Literatura obca XIX wieku. Ściągawka: Literatura zagraniczna XIX-wiecznych pisarzy literatury zagranicznej XIX-wiecznej

W zagraniczny literatura XIX wieku Istnieją dwa główne nurty: romantyzm i realizm. Ponieważ prądy te rozwijały się prawie jednocześnie, pozostawiły na sobie zauważalny ślad. Dotyczy to zwłaszcza literatura 1 połowa 19 wiek: twórczość wielu pisarzy romantycznych (Hugo, George Sand) ma szereg cech realistycznych, podczas gdy twórczość pisarzy realistycznych (Stendhal, Balzac, Mérimée) jest często zabarwiona romantyzmem. Nie zawsze łatwo jest określić, gdzie należy przypisać twórczość konkretnego pisarza – romantyzmowi czy realizmowi. Dopiero w drugiej połowie XIX wieku romantyzm ostatecznie ustąpił miejsca realizmowi.

Romantyzm kojarzy się z francuską rewolucją burżuazyjną z 1789 r., z ideami tej rewolucji. Początkowo romantycy entuzjastycznie przyjęli rewolucję i pokładali bardzo duże nadzieje w nowym społeczeństwie burżuazyjnym. Stąd marzycielstwo i entuzjazm charakterystyczne dla dzieł romantyków. Szybko jednak okazało się, że rewolucja nie uzasadnia pokładanych w niej nadziei. Ludzie nie otrzymali ani wolności, ani równości. Pieniądze zaczęły odgrywać ogromną rolę w losach ludzi, co w istocie ich zniewoliło. Dla tego, który był bogaty, wszystkie drogi zostały otwarte, los biednych wciąż był smutny. Straszna walka o pieniądze, zaczęła się żądza zysku. Wszystko to spowodowało poważne rozczarowanie wśród romantyków. Zaczęli szukać nowych ideałów – jedni zwrócili się ku przeszłości, zaczęli ją idealizować, inni, najbardziej postępowi, rzucili się w przyszłość, którą często wyobrażali sobie niejasno i w nieskończoność. Niezadowolenie z teraźniejszości, oczekiwanie czegoś nowego, chęć pokazania idealnych relacji między ludźmi, silne charaktery – to typowe dla pisarzy romantycznych. Nie wiedząc, w jaki sposób ludzkość może zbudować lepsze społeczeństwo, romantycy często zwracali się ku baśniom (Anderson), żywo interesowali się sztuką ludową i często ją naśladowali (Longfellow, Mickiewicz). Najlepsi przedstawiciele romantyzmu, tacy jak na przykład Byron, wzywali do kontynuacji walki i nowej rewolucji.

Realizm, w przeciwieństwie do romantyzmu, interesował się przede wszystkim współczesnością. Starając się jak najpełniej odzwierciedlić w swoich dziełach rzeczywistość, pisarze realiści stworzyli duże dzieła (ich ulubionym gatunkiem była powieść) z wieloma wydarzeniami i bohaterami. Starali się odzwierciedlić w swoich pracach wydarzenia charakterystyczne dla epoki. Jeśli romantycy przedstawiali bohaterów obdarzonych ostrymi indywidualnymi cechami, bohaterów, którzy znacznie różnili się od otaczających ich ludzi, to realiści, przeciwnie, starali się nadać swoim bohaterom cechy typowe dla wielu ludzi należących do tej lub innej klasy, aby ta czy inna grupa społeczna. " Realizm sugeruje- pisał F. Engels, - oprócz prawdziwości szczegółów, wierność przekazu typowych postaci w typowych okolicznościach«

Realiści nie nawoływali do zniszczenia społeczeństwa burżuazyjnego, ale przedstawiali je z bezlitosną prawdomównością, ostro krytykując jego wady, dlatego XIX-wieczny realizm nazywa się zwykle realizmem krytycznym.

To jest krótki przegląd literatura obca XIX wieku

Dobra lektura dla Ciebie!

Główne cechy romantyzmu jako metody i jako ruchu literackiego

Słowo „romantyzm” jest używane zarówno do określenia światopoglądu, sposobu myślenia osoby, która wzniosła się ponad zwyczajność, ponad codzienne życie, jak i do nazwania metody literackiej i nurtu literackiego, ograniczonego do określonego czasu (1. połowa XIX wieku) i romantyczny światopogląd.

Cechy metody romantycznej można odnaleźć w różnych okresach rozwoju literatury. Romantyzm jako nurt literacki zaczyna kształtować się w Niemczech pod koniec XIX wieku. Tam kształtuje się teoria i estetyka romantyzmu.

Termin „romantyzm” kojarzy się ze słowem – powieść. Powieść (od XII wieku) we Francji to opowieść o miłosnych i militarnych przygodach, o niesamowitych przygodach, które spotkały wyjątkowe osobowości. Wszystkie powieści zostały napisane w języku romańskim (francuskim), a nie po łacinie, co było charakterystyczne dla tekstów religijnych i powieści antycznej. W przeciwieństwie do sagi, powieść nie opowiadała o prawdziwych wydarzeniach. Powieść jest wytworem wyobraźni autora. Jednak w 1800 roku istnieje związek 2 pojęć - romantycznej i lirycznej (Friedrich Schlegel), tj. słowo „romantyczny” zachowało semantykę „zewnętrznie niezwykłą”, a liryczną – „przekazywanie emocji”. Poezja romantyczna, z punktu widzenia Schlegla, jest poezją progresywno-uniwersalną.

Romantyzm łączy w sobie wysoką duchowość, filozoficzną głębię, emocjonalne bogactwo, złożoną fabułę, szczególne zainteresowanie przyrodą, a przede wszystkim przekonanie o niewyczerpanych możliwościach człowieka.

Społeczne początki romantyzmu

Friedrich Schlegel uważał, że romantyzm narodził się z rewolucji francuskiej z 1789 r., filozofii „Wilhelma Meistera” Fichtego i Goethego. Rewolucja Francuska jest społecznym źródłem romantyzmu. Rewolucja Francuska jest społecznym źródłem romantyzmu. Rewolucja Francuska z jednej strony rodziła nadzieję na skuteczność zmiany świata, wiarę w możliwość wyzwolenia, z drugiej zaś rodziła niepewność, tragiczne poczucie beznadziejnej samotności, bezsilności w realnym okrutnego świata, a tym samym prowadzi do utopii filozoficznych, do rekonstrukcji wyidealizowanej przeszłości, do ironicznego odtwarzania rzeczywistości.

Po rewolucji przyszło rozczarowanie, więc romantyczny światopogląd jest zawsze pesymistyczny. Rewolucja zrodziła geniuszy i tytanów, idea człowieka powstała, bliska renesansowi, kiedy jednostka i wszechświat zrównały się w swoich możliwościach.

W ten sposób przeciwstawne tendencje doprowadziły do ​​pęknięcia świadomości, rozpadu istnienia na 2 składniki, powstała romantyczna dwoistość - to kategoryczna cecha ruchu romantycznego.

Wniosek: 1 źródło - pochodzenie społeczne - Rewolucja Francuska.

Filozoficzne początki

1.) Friedrich Schlegel wymienił filozofię Fichtego jako źródło. Jednak w każdym kraju istniały inne filozoficzne początki romantyzmu, ale często wszystkie sięgały do ​​filozofii niemieckiej. To jest filozofia Kanta, która dzieli świat niejako na 2 połowy: „rzecz sama w sobie” i „rzecz dla nas”, a „rzecz sama w sobie” prowadzi do tych obszarów, które są poza racjonalistycznym pojmowaniem świata, wskazując na coś mistycznego i tajemniczego. Jest to nieodłączne od Novalisa, Ludwiga Tiecka (w Niemczech), Coleridge (w Anglii), George Sand (we Francji), Edgara Poe (w Ameryce). Należy pamiętać, że w literaturze, odwołując się do idei filozoficznych, często dochodzi do przekształceń i uproszczeń.

Myśli Fichtego o możliwościach twórczych ludzkiego „ja” są często utożsamiane z możliwościami twórczymi konkretnego pisarza i poety. Romantycy wierzyli w możliwość odtworzenia świata poprzez sztukę, marzyli o złotym wieku, który stanie się rzeczywistością dzięki twórczości i „ja” artysty.

3.) Łuskanie

Idee Schellinga, twórcy filozofii transcendentalnej (przetłumaczonej z łac. „przejść, wyjść poza”), który widział świat w jego dwoistości, potwierdzały uniwersalną duchowość. Idee Schellinga wywarły wpływ nie tylko na Niemców, np. Coleridge odbył specjalną podróż do Niemiec, aby zapoznać się z filozofią Schellinga. Francuzi poznali niemiecką sztukę i filozofię dzięki O Niemczech Germaina de Staela; transcendentalizm powstał w Ameryce pod wpływem Schellinga.

Estetyka romantyzmu

1. Dwa światy.

Podwójny świat jest najczęściej nazywany kategoryczną cechą romantyzmu, choć pojawił się wcześniej. Niektórzy uczeni twierdzą, że dwa światy wciąż można znaleźć w Diderot, Lessing (XVIII w.), a nawet w powieści Cervantesa Don Kichot.

Podwójny świat romantyzmu, zwłaszcza w wersji niemieckiej, wywodzi się z koncepcji dualności Schellinga – podziału wszechświata na sferę duchową i fizyczną, a jednocześnie uznania jedności tych dwóch przeciwieństw. Na poziomie estetycznym na reprodukcji i światopoglądzie kształtują się podwójne światy, realizowane w szczególności przez dodanie fabuły.

Dvoemirie (tylko w romantyzmie, na przykład film „Dzień św. Jerzego”.

2. Głównym bohaterem romansu jest zawsze tytaniczna, wyjątkowa osobowość i nie jest przypadkiem, że romantyzm można porównać do odrodzenia. Romantyczny tytanizm bohatera może przejawiać się w różnych formach, na przykład bohater może być obdarzony szczególnymi pasjami, niezwykłą siłą, a także ma niezniszczalną miłość do wolności („Prometeusz”), niezrozumiałą obserwację (Poe), bezinteresowną miłość ( „Quasimodo” Hugo).

Główne techniki tworzenia postaci to groteska i kontrast.

3. Kult uczucia.

Nawet sentymentalizm XVIII wieku zwracał uwagę na emocjonalny światopogląd człowieka. Sztuka romantyczna zaczyna analizować uczucia (siłą uczuć jest analiza), a sentymentalizm je wyraża.

Szczególne miejsce wśród uczuć zajmuje uczucie miłości. Widoczna jest tylko miłość. Romantyczny bohater jest testowany przez miłość, miłość zmienia człowieka. Prawdziwa miłość zawsze wiąże się z cierpieniem, jeśli miłość jest wszechogarniająca, to cierpienie jest silniejsze.

4. Zainteresowanie naturą.

Opis natury jest nie tylko dekoracyjny. Romantycy byli panteistami (Bóg jest naturą); nie akceptuj tradycyjnego chrześcijaństwa, widzieli w naturze ucieleśnienie boskiej zasady. Dla nich osoba jest interesująca, gdy jest związana z zasadą natury (nie ogród, ale las; nie miasto, ale wieś). Krajobraz romantyczny - krajobraz ruin, krajobraz elementów lub krajobraz egzotyczny.

5. Poczucie historyzmu.

W Niemczech w pracach braci Schlegel pojawia się historyczne podejście do badania literatury. Pisarzy zaczynają interesować się historią prawdziwą, a nie zmitologizowaną, jak u klasyków. Jednak zwrot w przeszłość często prowadził do idealizacji średniowiecza, która była postrzegana jako odpowiednik idealnego stanu Atlantydy. Zainteresowanie przeszłością wiązało się z odrzuceniem teraźniejszości i poszukiwaniem ideału.

6. Romantyzm tkwi w podmiotowości, stąd zainteresowanie procesem twórczym, w wyobraźni, gatunku literackiej bajki, otworzyło przestrzeń dla podmiotowości.

Angielski romantyzm.

Obejmuje okres od końca XVIII wieku do lat 30. XIX wieku.

Najwcześniejszym z romantyków był W. Blake. Pierwsza połowa romantyzmu kojarzy się z nazwiskami poetów „Szkół nad jeziorem” lub „lakeistów”: Wordsworth, Coleridge, Southey. Próbując uciec z miasta, którego nie zaakceptowali, osiedlili się w pobliżu jeziora Kezik.

Drugi okres angielskiego romantyzmu rozpoczyna się wraz z wejściem do literatury Byrona i Shelleya.

Angielski romantyzm, podobnie jak wszystkie jego formy narodowe, ma zarówno wspólne idee typologiczne, jak i tożsamość narodową. Oczywiście autorzy angielscy wykazywali szczególne zainteresowanie Rewolucją Francuską, ale poczucie kryzysu epoki wywołanego skutkami Rewolucji Francuskiej i kryzysu gospodarczego pobudziło zainteresowanie nauką socjalistów – w szczególności Owena. Niepokoje ludowe (występy luddytów i procesy przeciwko nim) dały początek poezji poetyckiej i motywom tyrańskim w poezji. Romantyzm w Anglii miał tradycję reprezentowaną przez sentymentalizm i preromantyzm. Obraz Szatana, bardzo popularny w angielskim romantyzmie, ma swoją tradycję także w Raju utraconym Miltona (XVII w.).

Filozoficzne podstawy angielskiego romantyzmu sięgają do sensacji Hobbesa i Locke'a oraz do idei filozofów niemieckich, zwłaszcza Kanta i Schellinga. Uwagę angielskich romantyków przyciągnął także panteizm Spinozy i mistyka Boehmego. Angielski romantyzm łączy empiryzm z idealistyczną koncepcją rzeczywistości, przejawiającą się w szczególnej dbałości o przedstawienie świata obiektywnego (budynek, ubiór, obyczaje).

Angielski romantyzm wyróżnia się racjonalnością (poezja Byrona i Shelleya). Jednocześnie angielski romantyzm nie jest obcy mistycyzmowi. Dużą rolę w rozwoju poglądów angielskich romantyków odegrał traktat Burke'a „O wzniosłości i pięknie”, w którym do kategorii wzniosłości zaliczał się także straszny esej De Quinceya „Morderstwo jako sztuka”. Esej ten otworzył drogę do literatury kryminalnym bohaterom, którzy bardzo często (jak u Byrona) są moralnie znacznie wyżsi od tzw. przyzwoitego społeczeństwa. Dzieła De Quinceya i Burke'a potwierdzały obecność w świecie 2 odwiecznych przeciwstawnych sił: dobra i zła, niezwyciężoność zła i obecność w nim dwoistości, ponieważ zło zawsze obdarzone jest przerośniętym umysłem. Szatan (od Blake'a do Byrona) wszedł w szereg postaci angielskiego romantyzmu pod różnymi imionami i uosabiał umysł. Kult rozumu jest jedną z kategorycznych cech angielskiego romantyzmu.

Globalny charakter pojawiających się problemów zrodził mit kreatywności i symboliki. Obrazy i fabuły angielskiego romansu zostały zaczerpnięte z Biblii, która była księgą odniesienia nawet dla takich ateistów jak Byron.

Wiersz „Kain” Byrona opiera się na przemyśleniu biblijnej historii.

Często angielscy romantycy zwracali się do starożytnej mitologii i przemyśleli ją (na przykład wiersz Shelleya „Prometeusz niezwiązany”). Angielscy romantycy mogli przemyśleć dobrze znane wątki literackie, na przykład w wierszu Byrona „Mafred” przerobiono fabułę Fausta Goethego.

Angielski romantyzm to przede wszystkim poezja i poezja liryczna, w której wyraźnie wyraża się osobowość poety, bardzo trudno odróżnić świat bohatera lirycznego od świata własnego autora.

Temat poezji, oprócz przekazywania indywidualnych przeżyć, wiąże się z obrazem morza czy statku. Anglia to potęga morska. Angielski romantyzm znalazł teoretyczną refleksję w swoich manifestach literackich: Przedmowie Wordswortha do „Lyric Ballads”, „Defense of Poetry” Shelleya i „Literary Biography” Coleridge'a. Nowe słowo wypowiedzieli angielscy romantycy w dziedzinie powieści. Za twórcę historycznej powieści romantycznej uważa się Waltera Scotta.

George Noel Gordan Byron

Pierwszy okres twórczości Byrona to lata 1807-1809: czas powstania zbioru Godziny wolnego oraz satyry Angielskich bardów i szkockich recenzentów. Poeta w tym czasie przygotowuje się do działań w Izbie Lordów, więc w tym zbiorze widoczne są ślady nieco beztroskiego stosunku do poezji. Kolekcja „Godziny wypoczynku” wywołała ostrą krytykę.

Szczególnie znaczącym wierszem tego okresu jest wiersz „Chcę być wolnym dzieckiem”. Wszystkie główne tematy prac Byrona zostały znalezione w tej kolekcji:

Sprzeciw wobec społeczeństwa

Rozczarowanie przyjaźnią (utrata prawdziwych przyjaciół),

Miłość jest podstawą egzystencji

tragiczna samotność

Bliskość dzikiej przyrody

A czasem pragnienie śmierci.

W swojej satyrze „Angielscy bardowie i szkoccy recenzenci” Byron bardzo negatywnie wypowiada się o twórczości poetów „szkół nad jeziorem”.

Drugi okres twórczości Byrona: 1809-1816 obejmuje „Podróż za granicę” (1809-1811), „Obowiązkowe dla młodych ludzi z rodzin arystokratycznych i życia w Anglii”. Podczas swoich podróży odwiedził Portugalię, Hiszpanię, Albanię i Grecję. W 1812 roku ukazały się 2 piosenki „Pielgrzymka dziecka Harolda”. Ostatnie 2 części tego wiersza powstały po długiej przerwie, a cały wiersz jest rodzajem dziennika podróży poety. Tradycyjne tłumaczenie tytułu tego poematu nie jest do końca dokładne, w wersji angielskiej dopuszcza się przekład pielgrzymki, tułaczki i drogi życiowej, natomiast w tłumaczeniu rosyjskim wzięto tylko pierwsze słowo. Pielgrzymka odbywa się do świętych miejsc, a Byron tego nie ma, chyba że uznamy za możliwe, że poeta ironizuje o swoim bohaterze. W Byronie zarówno jego bohater, jak i sam poeta udają się w podróż, więc bardziej poprawne byłoby przetłumaczenie wiersza „Wędrówka dziecka Harolda”.

Na początku wiersza zachowano epickie cechy charakterystyczne dla tego gatunku (pierwotnie wiersz był gatunkiem epickim):

Byron po raz pierwszy przedstawia nam rodzinę Harolda i początki jego życia. Harold ma 19 lat, element epicki czy zdarzeniowy bardzo szybko ustępuje miejsca lirycznemu, przekazującemu myśli i nastrój samego autora. Wiersz staje się więc u Byrona gatunkiem liryczno-epickim, a plany liryczne i epickie w żaden sposób się nie przecinają. W trakcie rozwoju wiersza epos schodzi na dalszy plan i generalnie znika pod koniec. W ostatnich 4 utworach Byron w ogóle nie odwołuje się do imienia tytułowego bohatera Harolda i otwarcie sam staje się głównym bohaterem utworu i zamienia cały wiersz w opowieść o własnych przeżyciach.

Wiersz pomyślany został w duchu ówczesnej literatury, jako opowieść o wydarzeniach z przeszłości, dlatego w tytule zostało zachowane słowo Childe, które w średniowieczu było tytułem młodego szlachcica, który nie został jeszcze pasowany na rycerza. Jednak idea wiersza szybko się zmieniła i bohater wiersza stał się współczesny Byronowi. W tym wierszu pojawił się nowy bohater, którego później nazwano „Byronic”.

Lista własności młodego mężczyzny w wieku 19 lat:

1. Bezczynna rozrywka

2. Rozpusta

3. Brak honoru i wstydu

4. Krótkie romanse

5. Horda kumpli od picia

Mówimy o postaci, która ostro zrywa z normami moralności. Harold zawstydził swoją starożytną rodzinę, ale Byron wprowadza pewne zmiany w obrazie, frazą „Satiation przemówiło w nim”. Nasycenie to romantyczna koncepcja. Bohater romantyczny nie przechodzi długiej ścieżki ewolucyjnej, widzi, tak jak Harold, widząc swoje otoczenie w prawdziwym świetle. Ta realizacja przenosi Harolda na nowy poziom - poziom osoby, która potrafi patrzeć na świat i na siebie jakby z zewnątrz. Bohater Byrona łamie ustalone przez tradycję normy, zawsze ma więcej wolności niż ci, którzy ich przestrzegają. Bohater Byrona jest prawie zawsze przestępcą, w tym sensie, że przekracza ustalone granice. Ceną za nową wiedzę jest zawsze samotność, a wraz z tym uczuciem bohater odzyskuje siły po swoich wędrówkach.

W pierwszej piosence przed czytelnikiem pojawia się Portugalia, w drugiej piosence Albania i Grecja, w trzeciej piosence Szwajcaria i pole Waterloo, w tej samej piosence pojawia się temat Napoleona, który jest rozwiązany niejednoznacznie, czwarta piosenka opowiada o Włoszech . Pieśni 3 i 4 w większym stopniu niż dwa pierwsze są lirycznym dziennikiem autora. Byron szczegółowo opisuje zwyczaje, obyczaje. Krajobraz romantyczny to krajobraz ruin, żywiołów i egzotycznego krajobrazu.

Na tym samym etapie Byron napisał tak zwane „wiersze orientalne”: „Gyaur”, „Korsarz”, „Lara” itp. Nazywano je „wschodnimi”, ponieważ akcje rozgrywają się na wschodzie Anglii na egzotycznych wyspach Morza Śródziemnego w pobliżu Turcji. Wszystkie te wiersze mają napiętą - rozwijającą się fabułę, oddają intensywność namiętności. Pasja, zemsta, wolność to główne tematy wierszy. Bohaterowie wszystkich wierszy są maksymalistami, nie uznają półśrodków, półtomów, kompromisów. Jeśli zwycięstwo jest nieosiągalne, wybierają śmierć. Zarówno przeszłość bohaterów, jak i ich przyszłość są tajemnicze. Kompozycyjnie wiersze orientalne kojarzą się z tradycjami ballady, który oddawał tylko najintensywniejsze momenty w rozwoju fabuły, nie rozpoznając sekwencji w przedstawieniu wydarzeń. Przykład naruszenia chronologii wydarzeń można znaleźć w „Gyaur”.

„Gyaur”

Wiersz zbudowany jest jako suma różnych, niepowiązanych ze sobą sekwencji wydarzeń zachodzących w różnym czasie. Gyaur w tłumaczeniu „niewierzący”. Oddzielne fragmenty są połączone dopiero w finale. Kiedy w klasztorze Gyaur opowiada, że ​​kochał Leilę, przygotowywał się do ucieczki z nią z haremu, ale spisek został ujawniony, została zrzucona z klifu do morza i zemścił się na jej mężu, na którego rozkaz ukochana kobieta zginęła, zabijając go. Po jej śmierci życie narratora straciło sens.

"Korsarz"

W Corsair wydarzenia toczą się sekwencyjnie, ale autor zachowuje tajemnice związane z przeszłością bohaterów i nie podaje jednoznacznego zakończenia. Głównym bohaterem jest Conrad-Corsair, czyli pirat, rozbójnik morski, który przekroczył prawo. Nie wiemy nic o nim, dlaczego został piratem, ale jasne jest, że jest wykształcony. Tragedia Conrada polega na tym, że uznaje tylko własną wolę, tylko swoją ideę świata, a przeciwstawiając się tyranii i opinii publicznej oraz prawom i regułom ustanowionym przez Boga, sam staje się tyranem. Byron zmusza swojego bohatera do zastanowienia się nad swoim prawem do pomszczenia wszystkich za zło nielicznych. Podczas walki z Selimem zostaje schwytany, gdzie czeka go egzekucja. Pozbawiony wolności doświadcza wyrzutów sumienia. Tak więc po raz pierwszy Byron sprawia, że ​​jego bohater wątpi w słuszność swoich osądów. Drugi błąd pojawia się, gdy uwolniony przez zakochaną w nim żonę sułtana wraca i widzi piracki statek spieszący mu na ratunek. Nigdy nie wyobrażał sobie, co może wywołać miłość w sercach tych ludzi.

Do 1815 r. powstał najbardziej tragiczny i liryczny wiersz „Przebacz”, skierowany do żony po rozwodzie. Po rozwodzie, w trakcie oszczerczej kampanii przeciwko niemu, w 1816 roku Byron opuścił Anglię na zawsze.

„Manfred”

1816 to najtrudniejszy okres w życiu poety. Część tego roku spędza w Szwajcarii, a następnie osiedla się we Włoszech. W tym czasie pisze swój wiersz „Manfred”. Sam Byron nazywa swój wiersz „poematem dramatycznym”, ale poprzez rodzaj obrazu świata Manfred zbliża się do tajemnicy i dramatu filozoficznego, w których dominującą zasadą przekazu myśli jest symbolizm. Wszystkie postacie w tym wierszu są uosobionymi ideami. Manfred został napisany pod wpływem Fausta Goethego, co sam Goethe przyznał. Jednak sam Byron, jeśli był inspirowany Faustem, to bardzo od niego odchodził.

Jego bohater jest również czarnoksiężnikiem, ale celem bohatera nie jest zdobycie pięknego momentu. Manfred stara się uwolnić od cierpienia, na które skazuje go jego pamięć i sumienie. Jest przyczyną śmierci ukochanej Astarte, której cień chce przywołać ze świata umarłych, by prosić o przebaczenie.

Głównym tematem pracy jest cierpienie niezwykle samotnego człowieka, który wszystko wiedział ze świadomości niewybaczalnej winy, z niemożności odnalezienia zapomnienia. Cała akcja rozgrywa się na szczycie Alp, w starym gotyckim zamku pełnym tajemnic. Nawet przed śmiercią, nie otrzymawszy przebaczenia Astarte, Manfred nie żałuje. „Manfred” to ostatni wiersz Byrona o potężnym samotnym człowieku, który uważa, że ​​ma prawo opierać się wszechświatowi siłą swojego umysłu i woli.

To ostatnia praca, w której ludzki egoizm i indywidualizm popełniają zbrodnię.

Okres włoski (1816-1824) to pojawienie się ironicznego spojrzenia na świat i poszukiwanie alternatywy moralnej, alternatywy indywidualistycznej.

Szczególne znaczenie ma powieść w wersecie „Don Juan” i tajemnica „Kain”.

Tajemnica oparta jest na tekście biblijnym. Byron zachował podstawę fabuły: ofiara Kaina nie została zaakceptowana przez Boga, on, żywiąc zło, zabił swojego brata, podobając się Bogu.

Biblia przedstawia Kaina jako pierwszego zawistnego i mordercę, który zbuntował się przeciwko Bogu.

Psychologia motywacji Biblia nie podaje. Byron przerywa ten spisek, widząc w nim konflikt bezmyślnego posłuszeństwa i pychę ludzkiej myśli. Po raz pierwszy Byron sprzeciwia się tyranowi (Bogu), nie indywidualiście, ale altruiście. Kain nie tylko sam sprzeciwia się tyranii Boga, ale stara się rozwikłać tajemnicę śmierci, aby uratować od niej wszystkich ludzi.

Indywidualizm reprezentuje tu Lucyfer – anioł, który zbuntował się przeciwko tyranii najwyższej władzy, pokonany, ale nie poddany tyranowi. Lucyfer reprezentuje szereg osób, z których ostatnią był Manfred.

Od sceny 1 aktu 1, Byron tworzy napięty pojedynek pomysłów, różnych idei dotyczących świata i siły, która rządzi tym światem. Po modlitwie Adama i Ewy oraz Abla, w której wychwalali Boga, następuje dialog między Adamem i Kainem, którzy nie brali udziału w doksologii ogólnej. Kaina prześladuje pytanie, czy Bóg jest wszechwiedzący, wszechmocny czy dobry. Aby przetestować, składa w ofierze kwiaty i owoce. Bóg nie przyjmuje bezkrwawej ofiary Kaina, ale przyjmuje krwawą ofiarę Abla, kiedy zabija on baranka w imię Boga.

Kain chciał zniszczyć ołtarz Boży, ale Abel stanął w obronie, tracąc nad sobą władzę, w przypływie oburzenia od ślepoty ludzi zabija swojego brata, pierwszego, który sprowadził śmierć, od której chciał wszystkich ocalić .

Po zabiciu Abla, przeklętego przede wszystkim przez matkę, zostaje wyrzucony z domu, niewiadoma czeka na niego i jego rodzinę.

Najcięższą karą jest jego skrucha i skazanie na wieczne zwątpienie w siebie i swoich bliskich, którzy mogą powtórzyć jego zbrodnię. Bóg tyrana jest niezwyciężony, tajemnica życia i śmierci nie jest znana, zbrodnia została popełniona.

Konflikt między człowiekiem a władzą wyższą pozostał nierozwiązany, chociaż pojawia się nowy trend: ten, kto zbuntował się przeciwko władzy wyższej, mówił nie tylko za siebie. Kain może mieć tylko nadzieję, że stanie się duchowo wolną osobą, ale czy Kain, złamany popełnioną zbrodnią, będzie mógł uwolnić się duchowo.

Francuski romantyzm.

Francuski romantyzm narodził się z wydarzeń rewolucji francuskiej z 1789 roku i przetrwał 2 kolejne rewolucje.

Etap 1 Rewolucji Francuskiej: 1800-1810

Etap 2: 1820-1830

Jednak twórcza ścieżka takich romantyków jak J. Sant i V. Hugo przekroczyła te granice, a w malarstwie francuskim romantyzm przetrwał do 1860 roku.

Co ciekawe, w kraju, który doświadczył niesamowitych wstrząsów i rewolucji, na pierwszym etapie romantyzmu pojawiają się prace, w których praktycznie nie ma skupienia na fabule.

Oczywiście wpłynęło na to zmęczenie narodu katastrofami rzeczywistości. Uwagę pisarzy przykuwa obszar uczuć, zresztą nie są to tylko emocje, ale ich najwyższym przejawem jest pasja.

Na pierwszym etapie Szekspir staje się idolem francuskiego romantyzmu. Germain de Smal w 1790 pisze traktat „O wpływie namiętności na szczęście jednostek i narodów”.

Rene Cheteaubriand w swojej książce „Geniusze chrześcijan” w dziale „O niejasności namiętności”.

Pierwsze miejsce zajmuje pasja miłości. Miłość nigdzie nie jest przedstawiana jako szczęśliwa, łączy się z obrazem cierpienia, całkowitej samotności psychicznej i duchowej.

Wraz z powieścią Chateaubrianda Rene pojawia się szereg tak zwanych żałobników-bohaterów, którzy przejdą przez literaturę zarówno Anglii, jak i Rosji, otrzymując imię ludzi zbędnych.

Temat samotności, bezsensownego marnowania energii stanie się głównym tematem powieści Senancourta i Musseta.

W pracach Chateaubrianda pojawia się temat religii jako drogi pojednania z rzeczywistością. Niemałą rolę odegrała znajomość Francuzów z ideami niemieckich romantyków. Ogromnym zainteresowaniem cieszą się nie tylko Niemcy, ale także Ameryka i Wschód. Bardzo często bohaterami francuskich romantyków były osoby związane ze sztuką.

W powieści Carinna Germaine de Stael muzyka była główną pasją bohaterki. Pojawienie się kolejnego tematu wiąże się z twórczością Germaine de Stael: tematu kobiecej emancypacji. Nieprzypadkowo pisarka nazywa swoje powieści imionami kobiecymi („Karinna”, „Dolphin”).

Na II etapie francuskiego romantyzmu rozwijają się zarysowane wcześniej tendencje, ale zachodzą zmiany w przedmiocie i sposobach ich realizacji.

Na tym etapie następuje rozwój dramatu. Melodramat tkwiący w większości dramatów romantycznych osiąga najwyższy poziom, namiętności tracą motywację, rozwój fabuły jest uzależniony od przypadku. Wszystko to zrodziło się ze specyfiki poprzedniego historycznego etapu rewolucji, kiedy życie ludzkie straciło swoją cenę, kiedy śmierć czekała na wszystkich w każdej chwili.

W literaturze pojawia się powieść historyczna i dramat.

Victor Hugo „Notre Dame”, „Nędznicy”, „93”, „Człowiek, który się śmieje”.

Autorami dramatu historycznego są Hugo i Musset, ale w powieści historycznej iw dramacie historycznym zawsze zwracano uwagę na moralny sens tego, co się dzieje. Życie duchowe człowieka okazało się ważniejsze niż historia państwa.

Gatunki historyczne we Francji rozwijają się pod wpływem W. Scotta. ale w przeciwieństwie do niego, człowieka, który nigdy nie uczynił postaci historycznych tytułem swoich powieści, francuscy autorzy wprowadzają postacie historyczne wśród głównych bohaterów. Francuzi zwrócili uwagę na temat ludu i jego rolę w historii. Wiele nierozwiązanych problemów w życiu społeczeństwa, które powstały jeszcze przed rewolucją, powoduje zainteresowanie literaturą w nauczaniu socjalistów – Pierre Meru, Saint Simon.

V. Hugo, J. Sant wielokrotnie odwołują się do swoich pomysłów w swoich powieściach nie tylko o przeszłości, ale także o teraźniejszości. Tutaj poetyka romantyczna zostaje wzbogacona o poetykę realistyczną.

Od 1830 r. francuski romans skłania się ku analizie. Pojawia się tak zwana literatura przemocy (V. Hugo pisze opowiadanie „Ostatni dzień skazany na śmierć”). Specyfika tej literatury tkwi w opisie ekstremalnych sytuacji życia codziennego. Temat gilotyny, rewolucji, terroru, kary śmierci jest w tych pracach głównym tematem.

Wiktor Hugo

Najważniejszy pisarz europejskiego romantyzmu. Był romantykiem według typu postrzegania świata i miejsca w nim poety. Hugo rozpoczyna swoją twórczą działalność jako poeta.

1 kolekcja: „Ody” (1822)

2 kolekcja „Ody i ballady” (1829)

Już same tytuły pierwszych zbiorów świadczą o związkach początkującego poety z klasycyzmem. Na pierwszym etapie Hugo ma tendencję do przedstawiania konfliktu między miłością a domem, jego styl jest bardzo żałosny.

Materiały III kolekcji („Orientalne”) to egzotyczny i malowniczy Wschód, bardzo popularny we Francji.

„Cromwell” – pierwszy dramat V. Hugo. Wybór tematu wynika z niezwykłego charakteru tego angielskiego polityka. Najważniejszy był wstęp do dramatu, a nie sam dramat. Idee przedmowy są ważne dla całego ruchu romantycznego, kojarzą się z końcem historyzmu, z problemem groteski, zasady odwzorowywania rzeczywistości, specyfiki dramatu jako swego rodzaju wyjątek. Romantyczny historyzm i romantyczna dialektyka leżą u podstaw idei Hugo dotyczących rozwoju społeczeństwa i jego kultury. Całość periodyzacji Hugo podlega nie tyle zmianom w stosunkach społecznych, ile rozwojowi świadomości.

3 epoki według Hugo:

1) prymitywny

2) Antyczny

Na pierwszym etapie, jego zdaniem, budzi się nie tyle świadomość, ile emocje, a wraz z nią powstaje poezja. Człowiek jest w stanie wyrazić tylko swój zachwyt i komponuje hymn i odę, więc powstaje Biblia. Bóg jest tu nadal tajemnicą, a religia nie ma dogmatów.

Na etapie starożytności religia przybiera pewną formę, ruch narodów i powstawanie państw rodzi epos, którego szczytem jest dzieło Homera. Na tym etapie nawet tragedia jest etyczna, ponieważ aktor powtarza ze sceny treść eposu.

Nowa epoka zaczyna się, gdy surowe powierzchowne pogaństwo zostało zastąpione przez religię spirytualistyczną, która ukazuje człowiekowi jego podwójną naturę: ciało jest śmiertelne, duch jest wieczny. Idea dwoistości, która zrodziła się wraz z nadejściem chrześcijaństwa, będzie przewijać się przez cały system poglądów Hugo, zarówno w dziedzinie etyki, jak i estetyki.

W ten sposób, podkreślając kultury, Hugo utrwala świadomość, która przejawia się w postaci wierzeń i sztuki. Pojęcie dwoistości świata tworzy nowy rodzaj wyjątkowego dramatu, w którym dominuje walka dwóch tendencji – konfliktów. Idea dwoistości leży u podstaw wszystkich estetycznych konstrukcji Hugo. Dramat łączy tragedię i komedię. Szczytem dramatu jest twórczość Szekspira.

Hugo zwraca szczególną uwagę na problem groteski. Hugo ma kontrast w traktacie groteski. Nie łączy groteski z brzydotą, ale przeciwstawia ją wzniosłości.

Według Hugo groteska (nawet antyczna) przekazuje nie tylko brzydotę, ale otacza obraz „mgiełką wielkości lub boskości”. Według Hugo groteska jest obok wzniosłości, w tym całej różnorodności świata. Nawet bohater dramatu „Cromwell” okazuje się postacią groteskową, dlatego w jego postaci łączą się sprzeczne cechy, co tworzy romantyczną, wyjątkową postać. Bohaterowie Hugo (Quasimodo, Jean Voljean, de Pien) są groteską w sensie romantycznym.

Hugo poświęcił wiele uwagi problemowi 3 jednostek, uważając, że tylko jednostka działania ma prawo istnieć, ponieważ zawiera podstawowe prawo dramatu.

„Ernani”

"Ernani" - 1 ze znaczących prac Hugo.

W „Ernani” czas akcji wykracza daleko poza jeden dzień, miejsce akcji ciągle się zmienia, ale on namiętnie trzyma się jedności działania: konflikt miłości i honoru spaja wszystkie postacie i jest motorem intrygi. Miłość do młodej dony de Sol łamie Hernaniego, króla Carlosa, księcia de Silva i rodzi nie tylko miłość do rywalizacji, ale także kojarzy się z honorem. Honor Ernaniego (pozbawionego królewskich praw, księcia Aragonii) wymaga od niego zemsty na królu Carlosie i poddania się de Silvie, który uratował mu życie. De Silva nie zdradza rywala, nienawidzi go, gdyż honor rodziny wymaga, by prześladowani otrzymywali azyl. Król Carlos, który został cesarzem, uważa, że ​​musi przebaczyć swoim wrogom. Dona de Sol musiała bronić swego honoru sztyletem.

Kwestia honoru jest stale obecna w każdej scenie, nawet w finale, w dniu ślubu, de Silva żąda od Hernaniego spłaty honorowego długu i oddania życia. Dramatem jest śmierć Ernaniego i Doñy Sol. Mimo to de Silva rozumie także zwycięstwo miłości, także popełnia samobójstwo.

Tak więc siła namiętności determinuje zachowanie każdego z bohaterów. Ale jeśli w tragedii klasycyzmu król występuje jako nosiciel najwyższej sprawiedliwości, to w Hugo jest to zbójnik Ernani.

"Katedra Notre Dame"

Problemy moralne i dramatyczna intensywność akcji leżą u podstaw powieści historycznej Katedra Notre Dame. To pierwsza znacząca powieść Hugo. Zdarzenia przypisywane są do 1482 roku. Prawie wszystkie postacie są fikcyjne. Król Ludwik XI nie ma wpływu na rozwój wydarzeń, we wstępie pisze, że pomysł stworzenia powieści podsunęła tajemnicza inskrypcja na ścianie katedry. To było greckie słowo oznaczające skałę. Hugo widział 3 formy manifestacji losu: los prawa, los dogmatu i los natury. Hugo pisze w tej powieści o losie dogmatu. O losach prawa napisze w powieści Nędznicy, a losy natury znajdą odzwierciedlenie w Robotnicy morza.

W Notre Dame de Paris występują 3 główne postacie: Claude Frolo, dzwonnik Quasimodo, Esmeralda, tancerka uliczna. Każdy z nich jest ofiarą losu – religijnego dogmatu lub przesądu, który wypacza ludzką naturę i sprawia, że ​​piękno widzi tylko grzeszne.

Claude Frolo jest osobą wykształconą, ukończył 4 wydziały Sorbony. Znalazł Quasimodo w pobliżu świątyni. Frolo widzi w brzydkim dziecku nieszczęśnika. Nie ma średniowiecznych przesądów (to znaczy przesądów swoich czasów). Jednak zajęcie się teologią skazało go na hańbę i nauczyło dostrzegać w kobietach tylko występek, a w sztuce diaboliczne siły. Miłość do tancerza ulicznego objawia się nienawiścią. Z jego powodu Esmeralda zmarła na szubienicy. Pali go moc nieugaszonej namiętności. Zewnętrznie obrzydliwy Quasimodo, którego przesądny tłum uważa za wytwór diabła, jest przyzwyczajony do nienawidzenia tych, którzy się go boją i kpią z niego.

Esmiralda, która wychowała się wśród Cyganów, przyzwyczaiła się do ich obyczajów, jest pozbawiona duchowej głębi. Odbiór kontrastu, groteska leży u podstaw tworzenia systemu obrazów.

Kocha mało znaczącego żołnierza w pięknym mundurze, ale nie jest w stanie docenić ofiarnej miłości do siebie brzydkiego Quasimodo.

Groteskowe są nie tylko postacie, ale i sama katedra. Katedra pełni kompozycję ideową, funkcję chronologiczną. Katedra to także filozofia, odzwierciedla historię ludu. Wszystkie akcje odbywają się wewnątrz lub w pobliżu katedry. Wszystko jest związane z katedrą.

„Les Miserables”, „Robotnicy morza”, „Człowiek, który się śmieje”, „93”

Do znaczących dzieł należą jego powieści, powstałe w latach 1860-70. „Les Miserables”, „Robotnicy morza”, „Człowiek, który się śmieje”, „93”.

„Les Misérables” to wielkie epickie płótno obejmujące 10 lat, zawierające sceny z różnych środowisk, wydarzenia przenikają się w różnych miejscach w prowincjonalnym miasteczku niedaleko Waterloo.

Powieść skupia się na historii głównego bohatera Jeana Voljeana. Zaczyna się od tego, że ukradł z głodu bułkę i otrzymał za to 19 lat ciężkiej pracy. Jeśli stał się załamanym duchowo mężczyzną ciężko pracującym, pozostawił ją nienawidzącą wszystkiego i wszystkich, zdając sobie sprawę, że kara jest wielokrotnie większa niż wina.

Konflikt między dobrem a złem jest centralnym elementem tej powieści.

Były skazany po spotkaniu z biskupem Mirielem odrodził się i zaczął służyć tylko dobru. Opętany ideą powszechnej równości i dobrobytu, pod nazwiskiem Pana Madeleine, tworzy w jednym z miast rodzaj społecznej utopii, w której nie powinno być biedy, a moralność powinna triumfować we wszystkim. Ale musi przyznać, że absolutyzacja nawet najwyższej idei może prowadzić do cierpienia. Tak ginie matka Casety, Fantine, bo dla niej, matki nieślubnego dziecka, osoby, która się potknęła, nie ma miejsca w burmistrzowskiej fabryce, gdzie niemoralność jest surowo karana. Znowu wychodzi na ulicę i tam umiera. Postanowił zostać ojcem Casety, ponieważ nie udało mu się stworzyć szczęścia dla wszystkich.

Główne znaczenie w powieści to konfrontacja Jeana Voljeana z Joverem (policjantem) - dogmat prawa. Jover najpierw zaczął ciężko pracować, a potem jako policjant. Zawsze i we wszystkim kieruje się literą prawa. Ścigając Volzhan jako byłego skazańca, który ponownie popełnił przestępstwo (nazwisko kogoś innego), narusza sprawiedliwość, ponieważ były skazany już dawno się zmienił. Policjantowi nie pasuje jednak idea, że ​​przestępca może być moralnie wyższy zarówno od niego, jak i od prawa.

Po tym, jak Jean Voljean wypuszcza Jovera z barykady i ratuje rannych marios (kochanek Casety), sam zostaje oddany w ręce policji, w duszy Jovera dochodzi do złamania.

Hugo pisze, że Jover przez całe życie był niewolnikiem sprawiedliwości. Spełniając prawo, Jover nie kłóci się, czy ma rację, czy nie. Jover popełnia samobójstwo i uwalnia Jeana Voljeana.

Finał powieści nie potwierdza jednoznacznie triumfu i istnienia boskiej sprawiedliwości. Boska sprawiedliwość istnieje tylko w ideale. Jover umiera ratując Jeana Voljeana, ale to nie uszczęśliwia Jeana Voljeana. Po stworzeniu szczęścia Casety i Marios zostaje przez nich porzucony. Dopiero przed śmiercią dowiadują się o wszystkich sprawach tej osoby. Jean Voljean i Jover to groteskowe postacie zbudowane na zasadzie kontrastu. Ten, który jest uważany za niebezpiecznego przestępcę, okazuje się szlachetną osobą. Każdy, kto całe życie żyje zgodnie z prawem, jest przestępcą. Obie te postacie przeżywają załamanie moralne.

„Człowiek, który się śmieje”

Autor rozwiązuje nurtujące go problemy w najbardziej uogólnionej formie, co znajduje odzwierciedlenie w imionach, jakie nadaje bohaterom. Mężczyzna nosi imię Ursus – niedźwiedź, ale wilk – Homo (człowiek). Wydarzenia z powieści potwierdzają słuszność tych nazw.

Romantyczne pragnienie egzotyki przejawia się w opisie obu obyczajów Anglii minionych wieków, jak w opowieści o poczynaniach tzw. Budka.

"93" (1874)

Ostatnia powieść. Poświęcony tragicznym wydarzeniom Rewolucji Francuskiej. W tłumaczeniu rosyjskim słowo „rok” pojawiło się w tytule, ale dla Francuzów liczba 93 mówi sama za siebie.

W powieści pragnienie autora uproszczenia postaci i wyrażenia swoich myśli za pomocą symboli zostaje zachowane i powstaje.

Wydarzenia mają miejsce podczas terroru jakobińskiego w Vendée, gdzie wojska republikańskie walczą z rojalistami. Dowódcą oddziału jest młody, utalentowany Gowen, kochany przez żołnierzy.

Rojaliści mają markiza Lantenac – mądrego, sprawiedliwego i niezmiernie okrutnego. Złożoność sytuacji polega na tym, że Gauvin jest z pochodzenia stryjecznym bratankiem Lantenac. Govin został wychowany przez republikanina Cimourdaina, widzi w nim duchowego syna.

Cimourdain zostaje wysłany, by mieć oko na Gauvina, a jeśli naruszy swoje obywatelskie obowiązki, musi go zabić. W finale Lantenac, pokrywszy krwią całą dzielnicę, czyni jeden dobry uczynek - ratuje cudze dzieci przed śmiercią w pożarze i dlatego zostaje schwytany przez Gauvina. Gauwen nie jest w stanie zabić schwytanego mężczyzny, ratując dzieci i daje mu możliwość ucieczki.

W tym celu Cimourdain musi dokonać egzekucji swojego ucznia, ale nie może przeżyć śmierci najbliższej mu osoby i sam się zabija.

Sytuacja wydaje się nie do rozwiązania, ponieważ to, co społeczne splata się z osobistym.

W powieści dominują 2 symbole: gilotyna i matka. Wszystkie wydarzenia rozgrywają się na tle gilotyny i matki, która szuka dzieci zabranych przez Lantenac. W finale spotykają się matka i gilotyna. Cimourdain i Gauvin padają ofiarą gilotyny i umierają w imię sprawiedliwości. Samobójstwo Cimourdaina jest podobne do śmierci Jovera: obaj nie mogli przezwyciężyć idei domu, wyłączając ludzkość.

niemiecki romantyzm

Scena w Jenie

Niemiecki romantyzm przeszedł kilka etapów swojego rozwoju:

1) Jena (datowany warunkowo 1797-1804)

2) Heydeilgberg (do 1804)

Bracia Friedrich i August Wilhelm Schlegegli, Novalis, Ludwig Tieck, Friedrich Wilhelm Schilling, Friedrich Schleielmarcher, Herderlin. Głównymi dokumentami programowymi jeneńskiego romantyzmu były „Fragmenty krytyczne” F. Schlegla, „Fragmenty” Schlegla i Novalisa.

Romantycy interesują się istotą ducha i materii, związkiem tego, co ogólne z tym, co szczegółowe, ich dialektyką, możliwością poznania świata i zbliżenia się do ideału. Chcieli zrozumieć miejsce przyrody, religii, Boga, moralności w systemie wszechświata, a także rolę logiki, wyobraźni w systemie wiedzy. I potwierdź związek jako konsekwencję filozofii, nauki i sztuki.

Najwyższą formą wiedzy (Shilling) jest filozofia i sztuka.

Dostrzegając nieograniczone możliwości twórczości artystycznej, Schilling jako pierwszy dostrzegł jedność świadomego i nieświadomego w procesie twórczości. Stwierdził, że każde dzieło sztuki pozwala na nieskończoną ilość interpretacji. W ten sposób filozofia ujawnia ważną właściwość sztuki – jej wieloznaczność. Schilling powiedział, że sztuka przywraca człowieka do natury i pierwotnej tożsamości.

Nową jakością romantyzmu jest dbałość o historię, historyzm myślenia. Jednak historyczny romantyzm jest specyficzny.

Jenczycy często mówili o 3 etapach rozwoju społeczeństwa:

1) złoty wiek istniał, gdy człowiek nie był odizolowany od natury z powodu niedorozwoju świadomości.

2) wraz z rozwojem świadomości człowiek oddziela się od natury, próbuje ją ujarzmić i staje się wobec niego wrogi.

3) możliwy jest nowy złoty wiek (w przyszłości), kiedy duchowy rozwój człowieka pozna piękno i wielkość natury, stanie się jego przyjacielem, powstanie harmonia, ale na nowych warunkach, czyli naturalnie człowiek nie zstąpi do natury, ale wzniesie się do niej w swoim wysokim rozwoju. Umiejętność kochania podnosi człowieka i zbliża go do natury. Szczególne znaczenie w niemieckim romantyzmie ma muzyka, bohater często staje się muzykiem lub romantycy tworzą nagrania dźwiękowe.

Etap 2: etap Heidelberg

Pierwsza dekada XIX wieku przynosi zmiany w niemieckim romantyzmie: Novalis i Wackenroder umierają, Herderlin popada w szaleństwo, zmienia się filozofia braci Schlegel i Schelling. Blue Flower Novalisa pozostanie marzeniem, ale zmienił się stosunek do samego snu. Miejsce filozofów romantyzmu w Jenie zajmują filozofowie z Heidelbergu, którzy zwrócili się ku kolekcjonowaniu i wydawaniu sztuki ludowej. Zwrócenie się do folkloru na tym etapie nie było ucieczką od rzeczywistości, ale narzędziem budzenia w ludziach samoświadomości.

Umownie rok 1804 uważany jest za początek działalności koła heidelberskiego, choć pisarze tego okresu deklarowali się wcześniej.

Podczas gdy romantycy z Jeny dążą swoim marzeniem do piękna i uniwersalności, Heidelbergerzy od początku odczuwają nieodróżnialne sprzeczności świata.

Tragedię potęgują wojny i zniszczenia, jakie sprowadziły na Niemcy kampanie napoleońskie. Nieprzypadkowo w sztuce tego okresu pojawiają się cechy baroku: śmierć, krew, śmierć rodziny, zniszczenie dobrych uczuć, rozbite charaktery, nienaturalność w stosunkach międzyludzkich. Na czele ruchu stali Achim von Arnim i Clemens Brentano. Do tej samej grupy dołączyli Heinrich von Kleist i Joseph von Eichendorff. Szczególne miejsce zajmują bracia Grimm (Jacob i Wilhelm). Hoffmann nie jest członkiem żadnego stowarzyszenia, dopełnia rozwój romantyzmu w Niemczech. Jego twórczość odzwierciedla kryzys niemieckiego romantyzmu.

Na nowym etapie kształtuje się nowa filozofia Arthura Schopenhauera, który w swoim głównym dziele „Świat jako wola i reprezentacja” twierdzi, że człowiek istnieje w bezlitosnym, nieświadomym, losowo stworzonym świecie.

U Schopenhauera uczucie miłości zostaje zastąpione współczuciem, ponieważ miłość jest mirażem, który natura tworzy w celu promowania reprodukcji gatunku.

Śmierć, która dla Novalisa była przejściem do nowego życia, do nowej doskonałości, traci w twórczości Schopenhauera życiodajną moc i jest końcem bolesnej tęsknoty za śmiercią. Według Schopenhauera sam świat istnieje tylko dlatego, że człowiek jest w stanie go reprezentować. „Świat to mój pomysł”. Jak wszyscy romantycy, Schopenhauer wysoko cenił muzykę, która jego zdaniem opowiada o istocie świata.

Schopenhauer rozwinął doktrynę geniuszu, ale jeśli Jensen widział w geniuszu ucieleśnienie najwyższej twórczej zasady - harmonii, to Schopenhauer twierdził, że patologia jest podstawą geniuszu.

Filozofia Schopenhauera znajduje odzwierciedlenie w pracach Arnima, Kleista i Hoffmanna.

W późnym romantyzmie pojawia się rzeczywistość i prawdziwi ludzie. Bohaterami są nauczyciele, uczniowie, kupcy ze swoimi codziennymi sprawami w zwykłym materialnym środowisku. Sąsiaduje z czarodziejami, fantastycznymi posiadłościami.

Tak więc pojawienie się stylu biedermeier należy do tego czasu. Istotą tego stylu jest przedstawianie zwykłych ludzi w zwyczajnej scenerii.

Po 1806 r. Heidelbergowie zaczynają w nowy sposób interpretować wizerunki jeneńskich romantyków.

Sztuka była postrzegana przez romantyków jako synteza zasad duchowych i materialnych. Sam artysta tworzy mitologię. Artysta ma prawo organizować początkowy chaos, który na tym etapie romantyzmu postrzegany jest jako owocny (Schilling).

Novalis i Heidelbergerowie mają nieodłączne cechy tworzenia mitów. Schelling afirmuje ideę syntezy i rozwija teorię ironii romantycznej. Romantycy mówili, że nie da się poznać świata tylko przy pomocy rozumu.

Schilling za Fichtem wymienia główne narzędzia poznania: intelekt, intuicję i produktywną kontemplację (ideą transcendentalności jest przekraczanie granicy: intuicja i kontemplacja stwarzają możliwość bycia blisko prawdy). Bohaterowie romantyków zawsze kontemplują swoje życie nie poprzez wydarzenia zewnętrzne, ale poprzez intensywne życie duchowe.

Kontemplować świat można tylko z dziecinną naiwnością. To nie przypadek, że postrzeganie romantyków przez dzieci jest podobne do poetyckiego. Kontemplacja sprzeciwia się naukowej wiedzy logicznej. Kontemplacja związana jest z emocjonalnym postrzeganiem impulsów pochodzących z natury, z wewnętrznego „ja” jednostki.

Kontemplacja dzieli się na odrębne akty.

Schlegel: Pojedyncze doznania, z których każde jest samo w sobie izolowane, każde nie jest połączone z drugim.

Tak powstają przesłanki filozoficzne nowego gatunku, fragmentu.

Idea fragmentarycznej percepcji stanie się podstawową zasadą romantycznego światopoglądu i romantycznej estetyki. Nieprzypadkowo prace filozoficzne i estetyczne Novalisa i Schlegla nazywane są „fragmentami”. Yenetowie budują swoje dzieła jako łańcuch fragmentów. Koncepcje kontemplacji i wglądu oparte są na ideach filozofów (Schleielmachera i Schellinga).

Nie są ograniczone ścisłymi prawami logiki, opierają się na swobodnych połączeniach rzeczy i zjawisk, potrafią łączyć zdarzenia niekompatybilne w rzeczywistości, jak i urojone.

Wyobraźnia polityczna uwalnia sztukę od norm, zakazów i starych formalności. Stąd wolność twórcza, synteza gatunków i sztuk, zakazana przez klasycyzm.

Ernst Hoffmann

Osobowość jest uniwersalna. Postrzegał się jako muzyk i był utalentowanym kompozytorem, wykonawcą i dyrygentem. Był nauczycielem muzyki. Zyskał światową sławę jako pisarz, studiował prawo i przez pewien czas pracował jako prawnik, miał talent artysty, malarza i dekoratora. Współcześni zauważyli w nim niesamowite zdolności gawędziarza.

Pierwsze opowiadanie (bajka „Cavalier Glitch”) poświęcone jest osobowości szczególnie czczonego przez niego kompozytora. Ta opowieść znajduje się w zbiorze „Fantasy na sposób Callota”. Callot to francuski grafik, autor niesamowitych, fantastycznych obrazów. Śmiała fantazja Callo przyciągnęła Hoffmanna, ponieważ jego prace łączyły to, co dziwne i znane.

„Fantazja na sposób Callo” zawiera opowiadania – bajki i 2 „Kreislerian”, które są nie tylko fragmentami z życia drugiego „ja” autora – kompozytora Kreislera – ale także artykułów o muzyce i muzykach.

Baśń „Cavalier Gluck” (1809) jest swoistym odtworzeniem autorskiej „iluzorycznej krainy duszy”, a jednocześnie oddaje w fantastycznej formie jedność rozwidlonego świata: głównego bohatera, który sam siebie nazywa Kompozytor Gluck ostro przeciwstawia się światu realnemu, w którym najwyższa sztuka - muzyka - zamienia się w coś na kształt deseru, niezbędnego po dobrej kolacji.

Prawdziwy Gluck zmarł w 1787 roku, ale Hoffmann odtwarza swoje spotkanie z nim, słucha jego wykonania na fortepianie swoich utworów, rozmawia z nim o muzyce przeszłości i teraźniejszości. Czytelnik wciąż ma wątpliwości, czy to naprawdę była usterka, czy też wszystko przedstawione jest tylko wytworem wyobraźni narratora. Zasada podwójnego wyjaśniania niesamowitych zjawisk stanie się jedną z najbardziej charakterystycznych cech poetyki Hoffmanna.

Hoffmann podążając za Novalisem, a jednocześnie spierając się z nim, tworzy swój własny symbol – słonecznik, który ma ukazać istotę muzyka i muzyki. Ale słonecznik jest rośliną hodowaną do spożycia przez ludzi. Novalis ma niebieski kwiat - filozoficzna abstrakcja.

Słonecznik zawsze zwrócony jest w stronę słońca, Gluck Hoffmanna zwraca się ku słońcu, kiedy tworzy swoje najlepsze dzieło. W tłumaczeniu z niemieckiego słonecznik oznacza „słoneczny kwiat”. Temat słońca jako zasady twórczej przeciwstawia się tematowi nocy, zmierzchu, które dla Novalisa były podstawą twórczości. Hoffmann uwielbia jasne kolory, światło dzienne, noc jest dla niego pełna niebezpieczeństw, zniszczenia, to nie przypadek, że Hoffman nazwał kolekcję opowiadającą o zwycięstwie ciemnych sił „Nocnymi opowieściami”.

Bajka „Złoty garnek” (1814) jest jednym z arcydzieł pisarza, reprezentującym zarówno jego światopogląd, jak i najważniejsze zasady estetyczne. Mówiąc o Hoffmannie, należy zauważyć, że wszyscy jego bohaterowie dzielą się na muzyków (entuzjastów) i nie-muzyków (po prostu życzliwi ludzie).

Postacie reprezentują dwa światopoglądy i można je podzielić na dwie grupy. Żyjącego w świecie wyobraźni studenta Anzelma należy przypisać entuzjastycznym muzykom. Słyszy i widzi to, czego inni nie słyszą ani nie widzą. Na bzu słyszy dziewczęce głosy i widzi tam zielone węże o niesamowitych niebieskich oczach. Hoffmann nie odrywa go od rzeczywistości, ale jest mu wrogo nastawiona: plami nowy frak lub rozdziera go, kanapka Anzelma upada na ziemię zamazaną stroną, wkracza nogą do kosza z jabłkami i ciasta, powodując gniew i łajanie kupca.

1) poziom imienia, gdy główny bohater otrzymuje w prezencie nocną wazon;

2) opowieść jest podzielona nie na rozdziały, ale na vegilia („nocne czuwanie”, „bezsenność”). W 1805 roku ukazała się powieść Nocne czuwania, nazwisko autora wciąż nie jest znane, ale bardziej prawdopodobne jest, że tę parodię idei i obrazów romantyków z Jeny stworzył Schelling. Autor zwraca w ten sposób uwagę na to, że swoje opowiadania zapisuje nocą (najbardziej owocny czas dla Yeńczyków). W dziele rozgrywają się najbardziej niesamowite wydarzenia, jego bohaterowie, w przeciwieństwie do romantyków pierwszego etapu, bynajmniej nie przemienią świata mocą swojego Ducha - ich myśli skierowane są na osobiste interesy. Samo słowo „vegilia” można rozumieć zgodnie z zasadą Hoffmanna i jako czas nocnej bezsenności, kiedy człowiek nie jest całkowicie odpowiedzialny za swoje czyny i myśli.

Wśród arcydzieł znajduje się „Mały Tsakhes, nazywany Zinnober” (1819), w którym groteska jest podstawą kompozycji i konstrukcji wizerunku bohatera. Podstawą konfliktu i wizerunku bohatera jest konfrontacja istoty z wyglądem, a wygląd zewnętrzny jest silniejszy od esencji.

Mały Tsakhes, syn biednej wieśniaczki, urodził się wyjątkowo brzydki: porównywany jest do jabłka nawleczonego na widelec. Nie potrafi nawet mówić elokwentnie. Wróżka Rosabelverde, litując się nad nim i jego matką, obdarzyła dziwaka 3 ognistymi włoskami, dzięki czemu zaczęli przypisywać mu cudowne właściwości osoby, która jest obok niego.

Autor potęguje wrażenie piętrząc absurdy: Tsakhes otrzymał rangę ministra i order tygrysa cętkowanego na 25 diamentowych guzikach. Tsakhes ginie w finale, topiąc się w „luksusowym srebrnym nocniku”, który książę dał mu na znak szczególnego miłosierdzia.

Ironia autora w tej opowieści staje się bardziej gorzka niż wcześniej. Szczęście ucznia Balthasara w finale okazuje się możliwe już nie w Atlantydzie, gdzie Anzelm rozumie głosy wszystkich kwiatów, drzew, ptaków i strumienia, ale w magicznej posiadłości Prospero Alpanus: tam zawsze będzie świecić słońce podczas prania jedzenie nie spali się, a sama piękna Candida nie straci dobrego nastroju, jeśli nie zdejmie magicznego naszyjnika. Balthazar nie zauważa, że ​​jego ukochana jest zwykłym mieszczaninem.

Świat przedmiotowy, wcześniej wrogi bohaterowi-muzykowi, zaczyna mu służyć, choć przeczy to istocie takiego charakteru. Co więcej: myli się sam nosiciel jasnego początku - wróżka Rosabelverde. Myśląc o pożytku nieszczęsnego „pasierba natury”, obdarza go magicznym darem, zakładając, że zdoła obudzić wewnętrzne właściwości jego duszy. Jednak wbrew jej woli zamienia się w nosiciela złych skłonności, powodując wiele cierpienia tym, którzy naprawdę mają wysokie cechy duchowe.

Szczególnie obrazowo przedstawione są te dwa światy: na jednym biegunie stoją uczeń Balthazar, jego przyjaciele Fabian i Pulcher, na drugim, w centrum którego stoi Tsakhes, książę wprowadzający oświecenie za radą swego byłego lokaja, „naukowca” Mosha Terpin, który doszedł do wniosku, że ciemność wynika z braku światła i jest gotów sprzedać swoją córkę Candida jako żonę Tsakhesowi, jeśli otrzyma Order Tygrysa Zielonoplamitego. Sama piękna Candida nie jest pozbawiona filisterskich skłonności.

Groteska wciąż jest podstawą tworzenia postaci. Hoffmann jest właścicielem 2 powieści: „Napój szatana” i „Światowe poglądy kota Murra”.

Ostatnia powieść nie została ukończona. Zawiera wiele wcześniejszych idei i form tkwiących w Hoffmannie, urzeczywistniają się one w specyficznej formie kompozycji i nowej interpretacji dualnego świata. Hoffmann kontynuuje zarysowany już w baśniach trend zbieżności baśni z rzeczywistością. Rzeczywistość w tej powieści coraz bardziej dąży do uzyskania adekwatnych do niej form i dlatego z jednej strony następuje pewnego rodzaju przemieszczenie fantazji, z drugiej zaś świat realny zostaje rozwarstwiony na pewną liczbę. warstw. Rzeczywistość zamienia się w parodię, w której hiperbola jest nie mniej wyrazista niż fikcja baśni.

Jedna z warstw powieści opisuje relacje między Julią a kompozytorem Johannem Kreislerem, ale Hoffmann pokazuje, że główną historią jest historia kota Murra. Biografia kota, jego refleksje mają odrębną, niezależną rolę.

Murriana zamienia się w krzywe lustro, w którym odbija się świat ludzi. Istnieje podwójna krzywizna, która oddaje rzeczywistość, brzydką rzeczywistość.

Jednocześnie tekst stworzony przez kota jest najważniejszy, a biografia Kreislera (jego właściciela) trafia do druku jakby przez przypadek: kot przenosi na nie swój opis.

Prymat tego tekstu autor potwierdza faktem, że opowieść kompozytora trafia tylko na makulaturę. Rozdziały pisane przez kota łamią się w środku frazy, która kończy się dopiero w następnym fragmencie. „Śmieci” to fragmenty, których nie łączy spójna prezentacja wydarzeń.

U podstaw dzieła leży ogólna romantyczna zasada fragmentacji, która wyklucza jednoznaczność i kompletność.

Specyfika kompozycji polega na tym, że czasami to, co napisał kot, częściowo powtarza się w innej interpretacji w „śmieciach”: wspomnienia kota z jego pojawienia się w domu maestro Abrahama przedstawione są w tonach syntementalno-potetycznych. Sam Abraham opowiada o tym, jak zlitował się nad na wpół martwym kotem, a potem zapomniał o nim w kieszeni.

Podwójna ulica. patos tkwiący w kotu, który uważa się za osobę wyjątkową. Kot Murr jest pomyślany przez autora jako parodia filistera, który wyobraża sobie, że jest osobą twórczą.Kot nazywa siebie obywatelem świata, opowiada o zasadach wychowania, zastanawia się nad pismami Plutarcha, Szekspira, Goethego, Halderona Sam kot jest autorem traktatu politycznego „O pułapkach na myszy i ich wpływie na myślenie i zdolności kota”, a także autorem powieści sentymentalnej „Myśl i rozsądek lub kot i pies” oraz tragedii „Szczur Król Kawdallor”.

Kot opowiada o lirycznym stanie swojej duszy, o miłości, która

Amerykański romantyzm

Specyficzne cechy, które pojawiły się w związku ze specyfiką rozwoju kraju. Dopiero historia państwa zaczyna się od 1776 roku - roku uchwalenia deklaracji niepodległości. Pojęcie „Amerykanin” obejmuje Francuzów, Holendrów, Anglików, Hiszpanów i Hindusów.

Amerykanie wywodzą się od poszukiwaczy przygód. Dość szybko tworzy się typ narodowy, który odznaczał się głęboką wiarą w wyjątkowe możliwości własne i państwa. Miłość do własnego kraju przeradza się czasem w narodową dumę. Asymilacja przebiegała bardzo szybko. Ameryka przyciągała tych Europejczyków, którzy stracili wszystko w swojej ojczyźnie, posiadali gigantyczną energię, którą chcieli urzeczywistnić na ziemiach, które wydawały im się opuszczone, i idealistów, którzy dążyli do zorganizowania nowego państwa, w którym wszyscy byliby wolni.

W zasadzie wszystkich łączył fakt, że byli praktykami, którzy nie mieli czasu na angażowanie się w sztukę i literaturę, ale wszyscy byli energiczni. To nie przypadek, że literatura amerykańska stała się później znana jako literatura energetyczna. W najlepszym razie czytali gazety, w których interesowali się krótkimi reportażami, esejami, broszurami „na temat dnia”. Pamflet od 300 lat jest najpopularniejszym gatunkiem.

F. Cooper powiedział o Ameryce, że najpierw powstał w niej druk, a potem pisarze. Postać publiczna John Adams: „Sztuka nie jest dla nas pierwszą potrzebą – nasz kraj potrzebuje rzemiosła”. Kraj miał swoich filozofów - polityków, którzy marzyli o stworzeniu idealnego państwa: Jerzego Waszyngtona i Thomasa Jeffersona. Ten ostatni był autorem „Deklaracji Niepodległości” i brał udział w redagowaniu konstytucji z 1787 r. Było więc coś, co później nazwano „amerykańskim snem”, który nigdy nie został zrealizowany.

Kraj jest głównie anglojęzyczny, Ameryka Północna w dziedzinie kultury i literatury skłania się ku Anglii. Bez własnej literatury powieści Richardsona, Swifta i Fleeding były publikowane w Ameryce do końca XVIII wieku. Stosunek do literatury Europy był dwojaki:

1) konieczność obrony niepodległości narodowej;

2) potrzeba maksymalnego wykorzystania doświadczeń bardziej rozwiniętej literatury Starego Świata.

Koniec XVIII wieku to narodziny własnej literatury amerykańskiej i należy to przypisać praromantyzmowi. Charles Brown jest pierwszym profesjonalnym pisarzem.

Literatura USA wciąż ma państwa rozwijające się inaczej, literatura Południa bardzo różni się od literatury Północy. To, co nazywamy romansem amerykańskim (a tak narodziła się amerykańska literatura narodowa) rozwijało się głównie w środkowych stanach (Nowy Jork i Pensylwania). Dopiero w drugim etapie ruch romantyczny umocnił się w Nowej Anglii, a Boston stał się stolicą nowej literatury narodowej. Istnieją 3 okresy w rozwoju amerykańskiego romantyzmu:

1) 1820-183 - pojawienie się prozy Fenimore'a Coopera i Johna Irvinga.

2) kon. 1830-1840 (dojrzały) - Longfellow.

3) 1850 - początek wojny domowej.

Wszyscy powyżej są pisarzami, ale przetrwali poważny kryzys.

Na wczesnym etapie stosunek pisarzy do swojej twórczości okazuje się nieco protekcjonalny, ponieważ w stanie, w którym liczy się przede wszystkim sukces, literaturę uważa się za bezczynną rozrywkę. Tłumaczy to niekiedy niską jakość prac (F. Cooper).

W Etapie 2 pojawiają się Longfellow i Edgar Allan Poe z jego zainteresowaniem psychologią głębi. Nowy czas rodzi nowe konflikty: pasta kapitału staje się bardziej cyniczna, demokratyczne ideały i rzeczywistość coraz bardziej się rozchodzą. Romantycy drugiego etapu uważają, że dojrzewa zmiana samej osoby. Idea Emersona „O samokształceniu” stała się bardziej aktualna.

Na tym etapie pojawia się krytyka zawodowa (artykuły EA Poe).

Wiek XIX jako epoka kulturalna rozpoczyna się w kalendarzu XVIII w. wydarzeniami Wielkiej Rewolucji Francuskiej z lat 1789-1793. Była to pierwsza rewolucja burżuazyjna na skalę światową (poprzednie rewolucje burżuazyjne z XVII wieku w Holandii i Anglii miały ograniczone znaczenie narodowe). Rewolucja francuska oznacza ostateczny upadek feudalizmu i triumf systemu burżuazyjnego w Europie, a wszystkie aspekty życia, z którymi burżuazja styka się, mają tendencję do przyspieszania, intensyfikacji, zaczynają żyć zgodnie z prawami rynku.

XIX wiek to epoka politycznych wstrząsów, które zmieniają mapę Europy. W rozwoju społeczno-politycznym Francja stała na czele procesu historycznego. Wojny napoleońskie z lat 1796-1815, próby przywrócenia absolutyzmu (1815-1830) oraz szereg późniejszych rewolucji (1830, 1848, 1871) należy uznać za konsekwencje Rewolucji Francuskiej.

Wiodącą potęgą światową XIX wieku była Anglia, gdzie wczesna rewolucja burżuazyjna, urbanizacja i industrializacja doprowadziły do ​​powstania Imperium Brytyjskiego i dominacji na rynku światowym. Dogłębne zmiany zaszły w strukturze społecznej społeczeństwa angielskiego: zniknęła klasa chłopska, nastąpiła ostra polaryzacja bogatych i biednych, czemu towarzyszyły masowe demonstracje robotników (1811-1812 - ruch niszczycieli obrabiarek, Luddites, 1819 - wykonanie demonstracji robotników na Polu Świętego Piotra pod Manchesterem, która przeszła do historii jako "bitwa pod Peterloo"; ruch czartystowski w latach 1830-1840). Pod presją tych wydarzeń klasy rządzące poszły na pewne ustępstwa (dwie reformy parlamentarne – 1832 i 1867, reforma szkolnictwa – 1870).

Niemcy w XIX wieku boleśnie iz opóźnieniem rozwiązały problem stworzenia jednego państwa narodowego. Po spotkaniu nowego stulecia w stanie feudalnego rozdrobnienia, po wojnach napoleońskich Niemcy przekształciły się z konglomeratu 380 państw karłowatych najpierw w związek 37 niepodległych państw, a po połowicznej rewolucji burżuazyjnej w 1848 r. kanclerz Otto von Bismarck postanowił stworzyć zjednoczone Niemcy „z żelazem i krwią”. Zjednoczone państwo niemieckie zostało proklamowane w 1871 roku i stało się najmłodszym i najbardziej agresywnym z burżuazyjnych państw Europy Zachodniej.

Stany Zjednoczone Ameryki w XIX wieku opanowały rozległe przestrzenie Ameryki Północnej, a wraz ze wzrostem terytorium rósł potencjał przemysłowy młodego narodu amerykańskiego.

W literaturze XIX wieku dwa główne kierunki - romantyzm i realizm. Epoka romantyzmu rozpoczyna się w latach dziewięćdziesiątych XVIII wieku i obejmuje całą pierwszą połowę stulecia. Jednak główne elementy kultury romantycznej zostały w pełni określone i ujawniły możliwości potencjalnego rozwoju do 1830 roku. Romantyzm to sztuka zrodzona z krótkiego historycznego momentu niepewności, kryzysu, który towarzyszył przejściu z systemu feudalnego do systemu kapitalistycznego; kiedy do 1830 r. określono zarysy społeczeństwa kapitalistycznego, romantyzm został zastąpiony sztuką realizmu. Literatura realizmu początkowo była literaturą singli, a sam termin „realizm” pojawił się dopiero w latach pięćdziesiątych XIX wieku. W masowej świadomości społecznej romantyzm nadal pozostawał sztuką współczesną, w rzeczywistości wyczerpał już swoje możliwości, dlatego w literaturze po 1830 r. romantyzm i realizm oddziałują w sposób złożony, w różnych literaturach narodowych generując nieskończoną różnorodność zjawisk, które nie da się jednoznacznie sklasyfikować. W rzeczywistości romantyzm nie umiera przez cały XIX wiek: od romantyków początku wieku przez późny romantyzm do symboliki, dekadencji i neoromantyzmu końca stulecia prowadzi prosta linia. Przyjrzyjmy się systemom literackim i artystycznym XIX wieku na przykładach ich najwybitniejszych autorów i dzieł.

XIX wiek - wiek dodawania literatury światowej gdy kontakty między poszczególnymi literaturami narodowymi ulegają przyspieszeniu i intensyfikacji. Tak więc literatura rosyjska XIX wieku żywo interesowała się twórczością Byrona i Goethego, Heinego i Hugo, Balzaka i Dickensa. Wiele ich obrazów i motywów bezpośrednio odbija się echem w rosyjskiej klasyce literatury, więc wybór utworów do rozważania problemów literatury obcej XIX wieku jest tu podyktowany, po pierwsze, niemożliwością, w ramach krótkiego kursu, nadania właściwe ujęcie różnych sytuacji w różnych literaturach narodowych, a po drugie, stopień popularności i znaczenia poszczególnych autorów dla Rosji.

Literatura

1. Literatura obca XIX wieku. Realizm: Czytelnik. M., 1990.
2. Morois A. Prometeusz, czyli życie Balzaka. M., 1978.
3. Reizov B. G. Stendhal. Kreatywność artystyczna. L., 1978.
4. Praca Reizova B.G. Flauberta. L., 1955.
5. Tajemnica Karola Dickensa. M., 1990.

Przeczytaj także inne tematy rozdziału „Literatura XIX wieku”.

1. Cechy i techniki psychologii realistycznej w powieściach Flauberta i Thackeraya.

Flaubert i Thackeray to przedstawiciele późnego okresu realizmu z nowym psychologizmem. W tym czasie konieczne było zatwierdzenie samej osoby i obalenie romantycznego bohatera. „Edukacja zmysłów” Flauberta to obalenie całej romantycznej koncepcji. Tłumaczenie francuskie: "EducationSentimentale" - edukacja zmysłowa. Flaubert napisał wyzywająco obiektywną, prawdziwą książkę. Choć bohater, Fryderyk, jest ucieleśnieniem realistycznego bohatera, ma też cechy romantyczne (przygnębienie, melancholia).

Kreatywność Flaubert była punktem zwrotnym. Jego psychologia dała korzenie całej późniejszej literaturze. Flaubert stawia artystyczny problem niejednoznaczności konwencjonalnej natury. Nie potrafimy odpowiedzieć na pytanie, kim jest Emma Bovary – porządna buntowniczka czy zwykły cudzołożnik. Po raz pierwszy w literaturze pojawił się bohater nieheroiczny (Bowary).

Dominujący psychologizm Thackeraya: w prawdziwym życiu mamy do czynienia ze zwykłymi ludźmi, a oni są bardziej skomplikowani niż aniołowie czy po prostu złoczyńcy. Thackeray sprzeciwia się sprowadzaniu człowieka do jego roli społecznej (osoby nie można oceniać według tego kryterium). Thackeray staje przeciwko idealnemu bohaterowi! (podtytuł: „powieść bez bohatera”). Tworzy idealnego bohatera i umieszcza go w realnej ramie (Dobbin). Ale przedstawiając prawdziwego bohatera, Thackeray nie przedstawiał ludzi, ale tylko klasę średnią (miasto i prowincję), ponieważ sam pochodził z tych warstw.

Flaubert demaskuje jednak ten świat nie tyle przeciwstawiając mu się bohaterkę, ile poprzez nieoczekiwaną i śmiałą identyfikację pozornie przeciwstawnych zasad – depoetyzacja i deheroizacja stają się znakiem rzeczywistości mieszczańskiej, rozciągającej się zarówno na Karola, jak i Emmę. do rodziny burżuazyjnej i na pasję, na miłość, która niszczy rodzinę.

Główne cechy:

Zastąpienie opisu kulminacji opisem działań, faktów.

Zmienia się mowa charakterystyczna dla postaci - nie zawsze mówi się o tym, co myśli. Wprowadza się PODTEKST (pośrednie wyrażanie myśli).

2. Wpływ powieści historycznej Waltera Scotta na kształtowanie się poglądów estetycznych Stendhala i Balzaka.

Stendhal : idea ta została wyrażona w jego traktatach Racine i Shakespeare oraz Walter Scott i księżna Kleve.

„Walter Scott i księżniczka”: Stendhal mówi, że o wiele łatwiej jest opisać, namalować obraz sukienki bohatera, niż powiedzieć, co czuje i zmusić do mówienia.

Zaletą Waltera Scotta jest to, że opis jego wyglądu ma co najmniej dwie strony, a jego ruchy duchowe zajmują kilka linijek. Jego prace mają wartość dowodu historycznego.

Nasze stulecie zrobi krok naprzód w kierunku prostszego i bardziej zgodnego z prawdą gatunku. Jestem przekonany, że 10 lat wystarczy, aby sława Waltera Scotta spadła o połowę.

Każde dzieło sztuki to piękne kłamstwo. Ale Walter Scott był zbyt wielkim kłamcą. Im bardziej bohaterowie Scotta muszą wyrażać wzniosłe uczucia, tym bardziej brakuje im odwagi i pewności siebie.

Stendhal pisze, że sztuka nie toleruje wiecznie zamrożonych reguł.

„Racine i Szekspir”: Powieści Waltera Scotta to tragedie romantyczne z wpisanymi w nie długimi opisami (uwaga na szeroki obraz życia z przeszłości, historyzm wydarzeń oraz szczegółowy opis strojów, drobiazgów, przedmiotów gospodarstwa domowego odpowiadających opisywanej epoce).

Scott przedstawiał ludzi z przeszłości bez fałszywej gloryfikacji, w ich codziennym zachowaniu, w ich żywym związku z życiową i historyczną sytuacją ich czasów. Zabrał mu go Stendhal.

Ale w przeciwieństwie do swojego „nauczyciela” przedstawia swoje postacie nie za pomocą szczegółowych, ale raczej warunkowych cech, jak czynił to Walter Scott w swoim czasie, ale w działaniu, w ruchu, w czynach. Ponadto, w przeciwieństwie do Scotta, Stendhal nie korzysta z odniesień historycznych. Jest to raczej romans obyczajowy, a jego postacie są zawarte w historii.

Powieść „Czerwone i czarne” jest policentryczna, z szerokim epickim obrazem, takim jak Scott. Wiele postaci w tle.

Balzak: Oferując czytelnikom swoją koncepcję historii, Balzac w dużej mierze podąża za Walterem Scottem, choć krytykuje go za nieumiejętność wydobycia z przeszłości wielkich „nauk” z przeszłości na przyszłość i pokazania ruchów ludzkiej pasji. Zadaniem powieści historycznej Balzaka jest ukazanie narodowej przeszłości nie tylko w opisie wydarzeń historycznych, ale także w obrazach rodzajowych, ukazanie obyczajów i obyczajów epoki.

W jego „Przedmowa do ludzkiej komedii” pisze, że Scott podniósł powieść na poziom filozofii historii, wprowadził do powieści ducha przeszłości, połączył w niej dramat, dialog, portret, pejzaż, opis, w tym prawdę i fikcję. Balzac w swoich wczesnych utworach wykorzystywał tradycje Waltera Scotta („Ostatni Shuang”, z wizerunkiem gotyckiego romantycznego złoczyńcy i panów feudalnych cierpiących z powodu ich arbitralności).

3. Oświeceniowy charakter bohaterski w romantycznych bohaterach Stendhala.

W broszurze Racine i Szekspir

4. Problem włoskiego charakteru w twórczości Stendhala.

Włosi są znani przez całe życie jako najbardziej namiętni, najbardziej emocjonalni ludzie z nieustannie gotującą się krwią. W swoich „Kronikach włoskich” iw powieści „Klasztor w Parmie” Stendhal wyraźnie opisuje kilka typowych włoskich postaci. lubiłam Pietro Missirilli, ludowy śpiewak wolności Ferrante Palla oraz Gina Pietranera. Oczywiście włoskiemu charakterowi można również przypisać samego hrabiego Moscę i samego Fabrizio Del Dongo.

Bohaterowie powieści "Wanina Vanini" - pochodzą z dwóch różnych klas Chance popchnął młodego carbonariusa, syna biednego chirurga, z piękną arystokratką. Od dzieciństwa wychowywała się w luksusie, nie znała zakazów i ograniczeń, dlatego dla niej miłość jest przede wszystkim. Ideały społeczne jej kochanka nic nie mówią jej sercu. W swojej samolubnej ślepocie postępuje tak szczerze, że nie można jej potępić. Stendhal jest daleki od nagiego moralizatorstwa. Podziwia swoją bohaterkę, jej urodę, siłę jej uczuć. Osąd autorki nie dotyczy jej, ale jej środowiska, jej klasy.

Pewnego dnia Vanina podąża za ojcem, spotyka krwawiącą kobietę Clementine i pomaga jej. Dwa dni później bardzo choruje i wyjawia Vaninie, że jest karbonariuszem. Pietro Missirilli z Romagno, syn biednego chirurga. Jego ujście zostało otwarte i cudem uciekł. Zakochuje się w Vaninie, ale po wyzdrowieniu wraca, by się zemścić. Jest zbyt pasjonatem patriotyzmu, a Vanina takiego nie lubi. I zdradza jego potomstwo, ventu. On, dowiedziawszy się o tym, opuszcza ją. Poczucie obowiązku wobec ojczyzny jest wyższe niż ich osobiste. Ale potem, kiedy zostaje wzięty do niewoli, Vanina idzie i grozi pistoletem ministrowi policji, wujowi jej narzeczonego Livio, by Pietro został uwolniony. Ale nawet wtedy Pietro pozostaje przede wszystkim wierny swojej ojczyźnie. I tak się rozchodzą.

Gina Pietranera- typowy jasny włoski charakter: lombardzkie piękno, płonąca, namiętna natura, gotowa poświęcić wszystko dla jakiegoś celu, miłość (dla Fabrizio). Umysł, subtelność, włoski wdzięk, niesamowita samokontrola. Gina ukrywa F. w Novarze z księdzem i próbuje odwołać prześladowania wpływowych ludzi. Spotyka hrabiego Mosca de la Rovere, ministra księcia Parmy Ranucio dello Ernesto 4. Moskwa jest mężatką, ale kocha Ginę, zaprasza ją do fikcyjnego poślubienia księcia Sanseverin, aby mieć pieniądze i wpływy. Ona się zgadza. Wpływ i władza. Zaczyna opiekować się Fabrizio z pomocą Moski.

Ferrante Palla- liberalny lekarz, radykał i republikanin, spiskowiec, oddany ojczyźnie i błąkający się po Włoszech i śpiewający o wolności republiki. Ma przekonanie, majestat, pasję wierzącego. Wielki w swojej biedzie gloryfikuje Włochy z ciemności swoich kryjówek. Nie mając chleba dla swojej kochanki, pięciorga dzieci, rabuje na głównej drodze, aby je nakarmić. I prowadzi listę wszystkich okradzionych, aby spłacić im tę przymusową pożyczkę w republice, kiedy podobnie myślący ludzie są u władzy. Należy do ludzi szczerych, ale oszukanych, pełnych talentu, ale nie znających szkodliwych konsekwencji jego nauczania. Kocha Ginę, ale nie ośmiela się brać pieniędzy, bo to nie jest dla niego najważniejsze. gotów jest poświęcić się, by ocalić Fabrycego. I zabija księcia, spełniając wolę Giny.

5. Temat Napoleona w twórczości Stendhala.

Zarówno Fabrizio, jak i Julien kłaniają się przed Napoleonem, idealizując go. Oboje są romantykami, tęskniącymi za romantycznymi wyczynami.

„Klasztor w Parmie”: Fabrizio dowiaduje się, że jego ukochany Napoleon ponownie wylądował we Francji (epoka 100 dni) i musi stoczyć decydującą bitwę pod Waterloo. Fabrycy jedzie na pole, aby wziąć udział - pędzi na pole, ale nawet nie rozpoznaje swojego bohatera Napoleona, gdy przechodzi obok (kiedy Napoleon i marszałek Ney przejeżdżali obok niego, nie mieli żadnego boskiego znaku, który odróżniałby ich od zwykłych śmiertelników) . Fabrycy widział w Napoleonie wyzwoliciela zniewolonych narodów. Myśląc o ocaleniu swojej ojczyzny, pokłada nadzieje w Napoleonie, bo dla niego nie chodziło tylko o osobistą chwałę, ale przede wszystkim o wyczyn nastawiony na dobro ojczyzny.

"Czerwony i czarny": Dla Juliena Sorela ideałem był Napoleon. Julien nie chodził do szkoły, ale studiował historię i łacinę u lekarza pułkowego, uczestnika kampanii napoleońskich, który przed śmiercią zapisał chłopcu miłość do Napoleona - plus medal i kilkadziesiąt książek. Od wczesnego dzieciństwa marzył o spotkaniu z nim. Porównał swoje przyszłe życie ze swoim życiem (spojrzała na niego genialna Madame de Beauharnais), Julien marzył, że pewnego dnia szczęście się do niego uśmiechnie i zakocha się w luksusowej damie. Był z niego dumny, że nieznany niegdyś porucznik Bonaparte został władcą świata i chciał powtórzyć swoje wyczyny.

Bardzo ciekawy odcinek, w którym Julien stoi na klifie i obserwuje lot jastrzębia. Zazdroszcząc ptakowi szybowania, chce się do niego upodobnić, wznosząc się ponad otaczający go świat. „Taki był los Napoleona, może to samo mnie czeka”. Ale był czas, kiedy Napoleon podbił wszystkie kraje. Ale stopniowo Julien zaczął rozumieć, że czasy chwały minęły, a jeśli wcześniej dla pospólstwa była to łatwa droga do sławy i pieniędzy - zostać wojskowym (pod Napoleonem), teraz wszystko tak nie jest.

Kiedyś w Verrieres zawładnęła nim myśl: moda na wojsko minęła (wojsko zarabiało pieniądze tylko w czasach chwały Napoleona), ale teraz lepiej zostać ministrem kościoła, aby zarobić więcej pieniądze.

Jeśli dla Juliena Napoleona jest najwyższym przykładem szczęśliwego karierowicza, to dla Fabrycego jest on wyzwolicielem Włoch, bohaterem rewolucji.

6. „Konwent w Parmie” Stendhala i „Studium na Bale” Balzaca.

„Klasztor Parmeński” : Królestwo Włoch. Markiz del Dongo to austriacki szpieg czekający na upadek Napoleona. Najmłodszy syn Fabrizio jest ulubieńcem ciotki Giny, żony zubożałego hrabiego Pietranera (wroga rodowego), poddanego księcia Eugeniusza i zagorzałego obrońcy Francuzów. Gina jest znienawidzona w rodzinie. Fabrizio uwielbia Napoleona, dowiaduje się, że wylądował w Zatoce Juan, ucieka na wojnę dla niego. Hrabina i jego matka wręczają mu diamenty. F. Bierze udział w bitwie pod Waterloo. Bitwa jest przegrana. Ojciec go przeklina. Hrabia Pietranera ginie w pojedynku o swoją pozycję. Gina ukrywa F. w Novarze z księdzem i próbuje odwołać prześladowania wpływowych ludzi. Spotyka hrabiego Mosca de la Rovere, ministra księcia Parmy Ranucio dello Ernesto 4. Moskwa jest mężatką, ale kocha Ginę, zaprasza ją do fikcyjnego poślubienia księcia Sanseverin, aby mieć pieniądze i wpływy. Ona się zgadza. Wpływ i władza. Zaczyna opiekować się Fabrizio z pomocą Moski. Hrabia prosi o ułaskawienie z Austrii. Chce uczynić arcybiskupem F. Parmy. Po 4 latach F. przybywa do Parmy w randze prałata (można nosić fioletowe pończochy). Pasja Giny do F. Książę podejrzewa i kopie pod nimi, pisze anonimowy list do swojego ministra Mosca. Z kolei Fabrizio lubi aktorkę Mariettę, która jest zależna od kota Gilettiego. bije ją, kradnie. F. Odchodzi z Mariettą, ale w pojedynku z Gilettim go zabija. Rozpoczyna się wędrówka. Odwiedza rodzime miejsca. W tym czasie książę Parmy ogłasza wyrok: 20 lat więzienia. Księżna stawia mu ultimatum. Markiza Raversi fałszuje listy księżnej do Fabrycego, gdzie umawia się z nim na spotkanie. Tam widzi Clelię Conti, córkę generała Fabio Conti. Zakochuje się w niej bez pamięci. Książę i fiskalny Rassi przygotowują się do otrucia Fabrizia, ale Clelia pomaga mu uciec. Mosca i Rassi zgadzają się przeciwko księciu. Palla Ferrante jest oddana, kocha Ginę, gotowa na wszystko. Daje mu pieniądze, ale on ich nie bierze. Oddaje swoje życie za Fabrycego, za nią. Przygotowują ognisko w zamku Sacca w Parmie. Fabrycy i księżna ukrywają się. Ale myśli tylko o Cleli.

Rewolucja. Palla Ferrante prawie wygrała. Powstanie tłumi hrabia Mosca. Na tronie siedzi Ranucio Ernesto 5, młody książę. Księżna może wrócić. Fabrizio zostaje uratowany, może zostać arcybiskupem. Ale Fabrycy nie jest ostrożny, ucieka do fortecy do Cleli. Ale przebywanie tam jest dla niego niebezpieczne. Gina pogrąża się w ostatniej rozpaczy, wyrywa księciu rozkaz uwolnienia F. i przysięga mu za to wierność. Po owdowieniu Mosca poślubia Ginę. Fabrizio jest już arcybiskupem. Następnie zostaje opisana ich miłość do Cleli - dramat (dziecko umiera, Clelia umiera, Fabrycy nie może tego znieść i też umiera w klasztorze w Parmie).

“Studium Bale'a ”: Balzac mówi w nim o trzech obliczach literatury, trzech szkołach - literaturze obrazów (wchłania wzniosłe obrazy natury), literaturze idei (szybkość, ruch, zwięzłość, dramat) i literackim eklektyzmie (pełny przegląd zjawisk , mieszanka dwóch poprzednich stylów). Jednak bez względu na to, w jakim gatunku jest napisane dzieło, pozostaje ono w pamięci ludzi tylko wtedy, gdy przestrzega praw ideału i formy.

Bayle - Stendhal. Wybitny mistrz literatury idei (należą do nich Musset, Merimet, Beranger). W tej szkole jest obfitość faktów, umiarkowanie obrazów, zwięzłość, przejrzystość. Ona jest człowiekiem.

Victor Hugo jest wybitnym przedstawicielem literatury obrazu (Chateaubriand, Lamartine, Gauthier). W tej szkole jest poetyckie nasycenie frazy, bogactwo obrazów, wewnętrzny związek z naturą. Ta szkoła jest boska. Natura woli człowieka.

Trzecia szkoła z mniejszym prawdopodobieństwem inspiruje masy (Scott, de Stael, Cooper, Sand).

Zasadniczo traktat poświęcony jest „klasztorowi w Parmie” Stendhala, który Balzac uważa za arcydzieło literatury ideowej naszych czasów. Balzac widzi jedyną i największą przeszkodę w popularności książki w tym, że mogą ją zrozumieć tylko ludzie rozumu – dyplomaci, naukowcy, myśliciele.

Balzac szczegółowo opisuje fabułę Siedziby i komentuje.

1. O hrabim Mosce - nie sposób nie rozpoznać w nim księcia Metternicha, przeniesionego jednak z wielkiego kanclerza Cesarstwa Austriackiego do skromnego Księstwa Parmy.

2. Księstwo Parmy i Ernesto Rausto IV – książę Modeny i jego księstwo.

3. Gina uważa hrabiego Moscę za największego dyplomatę we Włoszech.

4. Moscę ogarnia miłość do Giny, wielka, wieczna, bezgraniczna miłość, taka sama jak miłość Metternicha do pani Lakes.

5. Balzac opowiada o szerokich scenach namiętności, o pejzażach i barwach opisywanych w powieści akcji.

6. Mówi, że nie przeczytał nic bardziej ekscytującego niż rozdział o zazdrości hrabiego Mosca.

7. Scena, w której księżna Gina przychodzi pożegnać się z księciem i stawia mu ultimatum, jest najpiękniejszą sceną we współczesnej powieści. Nie chce ułaskawienia dla Fabrycego, książę po prostu musi wyznać niesprawiedliwość tej sprawy i napisać, że w przyszłości nie będzie to miało konsekwencji.

8. Balzac podziwia ostrość fabuły, zwrot wydarzeń i uczuć. Mówi: „Czy nie mówiłem, że ta książka jest arcydziełem?”

9. Podziwia wizerunek Palli Ferrante - republikanki i śpiewaczki wolności. Mówi, że chciał zrobić to samo zdjęcie (Michel Chrétien), ale mu to nie wyszło.

Balzac uwypukla także wady księgi:

Stendhal popełnił błąd w aranżacji wydarzeń (powszechny błąd, gdy podejmuje się historię, która jest prawdziwa w naturze, ale nieprawdopodobna w sztuce).

Rozciąganie początku i końca, sugerujące nową rundę.... To jest minus.

Słaby styl (niechlujna sylaba).

Na końcu traktatu księga musi być dopracowana i obdarzona blaskiem doskonałości.

7. Zasady kompozycji w powieściach Stendhala i Balzaka.

balzac: przywiązuje dużą wagę do kompozycji powieści. Balzac wcale nie rezygnuje z sytuacji niezwykłych, skomplikowanych intryg i ostrych sytuacji charakterystycznych dla powieści romantycznej. Daje jednak realistyczną motywację złożonym, zagmatwanym, czasem zupełnie niezwykłym wydarzeniom powieści, pokazując, że samo mieszczańskie życie, które przedstawia, zawiera w sobie wiele niezwykłości. Jest złożona, ma w sobie dużo dramatyzmu, dynamiki, zagmatwanych sytuacji. Dlatego w fabule swoich powieści nie uważa za konieczne porzucenie skomplikowanej intrygi, ale w tej różnorodności zawiłych faktów chce zbadać pojedynczy rdzeń, który kontroluje wszystkie wydarzenia. Balzac porzuca wiele starych tradycji w konstruowaniu powieści: od jednego bohatera (wielu bohaterów płynących z jednej powieści do drugiej).

Jednoczącą siłą wszystkich linii są interesy pieniężne. Wiele powieści opiera się na zderzeniu materialnych interesów różnych ludzi. Człowiek chce budować karierę, napotyka opór, pojawiają się walki i tak dalej. Sensem mojej pracy jest nadanie faktom z życia ludzi, faktom z życia codziennego, wydarzeniom z życia osobistego takiej wagi, jaką historycy przywiązywali do życia społecznego narodów.

W celu naukowej systematyzacji Balzac podzielił całą tę ogromną liczbę powieści na serie.

Stendhal: Stendhal, w przeciwieństwie do Balzaca, ma w powieści głównego bohatera. I Julien Sorel i Fabrizio. Powieści poświęcone są kształtowaniu się jednej osobowości bohatera, jego doświadczaniu różnych poglądów i pozycji.

Prawie wszystkie powieści Stendhala oparte są na prawdziwych wydarzeniach („Czerwony i czarny”: sprawa prawna Antoine'a Berthe'a, który zabił w kościele ...; „Klasztor Parma”: rękopis poświęcony skandalicznym przygodom papieża Pawła III) .

Stendhal również stara się objąć, jak Balzac, wszystkie sfery współczesnego życia społecznego, ale realizuje to na swój sposób: jego kompozycja jest kronikarno-linearna, uporządkowana przez biografię bohatera. Fabuła opiera się na życiu duchowym bohatera, na kształtowaniu jego postaci w interakcji z otoczeniem. (podtytuł Czerwony i Czarny - „Kronika XIX wieku”).

8. Temat Waterloo Stendhala i Thackeraya.

Stendhal: Scena bitwy pod Waterloo ma szczególne znaczenie w "Konworze Parmeńskim". Na pierwszy rzut oka wydaje się, że to tylko wstawiony epizod, ale ma to decydujące znaczenie dla dalszego przebiegu akcji powieści.

Opis bitwy w „klasztoru w Parmie” jest prawdziwy, genialny w swoim realizmie. Balzac chwalił wspaniały opis bitwy, o którym marzył dla swoich scen z życia wojskowego.

Bitwa pod Waterloo to początek akcji w powieści, protagonista od razu chce dokonać bohaterskiego czynu, wziąć udział w historycznej bitwie.
Podobnie jak Julien, Fabrizio jest przekonany, że bohaterstwo jest możliwe tylko na polu bitwy. Julien nie robi kariery wojskowej, Fabrizio dostaje taką szansę.

Bohater romantyczny, tęskniący za wyczynem, przeżywa najdotkliwsze rozczarowanie. Autor szczegółowo opisuje przygody Fabrycego na polu bitwy, krok po kroku odsłania upadek jego złudzeń. Gdy tylko pojawił się na froncie, został wzięty za szpiega i uwięziony, stamtąd uciekł.

Rozczarowanie:

Drogę jego konia blokuje zwłoki żołnierza (brudno-straszne). Okrucieństwo rani faceta w oczy.

Nie rozpoznaje Napoleona: pędzi na pole, ale nawet nie rozpoznaje swojego bohatera Napoleona, gdy przechodzi obok (kiedy Napoleon i marszałek Ney przejeżdżali obok niego, nie mieli na sobie żadnego boskiego znaku, który odróżniałby ich od zwykłych śmiertelników) .

Na polu bitwy Fabrycy niczego nie rozumie – ani gdzie jest wróg, ani gdzie są jego wrogowie. W końcu poddaje się woli swojego konia, który pędzi go nie wiadomo gdzie. Iluzje zostają zniszczone przez rzeczywistość.

To nie przypadek, że Stendhal kreśli paralelę między bitwą historyczną a przeżyciami bohatera. Wydarzenia historyczne nabierają w powieści symbolicznego znaczenia: bitwa pod Waterloo była politycznym grobem Napoleona, jego całkowitą klęską. Apel z „zagubionymi iluzjami” Fabrycego, upadek wszystkich jego marzeń o wielkim bohaterskim czynie.

Fabrycy nie udaje się „wyzwolić ojczyzny” – upadek nie tylko osobistych nadziei, to „stracone złudzenia” całego pokolenia. Po bitwie bohaterstwo, romans, odwaga pozostają osobistymi cechami Fabrycego, ale nabierają nowej jakości: nie są już nastawione na osiąganie wspólnych celów.

Thackeray: Główną cechą Thackeraya jest to, że nie przedstawił, nie opisał samej bitwy, samej bitwy. Pokazał tylko konsekwencje, echa bitwy. Thackeray szczegółowo opisuje scenę pożegnania George'a Osborne'a z Emilią, kiedy wojska Napoleona przekraczają Sambre. Kilka dni później zginie w bitwie pod Waterloo. Wcześniej jeszcze wysyła list do Emilii z frontu, że wszystko z nim w porządku. Następnie ranni sprowadzani są do miasta z pola bitwy, Emilia opiekuje się nimi, nie wiedząc, że jej mąż leży samotnie, ranny, na polu i umiera. Tak więc Thackeray opisuje bitwę obszernie, na dużą skalę, pokazując wszystko „przed i po” wydarzeniu.

9. Temat „rozczarowania” w Human Comedy Balzaca.

Lucien Chardon. Rastignac.

„Zagubione złudzenia” - żywić złudzenia - los prowincjałów. Lucien był przystojnym i poetą. Został zauważony w swoim mieście przez miejscową królową = Madame de Bargeton, która wyraźnie preferowała utalentowanego młodzieńca. Jego kochanek nieustannie powtarzał mu, że jest geniuszem. Powiedziała mu, że tylko w Paryżu będą mogli docenić jego talent. To tam otworzą się dla niego wszystkie drzwi. To wbiło się w jego duszę. Ale kiedy przyjechał do Paryża, kochanka go porzuciła, ponieważ w porównaniu do towarzyskich dandysów wyglądał jak biedny prowincjał. Został porzucony i pozostawiony sam, ale wszystkie drzwi się przed nim zamknęły. Zniknęła złudzenie, jakie miał w swoim prowincjonalnym mieście (o sławie, pieniądzach itp.).

W „Ojciec Goriot” Rastignac nadal wierzy w dobro, jest dumny ze swojej czystości. Moje życie jest „czyste jak lilia”. Ma szlachetne, arystokratyczne pochodzenie, przyjeżdża do Paryża, by zrobić karierę i wstąpić na wydział prawa. Mieszka w pensjonacie Madame Vaquet za ostatnie pieniądze. Ma dostęp do salonu Wicehrabiny de Beauseant. Społecznie jest biedny. Życiowe doświadczenie Rastignaca składa się ze zderzenia dwóch światów (skazanego Vautrina i wicehrabiny). Rastignac uważa Vautrina i jego poglądy za wyższe niż społeczeństwo arystokratyczne, w którym przestępstwa są niewielkie. „Nikt nie potrzebuje uczciwości” – mówi Vautrin. „Im zimniej liczysz, tym dalej dotrzesz”. Jego pozycja pośrednia jest typowa jak na tamte czasy. Za ostatnie pieniądze urządza pogrzeb biednemu Goriotowi.

W powieści „Dom bankiera”

W „Skóra Shagreen”- nowy etap w ewolucji Rastignaca. Tutaj jest już doświadczonym strategiem, który dawno pożegnał się z wszelkiego rodzaju iluzjami. To jest całkowity cynik

10. Temat „rozczarowania” w powieści Flauberta „Wrażliwość edukacyjna”.

Temat rozczarowania w tej powieści wiąże się z życiem i rozwojem osobowości bohatera Frederica Moreau. Wszystko zaczyna się od tego, że przypływa łodzią do Nogent nad Sekwaną do swojej matki po długich studiach prawniczych. Matka chce, żeby jej syn wyrósł na dużego mężczyznę, chce go urządzić w biurze. Ale Ferederic chce jechać do Paryża. Wyjeżdża do Paryża, gdzie poznaje po pierwsze rodzinę Arnoux, a po drugie rodzinę Dambrez (wpływową). Ma nadzieję, że pomogą mu się osiedlić. Początkowo kontynuuje naukę w Paryżu ze swoim przyjacielem Deslauriers, poznaje różnych studentów - artystę Pellerina, dziennikarza Ussoneta, Dussardiera, Regembarda i tak dalej. Stopniowo Feredric traci pragnienie osiągnięcia wysokiego celu i dobrej kariery. Wchodzi do społeczeństwa francuskiego, zaczyna chodzić na bale, maskarady, ma romanse. Całe życie prześladowała go miłość do jednej kobiety, Madame Arnoux, ale ta nie pozwala mu się do niej zbliżyć, więc żyje, mając nadzieję na spotkanie. Pewnego dnia dowiaduje się, że zmarł jego wujek i zostawił mu stosunkowo dużą fortunę. Ale Feredric jest już na etapie, kiedy jego pozycja w tym francuskim społeczeństwie staje się dla niego najważniejsza. Teraz nie martwi się o swoją karierę, ale o to, jak się ubiera, gdzie mieszka lub jada. Zaczyna wydawać pieniądze w tę iz powrotem, inwestuje je w akcje, wypala się, potem z jakiegoś powodu pomaga Arnowi, nie spłaca długu, sam Fryderyk zaczyna żyć w biedzie. Tymczasem szykuje się rewolucja. Proklamowana jest republika. Wszyscy przyjaciele Fryderyka są na barykadach. Ale nie dba o opinię publiczną. Jest bardziej zajęty swoim życiem osobistym i jego aranżacją. Przyciąga go oświadczyny Louise Rokk, potencjalnej panny młodej z dobrym posagiem, ale wiejskiej dziewczyny. Potem cała historia z Rosanette, kiedy jest z nim w ciąży i rodzi się dziecko, które wkrótce umiera. Potem romans z Madame Dambrez, której mąż umiera i nic jej nie zostawia. Fryderykowi jest przykro. Ponownie spotyka Arnę, uświadamia sobie, że są jeszcze gorsi. W rezultacie nie pozostaje mu nic. Jakoś radzi sobie ze swoją pozycją bez robienia kariery. Oto stracone iluzje człowieka, który został wciągnięty przez paryskie życie i uczynił go zupełnie pozbawionym ambicji.

11. Obraz Etienne Lousteau w powieści Balzaca „Zagubione iluzje”.

Etienne Lousteau - nieudany pisarz, skorumpowany dziennikarz, wprowadzający Luciena w świat pozbawionego zasad, żywiołowego dziennikarstwa paryskiego, kultywującego zawód „zabójcy idei i reputacji”. Lucien jest mistrzem tego zawodu.

Etienne ma słabą wolę i jest nieostrożny. Sam był kiedyś poetą, ale mu się nie udało – z goryczą rzucił się w wir literackich spekulacji.

Jego pokój jest brudny i opuszczony.

Etienne odgrywa w powieści bardzo ważną rolę. To on jest uwodzicielem Luciena ze ścieżki cnoty. Ujawnia Lucienowi sprzedajność prasy i teatru. Jest konformistą. Dla niego świat to „piekielne udręki”, ale trzeba umieć się do nich dostosować, a wtedy być może życie się poprawi. Działając w duchu czasu, skazany jest na życie w wiecznej niezgodzie z samym sobą: dwoistość tego bohatera przejawia się w jego obiektywnych ocenach własnej działalności dziennikarskiej i sztuki współczesnej. Lucien jest bardziej pewny siebie niż Lousteau i dlatego szybko pojmuje jego koncepcję, a sława szybko rośnie do niego. W końcu ma talent.

12. Ewolucja wizerunku finansisty w „Ludzkiej komedii” Balzaca.

Balzak:

gobsek

Feliks Grande

Papa Goriot

Ojciec Davida Secharda

Rastignac

13. Tragedia Eugenii Grande w powieści Balzaka o tym samym tytule.

Problemem są pieniądze, złoto i wszechogarniająca władza, którą nabywa w życiu społeczeństwa kapitalistycznego, determinując wszelkie stosunki międzyludzkie, los jednostek, kształtowanie się charakterów społecznych.

Old Man Grande to współczesny geniusz zarabiania pieniędzy, milioner, który zamienił spekulacje w sztukę. Grande wyrzekł się wszystkich radości życia, uschł duszę swojej córki, pozbawił szczęścia wszystkich bliskich, ale zarobił miliony.

Tematem przewodnim jest rozkład rodziny i jednostki, upadek moralności, obraza wszelkich intymnych ludzkich uczuć i relacji pod rządami pieniądza. Właśnie z powodu bogactwa jej ojca nieszczęsna Eugenia była postrzegana przez innych jako sposób na zdobycie solidnego kapitału. Między Kruchotinami a Grassenistami, dwoma obozami opozycyjnymi mieszkańców Saumur, trwała nieustanna walka o rękę Eugenii. Stary Grandet rozumiał oczywiście, że częste wizyty Grassinsa i Cruchota w jego domu były zupełnie nieszczerymi wyrazami szacunku dla starego bednarza, dlatego często mówił sobie: „Są tu dla moich pieniędzy. Przyjeżdżają tu tęsknić za moją córką. Ha ha! Moja córka nie dostanie ani jednego, ani drugiego, a wszyscy ci panowie to tylko haczyki na moją wędkę!

Los Eugenii Grande to najbardziej żałobna historia opowiedziana przez Balzaka w jego powieści. Nieszczęsna dziewczyna, jak w więzieniu, dręcząca wiele lat w domu swego skąpego ojca, całym sercem przywiązuje się do swojego kuzyna Karola. Rozumie jego żal, rozumie, że nikt na świecie go nie potrzebuje i że jego najbliższa osoba, teraz jego własny wuj, nie pomoże mu z tego samego powodu, dla którego Evgenia przez całe życie musi zadowolić się złym jedzeniem i marnym ubraniem. A ona z czystym sercem oddaje mu wszystkie swoje oszczędności, odważnie znosząc straszliwy gniew ojca. Od wielu lat czeka na jego powrót… A Karol zapomina o swoim wybawcy, pod wpływem nastrojów społecznych staje się tym samym Felixem Grande – niemoralnym akumulatorem bogactwa. Woli utytułowaną brzydką dziewczynę, Mademoiselle D'Aubrion, od Eugenii, ponieważ kieruje nim teraz czysto egoistyczny interes. W ten sposób wiara Evgenii w miłość, wiarę w piękno, wiarę w niezachwiane szczęście i pokój została przerwana.

Evgenia żyje swoim sercem. Wartości materialne są dla niej niczym w porównaniu z uczuciami. Uczucia stanowią prawdziwą treść jej życia, w nich jest dla niej piękno i sens istnienia. Wewnętrzna doskonałość jej natury ujawnia się również w jej wyglądzie zewnętrznym. Dla Eugenii i jej matki, które przez całe życie cieszyły się jedyną radością z tych rzadkich dni, kiedy ojciec pozwalał im nagrzać piec, a które widziały tylko ich zniszczony dom i codzienne robienie na drutach, pieniądze nie miały absolutnie żadnego znaczenia.

Dlatego, podczas gdy wszyscy wokół byli gotowi za wszelką cenę zdobyć złoto, dla Evgenii 17 milionów odziedziczonych po śmierci ojca okazało się dużym ciężarem. Gold nie będzie w stanie wynagrodzić jej za pustkę, która uformowała się w jej sercu po stracie Karola. I nie potrzebuje pieniędzy. W ogóle nie wie, jak sobie z nimi radzić, bo jeśli ich potrzebowała, to tylko po to, by pomóc Karolowi, a tym samym pomóc sobie i własnemu szczęściu. Ale niestety jedyny skarb, jaki istnieje dla niej w życiu - pokrewna miłość i miłość - jest nieludzko deptany i straciła tę jedyną nadzieję w kwiecie wieku. W pewnym momencie Evgenia zdała sobie sprawę z nieodwracalnego nieszczęścia swojego życia: dla swojego ojca zawsze była tylko dziedziczką jego złota; Karol wolał od niej bogatszą kobietę, plującą na wszystkie święte uczucia miłości, uczucia i moralnego obowiązku; Somyurowie patrzyli i nadal patrzą na nią tylko jako na bogatą pannę młodą. A jedyni, którzy kochali ją nie dla jej milionów, ale naprawdę — jej matka i służąca Nanon — byli zbyt słabi i bezsilni, gdzie królował stary Grande z kieszeniami wypchanymi złotem. Straciła matkę, teraz już pochowała ojca, który wyciąga ręce do złota nawet w ostatnich minutach swojego życia.

W takich warunkach nieuchronnie powstało głębokie wyobcowanie między Eugenią a otaczającym ją światem. Ale jest mało prawdopodobne, aby sama wyraźnie zdawała sobie sprawę z tego, co dokładnie było przyczyną jej nieszczęść. Oczywiście wymień tylko przyczynę - nieokiełznaną dominację pieniądza i stosunków monetarnych, która stanęła na czele społeczeństwa burżuazyjnego, które zmiażdżyło kruchą Eugenię. Jest pozbawiona szczęścia i dobrego samopoczucia, mimo że jest nieskończenie bogata.

A jej tragedią jest to, że życie ludzi takich jak ona okazało się absolutnie bezużyteczne i bezużyteczne dla nikogo. Jej zdolność do głębokiego uczucia spadła na głuche uszy.

Straciwszy wszelką nadzieję na miłość i szczęście, Evgenia nagle się zmienia i poślubia prezesa de Bonfona, który tylko czekał na tę chwilę szczęścia. Ale nawet ten samolubny człowiek zmarł wkrótce po ślubie. Eugenia znów została sama z jeszcze większym majątkiem, odziedziczonym po jej zmarłym mężu. Był to prawdopodobnie pech dla nieszczęsnej dziewczyny, która w wieku trzydziestu sześciu lat została wdową. Nigdy nie urodziła dziecka, tej beznadziejnej pasji, którą Evgenia żyła przez te wszystkie lata.

A jednak w końcu dowiadujemy się, że „pieniądze były przeznaczone, aby przekazać swój zimny kolor temu niebiańskiemu życiu i zaszczepić w kobiecie, która była pełna uczuć, nieufność wobec uczuć”. Okazuje się, że w końcu Eugenia stała się prawie taka sama jak jej ojciec. Ma dużo pieniędzy, ale żyje w biedzie. Żyje w ten sposób, ponieważ jest przyzwyczajona do tego, a inne życie nie jest już podatne na jej zrozumienie. Eugenia Grande to symbol ludzkiej tragedii, wyrażającej się płaczem w poduszkę. Pogodziła się ze swoim stanem i nie wyobraża sobie już lepszego życia. Jedyne, czego pragnęła, to szczęście i miłość. Ale nie znajdując tego, doszła do całkowitej stagnacji. I znaczącą rolę odegrały tu stosunki monetarne, które panowały w tym czasie w społeczeństwie. Gdyby nie byli tak silni, Karol najprawdopodobniej nie uległby ich wpływom i zachowałby swoje oddane uczucia do Eugenii, a wtedy fabuła powieści rozwinęłaby się bardziej romantycznie. Ale to już nie byłby Balzac.

14. Temat „brutalnej pasji” w twórczości Balzaca.

Balzac ma gwałtowną pasję do pieniędzy. Są to zarówno akumulatory, jak i wizerunki lichwiarzy. Temat ten jest bliski motywowi wizerunku finansisty, bo to oni żyją tą szaloną pasją do gromadzenia.

gobsek wydaje się być osobą bezcielesną, beznamiętną, obojętną na otaczający go świat, religię i ludzi. Daleki jest od własnych pasji, bo stale obserwuje je u ludzi, którzy przychodzą do niego po rachunki. Przegląda je i sam jest w ciągłym spokoju. W przeszłości przeżył wiele pasji (handlował w Indiach, został oszukany przez piękną kobietę), dlatego zostawił ją w przeszłości. Rozmawiając z Derville, powtarza formułę skóry shagreen: „Czym jest szczęście? Jest to albo silne podniecenie, które podkopuje nasze życie, albo wyważony zawód. Jest tak skąpy, że w końcu, gdy umiera, jest kupa towarów, jedzenia, spleśniałe od skąpstwa właściciela.

Żyją w nim dwie zasady: skąpiec i filozof. Pod wpływem pieniędzy staje się od nich zależny. Pieniądze stają się dla niego magią. Ukrywa złoto w swoim kominku, a po śmierci nie przekazuje swojej fortuny nikomu (krewnej, upadłej kobiecie). Gobsek jest żywym zjadaczem (tłumaczenie).

Feliks Grande- trochę inny typ: współczesny geniusz zysku, milioner, który spekulację zamienił w sztukę. Grande wyrzekł się wszystkich radości życia, uschł duszę swojej córki, pozbawił szczęścia wszystkich bliskich, ale zarobił miliony. Jego satysfakcja polega na udanych spekulacjach, finansowych podbojach, komercyjnych zwycięstwach. Jest rodzajem bezinteresownego sługi „sztuki dla sztuki”, ponieważ sam jest bezpretensjonalny i nie jest zainteresowany tymi korzyściami, które dają miliony. Jedyna pasja - pragnienie złota - nie zna granic, zabiła w starym bednarzu wszelkie ludzkie uczucia; los córki, żony, brata, siostrzeńca interesuje go tylko z punktu widzenia głównego problemu - ich stosunku do jego bogactwa: głodzi córkę i chorą żonę, tę ostatnią sprowadza do grobu swoją skąpstwem i bezdusznością; niszczy osobiste szczęście swojej jedynej córki, ponieważ to szczęście wymagałoby od Grande oddania części zgromadzonych skarbów.

15. Losy Eugeniusza de Rastignaca w Komedii ludzkiej Balzaca.

W „Ojciec Goriot”

Wkrótce uświadamia sobie, że jego sytuacja jest zła, do niczego nie doprowadzi, że musi porzucić uczciwość, pluć na dumę i popaść w podłość.

W powieści „Dom bankiera” opowiada o pierwszych sukcesach biznesowych firmy Rastignac. Z pomocą męża swojej kochanki Delphine, córki Goriota, barona de Nucingen, dorabia się fortuny na sprytnej grze w akcje. Jest klasycznym monterem.

W „Skóra Shagreen”

16. Diatryba jako sposób na zidentyfikowanie najbardziej palących problemów naszych czasów w opowiadaniu Balzaca „Dom bankiera w Nucingen”.

Diatryba- dyskurs na tematy moralne. Gniewna mowa oskarżycielska (z greckiego) Rozmowa przenika całą powieść „Dom bankiera w Nucingen”, za pomocą rozmowy ujawniają się negatywne strony bohaterów.

17. Styl artystyczny późnego Balzaka. Dilogia o „Biednych krewnych”.

18. Pozytywni bohaterowie i rola happy endu w twórczości Dickensa.

19. Dickens i romantyzm.

20. Wizerunki finansistów w twórczości Balzaca i Flauberta.

Balzak: u Balzaka, w niemal każdej powieści „Ludzkiej komedii” na naszej liście, pojawia się wizerunek finansisty. W zasadzie są to lichwiarze żyjący z szaleńczej pasji pieniądza, ale także niektórzy inni przedstawiciele burżuazji.

Tworząc wizerunek swojego lichwiarza, Balzac włączył go w kontekst najbardziej złożonej epoki społecznej, przyczyniając się do ujawnienia różnych aspektów tego wizerunku.

Tak jak handlarz antykami w skórze Shagreen, gobsek wydaje się być osobą bezcielesną, beznamiętną, obojętną na otaczający go świat, religię i ludzi. Daleki jest od własnych pasji, bo stale obserwuje je u ludzi, którzy przychodzą do niego po rachunki. Przegląda je i sam jest w ciągłym spokoju. W przeszłości przeżył wiele pasji (handlował w Indiach, został oszukany przez piękną kobietę), dlatego zostawił ją w przeszłości. Rozmawiając z Derville, powtarza formułę skóry shagreen: „Czym jest szczęście? Jest to albo silne podniecenie, które podkopuje nasze życie, albo wyważony zawód. Jest tak skąpy, że w końcu, gdy umiera, jest kupa towarów, jedzenia, spleśniałe od skąpstwa właściciela.

Żyją w nim dwie zasady: skąpiec i filozof. Pod wpływem pieniędzy staje się od nich zależny. Pieniądze stają się dla niego magią. Ukrywa złoto w swoim kominku, a po śmierci nie przekazuje swojej fortuny nikomu (krewnej, upadłej kobiecie). Gobsek jest żywym zjadaczem (tłumaczenie).

Feliks Grande- trochę inny typ: współczesny geniusz zysku, milioner, który spekulację zamienił w sztukę. Grande wyrzekł się wszystkich radości życia, uschł duszę swojej córki, pozbawił szczęścia wszystkich bliskich, ale zarobił miliony. Jego satysfakcja polega na udanych spekulacjach, finansowych podbojach, komercyjnych zwycięstwach. Jest rodzajem bezinteresownego sługi „sztuki dla sztuki”, ponieważ sam jest bezpretensjonalny i nie jest zainteresowany tymi korzyściami, które dają miliony. Jedyna pasja - pragnienie złota - nie zna granic, zabiła w starym bednarzu wszelkie ludzkie uczucia; los córki, żony, brata, siostrzeńca interesuje go tylko z punktu widzenia głównego problemu - ich stosunku do jego bogactwa: głodzi córkę i chorą żonę, tę ostatnią sprowadza do grobu swoją skąpstwem i bezdusznością; niszczy osobiste szczęście swojej jedynej córki, ponieważ to szczęście wymagałoby od Grande oddania części zgromadzonych skarbów.

Papa Goriot Jeden z filarów The Human Comedy. Jest piekarzem, byłym wytwórcą makaronów. Przez całe życie niósł tylko miłość do swoich córek: dlatego wydał na nie wszystkie pieniądze, a oni z nich korzystali. Więc zbankrutował. To przeciwieństwo Felixa Grande. Żąda od nich tylko miłości do siebie, dlatego gotów jest dać im wszystko. Pod koniec życia wyprowadza formułę: pieniądze dają wszystko, nawet córki.

Ojciec Davida Secharda: skąpstwo zaczyna się tam, gdzie zaczyna się ubóstwo. Ojciec zaczął być chciwy, gdy drukarnia umierała. Posunął się nawet do określenia na oko kosztu zadrukowanego arkusza. Byli własnością wyłącznie egoistycznych interesów. Umieścił syna w szkole tylko po to, by przygotować sobie następcę. To jest typ Felixa Grande, który chciał, aby David dał mu wszystko, gdy był żywy. Gdy Dawid był na skraju ruiny, przyszedł do ojca prosić o pieniądze, ale ojciec nic mu nie dał, pamiętając, że kiedyś dał mu pieniądze na edukację.

Rastignac(w Domu Bankowym Nucingen). Ta powieść opowiada o wczesnych sukcesach biznesowych Rastignaca. Z pomocą męża swojej kochanki Delphine, córki Goriota, barona de Nucingen, dorabia się fortuny na sprytnej grze w akcje. Jest klasycznym monterem. „Im więcej zaciągam pożyczki, tym bardziej mi wierzą”, mówi w Shagreen Skin.

Flaubert: W Madame Bovary wizerunek finansisty to pan Leray, lichwiarz z Yonville. Jest handlarzem suknem, a ponieważ ten towar jest drogi, zarabia na nim dużo pieniędzy i zadłuża wielu mieszkańców miasta. Pojawia się w powieści w momencie, gdy Bovary przybywają do Yonville. Pies Emmy Jali ucieka i współczuje jej, opowiadając o swoich kłopotach z zagubionymi psami.

Aby się zrelaksować, Emma kupuje nowe ubrania od Leray. Wykorzystuje to, zdając sobie sprawę, że to jedyna pociecha dla dziewczyny. W ten sposób wpada z nim w dług, nie mówiąc nic mężowi. A Karol pewnego dnia pożycza od niego 1000 franków. Leray to sprytny, schlebiający i przebiegły biznesmen. Ale on, w przeciwieństwie do bohaterów Balzaka, aktywnie działa - obraca swoje bogactwo, pożyczając.

21. Problem bohatera realistycznego w Madame Bovary Flauberta.

Chęć ucieczki od tej nudnej prozy życia sprawia, że ​​jest ona coraz bardziej uzależniająca. Emma zadłuża się u lichwiarza Leraya. Całe życie opiera się teraz na oszustwie. Zwodzi męża, oszukują ją kochankowie. Zaczyna kłamać nawet wtedy, gdy nie jest jej potrzebna. Coraz bardziej zdezorientowany, tonący na dno.

Flaubert demaskuje ten świat nie tyle przeciwstawiając mu się bohaterkę, ile za pomocą nieoczekiwanej i śmiałej identyfikacji pozornie przeciwstawnych zasad – depoetyzacja i deheroizacja stają się znakiem rzeczywistości mieszczańskiej, rozciągającej się zarówno na Karola, jak i Emmę, zarówno na burżuazyjna rodzina i pasja, miłość, która niszczy rodzinę.

Obiektywny sposób narracji – Flaubert zaskakująco realistycznie pokazuje życie Emmy i Karola w miastach, niepowodzenia, jakie towarzyszą tej rodzinie w pewnych moralnych fundamentach społeczeństwa. Flaubert szczególnie realistycznie opisuje śmierć Emmy, gdy zatruwa się arszenikiem - jęki, dzikie krzyki, konwulsje, wszystko opisane jest bardzo szczegółowo i realistycznie.

22. Społeczna panorama Anglii w powieści Thackeraya „Vanity Fair” i moralna pozycja pisarza.

Podwójny tytuł. Powieść bez bohatera. Tym samym autor chciał powiedzieć, że na przedstawionym przez niego bazarze doczesnej próżności wszyscy bohaterowie są jednakowo źli – wszyscy są chciwi, chciwi, pozbawieni elementarnego człowieczeństwa. Okazuje się, że jeśli w powieści jest bohater, to jest antybohaterem - to są pieniądze. W tej dwoistości, moim zdaniem, zachował się ruch intencji autora: urodził się jako humorysta piszący dla czasopism, chowający się za fałszywym nazwiskiem, a następnie wzmocniona w swej powadze biblijnymi skojarzeniami pamięć o moralnej nieustępliwości Bunyana , zażądał, aby pisarz przemawiał we własnym imieniu.

Podtytuł należy chyba brać dosłownie: to powieść bez romantycznego bohatera. Sam Thackeray proponuje taką interpretację w rozdziale szóstym, kiedy zbliżając się do pierwszych ważnych wydarzeń w powieści, zastanawia się, jak je obrócić i jaki styl narracji wybrać. Oferuje czytelnikowi wariant zbrodni romantycznej lub wariant w duchu powieści świeckich. Ale styl wybrany przez autora nie odpowiada zaleceniom literackim, które gwarantują sukces, ale jest zgodny z życiowymi doświadczeniami autora: „Widzicie więc, łaskawe panie, jak można by napisać naszą powieść, gdyby autor sobie tego życzył; Prawdę mówiąc, zna on zwyczaje więzienne w Newgate, jak i pałace naszej szanowanej arystokracji, gdyż obserwował je tylko z zewnątrz. (W. Thackeray Vanity Fair. M., 1986. P. 124.).

„Antyromantyczne szczegóły” pojawiają się w całej powieści. Na przykład, jakiego koloru są włosy bohaterki? Według kanonów romantycznych Rebecca musiałaby być brunetką ("typ złoczyńca"), a Emilia - blondynką ("typ blond niewinności"). W rzeczywistości Rebecca ma złote, rude włosy, podczas gdy Emilia jest brązowowłosa.

Ogólnie rzecz biorąc, „... Słynna lalka Becky wykazała się niezwykłą elastycznością w stawach i okazała się bardzo zwinna na drucie; lalka Emilia, choć zdobyła znacznie bardziej ograniczone grono wielbicieli, jest jednak ukończona przez artystę i ubrany z największą starannością…” Thackeray lalkarz zabiera czytelnika na swoją teatralną scenę, na swój jarmark, gdzie można zobaczyć „najróżniejsze spektakle: krwawe bitwy, majestatyczne i wspaniałe karuzele, sceny z życia towarzyskiego, jak jak z życia ludzi bardzo skromnych, epizody miłosne dla wrażliwych serc, jak i komiksowe, w lekkim gatunku - a wszystko to opatrzone odpowiednią scenerią i hojnie oświetlone świecami na koszt autora.

Motyw lalkarza.

Sam Thackeray wielokrotnie podkreślał, że jego książka to komedia lalkowa, w której jest tylko lalkarzem kierującym grą swoich lalek. Jest zarówno komentatorem, jak i krytyką, a sam uczestnikiem tego „bazaru świeckiej próżności”. Ten punkt podkreśla względność jakiejkolwiek prawdy, brak absolutnych kryteriów.

23. Tradycja łotrzykowskiej i romantycznej w Vanity Fair.

24. Kontrapunkt Rebeki Sharp i Amelii Sedley.

Kontrapunkt - jest to punkt po punkcie, kiedy fabuły przeplatają się w powieści. W powieści Thackeraya krzyżują się fabuły dwóch bohaterek, przedstawicieli dwóch różnych klas, by tak rzec, środowisk społecznych, Emilii Sedley i Rebeki Sharp. Lepiej zacząć porównywać Rebeccę i Emilię od samego początku.

Obie dziewczyny były w pensjonacie panny Pinkerton. Co prawda Rebecca też tam pracowała, uczyła dzieci francuskiego, ale mimo to ona i Emilia można było uznać za równe w momencie, gdy opuszczały „schronienie” swoich dzieci (młodzieży). Panna Amelia Sedley jest polecana rodzicom „jako młoda dama, całkiem godna zajęcia należnego jej miejsca w ich wybranym i wyrafinowanym kręgu. Wszystkie cnoty, które wyróżniają szlachetną angielską młodą damę, wszystkie perfekcje godne jej pochodzenia i pozycji w drogiej pannie Sedley.

Z kolei Rebecca Sharp miała smutną cechę ubogich – przedwczesną dojrzałość. I oczywiście jej życie jako biednej uczennicy, oderwanej od łaski, pozostawionej samej sobie na tym świecie, nie przypominało marzeń bogatej Emilii, która miała niezawodny tył; a związek Rebeki z panną Pinkerton pokazał, że w tym rozgoryczonym sercu jest miejsce tylko na dwa uczucia - dumę i ambicję.

Tak więc jeden pensjonariusz czekał na czułych, kochających, a przede wszystkim zamożnych rodziców, drugi na zaproszenie do ukochanej Emilii na tydzień przed wyjazdem do obcej rodziny jako guwernantka. Nic więc dziwnego, że Becky postanowiła poślubić tego „grubego dandysa”, brata Emilii.

Życie rozwiedzione „drodzy przyjaciele”: jedna została w domu, przy pianinie, z narzeczonym i dwoma nowymi indyjskimi szalikami, druga poszła, a jedna chce pisać „złapać szczęście i rangę”, złapać bogatego męża lub patrona, bogactwo i niezależność, z darem noszonym szalem indyjskim.

Rebecca Sharp jest sumienną aktorką. Jej pojawieniu się często towarzyszy teatralna metafora, obraz teatru. Spotkanie z Emilią po długiej rozłące, podczas której Becky szlifowała swoje umiejętności i pazury, odbyło się w teatrze, gdzie „żadna inna tancerka nie pokazała tak doskonałej sztuki pantomimy i nie mogła dorównać jej wybrykom”. A najwyższy awans Rebeki w jej świeckiej karierze to rola w szaradzie, odegranej z błyskotliwością, jak pożegnalne wyjście aktorki na wielką scenę, po której będzie musiała zagrać na skromniejszej, prowincjonalnej scenie.

Czyli upadek, który dla mniejszej lub słabszej osoby (np. Emilii) oznaczałby całkowity upadek, koniec dla Becky to tylko zmiana roli. I rolę, która już się znudziła. Przecież podczas swoich towarzyskich sukcesów Becky wyznała lordowi Steinowi, że się nudzi i że o wiele fajniej byłoby „założyć cekinowy garnitur i tańczyć na jarmarku przed stoiskiem!” A w tym wątpliwym towarzystwie, które otacza ją w Niespokojnym rozdziale, naprawdę ma więcej zabawy: może tutaj w końcu się odnalazła, w końcu szczęśliwa.

Becky jest najsilniejszą osobowością powieści i tylko przed jednym przejawem ludzkich uczuć poddaje się - przed ludzkością. Ona, egoistka, po prostu nie rozumie czynu Lady Jane, która najpierw wykupiła Rawdona od wierzycieli, a potem wzięła pod swoją opiekę jego i jego syna. Nie rozumie Rodona, który zrzucił maski oficera-biesiadnika i rogacza męża, a twarz zyskał w troskliwej miłości do syna, w oszukanym zaufaniu górował nad Becky, która pamiętała i żałowała więcej niż kiedyś „o jego uczciwej, głupiej, stałej miłości i wierności”.

Becky wygląda niestosownie w scenie pożegnania Rodona przed jego wyjazdem na wojnę. Ten głupiec wykazał się tak wielką wrażliwością i troską o jej przyszłość, że zostawił jej nawet swój nowy mundur i wyruszył na kampanię „prawie z modlitwą za kobietę, którą zostawił”.

O Emilii wydaje mi się, że nie sposób mówić tak mocnym i podekscytowanym tonem. Ma jakieś „żelowe” życie i zawsze płacze, zawsze narzeka, zawsze wisi na łokciu męża, który nie wie już, jak swobodniej oddychać.

Thackeray wierzył, że „Emilia jeszcze się pokaże”, ponieważ „zostanie uratowana przez miłość”. Niektóre strony o Emilii, a zwłaszcza o jej miłości do syna, napisane są we łzawym, Dickenowskim tonie. Ale Jarmark próżności jest chyba tak zaaranżowany, że dobroć, miłość, lojalność nie tylko tracą na wartości, ale też tracą coś w sobie, stając się towarzyszami niezręczności, słabości, ciasnoty. I próżna, próżna miłość własna: kim w końcu była Emilia, „jeśli nie nieostrożna mała tyranka”? Kartka papieru była w stanie zgasić ognistą, "prawdziwą" miłość do... jej marzenia i to właśnie Becky pomogła Emilii odnaleźć jej głupie, "gęsie" szczęście.

A Becky? Od dzieciństwa cyniczny, bezwstydny. Thackeray w trakcie powieści uparcie podkreśla, że ​​nie jest ani gorsza, ani lepsza od innych i że niesprzyjające okoliczności uczyniły ją tym, kim jest. Jej wizerunek pozbawiony jest miękkości. Okazuje się, że nie jest zdolna do wielkiej miłości, nawet do własnego syna. Kocha tylko siebie. Jej droga życiowa jest hiperbolą i symbolem: wizerunek Rebeki pomaga zrozumieć całą ideę powieści. Na próżno szuka chwały w niewłaściwy sposób, a w końcu dochodzi do występku i nieszczęścia.

25. Trylogia dramatyczna Goebbela „Nibelungen” i problem „mitów” w realizmie.

Pod koniec życia Goebel napisał: „Nibelung”. To ostatnie ukończone wielkie dzieło dramatyczne. Pisał ją przez pięć lat (od 1855 do 1860). Słynna średniowieczna epopeja „Pieśń o Nibelungach” zaaranżowana w nowoczesny sposób dla pisarza została zadedykowana jego żonie Christinie, którą widział w teatralnej produkcji dramatu Raupacha „Nibelungowie”, poprzedniczki Goebbela. Ogólnie trzeba powiedzieć, że temat tej epopei został przerobiony przez wielu pisarzy. Prekursorami tragedii Goebbela byli Delamotte Fouquet, Ulat („Siegfried”), Geibel („Kriemhild”), Raupach, a po tym, jak Goebbel Wagner stworzył swoją słynną trylogię „Pierścień Nibelungów”.

Główną różnicą między „Nibelungami” Goebla a „Pieśń o Nibelungach” jest głęboka psychologia tragedii, mocniej brzmiący motyw chrześcijański, bardziej przyziemny tekst i pojawienie się nowych motywów. Nowe motywy to miłość Brynhildy i Zygfryda, która nie była tak wyraźnie widoczna w ostatniej epopei, wprowadzenie w tragedię nowej postaci Frigga (pielęgniarki Brynhildy) i co najważniejsze, nowa interpretacja mitu o przeklętym złocie, brzmiało w piosence Volkera: „Dzieci bawiły się - jeden zabił drugiego; złoto pojawiło się z kamienia, co wywołało spory między narodami.

26. Rewolucja 1848 r. i estetyka „czystej sztuki”.

Rewolucja miała miejsce w wielu krajach Europy: Niemczech, Włoszech, Francji, na Węgrzech.

Rząd Ludwika Filipa miał szereg niepowodzeń w polityce zagranicznej, co doprowadziło do powstania opozycji zarówno parlamentarnej, jak i pozaparlamentarnej. W latach 1845-46 doszło do nieurodzaju, zamieszek żywnościowych.

1847: Następstwa ogólnego kryzysu handlowego i przemysłowego w Anglii. Rząd francuski nie chciał reform, a szerokie masy rozumiały niezadowolone zamieszki. W lutym 1848 r. odbyła się manifestacja w obronie reformy wyborczej, która zakończyła się rewolucją. Obaloną partię zastąpiły bardziej reakcyjne siły. Była druga republika (burżuazyjna). Robotnicy byli nieuzbrojeni, nie było mowy o żadnych ustępstwach wobec klasy robotniczej. Następnie Napoleon, prezydent Republiki, dokonał zamachu stanu i został cesarzem Francji (Drugiego Cesarstwa).

Cały przebieg rewolucji burżuazyjnej był jej klęską i triumfem sił reakcyjnych. Zginęły resztki tradycji przedrewolucyjnych i skutki stosunków społecznych.

Rewolucja 1848 roku jest odbierana z „Hurra!” inteligencja. Wszyscy intelektualiści są na barykadach. Ale rewolucja tonie i przeradza się w dyktatorski zamach stanu. Zdarzyło się najgorsze, czego mogli się spodziewać ci, którzy dążyli do tej rewolucji. Wiara w humanistyczną przyszłość i postęp upadła wraz z upadkiem rewolucji. Powstał reżim burżuazyjnej wulgarności i ogólnej stagnacji.

W tym momencie konieczne było stworzenie pozorów dobrobytu i sukcesu. Tak narodziła się czysta sztuka. Za nim dekadencja, grupa parnasowska (Gaultier, Lille, Baudelaire).

– teoria sztuki czystej.

Powstaje panteizm - wielowierzenie, wielu bohaterów, opinii, myśli. Historia i nauki przyrodnicze stają się muzami ery nowożytnej. Panteizm Flauberta to nowoczesna kaskada: ospałość ducha tłumaczył stanem społeczeństwa. „Jesteśmy coś warci tylko ze względu na nasze cierpienie”. Emma Bovary to symbol epoki, symbol wulgarnej nowoczesności.

27. Temat miłości w poezji Baudelaire'a.

Sam poeta Baudelaire to człowiek o trudnym losie. Zerwanie z rodziną (kiedy zostaje wysłany do kolonii w Indiach, a wraca do Paryża), przez długi czas mieszkał sam. Żył w biedzie, zarabiał długopisem (recenzje). Wielokrotnie w swojej poezji zwracał się do tematów zakazanych (także szokujących).

Spośród Francuzów jego nauczycielami byli Sainte-Beuve i Theophile Gauthier. Pierwsza nauczyła go odnajdywania piękna w tym, co odrzuciła poezja, w naturalnych pejzażach, scenach podmiejskich, w zjawiskach zwykłego i surowego życia; drugi obdarzył go umiejętnością przemieniania najszlachetniejszego materiału w czyste złoto poezji, umiejętność tworzenia fraz szerokich, czystych i pełnych powściągliwej energii, z całą różnorodnością tonów, bogactwem wizji.

Przewrót i rewolucja podkopały wiele idealistycznych myśli Baudelaire'a.

Pozycja życiowa poety jest oburzająca: ciągłe odrzucanie tego, co oficjalne. Nie dzielił się pomysłami na temat postępu ludzkości.

Temat miłości w jego twórczości jest bardzo złożony. Nie mieści się w żadnych ramach, które wcześniej na ten temat nakładali różni poeci. To szczególna miłość. Miłość do natury to coś więcej niż do kobiety. Bardzo często rozbrzmiewa motyw miłości do bezkresnych przestrzeni, dla niego, do nieskończonej odległości morza.

Muse Baudelaire jest chory, podobnie jak jego dusza. Baudelaire mówił o wulgarności świata w języku potocznym. Raczej była to niechęć.

Nawet jego uroda jest straszna – „hymn do piękna”.

Jego głównymi tematami były pesymizm, sceptycyzm, cynizm, rozkład, śmierć, upadłe ideały.

„Przyciągnęłabyś cały świat do swojego łóżka, niewiasto, o stworzenie, jakaś zła od nudy!” kupione - leciały pragnienia.

Takie jest jego rozumienie miłości.

28. Temat buntu w Kwiatach zła Baudelaire'a.

Kwiaty zła zostały opublikowane w 1857 roku. Książka, która wywołała wiele negatywnych opinii, została potępiona, nie została zaakceptowana przez burżuazyjną Francję. Sąd orzekł: „Pierwotne i obraźliwe, by zawstydzić realizm”. Od tego czasu Baudelaire stał się „przeklętym poetą”.

Temat buntu w tej kolekcji jest bardzo jasny. Istnieje nawet osobna część zwana „buntem” lub „buntem”. Zawierał trzy wiersze: „Kain i Abel”, „Zaprzeczenie św. Piotra” i „Litanii do szatana” (Och, najlepszy wśród sił panujących w niebie, obrażony przez los i ubogi w pochwały). W cyklu tym najdobitniej ujawniły się buntownicze, antykościelne kierunki poety. Wysławia szatana i św. Piotra, który wyrzekł się Chrystusa i jest w tym dobrze zrobiony. Bardzo ważny jest sonet „Kain i Abel”: rodzina Abla to rodzina uciśnionych, rodzina Kaina to rodzina ciemiężców. A Baudelaire czci rasę Kaina: „Powstań z piekła i zrzuć Wszechmogącego z nieba!”). Był z natury anarchistą.

Opisał Boga jako krwawego tyrana, który nie miał dość męki ludzkości. Dla Baudelaire'a Bóg jest śmiertelnym człowiekiem, który umiera w straszliwej agonii.

Jego bunt nie polega tylko na tym. Bunt przeciwko nudzie to także bunt Baudelaire'a. We wszystkich jego wierszach jest atmosfera przygnębienia, nieodpartej nudy, którą nazwał śledzioną. Ta nuda zrodziła się w świecie niekończącej się wulgarności, Baudelaire właśnie jej się sprzeciwia.

Droga Baudelaire'a jest drogą bolesnej refleksji. Poprzez swoją negację przebija się do rzeczywistości, do tych pytań, których poezja nigdy nie dotykała.

Jego cykl „Paris Pictures” to także rodzaj buntu. Opisuje tu miejskie slumsy, zwykłych ludzi - pijanego śmieciarza, rudego żebraka. Współczuje tym małym ludziom bez litości. Stawia je sobie równymi i tym samym buntuje się przeciwko niesprawiedliwej rzeczywistości.

29. Tło społeczne historii Germiny w powieści Edmonda i Julesa Goncourtów.

W przedmowie do powieści Germinie Lacerte autorzy natychmiast ostrzegli czytelnika: „Ta powieść jest prawdziwa, książka przyszła do nas z ulicy. To, co czytelnik zobaczy tutaj, jest surowe i czyste. Oferujemy kliniczną analizę miłości”.

W literaturze bracia Goncourt to jeden pisarz. Edmond był silniejszy w rozwijaniu pomysłów i głównych wątków książek, a Jules w znajdowaniu poszczególnych szczegółów.

Ich teoria: „Historia to powieść, która była, a powieść to historia, która mogła być”. Dlatego powieść była dziełem ich życia. Estetyka powieści jest dla nich odzwierciedleniem prawdy życia, zweryfikowanej przez obiektywne fakty.

Warunki wstępne stworzenia wizerunku Germinie:

Po długiej chorobie w 1864 roku zmarła służąca Goncourtów, Rose. Szczerze ją opłakiwali. Była im bardzo oddana, ale po jej śmierci okazało się, że prowadzi podwójne życie - miała wiele romansów, potajemnie oddawała się rozpuście i pijaństwu.

Dla wizerunku gospodyni Germinie, ciotka Goncourt służyła jako prototyp.

Tło społeczne powieści:

W powieści zaobserwowano dokumentalny autentyzm – i to nie tylko w fabule: Goncourtowie badali „na miejscu” opisane w powieści środowisko, godzinami wędrowali po obrzeżach Paryża, odwiedzali bale ludowe, sklepy mleczarskie, cmentarze dla ubogich . Dandys Jupillon, sklepikarz-matkę, prostytutkę Adele, malarz Gotrush zostali skreśleni z natury.

Germinie:„mały człowiek”, uduszony przez nieludzkie społeczeństwo. Jej smutny los mówił o kłopotach w życiu społecznym - powieść zadała cios oficjalnemu optymizmowi, wzburzyła sumienie społeczne.

Historia Germiny:

Germinie- służącej, która weszła na służbę starej kobiety de Varandeil w stanie całkowitego upadku, zupełnej nieistotności i biedy (jej siostry ją poniżały i obrażały, została zgwałcona przez swojego patrona Józefa, a następnie zaszła w ciążę. Jej siostry ją za to pobiły Urodziła martwe dziecko z powodu pobicia „Ona sama wychudła, zachorowała, powoli umierała z głodu. Jedna z sióstr umieściła ją w takim stanie z panią de Varandeille. Tam zaczęła żyć w zadowoleniu, stała się kokietka, wplątała się w brudne interesy, spotkała syna sklepikarza Jupillona. Miłość. Bo miłość chłopca była tylko środkiem zaspokojenia ciekawości, nikczemnej ironii i zaspokojenia żądzy. Mieli córkę, którą ukryli przed Madame. Wkrótce dziewczyna umarła i Germinie zupełnie straciła rozum. Ukradła pieniądze dla zdrajcy Jupillon, zaczęła pić, jej mózg stępił się, zaczęła okradać Madame. Z każdym dniem coraz bardziej popadała w ruinę. Germinie nic nie zrobiła, a Madame zlitowała się nad nią.Ostatnią nadzieją był Gotrush, z którym… Rym poznała na imprezie (poszła z Adele). To była pogodna osoba. Zaczęli mieszkać razem, ale zaczęły krążyć plotki o jej kradzieży. Zaczęła myśleć o samobójstwie i wyznała Gotrbschowi, że kocha go tylko dla zysku. Wyrzucił ją. Była na ulicy. Zacząłem się źle czuć. Miała 41 lat. Umarła powoli, w ramionach pani. Przed śmiercią jej długi (dziewczyna owoców, sklep spożywczy, praczka) przyszły do ​​szpitala, aby wydobyć od niej pieniądze.

Wkrótce pani poznała prawdę. Portier opowiedział jej wszystko - o psach, o pijaństwie, o Jupilonie, dziecku, o Gotrushu. Pani poszła na cmentarz, ale nie znalazła tam ani kamyka, ani śladu na grobie. Została pochowana bez krzyża.

Na końcu frazy: Można się za nią modlić tylko na chybił trafił, jakby los życzył sobie, aby ciało cierpiącej osoby pozostało pod ziemią tak bezdomne, jak jej serce było na ziemi. ».

30. Krajobraz impresjonistyczny w powieściach Flauberta i braci Goncourt.

W powieści Flauberta Madame Bovary i Goncourts bardzo często używa się odwołania do natury. Flaubert uważał naturę za wieczną mądrość i czasami szukał w niej odpowiedzi na pytania.

Ponieważ impresjonizm był w tym czasie ogólnie rzecz biorąc, Flaubert bardzo go kochał i wziął od niego wiele pomysłów na opisanie swojego krajobrazu w powieściach „Madame Bovary” i „Edukacja zmysłów”. Malował płótna kolorowe, o rozmytych kolorach, jak artyści tamtego okresu.

„Pani Bovary”: trzykrotnie impresjonistyczny pejzaż wyraża się bardzo wyraźnie: pierwszy raz pojawia się, gdy Charles i Emma przybywają do Yonville - łąki zlewają się w jeden pas z pastwiskami, złote kłosy pszeniczne rozmazują się w cieniu drzew w zieleni, lasy i klify są podrapane długie i nierówne czerwone linie - ślady deszczu. Krajobraz opisany jest żywymi, jasnymi kolorami, które służą jako paliwo dla fabuły, kiedy Emma ma w duszy nowe nadzieje na przyszłość.

Za drugim razem obraz impresjonistyczny jest opisywany, gdy Emma wspomina młodość w klasztorze, jak spokojna i spokojna tam była. Krajobraz jest harmonijny (wieczorna mgła, fioletowa mgła, cienka zasłona wisząca na gałęziach), opisany łagodnymi tonami, co pozwala przenieść się daleko w przeszłość.

Trzeci raz to Emma stoi w nocy z Rodolphe i kiedy decyduje, że z nią nie pójdzie, nie chce brać tego ciężaru. Szkarłatny księżyc, srebrzyste odbicie nieba, cicha noc, zwiastująca burzę.

„Edukacja zmysłów”: w opisie spaceru Fryderyka Moreau z ukochaną w zamku Fontainebleau pod Paryżem. Flaubert podaje szczegółowy opis, barwnie opisuje kwiaty i piękno zamku.

W chwili, gdy Fryderyk po raz pierwszy po wizycie w Nogent wraca do Paryża (gdy dowiaduje się, że wuj zostawił mu spadek) – impresjonistyczny poranek pejzaży paryskich podwórek: gołe fasady domów, rury, mgła.

Następnie opisuje maskaradę u Kapitana Rosanette – wszystko jest jasne, maski lśnią i zlewają się w jedno miejsce.

Kiedy Ferederic, podczas swojej drugiej wizyty w Nogent, spaceruje z Louise Roque, w ogrodzie widać drzewa i kwiaty w impresjonistycznych kolorach. Ich wyjaśnienie nakłada się na te kolory i wszystko nabiera żywego, jasnego i ciepłego połysku.

Bracia Goncourt w powieści "Germinie Lacerte" Całe życie Germinie przedstawione jest jako pejzaż impresjonistyczny - rozmazany, niestabilny, ciemny, przeplatany jasnymi okresami.

Krajobraz podczas pierwszego wiosennego spaceru Germinie z mężem Jupillonem jest bardzo pięknie opisany: jasna tafla nieba z promieniami pierwszego wiosennego słońca, z nieba wydmuchała przestrzeń i wolność, jak z bramy otwartej na łąki. Musujące pola w wieczornej mgle. Wszystko wydawało się unosić w słonecznym pyle, który o zachodzie słońca zmienia zieleń w ciemne odcienie, a domy w różowe. Pod koniec spaceru niebo było szare na górze, niebieskie na środku i różowe na dole. Ukończono malowanie Moneta. Germinie poprosiła mnie, abym ponownie stanął na wzgórzu i podziwiał krajobraz. To mówi o jej pięknej, otwartej duszy.

Bal na obrzeżach miasta, do którego Germinie wybiera się ze swoją przyjaciółką Adele, również opisana jest w impresjonistycznych kolorach – białe kołnierzyki migoczą przeplatane jasnymi spódnicami, wszystko to wiruje i mieni się, zamieniając w jedno piękne kolorowe płótno.

31. Problem bohatera pozytywnego w twórczości Balzaca.

32. Satyra i groteska w dokumentach pośmiertnych Dickensa z klubu Pickwick.

33. Psychologia historyczna w powieści Flauberta „Edukacja zmysłów”.

34. Teksty autorstwa Charlesa Leconte de Lisle.

Lecomte de Lisle (1818-1894)

W młodości Lisle płonął republikańskim entuzjazmem. Redagował pismo „Variety”, w którym promował książki o Fourieryzmie. Wylądowałem w jednym z rewolucyjnych centrów Paryża. Najlepszy tłumacz Odysei Homera we Francji.

1845-50: decydujący okres w kształtowaniu światopoglądu i kreatywności Lily. (fascynacja utopijnym socjalizmem, niezrozumienie sprawy komuny).

Tematy poezji: gwałtowne starcia narodów, religii, cywilizacji; wstrząsy, w których giną stare światy i rodzą się nowe. Był głęboko zniesmaczony barbarzyństwem cywilizacji burżuazyjnej i jej religii. Zawsze wyróżniał się wielkością obrazów. Jego wiersze są przemyślane, dźwięczne, jasne, poprawne, wyważone. Wierzył, że ludzkość degraduje się, że historia ludzkości wkrótce dobiegnie końca. Dlatego wszedł w świat zwierząt (najsłynniejszy malarz zwierząt w poezji). Oznaczało to, że odchodził od rzeczywistości do innego świata. Jedyny wiersz na dziś: „Pozwól umrzeć, kąpiąc się w pieniądzach”.

Opublikował 4 duże zbiory: „Wiersze antyczne” (1852), „Wiersze barbarzyńskie” (1862), „Wiersze tragiczne” (1884) i „Wiersze ostatnie” (1895).

"Antyczny":

Hellas dla poety to społeczna utopia przyszłości. To kraj społecznej harmonii. Hellenów nie tłumi ani państwo, ani kościół. Ich bezpłatna praca łączy się z wysoką kulturą estetyczną.

Wiersz „Falanga”: prawdziwe piękno to idea, która łączy ideał i życie, niebo i przemienioną ziemię. Musimy iść naprzód i szukać uniwersalnego królestwa harmonii i piękna.

Pomysły: rewolucja, wyeksponowanie Kościoła katolickiego.

Na kolekcję miała wpływ opresyjna atmosfera II Cesarstwa - zmienił utopijne konkluzje na bardziej ograniczone. Główna antyburżuazyjna postawa książki została zawoalowana. Książka była postrzegana przez współczesnych jako „manifest czystej sztuki”.

"Barbarzyńca":

Zbiór jest typowy dla francuskiej literatury oskarżycielskiej połowy XIX wieku. !Potępienie barbarzyństwa swojej epoki: Lil wykonuje barbarzyństwo wojen, chciwość — bezwzględną chciwość złota, rozdzielającą miłość. Wykonuje katolicyzm - "bestię w purpurze".

Przedstawia gwałtowną tropikalną naturę, moc drapieżnych zwierząt:

"Jaguar": obraz wieczornego lasu tropikalnego prowadzi do opisu czającego się nieruchomo drapieżnika. Byk wędrujący na krawędzi zamarza ze strachu. Opis zaciętej walki jaguara z bykiem. Zwycięzcą jest Jaguar.

"Kain": zbuntowany wiersz. Z wiecznego snu obudziły go groźby i przekleństwa potworów. Ponury Kain wypowiada monolog – oskarżenie Boga i zapowiedź nieuchronnego zwycięstwa ludzi nad Bogiem.

„Tragiczny” i „Ostatni”:

Odrobina retoryki i formalizmu.

Władza poetycka - w wersetach antyreligijnych ( „Bestia w kolorze fioletowym”)

„Ofiara na spalenie”: obrazowo i gniewnie odtworzył obraz masakry kościelnej humanisty ginącego na stosie na środku placu.

„Argumenty Ojca Świętego”: opowieść o tym, jak papież z arogancką pogardą odrzucił i wygnał Chrystusa, „syna cieśli”, który mu się ukazał („Legenda wielkiego inkwizytora z Braci Karamazow”).

„Wiersze tragiczne” dobry i tragiczny, bo poeta, który stracił jasną perspektywę walki, czuł, że zmuszony jest pogodzić się ze znienawidzonym, ale w rzeczywistości wydawał mu się niezwyciężonym porządkiem.

Podstawą tragedii jest wymuszone pojednanie ze znienawidzonym porządkiem burżuazyjnym.

35. Dramaturgia konfliktu w powieści Balzaka „Ojciec Goriot”.

Główny konflikt powieści dotyczy historii ojca Goriota i jego córek. Papa Goriot Jeden z filarów The Human Comedy. Jest piekarzem, byłym wytwórcą makaronów. Przez całe życie niósł tylko miłość do swoich córek: dlatego wydał na nie wszystkie pieniądze, a oni z nich korzystali. Więc zbankrutował. To przeciwieństwo Felixa Grande. Żąda od nich tylko miłości do siebie, dlatego gotów jest dać im wszystko. Pod koniec życia wyprowadza formułę: pieniądze dają wszystko, nawet córki.

W „Ojciec Goriot” jest postać drugorzędna - Rastignac. Tutaj nadal wierzy w dobro, jest dumny ze swojej czystości. Moje życie jest „czyste jak lilia”. Ma szlachetne, arystokratyczne pochodzenie, przyjeżdża do Paryża, by zrobić karierę i wstąpić na wydział prawa. Mieszka w pensjonacie Madame Vaquet za ostatnie pieniądze. Ma dostęp do salonu Wicehrabiny de Beauseant. Społecznie jest biedny. Życiowe doświadczenie Rastignaca składa się ze zderzenia dwóch światów (skazanego Vautrina i wicehrabiny). Rastignac uważa Vautrina i jego poglądy za wyższe niż społeczeństwo arystokratyczne, w którym przestępstwa są niewielkie. „Nikt nie potrzebuje uczciwości” – mówi Vautrin. „Im zimniej liczysz, tym dalej dotrzesz”. Jego pozycja pośrednia jest typowa jak na tamte czasy. Za ostatnie pieniądze urządza pogrzeb biednemu Goriotowi.

Wkrótce uświadamia sobie, że jego sytuacja jest zła, do niczego nie doprowadzi, że musi porzucić uczciwość, pluć na dumę i popaść w podłość.

Jedność „Ojca Goriota”: powieść łączy jeden chronotop. Wszystkie trzy wątki (ojciec córki Goriota, Rastignac, Vautrin) są związane ze szkołą z internatem matki Vake. Rastignac to papierek lakmusowy zanurzony w zasadzie stosunków społecznych i monetarnych.

Papa Goriot ma dwie córki (Delfinę i Anastasi). W okresie monarchii lipcowej arystokraci chętnie poślubiają dziewczęta z burżuazji (wychodzą za mąż dobrze). Ale ojciec Goriot szybko się zawodzi, zostaje wyciśnięty z tych dwóch domów, znajduje się w pensjonacie Vaquet na obrzeżach Paryża. Stopniowo córki wyciągają z niego cały majątek (wszystkie posag oddały mężom i proszą o więcej), przenosi się w pensjonacie z najdroższych pokoi do najgorszych.
Fabuła z Rastignac: Mefistofeles Vautrin uczy go i pokazuje mu możliwy sposób na wzbogacenie się: Quiz, młoda dziewczyna, córka wszechmocnego bankiera, mieszka w pensjonacie. Ale bankier ma syna, któremu chce oddać całą swoją fortunę. Vautrin proponuje Rastignacowi kombinację: poślubić Victorine, a następnie wyzwać syna bankiera na pojedynek i zabić go. Córka otrzyma wszystkie pieniądze. Ale Rastignac zostaje kochankiem innej bogatej hrabiny (Delphine de Nucingen).

Goriot ma przesadne poczucie ojcostwa. Zepsuł swoje córki pobłażliwością. Dramaturgia: fabuła budowana jest wieloma liniami: najpierw jest szeroka ekspozycja (pensjonat), potem wydarzenia nabierają szybkiego tempa, zderzenie przeradza się w konflikt, konflikt ujawnia sprzeczności nie do pogodzenia, co prowadzi do katastrofy.

Odsłonięty i schwytany przez policję, Vautrin, który z pomocą zabójcy kontraktowego zaaranżował zabójstwo Quiza Typhera; Anastasi Resto zostaje okradziony i porzucony przez pirata wysokiego społeczeństwa Maxime de Tray; Goriot umiera, pensjonat pustoszeje. To jest dramat powieści.

36. Nowy etap realizmu (lata 50., 60.) i problem bohatera literackiego.

Te lata wzbogaciły zachodnioeuropejską powieść realistyczną o całkowicie nowy psychologizm.

Realizm w tych latach dochodzi do apogeum - do pełni.

Konieczne było zatwierdzenie rzeczywistej osoby i obalenie romantycznego bohatera.

lata 50., 60. - rozwój filozofii pozytywizmu (filozofia ta wymagała od pisarzy oparcia się na wiedzy współczesnej nauki). W ten sposób zdemaskowano pojęcie osobowości niezwykłej (romantycznej).

„Edukacja zmysłów” Flauberta to obalenie całej romantycznej koncepcji. Tłumaczenie francuskie: "EducationSentimentale" - edukacja zmysłowa.

Zarówno Balzac, jak i Dickens, i Stendhal, opisując moralność, przywiązywali dużą wagę do opisu tła. Szeroki obraz manier. Dickens portretował przede wszystkim bohatera, natomiast Stendhal i Balzac opisywali namiętności (namiętności gwałtu).

Kreatywność Flaubert - punkt zwrotny. Jego psychologia dała korzenie całej późniejszej literaturze. Flaubert stawia artystyczny problem niejednoznaczności konwencjonalnej natury. Nie potrafimy odpowiedzieć na pytanie, kim jest Emma Bovary – porządna buntowniczka czy zwykły cudzołożnik. Po raz pierwszy w literaturze pojawił się bohater nieheroiczny (Bowary).

Estetyka dojrzałego Thackeraya jest podstawą dojrzałego realizmu, opisu postaci nieheroicznej. Zarówno wzniosłości, jak i podstawy, których angielscy oświeceni szukają w życiu zwykłych ludzi. Przedmiotem satyry Thackeraya jest tak zwana powieść kryminalna (pikareska). Metoda heroizacji postaci. Na świecie nie ma czystych złoczyńców, tak jak nie ma czystych gadżetów. Thackeray opisuje głęboką ludzką godność codziennego życia.

Nie ma kulminacji (są one nieodłączne w powieści). Teraz są kolorowe cienie. "Próżność".

PROSTY CZŁOWIEK W REALIZMIE.

Romantyzm zawsze wyolbrzymiał osobę, ale realizm nie akceptował, negował te przesady. W realizmie zaprzecza się apoteozie bohatera. Dąży do wizerunku osoby przystosowanej. Utrata głębokich namiętności nie jest utratą integralności obrazu, tym potwierdzeniem integralności ludzkiej osobowości.

Powieść psychologiczna to połączenie zaskoczenia i regularności.

W latach 50. i 60. - psychologizm INDUKCYJNY powieści realistycznej (Flaubert, Thackeray).

Główne cechy:

Nieprzewidziane zachowanie bohatera

Instalacja o samorozwoju charakteru, wielości motywacji.

Odmowa dydaktyki, narzucanie swojej opinii czytelnikowi. Nie z moralności!

Zastąpienie opisu podziękowań opisem czynności, faktów.

Burza namiętności - w prostych rozmowach

Opis pejzażu zastępuje wewnętrzny monolog bohatera.

Zmienia się mowa charakterystyczna dla postaci - nie zawsze mówi o tym, co myśli. Wprowadza się PODTEKST (pośrednie wyrażanie myśli).

Najbardziej tragiczne sceny wyrażane są w najprostszych frazach.

Zainteresowanie światem wewnętrznym to apogeum. Osobowość rozwija się sama.

37. Wizerunek Davida Secharda w Zaginionych iluzjach Balzaca.

Patosem twórczości Balzaka jest jego gloryfikowanie pracy twórczej, twórczej działalności człowieka. Obserwując burżuazyjne społeczeństwo, Balzac musiał przyznać, że kreatywność jest w tym społeczeństwie niemożliwa: ludzie, którzy chcą tworzyć, nie mogą tego robić. Aktywne, aktywne tylko drapieżniki, rekiny, jak Nucingen, Rastignac, Grande. Inna, prawdziwa, kreatywność w społeczeństwach burżuazyjnych jest niemożliwa. To są najpotężniejsze argumenty Balzaka przeciwko światu burżuazyjnemu.

Na przykładzie wielu bohaterów Balzac pokazuje, do jakich tragicznych skutków często prowadzi chęć poświęcenia się twórczej działalności człowieka. Jednym z bohaterów tej serii jest D. Sechard w powieści „W. ORAZ.". Trzecia część powieści, poświęcona D, nosi tytuł „Cierpienie wynalazcy”. D. Wymyślił nową metodę wytwarzania papieru, która powinna zrewolucjonizować produkcję, znacznie obniżając jej koszt. D. Poświęca się swojej pracy z entuzjazmem, ale natychmiast wiele osób powstaje przeciwko niemu. Bracia Cuente, właściciele drukarni w tym samym mieście, robią wszystko, aby David nie mógł pracować. Osoba aktywna, energiczna, naukowiec, który dokonał poważnego odkrycia, Sechar odmawia mu, zmuszony jest sprzedać swój wynalazek. Jego żywiołowa energia nie znajduje dla siebie żadnego pożytku; osiedla się w swoim majątku i zostaje rentierem prowincjonalnym. Osoba dążąca do kreatywności jest skazana na bezczynność – tak twierdzi Balzac w tym przykładzie.

Poetycki charakter D. przejawiał się w jego obojętności na pieniądze, na prozaiczne sprawy należącej do niego drukarni, w namiętnej miłości do Ewy.

38. Rola ideologii oświecenia w kształtowaniu estetyki realistycznej.

Wiek Oświecenia wywarł ogromny wpływ na powstanie angielskiej powieści realistycznej (i późnofrancuskiego realizmu).

Dydaktyka i kategorie moralne epoki wiktoriańskiej

Satyryczna orientacja oskarżycielska (tradycje moralnego i opisowego malarstwa satyrycznego).

Ostra walka ideologiczna (a w dobie Oświecenia była) – socjaliści chrześcijańscy i feudalni.

Realiści zaakceptowali antyfeudalny, społecznie krytyczny nurt realizmu oświeceniowego, jego subtelną umiejętność psychologiczną (Laurence Stern).

Od oświeconych realiści przejęli wiarę w poznawczą moc ludzkiego umysłu. Realiści są bliscy oświeceni przez afirmację edukacyjnej, obywatelskiej misji sztuki.
Przedstawianie rzeczywistości w formach samej rzeczywistości jest zasadą realistów Oświecenia.

Stendhal, przedstawiając swoich bohaterów, wywodzi się w dużej mierze od oświeconych, którzy przekonywali, że sztuka ma charakter społeczny, służy celom publicznym.

W broszurze Racine i Szekspir(1825) mówi, że starał się dopasować swoje postacie do dzieci rewolucji, ludzi, którzy szukają myśli bardziej niż piękna słów.

Bohater zajmował szczególne miejsce w poglądach estetycznych Stendhala, główne miejsce zajmowała kwestia człowieka. Podobnie jak Oświeceni, Stendhal potwierdza ideę, że człowiek powinien harmonijnie rozwijać wszystkie tkwiące w nim zdolności; ale rozwijając się jako osoba, musi kierować swoje mocne strony i zdolności dla dobra ojczyzny, państwa.

Umiejętność wielkiego wyczucia, bohaterstwa - to cecha, która determinuje pełnoprawną osobowość. W tym Stendhal podąża za ideą Diderot (Iluminator).

Główny spór w traktacie Racine'a i Szekspira dotyczy tego, czy można zaobserwować dwie jedności miejsca i czasu, które wywołują drżenie serca. Spór między akademikiem a romantykiem (widz, jeśli nie pedant, nie dba o ograniczenia miejsca, czasu, działania). Dwa warunki komiksu to przejrzystość i zaskoczenie (komiks jest jak muzyka - jego piękno jest krótkotrwałe).

Rozdział 3: Czym jest romantyzm? Romantyzm to sztuka dawania ludziom takich dzieł literackich, które przy obecnym stanie ich zwyczajów i wierzeń mogą sprawiać im największą przyjemność.

Romantyczne postacie Stendhala - Fabrizio Del Dongo, Julien Sorel i Gina - są bohaterskie, namiętne, ale w sensie przyziemnym. Są blisko zwykłych ludzi, żyją w tych samych warunkach.

39. Opozycja romantycznych marzeń i rzeczywistości w Madame Bovary Flauberta.

Flaubert pisał Madame Bovary od 1851 do 1856 roku.

Emma wychowywała się w klasztorze, gdzie zazwyczaj wychowywano w tym czasie dziewczęta o przeciętnym stanie. Jest uzależniona od czytania powieści. Były to romantyczne powieści o idealnych postaciach. Po przeczytaniu takiej literatury Emma wyobraziła sobie, że jest bohaterką jednej z tych powieści. Wyobraziła sobie swoje szczęśliwe życie ze wspaniałą osobą, reprezentantką jakiegoś cudownego świata. Spełniło się jedno z jej marzeń: już zamężna poszła na bal do markiza Vaubiesar w zamku. Do końca życia pozostawiła po sobie żywe wrażenie, które nieustannie z przyjemnością wspominała. (Poznała swojego męża przypadkiem: doktor Charles Bovary przyszedł leczyć Papę Rouault, ojca Emmy).

Prawdziwe życie Emmy jest dalekie od jej marzeń.

Już pierwszego dnia po ślubie widzi, że nie spełnia się wszystko, o czym marzyła – ma przed sobą nędzne życie. A mimo to na początku nadal marzyła, że ​​Charles ją kocha, że ​​jest wrażliwy i delikatny, że coś powinno się zmienić. Ale jej mąż był nudny i nieciekawy, nie interesował się teatrem, nie wzbudzał namiętności w żonie. Powoli zaczął irytować Emmę. Uwielbiała zmieniać sytuację (kiedy po raz czwarty położyła się spać w nowym miejscu (klasztor, Toast, Vaubiesart, Yonville), myślała, że ​​w jej życiu zaczyna się nowa era. Kiedy przybyli do Yonville (Dom, Leray, Leon - asystent notariusza - kochanek Emmy), poczuła się lepiej, szukała czegoś nowego, ale równie szybko wszystko zmieniło się w nudną rutynę.Leon wyjechał do Paryża na dalsze kształcenie i Emma ponownie popadła w rozpacz.Jej jedyny przyjemnością było kupowanie tkanin od Leray. Jej kochankowie w ogóle (Leon, Rodolphe, 34 lata, właściciel ziemski) byli wulgarni i podstępni, żaden z nich nie miał nic wspólnego z romantycznymi bohaterami jej książek. Rodolphe szukał własnej korzyści, ale zrobił to nie znaleźć, jest przeciętny. Jego dialog z Madame Bovary jest charakterystyczny na wystawie rolniczej - dialog miesza się poprzez frazę z satyrycznie opisanymi okrzykami gospodarza wystawy o nawozie (mieszanie wysokiego i niskiego) Emma chce odejść z Rodolphe, ale w końcu nie chce wziąć na siebie ciężaru (jej i dziecka - Berta ).

Ostatnia kropla cierpliwości Emmy do męża znika, gdy ten postanawia operować chorego pana młodego (na stopie), udowadniając, że jest znakomitym lekarzem, ale wtedy pan młody rozwija gangrenę i umiera. Emma zdaje sobie sprawę, że Charles jest do niczego.

W Rouen Emma spotyka Leona (po chorobie idzie z mężem do teatru - 43 dni) - kilka cudownych dni z nim.

Chęć ucieczki od tej nudnej prozy życia sprawia, że ​​jest ona coraz bardziej uzależniająca. Emma zadłuża się u lichwiarza Leraya. Całe życie opiera się teraz na oszustwie. Zwodzi męża, oszukują ją kochankowie. Zaczyna kłamać nawet wtedy, gdy nie jest jej potrzebna. Coraz bardziej zdezorientowany, tonący na dno. Popełnia samobójstwo (zatruta arszenikiem). To nie przypadek, że Flaubert opisuje jej śmierć jako długą i bolesną. Obraz śmierci Emmy odbierany jest jako gorzka ironia autorki wobec jej bohaterki: tyle czytała w powieściach o poetyckiej śmierci bohaterek, jej śmierć była tak obrzydliwa.

Emma wierzyła, że ​​marzenie o pięknej miłości może się urzeczywistnić, może się spełnić, ale życie mocno ją rozczarowało. To jej tragedia.

Powieść Flauberta staje się więc ukrytą polemiką z romantyzmem.

NAJWAŻNIEJSZE: kryzys romantycznego snu: nieistotność marzeń bohaterki (jej marzenie jest wulgarne: o błyszczących parkietach, lustrzanych salonach, pięknych sukienkach). Tragedia powieści polega na tym, że Flaubert tak naprawdę nie znajduje niczego, co mogłoby oprzeć się marzeniu, które ujawnił. Pokazuje, jak ten sen we współczesnych warunkach jest śmieszny, nie do utrzymania i pusty.

40. Teoria „krystalizacji” Stendhala.

Teoria krystalizacji pojawia się w traktacie Stendhala O miłości (1822). Ta książka opowiada o najbardziej kruchych i nieuchwytnych z ich ludzkich uczuć. Niezwykle przejrzysta analiza przeżyć emocjonalnych. Mówi tu o narodzinach idei psychologicznych i przesłankach do krystalizacji atrakcyjności dwojga kochanków, w zależności od panujących wokół obyczajów instytucji obywatelskich: skłonności miłosne (Fabrizio dla Giny), miłość cielesna (miłość Juliena Sorela do Madame de Renal). ), miłość z próżności (miłość Juliena do Matyldy - rozumiał, że dla niego to tylko pozorne uczucie, Matylda widziała w tym wiele heroizmu - szlachetna dziewczyna kocha syna stolarza), namiętność miłości (od Madame de Renal do Julien i od Giny do Fabrizio).

Już wtedy Stendhal zauważa, że ​​znajomość miłości bez historii jest bezradna: nieokiełznana namiętność Włochów nie przypomina wyrafinowanej uprzejmości Francuzów. W różnych kręgach społecznych często leży przepaść.

To odkrycie pomoże mu później przy pisaniu dwóch powieści: w miłości arystokratki (La Mole) i prowincjała (Renal), miłości tubylca z dna (Julien) i świeckiego dandysa.

Krystalizacja to rozwój miłości z przyciągania, w zależności od panujących w otoczeniu obyczajów (krystalizacja ma miejsce, gdy z oparów pod wpływem warunków zewnętrznych powstają kryształy o różnych kształtach).

41. Specyfika gatunkowa powieści Dickensa „Little Dorrit”.

42. Problem typowości u Balzaca.

Balzac (1799-1850)

Widzenie świata przez Balzaka jest całkowitą przemianą świata rzeczywistości. Absolutnie prawdziwy typ osoby rodzi się z wyobraźni.

Typ nie jest portretem prawdziwej osoby. Typ i indywidualność są używane w tym samym kontekście przez Balzaca, choć same w sobie są dwoma przeciwstawnymi terminami. Typ rozumiany jest jako pewne zjawisko społeczne, pasja lub własność moralna, ucieleśnione w określonym obrazie.

Indywidualność to ogólna własność obdarzona konkretami.

Wyobraźnia i myśl to dwa składniki kształtowania się głównych bohaterów powieści Balzaka. Czasami postacie drugoplanowe niektórych powieści stają się głównymi bohaterami innych (Baron de Nucingen jest drugoplanową postacią w Père Goriot i głównym bohaterem w Domu bankiera, Rastignac jest drugoplanową postacią w Domu Nucingen ??? i głównym bohaterem w Père Goriot).

Pojęcie typu to ogólne, początkowo związane z konkretną, jednostkową jednostką, którą uogólnia. Bez niego generał jest bezsensowny i nierealny.

Dla Balzaca pojęcie kroju pisma jest pojęciem niedokończonym. On sam powiedział w „Przedmowie do ludzkiej komedii”: „Ci, którzy myślą, aby znaleźć we mnie intencję uznania człowieka za skończoną istotę, bardzo się mylą”. Tak więc, przy całej skłonności Balzaka do identyfikowania w postaci trwałej typowości, pisarz początkowo stwierdza mobilność, zmienność jako istotę typu, a nie jego całkowitą statykę.

Typowe dla Balzaca jest podejście do rzeczy. Wszyscy bohaterowie „Ludzkiej komedii” są materialni - dla nich głównym celem są pieniądze i posiadanie rzeczy, władza. Oczywiście każda powieść ma swój specyficzny typ, ale w zasadzie jest w nich coś jednoczącego - ta gwałtowna pasja do gromadzenia.

Wszystkie postacie w The Human Comedy są typowe, podobne do siebie. Jedynym, który się wyróżnia, jest bohater „Zaginionych iluzji” Lucien Chardon, który połączył zarówno typowe dla bohaterów „Komediów”, jak i skrajności charakteru, co doprowadziło do stworzenia bohatera indywidualistycznego.

Gobsek (typ skąpca) dał początek zarówno typowi Felixa Grande, jak i Papy Goriot.

„Typ to postać, która uogólnia w sobie charakterystyczne cechy wszystkich mniej lub bardziej do niego podobnych. To jest próbka rodzaju”. To, co typowe w koncepcji Balzaca, bynajmniej nie przeciwstawia się wyjątkowości. Co więcej, prawie wszyscy główni bohaterowie „CH.K.” - bohaterowie to wyjątkowe osobowości.

Typowe i indywidualne w postaciach są dialektycznie powiązane, odzwierciedlając wspólny proces twórczy artysty - uogólnianie i konkretyzację.

43. Demokracja Dickensa w Ponurym Domu.

44. Gatunek powieści historycznej w twórczości Merimee (Kronika)

Merimee kończy pierwszy okres działalności literackiej swoją powieścią historyczną „Kronika panowania Karola IX » (1829) - niejako rezultat ideowych i artystycznych poszukiwań pisarza w tamtych latach. To pierwsze dzieło narracyjne Mérimée.

„W historii lubię tylko anegdoty”, stwierdza Mérimée we wstępie. A zatem w pewnym stopniu fabuła tej powieści jest nieco anegdotyczna. Opiera się na życiu fikcyjnych postaci, prywatnych, niehistorycznych osób, które przeplata się z wydarzeniami historycznymi, głównie z walką katolików i hugenotów (zwolenników protestantyzmu). I oczywiście centralnym wydarzeniem całej powieści jest Noc św. Bartłomieja, wokół której tragedia toczy się akcja.

W epigrafach Kroniki Mérimée posługuje się cytatami z Gargantui i Pantagruela współczesnego Karolowi IX François Rabelais.

Prosper Merimee na początku swojej kariery, jak już wspomniano, dołączył do ruchu romantycznego. Wpływ estetyki romantycznej przez długi czas oddziaływał na twórczość pisarza: odczuwalny jest w całym jego dziedzictwie twórczym. Ale stopniowo działalność literacka Merimee nabierała coraz bardziej realistycznego charakteru. Wyraźne ucieleśnienie tego nurtu znajdujemy w Kronice panowania Karola IX.

Rozumiejąc wydarzenia z odległej przeszłości, Merimee nie dostosowywał ich do teraźniejszości, lecz szukał w nich klucza do praw epoki, która go interesowała, a tym samym do odkrycia szerszych uogólnień historycznych.

Wpływ Waltera Scotta na twórczość Merimee jest ogromny. W powieści „Kronika…” jest to wyraźnie widoczne. Po pierwsze, to z pewnością dbałość o szeroki obraz życia minionych czasów. Po drugie, to historyzm wydarzeń i szczegółowy opis strojów, drobiazgów, przedmiotów gospodarstwa domowego odpowiadających opisywanej epoce (opis Dietricha Garnsteina – kamizelka z węgierskiej skóry i blizna). Po trzecie, podobnie jak Scott, Merimee przedstawia ludzi z przeszłości bez fałszywej gloryfikacji, w ich codziennym zachowaniu, w ich żywym związku z życiową i historyczną sytuacją ich czasów. Ale Merimee idzie dalej niż Scott. W przeciwieństwie do swojego „nauczyciela” przedstawia swoje postacie nie za pomocą szczegółowych, lecz warunkowych cech, jak to czynił w swoim czasie Walter Scott, ale w działaniu, w ruchu, w czynach. Ponadto, w przeciwieństwie do Scotta, Merimee nie korzysta z odniesień historycznych. Jest to raczej powieść obyczajowa, a jego postacie są zawarte w historii. Scott miał również prawdziwe postacie, a Merimee umieszcza zarówno fikcyjne, jak i prawdziwe postacie na tym samym pasku.

„Kronika” zamyka pierwszy etap działalności literackiej Merimee.

W latach Restauracji Merimee z upodobaniem przedstawiał wielkie społeczne kataklizmy, reprodukował szerokie płótna społeczne, rozwijał wątki historyczne, a wielkie, monumentalne gatunki przyciągały jego uwagę.

45. Formuła skóry Shagreen jako klucz do losu jednostki w Human Comedy Balzaca.

Shagreen Skin (1831) - według Balzaca miała kształtować obecny wiek, nasze życie, nasz egoizm.

Filozoficzne formuły ujawniają się w powieści na przykładzie losów głównego bohatera Raphaela de Valentina. Stoi przed nim dylemat stulecia: „chcieć” i „być w stanie”. Najpierw - ciernista ścieżka naukowca-pracownika, potem - odrzucenie tego w imię blasku i przyjemności życia na wysokim poziomie społeczeństwa. Upadek, utrata środków. Jest odrzucany przez kobietę, którą kocha. Jest na skraju samobójstwa.

W tym momencie: antykwariusz (tajemniczy) - wręcza mu wszechmocny talizman - shagreen skóra, dla właściciela której łączy się "móc" i "pragnąć". Jednak karą za wszystkie natychmiast spełnione pragnienia jest życie Raphaela, ginące wraz z niepowstrzymanym kurczeniem się kawałka szarozielonej skóry. Jest tylko jeden sposób na wydostanie się z tego magicznego kręgu - stłumienie pragnień w sobie.

Stąd dwa systemy życia:

Życie pełne aspiracji i pasji, które zabijają człowieka swoim nadmiarem

Życie ascetyczne, którego jedyną satysfakcją jest pasywna wszechwiedza i potencjalna wszechmoc.

W rozumowaniu starego antykwariusza – drugi typ. Przeprosiny pierwszego to namiętny monolog kurtyzany Akiliny (w scenie orgii w Victorinie Tayfer).

W pracy Balzac ujawnia siłę i słabość obu zasad ucieleśnionych w życiu Rafaela (początkowo niemal zrujnował się w potoku namiętności, potem powoli umiera pozbawiony pragnień i emocji - roślinna egzystencja). Powód, dla którego mógł zrobić wszystko, ale nic nie zrobił - egoizm bohatera. Otrzymawszy miliony, został natychmiast przemieniony, a winę ponosi jego egoizm.

46. Poezja Teofila Gauthier.

Teofil Gautier (1811-1872)

Pierwszy zbiór poezji – „Wiersze” – 1830 (w szczytowym momencie rewolucji lipcowej).

Sława przyszła do niego dopiero w 1836 roku jako prozaik (powieść „Mademoiselle de Maupin”)

Jego najsłynniejszy zbiór wierszy Emalia i Cameos ukazał się w pierwszym wydaniu w 1852 roku.

Kluczem do natury literackiego, poetyckiego talentu Gauthiera jest „mniej medytacji, próżnych rozmów, syntetycznych osądów. Wszystko czego potrzebujesz to rzecz, rzecz i znowu rzecz.

Otrzymał absolutne poczucie świata materialnego (obserwacja fenomenalna i pamięć wzrokowa). Miał też wrodzony instynkt obiektywności, który pozwalał mu rozpływać się w przedstawianych przedmiotach. Wyrażenia były trafne od samego początku.

Cechy poezji Gauthiera:

Opisy są widoczne, wypukłe, przekonujące

Dokładność sformułowań

Tematyka: miniaturowe wnętrza, małe pejzaże (typ flamandzki), równiny, wzgórza, strumienie.

Wzorem dla jego poezji są dzieła sztuki

Celem Gauthier jest stworzenie za pomocą słów zmysłowego obrazu, nadanie wizualnego obrazu przedmiotów.

Niepowtarzalne wyczucie koloru

Zasadą poetyki Gauthiera NIE jest opis przedmiotu naturalnego w jego pierwotnym istnieniu, ale opis obrazu sztucznego, wtórnego w naturze, stworzonego przez grawera, malarza, rzeźbiarza, obrazu już skończonego (tak jakby opisywał obrazy ).

Wiersze Gauthiera wywodzą się genetycznie z gatunku hellenistycznego EKFRASYS(mowa opisowa, wyraźnie pokazująca, co wyjaśnia oczom). Natura jest dostępna dla poety tylko wtedy, gdy zostaje przekształcona w dzieło sztuki, w rzecz artystyczną.

Używa również EPATAGE, ale nie tak bardzo jak Baudelaire i Lecomte de Lisle. Szok to sposób na wyrażenie pogardy dla rasowego, szarego świata.

Wiersze:

„Fellaczka”(akwarela księżniczki M): tutaj Gauthier nie odtwarza prawdziwego wyglądu egipskiej wieśniaczki, a jedynie jej malowniczy wizerunek, wykonany akwarelą.

„Wiersz kobiety” przeznaczony do gloryfikowania uroków słynnej paryskiej piękności Pani Sabatier. Ale prawdziwy wygląd tej kobiety nie ujawnia się czytelnikowi na sekundę, ale pojawia się w formie rzeźby Kleomenesa w formie stylizowanej orientalnej sułtanki. (Prawdziwy obiekt w Gauthier nie jest ujawniany, ale też nie jest ukryty).

Poetyka opiera się na zasadzie kulturowych odniesień, reminiscencji i skojarzeń. „Emalie i kamee” pełne są mitologicznych aluzji, bezpośrednich nawiązań do dzieł i obrazów.

Bardzo ważnym tematem w Gauthier jest temat „Eldorado” (utopia). " Natura zazdrosna o sztukę": motyw karnawałowego festynu niszczącego zabory publiczne.

Sztuka dla Gauthiera nie przeciwstawia się życiu, ale je uzupełnia. Działa jak nadprzyrodzony. Wrażliwość i niepewność jest stałym źródłem jego kreatywności.

47. Ogólna idea The Human Comedy Balzaca.

Być może wpływ naukowego ducha tamtych czasów na Balzaka nie był tak wyraźny w niczym, jak w jego próbie połączenia jego powieści w jedną całość. Zebrał wszystkie wydane powieści, dodał do nich szereg nowych, wprowadził do nich zwykłych bohaterów, łączył jednostki więzami rodzinnymi, przyjaźni i innymi, a tym samym stworzył, ale nie dokończył wspaniałej epopei, którą nazwał „The Human Comedy”, który miał służyć jako materiał naukowy i artystyczny do badania psychologii współczesnego społeczeństwa.

W przedmowie do Komedii ludzkiej sam nakreśla paralelę między prawami rozwoju świata zwierzęcego a ludzkim społeczeństwem. Sam mówi, że pomysł stworzenia tego ogromnego dzieła zrodził się z porównania człowieka ze światem zwierzęcym. Różne typy zwierząt stanowią jedynie modyfikację typu ogólnego, powstającą w zależności od warunków środowiskowych; tak więc, w zależności od warunków wychowania, środowiska itp. - te same modyfikacje osoby, co osioł, krowa itp. - gatunek ogólnego typu zwierzęcego.

Zdał sobie sprawę, że Społeczeństwo jest jak Natura: społeczeństwo tworzy z człowieka, zgodnie ze środowiskiem, w którym działa, tyle różnych gatunków, ile jest w świecie zwierząt. Ale jest wiele różnic: sytuacja społeczna jest naznaczona wypadkami, na które natura nigdy nie pozwala. Zwierzęta nie mają wewnętrznych zmagań – ścigają się tylko nawzajem. Ludzie mają trudniejszą walkę, mają umysł.

Sensem mojej pracy jest nadanie faktom z życia ludzi, faktom z życia codziennego, wydarzeniom z życia osobistego takiej wagi, jaką historycy przywiązywali do życia społecznego narodów.

Każda z moich części (sceny z prowincjonalnej, prywatnej, paryskiej, politycznej, wojskowej i wiejskiej) ma swoją kolorystykę.

W celu naukowej systematyzacji Balzac podzielił całą tę ogromną liczbę powieści na serie. Oprócz powieści Balzac napisał szereg dzieł dramatycznych; ale większość jego dramatów i komedii nie odniosła sukcesu na scenie.

Zaczynając tworzyć gigantyczne płótno, Balzac deklaruje obiektywność jako swoją początkową zasadę - "społeczeństwo francuskie powinno być samym historykiem, ja musiałem być tylko jego sekretarzem". Częścią eposu są szkice (jak naukowiec uważnie studiujący żywy organizm).

Ponad 2000 postaci w Human Comedy Balzaca.

48. Biblijne obrazy w kwiatach zła Baudelaire'a.

49. Cechy romantyzmu w poetyce Balzaka.

Balzac jest zaangażowany w opisywany przez siebie artystyczny świat. Wykazywał żarliwe zainteresowanie losami tego świata i nieustannie „czuł puls swojej epoki”.

Ma błyskotliwą osobowość w powieści, w każdym.

Połączenie realistycznej podstawy z romantycznymi elementami - „Gobsek”. Osobowość jest silna, wyjątkowa. Gobsek jest wewnętrznie sprzeczny: filozof i skąpiec, podły i wzniosły.

Przeszłość Gobska jest niejasna (cechy romantyczne - tajemnica, niejasność). Może był korsarzem. Pochodzenie jego ogromnego bogactwa jest niejasne. Jego życie jest pełne tajemnic. Umysł jest wyjątkowy w filozofii. Uczy Derville'a, mówi wiele mądrych rzeczy.

50. Wielka Rewolucja Francuska w powieści braci Goncourt Germinie Lacerte.

51. Wizerunek Luciena de Rubempre i kompozycja powieści „Zagubione iluzje” Balzaca.

Lucien Chardon jest bohaterem wszystkich trzech części powieści. Jest pochodzenia arystokratycznego; jego matka została uratowana przez ojca z szafotu. Ona jest de Rubempre. Jego ojciec jest farmaceutą Chardonem, a matka po jego śmierci została położną. Lucien był skazany na wegetację w marnej drukarni, jak David, ale pisał utalentowaną poezję, obdarzony niezwykłą urodą i niespożytą ambicją. Wizerunek Luciena wyróżnia wyraźna wewnętrzna dwoistość. Wraz z prawdziwą szlachetnością i głębokimi uczuciami ujawnia niebezpieczną zdolność, pod wpływem niesprzyjających okoliczności, do szybkiej i naturalnej zmiany swoich poglądów i decyzji. Jedzie do Paryża z panią de Bargeton, która będąc w Paryżu wstydzi się go, bo wygląda biednie. A ona go zostawia.

W Paryżu istnieje obraz życia metropolitalnego. Zaznaje paryskich zwyczajów za kulisami teatrów, w bibliotece publicznej, w redakcjach gazet, przystosowuje się do nich, a właściwie bardzo szybko przystosowuje się do nowych warunków. Ale podobnie jak Rastignac przechodzi przez serię prób, w których ujawnia się jego sprzeczna natura. Ta atmosfera hulanki w Paryżu (blichtr, przekupny Paryż) przygotowuje punkt zwrotny, który w Lucienie szykuje się, odsłania w nim egoizm.

Lucien był przystojnym i poetą. Został zauważony w swoim mieście przez miejscową królową = Madame de Bargeton, która wyraźnie preferowała utalentowanego młodzieńca. Jego kochanek nieustannie powtarzał mu, że jest geniuszem. Powiedziała mu, że tylko w Paryżu będą mogli docenić jego talent. To tam otworzą się dla niego wszystkie drzwi. To wbiło się w jego duszę. Ale kiedy przyjechał do Paryża, kochanka go porzuciła, ponieważ w porównaniu do towarzyskich dandysów wyglądał jak biedny prowincjał. Został porzucony i pozostawiony sam, ale wszystkie drzwi się przed nim zamknęły. Zniknęła złudzenie, jakie miał w swoim prowincjonalnym mieście (o sławie, pieniądzach itp.).

Wiąże się z nim główny temat utraconych złudzeń i problem „nieudanego geniuszu”. Brak mocnych zasad moralnych, przeradzający się w niemoralność, = przyczyna upadku Luciena jako poety. Nieudany pisarz Etienne Lousteau wprowadza go w świat pozbawionego zasad i żywego dziennikarstwa paryskiego, kultywującego zawód „mordercy idei i reputacji”. Wyjazd do dziennikarstwa to początek duchowego upadku Luciena. Konkurencja jest istotna.

Skład: powieść zbudowana jest na kompozycji linearnej: trzy części: pierwsza, „Dwóch poetów”, opowiadająca o młodości Luciena, o młodości jego przyjaciela Davida Secharda, o wysokich aspiracjach młodych ludzi; następnie - rozdział „Prowincjalna sława w Paryżu”, o przygodach Luciena w Paryżu; oraz Cierpienie wynalazcy, opowiadające o tragedii Davida Secharda i jego ojca.

52. Wpływ romantyzmu na kształtowanie się estetyki realistycznej.

Znaczenie romantyzmu jako prekursora sztuki realistycznej we Francji jest bardzo duże.

To romantycy byli pierwszymi krytykami społeczeństwa burżuazyjnego. To oni odkryli nowy typ bohatera, który wchodzi w konfrontację ze społeczeństwem. Odkryli analizę psychologiczną, niewyczerpaną głębię i złożoność indywidualnej osobowości. W ten sposób otworzyli drogę realistom (w poznaniu nowych wyżyn wewnętrznego świata człowieka).

Stendhal posługuje się tym i łączy psychologię jednostki z jej bytem społecznym oraz przedstawia wewnętrzny świat człowieka w dynamice, ewolucji, dzięki aktywnemu oddziaływaniu na osobowość otoczenia.

Zasada historyzmu (w romantyzmie była to najważniejsza zasada estetyki) – dziedziczą ją realiści.

Ta zasada polega na traktowaniu życia ludzkości jako ciągłego procesu.

Wśród romantyków zasada historyzmu miała idealistyczną podstawę. Uzyskuje zasadniczo odmienną treść od realistów – materialistyczne odczytanie historii (głównym motorem historii jest walka klas, siłą decydującą o wyniku tej walki są ludzie). To właśnie pobudziło ich zainteresowanie ekonomicznymi strukturami społeczeństwa i psychologią społeczną szerokich mas.

Romantycy przedstawiają życie minionych epok, realiści - współczesną rzeczywistość burżuazyjną.

Realizm I etapu: Balzac, Stendhal: ma też cechy romantyzmu (artysta jest zaangażowany w opisywany przez siebie świat artystyczny).

Realizm II etapu: Flaubert: ostateczne zerwanie z romantyczną tradycją. Zwykli ludzie przychodzą, aby zastąpić jasne osoby. Artyści deklarują całkowite oderwanie się od rzeczywistości, której nie akceptują.

53. Ewolucja wizerunku Rastignaca w twórczości Balzaca.

Wizerunek Rastignaca w "Ch.K." - wizerunek młodego mężczyzny, który zdobywa osobiste dobre samopoczucie. Jego ścieżka jest ścieżką najbardziej konsekwentnego i stabilnego wznoszenia się. Utrata złudzeń, jeśli się pojawi, jest stosunkowo bezbolesna.

W „Ojciec Goriot” Rastignac nadal wierzy w dobro i jest dumny ze swojej czystości. Moje życie jest „czyste jak lilia”. Ma szlachetne, arystokratyczne pochodzenie, przyjeżdża do Paryża, by zrobić karierę i wstąpić na wydział prawa. Mieszka w pensjonacie Madame Vaquet za ostatnie pieniądze. Ma dostęp do salonu Wicehrabiny de Beauseant. Społecznie jest biedny. Życiowe doświadczenie Rastignaca składa się ze zderzenia dwóch światów (skazanego Vautrina i wicehrabiny). Rastignac uważa Vautrina i jego poglądy za wyższe niż społeczeństwo arystokratyczne, w którym przestępstwa są niewielkie. „Nikt nie potrzebuje uczciwości” – mówi Vautrin. „Im zimniej liczysz, tym dalej dotrzesz”. Jego pozycja pośrednia jest typowa jak na tamte czasy. Za ostatnie pieniądze urządza pogrzeb biednemu Goriotowi.

Wkrótce uświadamia sobie, że jego sytuacja jest zła, do niczego nie doprowadzi, że musi porzucić uczciwość, pluć na dumę i popaść w podłość.

W powieści „Dom bankiera” opowiada o pierwszych sukcesach biznesowych firmy Rastignac. Z pomocą męża swojej kochanki Delphine, córki Goriota, barona de Nucingen, dorabia się fortuny na sprytnej grze w akcje. Jest klasycznym monterem.

W „Skóra Shagreen”- nowy etap w ewolucji Rastignaca. Tutaj jest już doświadczonym strategiem, który dawno pożegnał się z wszelkiego rodzaju iluzjami. To prawdziwy cynik, który nauczył się kłamać i być hipokrytą. Jest klasycznym monterem. Aby prosperować, naucza Rafaela, trzeba iść naprzód i iść na kompromis ze wszystkimi zasadami moralnymi.

Rastignac jest przedstawicielem tej armii młodych ludzi, którzy nie podążali ścieżką jawnej przestępczości, ale ścieżką adaptacji dokonywaną za pomocą przestępstwa prawnego. Polityka finansowa to rabunek. Próbuje przystosować się do tronu burżuazyjnego.

54. Obrazy absurdalnej rzeczywistości społecznej w powieściach Dickensa „Ponury dom” i „Little Dorrit”.

55. Obrazy finansistów w powieściach Balzaka i Flauberta.

56. Realizm Dickensa w Dombey and Son.

57. Angielski realizm. Ogólna charakterystyka.

Realizm w ogóle jest zjawiskiem związanym z pewnymi warunkami historycznymi.

Najważniejszą cechą jest emancypacja jednostki, indywidualizm i zainteresowanie osobą ludzką.

Prekursorem angielskiego realizmu był Szekspir (przede wszystkim miał historyzm – zarówno przeszłość, jak i przyszłość decydowały o przyszłych losach bohaterów). Realizm renesansowy charakteryzowała narodowość, cechy narodowe, szerokie tło i psychologizm.

Realizm to typowa postać w typowych okolicznościach z pewną wiernością szczegółom (Engels).

Główną cechą realizmu jest analiza społeczna.

Dopiero XIX wiek podniósł problem indywidualności. To był główny warunek pojawienia się realizmu.

Powstaje z dwóch nurtów: filistynizmu (klasycyzm oparty na naśladowaniu natury - podejście racjonalistyczne) i romantyzmu. Realizm zapożyczył obiektywność od klasycyzmu.

Karol Dickens stanowił podstawę szkoły realistycznej w Anglii. Moralizowanie patosu jest integralną częścią jego twórczości. W swojej twórczości łączył zarówno cechy romantyczne, jak i realistyczne. Oto szerokość społecznej panoramy Anglii i subiektywność jego prozy oraz brak półtonów (tylko dobro i zło). Stara się wzbudzić w czytelniku sympatię – i to jest cecha sentymentalna. Związek z poetami jeziornymi - bohaterami jego powieści są mali ludzie. To Dickens wprowadza motyw miasta kapitalistycznego (straszne). Jest krytyczny wobec cywilizacji.

Drugi główny realista XIX wieku - Thackeray. Estetyka dojrzałego Thackeraya jest podstawą dojrzałego realizmu, opisu postaci nieheroicznej. Zarówno wzniosłości, jak i podstawy, których angielscy oświeceni szukają w życiu zwykłych ludzi. Przedmiotem satyry Thackeraya jest tak zwana powieść kryminalna (pikareska). Metoda heroizacji postaci. Na świecie nie ma czystych złoczyńców, tak jak nie ma czystych gadżetów. Thackeray opisuje głęboką ludzką godność codziennego życia.

Nie ma kulminacji (są one nieodłączne w powieści). Teraz są kolorowe cienie. "Próżność".

Dominujący psychologizm Thackeraya: w prawdziwym życiu mamy do czynienia ze zwykłymi ludźmi, a oni są bardziej skomplikowani niż aniołowie czy po prostu złoczyńcy. Thackeray sprzeciwia się sprowadzaniu człowieka do jego roli społecznej (osoby nie można oceniać według tego kryterium). Thackeray staje przeciwko idealnemu bohaterowi! (podtytuł: „powieść bez bohatera”). Tworzy idealnego bohatera i umieszcza go w realnej ramie (Dobbin). Ale przedstawiając prawdziwego bohatera, Thackeray nie przedstawiał ludzi, ale tylko klasę średnią (miasto i prowincję), ponieważ sam pochodził z tych warstw.

Więc, 40s w Anglii: powstanie publiczne. Idee stulecia i stan ruchu społecznego, zasady moralne (stosunki ekonomiczne) znalazły odzwierciedlenie w powieści. W centrum jest mężczyzna. Wysoki poziom pisania. krytyczny stosunek do rzeczywistości.

50-60 lat: Czas utraconych złudzeń, które zastąpiły wysokie oczekiwania. Ożywienie gospodarcze w kraju, ekspansja ekspansji kolonialnej. Charakter życia duchowego człowieka określają idee pozytywizmu. Przeniesienie praw przyrody na społeczeństwo – podział funkcji osobowości w sferze społecznej. Oparcie się na tradycjach sentymentalnej powieści codziennej z dominującym rozwojem zwyczajności. Poziom typizacji jest niższy, psychologizm wyższy.

58. Panteizm i pozytywizm u Flauberta i Baudelaire'a.

Teoria czystej sztuki to zaprzeczenie jakiejkolwiek użyteczności sztuki. Gloryfikacja zasady „sztuka dla sztuki”. Sztuka ma jeden cel - służbę pięknu.

Sztuka jest teraz sposobem na opuszczenie świata, czysta sztuka nie ingeruje w relacje społeczne.

Trójca prawdy, dobroci, piękna – teoria sztuki czystej.

Teoria czystej sztuki powstaje jako forma ucieczki od znienawidzonej rzeczywistości. Teoretycy czystej sztuki też bywają skandaliczne (wyrażać się, szokować).

Powstaje panteizm- wiele przekonań, wielu bohaterów, opinii, myśli. Historia i nauki przyrodnicze stają się muzami ery nowożytnej. Panteizm Flauberta to nowoczesna kaskada: ospałość ducha tłumaczył stanem społeczeństwa. „Jesteśmy coś warci tylko ze względu na nasze cierpienie”. Emma Bovary to symbol epoki, symbol wulgarnej nowoczesności.

U Baudelaire'a panteizm wyraża się w różnorodnych tematach połączonych w jeden system. Łączy dobro i zło, mówiąc, że jedno nie może istnieć bez drugiego. Wysokie i niskie stają się w ten sposób dwiema nierozłącznymi cząstkami jednej całości. Kiedy śpiewa hymn do piękna, nie zapomina wspomnieć, jak straszne jest to piękno. Gdy śpiewa o miłości, mówi o jej podłości (skorumpowana Żydówka, upojna namiętność). „Szatan czy Bóg, czy to ma znaczenie?”, mówi. W wierszu „Albatros” ten pomysł brzmi bardzo jasno: taki silny ptak na niebie, szybujący wysoko nad wszystkimi, a tak bezradny na ziemi. W rzeczywistości to on sam, poeta, dla którego nie ma miejsca w tym śmiertelnym świecie.

Pozytywizm- kierunek filozofii burżuazyjnej, wychodzący z faktu, że wszelka prawdziwa wiedza jest skumulowanym wynikiem szczególnego. Nauki. Nauka, zgodnie z pozytywizmem, nie potrzebuje nad sobą żadnej filozofii.

Flaubert - nauka - nauki przyrodnicze, medycyna (śmierć Bovary, choroba syna Madame Arnoux i śmierć chłopca, syna Fryderyka), Baudelaire - prawdziwa wiedza o czystym pięknie. Synonim teorii czystej sztuki.

Wiek XIX jako epoka kulturalna rozpoczyna się w kalendarzu XVIII w. wydarzeniami Wielkiej Rewolucji Francuskiej z lat 1789-1793. Była to pierwsza rewolucja burżuazyjna na skalę światową (poprzednie rewolucje burżuazyjne z XVII wieku w Holandii i Anglii miały ograniczone znaczenie narodowe). Rewolucja francuska oznacza ostateczny upadek feudalizmu i triumf systemu burżuazyjnego w Europie, a wszystkie aspekty życia, z którymi burżuazja styka się, mają tendencję do przyspieszania, intensyfikacji, zaczynają żyć zgodnie z prawami rynku.

XIX wiek to epoka politycznych wstrząsów, które zmieniają mapę Europy. W rozwoju społeczno-politycznym Francja stała na czele procesu historycznego. Wojny napoleońskie z lat 1796-1815, próby przywrócenia absolutyzmu (1815-1830) oraz szereg późniejszych rewolucji (1830, 1848, 1871) należy uznać za konsekwencje Rewolucji Francuskiej.

Wiodącą potęgą światową XIX wieku była Anglia, gdzie wczesna rewolucja burżuazyjna, urbanizacja i industrializacja doprowadziły do ​​powstania Imperium Brytyjskiego i dominacji na rynku światowym. Dogłębne zmiany zaszły w strukturze społecznej społeczeństwa angielskiego: zniknęła klasa chłopska, nastąpiła ostra polaryzacja bogatych i biednych, czemu towarzyszyły masowe demonstracje robotników (1811-1812 - ruch niszczycieli obrabiarek, Luddites, 1819 - wykonanie demonstracji robotników na Polu Świętego Piotra pod Manchesterem, która przeszła do historii jako "bitwa pod Peterloo"; ruch czartystowski w latach 1830-1840). Pod presją tych wydarzeń klasy rządzące poszły na pewne ustępstwa (dwie reformy parlamentarne – 1832 i 1867, reforma szkolnictwa – 1870).

Niemcy w XIX wieku boleśnie iz opóźnieniem rozwiązały problem stworzenia jednego państwa narodowego. Po spotkaniu nowego stulecia w stanie feudalnego rozdrobnienia, po wojnach napoleońskich Niemcy przekształciły się z konglomeratu 380 państw karłowatych najpierw w związek 37 niepodległych państw, a po połowicznej rewolucji burżuazyjnej w 1848 r. kanclerz Otto von Bismarck postanowił stworzyć zjednoczone Niemcy „z żelazem i krwią”. Zjednoczone państwo niemieckie zostało proklamowane w 1871 roku i stało się najmłodszym i najbardziej agresywnym z burżuazyjnych państw Europy Zachodniej.

Stany Zjednoczone Ameryki w XIX wieku opanowały rozległe przestrzenie Ameryki Północnej, a wraz ze wzrostem terytorium rósł potencjał przemysłowy młodego narodu amerykańskiego.

W literaturze XIX wieku dwa główne kierunki - romantyzm i realizm. Epoka romantyzmu rozpoczyna się w latach dziewięćdziesiątych XVIII wieku i obejmuje całą pierwszą połowę stulecia. Jednak główne elementy kultury romantycznej zostały w pełni określone i ujawniły możliwości potencjalnego rozwoju do 1830 roku. Romantyzm to sztuka zrodzona z krótkiego historycznego momentu niepewności, kryzysu, który towarzyszył przejściu z systemu feudalnego do systemu kapitalistycznego; kiedy do 1830 r. określono zarysy społeczeństwa kapitalistycznego, romantyzm został zastąpiony sztuką realizmu. Literatura realizmu początkowo była literaturą singli, a sam termin „realizm” pojawił się dopiero w latach pięćdziesiątych XIX wieku. W masowej świadomości społecznej romantyzm nadal pozostawał sztuką współczesną, w rzeczywistości wyczerpał już swoje możliwości, dlatego w literaturze po 1830 r. romantyzm i realizm oddziałują w sposób złożony, w różnych literaturach narodowych generując nieskończoną różnorodność zjawisk, które nie da się jednoznacznie sklasyfikować. W rzeczywistości romantyzm nie umiera przez cały XIX wiek: od romantyków początku wieku przez późny romantyzm do symboliki, dekadencji i neoromantyzmu końca stulecia prowadzi prosta linia. Przyjrzyjmy się systemom literackim i artystycznym XIX wieku na przykładach ich najwybitniejszych autorów i dzieł.

XIX wiek - wiek dodawania literatury światowej gdy kontakty między poszczególnymi literaturami narodowymi ulegają przyspieszeniu i intensyfikacji. Tak więc literatura rosyjska XIX wieku żywo interesowała się twórczością Byrona i Goethego, Heinego i Hugo, Balzaka i Dickensa. Wiele ich obrazów i motywów bezpośrednio odbija się echem w rosyjskiej klasyce literatury, więc wybór utworów do rozważania problemów literatury obcej XIX wieku jest tu podyktowany, po pierwsze, niemożliwością, w ramach krótkiego kursu, nadania właściwe ujęcie różnych sytuacji w różnych literaturach narodowych, a po drugie, stopień popularności i znaczenia poszczególnych autorów dla Rosji.

Literatura

1. Literatura obca XIX wieku. Realizm: Czytelnik. M., 1990.
2. Morois A. Prometeusz, czyli życie Balzaka. M., 1978.
3. Reizov B. G. Stendhal. Kreatywność artystyczna. L., 1978.
4. Praca Reizova B.G. Flauberta. L., 1955.
5. Tajemnica Karola Dickensa. M., 1990.

Przeczytaj także inne tematy rozdziału „Literatura XIX wieku”.