W przeciwieństwie do bezimiennych przedmiotów masowo produkowanych, ręcznie robione przedmioty są zawsze wyjątkowe. Po mistrzowsku wykonane sprzęty domowe, ubrania, elementy wyposażenia wnętrz są drogie. A jeśli w dawnych czasach takie rzeczy były przedmiotami użytkowymi, to dziś przeszły do kategorii sztuki. Piękna rzecz wykonana przez dobrego rzemieślnika zawsze będzie cenna.
W ostatnich latach rozwój sztuki użytkowej nabrał nowego rozmachu. Ten trend jest zachęcający. Piękne naczynia wykonane z drewna, metalu, szkła i gliny, koronki, tekstyliów, biżuterii, haftu, zabawek - po kilkudziesięciu latach zapomnienia wszystko to znów stało się aktualne, modne i poszukiwane.
Historia Moskiewskiego Muzeum Sztuki Ludowej
W 1981 roku w Moskwie przy ulicy Delegatskiej otwarto Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej. W jej kolekcji znajdują się unikatowe próbki rękodzieła krajowych mistrzów przeszłości, a także najlepsze dzieła współczesnych artystów.
W 1999 roku miało miejsce następujące ważne wydarzenie - Wszechrosyjskie Muzeum Sztuki Dekoracyjnej, Użytkowej i Ludowej przyjęło do swojej kolekcji eksponaty Muzeum Sztuki Ludowej im. Savvy Timofiejewicza Morozowa. Trzon tej kolekcji powstał przed rewolucją 1917 roku. Podstawą były eksponaty pierwszego rosyjskiego muzeum etnograficznego. Było to tzw. Muzeum Rzemiosła Rzemiosła Artystycznego i Użytkowego, otwarte w 1885 roku.
Muzeum posiada specjalistyczną bibliotekę, w której można zapoznać się z rzadkimi książkami z zakresu teorii i historii sztuki.
Kolekcja muzealna
Tradycyjne rodzaje rzemiosła artystycznego są usystematyzowane i podzielone na działy. Głównymi obszarami tematycznymi są ceramika i porcelana, szkło, biżuteria i metal, rzeźbienie w kości i drewnie, tekstylia, miniatury lakierów i drobne materiały.
Muzeum Sztuki Dekoracyjnej i Stosowanej w otwartym funduszu i magazynach posiada ponad 120 tysięcy eksponatów. Rosyjska secesja jest reprezentowana przez dzieła Vrubela, Konenkowa, Golovina, Andreeva i Maliutina. Obszerna jest kolekcja sowieckiej porcelany i tkanin propagandowych z drugiej ćwierci ubiegłego wieku.
Obecnie to muzeum sztuki ludowej i rzemiosła uważane jest za jedno z najbardziej znaczących na świecie. Najstarsze eksponaty o wysokiej wartości artystycznej pochodzą z XVI wieku. Zbiory muzeum zawsze były aktywnie uzupełniane darowiznami osób prywatnych, a także dzięki wysiłkom odpowiedzialnych urzędników aparatu państwowego w latach władzy sowieckiej.
W ten sposób unikalna ekspozycja tkanin powstała w dużej mierze dzięki hojności obywatela Francji P. M. Tołstoja-Miłosławskiego, który przedstawił muzeum dużą kolekcję tkanin rosyjskich, orientalnych i europejskich, zgromadzoną przez N. L. Shabelską.
Dwie duże kolekcje porcelany zostały przekazane muzeum przez wybitne postacie sztuki radzieckiej - Leonida Osipowicza Utiosowa oraz małżonków Marię Mironową i Aleksandra Menakera.
Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej posiada sale poświęcone życiu narodu rosyjskiego w różnych okresach. Tutaj możesz zapoznać się z mieszkaniami przedstawicieli różnych klas. Meble, naczynia, ubrania chłopów i mieszkańców miast, zabawki dla dzieci zostały zachowane, odrestaurowane i wystawione do oglądania. Rzeźbione dekoracje architrawów i daszków, pieców kaflowych, skrzyń, które służyły nie tylko jako wygodny schowek na rzeczy, ale także jako łóżka, ponieważ zostały wykonane w odpowiedniej wielkości, przywołują obrazy spokojnego, wyważonego i dobrze odżywionego życia rosyjski outback.
Lakier miniaturowy
Miniatura lakiernicza jako sztuka użytkowa osiągnęła swój szczyt w XVIII i XIX wieku. Miasta słynące z warsztatów malowania ikon stały się ośrodkami artystycznymi, które dawały pozwolenie na pobyt głównym nurtom. Są to Palekh, Mstyora, Kholuy i Fedoskino. Szkatułki, broszki, panele, skrzynie z masy papierowej malowano farbami olejnymi lub temperą i lakierowano. Rysunki były stylizowanymi wizerunkami zwierząt, roślin, postaci z bajek i eposów. Artyści, mistrzowie miniatur z laki, malowali ikony, wykonywali portrety na zamówienie, malowali sceny rodzajowe. Każda miejscowość wypracowała własny styl pisania, ale prawie wszystkie rodzaje sztuki użytkowej w naszym kraju łączą takie cechy, jak nasycenie i jasność kolorów. Szczegółowe opracowanie rysunków, gładkie i zaokrąglone linie - to wyróżnia rosyjskie miniatury. Ciekawe, że obrazy dawnej dekoracyjnej sztuki użytkowej inspirują także współczesnych artystów. Wzory vintage są często wykorzystywane do tworzenia tkanin do kolekcji modowych.
Malowanie artystyczne na drewnie
Malarstwo Khokhloma, Mezen i Gorodets jest rozpoznawalne nie tylko w Rosji, ale także za granicą. Uosobieniem Rosji są meble, tuesa, pudełka, łyżki, miski i inne domowe przybory wykonane z drewna, pomalowane jedną z tych technik. Lekkie drewniane naczynia, pomalowane czarnymi, czerwonymi i zielonymi farbami na złotym tle, wyglądają masywnie i ciężko – to charakterystyczny styl Khokhloma.
Produkty Gorodets wyróżniają się wielobarwną paletą barw oraz nieco mniejszą, w porównaniu do Khokhloma, okrągłością form. Jako fabuły wykorzystywane są sceny rodzajowe, a także wszelkiego rodzaju fikcyjni i realni przedstawiciele świata zwierząt i roślin.
Sztuka i rzemiosło regionu Archangielska, w szczególności malarstwo Mezen na drewnie, to przedmioty użytkowe ozdobione specjalnymi wzorami. Rzemieślnicy z Mezen używają do swojej pracy tylko dwóch kolorów - czerni i czerwieni, czyli sadzy i ochry, ułamkowego schematycznego rysunku tut, szkatułek i skrzyń, fryzów w formie bordiur z powtarzających się ściętych postaci koni i jeleni. Statyczny, mały, często powtarzający się wzór wywołuje uczucie ruchu. Malarstwo Mezen jest jednym z najstarszych. Rysunki używane przez współczesnych artystów to napisy hieroglificzne używane przez plemiona słowiańskie na długo przed powstaniem państwa rosyjskiego.
Rzemieślnicy drzewni przed obróceniem jakiegokolwiek przedmiotu z litego pręta traktują drewno przed pękaniem i wysychaniem, dzięki czemu ich produkty mają bardzo długą żywotność.
Tace Zhostovo
Metalowe tace pomalowane kwiatami są sztuką użytkową podmoskiewskiego Zhostova. Kiedyś tace Zhostovo miały wyłącznie cel użytkowy, od dawna służyły jako dekoracja wnętrz. Jasne bukiety dużych ogrodów i małych polnych kwiatów na czarnym, zielonym, czerwonym, niebieskim lub srebrnym tle są łatwo rozpoznawalne. Charakterystyczne bukiety Zhostovo zdobią teraz metalowe pudełka herbatą, ciasteczkami lub słodyczami.
Szkliwo
Taka sztuka i rzemiosło, jak emalia, nawiązuje również do malowania na metalu. Najbardziej znane są produkty mistrzów Rostowa. Przezroczyste farby ogniotrwałe nakładane są na blachę miedzianą, srebrną lub złotą, a następnie wypalane w piecu. W technice gorącej emalii, jak nazywana jest również emalia, wykonuje się biżuterię, naczynia, rękojeści broni i sztućce. Pod wpływem wysokiej temperatury farby zmieniają kolor, dlatego rzemieślnicy muszą zrozumieć zawiłości ich obchodzenia się. Najczęściej jako fabuły stosuje się motywy kwiatowe. Najbardziej doświadczeni artyści wykonują miniatury z portretami ludzi i pejzaży.
Majolika
Moskiewskie Muzeum Sztuki Stosowanej daje możliwość obejrzenia dzieł uznanych mistrzów światowego malarstwa, wykonanych w nie do końca charakterystyczny dla nich sposób. Na przykład w jednej z sal znajduje się majolika Vrubela - kominek „Mikula Selyaninovich i Volga”.
Majolika to produkt wykonany z czerwonej gliny, malowany na surowej emalii i wypalany w specjalnym piecu w bardzo wysokiej temperaturze. W regionie Jarosławia sztuka i rzemiosło stało się powszechne i rozwinęło się dzięki dużej liczbie złóż czystej gliny. Obecnie w szkołach w Jarosławiu dzieci uczy się pracy z tym tworzywem sztucznym. Dziecięca sztuka użytkowa to drugi powiew dawnego rzemiosła, nowe spojrzenie na ludowe tradycje. To jednak nie tylko hołd dla tradycji narodowych. Praca z gliną rozwija zdolności motoryczne, poszerza kąt widzenia i normalizuje stan psychosomatyczny.
Gżel
Sztuka dekoracyjna i użytkowa, w przeciwieństwie do sztuk pięknych, polega na utylitarnym, ekonomicznym wykorzystaniu przedmiotów stworzonych przez artystów. Czajniki porcelanowe, wazony na kwiaty i owoce, świeczniki, zegary, uchwyty na sztućce, talerze i kubki są niezwykle delikatne i ozdobne. Na podstawie pamiątek Gzhel powstają nadruki na materiałach dzianinowych i tekstylnych. Kiedyś myśleliśmy, że Gzhel to niebieski wzór na białym tle, ale początkowo porcelana Gzhel była wielokolorowa.
Haft
Haft na tkaninie jest jednym z najstarszych rodzajów robótek ręcznych. Początkowo przeznaczony był do ozdabiania strojów szlacheckich, a także tkanin przeznaczonych do obrzędów religijnych. Ta ludowa sztuka i rzemiosło przybyło do nas z krajów Wschodu. Szaty bogatych ludzi były haftowane kolorowym jedwabiem, złotymi i srebrnymi nićmi, perłami, kamieniami szlachetnymi i monetami. Najcenniejszy jest haft drobnymi ściegami, w którym jest wrażenie gładkiego, jakby narysowanego farbami wzoru. W Rosji haft szybko wszedł do użytku. Pojawiły się nowe technologie. Oprócz tradycyjnego ściegu satynowego i haftu krzyżykowego zaczęto haftować obszyciami, czyli układaniem ażurowych ścieżek wzdłuż pustych przestrzeni utworzonych przez wyciągnięte nitki.
Zabawki Dymkovo dla dzieci
W przedrewolucyjnej Rosji ośrodki rzemiosła ludowego, oprócz przedmiotów użytkowych, produkowały setki tysięcy zabawek dla dzieci. Były to lalki, zwierzęta, naczynia i meble do zabawy dla dzieci, gwizdki. Sztuka dekoracyjna i użytkowa tego kierunku jest nadal bardzo popularna.
Symbol ziemi Vyatka - zabawka Dymkovo - nie ma na świecie odpowiedników. Jasne kolorowe panienki, panowie, pawie, karuzele, kozy są natychmiast rozpoznawalne. Ani jedna zabawka się nie powtarza. Na śnieżnobiałym tle wzory w postaci kółek, linii prostych i falistych rysowane są farbami w kolorze czerwonym, niebieskim, żółtym, zielonym, złotym. Wszystkie rzemiosła są bardzo harmonijne. Emanują tak potężną pozytywną energią, że każdy, kto weźmie do ręki zabawkę, może ją poczuć. Może nie musisz umieszczać chińskich symboli dobrego samopoczucia w postaci trójnożnych ropuch, plastikowych czerwonych rybek lub drzewek pieniędzy w rogach mieszkania, ale lepiej udekorować swój dom produktami rosyjskich mistrzów - gliną pamiątki z Kargopola, Tuły czy Wiatki, miniaturowe drewniane rzeźby rzemieślników z Niżnego Nowogrodu. Nie może być tak, że nie przyciągają do rodziny miłości, dobrobytu, zdrowia i dobrego samopoczucia.
Zabawka Filimonowa
W centrach twórczości dziecięcej w wielu regionach naszego kraju dzieci uczą się rzeźbić z gliny i malować rzemiosło w sposób ludowy w centralnej Rosji. Dzieci bardzo lubią pracować z tak wygodnym i plastycznym materiałem jak glina. Wymyślają nowe rysunki zgodnie ze starożytnymi tradycjami. W ten sposób rozwija się krajowa sztuka użytkowa i jest nadal poszukiwana nie tylko w ośrodkach turystycznych, ale w całym kraju.
Objazdowe wystawy zabawek Filimonovo cieszą się we Francji dużą popularnością. Podróżują po kraju przez cały rok i towarzyszą im kursy mistrzowskie. Zabawki z gwizdkiem są kupowane przez muzea w Japonii, Niemczech i innych krajach. Ten statek, który ma stałą siedzibę w regionie Tula, ma około 1000 lat. Prymitywnie wykonane, ale pomalowane na różowo-zielone kolory wyglądają bardzo wesoło. Uproszczoną formę tłumaczy fakt, że zabawki mają w środku wgłębienia z wystającymi otworami. Jeśli dmuchasz w nie, na przemian zamykając różne dziury, otrzymujesz prostą melodię.
Szale Pavlovo
Przytulne, kobiece i bardzo jasne szale tkaczy Pavlovo-Posad stały się znane na całym świecie dzięki niesamowitej kolekcji mody rosyjskiego projektanta mody Wiaczesława Zajcewa. Używał tradycyjnych tkanin i wzorów do kobiecych sukienek, męskich koszul, innej odzieży, a nawet butów. Szal Pavlovsky Posad to akcesorium, które można odziedziczyć jak biżuterię. Trwałość i odporność na ścieranie chusteczek do nosa są dobrze znane. Wykonane są z wysokiej jakości cienkiej wełny. Rysunki nie blakną na słońcu, nie blakną od prania i nie kurczą się. Frędzle na chustach wykonane są przez specjalnie przeszkolonych rzemieślników - wszystkie ogniwa ażurowej siateczki są wiązane w węzły w jednakowej odległości od siebie. Rysunek przedstawia kwiaty na czerwonym, niebieskim, białym, czarnym, zielonym tle.
Koronka Wołogdy
Znana na całym świecie koronka Wołogdy jest tkana przy użyciu szpulek brzozowych lub jałowcowych z nici bawełnianych lub lnianych. W ten sposób powstają miarki, narzuty, szale, a nawet sukienki. Koronka Wołogdy to wąski pasek, który stanowi główną linię wzoru. Pustki wypełnione są sieciami i robakami. Tradycyjny kolor to biały.
Sztuka użytkowa nie stoi w miejscu. Rozwój i zmiany dzieją się cały czas. Muszę powiedzieć, że na początku ubiegłego wieku pod wpływem rozwijającego się przemysłu pojawiły się manufaktury przemysłowe wyposażone w szybkie maszyny elektryczne, powstała koncepcja masowej produkcji. Sztuka ludowa i rzemiosło ludowe zaczęły podupadać. Dopiero w połowie ubiegłego wieku przywrócono tradycyjne rosyjskie rzemiosło. W ośrodkach artystycznych, takich jak Tuła, Włodzimierz, Gus-Khrustalny, Archangielsk, Rostów, Zagorsk i innych, budowano i otwierano szkoły zawodowe, szkolono wykwalifikowanych nauczycieli i szkolono nowych młodych mistrzów.
Nowoczesne rodzaje robótek ręcznych i kreatywność
Ludzie podróżują, poznają kultury innych narodów, uczą się rzemiosła. Od czasu do czasu pojawiają się nowe rodzaje sztuki i rzemiosła. Takimi nowościami dla naszego kraju stały się scrapbooking, origami, quilling i inne.
Kiedyś betonowe mury i ogrodzenia rozkwitały rozmaitymi rysunkami i napisami wykonanymi w wysoce artystyczny sposób. Graffiti lub sztuka natryskowa to nowoczesna interpretacja starożytnego rodzaju sztuki naskalnej. Możesz śmiać się do woli z nastoletnich hobby, w tym z pewnością graffiti, ale obejrzyj zdjęcia w Internecie lub przespaceruj się po własnym mieście, a znajdziesz naprawdę wysoce artystyczną pracę.
scrapbooking
Projektowanie zeszytów, książek i albumów, które istnieją w jednym egzemplarzu, nazywa się scrapbookingiem. Ogólnie rzecz biorąc, ta działalność nie jest całkowicie nowa. Albumy mające na celu zachowanie historii rodziny, miasta lub osoby dla potomności powstały już wcześniej. Współczesną wizją tej sztuki jest tworzenie książek artystycznych z ilustracjami autorów, a także korzystanie z komputerów z różnymi edytorami graficznymi, muzycznymi, fotograficznymi i innymi.
Quilling i origami
Quilling, tłumaczony na rosyjski jako „zwijanie papieru”, służy do tworzenia paneli, ozdabiania pocztówek, ramek do zdjęć itp. Technika polega na skręcaniu cienkich pasków papieru i przyklejaniu ich do podłoża. Im mniejszy fragment, tym bardziej eleganckie i ozdobne jest rzemiosło.
Origami, podobnie jak quilling, to papierkowa robota. Tylko origami to praca z kwadratowymi kartkami papieru, z których formowane są wszelkiego rodzaju kształty.
Z reguły wszystkie rzemiosło związane z papiernictwem ma chińskie korzenie. Azjatycka sztuka i rzemiosło były pierwotnie rozrywką szlachty. Biedni nie zajmowali się tworzeniem pięknych rzeczy. Ich przeznaczeniem jest rolnictwo, hodowla bydła i wszelkiego rodzaju prace służebne. Europejczycy, przyjmując podstawy techniki, która historycznie jest bardzo małą i delikatną pracą z papierem ryżowym, przenieśli sztukę w dogodne dla siebie warunki.
Chińskie produkty wyróżnia mnóstwo bardzo drobnych detali, które wyglądają monolitycznie i bardzo elegancko. Taka praca jest możliwa tylko dla bardzo doświadczonych rzemieślników. Ponadto cienkie wstążki papierowe można skręcić w ciasny i równy zwój tylko za pomocą specjalnych narzędzi. Europejscy miłośnicy rękodzieła nieco zmodyfikowali i uprościli starożytne chińskie rzemiosło. Papier zwinięty w spirale o różnych rozmiarach i gęstości stał się popularną ozdobą pudeł kartonowych, wazonów na suszone kwiaty, ramek i paneli.
Mówiąc o sztuce i rzemiośle, niesprawiedliwe byłoby pominięcie takich rzemiosł, jak malowanie jedwabiu, czy batik, druk czy tłoczenie, czyli malowanie na metalu, tkanie dywanów, koraliki, makramy, dziewiarstwo. Coś odchodzi w przeszłość, a coś innego staje się tak modne i popularne, że nawet przedsiębiorstwa przemysłowe rozpoczynają produkcję sprzętu dla tego typu kreatywności.
Zachowanie dawnych rzemiosł i pokazy najlepszych przykładów w muzeach to dobry uczynek, który zawsze będzie źródłem inspiracji dla ludzi kreatywnych zawodów i pomoże wszystkim innym połączyć się z pięknem.
Zobacz sztuki dekoracyjne. (Źródło: „Popular Art Encyclopedia”. Pod redakcją Polevoy V.M.; M.: Soviet Encyclopedia Publishing House, 1986.) ... Encyklopedia sztuki
SZTUKI UŻYWANE, patrz Sztuka dekoracyjna… Współczesna encyklopedia
sztuka użytkowa- SZTUKI UŻYWANE, patrz Sztuka Dekoracyjna. … Ilustrowany słownik encyklopedyczny
Dział sztuki zdobniczej, tworzenie i projektowanie przedmiotów artystycznych mających praktyczne zastosowanie w życiu codziennym. Duży słownik wyjaśniający kulturoznawstwo .. Kononenko B.I .. 2003 ... Encyklopedia kulturoznawstwa
Sekcja sztuki zdobniczej; zobacz Sztuka dekoracyjna i użytkowa. * * * SZTUKI UŻYWANE SZTUKI UŻYWANE, dział sztuki dekoracyjnej; zobacz Sztuka dekoracyjna (patrz SZTUKI DEKORACYJNE UŻYWANE) ... słownik encyklopedyczny
Obszar sztuki, obejmujący szereg gałęzi twórczości, które poświęcone są tworzeniu wyrobów artystycznych, przeznaczonych głównie do życia codziennego. Zobacz sztukę i rzemiosło, sztukę ludową, przemysł artystyczny…
sztuka użytkowa- dziedzina sztuki, obejmująca te gałęzie twórczości, które są poświęcone tworzeniu sztuki, produktów, zamierzonych. głównie do użytku domowego. Od XIX wieku produkty P. i. zwyczajowo odróżnia się od dzieł tzw. wolne sztuki. Zabytkowe… … Słownik starożytności
Sztuka (klasyfikacja) Według techniki i materiałów Sztuki piękne i rzemiosło Fikcja muzyczna i akustyczna Literatura Według rodzaju ekspresji i percepcji ... Wikipedia
Sekcja sztuki zdobniczej; obejmuje szereg dziedzin twórczości, które poświęcone są tworzeniu produktów artystycznych przeznaczonych głównie do życia codziennego. Prace D. p. i. mogą być: różne naczynia, meble, tkaniny, narzędzia ... ... Wielka radziecka encyklopedia
SZTUKA I SZTUKI UŻYWANE- dział sztuk plastycznych, którego prace różnią się funkcją i skalą od dzieł monumentalnych i sztalugowych. Termin jest charakterystyczny dla kultury New Age, podkreśla podrzędną pozycję D. p. i. w stosunku do innych gatunków ... ... Encyklopedia prawosławna
Książki
- Średniowieczna sztuka użytkowa w Państwowej Ermitażu / Średniowieczna sztuka użytkowa w zbiorach Państwowego Ermitażu / L "art applique du moyen age au musee de l" Ermitage / Angewandte Kunst des Mittelalters in der Staatlichen Ermitage, E. A. Lapkovskaya . Kolekcja dzieł sztuki użytkowej średniowiecza w Państwowym Muzeum Ermitażu składa się z najwyższej klasy zabytków, które stały się szeroko znane nie tylko w naszym kraju, ale także dla…
- Sztuka użytkowa Veliky Novgorod, G. N. Bocharov. W tej książce sztuka użytkowa Nowogrodu z X-XV wieku pojawia się przed czytelnikiem w nowym aspekcie. Określono niektóre tradycyjne datowania i atrybucje znanych zabytków. W historię...
lat - do dekoracji): sztuka tworzenia przedmiotów gospodarstwa domowego, mających na celu zaspokojenie zarówno praktycznych, jak i artystycznych i estetycznych potrzeb ludzi. Sztuka dekoracyjna i użytkowa powstała już w starożytności i rozwijała się przez wiele stuleci w postaci ludowego rzemiosła artystycznego. O walorach estetycznych rzeczy decyduje jej przeznaczenie, właściwości materiału, z którego jest wykonana oraz technika wykonania. Produkty mogą mieć zastosowanie użytkowe (malowane kubki, tkaniny, meble inkrustowane); tutaj zależność ich elementów dekoracyjnych od formy i praktycznego przeznaczenia jest najbardziej oczywista. Dekoracyjne wykończenia, malowanie elewacji budynków i wnętrz pozwalają na znacznie większą swobodę w stosowaniu środków figuratywnych i wyrazistych. Panel dekoracyjny, figura dekoracyjna, będąca częścią zespołu architektonicznego, można również uznać za samodzielne dzieło sztuki. Dlatego w estetyce i historii sztuki obok pojęcia „sztuki dekoracyjnej” pojawia się pojęcie „monumentalnej sztuki zdobniczej”. Wraz z rozwojem wzornictwa, mającego na celu poprawę walorów estetycznych świata obiektywnego, produkcja wyrobów zdobniczych i sztuki użytkowej coraz bardziej ogranicza się do tworzenia małych serii lub nawet pojedynczych prac.
Świetna definicja
Niepełna definicja ↓
SZTUKA I SZTUKI UŻYWANE
od łac. decoro - dekoruję) - rodzaj sztuki, który służy codziennym potrzebom człowieka, a jednocześnie zaspokaja jego potrzeby estetyczne, ożywiając piękno. Do D.-p. oraz. obejmują produkty wykonane z szerokiej gamy materiałów (tradycyjnie - z drewna, gliny, kamienia, tkaniny, szkła, metalu).Od czasów starożytnych ludzie w tworzonych produktach nie tylko zaspokajali ich pilne potrzeby użytkowe, ale także prawa piękna” ( Marks). Piękno produktów D.-p. oraz. osiągnięte dzięki dekoracyjności ich formy. Starożytny rodzaj dekoracji to ornament (łac. Ornamentum-dekoracja) - wzór nanoszony na produkt w rytmicznym powtórzeniu lub będący jego podstawą konstrukcyjną. Pojawienie się zdobionych przedmiotów w sztuce prymitywnej wiąże się z pracą i magicznym rytuałem. Jako rodzaj artysty. kreatywność D.-p. oraz. wreszcie nabiera kształtu, gdy rzemiosło zostaje wyodrębnione jako samodzielna gałąź produkcji (rzemiosło artystyczne). Dalszy społeczny podział pracy już na etapie wytwarzania doprowadził do tego, że użyteczność i piękno, funkcja i zdobienie wytwarzanych przedmiotów stały się przedmiotem zainteresowania różnych specjalistów. Przed rewolucją przemysłową cały produkt wykonywany był ręcznie przez mistrza i jego uczniów – kowali, garncarzy, szwaczek, którzy według Gorkiego byli założycielami sztuki w momencie jej oddzielenia od rzemiosła. W okresie mechanizacji przemysłu, aby produkty nie były pozbawione walorów estetycznych, zapraszany jest artysta, którego funkcją jest nie produkcja produktu jako całości, a jedynie jego zdobienie: artysta zaczął „aplikować” jego sztuka do gotowego produktu. Tak więc wraz z ekspansją produkcji przemysłowej powstaje przemysł artystyczny, w którym miejsce znajduje dla siebie metoda sztuki użytkowej - wykańczanie produktów za pomocą malowania, rzeźbienia, inkrustacji itp. Ale piękno przedmiotu to nie tylko dekoracja, chociaż wymaga to również dużo sztuki. Obiekt powinien być wyrazisty jako całość – w swoim designie, proporcjach i detalach. Dlatego termin „sztuka użytkowa” w swojej nowoczesności. aplikacja jest niedokładna. Metoda sztuki użytkowej jest produktywna tylko w odniesieniu do dziedziny tworzenia artykułów gospodarstwa domowego (na przykład malowanie kubków, tkanin lub inkrustowanie kształtów strzelby myśliwskiej, sztyletu, wypracowanego przez wieki). Termin „sztuka zdobnicza” jest szerszy i dokładniejszy, ponieważ charakteryzuje wytwarzany przedmiot pod względem jego artyzmu. sygnuje i oddaje obszar architektonicznego aranżacji wnętrz (dekoracyjna sztuka projektowania). Wraz z pojawieniem się wzornictwa jako nowego rodzaju działalności estetycznej w dziedzinie produkcji przemysłowej, skutecznie rozwiązującego problem zaspokojenia masowego popytu na dobra konsumpcyjne o określonych cechach estetycznych, zwykle stosuje się metodę sztuki użytkowej związaną z pracą ręczną. ograniczone do tworzenia małych serii produktów. Poza tym na tym nowym etapie istnieje możliwość swobodniejszego rozwoju D.-p. i., niezwiązane z wymogiem użyteczności, poszerzające i pogłębiające swoje duchowe znaczenie w życiu społeczeństwa, podnoszące się do poziomu sztuki sztalugowej i monumentalnej. Ten ogólny proces rozwoju D. - poz. oraz. świadczy o przezwyciężeniu odwiecznej przepaści między twierdzeniami „czystymi” i „stosowanymi”. Sztuka zdobnicza jest ściśle związana z projektowaniem wnętrz architektonicznych (malarstwo dekoracyjne, rzeźba dekoracyjna, płaskorzeźby, plafony, wazony itp.). W tym przypadku przedstawiana jest w syntezie z innymi sztukami, przede wszystkim ze sztuką monumentalną. Najbardziej uderzającym przejawem tej syntezy są takie odmiany sztuk plastycznych, jak tablice, mozaiki, freski, witraże, gobeliny, dywany i dekoracje stiukowe. To nie przypadek, że niektórzy artyści i teoretycy sztuki (na przykład V. I. Mukhina, Yu. D. Kolpinsky) wprowadzają do estetyki pojęcie „sztuki monumentalnej i dekoracyjnej”. Jeszcze jeden obszar D. - poz. oraz. związane bezpośrednio z dekoracją samej osoby - artysty. szyta odzież (kostium) i biżuteria, D.-p. oraz. jest klasyfikowany nie tylko pod względem funkcjonalnym, ale także z innych powodów: według materiału (metal, ceramika, szkło itp. lub bardziej zróżnicowanie: srebro, brąz, porcelana, fajans, kryształ itp.) oraz technologii (malarstwo, rzeźba, pogoń, rzucanie itp.). Zawarte w codziennym życiu ludzi, D.-p. i., wraz z architekturą i designem, jest stałym elementem ich edukacji estetycznej.
DPI to najstarsza sztuka. Powstał w czasach starożytnych. Obejmuje: meble, przybory, ubrania - świat rzeczy, z których człowiek korzysta w życiu codziennym. DPI tworzy środowisko, w którym żyją ludzie, ozdabia codzienność, pomaga uatrakcyjniać i uatrakcyjniać życie. Ale najważniejsze jest to, że ta sztuka organizuje komunikację między ludźmi, buduje ich relacje.
DPI jest ogromne i różnorodne, jak otaczający nas świat. Każdy naród wypracował własne formy przedmiotów, ozdoby, obrazy i motywy, zestawienia kolorystyczne. Do tworzenia przedmiotów używano różnych materiałów: gliny, kamienia, tkaniny, metalu, a później szkła.
Sztuka dekoracyjna ma swój własny, bardzo specyficzny język figuratywny. Opanowanie go umożliwia zobaczenie i zrozumienie szczególnego piękna przedmiotu, jego wystroju, zastanowienie się nad znaczeniem, które wyraża.
Graficzny język DPI charakteryzuje uogólnienie i płaskość obrazów, umowność artystyczna i ornamentyka. Tutaj środki artystyczne są używane w inny sposób: forma, objętość, linia, rytm, kolor, faktura. Wszystkie naturalne motywy - ptaki, kwiaty, rośliny, zwierzęta, ludzie itp. - w sztuce zdobniczej wyglądają inaczej niż w rzeczywistości. Zawsze są one przekształcane przez wyobraźnię artysty w ekspresyjny, uogólniony obraz bez drobnych szczegółów i detali.
Aby zrozumieć pojęcie DPI, należy przede wszystkim znaleźć główną różnicę między DPI a innymi obszarami działalności twórczej człowieka. Kompozytorzy, pisarze, malarze tworząc swoje dzieła przekazują główne treści w konkretno-zmysłowych obrazach artystycznych, które rodzą się na podstawie obserwacji życia. Kompozytor przekazuje swoje wyobrażenie o świecie, uczucia i myśli, które go podniecały, za pomocą dźwięków; pisarz - słowem malarz - farbami na płótnie.
Artysta może wyrazić w swojej pracy to, co uważał za ważne i interesujące. Dlatego malarstwo, grafika, rzeźba zaliczane są do sztuk pięknych. Obraz artystyczny w nim budowany jest na podstawie obrazu rzeczywistości. Twórca prac DPI jest pozbawiony tej możliwości. Nie przedstawia tego, co widział w życiu, ale tworzy przedmioty, których nikt jeszcze nie widział. Jest to zasadnicza różnica między sztuką użytkową a innymi obszarami twórczości artystycznej.
Charakter DPI nie jest obrazowy. Sztuka użytkowa rozwija się według określonych reguł i ma swoje własne zasady konstruowania obrazu artystycznego. Zasady te były opracowywane przez tysiące lat, ponieważ DPI jest jednym z najstarszych (jego występowanie datuje się na erę górnego paleolitu, na 40-20 tysiąclecia p.n.e.)
Zasady DPI:
- celowość lub użyteczność. Zadaniem artysty stosowanego jest stworzenie przedmiotów wygodnych w użytkowaniu.
- artyzm, piękno rzeczy. Do sztuki można zaliczyć wyłącznie meble, naczynia, ubrania wykonane artystycznie. Znakiem sztuki w przedmiocie gospodarstwa domowego jest połączenie celowości i piękna. Ten związek ma formę przedmiotu i właściwie dobranego do niego materiału.
Artyści sztuki użytkowej zawsze doceniali materiał, starali się pokazać jego możliwości dekoracyjne. Nigdy nie podrabiał go pod drogocennym kamieniem lub złotem. DPI to także sposób estetycznego wyrażania relacji społecznych, ideałów określonej klasy. Bogata historia tej formy sztuki pozwala prześledzić jej klasowy charakter.
Wykopaliska angielskiego naukowca Cartera w Dolinie Królów w Egipcie w 1922 roku dostarczyły wielu interesujących materiałów na temat życia, ideologii i sztuki Egiptu w XIV wieku. PNE. Naukowiec odkrył grobowiec faraona Tutanchamona, nie splądrowany przez rabusiów i zachowany w pierwotnej formie.
Ekspedycja odkryła przedmioty wykonane ze złota, kości, szkła, zdobione kamieniami szlachetnymi i wyróżniające się wysokimi walorami artystycznymi. Większość przedmiotów przedstawia Tutenchamona. Ciekawy jest charakter obrazów. Prawie całą płaszczyznę zajmuje postać faraona, a po bokach na kilku poziomach umieszczono figury wojowników i niewolników. Podkreślało to wyższość faraona nad innymi.
Równie uderzającym przykładem orientacji klasowej może być DPI w okresie feudalizmu i formowania się państw absolutystycznych. Szlachta i Kościół potrzebowały sztuki, która mogłaby przekonać poddanych o bogactwie i potędze króla.
W Rosji życie dworu rosyjskiego za panowania Elżbiety Pietrownej i Katarzyny II wyróżniało się szczególnym luksusem. Rezydencje wiejskie Carskie Sioło i Peterhof zachwycają przepychem i wspaniałością dekoracji i są prawdziwymi skarbami DPI.
Twórcami całego tego splendoru byli wspaniali rosyjscy mistrzowie Petersburga, Moskwy i innych miast Rosji. Środowisko artystów różnych profesji i mistrzów wykonawców było owocne dla rosyjskiego DPI w XVIII i drugiej połowie XIX wieku. Był to czas największego rozkwitu wszystkich rodzajów sztuki użytkowej.
W okresie rozwoju kapitalizmu nowa klasa rządząca, burżuazja, zapożyczając czysto zewnętrzne formy wpływu na masy, przepych, zapomniała o zespole, jego wewnętrznej logice i pięknie. Do rezydencji trafiły najdroższe i niepowtarzalne rzeczy, ale nie reprezentują one zespołu, ponieważ. naruszył zasadę piękna i celowości. Zły smak, przeniknięty do bogatych rezydencji mieszczańskich, rozprzestrzenił się wszędzie. Chęć stworzenia zewnętrznego splendoru prowadzi do fałszerstwa. W okresie kapitalizmu materiał nie jest już ceniony.
Pod koniec XIX wieku wykuwają porcelanę pod malachit, zwykły metal pod złotem, szkło pod kamieniami szlachetnymi. Przemysł, który wyparł produkcję ręczną, nie był w stanie dawać w zamian rzeczy naprawdę pięknych, a pod koniec XIX wieku DPI Europy Zachodniej i Rosji znajdowało się w stanie głębokiego kryzysu. Rynek zalany był przedmiotami przeznaczonymi dla najniższego gustu, charakter przemysłowej produkcji artykułów gospodarstwa domowego, mebli, odzieży wymagał twórczej myśli artystów, którzy potrafili stworzyć prawdziwe dzieła sztuki o dużej replikacji przedmiotu. Zadanie to mieli rozwiązać artyści XX wieku.
Tematy DPI można podzielić na dwie stosunkowo niezależne grupy bez ściśle określonych granic między nimi:
- Artykuły gospodarstwa domowego, takie jak meble, naczynia, odzież. Zasada artystyczna jest tu bezpośrednio związana z celowością i wyrazistością formy przedmiotu.
- Przedmioty przede wszystkim do celów dekoracyjnych, pozwalające na znacznie szersze i swobodniejsze wykorzystanie środków kompozytowych.
Formy pośrednie między sztuką i rzemiosłem a formy sztalugowe obejmują mozaiki, panele, gobeliny, plafony, ozdobne posągi, które żyją w środowisku architektonicznym, ale można je również uznać za samodzielne dzieła sztuki.
Cechy składu DPI wynikają w dużej mierze z możliwości technicznych i artystycznych materiał.
Drewno od czasów starożytnych był używany w DPI, ale wszedł do życia ludzkiego przede wszystkim jako materiał budowlany.
Drewno ma niesamowite właściwości. Drewno można ciąć, piłować, rąbać, strugać, wiercić, obrabiać, sklejać, prasować, parować. Elastyczność i lepkość drzewa dobrze trzyma gwoździe i śruby. Powłoka schnącymi olejami i lakierami zapewnia wodoodporność.
W projekcie północnej chaty chłopskiej właściwości mechaniczne drewna łączy się z jego dekoracyjnym wzornictwem. W projekcie nie ma ani jednego szczegółu, który nie byłby zrozumiały z artystycznego punktu widzenia. W celu ochrony przed wilgocią końce płyt nośnych zadaszenia zakrywa się uzdę, która pełni podwójną funkcję – użytkową i estetyczną (rzeźbiona). Wsporniki z bali podtrzymujące zwis dachu nad naczółkiem mają strukturalnie logiczny kształt elastycznej sylwetki, ukazując powagę przenoszonego obciążenia.
Specyfika kompozycyjnego i artystycznego projektowania przedmiotu poprzez jego konstrukcję i materiał jest wyraźnie widoczna w meblach.
W konstruktywnym i dekoracyjnym rozwiązaniu produktów z drewna stosuje się różne techniki kompozycyjne. Na przykład kompozycja obrazu lub rzeźby na drzwiach szafy jest zwykle symetryczna z wyraźnie określonym środkiem i obrzeżem. Na przedmiotach wykonanych z jednego kawałka drewna kompozycja malarska lub płytka rzeźba może podkreślić integralność formy, połączenie designu z dekoracją.
Tekstura, kolor, faktura - te właściwości drewna można nazwać w pełni artystycznymi, co oznacza, że wpływają na rozwiązanie kompozycyjne. Jednocześnie walory artystyczne drzewa, związane z naturalnym pochodzeniem, w dużej mierze zależą od charakteru cięcia. Tak więc cięcie do środka grzbietu wzdłuż promienia lub średnicy daje spokojny wzór rocznych warstw. Cięcie cięciwowe ujawnia bardziej złożoną konfigurację tekstury. Całkowicie nieoczekiwane wzory tworzą sekcje jednotyłkowe i końcowe.
Wzór faktury i koloru drewna można uwydatnić lub osłabić za pomocą różnych bejc, barwników, lakierów i innych metod wykończeniowych.
Kompozycja rzeźby dekoracyjnej powinna pasować do naturalnego kawałka drewna jako całości, bez sklejania detali naruszających rytmiczny układ słojów rocznych. W rzeźbie dekoracyjnej obowiązuje prawo integralności.
Ceramika pozwala na swobodne dysponowanie modelem, dopracowanie formy i bardziej aktywne wyrażanie ruchów. Wzory kompozycji w plastiku ceramicznym są takie same jak w rzeźbie dekoracyjnej wykonanej z innych materiałów.
Artystyczna obróbka kości wymaga zwięzłości kompozycji, w której uogólnione plastycznie duże masy kontrastują z misternie wykonanymi charakterystycznymi detalami. Takie połączenie nadaje dziełom z kości bardzo piękną ozdobną sylwetkę.
W obróbce artystycznej kości uważa się za niewłaściwe znaczne zmniejszenie elementów kompozycji. Wynika to z naruszenia jasności postrzegania przedstawionego. Relief w wyrobach kostnych budowany jest od pierwszego planu, leżącego na powierzchni, do głębszych.
Nie zaleca się wykonywania dużych otworów w ażurowym rzeźbieniu kości, ponieważ naruszają one ogólną strukturę kompozycyjną, rozczłonkowują kompozycję i są sprzeczne z prawem integralności. Umiarkowanie lakoniczny obraz wykonany z kości lub na kości powinien wzmocnić wyrazistość obrazu.
Metal, najbogatszy materiał pod względem właściwości technicznych i walorów artystycznych, od dawna wykorzystywany jest w jubilerstwie, w produkcji różnego rodzaju artykułów gospodarstwa domowego, broni, detali architektonicznych i dekoracyjnych, w sztuce i rzemiośle. Metal można kuć, wybijać, wciągać w nitki, wyginać ażurową konstrukcję. Cennym walorem artystycznym metalu, podobnie jak drewna, jest jego kolor. Podczas tworzenia dzieł sztuki metal często pojawia się w połączeniu z emalią, kolorowymi kamieniami szlachetnymi i półszlachetnymi, szkłem, drewnem itp.
W artystycznej obróbce metalu działa główna prawidłowość DPI - spójność estetyki z utylitaryzmem.
Sztuka szkło, będący jednym z rodzajów DPI, wynika z funkcjonalnego charakteru produktu i właściwości tego delikatnego materiału. Radykalna odnowa form kompozycyjnych nie jest częstym zjawiskiem w sztuce szklarskiej. A to ze względu na złożoność technologii produkcji szkła.
Miniaturowe malowanie na papier-mache i malowanie na metalu dają artyście znacznie większą swobodę w zakresie twórczości kompozycyjnej. Każda treść jest dostępna dla tego rodzaju sztuki: sceny historyczne i codzienne, bajka, epopeja, pejzaż, portret. Naturalnie malarstwo miniaturowe opiera się na prawach kompozycji wspólnych dla sztuk pięknych.
Artysta miniatur musi zawsze brać pod uwagę formę przedmiotu, jego przeznaczenie iw związku z tym ułożyć miniaturę i ornamentykę w obrębie danej powierzchni. W oparciu o cechy formy malowanego obiektu stosowane są specyficzne techniki kompozycyjne, które polegają na dopuszczaniu pewnych odchyleń od ścisłych zasad perspektywy liniowej i powietrznej: plany przestrzenne zbiegają się, postacie i przedmioty są rozmieszczane głównie wzdłuż powierzchni, przestrzegając ornamentu. rytmy; kontrastujące porównania kolorów lokalnych wzmacniają brzmienie kolorów; wszystkie elementy miniatury z reguły są uogólniane pod względem sylwetki, przy zachowaniu miary tego uogólnienia, która nadaje całości kompozycji.
W Miniatura Fedoskino główną rolę odgrywa fabuła i obiektywizm jej wypowiedzi. W kompozycjach dominuje trójwymiarowe, plastyczne rozumienie formy, bliskie realistycznemu malarstwu sztalugowemu. Rzemieślnicy z Fedoskino wpisują miniaturę w aksamitno-czarną głębię, a jednocześnie w ramy pola obrazowego wprowadzają czarny kolor lakierowanej powierzchni samego pudełka.
miniatura Palech powstaje jakby rozpryskując poszczególne części kompozycji na czarnej powierzchni produktu z papier-mache. Zachowane jest jednak prawo integralności: istnieje semantyczny, logiczny związek, który łączy w jedną kompozycję różne momenty zdarzenia lub szereg działań w różnym czasie. W ten sposób naśladowany jest ruch życia w czasie. Mistrzowie Palekh potrafią pokazać ruch poprzez dynamiczne gesty i pozy postaci. Jednocześnie kontrastowe połączenie jasnych kolorów podkreślają złote i srebrne pasemka, „luki” i „suwaki”, podkreślając najjaśniejsze, wystające części przedstawionego obiektu szarpiącymi pociągnięciami.
Mstyora miniatura przeciwnie, jest to integralny kompozycyjnie panel przedstawiający wieloaspektowy krajobraz, na którym rozgrywają się wydarzenia. Panel, jakby wbudowany w wieko produktu, obramowany jest paskiem złotego ornamentu.
W strukturę kompozycyjną malarstwa miniaturowego Kholuy wprowadza się czarny kolor pudełka, jak w Palekh. Ale mistrzowie Kholuy nie używają dobrze znanego palestyńskiego złotego cieniowania na zdjęciu. W miniaturze Kholuy duże miejsce zajmuje krajobraz, interpretowany bardziej dekoracyjnie, z kontrastami światła i cienia.
Malowanie pędzlem Zhostovo na metalowych lakierowanych tacach przedstawiających bukiety kwiatów, wieńce, girlandy, ma na swój sposób stabilne formy kompozycji, oryginalny język artystyczny. Kompozycja obrazu Zhostovo to motyw, który wpisuje się w określony format tacy (prostokątny, owalny, okrągły). Po rozwinięciu motywu malarskiego artysta kreśli kredą ogólne kontury na czarnej powierzchni tacy, starając się uniknąć powtórzenia linii, kształtów, rozmiarów. Zastanawiając się nad kompozycją, mistrz malarstwa rozwiązuje szereg zagadnień związanych z kontrastami kolorystycznymi, sylwetką bukietu kwiatów z liśćmi, rytmem żywiołów, proporcją obrazu i tła, formami dużymi i małymi.
Integralność kompozycji tac Zhostovo uzyskuje się poprzez określenie centralnej osi obrazu, a także poprzez obracanie tacy podczas malowania.
Cechą kompozycji obrazu Zhostovo jest również obecność ażurowego ornamentu w jodełkę biegnącego wzdłuż boku tacy. Ten element domyka dekorację tacy i doprowadza kompozycję do integralności.
Cechy kompozycyjne haft oraz Sznurówka jako rodzaje DPI kojarzą się przede wszystkim z materiałowymi i technicznymi środkami przełożenia pomysłu artysty. Nici, podobnie jak tkaniny, mogą być lniane, bawełniane, wełniane i jedwabne, z dodatkiem materiałów syntetycznych; Haft wykorzystuje również złote i srebrne nici, kamienie szlachetne, koraliki, koraliki szklane itp. Wszystkie te materiały mają swoją strukturę.
Charakter wzoru i całej kompozycji zależy od struktury tkanin w hafcie, w koronce - od jakości nici, a jeśli koronka nakłada się na tkaninę, to od struktury i jakości tkaniny. Haft krzyżykowy, ścieg satynowy, dziurka na guziki, szydełkowany, ażurowy, ich kombinacje są szeroko rozpowszechnione.
Dywany oraz dekoracyjne tkaniny drukowane(pięta) również mają bogate tradycje.
Kompozycja wzoru na dywanach zależy od struktury osnowy i nici, a także od formatu (a także haftu). Układ obcasa jest mniej zależny od struktury tkaniny i jej wymiarów, dlatego tutaj kompozycja może zawierać dowolne ułożenie wielobarwnych elementów, a nawet umożliwia płynne przelewanie się jednego koloru lub tonu w inny, tym samym skład pięta rozszerza swoje możliwości za pomocą światłocienia.
Kompozycja wzoru do nadruku na tkaninie może być z wyraźnym środkiem, ze wzorem zbudowanym w kole, w kwadracie, z relacją, czyli wielokrotnym powtórzeniem elementu ozdobnego na całej szerokości i długości tkaniny. Ale we wszystkich przypadkach kompozycja powinna łączyć w jedność wszystkie elementy dekoracyjne, unikając głośnych kolorów, nieharmonijnie brzmiących kolorów.
Tematy abstrakcyjne:
- Malarstwo uralsko-syberyjskie
- Malowanie gorodetów
- Malarstwo Khokhloma
- Gżel
- Zabawka Dymkowo
- Ceramika
- Wątek. Zabawka Bogorodsk
- Kucie. Ściganie. Odlew
- tkactwo
- Mozaika
- Historia kostiumów.
Obejmuje różne gałęzie działalności twórczej mające na celu tworzenie wyrobów artystycznych o funkcjach użytkowych i artystycznych. Termin zbiorowy warunkowo łączy dwa szerokie rodzaje sztuki: dekoracyjny oraz stosowany. W przeciwieństwie do dzieł sztuki, przeznaczonych do przyjemności estetycznej i związanych z czysta sztuka liczne przejawy sztuki i rzemiosła mogą mieć praktyczne zastosowanie w życiu codziennym.
Dzieła sztuki i rzemiosła mają kilka cech: mają walor estetyczny; przeznaczony do efektu artystycznego; służą do rejestracji życia i wnętrza. Takimi dziełami są: tkaniny sukienne i dekoracyjne, meble, szkło artystyczne, porcelana, fajans, biżuteria i inne wyroby artystyczne.
Od drugiej połowy XIX w. w literaturze naukowej utrwaliła się klasyfikacja gałęzi sztuki i rzemiosła. według materiału
(metal, ceramika, tekstylia, drewno), zgodnie z techniką wykonania
(rzeźba, malowanie, haftowanie, drukowanie, odlewanie, gonienie itp.) oraz według cech funkcjonalnych
użytkowanie przedmiotu (meble, zabawki). Klasyfikacja ta wynika z ważnej roli zasady konstrukcyjno-technologicznej w sztuce i rzemiośle oraz jej bezpośredniego związku z produkcją.
"Trillage", projekt tapety (1862)
Rodzaje sztuki i rzemiosła[ | ]
- Aplikacja - sposób na uzyskanie wizerunku; technika sztuki i rzemiosła.
- Filcowanie to tworzenie rzeźb, dodatków i kompozycji z naturalnej wełny. W zależności od zastosowanej techniki rozróżnia się filcowanie na sucho i na mokro. Technika ta opiera się na wyjątkowej zdolności wełny do odpadania – do formowania filcu.
- Haft to sztuka ozdabiania wszelkiego rodzaju tkanin i materiałów różnymi wzorami, od najgrubszych i najgęstszych, takich jak płótno, płótno, skóra, po najdelikatniejsze tkaniny - batyst, muślin, gaz, tiul i tak dalej. Narzędzia i materiały do haftu: igły, nici, tamborki, nożyczki.
- Dzianie to proces wytwarzania produktów z ciągłych nici poprzez zginanie ich w pętelki i łączenie pętelek ze sobą za pomocą prostych narzędzi, ręcznie lub na specjalnej maszynie.
- Szycie to tworzenie szwów i szwów na materiale za pomocą igły i nici, żyłki i tym podobnych. Szycie to jedna z najstarszych technologii produkcji, sięgająca epoki kamienia.
- Tkactwo to produkcja tkaniny na krosnach, jedno z najstarszych rzemiosł człowieka.
- Tkanie dywanów - produkcja dywanów.
- Palenie - wzór nakładany jest na powierzchnię materiału organicznego gorącą igłą.
- - jeden z najstarszych i najbardziej rozpowszechnionych rodzajów obróbki materiałów.
- Obrazy ze słomy.
- Witraż to dzieło sztuki dekoracyjnej o charakterze malarskim lub ornamentalnym wykonane ze szkła kolorowego, przeznaczone do oświetlenia przelotowego i przeznaczone do wypełnienia otworu, najczęściej okna, w dowolnej strukturze architektonicznej lub wnętrzu.
- Decoupage to technika zdobnicza tkanin, naczyń, mebli i innych rzeczy, która polega na skrupulatnym wycinaniu obrazów z papieru, które następnie są przyklejane lub w inny sposób mocowane do różnych powierzchni w celu dekoracji.
- Modelarstwo, rzeźba, - kształtowanie tworzywa sztucznego przy pomocy rąk i narzędzi pomocniczych.
- Mozaika - tworzenie obrazu poprzez układanie, układanie i mocowanie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.
- Tkanie to metoda wytwarzania sztywniejszych konstrukcji i materiałów z mniej trwałych materiałów: nici, łodyg roślin, włókien, kory, gałązek, korzeni i innych podobnych miękkich surowców.
- Rękodzieło z zapałek i patyków.
- Obraz:
- Scrapbooking - projektowanie albumów fotograficznych.
- Artystyczna obróbka skóry - produkcja różnych przedmiotów ze skóry, zarówno do celów domowych, jak i dekoracyjno-artystycznych.
- Topiary - sztuka tworzenia ozdobnych drzewek (stołowych i podłogowych) z naturalnego materiału i sztucznego wystroju.
