Skarbiec malarstwa rosyjskiego:
historia Muzeum Rosyjskiego

Możesz dokładnie poznać wystawy Ermitażu, możesz doskonale poruszać się po Galerii Trietiakowskiej, możesz być gotowy w każdej chwili na zaimprowizowaną wycieczkę po Muzeum Puszkina swoim przyjaciołom, ale nadal nie uważaj się za eksperta w sztuce rosyjskiej.

I dlaczego wszystko? Bo bez Muzeum Rosyjskiego nie ma w tej kwestii mowy! Dziś wspominamy historię muzeum, w którym mieści się jedno z najliczniejszych duże zbiory Malarstwo rosyjskie na świecie.

Miłośnik sztuki Aleksander III

13 kwietnia 1895 roku cesarz Mikołaj II wydał dekret, na mocy którego w Petersburgu miało zostać utworzone „Muzeum Rosyjskie imienia cesarza Aleksandra III”. Ale muzeum zostało oficjalnie otwarte dopiero 8 marca 1898 roku. Ale pomysł stworzenia muzeum przyszedł do głowy Aleksandrowi III i na długo przed nim.

W młodości przyszły cesarz Aleksander III interesował się sztuką, a nawet sam studiował malarstwo u profesora Tichobrazowa. Nieco później jego żona Maria Fiodorowna podzieliła się jego pasją i oboje kontynuowali naukę pod ścisłym kierunkiem akademika Bogolubowa.

Dekret o utworzeniu Muzeum Rosyjskiego
wydany przez Mikołaja II

Obejmując władzę cesarz zdał sobie sprawę, że nie da się połączyć rządzenia krajem z malarstwem i dlatego porzucił swoją sztukę. Ale nie stracił miłości do sztuki i roztrwonił znaczne sumy ze skarbca na zakup dzieł sztuki, które nie mieszczą się już ani w Gatczynie, ani w Pałacu Zimowym, ani w Pałacu Aniczkowa.

To właśnie wtedy Aleksander podjął decyzję o utworzeniu muzeum państwowego, w którym można by przechowywać obrazy malarzy rosyjskich, a które odpowiadałoby prestiżowi kraju, podnosiło nastroje patriotyczne i tak dalej. Uważa się, że cesarz po raz pierwszy wyraził tę myśl po 17. wystawie Stowarzyszenia Wędrowców w 1889 r., gdzie zakupił obraz Repina „Mikołaj z Miry ratuje od śmierci trzech niewinnie skazanych”.

Ilja Repin „Mikołaj z Miry ratuje od śmierci trzech niewinnie skazanych”

Specjalny status Muzeum Rosyjskiego

Do 1895 r. Udało im się stworzyć projekt budowy budynku Muzeum Sztuki Rosyjskiej na Akademii Sztuk Pięknych, a nawet ukończyć kosztorys, ale 21 października 1894 r. Zmarł Aleksander III i wydawało się, że muzeum nigdy nie stanie się rzeczywistością. Ale Mikołaj II zabrał się do pracy. Zakupiony Pałac Michajłowski postanowił przekazać skarbowi na potrzeby muzeum.

Inspirowane malarstwem Repina
Aleksandra III o utworzeniu muzeum

Regulamin muzeum z 1897 roku podkreślał jego szczególny status. Ustalono specjalne zasady tworzenia kolekcji, np. dzieł współcześni artyści Musiały najpierw przez 5 lat przebywać w muzeum Akademii Sztuk Pięknych, a dopiero potem, za zgodą kierownika, mogły zostać umieszczone w Muzeum Rosyjskim.

Przedmioty sztuki umieszczone w muzeum miały pozostać w nim na zawsze – to znaczy nie można było ich zabrać ani przenieść w inne miejsce. Menadżer był mianowany najwyższym dekretem osobistym i musiał należeć do Domu Cesarskiego.

Kierownik Muzeum Rosyjskiego
musiał należeć do Domu Cesarskiego

Pałac Michajłowski

Ze świata jeden po drugim - kolekcja do muzeum

Początkowo zbiory muzeum stanowiły zbiory zebrane przez Aleksandra III obrazy, które zostały przeniesione z Akademii Sztuk Pięknych i Ermitażu, na przykład słynny obraz Karla Bryullowa „Ostatni dzień Pompei”. Pałace Zimowe, Gatchina i Aleksandra. Część zbiorów pochodziła ze zbiorów prywatnych.

Zgodnie z decyzją Mikołaja II, w przyszłości zbiory miały być uzupełniane ze skarbca, który wprowadził nawet wydzieloną część dla muzeum, oraz dzięki ewentualnym darowiznom.

O dziwo, było ich wiele, wielkość zbioru szybko rosła i niemal się podwoiła w porównaniu z pierwotnymi 1,5 tys. dzieł i 5 tys. eksponatów z Muzeum Starożytności Chrześcijańskich. W skład pierwszego personelu muzeum wchodzili „kolor narodu” - najwybitniejsi naukowcy, krytycy sztuki i historycy, na przykład A. P. Benois, P. A. Bryullov, M. P. Botkin, N. N. Punin i inni.

Życie muzeum w XX wieku

Dzięki Funduszowi Muzeum Państwowego, który działał w pierwszych latach później Rewolucja październikowa zbiory muzeum szybko rosły po 1917 roku. Uzupełniono duże braki w zbiorach, np. przez pewien czas niektóre nurty malarstwa rosyjskiego w ogóle nie były reprezentowane w muzeum, a zbiory niektórych były niezwykle skromne.

W 1922 r. Po raz pierwszy wystawa muzealna została zbudowana na zasadzie naukowo-historycznej, co wyniosło muzeum na jakościowo nowy poziom. Ale sama budowa Pałacu Michajłowskiego nie wystarczyła do powiększania się kolekcji i stopniowo muzeum zaczęło „podbijać terytorium”.

W latach 30. skrzydło Benoit Rossiego w Pałacu Michajłowskim, zajmowane do tej pory przez lokatorów, zostało opuszczone i przeniesione do Muzeum Rosyjskiego, a nieco później dział etnograficzny „wyprowadził się” z macierzystego gniazda Rosjan Muzeum, które stało się Muzeum Państwowe etnografia narodów ZSRR. W latach 40. budynek Benois i Pałac Michajłowski zostały nawet połączone specjalnym przejściem.

Budynek Benois na Kanale Gribojedowa

Gdzie pojechać i co zobaczyć?

W początek XXI stuleci, Ogród Letni z kolekcją rzeźb marmurowych (tak, tak, w Ogrodzie Letnim są już tylko kopie!), a także Pałac Letni Piotra I, mieszczące się w nim Kawiarnie i Herbaciarnie, weszły do w posiadaniu Muzeum Rosyjskiego. Dom Piotra I na Nabrzeżu Pietrowskim, który również należy do Muzeum Rosyjskiego, został najpierw zbudowany z bali, ale po pewnym czasie pokryto go kamieniem, a nieco później - ceglanym pokryciem.

Sierow Walentin Aleksandrowicz.
„Portret Idy Rubinstein”

Do najsłynniejszych dzieł sztuki przechowywanych w Muzeum Rosyjskim należą ikony Andriej Rublow i Simon Uszakow, płótna Bryullowa „Włoskie południe” i „Ostatni dzień Pompejów”, „Dziewiąta fala” i „Fala” Aiwazowskiego, „Woźnicy barek na Wołdze” Repina, „Rycerz na rozdrożu” Wanecowa, „Przeprawa Suworowa przez Alpy” Surikowa, „Portret Idy Rubinstein” i „Porwanie Europy” Serowa, „Portret F. I. Chaliapina” Kustodiewa.

Ale to tylko niewielka część pięknych obrazów rosyjskich malarzy przechowywanych w Muzeum Rosyjskim.

Historia malarstwa rosyjskiego zaczyna się od Rusi Kijowskiej. To prawda, że ​​\u200b\u200bpodobnie jak wiele innych zjawisk, malarstwo nie stało się oryginalnym rosyjskim osiągnięciem. Pojawienie się malarstwa na Rusi wiąże się z imieniem księcia Włodzimierza i Bizancjum. Wraz z chrześcijaństwem książę rosyjski przywiózł do Rosji tradycje malarskie. Pierwsze prace Dzieła wizualne kojarzyły się ze świątyniami. Są to tradycyjne, którymi zdobiono ściany kościołów.

Malarstwo rosyjskie rozkwitło w XV wieku. To jest dokładnie ten moment, kiedy się pojawia. Ten rodzaj twórczości jest nierozerwalnie związany z dziedzictwem Rosji i nazwiskami wielu oryginalnych mistrzów. Wielu twórców pozostało nieznanych, ale nazwisko wielkiego malarza ikon Andrieja Rublowa na wiele stuleci stało się standardem w technice malowania ikon.

Pierwsze realistyczne obrazy pojawiły się w Rosji w XVII wieku. Rosyjscy artyści, a także malarze europejscy zaczynają zwracać się ku pewnym gatunkom -,. Miała w tym swoją rolę działalność Piotra I, który otworzył „okno na Europę” i udostępnił w Rosji tradycje europejskie.

Piotr Pierwszy

Historia narodu rosyjskiego jest pełna bohaterskich i żywych wydarzeń społecznych. Duszę rosyjską wyróżniała szczególna wrażliwość, otwartość i wyobraźnia. Dlatego w Malarstwo rosyjskie obserwuje różnorodne motywy, wątki, obrazy. Rosyjscy artyści byli ludźmi postępowymi, a w ich pracach można znaleźć odzwierciedlenie wszelkich zmian zachodzących w społeczeństwie.

Rosyjscy malarze osiągnęli znakomite wyniki w przedstawianiu człowieka i jego stanu wewnętrznego. Na płótnach często pojawiają się sceny z życia. zwykli ludzie, ich cierpienia, nadzieje i aspiracje. Rosyjska przyroda w całej swej okazałości była także tematem inspiracji rosyjskich artystów. Co więcej, jeśli początkowo krajobrazy były po prostu obrazami piękna przyrody, później artyści nauczyli się przekazywać swoje uczucia poprzez naturę.

Marka Chagalla

Na początku XX wieku do malarstwa rosyjskiego zawitał modernizm. Tutaj także Rosja w niczym nie ustępowała innym krajom, dając światu jasne dzieła awangardowych artystów - Wasilija Kandinskiego, Marca Chagalla, Kazimierza Malewicza.

Trudno wymienić wszystkich wybitnych rosyjskich artystów, ale najbardziej znane nazwiska to I. Shishkin, V. Savrasov, I. Repin, V. Surikov, K. Bryullov i wielu innych. Są dumą malarstwa rosyjskiego, ich prace zyskały uznanie na całym świecie.

Błyskotliwy rozkwit kultury rosyjskiej drugiej połowy XIX wieku dał wyraźny wyraz w sztuce pięknej, sztuce realistycznej, iście ludowej, głęboko narodowej. To właśnie sztuka humanistyczna, przesiąknięta ideami ruchu rewolucyjno-wyzwoleńczego, odzwierciedlająca walkę lat sześćdziesiątych i populizm z pańszczyzną i autokracją, spotkała się z wielkim oddźwiękiem społecznym w demokratycznych kręgach rosyjskiej inteligencji. Poświęcony ludziom, przemawiał do nich językiem zgodnym z prawdą, prostym i jasnym. Nigdy wcześniej rosyjscy artyści nie mieli tak ogromnej i wdzięcznej publiczności.

Sztuka piękna przepojona była ideami ludowej walki wyzwoleńczej, odpowiadała na potrzeby życia i aktywnie w nie ingerowała. W sztukach pięknych ostatecznie ugruntował się realizm - prawdziwe i wszechstronne odzwierciedlenie życia ludzi, chęć odbudowania tego życia na zasadach równości i sprawiedliwości. Druga połowa XIX wieku stała się ważny etap w rozwoju rosyjskiej sztuki pięknej. Stało się naprawdę wielkie, aktywnie wkraczając w życie i odzwierciedlając je, czyli rozwiązując problemy, jakie stawia czas.

W malarstwie rosyjskim istniały dwa główne kierunki, które zwykle nazywa się „akademickim”, wyrażającym poglądy szlacheckie, oraz „Pierwiżnikami”, czyli demokratycznym.

Personifikację rutyny dostrzeżono w Akademii Sztuk Pięknych, zależnej od kręgów dworskich, która znalazła się na uboczu wzlotów i upadków. świadomość społeczna. Akademia stała na straży ginących tradycji, „wysokiego” stylu i „wysokich” tematów – od starożytna mitologia, religijny, pseudohistoryczny. Bała się bliskiego kontaktu sztuki ze współczesnym życiem.

Na zdjęciach z rosyjskiej rzeczywistości wszystko w środku więcej pojawiające się na wystawach od końca lat 50. do początku 60. nasilają się ich obciążające rysy; Rośnie realizm krytyczny i chęć ingerencji w życie i wpływania na nie w interesie ludzi.

Druga połowa XIX wieku to czas kształtowania się realistycznego, narodowego, demokratycznego kierunku w sztukach pięknych, to czas życia i twórczości wybitnych rosyjskich artystów, którzy wnieśli ogromny wkład w rozwój rosyjskiej sztuki pięknej sztuka.

Typowa dla malarstwa lat 60. była postać V. G. Perowa (1833–1882). On jest najzdolniejszy przedstawiciel oskarżycielski kierunek w malarstwie. Jej rola w rozwoju narodowym sztuka realistyczna był bardzo znaczący zarówno przed, jak i zwłaszcza po latach 60. Imię Perowa stało się popularne od ostatnich lat przedreformacyjnych, kiedy zaczęły pojawiać się jego płótna poświęcone różnym aspektom życia Rosjan, przedstawiające różne typy społeczne, ostro potępiając biurokrację i duchowieństwo („Przybycie szefa śledztwa”, 1857; „Pierwszy obrzęd”, 1860; w latach 1861–1862 - „Wiejska procesja religijna na Wielkanoc”, „Kazanie we wsi”, „Picie herbaty w Mytishchi”). W latach 1865-1868. Obrazy Perowa „Widzenie zmarłego”, „Trojka”, „Przybycie guwernantki do dom kupiecki”, „Topielca”, „Ostatnia karczma na placówce”, gdzie uwaga artysty zwraca się na trudną sytuację chłopstwa, na ofiary niesprawiedliwości społecznej. Sympatia artysty niewątpliwie stoi po stronie chłopa, którego wizerunek jest wyraźnie wyidealizowany. Później Perow przeszedł na neutralność w sensie społecznym wątki gatunkowe(„Birdcatcher”, „Hunters at Rest”) dał się także poznać jako znakomity portrecista (portrety A. N. Ostrowskiego, V. I. Dahla, posła Pogodina, I. S. Turgieniewa, słynny portret F. M. Dostojewskiego to jedno z szczytowych osiągnięć portretu) . Twórczość V. G. Perowa wyróżnia się niezniszczalną prawdomównością, głębokim uczuciem i darem wnikliwości psychologicznej.

Na atmosferę ideową i społeczną epoki wpłynęły pamiętne wydarzenia roku 1863, które doprowadziły do ​​zerwania z Akademią Sztuk Pięknych przez grupę utalentowanych młodych artystów.

Grupa artystów składała się z trzynastu malarzy (I. N. Kramskoy, A. I. Korzukhin, A. I. Morozov, F. S. Zhuravlev, K. E. Makovsky itp.) i jednego rzeźbiarza (V. P. Kreitan). Jej inspiratorem i przywódcą był I. N. Kramskoj (1837-1887).

„Bunt” czternastki i ich decyzja o zorganizowaniu się w wolny artel artystyczny zaalarmowały rząd. „Najwyższym rozkazem” monitorowano „działania tych młodych ludzi” i „kierunek społeczeństwa, które utworzyli”. Artel artystów petersburskich był stowarzyszeniem zawodowym realizującym wszelkiego rodzaju zamówienia, a jednocześnie gminą codzienną i, co najważniejsze, ośrodkiem ideowo-artystycznym; wydawało się, że uformował się tutaj, na tym etapie opinia publicznaśrodowisko artystyczne. Artel organizował wystawy malarstwa, które cieszyły się dużym powodzeniem wśród publiczności.

Praca artelu okazała się jednak trudna i złożona: w przypadku niektórych jego członków w końcu dominowały motywy ekonomiczne, a strona pryncypialna zeszła na dalszy plan. W artelu zaczęło narastać tarcie. W 1870 r. Kramskoj opuścił artel; istniało jeszcze przez kilka lat, ale nie miało już tego samego znaczenia. Warto zauważyć, że w połowie lat 60. w Petersburgu przez pewien czas istniał drugi artel artystyczny, który powstał na wzór inicjatywy Kramskoja i jego towarzyszy. Należeli do niego V. M. Maksimov, A. A. Kiselev (przyszli Wędrowcy), N. A. Koshelev i inni.

Uczestnicy obu arteli, zwłaszcza tej pierwszej, w dużej mierze zdeterminowali charakter malarstwa lat 60., adresowanego do rosyjskiej rzeczywistości, przenikniętego serdeczną uwagą na życie i doświadczenia zwykłych ludzi. Nie wyczerpują one jednak kręgu twórców nowej szkoły realistycznej z lat sześćdziesiątych. Wróć do lat 60 najlepsze obrazy N.V. Nevrev (1830-1904), spokrewniony duchem twórczości z Perowem, taki jak „Targowanie” (sprzedaż młodej chłopki przez właściciela ziemskiego) i seria obrazów. W tym samym okresie rozwinęła się twórczość satyrycznego artysty i pisarza opisującego życie codzienne biedoty miejskiej L. I. Solomatkina (1837–1883). V. G. Schwartz (1838-1869) wytyczył nowe ścieżki w malarstwie historycznym, wprowadzając do niego cechy realizmu, psychologizmu i do pewnego stopnia inkryminacji; należy do niego znakomity obraz„Wiosenny pociąg carycy w pielgrzymce za cara Aleksieja Michajłowicza” (1868), cykl prac o czasach Iwana IV. Inny malarz historyczny K.D. Flavitsky (1830–1866), który pozostawał w ramach kierunku akademickiego, niemniej jednak w sensacyjnym obrazie „Księżniczka Tarakanova” (1864) doświadczył wpływu demokratycznej szkoły malarstwa.

Ruch artystyczny lat 60. utorował drogę do powstania partnerstwa objazdowych wystaw sztuki.

Inicjatywa utworzenia tego stowarzyszenia, które odegrało ogromną rolę w kulturze rosyjskiej, należała do G. G. Myasoedova (1834 lub 1835-1911). W listopadzie 1870 roku zatwierdzono Statut Partnerstwa, a rok później otwarto jego pierwszą wystawę w Petersburgu. Stopniowo poszerzał się zakres działalności Spółki. W latach 80. liczba miast odwiedzanych przez wystawę Pieredwiżniki wzrosła kilkukrotnie. Istotna sama w sobie idea wystaw ruchomych, przybliżających sztukę mniej lub bardziej szerokim grupom ludności, nie tylko rosyjskiej, ale także ukraińskiej, litewskiej, łotewskiej itp., nie wyczerpała zadań nowego stowarzyszenie, które nie wyróżniało się całkowitą jednością wewnętrzną wszystkich uczestników, zostało jednak skomponowane i faktycznie działało w oparciu o jakąś zasadniczą ogólne zasady i aspiracje. Partnerstwo konsekwentnie broniło zasad realizmu krytycznego i nacjonalizmu.

Głównymi bohaterami wielu obrazów Pieriedwiżników byli ludzie. Niektórzy Pieredwiżnicy przywiązywali dużą wagę do życia w mieście. W malarstwie Pieredwiżników od połowy lat 70. pojawiały się dzieła poświęcone pracy robotników i typom pracującym. Postępowe kręgi społeczne przyjęły powstanie Stowarzyszenia Wędrowców z wyjątkowym zainteresowaniem i sympatią. Przeciwnie, środowiska reakcyjne wykazywały niemiły stosunek do Wędrowców. Wystawy, które odniosły największy sukces, przekształciły się w ważne wydarzenia nie tylko artystyczne, ale i społeczne. W ciągu pierwszego ćwierćwiecza ich istnienia wystawy objazdowe odwiedziło ponad milion osób.

Tacy artyści Pieredwiżnicy jak Myasoedov (głównie w pierwszym okresie swojej twórczości), Maksimov, Savitsky i inni pracowali w obszarze głównie gatunkowym, a najbardziej widoczne miejsce Temat chłopski należał do obrazów rodzajowych.

W odróżnieniu od Maksimowa czy Myasojedowa V. E. Makovsky (1846-1920) poświęcił się przede wszystkim gatunkowi miejskiemu. Nazwisko artysty N. A. Yaroshenko (1846–1898) wiąże się również z rozwojem gatunku miejskiego. Był jednym z przywódców ideologicznych Partnerstwa. Należał do tych artystów, którzy najściślej związali swoją twórczość z ruchem społeczno-politycznym epoki.

Malarstwo portretowe, czego nie da się wystarczająco podkreślić, zajmowało znaczące miejsce w w niektórych przypadkach i główne miejsce w twórczości wielu Pieredwiżników. Wybitnym mistrzem portretu był I.N. Kramskoj. Praca nad portretem otworzyła przed nim, podobnie jak przed innymi wędrowcami, możliwość ukazania pozytywnej postaci naszych czasów – przede wszystkim wybitnych przedstawicieli kultury.

Na początku lat 70. dał swój pierwszy występ duże dzieła wspaniały artysta Tj. E. Repin (1844-1930) Genialny mistrz rysunku i kompozycji, stale dążący do doskonalenia, artysta o ogromnym temperamencie, Repin szczególnie podkreślał rolę idei i treści w sztuce.

Wiele gatunków Repina jest przepojonych szczerym współczuciem dla wyczynów rewolucyjnych bojowników („Pod eskortą”, 1876; „Aresztowanie propagandysty”, 1878–1892; „Odmowa spowiedzi”, 1879–1885; „Nie zrobiliśmy tego” Spodziewajcie się”, 1883 i 1884-1888 itd.). Wielki dar psychologiczny Repina znalazł odzwierciedlenie w ogromnej i różnorodnej galerii portretów, którą stworzył. Malarz portretowy Repin uchwycił obraz z niepowtarzalną głębią, siłą i dokładnością najwybitniejszych przedstawicieli literaturę i społeczeństwo, muzykę, malarstwo i teatr. Elitę rządzącą carskiej Rosji przełomu dwóch stuleci z bezlitosną prawdomównością przedstawił Repin w portrecie zbiorowym „Wielkie Zgromadzenie Rady Państwa” i w szkicach do niego. Repin należy do wybitnych rosyjskich malarzy historycznych.

Na początku lat 90. ukończono obraz „Kozacy piszący list do sułtana tureckiego” (w najsłynniejszej wersji) (drugi obraz o tej samej tematyce artysta ukończył w 1896 r.). Ideą artysty przy tworzeniu obrazu było gloryfikowanie umiłowania wolności, przypływu ducha i energii, jakiego doświadczyli w walce o niepodległość i wolność.

Historia malarstwa rosyjskiego zna wielu niezwykle utalentowanych artystów. Ale nie było takiego, którego obrazy łączyłyby głębię myśli i uczuć z takimi umiejętnościami malarskimi jak Repin. Repin to najgłębszy, najbardziej poruszający ze wszystkich mistrzów malarstwa rosyjskiego niedawnej przeszłości, a w historii naszej sztuki zajął szczególne miejsce. Stasow opisał go w ten sposób: „Ma swój własny, wyjątkowy wygląd i uczucia, i tylko wtedy jest silny i znaczący, kiedy wyraża to uczucie. A to uczucie polega na zrozumieniu i przekazaniu masom ludzkim”.

Malarstwo historyczne poświęcone było głównie twórczości innego wielkiego artysty – V. I. Surikow (1848-1916). Największy rozkwit jego sił twórczych przypada na lata 80-90-te. damy XIX wieku Surikow był artystą mas. Masa Surikowa, tłum, nigdy nie była bez twarzy, każdemu z uczestników nadał cechy głęboko indywidualne.

Na długo przed pojawieniem się obrazów bitewno-historycznych Surikowa zdobył światową sławę malowanie bitewne V.V. Vereshchagin (1842–1904). Wierieszczagin osobiście brał udział w działaniach wojsk rosyjskich w Azja centralna w latach 60., na Bałkanach pod koniec lat 70. Tworzył cykle obrazów poświęcone działaniom wojskowym w Turkiestanie i Wojna rosyjsko-turecka. Oznaczono pracę Vereshchagina Nowa scena w rosyjskim i światowym malarstwie batalistycznym. Stasow tak go opisał: „...malarz takiego typu, jakiego nikt wcześniej nie widział i o nim nie słyszał ani u nas, ani w Europie”. Postawił sobie za cel ukazanie wojny jako narzędzia przemocy, straszliwej katastrofy dla ludzkości.

Nowością, którą wprowadził Wierieszczagin, było oczywiście to, że interesowała go przede wszystkim nie elita wojskowa, ale szeregowi żołnierze. Vereshchagin uczynił ludzi bohaterami swoich obrazów. Jego dzieło potępiające wojnę wywarło poważny wpływ na umysły. Szczególnie interesująca jest seria obrazów autorstwa Vereshchagina w latach 90 Wojna Ojczyźniana 1812. Wcześniej malowane obrazy i szkice z cyklu indyjskiego autorstwa Vereshchagina.

Twój specjalne słowo w malarstwie rosyjskim, zwłaszcza historycznym, powiedział W. M. Wasniecow (1848–1926). Do historii malarstwa wszedł jako twórca rosyjskich eposów ludowych, eposów i baśni. Na podstawie „Opowieści o kampanii Igora” namalowano obraz „Po bitwie Igora Światosławicza z Połowcami” (1878–1880), a następnie „Bitwa Rosjan z Scytami” (1879–1881), „ Rycerz na rozdrożu” (1878-1882). Słynna „Alyonushka”, jedno z najszczerszych dzieł malarstwa, pojawiła się na wystawie objazdowej w 1881 roku. Wasnetsow pracował przez około dwie dekady nad obrazem „Bogatyrs” (ukończonym w 1898), który dał szczególnie pełną personifikację piękna , moc i znaczenie naszych rodzimych obrazów, naszej rosyjskiej natury i człowieka, których ekspresja artysta uznał za zadanie sztuki. Do lat 1882-1885 ma zastosowanie wybitne dzieło Wasnetsow w dziedzinie malarstwa monumentalnego i dekoracyjnego - malowanie sali ” Era kamienia łupanego„W Muzeum Historyczne w Moskwie. Przez kilka lat (1885-1896) Wasnetsow zajęty był malowaniem katedry Włodzimierza w Kijowie. I w tym rabacie wykazano wysokie umiejętności artysty.

Bogatą sekcję sztuk pięknych epoki stanowiło malarstwo pejzażowe. Wybitne walory w dziedzinie pejzażu stworzyło wielu artystów niebędących „specjalistami” w malarstwie pejzażowym, dla których pejzaż pełnił zazwyczaj rolę tła obrazu. Czasem pejzaż okazywał się najbardziej rozpoznawalną stroną twórczości artysty. Jednocześnie pejzaż był samodzielną gałęzią sztuki, której wiele postaci poświęcało wszystko i wysiłek.

Realistyczny pejzaż Wędrowców zajął zaszczytne miejsce w rozwoju malarstwa pejzażowego. Charakteryzuje je zwrócenie się do rodzimej natury. Zamiast egzotycznych, „uroczystych” pejzaży (włoskich, szwajcarskich itp.), do których ciągnęli akademiccy artyści, Wędrowcy wprowadzili w pejzaż motyw narodowy, odkrywali piękno w prostocie i naturze, która otaczała ich na co dzień. W pejzażach wędrownych często dało się wyczuć i dostrzec swego rodzaju podtekst społeczny. Widz, podążając za artystą, widział i czuł tych ludzi, tę masę ludzi, którzy żyli w otoczeniu malowanej na płótnie natury.

Jednym z założycieli krajobrazu wędrownego był I. I. Szyszkin (1832–1898). Główny przedstawiciel epicka linia w malarstwie pejzażowym, Szyszkin z wyjątkową wiedzą i umiejętnościami rzadka miłość Malował głównie lasy środkowej i północnej Rosji, ukazując bogactwo, szerokość i siłę natury Ojczyzny. „Las sosnowy” (1872), „Żyto” (1878), „Wśród równinnej doliny” (1883), „Sosny oświetlone słońcem” (1886), „Poranek w Las sosnowy Do najliczniejszych należą „(1889), „Ship Grove” (1898). popularne obrazy Szyszkina, katarzy byli postrzegani jako artyści ludowi.

Kolejny z twórców malarstwa pejzażowego Wędrowców, A.K. Savrasov (1830-1897). Savrasov odkrył liryczną linię rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony!”, pokazany na I wystawie objazdowej, został odebrany jako rewelacja ze względu na niespotykaną dotąd szczerość, poezję, skromność i naturalne piękno. Obrazy „Wiejska droga” (1873) i „Tęcza” (1875) ugruntowały sławę artysty-poety, a jednocześnie utalentowanego nauczyciela, który odegrał dużą rolę w wychowaniu całej galaktyki malarzy.

I. I. Lewitan (1860-1900) należy do młodszego pokolenia artystów. Lewitan kochał entuzjastycznie rodzima przyroda głęboko odczuł „nieskończone piękno otoczenia”. Z wszechpotężną mocą przekazywał uczucia i nastroje, jakie budzi w człowieku natura. Najbardziej złożona gama przeżyć wyraża się w jego płótnach. Lewitan rozumiał uczucia czołowych ludzi swojej epoki, ich ból z powodu cierpienia ojczyzny. Temat cywilny znalazł szczególnie jasne, choć wyjątkowe ze względu na naturę malarstwa pejzażowego, odbicie w sławny obraz„Władimirka” (1892), inspirowany myślą o losach tysięcy wygnańców. Do ulubionych dzieł Lewitana należą także „Wieczór nad Wołgą” (1888), „W wirze” (1892), „Ponad wiecznym pokojem” (1894), „ Złota jesień„(1895), „Wieczór letni” (1899), „Jezioro. Rusi” (1899-1900).

W drugiej połowie XIX w. Kontynuowano działalność słynnego malarza morskiego I.K. Aiwazowskiego, rozpoczętą w latach 30. Pod jego wpływem rozwinął się talent innego artysty morskiego, a jednocześnie artysty-historiografa rosyjskiej floty A.P. Bogolyubova (1824–1896).

Osiągnięcia malarstwa pejzażowego zachwyciły miłośników sztuki. Z drugiej jednak strony stały wzrost udziału krajobrazu pod koniec stulecia budził pewien niepokój. W prasie wyrażano zaniepokojenie zwłaszcza w związku z mniej lub bardziej zauważalnym zubożeniem gatunku społecznego i codziennego. W zubożeniu gatunku, w tym, że ostre, ekscytujące obrazy z Nowoczesne życie, znalazło odzwierciedlenie w pewnym spadku poziomu ideowego i społecznego działalności Stowarzyszenia Wędrowców. Z kolei ta ostatnia okoliczność zależała od całej sytuacji społeczno-politycznej. Stowarzyszenie Wędrowców wykazywało wahanie i zamiłowanie do tematów „neutralnych”. Jeśli niektórzy ze starych Pieredwiżników byli mniej lub bardziej zdezorientowani, wśród młodszego pokolenia Pieredwiżników pojawili się artyści wrażliwi na nowe zjawiska społeczne. Nie ograniczali się do tego, co osiągnęli ich poprzednicy, ale starali się poszerzać i aktualizować zakres tematów i obrazów.

S. A. Korovin (1858-1908), artysta o tematyce chłopskiej i częściowo żołnierskiej, w sławny obraz„Na świecie” oraz liczne do niego szkice i szkice (1883-1893) artystycznie i przekonująco odzwierciedlały rozwarstwienie społeczne na wsi poreformacyjnej. W twórczości jednego z największych mistrzów dominował wątek chłopski koniec XIX i początek XX wieku. A. E. Arkhipov (1862-1930), malarz gatunkowy i pejzażowy. W młodszym pokoleniu artystów związanych z pewien okres w Stowarzyszeniu Wędrowców postać V.A. Sierowa (1865-1911) wyróżniała się bardzo wcześnie. Valentin Serov, już w wieku 22-23 lat, stworzył takie arcydzieła jak „Dziewczyna z brzoskwiniami” (portret Very Mamontowej, 1887), „Dziewczyna oświetlona przez słońce”, prawdziwe wiersze o bystrej młodości. Sierow – genialny mistrz, którzy pracowali w różnych dziedzinach sztuki.

Era „Wędrowców” była późna w porównaniu z początkiem realizm artystyczny w literaturze; ale kończy się mniej więcej w tym samym czasie, w latach 80-90, i przed tą samą presją nowego pokolenia. Nowe zerwanie z tradycjami i bunt młodości lat 90-tych. powtarza bunt samych Wędrowców przeciwko pokoleniu akademików, które ich poprzedziło. Ale to powstanie za swoje hasło przyjęło stworzenie Rosjanina szkoła narodowa. Bunt młodzieży lat 90. występuje pod sztandarem kosmopolityzmu. Trzeba powiedzieć, że sami Wędrowcy znacznie ułatwili protest przeciwko sobie, który narastał w nowym pokoleniu. W połowie lat 70. nie byli już tymi samymi zagorzałymi protestantami i bojownikami, co organizatorzy Artelu w latach 60. Ich zapał opadł wraz z osiągniętym sukcesem.

Jednakże sympatie rozwiniętego społeczeństwa rosyjskiego były niezmiennie po stronie Pieriewiżników, gdyż w ich pracy rosyjska inteligencja i zwykli ludzie widzieli przedstawicieli swoich interesów. Osiągnięcia i podboje malarstwa rosyjskiego drugiej połowy XIX wieku, w których pokazali się rosyjscy artyści, mają ogromne znaczenie i unikalna wartość w rosyjskich sztukach pięknych. Obrazy, stworzone przez rosyjskich artystów na zawsze wzbogaciło rosyjską kulturę.

W drugiej połowie XVIII wieku w sztuce rosyjskiej ukształtował się styl klasycyzmu, który charakteryzuje się rygorem projektowania, przestrzeganiem pewnych zasad kompozycji, konwencją koloru i wykorzystaniem scen z Biblii, historii starożytnej i mitologia. Oryginalność rosyjskiego klasycyzmu polegała na tym, że jego mistrzowie zwrócili się nie tylko ku starożytności, ale także do rodzima historiaże dążyli do prostoty, naturalności i człowieczeństwa. Klasycyzm jako kierunek w rosyjskiej kulturze artystycznej ugruntował się niepodzielnie pod koniec XVIII w. początek XIX wieki. Ten okres rozkwitu klasycyzmu w rosyjskiej historii malarstwa nazywa się zwykle wysoki klasycyzm. Cechą charakterystyczną malarzy tamtych czasów była romantyczna afirmacja piękna wyjątkowego, indywidualnego, niezwykłego, ale najwyższe osiągnięcie tej epoki sztuki pięknej w Rosji można uznać za nie malarstwo historyczne i portret (A. Argunow, A. Antropow, F. Rokotow, D. Levitsky, V. Borovikovsky, O. Kiprensky).

O.A. Kiprensky (1782-1836) odkrył nie tylko nowe cechy ludzkie, ale także nowe możliwości malarstwa. Każdy z jego portretów ma swoją szczególną strukturę obrazową. Niektóre zbudowane są na ostrym kontraście światła i cienia. W innych głównym środkiem obrazowym jest subtelna gradacja kolorów, które są blisko siebie. Malarstwo K. P. Bryulłowa (1799-1852) charakteryzuje się połączeniem akademickiego klasycyzmu z romantyzmem, nowatorstwem tematów, teatralną skutecznością plastyki i oświetlenia, złożonością kompozycji, błyskotliwą wirtuozerią pędzla. Powszechnie znany był obraz „Ostatni dzień Pompei” (1830-1833). Wzniosłe piękno człowieka i nieuchronność jego śmierci odbijają się na obrazie w tragicznej sprzeczności. Romantyczny charakter jest także nieodłącznym elementem większości portretów Bryullowa. Największy mistrz malarstwo historyczne było A.A. Iwanow nadał swemu malarstwu charakter ofiarnej służby i udało mu się przezwyciężyć wiele szablonów charakterystycznych dla techniki akademickiej.

W swoich dziełach antycypował wiele wypraw Rosjanina realistyczne malarstwo następne dziesięciolecia.

Świadomy zwrot nowego malarstwa rosyjskiego w stronę realizmu demokratycznego nastąpił pod koniec lat 50. wraz z rewolucyjnym oświeceniem Czernyszewskiego, Dobrolubowa, Saltykowa-Szczedrina. 9 listopada 1863 r. 14 absolwentów Akademii Sztuk Pięknych pod przewodnictwem I. Kramskoja odmówiło namalowania obrazu dyplomowego na zaproponowany temat „Uczta w Walhalli” i poprosiło o możliwość samodzielnego wyboru przedmiotów. Spotkali się z odmową i buntowniczo opuścili Akademię, tworząc niezależny Artel Artystów. Drugim wydarzeniem było utworzenie w 1870 roku Partnerstwa wystawy objazdowe", którego duszą był ten sam I. Kramskoj. Wędrowcy zjednoczyli się w odrzuceniu "akademizmu" przez jego mitologię, dekoracyjne krajobrazy i pompatyczna teatralność. Wiodące miejsce w ich twórczości zajmowały sceny rodzajowe (codzienne). Chłopstwo cieszyło się szczególną sympatią Wędrowców. W tamtym czasie – w latach 60-70. XIX wiek - ideową stronę sztuki ceniono wyżej niż estetyczną. Być może największy hołd ideologii złożył V. G. Perow (1834–1882). Dowodami na to są jego obrazy, takie jak „Przybycie szefa śledztwa”, „Podwieczorek w Mytishchi”, „Trojka”, „Starzy rodzice przy grobie syna”. Perow namalował wiele portretów swoich słynnych współczesnych (Turgieniew, Dostojewski). W twórczości Kramskoya główne miejsce zajmowały malarstwo portretowe. Pisał Gonczarowa, Saltykowa-Szczedrina. Jest właścicielem jednego z najlepsze portrety Lew Tołstoj. Wzrok pisarza nie schodzi z widza, niezależnie od tego, z jakiego punktu patrzy na płótno.

Jednym z najpotężniejszych dzieł Kramskoya jest obraz „Chrystus na pustyni”.

Nie można jednak powiedzieć, że Akademia Sztuk Pięknych nie promuje talentów. Najlepsze tradycje akademizmu rozwinęły się we wspaniałych historycznych obrazach G. Semiradskiego, dziełach wcześnie zmarłego V. Smirnowa („Śmierć Nerona”) oraz we wspaniałych obrazach malarza morskiego i przedstawiciela romantyzmu Iwana Aiwazowskiego. Właściwie wielu pochodziło spod murów Akademii wybitni artyści. Są to Repin, Surikow, Polenow i Wasnetsow, a później - Serow i Vrubel.

Pieriedwiżnicy dokonali prawdziwych odkryć w malarstwie pejzażowym. A.K. Savrasovowi udało się pokazać piękno i subtelny liryzm prostego rosyjskiego krajobrazu. Jego obraz „Przybyły gawrony” (1871) skłonił wielu współczesnych do świeżego spojrzenia na rodzimą przyrodę. Piosenkarzem rosyjskiego lasu, epickiej szerokości rosyjskiej przyrody, został I. I. Szyszkin (1832–1898). A. I. Kuindzhi (1841-1910) urzekła malownicza gra światła i powietrza. Tajemnicze światło księżyca w rzadkich chmurach, czerwone odbicia świtu na białych ścianach ukraińskich chat, ukośne poranne promienie przedzierające się przez mgłę i bawiące się w kałużach na błotnistej drodze – te i wiele innych malowniczych odkryć uwiecznia na jego płótnach.

Rosyjskie malarstwo pejzażowe XIX wieku osiągnęło swój szczyt w twórczości ucznia Savrasowa

I. I. Lewitan (1860-1900). Lewitan to mistrz spokojnych, cichych krajobrazów.Człowiek nieśmiały i bezbronny, umiał odpoczywać jedynie w samotności, przesiąknięty nastrojem ulubionego krajobrazu.

Prowincjonalne miasto Plyos nad górną Wołgą mocno zakorzeniło się w twórczości Lewitana. W tych partiach stworzył swoje płótna: „Po deszczu”, „Ponury dzień”.

Malowano tam także spokojne, wieczorne pejzaże: „Wieczór nad Wołgą”, „Wieczór Złoty Róg”, „Wieczorne Dzwony”, „Cicha siedziba”.

Na drugim połowa XIX V. oznacza twórczy rozkwit I. E. Repina, V. I. Surikowa i V. A. Serowa.

I. E. Repin (1844-1930) był artystą niezwykle wszechstronnym. W jego pędzlu znajduje się wiele monumentalnych obrazów rodzajowych. Być może nie mniej imponujący niż „Przewoźnicy barek na Wołdze” – płótno „ Procesja V Kurski obwód„Jasnoniebieskie niebo, przebite przez słońce chmury pyłu drogowego, złoty blask krzyży i szat, policja, zwykli ludzie i kaleki – wszystko mieści się na tym płótnie: wielkość i siła, i słabość, i ból Rosji. Wiele obrazów Repina poruszało tematy rewolucyjne („Odmowa spowiedzi”, „Nie spodziewali się”, „Aresztowanie propagandysty”). Wiele płócien Repina powstało w tematy historyczne(„Iwan Groźny i jego syn Iwan”, „Kozacy piszący list do tureckiego sułtana” itp.). Repin stworzył całą galerię portretów. Malował portrety naukowców (Pirogowa i Sieczenowa), pisarzy Tołstoja, Turgieniewa i Garszyna, kompozytorów Glinki i Musorgskiego, artystów Kramskoja i Surikowa. Na początku XX wieku. otrzymał zamówienie na obraz „Uroczyste posiedzenie Rady Państwa”. Artystce udało się nie tylko umieścić taką kompozycję na płótnie duża liczba obecnych, ale także nadanie wielu z nich cech psychologicznych.

V. I. Surikow (1848-1916) urodził się w Krasnojarsku, w rodzinie kozackiej. Rozkwit jego twórczości przypadł na lata 80., kiedy stworzył trzy najsłynniejsze obrazy historyczne: „Poranek egzekucji Streltsy”, „Mienszykow w Berezowie” i „Boyarina Morozowa”. Surikow dobrze znał życie i zwyczaje minionych epok i był w stanie nadać żywe cechy psychologiczne. Ponadto był doskonałym kolorystą. Wystarczy przypomnieć sobie olśniewająco świeży, lśniący śnieg w filmie „Boyaryna Morozova”. Jeśli zbliżysz się do płótna, śnieg wydaje się „kruszyć” w niebieskie, jasnoniebieskie i różowe pociągnięcia. Ten technika malownicza kiedy dwa lub trzy różne uderzenia na odległość łączą się i dają żądany kolor, szeroko stosowany przez francuskich impresjonistów.

V. A. Serow (1865–1911), syn kompozytora, malował pejzaże, płótna o tematyce historycznej i pracował jako artysta teatralny. Ale to przede wszystkim portrety przyniosły mu sławę. W 1887 r. 22-letni Sierow spędzał wakacje w Abramcewie, daczy filantropa S.I. Mamontowa pod Moskwą. Pewnego dnia po obiedzie w jadalni przypadkowo zatrzymały się dwie osoby – Serow i 12-letnia Vera Mamontova. Usiedli przy stole, na którym stały brzoskwinie, a podczas rozmowy dziewczyna nie zauważyła, jak artystka zaczęła szkicować swój portret. Praca trwała miesiąc. Na początku września ukończono realizację „Dziewczyny z brzoskwiniami”. Obraz, mimo niewielkich rozmiarów, utrzymany w różowozłotej tonacji, sprawiał wrażenie bardzo „przestrzennego”. Było w nim dużo światła i powietrza. Dziewczyna, która przez chwilę siedziała przy stole i wpatrywała się w widza, była oczarowana swoją jasnością i duchowością.

A całe płótno pokryte było czysto dziecinnym postrzeganiem życia codziennego, kiedy szczęście nie rozpoznaje się, a przed nami całe życie. Czas umieścił „Dziewczynę z brzoskwiniami” wśród najlepszych dzieł portretowych w malarstwie rosyjskim i światowym.

Odwołaj się do tematy narodowe doprowadziło do bezprecedensowego rozkwitu malarstwa historycznego i batalistycznego. Prawdziwe arcydzieła w tych gatunkach stworzyli V. Surikov, I. Repin, N. Ge, V. Vasnetsov, V. Vereshchagin, F. Roubaud. W tych latach pierwszy krajowy galerie sztuki; regularnie pojawiają się prace rosyjskich artystów wystawy międzynarodowe oraz w zagranicznych salonach artystycznych. Wiele obrazów Repina, Surikowa, Lewitana, Sierowa i innych Pieredwiżników trafiło do kolekcji Tretiakowa. P. M. Tretiakow (1832-1898), przedstawiciel starej moskiewskiej rodziny kupieckiej, był niezwykła osoba. Szczupły i wysoki, z gęstą brodą i cichym głosem, bardziej przypominał świętego niż kupca. Kolekcjonerstwo obrazów artystów rosyjskich rozpoczął w 1856 roku. Jego hobby stało się głównym zajęciem jego życia. Na początku lat 90. zbiory osiągnęły poziom muzealny, pochłaniając niemal cały majątek kolekcjonera. Później stał się własnością Moskwy. Galeria Trietiakowska stała się znanym na całym świecie muzeum rosyjskiego malarstwa, grafiki i rzeźby. W 1898 r. Otwarto Muzeum Rosyjskie w Petersburgu, w Pałacu Michajłowskim (twórstwo K. Rossiego). Otrzymał prace rosyjskich artystów z Ermitażu, Akademii Sztuk i niektórych pałaców cesarskich. Otwarcie tych dwóch muzeów zdawało się być zwieńczeniem osiągnięć malarstwa rosyjskiego XIX wieku. Pod koniec lat 90. XIX w. czołowi mistrzowie realizmu krytycznego – I. E. Repin,

V.I. Surikov, V.M. Vasnetsov, V.E. Makovsky, ale w tym czasie w sztuce pojawiła się inna tendencja. Wielu artystów starało się teraz znaleźć w życiu przede wszystkim jego poetyckie strony, a zatem nawet w obrazy rodzajowe obejmowały krajobraz. Często zwracali się do starożytna historia Rosji. Te trendy w sztuce można wyraźnie zobaczyć w twórczości takich artystów jak A.P. Ryabushkin i M.V. Nesterov.

Najważniejszy artysta tamtych czasów, B. M. Kustodiew (1878-1927), przedstawia jarmarki z wielobarwnymi łyżkami i stosami kolorowych towarów, rosyjską Maslenicę z jazdą w trójkach, sceny z życia kupieckiego.

W wczesna praca M. V. Niestierow najpełniej ujawnił liryczne strony swojego talentu. Pejzaż zawsze odgrywał dużą rolę w jego obrazach: artysta szukał radości w ciszy wiecznie pięknej przyrody. Uwielbiał przedstawiać brzozy o cienkich pniach, delikatne łodygi traw i kwiatów łąkowych. Jego bohaterami są chuda młodzież, mieszkańcy klasztorów lub życzliwi starcy, którzy odnajdują spokój i ciszę w naturze. Obrazy poświęcone losowi Rosjanki przepełnione są głębokim współczuciem („W górach”, 1896, „Wielka tonsura”, 1897–1898).

Symbolizm, neoklasycyzm i modernizm mają zauważalny wpływ na twórczość M.A. Vrubel, artyści ze „Świata sztuki” (A. Benois, K. A. Somov, L. S. Bakst, M. V. Dobuzhinsky, E. E. Lanceray, A. P. Ostroumova-Lebedeva.) i „Blue Rose” (S. Sudeikin, N. Krymov, V. Borisov -Musatow). Działalność tych grup była bardzo wszechstronna, artyści wydawali własne czasopismo „Świat Sztuki”, ciekawie organizowane wystawy sztuki z udziałem wielu wybitnych artystów.

W latach 1910 Rosyjska awangarda rodzi się z chęci odbudowania podstaw sztuki, aż do zaprzeczenia samej sztuce. Szereg artystów i stowarzyszeń twórczych tworzy nowe szkoły i trendy, które miały decydujący wpływ na rozwój światowej sztuki pięknej - suprematyzm (K. Malewicz), styl „improwizacyjny” i abstrakcjonizm (V. Kandinsky), Rayonizm (Larionov) itp. Wszystkie ruchy sztuki awangardowej charakteryzują się substytucją treść duchowa pragmatyzm, emocjonalność – trzeźwa kalkulacja, obrazowość artystyczna – prosta harmonizacja, estetyka form, kompozycja – design, wielkie idee – utylitaryzm. Nowa sztuka urzeka nieskrępowaną swobodą, urzeka i urzeka, ale jednocześnie świadczy o degradacji, destrukcji integralności treści i formy. Atmosfera ironii, zabawy, karnawału i maskarady właściwa niektórym ruchom sztuki awangardowej nie tyle maskuje, ile odsłania głęboką wewnętrzną niezgodę w duszy artysty. Pojęcie „awangardy” tradycyjnie łączy w sobie różne ruchy artystyczne XX wieku. (konstruktywizm, kubizm, orfizm, op-art, pop-art, puryzm, surrealizm, fowizm). Głównymi przedstawicielami tego ruchu w Rosji są W. Malewicz, W. Kandinski, M. Łarionow, M. Matiuszyn, Jakułow, A. Ekster, B. Ender i inni.

W latach 1910 Odżyło także zainteresowanie malarstwem ikon. Artystyczne zasady malowania ikon twórczo stosowali poszczególni artyści rosyjscy (W. Wasniecow, M. Niestierow, K.S. Pietrow-Wodkin) i zagraniczni (A. Matisse), a także całe ruchy i szkoły awangardy.

Od końca lat 20. zasada ta została ustanowiona w Rosji socrealizm. Ideologia staje się główną siłą determinującą twórczość artystyczną. Pomimo silnego wpływu ideologii powstały prawdziwe dzieła sztuki na światowym poziomie. Twórczość malarzy krajobrazu S.V. Gerasimowa, V.N. Baksheeva, A.A. Plastov, twórczość P.D. Korina, A.N. Witty-Lebiediewa, I. Głazunow, K. Wasiljew, A. Sziłow, A. Isaczowa są tego przekonującym dowodem. Od lat 60. XX wieku Nadchodzi odrodzenie rosyjskiej awangardy. „Dozwolone”, ale nie część oficjalna Sztuka radziecka w 1960 roku prezentowane przez dzieła mistrzów” ostry styl”(T. Salakhov, S. Popkov). W latach 70.–80. kreatywność zyskała uznanie artyści radzieccy- R. Bichunas, R. Tordia, D. Zhilinsky, A. Zverev, E. Steinberg, M. Romadin, M. Leis, V. Kalinin i inni, przedstawiciele nie tylko „sztuki oficjalnie dozwolonej”. Rosyjski postmodernizm lat 90. XX wieku jest przykładem twórczości grupy „SVOI” (Hyper-Pupper-Kuznetsov V., Veshchev P., Dudnik D., Kotlin M., Maksa-Maksyutina, Menus A., Nosova S., Podobed A., Tkaczow M.). Już sam fakt jednoczenia różnorodnych artystów w jeden żywy organizm, nieograniczony granicami pojęciowymi czy stylistycznymi, najściślej koresponduje z podstawową zasadą postmodernizmu dotyczącą paralelizmu i równoważności nurtów artystycznych.

malarstwo klasycystyczne

OBRAZ. Rozwój malarstwa rosyjskiego w tym okresie charakteryzuje się również dwoma głównymi trendami:

Rozwój malarstwa rosyjskiego w tym okresie charakteryzuje się również dwoma głównymi trendami:

Rozwój lokalnych szkół w oparciu o tradycje zapoczątkowane w okresie przedmongolskim;

Początek procesu łączenia lokalnych szkół artystycznych w jedną ogólnorosyjską szkołę malarstwa.

4.1. Podobnie jak w poprzednim okresie, Decydujący wpływ na rozwój malarstwa miał kościół.

4.2. Główny kierunek rozwoju malarstwa był nadal ikonografia, co w dużej mierze można wytłumaczyć powszechnym stosowaniem na Rusi drewnianych kościołów, które nie nadawały się do malowania ścian.

4.2.1. Nowogrodzka szkoła malowania ikon charakteryzuje się lakoniczną kompozycją (ikony z reguły przedstawiały jednego świętego), przejrzystością rysunku, czystością kolorystyczną i wysoką techniką.

4.2.2. Malarstwo ikony pskowskiej różnił się od Nowogrodu śmiałością kompozycji, typami twarzy i cięższymi postaciami.

4.2.3. Wiodąca pozycja od XIV wieku. trwa Szkoła moskiewska, utworzone na podstawie Rostów-Suzdal i wchłonął najlepsze osiągnięcia wszystkich szkół rosyjskich.

4.3. Wraz z ikonami, powszechne fresk. Od XIV wieku. jego fabuła staje się bardziej skomplikowana, pojawia się charakter przestrzenny, wprowadza się pejzaż, pogłębia się psychologizm obrazu.

4.4. W malarstwie ogromne znaczenie ma osobowość artysty. Styl autorski Najzdolniejsi malarze pokonują wpływy lokalnych tradycji. Twórczość takich malarzy ikon jak Grek Teofanes, Andriej Rublow, Dionizjusz wykracza poza granice poszczególnych szkół malarskich.

4.4.1. Wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa rosyjskiego genialny artysta Feofan Grek(ok. 1340-po 1405), który pochodził z Bizancjum. Jego dzieła (freski, ikony) wyróżniają się monumentalnością, wyrazistością obrazów oraz odważnym i swobodnym stylem malarskim. W twórczości Greka Teofanesa wyróżniają się dwa okresy: zbuntowany okres nowogrodzki i spokojniejszy okres moskiewski. W Nowogrodzie zachowały się fragmenty jego malarstwa przedstawiającego Kościół Zbawiciela na Ilyinie. W Moskwie Teofanes Grek namalował Cerkiew Narodzenia Najświętszej Marii Panny, Sobór Archanioła na Kremlu oraz wraz z Andriejem Rublowem i Starszym Prochorem Sobór Zwiastowania na Kremlu (zachowała się część ikonostasu Katedra Zwiastowania dzieła Teofanesa Greka).

4.4.2. Największy rozkwit szkoły moskiewskiej wiąże się z imieniem współczesnego mu Greka Teofanesa, wielkiego rosyjskiego artysty Andriej Rublow, kanonizowany przez Rosyjską Cerkiew Prawosławną . Twórczość Andrieja Rublowa wyróżnia się głębokim człowieczeństwem i wysublimowaną duchowością obrazów połączoną z miękkością i liryzmem. Jego najsłynniejszym dziełem, które stało się jednym z szczytów sztuki światowej, jest ikona Trójca, namalowany dla ikonostasu katedry Trójcy Świętej Ławry Trójcy Sergiusza (przechowywanej w Galerii Trietiakowskiej). Pędzel Rublowa należy również do fresków katedry Wniebowzięcia we Włodzimierzu, które do nas dotarły, a także ikon Ranga Zvenigorod Trójcy Świętej w Zagorsku, Sobór Zwiastowania na Kremlu moskiewskim oraz zmarłych w XVIII wieku. freski katedry Spasskiej klasztoru Spaso-Andronikov w Moskwie.

WYNIKI

5.1. Znaczący jest podbój Rusi przez Tatarów Mongołów zwolnił proces kulturowo-historyczny, ale go nie przerwał, nie zakłócił ciągłości rozwoju kultury rosyjskiej tzw. okresu przedmongolskiego oraz okresu jej odrodzenia i nowego rozkwitu.

5.2. Kultura rosyjska zachowała się charakter narodowy . Ziemie, które nie uległy zniszczeniu, takie jak Nowogród i Psków, odegrały ważną rolę w przekazywaniu tradycji oraz doświadczeń kulturowych i historycznych. Gwałtowna interwencja obcej kultury nie zniszczyła tożsamości narodowej i niezależności kultury rosyjskiej.

5.3. Koniec XIV-XV wieku. charakteryzuje się początkiem długiego procesu połączenie lokalnych szkół literackich, architektonicznych i artystycznych w jedną narodową szkołę ogólnorosyjską. Proces formowania się narodowości rosyjskiej trwał nadal.

PYTANIA I ZADANIA

1. Podaj ogólny opis rozwoju kultury rosyjskiej w okresie jarzma mongolsko-tatarskiego.
2. Kiedy i pod wpływem jakich czynników rozpoczyna się proces odrodzenia kultury rosyjskiej?
3. Jakie są cechy rozwoju literatury w tym okresie? Wymień nowe gatunki i podaj przyczyny ich powstania.
4. Opowiedz nam o wznowieniu budownictwa kamiennego na Rusi.
5. Udowodnij, że malarstwo tego okresu odzwierciedlało największy rozwój duchowości religijnej w Rosji.
6. Czy zgadza się Pan ze stwierdzeniem, że jarzmo mongolsko-tatarskie nie zniszczyło oryginalności i niezależności kultury rosyjskiej? Jaka była ciągłość w jego rozwoju?