzowi, ale artystycznie zorganizować je w celu oddziaływania emocjonalnego i estetycznego.

Każdy gatunek muzyczny ma swoją własną formę istnienia. W operze przedstawienie to jest całością, szczegółową, artystycznie dokończoną pracą. W przypadku symfonii, orkiestry dętej, orkiestry instrumentów ludowych, zespołów kameralnych i solistów forma ta jest koncertem, który obejmuje wykonanie jednego lub więcej utworów. Na scenę muzyczną - też koncert, ale szczególnego rodzaju. Opiera się na numerach muzycznych różnych gatunków i stylów. Na przykład, gdy śpiewają z akompaniamentem orkiestry rosyjskich instrumentów ludowych, jest to koncert akademicki, a gdy towarzyszy mu zespół instrumentalny również instrumentów ludowych, jest to koncert popowy. O tej różnicy decyduje specyfika wykonania, charakterystyczna dla każdego gatunku. Jedną z głównych cech odmiany muzycznej, wokalnej lub instrumentalnej, jest specyfika komunikacji z publicznością. Wykonawca muzyki pop zawsze zwraca się do publiczności, do publiczności. Ta cecha sceny muzycznej ma korzenie historyczne. Nawet bufony na uroczystościach wchodziły w bezpośrednią komunikację z publicznością. Obecnie bezpośrednia komunikacja z widzem stała się bardziej złożona i niejednoznaczna. A. Alekseev bardzo trafnie i ciekawie wyraził tę ideę w swojej książce Serious and Funny. Na scenie, w przeciwieństwie do koncertu akademickiego, „cały czas czujesz, że to nie jest powiedziane za Ciebie, ale że rozmawiają z Tobą…”.

Ta cecha sztuk performatywnych – czy to felieton muzyczny, kuplety, pieśń, utwór instrumentalny – określa istotę i różnicę między aktem pop a przedstawieniem akademickim. Kiedy solista-instrumentalista, wokalista podchodzi do krawędzi sceny, śpiewa piosenkę lub gra utwór muzyczny - to nie jest tylko występ, ale głęboko osobisty, szczery apel do siedzących na sali, do wszystkich naraz i każdemu z osobna.

Różnorodność jest bardzo ściśle związana z teatrem, różne są formy twórczości teatralnej i różnorodność. Jeśli w pierwszym, jak zauważył A. Anastasiev, jest to przedstawienie, to w sztuce różnorodności jest to liczba, która według Yu Dmitrieva „jest podstawą sztuki różnorodności”.

Jednocześnie istnieje luka w nauce sztuki odmiany. Jednomyślne uznanie, że liczba jest podstawą i „jednostką miary” pop-artu z jednej strony, a faktyczny brak teorii tworzenia liczby odmiany z drugiej, tworzy swoisty „paradoks dotyczący odmiany”. numer." Dominująca pozycja liczby w strukturze sztuki odmianowej skłania nas do wyciągnięcia następującego zasadniczego wniosku: to walory artystyczne liczby odmian ostatecznie determinują wektor rozwoju sztuki odmianowej jako całości. Dlatego też analizę struktury artystycznej aktu odmiany w ścisłym związku z metodologią jego powstania można uznać za jeden z wiodących problemów badań odmianowych, który wymaga gruntownych badań.

Twórczość autora, aktora, reżysera, artysty koncentruje się na tworzeniu aktu pop. Analizując strukturę artystyczną zagadnienia, w rozprawie rozważane są odrębne zagadnienia twórczości autora i artysty, jednak główna uwaga skupia się na pracy aktora i reżysera.

W tworzeniu obrazu artystycznego w akcie różnorodności aktor, podobnie jak w teatrze, zajmuje czołową pozycję. Ale na scenie jest to szczególnie widoczne ze względu na jego skrajną personifikację. Praktyka pokazuje, że różni artyści, w przeciwieństwie do teatru, są często autorami swoich dzieł sztuki – spektakli. Ponadto improwizacja aktorska, na której opierają się poszczególne gatunki pop, zmusza nas do eksploracji cech procesu tworzenia spektaklu bezpośrednio w momencie jego wykonania.

Reżyseria aktu wariacji koncentruje wszystkie składniki produkcji liczby w dziele z autorem tekstu iz kompozytorem iz choreografem, z artystą i z aktorem. Aksjomat ten trzeba powtórzyć, bo z przykrością należy zauważyć, że nawet główne aspekty teorii i praktyki pracy reżysera nad ustawą odmianową są prawie nie sformułowane i nie są w ogóle uogólnione. „Moim zdaniem niewiele powiedziano o pracy reżysera w tym numerze” – słusznie zauważyła na przykład N. Zawadskaja – „Tymczasem artysta tego potrzebuje, nawet jeśli ma wszystkie umiejętności zawodowe”. Wszelkie, nawet najwybitniejsze umiejętności zawodowe różnorodnego artysty stają się bezsensownym zbiorem chwytów, repryz i innych środków wyrazu, jeśli nie sprowadzają się do wspólnego mianownika całościowego wizerunku artystycznego, który jest jednym z głównych elementów składowych reżysera. zawód w ogóle. I nie ma powodu, aby uważać odmianę za wyjątek od tej reguły.

2. Klasyfikacja numerów pop według gatunkowych gatunków pop

Jakakolwiek klasyfikacja w sztuce jest niepełna, dlatego można tu wyróżnić gatunki i grupy gatunkowe, skupiając się tylko na liczbach często spotykanych w scenariuszach spektakli. Odmiany są klasyfikowane według ich cech na cztery grupy.

Pierwsza grupa gatunkowa powinna zawierać liczby potoczne (lub mowy). Potem przychodzą numery muzyczne, plastyczno-choreograficzne, mieszane, „oryginalne”.

Gatunki konwersacyjne to: artysta, repryza, kalambur, przerywnik, miniatura, szkic, monolog popowy, felieton popowy, felieton muzyczny, mozaika muzyczna, kuplety, przyśpiewki, parodie.

Gatunki numerów plastyczno-choreograficznych: taneczne (folkowe, charakterystyczne, popowe, nowoczesne), pantomima i etiuda plastyczna.

Gatunki z grupy gatunkowej „cyfr oryginalnych”: ekscentryczność, sztuczki, błazeństwa, granie na niezwykłych instrumentach muzycznych, onomatopeja, popularne grafiki, tantamoreski, akrobatyka, cyrkowe liczby, sportowe numery.

Zaangażowanie publiczności w bezpośrednią akcję spektaklu teatralnego jest jedną ze specyfiki tego rodzaju sztuki. Dlatego to właśnie tutaj numer gry w różnych formach gatunkowych (związanych z numerami mieszanymi lub „oryginalnymi”) jest szeroko rozpowszechniony.

Do grupy numerów muzycznych zaliczamy przede wszystkim numer koncertowy. Jego kompletność wynika z samej formy muzycznej. Jeżeli jednak jako numer przyjmiemy fragment dużego dzieła, to powinien on być w miarę kompletny, dając całościowe wrażenie. Głównym gatunkiem muzycznym jest piosenka: folk, liryka, pop, romans miejski, romans cygański, feuilleton muzyczny.

Ulubionym gatunkiem muzycznym ludzi jest przyśpiewka. Jej cechy to aktualność, skrajna zwięzłość, wyrazistość formy i pojemność treści. Piosenka, stworzona na konkretnym materiale, to gatunek nieodzowny pod względem wydajności. Mowa w melodii zawsze brzmi zindywidualizowana, artystycznie uzasadniona, jak mowa pewnej osoby lub jako dialekt charakterystyczny dla danej dzielnicy, regionu czy regionu.

Lakoniczna zawartość ditty odpowiada wyraźnej kompozycji, określonej przez formę i strukturę czterowiersza. Jedną z charakterystycznych cech tej formy jest organiczne połączenie intonacji potocznej ze strukturą muzyczną. Ale ogólnie rzecz biorąc, numerek jest budowany jako skuteczny element programu zrealizowanego w sobie.

Podczas śpiewania czterowierszowa zwrotka ditty jest podzielona na dwie półzwrotki z głęboką pauzą pośrodku. Pauza przygotowuje do nowego, zazwyczaj nieoczekiwanego zwrotu, rozwiązania tematu „zadeklarowanego” na początku. Z reguły pierwszy kuplet pełni rolę początku, daje jakby początek lirycznej narracji; drugi kuplet to zakończenie: rozwinięcie tematu i zakończenie. To właśnie ta dramatyczna struktura melodii sprawia, że jest to gatunek niezwykle ekspresyjny, efektowny, łatwo odbierany przez słuchaczy.

Piosenki z „zastrzeżeniami” mają ogromną siłę oddziaływania emocjonalnego.

3. Gatunki sztuki odmiany

Korzenie sceny sięgają odległej przeszłości, wytropionej w sztuce Egiptu, Grecji, Rzymu; jej elementy obecne są w przedstawieniach wędrownych komików-bufonów (Rosja), szpilmanów (Niemcy), kuglarzy (Francja), dandysów (Polska), maskarabów (Azja Środkowa) itp.

Satyra na miejskie życie i obyczaje, ostre żarty na tematy polityczne, krytyczny stosunek do władzy, kuplety, skecze komiksowe, dowcipy, gry, pantomima klauna, żonglerka, muzyczna ekscentryczność to zaczątki przyszłych gatunków pop, które narodziły się w zgiełku karnawału i publiczna rozrywka.

Szczekacze, którzy za pomocą dowcipów, dowcipów, zabawnych kupletów sprzedawali dowolny produkt na placach i rynkach, później stali się prekursorami artysty. Wszystko to miało charakter masowy i zrozumiały, co było nieodzownym warunkiem istnienia wszystkich gatunków pop. Wszyscy średniowieczni artyści karnawałowi nie grali przedstawień.

Sztuka różnorodności charakteryzuje się takimi cechami jak otwartość, lapidarność, improwizacja, odświętność, oryginalność, rozrywka.

Scena koncertowa (wcześniej nazywana „divertissement”) łączy w sobie wszelkiego rodzaju występy w różnych koncertach;

Scena świąteczna (festiwale folklorystyczne, święta na stadionach, pełne numerów sportowych i koncertowych, a także bale, karnawały, maskarady, festiwale itp.).

Są też takie:

1. Teatry różnorodności

2. Sale muzyczne

We wrześniu 1928 odbyło się otwarcie Leningradzkiej Sali Muzycznej.

Popowy monolog może być satyryczny, liryczny, humorystyczny.

Interludium to scena komiksowa lub gra o treści humorystycznej, która wykonywana jest jako samodzielny numer.

Szkic to mała scena, w której szybko rozwija się intryga, gdzie najprostsza fabuła budowana jest na nieoczekiwanych śmiesznych, ostrych sytuacjach, zwrotach, pozwalających na powstanie w toku akcji całej serii absurdów, ale gdzie wszystko z reguły kończy się szczęśliwym rozwiązaniem. 1-2 aktorów (ale nie więcej niż trzech).

Gra słów to żart oparty na komicznym użyciu podobnie brzmiących, ale inaczej brzmiących słów, aby zagrać na podobieństwie dźwiękowym równoważnych słów lub kombinacji.

Reprise to najczęstszy krótki gatunek potoczny.

Gatunki muzyczne i potoczne obejmują dwuwiersz, piosenkę, chansonette, felieton muzyczny.

Popularna na scenie parodia może być „potoczna”, wokalna, muzyczna, taneczna. Kiedyś recytacje, melodeklamacje, montaże literackie, „czytanie artystyczne” sąsiadowały z gatunkami mowy.

5. Jazz na scenie

6. Piosenka na scenie

Gatunki i formy pieśni są zróżnicowane: romans, ballada, pieśń ludowa, kuplet, ditty, chansonette itp.; Zróżnicowane są również sposoby wykonania: solo, zespołowo (duety, chóry, zespoły wok-instr.).

Wśród muzyków popowych jest też grupa kompozytorów. Są to Antonow, Pugaczowa, Gazmanow, Loza, Kuzmin, Dobrynin, Kornelyuk i inni.

Współistnieje wiele stylów, obyczajów i trendów - od sentymentalnego kiczu i miejskiego romansu po punk rock i rap. Tak więc dzisiejsza piosenka jest wielobarwnym i wielostylowym panelem, który obejmuje dziesiątki kierunków, od rodzimych imitacji folkloru po szczepienia kultur afroamerykańskich, europejskich i azjatyckich.

7. Taniec na scenie

Jest to krótki numer taneczny, solo lub zespołowy, prezentowany na koncertach grupowych, pokazach rozrywkowych, salach muzycznych, teatrach miniatur; towarzyszy i uzupełnia program wokalistów, szereg oryginalnych, a nawet gatunków mowy. Powstał na bazie tańca ludowego, codziennego (salowego), baletu klasycznego, tańca współczesnego, gimnastyki, akrobatyki, na skrzyżowaniu różnych wpływów obcych i tradycji narodowych. Charakter plastyczności tańca dyktują współczesne rytmy, powstające pod wpływem sztuk pokrewnych: muzyki, teatru, malarstwa, cyrku, pantomimy.

Tańce ludowe były pierwotnie włączane do występów zespołów stołecznych. W repertuarze znalazły się przedstawienia teatralne urozmaicające życie wiejskie, miejskie i wojskowe, suity wokalno-taneczne z rosyjskich pieśni i tańców ludowych.

W latach 90. taniec na scenie ostro spolaryzował się, jakby wracając do sytuacji z lat 20. XX wieku. Grupy taneczne zajmujące się show-biznesem, takie jak Erotic Dance i inne, opierają się na erotyce - występy w nocnych klubach dyktują własne prawa.

8. Lalki na scenie

Od czasów starożytnych ludzie w Rosji cenili rękodzieło, kochali zabawki i szanowali zabawną grę z lalką. Pietruszka rozprawiał się z żołnierzem, policjantem, księdzem, a nawet samą śmiercią dzielnie wymachiwał maczugą, kładł na miejscu tych, których lud nie lubił, obalał zło, afirmował moralność ludu.

Pietruszkowie wędrowali samotnie, czasem razem: lalkarz i muzyk, sami komponowali sztuki, sami byli aktorami, reżyserami - starali się zachować ruchy lalek, mise-en-scen, lalkowe sztuczki. Lalkarzy byli prześladowani.

Były też inne spektakle, w których grały lalki. Na drogach Rosji można było spotkać furgonetki załadowane marionetkami na sznurkach - marionetkami. A czasami pudełka z otworami w środku, wzdłuż których lalki były przenoszone od dołu. Takie pudełka nazywano szopkami. Lalkarze opanowali sztukę naśladownictwa. Lubili przedstawiać śpiewaków, kopiować akrobatów, gimnastyków, klaunów.

9. Parodia na scenie

To numer lub spektakl oparty na ironicznym naśladowaniu (naśladowaniu) zarówno indywidualnego sposobu, stylu, charakterystycznych cech i stereotypów oryginału, jak i całych nurtów i gatunków w sztuce. Amplituda komiksu: od ostro satyrycznej (poniżającej) do humorystycznej (przyjazna karykatura) - determinowana jest przez stosunek parodysty do oryginału. Parodia ma swoje korzenie w sztuce starożytnej, w Rosji od dawna jest obecna w grach bufonów, przedstawieniach farsy.

10. Teatry małych form

Stworzenie w Rosji teatrów kabaretowych „Nietoperz”, „Krzywe lustro” itp.

Zarówno „Krzywe lustro”, jak i „Nietoperz” były silnymi zawodowo grupami aktorskimi, których poziom kultury teatralnej był niewątpliwie wyższy niż w licznych teatrach miniaturowych (Pietrowski wyróżniał się bardziej niż inne z Moskwy, reżyseria D.G. Gutmana, Mamonowski, kultywujący dekadencki sztuka, gdzie Aleksander Vertinsky zadebiutował podczas I wojny światowej, Nikolsky - artysta i reżyser A.P. Pietrowski W Petersburgu - Troitsky A.M. Fokina - reżyser V.R. Rappoport, gdzie z pieśniami i jak V.O. Toporkov, później artysta teatru artystycznego , z powodzeniem występował jako artysta estradowy.

4. Gatunki muzyczne na scenie. Podstawowe zasady, techniki i reżyseria

Istnieją różne gatunki:

1. Muzyka latynoamerykańska

Muzyka latynoamerykańska (hiszp. musica latinoamericana) to uogólniona nazwa stylów i gatunków muzycznych krajów latynoamerykańskich, a także muzyki ludzi z tych krajów, którzy zwarto mieszkają w innych stanach i tworzą duże społeczności latynoamerykańskie (na przykład w USA). W mowie potocznej często używa się skróconej nazwy „muzyka łacińska” (hiszp. musica latina).

Muzyka latynoamerykańska, której rola w codziennym życiu Ameryki Łacińskiej jest bardzo wysoka, jest fuzją wielu kultur muzycznych, ale opiera się na trzech elementach: hiszpańskiej (lub portugalskiej), afrykańskiej i indyjskiej kulturze muzycznej. Z reguły piosenki latynoamerykańskie wykonywane są po hiszpańsku lub portugalsku, rzadziej po francusku. Wykonawcy latynoamerykańscy mieszkający w USA są zwykle dwujęzyczni i często używają angielskich tekstów.

Właściwa muzyka hiszpańska i portugalska nie należą do Ameryki Łacińskiej, są jednak z nią ściśle związane dużą liczbą powiązań; ponadto wpływ muzyki hiszpańskiej i portugalskiej na Amerykę Łacińską jest wzajemny.

Pomimo tego, że muzyka latynoamerykańska jest niezwykle heterogeniczna i ma swoje własne cechy w każdym kraju Ameryki Łacińskiej, stylistycznie można ją podzielić na kilka głównych stylów regionalnych:

* Muzyka andyjska;

* Muzyka Ameryki Środkowej;

* muzyka karaibska;

* muzyka argentyńska;

* muzyka meksykańska;

* Muzyka brazylijska.

Należy jednak pamiętać, że taki podział jest bardzo arbitralny, a granice tych stylów muzycznych bardzo się zacierają.

Blues (angielski blues z niebieskich diabłów) to gatunek muzyki, który rozpowszechnił się w latach 20. XX wieku. Jest to jedno z osiągnięć kultury afroamerykańskiej. Powstała z takich etnicznych trendów muzycznych społeczeństwa afroamerykańskiego, jak „pieśń robocza” (pol. pieśń robocza), „spirituals” (pol. spirituals) i cholera (pol. Holler). Pod wieloma względami wywarł wpływ na współczesną muzykę popularną, zwłaszcza takie gatunki jak „pop” (angielska muzyka pop), „jazz” (angielski jazz), „rock and roll” (angielski rock „n” roll). Dominująca forma bluesa 4/4, w której pierwsze 4 takty są często grane na harmonii tonicznej, po 2 na subdominie i toniku, a po 2 na dominie i tonice. Ta przemiana jest również znana jako progresja bluesa. Często stosuje się rytm ósmych triol z pauzą – tzw. shuffle. Charakterystyczną cechą bluesa są „niebieskie nuty”. Często muzyka budowana jest według struktury „pytanie-odpowiedź”, wyrażającej się zarówno w treści lirycznej kompozycji, jak iw treści muzycznej, często zbudowanej na dialogu instrumentów między sobą. Blues to improwizacyjna forma gatunku muzycznego, w której kompozycje często wykorzystują tylko główną wspierającą „ramę”, którą biją instrumenty solowe. Oryginalny motyw bluesa opiera się na zmysłowym, społecznym komponencie życia Afroamerykanów, jego trudnościach i przeszkodach, które pojawiają się na drodze każdego czarnoskórego człowieka.

Jazz (ang. Jazz) to forma sztuki muzycznej, która powstała na przełomie XIX i XX wieku w Stanach Zjednoczonych w wyniku syntezy kultur afrykańskich i europejskich, a następnie stała się powszechna. Charakterystycznymi cechami muzycznego języka jazzu stały się początkowo improwizacja, polirytm oparty na rytmach synkopowanych oraz unikalny zestaw technik wykonywania faktury rytmicznej - swing. Dalszy rozwój jazzu nastąpił dzięki opracowaniu przez muzyków i kompozytorów jazzowych nowych modeli rytmicznych i harmonicznych.

Country łączy w sobie dwie odmiany amerykańskiego folkloru – muzykę białych osadników, którzy osiedlili się w Nowym Świecie w XVII-XVIII wieku oraz kowbojskie ballady Dzikiego Zachodu. Ta muzyka ma silne dziedzictwo madrygałów elżbietańskich, irlandzkiej i szkockiej muzyki ludowej. Głównymi instrumentami muzycznymi tego stylu są gitara, banjo i skrzypce.

„The Little Old Log Cabin in the Lane” to pierwsza „udokumentowana” piosenka country napisana w 1871 roku przez Willa Heissa z Kentucky. 53 lata później Fiddine John Carson nagrywa tę kompozycję na płytę. W październiku 1925 r. wystartowała audycja radiowa Grand Ole Opry, która do dziś transmituje na żywo koncerty gwiazd country.

Kraj jako przemysł muzyczny zaczął nabierać rozpędu pod koniec lat 40. XX wieku. dzięki sukcesowi Hanka Williamsa (1923-53), który nie tylko ustanowił wizerunek wykonawcy country na kilka pokoleń, ale także nakreślił typowe dla gatunku tematy – tragiczną miłość, samotność i trudy życia zawodowego. Już wtedy w muzyce country istniały różne style: zachodni swing, który zaczerpnął zasady aranżowania z Dixielandu – tu królem gatunku był Bob Wills i jego Texas Playboys; bluegrass, zdominowany przez założyciela Billa Monroe; styl muzyków takich jak Hank Williams nazywano wtedy hillbilly. W połowie lat pięćdziesiątych. country wraz z elementami innych gatunków (gospel, rhythm and blues) dał początek rock and rollowi. Od razu pojawił się gatunek z pogranicza – rockabilly – to od niego swoją twórczą drogę rozpoczęli tacy śpiewacy jak Elvis Presley, Carl Perkins czy Johnny Cash – nieprzypadkowo wszyscy nagrywali w tym samym studiu Sun Records w Memphis. Dzięki sukcesowi albumu „Gunfighter Ballads and Trail Songs” (1959) Marty'ego Robbinsa wyodrębniono gatunek country i western, w którym dominowały opowieści z życia Dzikiego Zachodu.

Chanson (fr. chanson - „piosenka”) - gatunek muzyki wokalnej; Słowo to jest używane w dwóch znaczeniach:

2) francuska piosenka pop w stylu kabaretu (skłonna w języku rosyjskim).

Piosenka Blatnaya (blatnoy folklor, blatnyak) to gatunek pieśni gloryfikujący życie i obyczaje środowiska przestępczego, pierwotnie przeznaczony dla środowiska więźniów i osób bliskich podziemi. Powstał w Imperium Rosyjskim i rozpowszechnił się w Związku Radzieckim, a następnie w krajach WNP. Z czasem w gatunku muzyki kryminalnej zaczęto pisać piosenki, które wykraczają poza kryminalny temat, ale zachowują jego charakterystyczne cechy (melodia, żargon, narracja, światopogląd). Od lat 90. kryminalna piosenka w rosyjskim przemyśle muzycznym była sprzedawana pod nazwą „rosyjski chanson” (por. stacja radiowa i nagrody o tej samej nazwie).

Romans w muzyce to kompozycja wokalna napisana na krótkim wierszu o treści lirycznej, głównie miłosnej.

Piosenka autora, czyli muzyka bardów, to gatunek pieśni, który powstał w połowie XX wieku w ZSRR. Gatunek rozwijał się w latach 50. i 60. XX wieku. ze sztuki amatorskiej, niezależnie od polityki kulturalnej władz sowieckich, i szybko zyskała szeroką popularność. Główny nacisk kładzie się na poezję tekstu.

6. Muzyka elektroniczna

Muzyka elektroniczna (z ang. muzyka elektroniczna, potocznie także „elektronika”) to szeroki gatunek muzyczny, odnoszący się do muzyki tworzonej przy użyciu elektronicznych instrumentów muzycznych. Choć pierwsze instrumenty elektroniczne pojawiły się na początku XX wieku, muzyka elektroniczna jako gatunek rozwinął się w drugiej połowie XX wieku i obejmuje kilkadziesiąt odmian na początku XXI wieku.

7. Muzyka rockowa

Muzyka rockowa (ang. Rock music) to uogólniona nazwa wielu dziedzin muzyki popularnej. Słowo „rock” - swing - w tym przypadku wskazuje na rytmiczne odczucia charakterystyczne dla tych kierunków, związane z pewną formą ruchu, przez analogię z „roll”, „twist”, „swing”, „shake” itp. Takie przejawy muzyki rockowej, jak używanie elektrycznych instrumentów muzycznych, twórcza samowystarczalność (dla muzyków rockowych typowe jest wykonywanie kompozycji własnej kompozycji) są drugorzędne i często mylące. Z tego powodu związek niektórych stylów muzycznych z rockiem jest dyskutowany. Rock jest również szczególnym zjawiskiem subkulturowym; Subkultury takie jak modowie, hipisi, punkowie, metalowcy, goci, emo są nierozerwalnie związane z pewnymi gatunkami muzyki rockowej.

Muzyka rockowa ma wiele kierunków: od lekkich gatunków, takich jak taneczny rock and roll, pop rock, britpop, po brutalne i agresywne gatunki, takie jak death metal i hardcore. Treść utworów waha się od jasnej i wyluzowanej po mroczną, głęboką i filozoficzną. Często muzyka rockowa przeciwstawia się muzyce pop i tzw. „pop”, choć nie ma wyraźnej granicy między pojęciami „rocka” i „popu”, a wiele zjawisk muzycznych balansuje między nimi.

Początki muzyki rockowej tkwią w bluesie, z którego wyszły pierwsze gatunki rockowe – rock and roll i rockabilly. Pierwsze podgatunki muzyki rockowej powstały w ścisłym związku z ówczesną muzyką folkową i pop - przede wszystkim folk, country, skiffle, music hall. W czasie jej istnienia podejmowano próby łączenia muzyki rockowej z niemal wszystkimi możliwymi rodzajami muzyki – z muzyką akademicką (art rock, pojawia się na przełomie lat 60.), jazzem (jazz rock, pojawia się na przełomie lat 60. i 70.). x), muzyka latynoska (rock łaciński, pojawia się pod koniec lat 60.), muzyka indyjska (rock raga, pojawia się w połowie lat 60.). W latach 60. i 70. pojawiły się prawie wszystkie główne podgatunki muzyki rockowej, z których najważniejsze, poza wymienionymi, to hard rock, punk rock i rock awangardowy. Na przełomie lat 70. i 80. pojawiły się takie gatunki muzyki rockowej jak post-punk, nowa fala, rock alternatywny (choć wcześni przedstawiciele tego kierunku pojawili się już pod koniec lat 60.), hardcore (główny podgatunek punk rocka), jak a także podgatunki brutal metalu - death metal, black metal. W latach 90. szeroko rozwinęły się gatunki grunge (pojawił się w połowie lat 80.), britpop (pojawił się w połowie lat 60.), alternatywny metal (pojawił się pod koniec lat 80.).

Głównymi ośrodkami powstawania i rozwoju muzyki rockowej są USA i Europa Zachodnia (zwłaszcza Wielka Brytania). Większość tekstów jest po angielsku. Jednak, choć z reguły z pewnym opóźnieniem, narodowa muzyka rockowa pojawiła się niemal we wszystkich krajach. Rosyjskojęzyczna muzyka rockowa (tzw. rosyjski rock) pojawiła się w ZSRR już w latach 60. i 70. XX wieku. i osiągnął swój szczyt w latach 80., kontynuując rozwój w latach 90.

8. Ska, rocksteady, reggae

Ska to styl muzyczny, który powstał na Jamajce pod koniec lat pięćdziesiątych. Pojawienie się stylu wiąże się [źródło nieokreślone 99 dni] z pojawieniem się instalacji dźwiękowych (ang. „sound systems”), które umożliwiły tańczenie na ulicy.

Zestawy dźwiękowe to nie tylko głośniki stereo, ale forma ulicznych dyskotek z DJ-ami i ich mobilnymi zestawami stereo, z rosnącą konkurencją między tymi DJ-ami o najlepszy dźwięk, najlepszy repertuar i tak dalej.

Styl charakteryzuje się swingującym rytmem 2/4, kiedy gitara gra na parzystych uderzeniach perkusji, a kontrabas lub gitara basowa podkreśla nieparzyste. Melodię grają instrumenty dęte, takie jak trąbka, puzon i saksofon. Wśród melodii ska można znaleźć melodie jazzowe.

Rocksteady („rocksteady”, „rocksteady”) to styl muzyczny, który istniał na Jamajce i Anglii w latach 60. XX wieku. Podstawą stylu są rytmy karaibskie w 4/4, ze zwiększoną uwagą na klawisze i gitary.

Reggae (angielskie reggae, inna pisownia - „reggae” i „reggae”), popularna muzyka jamajska, po raz pierwszy wspomniana od końca lat 60. XX wieku. Czasami używany jako ogólna nazwa dla całej muzyki jamajskiej. Jest ściśle związany z innymi gatunkami jamajskimi - rocksteady, ska i innymi.

Dub to gatunek muzyczny, który powstał na początku lat 70. na Jamajce. Początkowo nagrania z tego gatunku były utworami reggae z (czasami częściowo) usuniętymi wokalami. Od połowy lat 70. dub stał się sam w sobie fenomenem, uważanym za eksperymentalną i psychodeliczną odmianę reggae. Muzyczny i ideologiczny rozwój dubu dał początek technologii i kulturze remiksów, a także bezpośrednio lub pośrednio wpłynął na rozwój nowej fali i gatunków takich jak hip-hop, house, drum and bass, trip-hop, dub-techno , dubstep i inne.

Muzyka pop (ang. Pop-music from Popular music) to kierunek muzyki współczesnej, rodzaj współczesnej kultury masowej.

Termin „muzyka pop” ma podwójne znaczenie. W szerokim znaczeniu jest to każda muzyka masowa (m.in. rock, elektronika, jazz, blues). W wąskim sensie - odrębny gatunek muzyki popularnej, wprost muzyka pop o pewnych cechach.

Głównymi cechami muzyki pop jako gatunku są prostota, melodyjność, oparcie na wokalu i rytmie z mniejszą dbałością o partię instrumentalną. Główną i praktycznie jedyną formą kompozycji w muzyce pop jest piosenka. Teksty muzyki pop zazwyczaj dotyczą osobistych uczuć.

Muzyka pop obejmuje podgatunki, takie jak europop, latin, disco, electropop, dance music i inne.

10. Rap (hip-hop)

Hip-hop (angielski hip hop) to trend kulturowy, który powstał w klasie robotniczej Nowego Jorku 12 listopada 1974 roku. DJ Afrika Bambaataa jako pierwszy zidentyfikował pięć filarów kultury hip-hopowej: eMsiing (angielski MCing), DJing (angielski DJing), łamanie (angielskie łamanie), graffiti (angielskie pisanie graffiti) i wiedza. Inne elementy to beatboxing, moda hip-hopowa i slang.

Pochodzący z Południowego Bronksu, w latach 80. hip-hop stał się częścią kultury młodzieżowej w wielu krajach na całym świecie. Od końca lat 90., z ulicznego podziemia o ostrej orientacji społecznej, hip-hop stopniowo stał się częścią przemysłu muzycznego, a do połowy pierwszej dekady tego stulecia subkultura stała się „modna” ”. główny nurt". Jednak mimo to wiele postaci hip-hopu nadal kontynuuje swoją „główną linię” – protest przeciwko nierówności i niesprawiedliwości, sprzeciw wobec władzy.

Wiadomo, że reżyseria sceniczna dzieli się na kierunek wykonania odmiany i kierunek numeru odmiany.

Metodologia pracy nad wykonaniem odmiany (koncert, recenzja, show) z reguły nie obejmuje zadań polegających na tworzeniu liczb, z których się składa. Reżyser łączy gotowe liczby z fabułą, jednym tematem, buduje akcję skrośną spektaklu, porządkuje jego strukturę tempo-rytmiczną, rozwiązuje problemy projektowania muzycznego, scenograficznego i oświetleniowego. Oznacza to, że boryka się z szeregiem problemów artystycznych i organizacyjnych, które wymagają rozwiązania w całym programie i nie są bezpośrednio związane z samą ustawą o odmianach. Stanowisko to potwierdza teza znanego reżysera spektakli rozrywkowych I. Sharoeva, który napisał, że „najczęściej reżyser przyjmuje liczby od specjalistów z różnych gatunków, a następnie tworzy z nich program różnorodności. Spektakl ma wielką niezależność.”

Praca nad ustawą o różnorodności wymaga od reżysera rozwiązania szeregu konkretnych zadań, z którymi nie ma do czynienia podczas wystawiania dużego programu. To przede wszystkim umiejętność ujawniania indywidualności artysty, budowania dramaturgii spektaklu, pracy z repryzą, trikiem, kneblem, poznania i uwzględnienia specyfiki określonych środków wyrazu wydajność i wiele więcej.

Wiele postulatów metodologicznych tworzenia spektaklu opiera się na wspólnych fundamentalnych zasadach, które istnieją w dramacie, teatrze muzycznym i cyrku. Ale dalej na fundamencie budowane są zupełnie inne struktury. W kierunku odmiany istnieje znacząca specyfika, którą przede wszystkim określa typologia gatunkowa aktu odmiany.

Na scenie reżyser, jako twórca, osiąga w spektaklu nadrzędny cel każdej sztuki - stworzenie artystycznego wizerunku, który jest twórczą stroną zawodu. Ale w trakcie inscenizacji liczby trwa praca specjalisty nad technologią środków wyrazu. Wynika to z samej natury niektórych gatunków: na przykład większość podgatunkowych odmian o charakterze sportowym i cyrkowym wymaga pracy próbnej i szkoleniowej z trenerem nad elementami sportowymi, specjalnymi trikami; praca nad numerem wokalnym jest niemożliwa bez lekcji od nauczyciela śpiewu; w gatunku choreograficznym istotna jest rola choreografa-repetytora.

Czasami ci specjaliści techniczni głośno nazywają siebie reżyserami, chociaż ich działania tak naprawdę ograniczają się tylko do zbudowania specjalnego kaskaderskiego lub technicznego komponentu numeru - nie ma znaczenia, czy to akrobatyka, taniec, czy śpiew. Tutaj mówienie o tworzeniu artystycznego wizerunku może być naciągane. Kiedy czołowi mistrzowie sceny (zwłaszcza w gatunkach oryginalnych) dzielą się tajnikami swojego mistrzostwa w pracach drukowanych, opisują głównie technikę trików, akrobatyki, żonglerki itp.

Chciałbym jeszcze raz podkreślić, że struktura artystyczna aktu pop jest złożona, różnorodna i często konglomeratowa. Dlatego wystawienie popowego numeru jest jednym z najtrudniejszych zajęć reżysera. "Bardzo trudno jest zrobić dobry numer, nawet jeśli trwa tylko kilka minut. I wydaje mi się, że te trudności są niedoceniane. Może dlatego szanuję i doceniam sztukę tych, których czasami nieco lekceważąco nazywa się artystami estradowymi , dając im niezbyt zaszczytne miejsce w niepisanej skali zawodów. Te słowa S. Jutkiewicza po raz kolejny potwierdzają wagę analizy struktury artystycznej aktu pop, czego końcowym efektem jest zbadanie podstaw metodologii jego tworzenia, zwłaszcza w zakresie pracy reżyserskiej i inscenizacyjnej.

Wniosek

Variety art (z francuskiego estrade - platforma, elewacja) to syntetyczna forma sztuk performatywnych, która łączy małe formy dramatu, komedii, muzyki, a także śpiewu, sztuki. czytanie, choreografia, ekscentryczność, pantomima, akrobatyka, żonglerka, iluzjonizm itp. Mimo międzynarodowego charakteru zachowuje ludowe korzenie, które nadają mu szczególny narodowy smak. Urodzony w renesansie na scenie ulicznej i poczynając od błazeństwa, prymitywnych fars, bufoniery w różnych krajach ewoluowały w różny sposób, dając pierwszeństwo jednemu lub drugiemu gatunkowi, temu lub innemu obrazowi-masce.

W różnych programach salonów, kół i klubów, które powstały później, w lożach, salach koncertowych, kawiarniach, kabaretach, miniaturowych teatrach i na zachowanej odmianie placów ogrodowo-parkowych, wesoły humor, dowcipne parodie i karykatury, kostyczna satyra komunalna, wskazywały hiperbola, bufon, groteska, żartobliwa ironia, szczere teksty, modny taniec i muzyczne rytmy. Poszczególne numery polifonicznej odmiany divertissement są często utrzymywane razem na scenie przez artystę lub prostą fabułę, a teatry jednego lub dwóch aktorów, zespoły (balet, musical itp.) - z oryginalnym repertuarem, własną dramaturgią . Sztuka różnorodności skupia się na jak najszerszym gronie odbiorców i opiera się przede wszystkim na umiejętnościach wykonawców, na ich technice kamuflażu, umiejętności tworzenia spektakularnego spektaklu za pomocą zwięzłych środków, wyrazistego charakteru - częściej komedii negatywnej niż pozytywnej. Ujawniając swoich antybohaterów, sięga po metaforyczne rysy i detale, do dziwacznego przeplatania się wiarygodności i karykatury, realnej i fantastycznej, przyczyniając się tym samym do stworzenia atmosfery odrzucenia ich życiowych pierwowzorów, sprzeciwu wobec ich pomyślności w rzeczywistości. Aktualność jest typowa dla sztuki odmiany, połączenie rozrywki w najlepszych przykładach z poważnymi treściami, funkcjami edukacyjnymi, gdy zabawie towarzyszy różnorodna paleta emocjonalna, a czasem społeczno-polityczny, obywatelski patos. Show-biznes, generowany przez burżuazyjną kulturę masową, pozbawiony jest ostatniej jakości. Niemal wszystkie operacyjne odmiany „małe”, „lekkie”, w tym pospolite „skecze”, charakteryzują się stosunkowo krótką żywotnością, szybką amortyzacją masek, która uzależniona jest od wyczerpania aktualności tematu, realizacji ładu społecznego, zmian w zainteresowaniu i potrzebach odbiorców. Będąc jednym z najbardziej mobilnych rodzajów sztuki, a jednocześnie sztuką bardziej starożytną, sztuka różnorodności podlega chorobie stemplowania, obniżania wartości artystycznej i estetycznej utalentowanych znalezisk, aż do zamieniania ich w kicz. Duży wpływ na rozwój mają takie sztuki „techniczne”, jak kino, a zwłaszcza telewizja, która często zawiera w swoich programach różnorodne spektakle i koncerty. Dzięki temu tradycyjne formy i techniki muzyki popularnej zyskują nie tylko większą skalę i powszechność, ale także głębię psychologiczną (wykorzystanie zbliżeń, innych wizualnych i ekspresyjnych środków plastyki) oraz żywą rozrywkę.

W systemie sztuk performatywnych scena zajmuje dziś mocno odrębne miejsce, reprezentując niezależne zjawisko kultury artystycznej. Popularność sztuki różnorodnej wśród najszerszych i najbardziej zróżnicowanych warstw odbiorców sprawia, że odpowiada ona na sprzeczne potrzeby estetyczne różnych grup ludności pod względem składu społecznego, wiekowego, edukacyjnego, a nawet narodowego. Ta cecha pop-artu w dużej mierze wyjaśnia obecność negatywnych aspektów w profesjonalnych, estetycznych i smakowych zaletach dzieł pop. Masowość odbiorców pop w przeszłości i teraźniejszości, jej heterogeniczność, konieczność łączenia funkcji rozrywkowej i edukacyjnej w pop-artu, nakłada na twórców dzieł pop-artu określone wymagania, nakłada na nich szczególną odpowiedzialność.

...

Podobne dokumenty

Rozważenie życia i analiza drogi twórczej prof. I.G. Szarojew. Jego rola i znaczenie w rozwoju radzieckiej muzyki i pop-artu. Pamięć absolwentów wydziału - piosenkarki Ałły Pugaczowej i reżysera Andrieja Dennikowa.

praca semestralna, dodana 04.06.2011

Koncepcja, struktura i cechy inscenizacji spektaklu jako pełnego spektaklu jednego artysty. Charakterystyka liczb potocznych, plastyczno-choreograficznych, muzycznych, mieszanych i „oryginalnych”. Historia rozwoju spektakularnych gatunków sztuk różnorodnych.

praca semestralna, dodana 11.11.2010

Taniec jako forma sztuki, jego aspekty filozoficzne. Społeczne i pedagogiczne znaczenie tańców towarzyskich, historyczne aspekty ich rozwoju. Krajowa i międzynarodowa w sposób choreograficzny. Programy tańca latynoamerykańskiego i europejskiego.

praca semestralna, dodana 25.06.2019

Specyfika i charakter działania. Jedność fizyczna i psychiczna, obiektywna i subiektywna w działaniu. Podstawowe zasady kształcenia aktora. Pojęcie technologii wewnętrznej i zewnętrznej. Charakterystyczne cechy twórczości różnorodnego aktora.

test, dodano 29.12.2010

Rozwój różnych form sztuki teatralnej w Japonii. Cechy spektakli w teatrze Noo. Charakterystyka teatru Kabuki, będącego syntezą śpiewu, muzyki, tańca i dramatu. Bohaterskie i miłosne spektakle teatru Kathakali.

prezentacja, dodana 04.10.2014

Historia i nowoczesność chińskiego cyrku, cztery słynne szkoły sztuki cyrkowej. Rozwój sztuki cyrkowej w Nowych Chinach, jej cechy, cechy. Znane trupy, ich udział w 9. Międzynarodowym Festiwalu Cyrkowym w Chinach "Wuqiao".

praca semestralna, dodana 05.08.2009

Wiodące kierunki twórcze w rozwoju teatru sowieckiego w latach 20.-1930. Wpływ myśli społeczno-politycznej na rozwój sztuki teatralnej w latach 20-30. Łunaczarski A.V. jako teoretyk i ideolog teatru sowieckiego. Cenzura polityczna repertuaru.

praca dyplomowa, dodana 30.04.2017

Położenie Indii w strefach podrównikowych i tropikalnych, bogata flora i fauna, zróżnicowanie populacji. Historia narodów i religii. Rozwój literatury, filozofii, sztuki, dramatu. Znaczenie tańców indyjskich i kształtowanie się teatru.

prace kontrolne, dodano 11.12.2009

Opowieści biblijne jako podstawa systemu figuratywnego i semantycznego sztuki średniowiecznej. Cechy stylu romańskiego i gotyckiego w architekturze. Liryczna poezja rycerska trubadurów w średniowiecznej Europie, jej wpływ na rozwój muzyki, tańca i teatru.

prezentacja, dodana 23.09.2011

Pasja Viscontiego do muzyki i teatru. Pracuj jako asystent reżysera Jeana Renoira. Udział w kręceniu filmów „Tosca”, „Days of Glory”. Działalność jako reżyser teatralny. Sztuka pracy z aktorami. Tworzenie kierunku artystycznego - neorealizm.