Wszyscy doskonale wiedzą, że sztuka jest autoekspresją jednostki, a zatem literatura jest autoekspresją osobowości pisarza. "Bagaż" osoba pisząca zawiera słownictwo, techniki mowy, umiejętności posługiwania się tymi technikami. Im bogatsza paleta artysty, tym świetne możliwości tworząc płótno, posiada. To samo z pisarzem: im bardziej wyrazista jest jego mowa, tym jaśniejsze obrazy, tym głębsze i ciekawsze wypowiedzi, tym silniejszy emocjonalny wpływ na czytelnika będą mogły mieć jego dzieła.

Wśród środków wyrazu mowy, często nazywanych „technikami artystycznymi” (lub inaczej figurami, tropami) w twórczość literacka Na pierwszym miejscu pod względem częstotliwości używania jest metafora.

Metafory używamy, gdy używamy słowa lub wyrażenia w sensie przenośnym. Przeniesienie to dokonuje się poprzez podobieństwo indywidualnych cech zjawiska lub przedmiotu. Najczęściej jest to metafora tworząca obraz artystyczny.

Istnieje wiele odmian metafor, a wśród nich:

metonimia – trop, który łączy znaczenia przez przyległość, czasami polegając na narzuceniu jednego znaczenia drugiemu

(przykłady: „Weźmy kolejny talerz!”; „Van Gogh wisi na trzecim piętrze”);

(przykłady: „miły facet”, „żałosny człowieczek”, „gorzki chleb”);

porównanie - figura retoryczna charakteryzująca przedmiot poprzez porównanie go z drugim

(przykłady: „jak ciało dziecka jest świeże, jak dźwięk fletu delikatny”);

personifikacja - „ożywienie” przedmiotów lub zjawisk przyrody nieożywionej

(przykłady: „złowieszcza mgła”; „jesień płakała”; „wyła zamieć”);

hiperbola i litota – figura w znaczeniu przesady lub niedopowiedzenia opisywanego przedmiotu

(przykłady: „zawsze się kłóci”; „morze łez”; „w ustach nie było makowej rosy”);

sarkazm to zła, zjadliwa kpina, czasem wręcz kpina werbalna (na przykład w popularnych Ostatnio bitwy rapowe);

ironia - kpiące stwierdzenie, gdy mówiący ma na myśli coś zupełnie innego (na przykład dzieła I. Ilfa i E. Pietrowa);

humor - trop wyrażający wesoły i najczęściej dobroduszny nastrój (na przykład w tym duchu pisane są bajki I.A. Kryłowa);

groteska - figura retoryczna celowo naruszająca proporcje i prawdziwe rozmiary przedmiotów i zjawisk (często stosowana w baśniach, innym przykładem są Podróże Guliwera J. Swifta, dzieło N.V. Gogola);

gra słów - celowa dwuznaczność, gra słów oparta na ich dwuznaczności

(przykłady można znaleźć w anegdotach, a także w pracach W. Majakowskiego, O. Chajjama, K. Prutkowa i innych);

oksymoron - połączenie w jednym wyrażeniu niestosownych, dwóch sprzecznych pojęć

(przykłady: „strasznie piękny”, „oryginał”, „stado towarzyszy”).

Jednak wyrazistość mowy nie ogranicza się do figur stylistycznych. W szczególności możemy wspomnieć także o pisaniu dźwiękowym, które jest techniką artystyczną zakładającą pewną kolejność konstruowania dźwięków, sylab, słów w celu stworzenia pewnego rodzaju obrazu lub nastroju, imitacji dźwięków. prawdziwy świat. Czytelnik często spotyka się z pismem dźwiękowym w utworach poetyckich, ale technikę tę można spotkać także w prozie.

Jeśli spojrzysz w niebo, zobaczysz słońce. Bez słońca życie na Ziemi jest niemożliwe. Słońce przyciąga uwagę ludzi od tysięcy lat. W starożytności czczono go i składano w ofierze.

• Wilk czerwony – wiadomość o rzadkim zwierzęciu

  Wśród znanych gatunków zwierząt w świecie fauny znajdują się takie, które posiadają cechy, dzięki którym można je zaliczyć do rzadkich. Może to być niezwykłe wygląd, ciepłą skórę lub pożywne mięso zwierzęce

• Mydło - wiadomość w klasie chemii 10

  Żadna szanująca się osoba nie będzie w stanie zapewnić sobie życia bez mydła. Symbolizuje czystość i higienę osobistą. Z naukowego punktu widzenia mydło jest substancją stałą lub płynną.

• Prawa Hammurabiego – wiadomość zgłoszeniowa

  Kodeks prawny Hammurabiego jest taki starożytny zabytek pisane prawa. Został stworzony przez jednego z władców Babilonu z dynastii Hammurabi. Teksty praw wyryto na bazaltowych tablicach. Następnie na początku XX w

• Jak nauczyć dziecko pracy i pracy?

  Dziś młodsze pokolenie często zamiast zajmować się domem czy pomagać bliskim w jakiejkolwiek innej dziedzinie, po prostu wybiera się na spacer ulicą lub gra w gry komputerowe.

Warsztaty literackie z Larisą Romanowską

Techniki artystyczne

Praca z technikami artystycznymi przypomina budowanie zamku z piasku. Każdy ma te same materiały – piasek, kamyki i wodę, narzędzia też – wiadra i łopaty, ale gotowe zamki mogą być zupełnie inne, piękne i brzydkie, duże i małe, wysokie i niskie, proste i złożone.

Techniki artystyczne można podzielić na trzy grupy: fonetyczną, leksykalną i stylistyczną.

Sztuczki fonetyczne zwane „nagraniem dźwięku”. Pisanie dźwiękowe to budowanie fraz ze słów, które fonetycznie przypominają dźwięki opisywanego procesu.

Odmiany pisma dźwiękowego - aliteracja, asonans.

Aliteracja to powtórzenie tych samych lub podobnych spółgłosek w sąsiednich zdaniach lub zwrotkach. Przykład aliteracji: „U on w ich o w ki na maku w ke!” (Lermontow, „Borodino”)

Asonans to powtarzanie podobnych lub podobnych samogłosek. Czasami używane z aliteracją. W cytowanym wersecie Lermontowa powtarza się nie tylko „sh”, ale także „y”.

Zadanie 1: Przeczytaj ponownie swoje ulubione wiersze i zastanów się – czy mają dźwiękowy tekst? Co, w jakich wierszach?

Leksykalne środki artystyczne powstają poprzez użycie słów w sensie przenośnym, porównanie pewnych zjawisk z innymi.

Najbardziej znane leksykalne techniki artystyczne: epitet, porównanie, metafora, użycie synonimów i antonimów, personifikacja.

Epitet to przymiotnik, czasem rzeczownik lub imiesłów, który niesie ze sobą zabarwienie emocjonalne i ocenę opisywanego zjawiska: „Żagiel bieleje samotny...", "Mój śmieszny dzwoniąca kula”

Porównanie to konstrukcja o podobnej funkcji, wykorzystująca słowa „jak”, „jak gdyby”, „dokładnie”: „ Jak zgorzkniała wdowa, woła, królowa w niej bije”

Metafora to ukryte porównanie dwóch obiektów, które są do siebie nieco podobne: „szept trawy”, „perkal nieba”.

Personifikacja - przeniesienie uczuć osoby lub zwierzęcia na przedmiot nieożywiony: „Dom zadrżał”, „szeptały brzozy”.

Urządzenia stylistyczne w oparciu o różne konstrukcje konstrukcji werbalnych. Najbardziej znane środki stylistyczne:

Powtórzenia leksykalne które zmieniają rytm opowieści: „Biegnę, biegnę, biegnę…”

Antyteza- przeciwstawienie jednych działań innym: „Pytam – Wasia milczy”

Oksymoron- konstrukcja słów o diametralnie przeciwnych, sprzecznych znaczeniach. „Oczekiwana niespodzianka”, „Głośna cisza”

Inwersja— permutacja słów w zdaniu: „Mówiłem, nie zadzieraj z Wasią”

Bandaż- rozbicie jednej konstrukcji semantycznej na kilka zdań: „To. Mój. Pies."

aluzja- odniesienie do znanego źródła literackiego lub wydarzenie historyczne, Do popularne wyrażenie, mit... Za pomocą aluzji opisana akcja nabiera dodatkowego znaczenia, nabiera skojarzeń. Na przykład w powieści Bułhakowa Mistrz i Małgorzata epizod z odciętą głową Berlioza jest aluzją do kilku opowieści chrześcijańskich, ale dla czytelnika, który nie ma o tym zielonego pojęcia, historie biblijne, ten odcinek nie nabierze dodatkowego znaczenia. Im jaśniejsze i bardziej znane jest źródło, na którym opiera się aluzja, tym dłużej będzie ona trwać. Na przykład I. Ilf i E. Petrov w powieściach „Dwanaście krzeseł” i „Złoty cielec” wprowadzili wiele aluzji, nawiązań do ówczesnego procesu literackiego, które były jasne dla ich współczesnych, a obecnie wymagają komentarzy krytyków literackich .

Wiele niegdyś błyskotliwych i odważnych epitetów, porównań i metafor, na skutek częstego i nie zawsze właściwego użycia, straciło na świeżości, zamieniło się w klisze. Ale każdy język jest zjawiskiem żywym, stale się rozwija, pojawiają się w nim nowe słowa (neologizmy), a istniejące zyskują nowe znaczenie. Oznacza to, że znaczki są zastępowane nowymi wzorami.

Zadanie 2: Zastanów się, jakich technik używa Twój ulubiony autor, aby przekazać: podekscytowanie bohatera, powagę chwili, radość i smutek, wspomnienia bardzo ważnego wydarzenia, które ma wpływ na fabułę. Zwróć uwagę na sposób, w jaki autor opisuje tę scenę. Czy w jego tekstach są jakieś aluzje?

Zadanie 3: Spójrz na swoje własne teksty. Czy mają te same sztuczki? Jak często z nich korzystasz?

TALENT ARTYSTYCZNY zdolność osoby przejawiająca się w twórczości artystycznej, zdeterminowana społecznie wyjątkowa jedność cech emocjonalnych i intelektualnych artysty, talent artystyczny różni się od geniuszu (patrz Geniusz artystyczny), co otwiera nowe kierunki w sztuce. Talent artystyczny determinuje istotę i możliwości twórczości, rodzaj sztuki (lub kilka rodzajów sztuki) wybrany przez artystę, zakres zainteresowań i aspekty stosunku artysty do rzeczywistości. Jednocześnie talent artystyczny artysty jest nie do pomyślenia bez indywidualnej metody i stylu jako stałych zasad. ekspresja artystyczna pomysły i zamierzenia. Indywidualność artysty przejawia się nie tylko w samym dziele, ale istnieje także jako warunek powstania tego dzieła. Talent artystyczny artysty może być realizowany w określonych warunkach społeczno-ekonomicznych i politycznych. Odrębne epoki w historii społeczeństwo stworzyć najkorzystniejsze warunki dla rozmieszczania i wdrażania talentów artystycznych (starożytność klasyczna, renesans, renesans muzułmański na Wschodzie).

Uznanie decydującego znaczenia społeczno-gospodarczego i warunki polityczne, a także duchowa atmosfera w realizacji talentów artystycznych nie oznacza ich absolutyzacji. Artysta jest nie tylko wytworem epoki, ale także jej twórcą. Istotną właściwością świadomości jest nie tylko odbicie, ale także transformacja rzeczywistości. Dla realizacji talentu artystycznego ogromne znaczenie mają subiektywne momenty zdolności do pracy, zdolność artysty do zmobilizowania wszystkich swoich sił emocjonalnych, intelektualnych i silnej woli.

DZIAŁKA(fr. sujet topic) sposób artystyczne zrozumienie, organizacja wydarzeń (tj. artystyczne przekształcenie fabuły). Specyfika danej działki wyraźnie ujawnia się nie tylko w porównaniu z rzeczywistością historia życia, na której opierała się, ale także przy porównywaniu opisów życie człowieka w filmach dokumentalnych i fikcja, wspomnienia i powieści. Rozróżnienie pomiędzy podstawą zdarzenia a jego artystyczną reprodukcją sięga czasów Arystotelesa, jednak pojęciowego rozróżnienia terminów dokonano dopiero w XX wieku. W Rosji słowo „fabuła” od dawna jest synonimem słowa „temat” (w teorii malarstwa i rzeźby nawet teraz jest często używane w tym znaczeniu).

W odniesieniu do literatury końca ubiegłego wieku zaczęło to oznaczać system wydarzeń lub, zgodnie z definicją A. N. Weselowskiego, sumę motywów (czyli to, co w innej tradycji terminologicznej zwykle nazywa się fabułą) . Naukowcy rosyjskiej „szkoły formalnej” proponowali potraktować fabułę jako przeróbkę, nadającą formę pierwotnemu materiałowi - fabule (lub, jak sformułowano w później działa V. B. Szkłowskiego, fabuła jest sposobem artystycznego pojmowania rzeczywistości).

Najczęstszym sposobem przekształcenia fabuły jest zniszczenie nienaruszalności szeregów czasowych, przebudowa wydarzeń, równoległy rozwój akcji. Bardziej złożoną techniką jest wykorzystanie nieliniowych zależności pomiędzy epizodami. To „rym”, skojarzeniowy apel sytuacji, postaci, sekwencji odcinków. Tekst można zbudować na zderzeniu różnych punktów widzenia, porównaniu wzajemnie wykluczających się opcji rozwoju narracji (powieść A. Murdocha „Czarny książę”, film A. Kayata „Życie małżeńskie”, itp.). Temat centralny może rozwijać się jednocześnie w kilku płaszczyznach (społecznej, rodzinnej, religijnej, artystycznej) w zakresie wizualnym, kolorystycznym i dźwiękowym.

Niektórzy badacze uważają, że motywacje, system wewnętrznych powiązań dzieła, sposoby narracji nie należą do obszaru fabuły, ale do kompozycji w ścisłym tego słowa znaczeniu. Fabuła jest uważana za łańcuch przedstawionych ruchów, gestów duchowych impulsów, wypowiadanych lub „możliwych do pomyślenia” słów. W jedności z fabułą rysuje relacje i sprzeczności bohaterów między sobą a okolicznościami, czyli konflikt dzieła. W sztuce modernistycznej istnieje tendencja do bezfabuły (abstrakcjonizm w malarstwie, balet bez fabuły, muzyka atonalna itp.).

Fabuła ma znaczenie w literaturze i sztuce. System powiązań fabularnych ujawnia konflikty, charakter akcji, w którym odbijają się wielkie problemy epoki.

METODY ANALIZY ESTETYCZNEJ (z greckiego methodos – droga badań, teorii, nauczania) – konkretyzacja podstawowych zasad dialektyki materialistycznej w odniesieniu do badania przyrody kreatywność artystyczna, kultura estetyczna i artystyczna, różne formy estetycznego eksploracji rzeczywistości.

Wiodącą zasadą w analizie różnych sfer estetycznego asymilacji rzeczywistości jest zasada historyzmu, najpełniej rozwinięta w dziedzinie nauk o sztuce. Jako studium sztuki w powiązaniu z jej uwarunkowaniem przez samą rzeczywistość przyjmuje porównanie zjawisk cykl artystyczny z ekstrafikcją, odkrywczą cechy społeczne determinujących rozwój sztuki, a także ujawnianie się w obrębie samej sztuki formacji systemowo-strukturalnych, z poszanowaniem niezależnej logiki twórczości artystycznej.

Oprócz metodologii filozoficzno-estetycznej, która posiada pewien aparat kategoryczny, współczesna estetyka posługuje się także różnorodnymi metodami, podejściami analitycznymi nauk prywatnych, które mają znaczenie pomocnicze głównie w badaniu sformalizowanych poziomów twórczości artystycznej. Odwoływanie się do prywatnych metod i narzędzi nauk prywatnych (semiotyka, analiza strukturalno-funkcjonalna, podejścia socjologiczne, psychologiczne, informacyjne, modelowanie matematyczne itp.) odpowiada naturze współczesnej wiedzy naukowej, ale metody te nie są tożsame z metodologią naukową nauk badań artystycznych, nie są „analogią przedmiotu” (F. Engels) i nie mogą rościć sobie roli metody filozoficzno-estetycznej adekwatnej do natury estetycznego asymilacji rzeczywistości.

SZTUKA KONCEPCYJNA jeden z typów awangardy artystycznej lat 70-tych. Związany jest z trzecim etapem rozwoju awangardy tzw. neoawangarda.

Zwolennicy sztuki konceptualnej zaprzeczają konieczności tworzenia obrazów artystycznych (np. w malarstwie należy je zastępować napisami o nieokreślonej treści), a funkcje sztuki upatrują w uruchamianiu procesu czysto intelektualnej współtworzenia za pomocą operujących z koncepcjami.

Wytwory sztuki konceptualnej są pomyślane jako całkowicie pozbawione obrazowości, nie reprodukują c.-l. właściwości obiektów rzeczywistych, będące wynikiem interpretacji mentalnej. Do filozoficznego uzasadnienia sztuki konceptualnej wykorzystuje się eklektyczną mieszaninę idei zapożyczonych z filozofii Kanta, Wittgensteina, socjologii wiedzy itp. Nowy nurt, jako zjawisko kryzysowej sytuacji społeczno-kulturowej, kojarzony jest z drobnostkami -anarchizm burżuazyjny i indywidualizm w sferze życia duchowego społeczeństwa.

KONSTRUKTYWIZM (z łac. Construction - konstrukcja, konstrukcja) - nurt formalistyczny w sztuce radzieckiej lat 20., który przedstawił program restrukturyzacji całej kultury artystycznej społeczeństwa i sztuki, skupiając się nie na obrazach, ale na funkcjonalnym, konstruktywnym celowość form.

Konstruktywizm rozpowszechnił się w architekturze radzieckiej lat dwudziestych i trzydziestych XX wieku, a także w innych formach sztuki (kino, teatr, literatura). Prawie jednocześnie z Konstruktywizm radziecki, ruch konstruktywistyczny zwany neoplastycyzm narodził się w Holandii, podobne tendencje miały miejsce w niemieckim Bauhausie. Dla wielu artystów konstruktywizm był jedynie etapem w ich twórczości.

Konstruktywizm charakteryzuje się absolutyzacją roli nauki i estetyzacją technologii, przekonaniem, że nauka i technologia są jedynymi środkami rozwiązywania problemów społecznych i kulturowych.

Koncepcja konstruktywistyczna przeszła przez szereg etapów swojego rozwoju. Konstruktywistów łączyło: rozumienie dzieła sztuki jako rzeczywistej konstrukcji stworzonej przez artystę; walka o nowe formy twórczości artystycznej i chęć opanowania estetycznych możliwości budownictwa. Konstruktywizm w końcowej fazie swojego istnienia wszedł w okres kanonizacji swoich formalnych metod estetycznych. W rezultacie zabsolutyzowano możliwości estetyczne konstrukcji technicznych, których odkrycie było niewątpliwą zasługą „pionierów designu”. Konstruktywiści nie wzięli pod uwagę faktu, że zależność formy od konstrukcji pośredniczy splot faktów kulturowych i historycznych. W rezultacie ich program „Publiczna użyteczność sztuki” stał się programem jej destrukcji, redukcji przedmiotu estetycznego do podstawy materialno-fizycznej, do czystej kreacji formowej. Poznawcza, ideologiczna i estetyczna strona sztuki, jej specyfika narodowa zanikła figuratywność jako całość, co doprowadziło do braku obiektywizmu w sztuce.

Jednocześnie próby identyfikacji praw rządzących formą materiału, analiza jego cech kombinatorycznych (V. Tatlin, K. Malewicz) przyczyniły się do opracowania nowych podejść do materialnej i technologicznej strony twórczości.

KOMPOZYCJA(łac. compositio aranżacja, kompilacja, dodawanie) – sposób konstruowania dzieła sztuki, zasada komunikowania tego samego typu oraz heterogenicznych elementów i części, spójnych ze sobą i z całością. O kompozycji decydują metody kształtowania i cechy percepcji właściwe dla określonego rodzaju i gatunku sztuki, prawa konstruowania modelu artystycznego (patrz) w kanonizowanych typach kultury (na przykład folklor, sztuka starożytnego Egiptu, orientalna , Zachodnioeuropejskie średniowiecze itp.), a także indywidualną oryginalność artysty, unikalną treść dzieła sztuki w niekanonizowanych typach kultury ( Sztuka europejska Czasy nowożytne i najnowsze, barok, romantyzm, realizm itp.).

Kompozycja dzieła znajduje swoje ucieleśnienie i jest zdeterminowana artystycznym rozwinięciem tematu, oceną moralną i estetyczną autora.Jest według S. Eisensteina gołym nerwem intencji, myślenia i ideologii autora. Pośrednio (w muzyce) lub bardziej bezpośrednio (w sztukach wizualnych) kompozycja koreluje z prawami procesu życiowego, ze światem przedmiotowym i duchowym odzwierciedlonym w dziele sztuki. Wykonuje przejście treści artystyczne i jego wewnętrzne relacje na stosunek formy, a uporządkowanie formy - na uporządkowanie treści. Aby rozróżnić prawa konstrukcji tych dziedzin sztuki, czasami używa się dwóch terminów: architektonika (relacje składników treści) i kompozycja (zasady konstrukcji form). Istnieje inny rodzaj zróżnicowania: ogólna forma konstrukcji i relacje dużych części dzieła nazywane są architektoniką (na przykład stroficzną w tekst poetycki) oraz połączenie bardziej ułamkowych elementów - kompozycji (na przykład układ linii poetyckich i sam materiał mowy). Należy o tym pamiętać w teorii architektury i organizacji środowisko przedmiotowe używana jest inna para powiązanych pojęć: konstrukcja (jedność materialnych składników formy, osiągnięta poprzez określenie ich funkcji) i kompozycja (ukończenie artystyczne i podkreślenie dążeń konstrukcyjnych i funkcjonalnych, z uwzględnieniem specyfiki percepcji wzrokowej i ekspresja artystyczna, dekoracyjność i integralność formy).

Pojęcie kompozycji należy odróżnić od tego, które upowszechniło się w latach 60. i 70. XX wieku. koncepcja struktury dzieła sztuki, jako stała, powtarzalna zasada, norma kompozycyjna określonego typu, rodzaju, gatunku, stylu i kierunku w sztuce. W odróżnieniu od struktury kompozycja jest jednością, stopieniem i zmaganiem normatywno-typologicznych i indywidualnie unikalnych tendencji w konstruowaniu dzieła sztuki. Stopień normatywności i indywidualnej oryginalności, wyjątkowość kompozycji jest różny w różnych typach sztuki (por. Klasycyzm europejski i „nieskrępowany” romantyzm), w niektórych gatunkach tego samego rodzaju sztuki (normatywność kompozycyjna w tragedii jest bardziej wyraźna niż w dramacie, jak i w sonecie jest nieporównanie wyższa niż w przekazie lirycznym). konkretny środki złożone jednocześnie w niektórych typach i gatunkach sztuki ich wzajemne oddziaływanie jest niewątpliwie: teatr opanował piramidalną i diagonalną kompozycję sztuk plastycznych, a malarstwo fabularne opanowało konstrukcję sceniczną sceny. Różne rodzaje sztuki bezpośrednio i pośrednio, świadomie i nieświadomie, wchłonęły zasady kompozycyjne konstrukcji muzycznych (np. forma sonatowa) i relacje plastyczne (patrz ).

W sztuce XX wieku. dochodzi do komplikacji konstrukcji kompozycyjnych ze względu na zwiększone włączenie powiązań skojarzeniowych, wspomnień, snów, poprzez tymczasowe zmiany i przesunięcia przestrzenne. Kompozycja staje się także bardziej złożona w procesie zbieżności sztuk tradycyjnych i „technicznych”. Skrajne formy modernizmu absolutyzują ten nurt i nadają mu irracjonalno-absurdalne znaczenie („nowa powieść”, teatry absurdu, surrealizm itp.).

Ogólnie rzecz biorąc, kompozycja w sztuce wyraża pomysł artystyczny i organizuje percepcję estetyczną w taki sposób, że przechodzi z jednego elementu dzieła na drugi, z części na całość.

INTUICJA artystyczna (z łac. intuitio – kontemplacja) – najważniejszy element twórczego myślenia, wpływający na takie aspekty artystyczne

aktywność i świadomość artystyczna jako twórczość, percepcja, prawda. W samym ogólna perspektywa Uznanie intuicji za równie ważną zarówno w sztuce, jak i nauce, nie jest niczym innym jak szczególnym postrzeganiem prawdy, które polega na rezygnacji z oparcia się na racjonalnych formach wiedzy związanych z takim czy innym rodzajem dowodu logicznego.

Najważniejsza intuicja artystyczna w twórczości. Jest to szczególnie widoczne na początkowym etapie procesu twórczego, w tzw. " sytuacja problemowa„. Fakt, że wynik kreatywności musi być oryginalny, sprawia, że osobowość twórcza już włączone wczesna faza kreatywność w poszukiwaniu rozwiązań, z którymi wcześniej się nie spotkaliśmy. Polega na radykalnej rewizji ustalonych koncepcji, schematów myślowych, wyobrażeń o człowieku, przestrzeni i czasie. Wiedza intuicyjna, podobnie jak wiedza o nowym, istnieje zwykle w formie nieoczekiwanego domysłu, symbolicznego schematu, w którym jedynie domyśla się konturów przyszłego dzieła. Jednak zdaniem wielu artystów tego rodzaju wgląd jest podstawą całego procesu twórczego.

estetyczne i przede wszystkim percepcja artystyczna zawierają także elementy intuicji artystycznej. Nie tylko tworzenie obraz artystyczny twórcą sztuki, z którym jednak kojarzony jest odbiór obrazów artystycznych przez czytelnika, widza, słuchacza określony nastrój na percepcji wartość artystyczna co jest ukryte przed powierzchowną obserwacją. Intuicja artystyczna staje się zatem środkiem, za pomocą którego odbiorca penetruje sferę znaczenia artystycznego. Ponadto intuicja artystyczna stanowi akt współtworzenia postrzegającego dzieła sztuki i jego twórcy.

Do tej pory wiele w działaniu intuicyjnego mechanizmu wydaje się tajemniczych i powoduje duże trudności w jego badaniu. Niekiedy na tej podstawie intuicję artystyczną przypisuje się obszarowi mistycyzmu i utożsamia z jedną z form irracjonalizmu w estetyce. Jednak doświadczenie wielu znakomitych artystów pokazuje, że dzięki artystycznej intuicji można tworzyć dzieła głęboko i wiernie odzwierciedlające rzeczywistość. Jeśli artysta w swojej twórczości nie odbiega od zasad realizmu, to intuicja artystyczna, z której aktywnie korzysta, można uznać za szczególny skuteczny środek wiedzy, która nie jest sprzeczna z kryteriami prawdy i obiektywności.

INTRYGA(od łac. intricare – mylić) – technika artystyczna stosowana do budowania fabuły i fabuły w różnych gatunkach fikcji, kinie, sztuka teatralna(splątane i nieoczekiwane zwroty akcji, splot i zderzenie zainteresowań portretowanych bohaterów). Myśl o znaczeniu wprowadzenia intrygi w rozwój akcji przedstawionej w dramatyczna praca, po raz pierwszy wyraził Arystoteles: „Najważniejszą rzeczą, którą tragedia porywa duszę, jest istota części fabuły - wzloty i upadki oraz uznanie.

Intryga nadaje rozwijającej się akcji napięty i ekscytujący charakter. Za jego pomocą można przenieść złożone i sprzeczne (patrz) relacje między ludźmi w ich życiu prywatnym i życie towarzyskie. Technika intrygi jest zwykle szeroko stosowana w dziełach gatunku przygodowego. Jednak jest to używane przez klasycznych pisarzy również w innych gatunkach, co jasno wynika dziedzictwo twórcze wielcy pisarze realistyczni - Puszkin, Lermontow, Dostojewski, L. Tołstoj i inni Często intryga jest po prostu środkiem zewnętrznej rozrywki. Jest to charakterystyczne dla sztuki mieszczańskiej, czysto komercyjnej, przeznaczonej na zły gust filistyński. Przeciwną tendencją sztuki mieszczańskiej jest dążenie do bezfabuły, gdy intryga zanika jako środek artystyczny.

ANTYTEZA(antyteza grecka - opozycja) - stylistyczna figura kontrastu, sposób organizowania zarówno artystycznego, jak i nie przemówienie artystyczne, która opiera się na użyciu słów o przeciwnym znaczeniu (antonimy).
Antyteza jako figura opozycji w systemie figur retorycznych znana jest już od starożytności. Zatem dla Arystotelesa antyteza jest pewnym „sposobem przedstawiania” myśli, środkiem tworzenia specjalnego – „przeciwnego” – okresu.

W mowie artystycznej antyteza ma szczególne właściwości: staje się elementem systemu artystycznego, służy jako środek kreowania obrazu artystycznego. Dlatego antytezą nazywa się przeciwieństwo nie tylko słów, ale także obrazów dzieła sztuki.

Jako figura opozycji antyteza może być wyrażona zarówno za pomocą antonimów absolutnych, jak i kontekstowych.

A jasny dom jest niespokojny
Zostałem sam na sam z ciemnością
Niemożliwe było możliwe
Ale to, co było możliwe, było marzeniem.
(A. Blok)

ALEGORIA(greckie alegoria - alegoria) to jeden z alegorycznych środków artystycznych, którego znaczenie polega na tym, że abstrakcyjna myśl lub zjawisko rzeczywistości pojawia się w dziele sztuki w postaci określonego obrazu.

Z natury alegoria składa się z dwóch części.

Z jednej strony jest to pojęcie lub zjawisko (przebiegłość, mądrość, dobroć, natura, lato itp.), z drugiej strony jest to konkretny przedmiot, obraz życia, który ilustruje abstrakcyjną myśl, czyniąc ją wizualną . Jednak sam w sobie ten obraz życia pełni jedynie rolę pomocniczą - ilustruje, ozdabia ideę, a zatem pozbawiony jest „jakiejkolwiek określonej indywidualności” (Hegel), w wyniku czego ideę można wyrazić za pomocą szeregu „ilustracje obrazkowe” (A. F. Losev).

Jednakże powiązanie obu planów alegorii nie jest dowolne, opiera się na fakcie, że to, co wspólne, przejawia się jedynie w konkretnym, pojedynczym przedmiocie, którego właściwości, których funkcje służą tworzeniu alegorii. Jako przykład można przytoczyć alegorię „Płodność” V. Mukhiny czy „Gołębicę” Picassa – alegorię świata.

Czasami idea istnieje nie tylko jako alegoryczna płaszczyzna alegorii, ale jest wyrażana bezpośrednio (na przykład w formie bajki „moralność”). W tej formie alegoria jest szczególnie charakterystyczna dla dzieł sztuki, które realizują cele moralne i dydaktyczne.

Jak wiadomo, słowo jest podstawową jednostką każdego języka, a także jego najważniejszym elementem składowym.Prawidłowe użycie słownictwa w dużej mierze decyduje o wyrazistości mowy.

W kontekście słowo jest wyjątkowy świat, zwierciadło percepcji i stosunku autora do rzeczywistości. Ma swoją własną, metaforyczną, trafność, swoje szczególne prawdy, zwane objawieniami artystycznymi, funkcje słownictwa zależą od kontekstu.

Indywidualne postrzeganie otaczającego nas świata odbija się w takim tekście za pomocą wypowiedzi metaforycznych. W końcu sztuka to przede wszystkim wyrażanie siebie przez jednostkę. Tkanina literacka utkana jest z metafor, które tworzą ekscytujący i emocjonalny obraz tego czy tamtego.W słowach pojawiają się dodatkowe znaczenia, szczególny kolorystyka stylistyczna, co tworzy rodzaj świata, który odkrywamy dla siebie czytając tekst.

Nie tylko w formie literackiej, ale także ustnej, mowa potoczna bez wahania stosujemy różne techniki artystycznego wyrazu, aby nadać mu emocjonalność, perswazyjność, figuratywność. Zobaczmy, jakie techniki artystyczne są w języku rosyjskim.

Użycie metafor szczególnie przyczynia się do tworzenia wyrazistości, więc zacznijmy od nich.

Metafora

Nie sposób sobie wyobrazić chwytów artystycznych w literaturze bez wspomnienia najważniejszego z nich – sposobu na stworzenie językowego obrazu świata w oparciu o znaczenia już istniejące w samym języku.

Można wyróżnić następujące rodzaje metafor:

1. Skamieniałe, zniszczone, suche lub historyczne (dziób łodzi, ucho igielne).
2. Jednostki frazeologiczne to stabilne przenośne kombinacje słów, które mają emocjonalność, metaforę, powtarzalność w pamięci wielu rodzimych użytkowników języka, ekspresję (uchwyt śmierci, błędne koło itp.).
3. Pojedyncza metafora (na przykład serce bezdomnego).
4. Rozłożony (serce - „porcelany dzwon w żółtych Chinach” - Nikołaj Gumilow).
5. Tradycyjna poetyka (poranek życia, ogień miłości).
6. Indywidualnie-autorskie (garb chodnika).

Ponadto metafora może być jednocześnie alegorią, personifikacją, hiperbolą, parafrazą, mejozą, litotą i innymi tropami.

Samo słowo „metafora” oznacza po grecku „przeniesienie”. W ta sprawa mamy do czynienia z przeniesieniem nazwy z jednego podmiotu na drugi. Aby było to możliwe, na pewno muszą mieć jakieś podobieństwo, muszą być w jakiś sposób powiązane. Metafora to słowo lub wyrażenie używane w sensie przenośnym ze względu na podobieństwo dwóch zjawisk lub obiektów na jakiejś podstawie.

W wyniku tego przeniesienia powstaje obraz. Dlatego metafora jest jedną z najbardziej uderzających wypowiedzi artystycznych, poetyckich. Brak tego tropu nie oznacza jednak braku wyrazistości dzieła.

Metafora może być zarówno prosta, jak i szczegółowa. W XX wieku odrodziło się użycie rozszerzeń w poezji, a charakter prostych zmian uległ znaczącym zmianom.

Metonimia

Metonimia jest rodzajem metafory. W tłumaczeniu z języka greckiego słowo to oznacza „zmianę nazwy”, czyli przeniesienie nazwy jednego obiektu na drugi. Metonimia to zastąpienie określonego słowa innym na podstawie istniejącego sąsiedztwa dwóch pojęć, przedmiotów itp. Jest to narzucenie bezpośredniego znaczenia symbolicznego. Na przykład: „Zjadłem dwa talerze”. Pomieszanie znaczeń, ich przeniesienie jest możliwe, ponieważ przedmioty sąsiadują ze sobą, a sąsiedztwo może mieć charakter czasowy, przestrzenny itp.

Synekdocha

Synekdocha to rodzaj metonimii. W tłumaczeniu z języka greckiego słowo to oznacza „korelację”. Takie przeniesienie znaczenia następuje wtedy, gdy zamiast większego nazywa się mniejsze, lub odwrotnie – zamiast części – całością i odwrotnie. Na przykład: „Według Moskwy”.

Epitet

Technik artystycznych w literaturze, których listę obecnie sporządzamy, nie można sobie wyobrazić bez epitetu. Jest to figura, trop, definicja przenośna, fraza lub słowo oznaczające osobę, zjawisko, przedmiot lub działanie z subiektywnego stanowiska autora.

W tłumaczeniu z języka greckiego termin ten oznacza „dołączony, wniosek”, czyli w naszym przypadku jedno słowo jest dołączone do drugiego.

Epitet z prosta definicja wyróżnia się artystyczną wyrazistością.

Trwałe epitety są używane w folklorze jako środek typizacji, a także jako jeden z najważniejszych środków wyrazu artystycznego. W ścisłym tego słowa znaczeniu do tropów zaliczają się tylko te z nich, których funkcję pełnią słowa w sensie przenośnym, w odróżnieniu od tzw. epitetów ścisłych, które wyrażane są słowami w sensie przenośnym. bezpośrednie znaczenie(czerwona jagoda, piękne kwiaty). Figuratywne powstają poprzez użycie słów w znaczeniu przenośnym. Takie epitety nazywane są metaforycznymi. U podstaw tego tropu może również leżeć metonimiczne przeniesienie nazwy.

Oksymoron to rodzaj epitetu, tzw. epitetów kontrastujących, które tworzą kombinacje z rzeczownikami definiowalnymi, które mają przeciwne znaczenie do słów (nienawidząca miłość, radosny smutek).

Porównanie

Porównanie - trop, w którym jeden obiekt charakteryzuje się poprzez porównanie z innym. Oznacza to, że jest to porównanie różnych obiektów według podobieństwa, które może być zarówno oczywiste, jak i nieoczekiwane, odległe. Zwykle wyraża się to za pomocą określonych słów: „dokładnie”, „jak gdyby”, „jak”, „jak gdyby”. Porównania mogą mieć także formę instrumentalną.

uosobienie

Opisując techniki artystyczne w literaturze, nie sposób nie wspomnieć o personifikacji. Jest to rodzaj metafory, która polega na przypisaniu właściwości istot żywych obiektom przyrody nieożywionej. Często powstaje poprzez odniesienie się do podobnych zjawisk naturalnych jak do świadomych istot żywych. Personifikacja to także przeniesienie właściwości ludzkich na zwierzęta.

Hiperbola i litota

Zwróćmy uwagę na takie sposoby wyrazu artystycznego w literaturze, jak hiperbola i litotes.

Hiperbola (w tłumaczeniu - „przesada”) to jeden z wyrazistych środków mowy, który jest figurą o znaczeniu przesady tego, o czym się mówi.

Litota (w tłumaczeniu – „prostota”) – przeciwieństwo hiperboli – nadmierne niedopowiedzenie o co chodzi (chłopiec z palcem, chłop z paznokciem).

Sarkazm, ironia i humor

Kontynuujemy opisywanie technik artystycznych w literaturze. Naszą listę uzupełnimy sarkazmem, ironią i humorem.

• Sarkazm oznacza po grecku „rozrywam mięso”. To zła ironia, zjadliwa kpina, zjadliwa uwaga. Używanie sarkazmu tworzy efekt komiczny jednocześnie jednak daje się wyraźnie odczuć ocenę ideologiczną i emocjonalną.
• Ironia w tłumaczeniu oznacza „udawanie”, „kpinę”. Dzieje się tak, gdy jedno jest powiedziane słowami, ale sugeruje się coś zupełnie innego, wręcz przeciwnego.
• Humor jest jednym z leksykalnych środków wyrazu, w tłumaczeniu oznaczającym „nastrój”, „temperament”. W sposób komiczny, alegoryczny można czasem napisać całe dzieła, w których odczuwa się kpiąco dobroduszny stosunek do czegoś. Na przykład historia „Kameleon” A.P. Czechowa, a także wiele bajek I.A. Kryłowa.

Na tym nie kończą się rodzaje technik artystycznych w literaturze. Przedstawiamy Państwu co następuje.

Groteskowy

Do najważniejszych środków artystycznych w literaturze należy groteska. Słowo „groteska” oznacza „skomplikowany”, „fantazyjny”. Ta technika artystyczna stanowi naruszenie proporcji zjawisk, obiektów, wydarzeń przedstawionych w dziele. Jest szeroko stosowany w twórczości np. M.E. Saltykowa-Shchedrina („Pan Golovlevs”, „Historia miasta”, bajki). To technika artystyczna oparta na przesadzie. Jednak jego stopień jest znacznie większy niż stopień hiperboli.

Sarkazm, ironia, humor i groteska to popularne środki artystyczne w literaturze. Przykłady pierwszych trzech - i N. N. Gogola. Twórczość J. Swifta ma charakter groteskowy (np. „Podróże Guliwera”).

Jaką techniką artystyczną posługuje się autor (Saltykov-Shchedrin), tworząc wizerunek Judasza w powieści „Pan Golovlevs”? Oczywiście, groteskowe. Ironia i sarkazm są obecne w wierszach W. Majakowskiego. Prace Zoszczenki, Szukszyna, Kozmy Prutkowa są pełne humoru. Te środki artystyczne w literaturze, których przykłady właśnie podaliśmy, jak widać, są bardzo często stosowane przez pisarzy rosyjskich.

Gra słów

Gra słów to figura retoryczna będąca mimowolną lub celową dwuznacznością, która pojawia się, gdy dwa lub więcej znaczeń słowa jest używanych w kontekście lub gdy ich brzmienie jest podobne. Jego odmianami są paronomasia, fałszywa etymologizacja, zeugma i konkretyzacja.

W grach słownych gra słów opiera się na homonimii i dwuznaczności. Wyłaniają się z nich anegdoty. Te techniki artystyczne w literaturze można znaleźć w dziełach V. Majakowskiego, Omara Chajjama, Kozmy Prutkowa, A.P. Czechowa.

Figura retoryczna – co to jest?

Samo słowo „postać” jest tłumaczone z łaciny jako „wygląd, zarys, obraz”. To słowo ma wiele znaczeń. Co to znaczy ten termin w odniesieniu do mowy artystycznej? Syntaktyczne środki wyrazu związane z figurami: wykrzykniki retoryczne, pytania, apele.

Co to jest „trop”?

„Jak nazywa się technika artystyczna, która używa tego słowa w sensie przenośnym?” - ty pytasz. Termin „trop” łączy w sobie różne techniki: epitet, metaforę, metonimię, porównanie, synekdochę, litotę, hiperbolę, personifikację i inne. W tłumaczeniu słowo „trop” oznacza „zwrot”. Mowa artystyczna różni się od zwykłej mowy tym, że używa specjalnych zwrotów, które ozdabiają mowę i czynią ją bardziej wyrazistą. W różne style stosuje się różne środki wyrazu. Najważniejszą rzeczą w pojęciu „ekspresywności” mowy artystycznej jest zdolność tekstu, dzieła sztuki, do zapewnienia estetyki, wpływ emocjonalny na czytelniku, aby stworzyć poetyckie i żywe obrazy.

Wszyscy żyjemy w świecie dźwięków. Niektóre z nich nas tworzą pozytywne emocje inne wręcz przeciwnie, podniecają, ostrzegają, powodują niepokój, uspokajają lub usypiają. Wywołują różne dźwięki różne obrazy. Za pomocą ich kombinacji możesz emocjonalnie wpłynąć na osobę. Czytanie dzieł literackich i literatury rosyjskiej Sztuka ludowa, jesteśmy szczególnie wrażliwi na ich brzmienie.

Podstawowe techniki tworzenia wyrazistości dźwięku

• Aliteracja to powtarzanie podobnych lub identycznych spółgłosek.
• Asonans to celowe harmoniczne powtarzanie samogłosek.

Często w utworach stosuje się aliterację i asonans. Techniki te mają na celu wywołanie u czytelnika różnorodnych skojarzeń.

Recepcja pisarstwa dźwiękowego w fikcji

Pisanie dźwiękowe to technika artystyczna, która polega na użyciu określonych dźwięków w określonej kolejności w celu stworzenia określonego obrazu, czyli doboru słów imitujących dźwięki rzeczywistego świata. Technikę tę stosuje się w fikcji zarówno w poezji, jak i prozie.

Rodzaje dźwięków:

1. Assonance oznacza „współbrzmienie” po francusku. Asonans to powtórzenie tych samych lub podobnych dźwięków samogłosek w tekście w celu stworzenia konkretnego obraz dźwiękowy. Przyczynia się do wyrazistości mowy, jest używany przez poetów w rytmie, rymowaniu wierszy.
2. Aliteracja - z Ta technika polega na powtarzaniu spółgłosek w tekst artystyczny stworzyć jakiś obraz dźwiękowy, aby uczynić mowę poetycką bardziej wyrazistą.
3. Onomatopeja – transmisja specjalne słowa przypominające dźwięki zjawisk otaczającego świata, wrażenia słuchowe.

Te techniki artystyczne w poezji są bardzo powszechne, bez nich mowa poetycka nie byłaby tak melodyjna.

Uwaga, tylko DZIŚ!

Personifikacja jest urządzenie literackie charakteryzujący się przeniesieniem cech lub właściwości istoty żywej na przedmiot lub zjawisko przyrodnicze. Pozwala autorowi stworzyć spójny i żywy obraz literacki, pozwala na porównanie stanu natury z bohaterem opowieści, pomaga subtelnie wyrazić stosunek autora do przedstawianego.

Historia użycia środka literackiego

U podstaw personifikacji, jako rodzaju metafory literackiej, leży myślenie mitologiczne. Przecież w mitologii każdy żywioł miał swojego boga, a bogowie zostali stworzeni przez ludzi na ich obraz i podobieństwo. Doskonały przykład można mówić mitologia grecka, gdzie bogowie olimpijscy żyli ziemskimi namiętnościami, ci sami przodkowie wyjaśniali zmianę pogody, klęski żywiołowe i inne zjawiska. Znalazło to później wyraz w twórczości pisarzy i poetów, którzy w taki czy inny sposób zwrócili się ku mitologii i obrazy folklorystyczne. W procesie historycznej ewolucji folkloru metoda personifikacji została zachowana i przeniesiona do literatury autora, stała się bardziej skomplikowana i wzbogacona, pozostając jedną z głównych do naszych czasów.

Rodzaje/stopnie podszywania się

• Personifikacja jako stylistyczna figura mowy. Przykłady: „słońce igrało we włosach”, „szeptał deszcz”, „jesień płakała”, „lazur nieba się śmieje”. Tożsamość duszy ludzkiej i natury.
• Personifikacja jako technika wzmacniająca paralelizm psychologiczny. Używane do równoległego opisu stanu natury i stany wewnętrzne bohatera, natomiast przyroda obdarzona jest cechami, które są wrodzone człowiekowi. Jest to szczególnie powszechne w dziełach pisarzy sentymentalistycznych. Przykład: historia N. M. Karamzina „Biedna Liza”.
• Personifikacja jest symbolem. Przypadek, gdy podstawą wielu personifikacji jest główna koncepcja artystyczna całego dzieła. Obecność symbolu zawsze implikuje jakieś znaczenie alegoryczne, tj. rzeczy nie są nazywane po imieniu, prawdziwe znaczenie tego, co się dzieje, jest szyfrowane. Przykłady: wiersz Josepha Brodskiego „Koniec pięknej ery”, „Pieśń Petrela” A. M. Gorkiego.