Sideshow(łac. intermedia - umieszczone pośrodku) - 1. Mały musical, umieszczony pomiędzy ważniejszymi częściami dużego utworu. 2. Wstawiony lub w głównym utworze teatralnym, wstrzymujący rozwój akcji i niezwiązany bezpośrednio z nią. 3. Łączenie dwóch występów w przemijającym epizodzie utworu instrumentalnego w ogóle.
Intermezzo(it. intermezzo - pauza, przerwa) - łączenie ważniejszych odcinków; także nazwy poszczególnych utworów, głównie instrumentalnych inna natura i treści.
Wstęp(łac. introductio - wprowadzenie) - 1. Mała opera, bezpośrednio uruchamiająca. 2. Początkowa sekcja dowolnego, która ma swój charakter i charakter muzyki.
Kant(z łac. cantus - śpiew) - po rosyjsku, ukraińsku i polska muzyka XVII-XVIII w. pieśni liryczne na trzygłosowy chór bez akompaniamentu; w epoce Piotra I rozpowszechniły się pieśni powitalne o wesołym marszowym (patrz) charakterze, wykonywane z okazji oficjalnych uroczystości.
Koda(wł. coda - ogon, koniec) - ostatni odcinek utworu muzycznego, zwykle o charakterze energicznym, porywczym, podkreślającym swoją główną ideę, dominujący obraz.
Koloratura(wł. koloratura - kolorystyka, dekoracja) - kolorystyka, urozmaicenie melodii różnymi elastycznymi, ruchomymi pasażami, dekoracjami.
Kolorowanie(od łac. kolor - kolor) w muzyce - dominująca emocjonalna kolorystyka odcinka, osiągana za pomocą różnych i innych środków wyrazu.
kolęda- ogólna nazwa słowiańskich obrzędów ludowych pochodzenia pogańskiego związanych z obchodami Bożego Narodzenia (sylwestra).
banknot(fr. coupure - przycinanie, redukcja) - redukcja utworu muzycznego przez usunięcie, pominięcie dowolnego, w -, lub.
Lezginka- taniec powszechny wśród ludów Kaukazu, temperamentny, porywczy; rozmiar 2/4 lub 6/8.
Motyw(od t. motivo - powód, motywacja i łac. motus - ruch) - 1. Część, która ma niezależną ekspresyjne znaczenie; grupa dźwięków to melodia zjednoczona wokół jednego akcentu – stresu. 2. W zdrowym rozsądku - melodia, melodia.
Nokturn(fr. nokturn - noc) - nazwa stosunkowo niewielkiej instrumentalnej (rzadko -) postaci liryczno-kontemplacyjnej o ekspresyjnym charakterze melodycznym, która rozpowszechniła się w XIX wieku.
Ale nie(od łac. nonus - dziewiąty) - stosunkowo rzadki rodzaj muzyki operowej lub kameralnej dla dziewięciu uczestników.
o tak(oda grecka) - nazwa utworu muzycznego zapożyczonego z literatury (częściej -) o uroczystym, pochwalnym charakterze.
Oktet(od łac. octo - osiem) - ośmiu uczestników.
Parodia(gr. parodià, od para – przeciw i oda – pieśń, śpiew, listy, śpiew vice versa) – naśladownictwo w celu zniekształcenia, ośmieszenia.
preludium, preludium(z łac. prae - before i ludus - game) - 1. Introdukcja, wstęp do utworu lub ukończonego musicalu itp. 2. Nazwa zwyczajowa małych utworów instrumentalnych o różnej treści, charakterze i budowie.
Premiera- pierwsze przedstawienie w teatrze; pierwsze publiczne wykonanie utworu muzycznego (dotyczy tylko głównych utworów).
bufony- rosyjskojęzyczni Sztuka ludowa w XI-XVII wieku wędrowni aktorzy, muzycy i tancerze.
Sonata Allegro- forma, w jakiej zostały napisane pierwsze części sonaty oraz - podtrzymana w postu (allegro). Forma allegra sonatowego składa się z trzech dużych działów: ekspozycji, przetworzenia i repryzy. Ekspozycja jest prezentacją dwóch centralnych, kontrastujących obrazy muzyczne, tworzony w głównej i bocznej ; rozwój-
Zadania:
- Instruktaż:
utrwalić pojęcie gatunku: opera. - Rozwijanie:
najważniejsze w operze są ludzkie charaktery, uczucia i namiętności, starcia i konflikty, które może ujawnić muzyka. - Rozwijać umiejętność refleksji nad muzyką i twórczością kompozytorów różnych epok.
- Edukacyjny: rozbudzić w uczniach zainteresowanie gatunkiem – operą, chęć słuchania jej nie tylko w klasie, ale także poza nią.
Podczas zajęć
1. Dźwięki muzyki. J.B. Pergolesi „Stabat Mater dolorosa”
Ryż. jeden
Wśród niezliczonych cudów
Co nam daje sama natura,
Jest jeden, nieporównywalny z niczym,
Niezmienne przez lata -Daje drżącą rozkosz miłości
I ogrzewa duszę w deszczu i zimnie,
Wracamy słodkie dni,
Kiedy każdy oddech był pełen nadziei.Przed nim żebrak i król są równi -
Los piosenkarza polega na poddaniu się, wypaleniu.
Został wysłany przez Boga, aby czynić dobro -
Śmierć nie ma władzy nad pięknem!
Ilja Korop
„XVIII wiek był wiekiem piękna, XIX wiek był wiekiem uczucia, a finał XX wieku był wiekiem czystego popędu. A widz przychodzi do teatru nie po koncept, nie po pomysły, tylko po to, żeby pożywić się energią, potrzebuje szoku. Dlatego takie zapotrzebowanie na popkulturę - jest więcej energii niż w kulturze akademickiej. Cecilia Bartoli powiedziała mi, że śpiewa operę jak muzykę rockową, a ja zrozumiałam tajemnicę fantastycznej energii tej wspaniałej śpiewaczki. opera zawsze była ludowy wygląd sztuka, we Włoszech rozwijała się prawie jak sport – konkurs śpiewaków. I musi być popularny”. Valery Kichin
W literaturze, muzyce i innych sztukach powstały w czasie ich istnienia różnego rodzaju dzieła. W literaturze jest to na przykład powieść, opowiadanie, opowiadanie; w poezji - wiersz, sonet, ballada; w sztuki piękne– pejzaż, portret, martwa natura; w muzyce - opera, symfonia... Rodzaj dzieł w ramach jednego rodzaju sztuki nazywa się francuskim słowem gatunek (gatunek).
5. Śpiewacy. W XVIII wieku kult pieśniarza-wirtuoza rozwijał się – najpierw w Neapolu, potem w całej Europie. W tym czasie rolę bohatera opery pełnił męski sopran – kastrat, czyli barwa, której naturalną zmianę zahamowała kastracja. Singers-castrati doprowadzili rozpiętość i mobilność swoich głosów do granic tego, co było możliwe. Taki gwiazdy opery jak kastrat Farinelli (C. Broschi, 1705–1782), którego sopran, według opowieści, siłą przewyższał dźwięk trąbki, czy mezzosopran F. Bordoni, o którym mówiono, że potrafi ciągnąć dźwięk dłużej niż wszyscy śpiewacy na świecie, całkowicie podporządkowani umiejętnościom kompozytorów, których muzykę wykonywali. Niektórzy z nich sami komponowali opery i reżyserowali zespoły operowe (Farinelli). Przyjęto za pewnik, że śpiewacy ozdabiają skomponowane przez kompozytora melodie własnymi improwizowanymi ornamentami, niezależnie od tego, czy takie dekoracje pasują do sytuacji fabularnej opery, czy nie. Właściciel każdego rodzaju głosu musi być przeszkolony w wykonywaniu szybkich pasaży i tryli. Na przykład w operach Rossiniego tenor musi opanować zarówno technikę koloraturową, jak i sopran. Odrodzenie takiej sztuki w XX wieku. pozwoliło tchnąć nowe życie różnorodnym opera Rossiniego.
Według gamy głosów śpiewacy operowi są generalnie podzielone na sześć typów. Trzy typ żeński głosy, od wysokich do niskich - sopran, mezzosopran, kontralt (ten ostatni jest dziś rzadkością); trzy męskie - tenor, baryton, bas. W każdym typie może być kilka podgatunków, w zależności od jakości głosu i stylu śpiewania. Sopran liryczno-koloraturowy ma głos lekki i niezwykle ruchliwy, śpiewacy tacy potrafią wykonywać wirtuozowskie pasaże, szybkie gamy, tryle i inne ozdobniki. Liryczno-dramatyczny (lirico spinto) sopran - głos o wielkiej jasności i pięknie.
Barwa sopranu dramatycznego jest bogata i mocna. Rozróżnienie między głosami lirycznymi i dramatycznymi dotyczy także tenorów. Istnieją dwa główne rodzaje basów: śpiewający bas” (basso cantante) dla partii „poważnych” i komiksu (basso buffo).
Zadanie dla studentów. Określ, jaki rodzaj głosu wykonuje:
- Część św. Mikołaja - bas
- Część wiosenna – mezzosopran
- Część Snow Maiden - sopran
- Część Lel - mezzosopran lub kontralt
- Część Mizgir - baryton
Chór w operze jest różnie interpretowany. Może to być tło niezwiązane z głównym fabuła; czasami rodzaj komentatora tego, co się dzieje; jego artystyczne możliwości pozwalają pokazać monumentalne obrazy z życia ludowego, ukazać relacje między bohaterem a masami (np. rola chóru w ludowych dramatach muzycznych posła Musorgskiego „Borys Godunow” i „Chowanszczina”).
Posłuchajmy:
- Prolog. Zdjęcie pierwsze. MP Musorgski „Borys Godunow”
- Zdjęcie dwa. MP Musorgski „Borys Godunow”
Zadanie dla studentów. Ustal, kto jest bohaterem, a kto masą.
Bohaterem jest tutaj Borys Godunow. Masa to ludzie. Pomysł napisania opery opartej na fabule tragedii historycznej Puszkina Borysa Godunowa (1825) podsunął Musorgskiemu jego przyjaciel, wybitny historyk, profesor WW Nikolski. Musorgski był niezwykle zafascynowany możliwością przetłumaczenia tematu stosunków między carem a narodem, który był dotkliwie aktualny w jego czasach, aby przybliżyć lud jako główny aktor opery. „Rozumiem ludzi jako świetna osobowość animowany jednym pomysłem” – napisał. - To jest moje zadanie. Próbowałem to rozwiązać w operze.”
6. Orkiestra. W dramaturgia muzyczna oper, dużą rolę przypisuje się orkiestrze, symfoniczne środki wyrazu służą do pełniejszego odsłaniania obrazów. W operze znalazły się także niezależne epizody orkiestrowe – uwertura, przerwa (wstęp do poszczególnych aktów). Kolejnym elementem spektaklu operowego są sceny baletowe, choreograficzne, w których obrazy plastyczne łączą się z muzycznymi. Jeśli śpiewacy prowadzą w przedstawieniu operowym, to partia orkiestrowa tworzy ramę, podstawę akcji, posuwa ją do przodu i przygotowuje publiczność na przyszłe wydarzenia. Orkiestra wspiera śpiewaków, podkreśla kulminacje, uzupełnia dźwiękiem luki w libretto lub momenty zmiany scenerii, by wreszcie wystąpić na zakończenie opery, gdy opada kurtyna. Posłuchajmy uwertury Rossiniego do komedii „Cyrulik sewilski” . Forma „samodzielna” uwertura operowa popadł w ruinę, a do czasu pojawienia się „Toski” Pucciniego (1900) uwerturę można zastąpić zaledwie kilkoma początkowymi akordami. W wielu operach XX wieku. generalnie nie ma przygotowań muzycznych do akcji scenicznej. Ale ponieważ istotą opery jest śpiew, najwyższe momenty dramaturgii znajdują odzwierciedlenie w zrealizowanych formach arii, duetu i innych konwencjonalnych form, w których muzyka wysuwa się na pierwszy plan. Aria jest jak monolog, duet jest jak dialog, w trio zazwyczaj ucieleśniają się sprzeczne uczucia jednej z postaci wobec dwóch pozostałych uczestników. Wraz z dalszymi komplikacjami powstają różne formy zespołowe.
Posłuchajmy:
- aria Gildy „Rigoletto” Verdiego. Akcja 1st. Pozostawiona sama sobie powtarza imię tajemniczego wielbiciela („Caro nome che il mio cor”; „Serce jest pełne radości”).
- Duet Gildy i Rigoletta „Rigoletto” Verdiego. Akcja 1st. („Pari siamo! Io la lingua, egli ha il pugnale”; „Jesteśmy z nim równi: posiadam słowo, a on sztylet”).
- Kwartet w Rigoletcie Verdiego. Działanie 3. (Kwartet "Bella figlia dell" amore "; "O młoda piękność").
- Sekstet w Łucji z Lammermoor autorstwa Donizetti
Wprowadzenie takich form zwykle zatrzymuje akcję, aby zrobić miejsce na rozwój jednej (lub kilku) emocji. Tylko grupa śpiewaków, zjednoczona w zespole, może jednocześnie wyrazić kilka punktów widzenia na toczące się wydarzenia. Czasami jako komentator działań bohaterowie opery występuje chór. Na ogół tekst w chórach operowych wymawiany jest stosunkowo wolno, frazy często się powtarzają, aby treść była zrozumiała dla słuchacza.
Nie we wszystkich operach da się wytyczyć wyraźną granicę między recytatywem a arią. Na przykład Wagner zrezygnował z kompletnych form wokalnych, aby stale się rozwijać akcja muzyczna. Ta innowacja została podchwycona, z różnymi modyfikacjami, przez wielu kompozytorów. Na ziemi rosyjskiej idea ciągłości „ dramat muzyczny” był, niezależnie od Wagnera, po raz pierwszy przetestowany przez A.S. Dargomyzhsky'ego w „The Stone Guest” i MP Musorgsky w „The Marriage” - nazwali tę formę „operą konwersacyjną”, dialogiem operowym.
7. Opery.
- paryska „Opera” (nazwa „Wielka Opera” została ustalona w Rosji) była przeznaczona na jasne widowisko (rys. 2).
- Festspielhaus w bawarskim mieście Bayreuth został stworzony przez Wagnera w 1876 roku, aby wystawiać jego epickie dramaty muzyczne.
- Metropolitan Opera House w Nowym Jorku (1883) została pomyślana jako wizytówka dla najlepsi piosenkarzeświata i dla szanowanych subskrybentów loży.
- „Olympico” (1583), zbudowany przez A. Palladio w Vicenzy. Jego architektura, będąca odzwierciedleniem mikrokosmosu barokowego społeczeństwa, oparta jest na charakterystycznym planie w kształcie podkowy, w którym rzędy skrzyń rozchodzą się od środka - loży królewskiej.
- teatr „La Scala” (1788, Mediolan)
- „San Carlo” (1737, Neapol)
- „Covent Garden” (1858, Londyn)
- Brooklyn Academy of Music (1908) Ameryka
- Teatr operowy w San Francisco (1932)
- opera w Chicago (1920)
- nowy budynek Metropolitan Opera w nowojorskim Lincoln Center (1966)
- Opera w Sydney (1973, Australia).
Ryż. 2
W ten sposób opera zdominowała cały świat.
W epoce Monteverdiego opera szybko się rozwijała duże miasta Włochy.
romantyczna opera we Włoszech
Wpływy włoskie dotarły nawet do Anglii.
Jak wcześnie opera włoska, opera francuska z połowy XVI wieku. wynikało z chęci ożywienia starożytnej greckiej estetyki teatralnej.
Jeśli we Francji spektakl był na pierwszym planie, to w pozostałej części Europy była to aria. Neapol stał się na tym etapie centrum działalności operowej.
Inny rodzaj opery wywodzi się z Neapolu - opera - buffa (opera - buffa), która powstała jako naturalna reakcja na operę - seria. Pasja do tego typu oper szybko ogarnęła miasta Europy - Wiedeń, Paryż, Londyn. Romantyczna opera we Francji.
Opera ballada wpłynęła na rozwój niemieckiej opery komicznej Singspiel. Opera romantyczna w Niemczech.
Rosyjska opera epoki romantyzmu.
„Opera Czeska” to termin umowny, oznaczający dwa kontrastujące kierunki artystyczne: prorosyjski na Słowacji i proniemiecki w Czechach.
Praca domowa dla studentów. Każdy uczeń ma za zadanie zapoznać się z twórczością (wybranego przez siebie) kompozytora, w której opera kwitła. Mianowicie: J. Peri, C. Monteverdi, F. Cavalli, G. Purcell, J. B. Lully, J. F. Rameau, A. Scarlatti, G. F. Haendel, J. B. Pergolesi, J. Paisiello , K. V. Gluck, W. A. Mozart, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Leoncavallo, G. Puccini, R. Wagner, K.M. Weber, L. Van Beethoven, R. Strauss, J. Meyerbeer, G. Berlioz, J. Bizet, Ch. Gounod, J. Offenbach, C. Saint-Saens, L. Delibes, J. Massenet, C. Debussy, MP Musorgski, MP Glinka, NA Rimsky-Korsakov, A.P. Borodin, P.I., Carl Orff, F. Poulenc, IF Strawiński
8. Znani śpiewacy operowi.
- Gobbi, Tito, Domingo, Placido
- Callas, Mary (Rys. 3) .
- Caruso, Enrico, Corelli, Franco
- Pavarotti, Luciano, Patti, Adeline
- Scotto, Renata, Tebaldi, Renata
- Chaliapin, Fiodor Iwanowicz, Schwarzkopf, Elisabeth
Ryż. 3
9. Popyt i nowoczesność opery.
Opera jest z natury gatunkiem dość konserwatywnym. Wynika to z faktu, że istnieje wielowiekowa tradycja, ze względu na techniczne możliwości wykonania. Gatunek ten swoją długowieczność zawdzięcza wielkiemu wpływowi, jaki wywiera na słuchacza poprzez syntezę kilku sztuk zdolnych do wywarcia w sobie wrażenia. Z drugiej strony opera jest gatunkiem niezwykle zasobożernym i nie bez powodu samo słowo „opera” oznacza po łacinie „dzieło”: ze wszystkich gatunków muzycznych ma najdłuższy czas trwania, wymaga wysokiej jakości scenografia do inscenizacji, maksymalne umiejętności śpiewaków do wykonania oraz wysoki poziom złożoność kompozycji. Opera jest więc granicą, do której dąży sztuka, aby wywrzeć jak największe wrażenie na publiczności, wykorzystując wszelkie dostępne środki. Jednak ze względu na konserwatyzm gatunku ten zestaw zasobów jest trudny do poszerzenia: nie można powiedzieć, że w ciągu ostatnich dziesięcioleci skład orkiestry symfonicznej w ogóle się nie zmienił, ale cała podstawa pozostała taka sama. Technika wokalna związana z koniecznością duża moc podczas wykonywania opery na scenie. Muzyka jest ograniczona w swoim ruchu przez te zasoby.
Przedstawienie sceniczne w tym sensie jest bardziej dynamiczne: klasyczną operę można wystawić w stylu awangardowym, nie zmieniając ani jednej nuty w partyturze. Zwykle uważa się, że w operze najważniejsza jest muzyka, dlatego oryginalna scenografia nie może zrujnować arcydzieła. Jednak to zwykle nie działa. Opera jest sztuką syntetyczną i ważna jest scenografia. Spektakl nieodpowiadający duchowi muzyki i fabuły odbierany jest jako inkluzja obca dziełu. Dlatego opera klasyczna często nie odpowiada potrzebom reżyserów, którzy na scenie chcą wyrazić współczesne nastroje. Teatr Muzyczny i potrzeba czegoś nowego.
Pierwszym rozwiązaniem tego problemu jest musical.
Druga opcja to nowoczesna opera.
Istnieją trzy stopnie artystycznej zawartości muzyki.
- Zabawa . Ten wariant nie jest interesujący, ponieważ do jego realizacji wystarczy skorzystać z gotowych reguł, zwłaszcza że nie spełnia wymagań współczesnej opery.
- Odsetki. W tym przypadku utwór sprawia przyjemność słuchaczowi dzięki pomysłowości kompozytora, który znalazł oryginalny i najskuteczniejszy sposób rozwiązania problemu artystycznego.
- Głębokość. Muzyka może wyrażać wzniosłe uczucia, które dają słuchaczowi wewnętrzna harmonia. Tutaj mamy do czynienia z tym, że współczesna opera nie powinna zaszkodzić stan psychiczny. To bardzo ważne, bo mimo wysokich walorów artystycznych muzyka może zawierać cechy niepostrzeżenie podporządkowujące wolę słuchacza. Nie od dziś wiadomo, że Sibelius przyczynia się do depresji i samobójstw, a Wagner do agresji wewnętrznej.
Znaczenie współczesnej opery polega właśnie na połączeniu nowoczesnej technologii i świeżego brzmienia z wysokimi walorami artystycznymi charakterystycznymi dla opery w ogóle. To jeden ze sposobów na pogodzenie chęci wyrażania w sztuce nowoczesnych sentymentów z potrzebą zachowania czystości klasyki.
Idealny wokal, oparty na kulturowych korzeniach, załamuje się w swojej indywidualności Szkoła publicznaśpiewu i może służyć jako podstawa unikalnego brzmienia współczesnych oper pisanych dla konkretnych wykonawców.
Możesz napisać arcydzieło, które nie mieści się w ramach żadnej teorii, ale brzmi świetnie. Ale do tego wciąż musi spełniać wymagania percepcji. Te zasady, jak każde inne, można złamać.
Praca domowa dla studentów. Rozwój charakterystyczne cechy styl kompozytorski utworów kompozytorów rosyjskich, zachodnioeuropejskich i współczesnych. Analiza utwory muzyczne(na przykładzie opery).
Używane książki:
- Malinina E.M. Edukacja wokalna dzieci. - M., 1967.
- Kabalewski D.B. Program muzyczny w szkole średniej. - M., 1982.
- Prawo R. Seria „Życie wielkich kompozytorów”. LLP „POMATUR”. M., 1996.
- Makhrova E.V. Teatr operowy w kulturze niemieckiej drugiej połowy XX wieku. Petersburg, 1998.
- Simon G.W. Sto wielkich oper i ich fabuły. M., 1998.
- Yaroslavtseva Ł.K. Opera. Śpiewacy. Szkoły wokalne Włochy, Francja, Niemcy XVII - XX wiek. – „Wydawnictwo „Złote Runo”, 2004
- Dmitriev L.B. Soliści teatru „La Scala” o sztuka wokalna: Dialogi o technice śpiewu. - M., 2002.
A cappella- śpiew chóralny (zespołowy) bez towarzyszenia instrumentalnego.
Divisi- czasowy podział partii chóralnej na dwa, trzy lub więcej głosów.
umiera irae(z łac. „Dies irae” – „Dzień gniewu”) – średniowieczny śpiew katolicki. Melodia wyróżnia się surową, powściągliwą ekspresją. Melodia Dies irae jako symbol śmierci została wykorzystana w twórczości wielu kompozytorów, m.in. W.A.Mozarta, F.Liszta, G.Berlioza, G.Verdiego, P.I.Czajkowskiego, S.V. Jest to również jedna z części Requiem.
Lamento(z wł. - skarga) - określenie muzyki żałobnej, smutnej natury. Przykład: lament Ariadny z opery „Ariadna” C. Monteverdiego, lament Dydony z opery „Dido i Eneasz” G. Purcella. Występuje również w madrygałach i kantatach.
Alt- niska suczka lub głos dzieci. Zakres wynosi od fa małej oktawy do fa drugiej oktawy (wyższy - bardzo rzadko).
Antyfona(z greckiego. antyfono- kontradźwięki) - naprzemienny śpiew dwóch chórów lub chóru i solisty. Pochodzenie antyfony sięga… Starożytna Grecja, do śpiewu uwielbienia. Później antyfonalna zasada śpiewu przeszła w tragedię, gdzie chór dzielił się zwykle na dwa półchóry. Śpiew antyfoniczny był używany w kultowej muzyce Palestyny i Bizancjum. W Zachodnia Europa wprowadzenie antyfony do kultu chrześcijańskiego wiąże się z imieniem mediolańskiego biskupa Ambrożego. Z Mediolanu antyfona rozeszła się po całych Włoszech, a następnie do innych krajów europejskich. Zasada śpiewu antyfonalnego przeszła także do muzyki świeckiej, znajdujemy ją m.in pieśni ludowe, a także in utwory chóralne kompozytorzy przeszłości i teraźniejszości. Na przykład: chór „Echo” O. Lasso, chór „Gwiazdy” S. I. Taneyeva itp.
Antem(z angielskiego. hymnłac. antyfona, z greckiego. antyfono- brzmiące w odpowiedzi) - pieśń duchowa w Anglii, stworzona na tekście z Biblii dnia język angielski. Istnieją dwie główne odmiany hymnu: wczesny, tzw. pełny hymn (wykonywany przez chór a cappella), jest blisko motetu; oraz hymn zwrotkowy, czyli stroficzny, oparty na przemienności części chóralnej i solowej z towarzyszeniem instrumentalnym, jest powiązany z kantatą. Ten gatunek osiągnął swój szczyt w twórczości G. Purcella. W XIX wieku zajęto się także kompozycją hymnów. - S. Wesley, w XX wieku. - B. Britten, S. Barber.
Analiza partytura chóralna - studium partytury wokalno-chóralnej, składające się z analizy ustnej lub pisemnej (abstrakt). Analiza obejmuje: informacje ogólne o autorach muzyki i tekstu, analiza tekst literacki, Charakterystyka partie chóralne(zakresy, tessitura), analiza muzycznych środków wyrazu (faktura, forma, tematyka, melodia, harmonia, rytmika, agogika itp.), a także plan wykonawczy.
Arioso(z ital. arioso- jak aria) - mała praca wokalna, forma swobodniejsza niż aria. Jeśli aria w operze jest… charakterystyka muzyczna bohater, potem arioso - jego odpowiedź na jakąś dramatyczną sytuację, uogólnienie treści poprzedniego recytatywu, jakieś przeżycie emocjonalne. Na przykład: arioso Leńskiego „W twoim domu” lub arioso Oniegina „Niestety, nie ma wątpliwości” z opery „Eugeniusz Oniegin” P. I. Czajkowskiego.
Światła w audytorium zgasły. Konduktor podszedł do stanowiska konduktora. Machnięcie batutą dyrygenta - i w ciszę audytorium wylewały się dźwięki uwertury… Rozpoczął się występ, w którym śpiew i muzyka symfoniczna, akcja dramatyczna, balet, malarstwo. Rozpoczęła się opera.
Opera- to gatunek syntetyczny, który pojawił się na gruncie wspólnoty różne sztuki(Włoski "opera" dosłownie - praca, praca, esej). Jednak ich rola w operze nie jest równoznaczna. Opera istnieje od wieków. I przez cały ten czas spory o to, co jest w nim najważniejsze - muzyka czy tekst nie ustępują. Był okres w historii opery, kiedy poetę, librecistę uważano za jej autora, a kompozytor - osoba małoletnia - musiał we wszystkim przestrzegać nie tylko librecisty, ale i śpiewaków, którzy domagali się wygrywania arii w dogodnych miejscach. dla siebie. Nadszedł czas na drugą skrajność – kiedy treść przestała zwracać uwagę. Opera stała się rodzajem koncertu kostiumowego. Ale to są naprawdę skrajności. W XVIII i XIX wieki gatunek opery w końcu ukształtował się w postaci, którą znamy i kochamy.
Najważniejszą rzeczą w operze jest wciąż muzyka. Ze względu na nią idziemy do opery. Tutaj bohater śpiewa arię. W tej chwili na scenie nie dzieje się nic ciekawego: akcja się zatrzymuje. Wszyscy słuchają muzyki. Muzyka, która opowiada o najskrytszych uczuciach i myślach bohatera, odsłania przed nami jego charakter. Aria jest bardzo ważną częścią opery, dlatego poświęcona jest jej osobna historia. Podobnie jak inne solowe numery operowe – arioso, cavatina, ballada – można ją porównać z monologiem w dramacie. A teraz przypomnijmy sobie, co śpiewa Ivan Susanin przed rozpoczęciem swojej słynnej arii „Wstaniesz, mój świt”.
M. Glinki. aria Ivana Susanina z opery „Ivan Susanin”
W wykonaniu Maxima Michajłowa
Powolne, krótkie frazy oddzielone przerwami brzmią. To jest śpiew, ale bardzo podobny do recytacji. To jest nazwane recytatyw(słowo łacińskie recytować - czytaj na głos, mów na głos). Znaczenie recytatywu w operze jest bardzo duże. Jest głównym „narzędziem” rozwoju działania. Przecież przy kompletnych numerach muzycznych-ariach, zespołach – akcja zwykle się zatrzymuje. Nie ma opery bez recytatywu. Ale są też opery całkowicie zbudowane na recytatywach.
Chór odgrywa w operze ważną rolę. Z jego pomocą kompozytorzy przedstawiają obrazy życie ludowe. A w operach M. P. Musorgskiego „Borys Godunow” i „Khovanshchina” ludzie, z definicji samego kompozytora, są nawet głównymi bohaterami.
Kolejnym ważnym elementem, bez którego opera nie może się obejść, jest orkiestra. Wykonuje uwerturę, symfoniczne przerywniki, dźwięki podczas całej akcji, tworzy jasne zdjęcia ujawnia uczucia bohaterów.
powstał sztuka operowa prawie czterysta lat temu, pod koniec XVI wieku. Pierwszy przedstawienie muzyczne ze śpiewem na działce starożytny grecki mit o zmaganiach boga Apolla z wężem Pytonem Włoskie miasto Florencja w 1594 roku. Od tego czasu opera przeszła długą, trudną drogę. Urodzona we Włoszech, wyjechała do innych krajów europejskich, wyrosła jako dzieło mitologiczne, teraz jest zaskakująco zróżnicowana w wątkach.
W XIX wieku w różnych krajów powstały narodowe szkoły operowe. Ich najjaśniejszymi przedstawicielami we Włoszech są Rossini, Verdi i Puccini, we Francji - Meyerbeer, Gounod i Bizet, w Niemczech - Weber i Wagner. Nieco wcześniej, w koniec XVIII wieku, opera rozkwita w Austrii, w twórczości Mozarta. W Rosji sztuka operowa dotarła najwyższe szczyty w twórczości Glinki, Dargomyżskiego, Borodina, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa, Czajkowskiego, Prokofiewa i Szostakowicza.
W większości przypadków opery pisane są na wątkach zaczerpniętych z literatury. „Rusłan i Ludmiła” Glinki, „Syrenka” Dargomyżskiego, „Eugeniusz Oniegin”, „Mazepa” i „ Dama pikowa„Czajkowski”, „Traviata”, „Rigoletto” i „Otello” Verdiego, „Carmen” Bizeta, „Snow Maiden” Rimskiego-Korsakowa, „Borys Godunow” Musorgskiego, „Nos” i „Katerina Izmaiłowa” D. Szostakowicza, „Wojna i pokój” oraz „Opowieść o prawdziwym człowieku” S. Prokofiewa, Cichy Don„i „Virgin Soil Upturned” I. Dzierżyńskiego, „Cola Breugnon” i „The Taras Family” Kabalewskiego - na świecie jest wiele oper opartych na dobrych słynne powieści powieści, dramaty...
Partytura gotowej opery zostaje przeniesiona do teatru. Pracuje nad nim dyrygent, soliści i chór uczą się swoich ról, reżyser wystawia, artyści malują scenografię. Dopiero w wyniku wspólnej pracy tych wszystkich ludzi powstaje spektakl operowy.
kompozycja – muzyczne przedstawienie teatralne oparte na syntezie słowa, akcja sceniczna i muzyka. Powstała we Włoszech na przełomie XVI i XVII wieku.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
OPERA
włoski. opera - kompozycja), gatunek sztuka teatralna, spektakl muzyczno-dramatyczny oparty na syntezie słowa, akcji scenicznej i muzyki. W tworzeniu spektaklu operowego uczestniczą przedstawiciele wielu zawodów: kompozytor, reżyser, pisarz, komponując dramatyczne dialogi i wersy, a także pisząc libretto ( streszczenie); artysta, który ozdabia scenę scenografią i komponuje kostiumy postaci; iluminatorów i wielu innych, ale decydującą rolę w operze odgrywa muzyka, która wyraża uczucia bohaterów.
Muzyczne „wypowiedzi” bohaterów opery to aria, arioso, cavatina, recytatyw, chóry, numery orkiestrowe itp. Partia każdej postaci jest napisana na określony głos – wysoki lub niski. Najwyższy kobiecy głos- sopran, średni - mezzosopran, najniższy - kontralt. W przypadku śpiewaków płci męskiej są to odpowiednio tenor, baryton i bas. Czasami w spektakle operowe zawierać sceny baletowe. Istnieją opery historyczno-legendarne, heroiczno-epickie, ludowe, liryczne, codzienne i inne.
Opera powstała we Włoszech na przełomie XVI i XVII wieku. Muzykę do oper napisali W. A. Mozart, L. van Beethoven, G. Rossini, V. Bellini, G. Donizetti, G. Verdi, R. Wagner, C. Gounod, J. Bizet, B. Smetana, A. Dvorak, J. Puccini, K. Debussy, R. Strauss i wielu innych. główni kompozytorzy. W drugiej połowie powstały pierwsze rosyjskie opery. 18 wiek W 19-stym wieku Rosyjska opera przeżyła jasny rozkwit w twórczości N. A. Rimskiego-Korsakowa, M. I. Glinki, M. P. Musorgskiego, P. I. Czajkowskiego w XX wieku. – S. S. Prokofiew, D. D. Szostakowicz, T. N. Chrennikow, R. K. Szczedrin, A. P. Pietrow i inni.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
