Cele: zapoznanie z wizerunkiem osoby w sztuce różne epoki, z historią pojawienia się portretu; rozwinąć zrozumienie czego obraz portretowy należy wyrazić charakter osoby, jej wewnętrzny świat; ukształtować umiejętność odnalezienia piękna osoby, piękna w wewnętrznym i zewnętrznym wyglądzie osoby; Aktywuj zainteresowanie poznawcze do otaczającego świata i zainteresowania procesem uczenia się.
Sprzęt: reprodukcje obrazów przedstawiających portrety z różnych epok; reprodukcje obrazu Leonarda da Vinci „Gioconda”, Rokotowa „Portret Struyskiej” i inne.
Słownik: portret.
Podczas zajęć.
1. Moment organizacyjny.
2. Wprowadzenie do lekcji.
Posłuchaj wiersza Zabołockiego, wybierz dla niego nazwę, a wtedy sprawdzimy, czy Twoja wersja odpowiada nazwie nadanej mu przez autora.
Portret
Uwielbiam malarstwo, poeci!
Dana jest tylko ona, ta jedyna
Dusze zmiennych znaków
Przenieś na płótno.
Czy pamiętasz jak z ciemności przeszłości,
Ledwo owinięty w satynę.
Znów z portretu Rokotowa
Czy Struyska na nas spojrzała?
Jej oczy są jak dwie chmury
Pół uśmiech, pół płacz
Jej oczy są jak dwa kłamstwa
Okryty mgłą niepowodzeń.
Połączenie dwóch tajemnic
Pół zachwyt, pół strach
Napad szalonej czułości,
Oczekiwanie na męki śmierci.
Kiedy nadchodzi ciemność
I nadchodzi burza
Z głębi mojej duszy migocze
Jej piękne oczy.
Nazwij temat lekcji.
1. Publikacja nowego materiału.
Posłuchaj tekstu.
Wywiad Francuski pisarz, dramaturg i scenarzysta
Witaj profesorze. Czy mogę zadać ci pytanie?
Proszę cię o to.
Kiedy mój syn – ma siedemnaście i pół roku – opowiada o jakiejś dziewczynie, dodaje: „To są zajęcia”.
Więc uważa, że jest bardzo piękna.
Jest jasne. Czy jednak wyrażenie to wiąże się z koncepcją klasycznych kanonów piękna?
Och, nie sądzę. Widzisz, kanony piękna to raczej zbiór zasad, norm, proporcji. Moim zdaniem wszystko zaczęło się od pomnika Polikleitosa „Dorifora” i jego dzieła teoretycznego zwanego „Kanonem”. A w ustach Twojego syna słowo „klasa” oznacza coś przytłaczającego.
Zatem, jeśli dobrze rozumiem, klasyczne kanony piękna nadal istnieją?
Tak, ale są zmienne. To, co było piękne z punktu widzenia Greków, dla Hindusów wcale nie było atrakcyjne i odwrotnie. W starożytne Indie Uznano to za największy komplement dla kobiet, gdy powiedziały jej, że jej uda przypominają uda słonia. Dziś takie porównanie raczej nikogo nie zadowoli. W XI wieku, w Japonii, w okresie Heian, za dobrą formę uważano wśród arystokratów malowanie zębów na czarno.
Afrykanie rozciągali szyje specjalnymi sztuczkami.
A Indianie z dorzecza Amazonki nadmiernie wyciągnęli dolną wargę. Piękno... nikt tak naprawdę nie wie, co to jest.
Czym dla każdego z nas jest piękno?
Dzisiaj będziemy się uczyć sztuka portretowa. Jakie są portrety, jakie są twarze? Czy wszystkie są piękne? Posłuchaj, jak mówi o tym poeta Zabolotsky:
O pięknie ludzkich twarzy
Są twarze niczym wspaniałe portale
Gdzie wszędzie wielkie widać w małym.
Są twarze - podobieństwo nędznych chat,
Gdzie wątroba jest ugotowana, a trawieniec zamoknie.
Inne zimne, martwe twarze
Zamknięte kratami, jak loch.
Inne są jak wieże, w których
Nikt nie żyje i nie wygląda przez okno.
Ale kiedyś znałem małą chatkę,
Była brzydka i niezbyt bogata.
Ale z jej okna na mnie
Popłynął powiew wiosennego dnia.
Zaiste, świat jest wielki i cudowny!
Są twarze - podobieństwo radosnych pieśni.
Z nich, niczym słońce, lśnią nuty
Skompilowałem piosenkę o niebiańskich wysokościach.
Z historii portretu.
Gatunek portretowy powstał wcześniej niż inne - znane są rzeźbiarskie portrety egipskie sprzed wieków.
PORTRET (fr. - obraz) - gatunek sztuki plastycznej przedstawiający osobę lub grupę osób.
Głównym wymogiem każdego portretu jest przeniesienie indywidualnego podobieństwa.
Rodzaje portretów według liczby przedstawionych.
monoportret - wizerunek jednej osoby;
portret w parze - wizerunek dwóch osób;
portret grupowy - obraz więcej niż dwóch osób.
Pierwsze portrety stworzyli Egipcjanie. Pełniły religijnie magiczną funkcję: dusza zmarłego musiała opuścić ciało, a następnie po wyroku bogów powrócić do mumii swojego właściciela i osiąść w nim na zawsze. Należało także zachować podobieństwo portretowe, aby dusza mogła odnaleźć ciało, z którego wyleciała. Jeden z słynne portrety z tego okresu znajduje się portret Nefertiti (ok. 1360 r. p.n.e.).
Tradycja wywyższenia wybitni ludzie był powszechny w Starożytna Grecja, gdzie wyidealizowane rzeźbiarskie portrety poetów, filozofów, osoby publiczne. Autorzy starali się podkreślić zakres zawodów portretowanej osoby, jego profesję funkcję publiczną, ale nie dbając o zachowanie indywidualnych cech. (przykład portretu)
Portret rzymski charakteryzuje się szczególną dbałością o przedstawienie indywidualnych cech. (przykład portretu)
Średniowiecze stało się okresem, w którym w portrecie większą uwagę przywiązywano do tła, czyli ubioru portretowanej osoby. (przykład portretu)
Estetyka renesansu determinowała specyfikę portretu: osoba była najwyższym początkiem i centrum ziemskiej egzystencji. Prawdziwe postacie utożsamiana z mitologią. (przykład portretu)
Mistrzowie wysokiego renesansu - Leonardo da Vinci, Rafael, Tycjan - nie tylko tworzyli wizerunki swoich współczesnych, ale także odzwierciedlali cały świat uczucia, doświadczenia, nastroje. (przykład portretu)
Modele Rembrandta i Velasqueza (XVI-XVII w.) wchodzą w złożone, sprzeczne relacje ze światem zewnętrznym, w których portretach odbija się to, co liryczne i dramatyczne, lekkie i smutne, wesołe i tragiczne. (przykład portretu)
Rosja rozwija własną szkołę portretu. Jest to przede wszystkim PARSUNA, w której łączone są przykłady realistyczne malarstwo i ikony. Od parsuny wyraźnie widać dwa kierunki - do prowincjonalnego (obraz osoby w normalnym otoczeniu, w Zwykłe ubrania i zrelaksowana poza) oraz portrety ceremonialne (obraz osoby w uroczystej atmosferze i majestatycznej pozie).
Przełom XIX – XX wieku na pierwszy rzut oka doprowadził do odrzucenia zasad wypracowanych na przestrzeni wieków malarstwo portretowe: proporcje modelu zostały zniszczone, figury geometryczne, nacisk był położony na wewnętrzny świat ludzkie doświadczenia, podobieństwo zewnętrzne okazał się być w tle (Portret intymny).
Dzień dobry kochani!
Jesteśmy dziś z Wami na lekcji
zapoznaj się z obrazem
człowiek w sztuce różnych epok, z
historia portretu.
Rozważ reprodukcje obrazów z
przedstawiających portrety różnych
epoki, reprodukcje obrazów Leonarda
da Vinci.
Przenieś dusze zmiennych znaków na płótno.
Czy pamiętasz jak z ciemności przeszłości, ledwo owinięty w satynę.
Czy kobieta znów na nas patrzyła z portretu Rokotowa?
Jej oczy są jak dwie mgły, pół uśmiech, pół płacz,
Jej oczy są jak dwa oszustwa spowite mgłą niepowodzeń.
Połączenie dwóch zagadek, na wpół zachwyt, na wpół strach,
Szalony atak czułości, oczekiwanie
bóle śmierci.
Kiedy nadchodzi ciemność i zbliża się burza
Jej piękne oczy błyszczą z głębi mojej duszy. Przez wieki próbowali tego myśliciele i artyści
znaleźć uniwersalne kryteria piękna i
wartość estetyczną, ale wszystkie ich poszukiwania
były daremne. To prawda, że w nowoczesnym
Problem ten nie budzi większego zainteresowania na świecie.
Dziś zastąpić bezsporne
duch tolerancji przyszedł do władz i
nikt inny nie próbuje tego wszystkiego połączyć
różnorodnych form do jednego ideału. W
we współczesnym świecie uważa się, że piękno
jest obecny wszędzie. Klasyczne kanony piękna nadal istnieją.
Są zmienne, co z pewnego punktu widzenia było piękne
Greków, wcale nie przyciągał Hindusów i
nawzajem. W starożytnych Indiach największy
uważano to za komplement dla kobiety, gdy ona
mówili, że ma biodra jak słoń. W Japonii w
XI w., w epoce Heian, m.in
malowanie zębów uważano za dobrą formę dla arystokratek
czarny kolor. Specjalne sztuczki Afrykanów
wyciągali szyje. I Indianie z dorzecza Amazonki
bezzasadnie wyciągnął dolną wargę. Nikt tak naprawdę
wie, co to jest (na przykład w Indiach) piękno
kobiety są przede wszystkim treścią wewnętrzną,
głęboka indywidualność, która przenika wszystko
życie, to drachma. Dlatego rzadko się tak mówi
kobieta jest piękna do pięćdziesiątki
lata. Są twarze jak wspaniałe portale,
Gdzie wszędzie wielkie widać w małym.
Są twarze - pozory nędznych chat,
Gdzie wątroba się gotuje, a trawieniec zamoknie.
Inne zimne, martwe twarze
Zamknięte kratami, jak loch.
Inne są jak wieże, w których przez długi czas
Nikt nie żyje i nie wygląda przez okno.
Była brzydka i niezbyt bogata.
Ale z jej okna na mnie
Popłynął powiew wiosennego dnia.
Zaiste, świat jest wielki i cudowny!
Są twarze - podobieństwo radosnych pieśni.
Z nich, niczym słońce, lśnią nuty
Skompilowałem piosenkę o niebiańskich wysokościach. /Mikołaj Zabolotski/
Rysunki uczniów MOU „Szkoła Średnia” nr 9
Rysunki uczniów MOU „Szkoła Średnia”№9
Portret to wizerunek osoby lub grupy osób na obrazie lub rzeźbie. Portret jest jednym z głównych gatunków malarstwa.
Portret to wizerunek osoby lubgrupy ludzi na obrazach
lub rzeźby. Portret jest jednym z
główne gatunki malarstwa, rzeźby,
architektura.
Portrety to:
indywidualny, dwuosobowy, grupowy,
autoportret
intymny, ceremonialny, satyryczny.
10. Sztuka portretu powstała kilka tysięcy lat temu. Pierwsze portrety stworzyli Egipcjanie. Wykonywali magię religijną
Sztuka portretu wywodzi się z kilkutysiące lat temu. Pierwsze portrety były
stworzone przez Egipcjan. Występowali
funkcja religijna i magiczna: dusza
zmarły musiał opuścić ciało, a potem
wrócić po dworze bogów do swojej mumii
właściciela i zamieszkaj w nim na zawsze.
Trzeba było obserwować portret
podobieństwo, aby dusza mogła znaleźć to ciało
którym poleciała.
Powstały ogromne, majestatyczne rzeźby
w tamtych czasach jeden ze słynnych portretów,
portret Nefertiti (około 1360 p.n.e.)
era).
11.
12.
Mistrzowie wysokiego renesansu -Leonardo da Vinci, Rafael, Tycjan
właśnie stworzyłem obrazy współczesnych,
Ale odzwierciedlały także cały świat uczuć,
uczucia, nastroje.
W złożonych sprzecznościach z otoczeniem
Modele Rembrandta wkraczają w świat i
Velazquez (XVI-XVII w.), w portretach
które znajdują odzwierciedlenie liryczne
i dramatyczny, lekki i smutny,
śmieszne i tragiczne.
13.
14.
Portret w RosjiRosja rozwija własną szkołę portretu,
z różnorodnością gatunkową.
Co to jest gatunek?
- Parsuna - techniki malarstwa realistycznego i
ikony.
- Charakterystyka portretu ceremonialnego
stopniowe odchodzenie od wymagań klienta do
odzwierciedlając go jako osobowość swoich czasów.
Duża liczba portretów z tego czasu
można zobaczyć w Muzeum Sztuki w Irkucku.
W XX wieku portret rosyjski jest inny
różnorodność gatunków i stylów.
15.
16.
Tylko od wszystkich wielkichliczba portretów na świecie
jest jeden, o którym wie
praktycznie każda osoba
na ziemi, ale zachowując równowagę
po wielu latach jego
zagadka.
Jak myślisz, co to jest
portret?
17. Gioconda! to imię stało się powszechnie znane.
Dlaczego ten portret Leonarda da Vinci jest nieruchomyuderzanie ludzi? Dlaczego jest to zagadka
zdjęcia próbują rozwikłać każdy, kto
patrzy na portret, ale ona pozostaje
nierozwiązany. Niektórzy historycy sztuki uważają
że jest to portret żony artysty, innych,
autoportret i czyjś wizerunek
pół-człowiek, pół-ziemia.
18.
19.
Każdy artysta powinien umieć portretować człowiekaw różnych pozycjach, zwrotach, ruchach.
Głównym obiektem zainteresowania i wizerunku jest człowiek
artysta.
Najbardziej wyrazistą rzeczą u człowieka jest jego wygląd i
główna twarz. Dlatego studium artysty nad człowiekiem
tradycyjnie zaczyna się od narysowania głowy.
Oczywiście niektórzy amatorzy, bez żadnego przygotowania,
rysując osobę z profilu, osiągnij coś
podobieństwa, ale takie obrazy są płaskie
i umarli. Aby ożywić głowę na zdjęciu,
aby artysta mógł ją przedstawić w dowolnym nachyleniu i
z kolei musi znać anatomię, aby wyraźnie
wiedzieć, jak powstaje jakakolwiek forma, ale jednocześnie
musi konsekwentnie przedstawiać twarz, biorąc pod uwagę
w zależności od tego, jaki jest obraz głowy
wiek i płeć oraz cechy strukturalne czaszki.
20.
Twarz dziecka jest stosunkowo mała,twarz jest pulchna i gładka, z biegiem lat twarz
wydłuża się, wypukłości są wyraźnie zaznaczone
broda, w pobliżu oczodołów pojawiają się
marszczenie. Na starość kość
wypukłości wyróżniają się jeszcze bardziej, mięśnie
stać się zniedołężniałą, pomarszczoną skórą.
Ponadto każdy człowiek ma uszy, nos,
oczy, usta mają swoje własne cechy. Ale również
ważne dla cech zewnętrznych
odgadnąć charakter osoby, uczucia,
myśli, doświadczenia.
21.
Portret ma charakter artystycznywizerunek osoby. W nim
powinno być odczuwalne
konkretna osoba z
należący do niej i tylko do niej,
cechy fizyczne i
moralny charakter
Dlaczego w kulturze i estetyce renesansu tak wyraźnie skupiono się na człowieku? Z socjologicznego punktu widzenia przyczyną niezależności człowieka była jego rosnąca samoafirmacja kultura miejska. W mieście bardziej niż gdziekolwiek indziej człowiek odkrył zalety normalnego, zwyczajnego życia.
Stało się tak dlatego, że mieszczanie byli ludźmi bardziej niezależnymi niż chłopi. Początkowo w miastach mieszkali prawdziwi rzemieślnicy, rzemieślnicy, bo oni po opuszczeniu gospodarki chłopskiej oczekiwali utrzymania się wyłącznie z umiejętności rzemiosła. Uzupełniono liczbę mieszkańców miast i osób przedsiębiorczych. Rzeczywiste okoliczności zmusiły ich do polegania wyłącznie na sobie, ukształtowały nowe podejście do życia.
Myśliciele renesansu zobaczyli w starożytności to, czego chcieli. Dlatego nie jest przypadkiem, że neoplatonizm przeszedł w tej epoce szczególny rozwój intelektualny. AF Losev znakomicie ukazuje w swojej książce „Estetyka renesansu” przyczyny szczególnego rozpowszechnienia tej koncepcji filozoficznej w epoce włoskiego renesansu. Starożytny (a właściwie kosmologiczny) neoplatonizm nie mógł nie przyciągnąć uwagi odrodzeniowców ideą emanacji (pochodzenia) boskiego znaczenia, ideą nasycenia świata (kosmosu) boskie znaczenie i wreszcie idea Jednego jako najbardziej konkretnego projektu życia i bytu.
Bóg zbliża się do człowieka. Jest pojmowany panteistycznie (Bóg zlewa się ze światem, uduchawia świat). Dlatego świat przyciąga człowieka. Pojmowanie przez człowieka świata pełnego boskiego piękna staje się jednym z głównych zadań ideologicznych renesansu.
Sprzeczny charakter kultury renesansu: radość samoafirmacji i tragedia światopoglądu. Obecność tych dwóch przenikających się nurtów (starożytności i modyfikacji katolicyzmu) przesądziła o niespójności kultury i estetyki renesansu. Z jednej strony człowiek renesansu znał radość samoafirmacji, z drugiej strony rozumiał całą tragedię swojego istnienia. Jedno i drugie łączy się w postawie człowieka renesansu z Bogiem.
Początki tragedii twórczości artystów renesansu przekonująco ukazuje rosyjski filozof N. Bierdiajew. Podkreślił, że zderzenie zasad starożytnych i chrześcijańskich spowodowało głębokie rozstanie w człowieku. Wielcy artyści renesansu mieli obsesję na punkcie przejścia do innego, transcendentnego świata.
Marzenie o nim zostało już dane człowiekowi przez Chrystusa. Artyści byli skupieni na stworzeniu innego bytu, czuli w sobie siły podobne do sił Stwórcy; postawili sobie problemy zasadniczo ontologiczne. Zadania te były jednak oczywiście niemożliwe w życiu ziemskim, w świecie kultury. Kreatywność artystyczna, który ma charakter nie ontologiczny, lecz psychologiczny, nie rozwiązuje i nie może rozwiązywać takich problemów. Oparcie artystów na osiągnięciach epoki starożytności i ich aspiracjach wyższy świat odkryte przez Chrystusa nie pasują. Prowadzi to do tragicznego światopoglądu, do tęsknoty za zmartwychwstaniem.
Kultura włoskiego renesansu dała światu całą plejada wybitnych postaci, które niezmiernie wzbogaciły skarbnicę światowej kultury. Wśród nich należy wymienić nazwiska malarza Giotta di Bondone (1266-1337), rzeźbiarza Donatello Donato di Nicollo di Betto Bardi (1386-1466), malarza Masaccio Tommaso di Giovanni di Simone Guidi (1401-1428 ), malarz Sandro Botticelli (1445-1510 ), malarz, naukowiec Leonardo da Vinci (1452-1519), malarz, rzeźbiarz, architekt Michelangelo Buonaroti (1475-1564), malarz Giorgione (1477-1510), malarz Tiziano Vecellio li Cadore (1477-1566), malarz Raphael Santi (1484 -1520), malarz Jacopo Tintoretto (1518-1594) i wielu innych.
Wśród gatunków działalność artystyczna V odrodzenie niemieckie był w czołówce – jak w Włoski renesans- obraz. Pierwszym z wielkich mistrzów tego okresu nazwać należy Hieronima Boscha. Jego twórczość stanowi podsumowanie dorobku malarstwa średniowiecznego i stanowi prolog renesansu. Na obrazach Boscha malowano przez większą część w tematyce religijnej uderzające jest połączenie mrocznych średniowiecznych fantazji i symboli z elementami folkloru i dokładnymi, realistycznymi szczegółami. I nawet najstraszniejsze alegorie są pisane z tak niesamowitym skutkiem kolor ludowy które robią wrażenie potwierdzające życie. Żaden z kolejnych mistrzów malarstwa na całym świecie nie napisze tak fantastycznych, graniczących z szaleństwem obrazów.
Największy mistrz północnego renesansu w sztuki piękne był Albrecht Dürer. Pozostawił po sobie kolosalną spuściznę: obrazy, grafiki, artykuły, korespondencję.
Dürer był pod wpływem Włoscy mistrzowie: lubił odwiedzać Włochy, zwłaszcza Wenecję. Jednak specyfika wizji świata Albrechta Dürera polega na poszukiwaniu jak najbardziej obiektywnego odzwierciedlenia świata, obcy był mu włoski realizm idealizujący, dążył do osiągnięcia całkowitej autentyczności z malarstwa i rysunku. Patos ten przesiąknięty jest jego autoportretami, zwłaszcza wykonanymi ołówkiem w listach do brata, ale przypisać tu można także portret matki przed śmiercią.
Można spróbować zrozumieć głębię grafiki Dürera poprzez dekodowanie średniowiecznych symboli, które on naprawdę posiada. Śladów tych urzekających obrazów trzeba jednak szukać w epoce reformacji. Być może arkusze jego rycin najwyraźniej odzwierciedlały wytrzymałość ducha ówczesnych ludzi, ich gotowość do odrzucenia wszelkich pokus, żałosne fabrykacje na temat żałosnego wyniku wojny. Właśnie o tym myślisz, patrząc na Jeźdźca Apokalipsy, Melancholię.
Szczytem twórczości Albrechta Dürera był wspaniały obraz czterech apostołów, prawdziwy hymn na cześć człowieka, jeden z najbardziej uderzających przejawów renesansowego humanizmu.
Nieodłączny z tej epoki i twórczości Lucasa Cranacha Starszego. Jego Madonny i inne biblijne bohaterki to oczywiste mieszczanie i współcześni artyście. Jeden z jego najlepsze prace jest nowatorsko napisany „Ukrzyżowanie”. Ostro asymetryczna kompozycja, niezwykłe kąty tradycyjnych postaci, bogata kolorystyka sprawiają wrażenie zamętu, przeczucia niepokojów społecznych. Mathis Niethard, znany również jako Grunewald (1470-75 - 1528), zadziwia bogactwem i jasnością fantazji religijnych, ekstazy i pomysłową kompozycją. Główna praca Grunewald – „Ołtarz z Isenheim”. Wizerunek Maryi z Dzieciątkiem wpisany jest w wielopostaciową kompozycję świąteczną, w której aniołowie grają dla nich na instrumentach muzycznych. W przeciwieństwie do tej sceny świetlnej Ukrzyżowanie jest napisane ponuro i naturalistycznie. Z uczestnikami wojny chłopskiej kojarzony jest obraz Chrystusa pospolitego człowieka, który dużo chodził boso, wychudzony, bliski agonii.
Gais Holbein Młodszy (1497-1543) można uznać za jednego z najlepszych portrecistów tego okresu. Jest właścicielem portretów Erazma z Rotterdamu i astronoma Nicholasa Kratzera, Thomasa More'a i Jane Seymour, interpretując wizerunki współczesnych jako ludzi pełnych godności, mądrości, powściągliwej siły duchowej. Stworzył także wspaniałe ilustracje do Biblii oraz „Pochwałę głupoty”, cykl rycin „Taniec śmierci”.
Swoistą indywidualność odnotowuje się także w twórczości dyrektora szkoły malarskiej naddunajskiej Albrechta Altdorfera (1480-1538). Należy do priorytetów w kształtowaniu gatunku krajobrazu. Jednak najciekawszym jego obrazem pozostaje Bitwa Aleksandra z Dariuszem (1529). Scenę bitwy na Ziemi odzwierciedlają rywalizujące na niebie Słońce, Księżyc i chmury. Obraz jest wypełniony wieloma dekoracyjnymi detalami, wykwintnymi kolorami, zachwycającymi umiejętnościami malarskimi. Ponadto jest to jedna z pierwszych scen batalistycznych namalowanych farbą olejną, dlatego Altdorfera można uznać za twórcę innego gatunku malarstwa.
W XV wieku w Holandii miniatura osiągnęła wysoki stopień doskonałości.
Kochające, pracowite, poetyckie spojrzenie na świat zostało odziedziczone po miniaturze przez wielkie malarstwo XV wieku, zapoczątkowane przez Jana van Eycka. Wyrosły małe obrazki zdobiące rękopisy duże obrazy dekorowanie drzwi ołtarzy. Jednocześnie pojawiły się nowe walory artystyczne. Pojawiło się coś, co nie mogło być w miniaturze: to samo skupione, skupione spojrzenie na osobę, na jej twarz, w głębię oczu.
W Ermitażu znajduje się obraz wybitnego holenderskiego mistrza Rogiera van der Weydena „Św. Łukasz maluje Madonnę” (ewangelista Łukasz uchodził za artystę i patrona warsztatu malarskiego). Zawiera wiele kompozycji typowych dla ulubieńca Holendra: panoramę miasta i kanału, namalowaną tak małą, czule i starannie, z dwiema zamyślonymi postaciami ludzkimi na moście. Ale najbardziej niezwykłą rzeczą jest twarz i ręce Łukasza, który maluje Madonnę „z natury”. Ma szczególny wyraz twarzy – wyraz uważnego i drżącego słuchania człowieka, który całkowicie pogrążył się w kontemplacji. Tak patrzyli na naturę dawni niderlandzcy mistrzowie.
Wróćmy do Jana van Eycka. Zaczynał jako miniaturysta, współpracując ze swoim starszym bratem Hubertem. Braciom van Eyck tradycyjnie przypisuje się wynalezienie technologii. obraz olejny; to jest niedokładne - jak używać oleje roślinne jako spoiwo było znane już wcześniej, ale Van Eyck ulepszył je i dał impuls do jego dystrybucji. Olej wkrótce wyparł temperę.
Najsłynniejsze dzieło van Eycksa – duży Ołtarz Gandawski – rozpoczął Hubert, a po jego śmierci był kontynuowany i ukończony w 1432 roku przez Jana. Skrzydła wspaniałego ołtarza są pomalowane na dwóch poziomach, zarówno wewnątrz, jak i na zewnątrz. Po zewnętrznych stronach umieszczono zwiastowanie i klęczące postacie darczyńców (klientów): tak wyglądał ołtarz w dni powszednie zamknięty. W święta drzwi otwierały się szeroko, po otwarciu ołtarz powiększył się sześciokrotnie i przed parafianami, w całym blasku barw Van Eycka, powstał spektakl, który w całości swoich scen powinien ucieleśniać idea odkupienia. ludzkie grzechy i nadchodzące oświecenie. Powyżej, pośrodku, deesis – Bóg Ojciec na tronie, z Maryją i Janem Chrzcicielem po bokach. Liczby te są większe niż wzrost człowieka. Następnie nadzy Adam i Ewa w rozwoju człowieka oraz grupy muzycznych i śpiewających aniołów. W dolnej kondygnacji umiejscowiona jest zatłoczona scena kultu Baranka, rozwiązana w znacznie mniejszej skali, bardzo przestrzennie, wśród rozległego, kwitnącego krajobrazu, a na bocznych skrzydłach – procesje pielgrzymów. Fabuła kultu Baranka zaczerpnięta jest z „Apokalipsy Jana”, która mówi, że po końcu grzesznego świata miasto Boże zstąpi na ziemię, w której nie będzie już nocy, lecz światłość wieczna, i rzeka życia „jasna jak kryształ” i drzewo życia, które co miesiąc wydaje owoce, a miasto jest „czystym złotem jak przezroczyste szkło”. Baranek jest mistycznym symbolem apoteozy, jaka czeka sprawiedliwych. I najwyraźniej artyści starali się w malowidłach Ołtarza Gandawskiego umieścić całą swoją miłość do uroków ziemi, bo ludzkie twarze, do ziół, drzew, wód, aby ucieleśnić złoty sen o ich wieczności i niezniszczalności.
Jan van Eyck był także wybitnym portrecistą. Na jego sparowanym portrecie małżonków Arnolfinich wizerunek zwykłych ludzi ubranych w dość pretensjonalny wówczas sposób w zwykłym pokoju z żyrandolem, baldachimem, lustrem i psem na kolanach wydaje się być jakimś cudownym sakramentem. To tak, jakby czcił płomień świecy, rumieniec jabłek i wypukłe lustro; zakochany jest w każdym rysie długiej, bladej twarzy Arnolfiniego, który trzyma za rękę swoją łagodną żonę, jakby odprawiał tajną ceremonię. Zarówno ludzie, jak i przedmioty - wszystko zamarło w uroczystym oczekiwaniu, z pełną czci powagą; wszystko ma ukryte znaczenie, wskazujące na świętość przysięgi małżeńskiej i ogniska domowego.
Ta definicja nie pasuje do Włochów renesansu: nie czuli się jak przeciętni ludzie, nawet w wysokim tego słowa znaczeniu. Arnolfini, grany przez Jana van Eycka, był Włochem mieszkającym w Holandii; gdyby namalował go rodak, portret prawdopodobnie okazałby się inny w duchu.
Głębokie zainteresowanie jednostką, jej wyglądem i charakterem – to łączy artystów włoskiego i północnego renesansu. Ale interesują się nim na różne sposoby i widzą w nim różne rzeczy. Holendrzy nie mają poczucia tytanizmu i wszechmocy osoby ludzkiej: jej wartość widzą w mieszczańskiej integralności, w przymiotach, wśród których pokora i pobożność, świadomość własnej małości w obliczu wszechświata nie są ostatnimi, choć nawet w tej pokorze godność jednostki nie znika, ale wręcz zostaje podkreślona.
W połowie i drugiej połowie XV wieku w Niderlandach działało wielu znakomitych malarzy: wspomniany już Rogier van der Weyden, Dirk Boats, Hugo van der Goes, Memling, Geertgen Toth Sint Jans. Ich indywidualności artystyczne są dość wyraźnie rozpoznawalne, choć nie w takim stopniu indywidualnego stylu, jak u włoskich kwatercentystów. Malowali głównie ołtarze i portrety, a także malowali obrazy sztalugowe na zamówienie zamożnych obywateli. Szczególny urok mają ich kompozycje przepojone łagodnością i kontemplacją. Uwielbiali fabuły Bożego Narodzenia i kult dziecka, te wątki są przez nich rozwiązywane subtelnie i pomysłowo. W „Adoracji pasterzy” Hugo van der Goesa dziecko jest chude i nieszczęśliwe, jak każde noworodek, otaczający go ludzie patrzą na nie bezradni i pokręceni, z głęboką duchową czułością, Madonna jest cicha jak zakonnica , nie podnosi wzroku, ale czuje się, że jest pełna skromnej dumy macierzyństwa. A poza szkółką widać krajobraz Holandii, szeroki, pagórkowaty, z krętymi drogami, rzadkimi drzewami, wieżami, mostami.
Jest tu dużo wzruszającości, ale nie ma słodyczy: zauważalna jest gotycka kanciastość form, część ich sztywności. Twarze pasterzy u van der Goesa są charakterystyczne i brzydkie, jak to zwykle bywa w dziełach gotyku. Nawet anioły – a te są brzydkie.
Holenderscy artyści rzadko przedstawiają ludzi o pięknych, regularnych twarzach i figurach, i to także różni się od włoskich.
Można oczywiście wziąć pod uwagę prosty wniosek, że Włosi, bezpośredni potomkowie Rzymian, byli na ogół piękniejsi od bladych i wiotkich synów północy, ale główny powód nadal nie w tym, ale w różnicy w ogólności koncepcja artystyczna. Humanizm włoski przesiąknięty jest patosem wielkości w człowieku i zamiłowaniem do klasycznych form, Holendrzy poetyzują „człowieka przeciętnego”, z klasycznym pięknem i harmonijnymi proporcjami mają niewiele wspólnego.
Holendrzy mają pasję do szczegółów. Są dla nich nosicielami sekretne znaczenie. Lilia w wazonie, ręcznik, czajniczek, książka – wszystkie detale, poza tymi bezpośrednimi, niosą także ukryte znaczenie. Rzeczy są przedstawiane z miłością i wydają się inspirowane.
Szacunek do siebie, do swojej codzienności, do świata rzeczy został odzwierciedlony w światopoglądzie religijnym. Taki był duch reform protestanckich, w ramach których dokonuje się renesans niderlandzki.
Mniej antropomorficzna percepcja w porównaniu z Włochami, przewaga zasady panteistycznej i bezpośrednia ciągłość z gotyku wpływają na wszystkie elementy stylu malarstwa niderlandzkiego. Wśród włoskich kwatercentystów każda kompozycja, niezależnie od tego, jak pełna jest szczegółów, skłania się w stronę mniej lub bardziej rygorystycznej tektoniki. Grupy budowane są na wzór płaskorzeźby, to znaczy artysta zazwyczaj stara się umieścić główne postacie na stosunkowo wąskim froncie, w wyraźnie określonej zamkniętej przestrzeni; równoważy je architektonicznie, stoją mocno na nogach: wszystkie te cechy możemy już znaleźć w Giotcie. Kompozycje Holendrów są mniej zamknięte i mniej tektoniczne. Przyciąga ich głębia i dystans, ich poczucie przestrzeni jest żywsze, bardziej przewiewne niż w malarstwie włoskim. Postacie są bardziej kapryśne i niestabilne, ich tektonika jest zakłócana przez wachlarzowate, rozbieżne w dół, połamane fałdy szat. Holendrzy uwielbiają grę linii, ale nie służą one rzeźbiarskim zadaniom konstruowania bryły, ale raczej ozdobne.
Wreszcie istnieje też taki rodzaj kompozycji, w którym nie ma w ogóle centrum, a przestrzeń jest wypełniona wieloma jednakowymi grupami i scenami. Jednocześnie główny postacie czasami lądują gdzieś w kącie.
Podobne kompozycje znajdują się pod koniec XV wieku u Hieronima Boscha. Bosch jest artystą niezwykle specyficznym. Czysto holenderska wnikliwość i obserwacja łączą się z niezwykle produktywną fantazją i bardzo czarnym humorem. Jedną z jego ulubionych historii jest „Kuszenie św. Antoniego”, w której pustelnik jest oblegany przez diabły. Bosch zaludnił swoje obrazy legionami małych, pełzających, przerażających stworzeń. To staje się absolutnie przerażające, gdy zauważysz części ludzkiego ciała w tych potworach. Cała ta Kunstkamera dziwacznych demonów znacznie różni się od średniowiecznych chimer: były bardziej majestatyczne i wcale nie były tak złowrogie. Apoteozą demonologii Boscha jest jego „Muzyczne piekło”, przypominające ogród tortur: nadzy ludzie, zmieszani z wspinającymi się na nich ze wszystkich stron potworami, wiją się w dręczącej żądzy, są ukrzyżowani na sznurkach jakiegoś olbrzyma instrumenty muzyczne, wyciskane i piłowane w tajemniczych urządzeniach, wpychane do dołów, połykane.
Warto jednak wspomnieć o nurtach romantycznych, czyli pod wpływem włoskiego Cinquecento, zaczęły one rozprzestrzeniać się w Holandii w XVI wieku. Ich brak oryginalności jest bardzo zauważalny. Obraz „klasycznej nagości”, który był piękny wśród Włochów, zdecydowanie nie był dany Holandii, a nawet wyglądał nieco komicznie, jak „Neptun i Amphitrite” Jana Gossaerta, z ich wspaniałymi, opuchniętymi ciałami. Holendrzy też mieli swój prowincjonalny „manieryzm”.
Obserwujemy rozwój gatunków wykonywanych w malarstwie sztalugowym o charakterze domowym i pejzażowym Holenderscy artyści w XVI wieku. Ich rozwojowi sprzyjał fakt, że jak najbardziej szerokie kręgi nienawidząc papiestwa i duchowieństwa katolickiego, coraz bardziej odwracali się od katolicyzmu i domagali się reform Kościoła.
Zaczął wyglądać na czysty obrazy rodzajowe z wizerunkiem kupców w sklepach, kantorów w urzędach, chłopów na rynku, graczy w karty. gatunek domowy wyrósł z portretu i krajobrazu - z tła krajobrazowego, które tak lubili holenderscy mistrzowie. Tła rosły, a do czystego krajobrazu był już tylko krok.
Światowa historia sztuk pięknych pokazała nam wiele przykładów doskonałości. W koncepcji dowolnego kierunek artystyczny zawsze istniał pewien ideał, który determinował cechy ucieleśnienia obrazu, formę, sposób i technikę wykonania dzieła sztuki.
Artyści w swojej twórczości zawsze starali się znaleźć jakiś uniwersalny model człowieka. Co więcej, każdy artysta absolutyzował nie tylko konkretny przykład piękna, ale także trzymał się pewnej idealnej idei ludzkiego zachowania, jego charakteru i stylu życia. Innymi słowy, ideały estetyczne i etyczne były i są kluczowymi czynnikami każdej twórczości artystycznej.
„Ideał etyczny jest odpowiedzią danej kultury na «pytanie», kim jest dana osoba”. Artyści realizują swoje wyobrażenia o osobie w postaci pewnej obraz artystyczny istnieje w uosobionej formie. Wizerunek osobowości skupia w sobie pewne wartości, na których kształtowanie się z kolei wpływają poglądy filozoficzne danej epoki.
platforma do porodu idee filozoficzne Renesans zapoczątkował pierwotną interpretację arystotelizmu i neoplatonizmu, myśli filozoficznej stoików i epikurejczyków. przegląd ogólny filozofia tej epoki zawarta jest w księgach V.V. Sokołowa „Eseje o filozofii renesansu” i „Filozofia europejska XV-XVII wieku”. Periodyzację głównych kierunków filozofii renesansu podano w dziele A.Kh. Gorfunkela „Filozofia renesansu”. Wśród autorów krajowych kwestie kultury renesansowej były rozważane w pracach Bibikhina V.V. „Nowy renesans”.
Temat jest aktualny idealna osoba renesansu w kontekście sztuk pięknych pozostaje otwarta do badań, dlatego wydaje się nam istotne podjęcie tej problematyki.
Renesans tworzy nowy światopogląd oparty na idei, że Bóg jest nierozerwalnie związany prawdziwy świat, ale bezpośrednio w przedmioty materialne(przyroda, rzeczy, człowiek itp.). Filozofia panteistyczna postrzega świat jako połączenie tego, co duchowe i materialne. Wynikiem takiej syntezy był ideał osoby, której boska podstawa odpowiednio objawia się w jej wyglądzie i czynach. Harmonijny człowiek renesansu wyróżnia się szlachetnością i moralnością. Ideał humanistyczny powstał w starożytnej Grecji jako idea doskonała, wszechstronna rozwinięta osobaświadomi swojej indywidualności i natury duchowej.
Człowiek renesansu staje się miarą wszystkich rzeczy, a zatem wszystkiego, co naturalne i zjawiska społeczne ukazane w dziełach tego okresu mają charakter uduchowiony. To nie przypadek, że właśnie w tym czasie Leonardo da Vinci opracował zasadę złotego podziału (system boskich proporcji).
Głównymi bohaterami obrazów renesansu są znani arystokraci, mecenasi, bohaterowie biblijni i mitologiczni. szlachetny człowiek mógł doświadczać tylko szlachetnych emocji i dokonywać tylko szlachetnych czynów, dlatego uszlachetnione są działania, uczucia i zjawiska - szlachetna bitwa, szlachetna kobieta, szlachetne cierpienie, szlachetna śmierć. Tak więc około 1480 roku Andrea Mategna namalował obraz „Święty Sebastian”. W tym czasie artyści często zwracali się do tematu męczeństwa chrześcijańskich świętych. Wiadomo, że św. Sebastian potajemnie wyznawał chrześcijaństwo. Dlatego cesarz Dioklecjan postanowił skazać go na śmierć. Na obrazie A. Mantegny święty został ukarany okrutnymi torturami i przywiązany do starożytnej kolumny, przebijając strzałami dolną część jego ciała. Jeśli jednak spojrzymy na ciało świętego, zobaczymy dobrze zbudowanego sportowca, przypominającego zabytkowy posąg. Biorąc pod uwagę fakt, że wygląd idealnego człowieka renesansu jest naczyniem, w którym jego boska esencja(im piękniejsza jest ta esencja, tym piękniejszy kształt naczynia), staje się jasne, dlaczego artysta nie przedstawił wyczerpanego torturami starca, ale pięknego młodzieńca. Twarz Sebastiana również wygląda bardzo szlachetnie, nie wyraża tak strasznych emocji zwykła osoba może doświadczyć silnego bólu fizycznego.
Deifikacja ludzkiego ciała jest jednym ze szczególnych wymagań sztuk pięknych renesansu. Należy zauważyć, że mistrzowie renesansu nie starali się przedstawiać aktu w kontekście erotycznym. W ta sprawa ciało było przedstawiane jako wspaniałe boskie stworzenie. Żywe przykłady pokazując piękno kobieca natura, mogą znajdować się tam obrazy wybitnych malarzy włoskich Giorgione i Tycjana. „Śpiąca Wenus” Giorgione stała się swoistym następstwem wyobrażeń artysty o poetyckiej i boskiej tajemnicy zawartej w nagim ciele śpiącej bogini miłości – Wenus. DO początek XVI wieku wizerunek Wenus nie był jeszcze popularny w sztuce Włoch, ponieważ sztuka nadal zachowała pozostałości czystego średniowiecza, a obraz kobiece ciało bez ubrania było bardzo rzadkie. Na obrazie Wenus Giorgione wyraził ideę boski początek w człowieku i o jego całkowitej spójności ze światem zewnętrznym.
Aby bardziej wyraziście przekazać idealne proporcje osoby, artyści renesansu przedstawili ciało pod najbardziej niesamowitymi kątami i ruchami. W słynne freski Michał Anioł, możesz zobaczyć napiętą grę mięśni i stawów, dynamiczne postawy i złożone pozycje ciała w przestrzeni. Więc Wielki mistrz pokazał doskonałą harmonię ludzkiego ciała. W szczególności poszukiwał najbardziej skomplikowanych kątów i ruchów, próbując zobrazować w nich walkę ducha z materią. Takie cechy ucieleśnienia obrazu artystycznego można zobaczyć na świecie słynny fresk « Sąd Ostateczny”, gdzie święci, grzesznicy, anioły i inne postacie są po mistrzowsku wkręcane w najtrudniejsze pozycje.
Złożony, dynamiczna kompozycja„Bitwa pod Anghiari” Leonarda da Vinci pokazuje nam także siłę i wyższość ludzkiego ducha i ciała. „Leonardo… przedstawia kulę ludzi i zwierząt tak ściśle ze sobą splecionych, że dzieło to można pomylić ze szkicem do rzeźby… Leonardo kieruje wszystkimi liniami swojej kompozycji: mieczami, twarzami ludzi, ciałami koni, ruch nóg konia – wewnątrz.”
Wśród techniki artystyczne, podkreślając znaczenie szlachetnych wątków i postaci, mistrzowie renesansu często posługiwali się celowo powiększoną skalą świętych lub bohaterowie mitologiczni. W małej skali przedstawiono zwykłych śmiertelników. W dziele F. Lippiego „Madonna z Dzieciątkiem w otoczeniu aniołów, ze świętymi Frediano i Augustynem” wizerunek świętego wyróżnia się dużymi rozmiarami, ponieważ ma kluczowa wartość dla całej kompozycji. Święci Frediano i Augustino są przedstawieni na klęczkach, ale artysta pokazał ich znaczenie za pomocą jasnego koloru i bardziej szczegółowego badania objętości. Co jeszcze ciekawsze, autorka ukazuje postać Dzieciątka Chrystus. Aby pokazać swoją wyższość, Lippi w nienaturalny sposób zwiększa rozmiar dziecka. Ale pomimo tego, że dziecko wygląda na bardzo duże, jednocześnie wydaje się całkowicie nieważkie.
Oczywiście doskonałość piękna, zgodnie ze światopoglądem renesansowym, nie zależy od idealnych naturalnych proporcji, ale od piękna i boskości zawartej w samym człowieku. Znany teoretyk sztuki Alberti pisał o tym: „To nie dekoracja czyni cudowne ciało ale piękno jest w ciele.
Analizując zatem wszystko powyższe, można stwierdzić, że w okresie renesansu ukształtował się specyficzny obraz idealnej osoby. Jego istota objawia się w jego szlachetnych czynach, obraz duchowyżyciu i w niekończącej się walce o dobro i sprawiedliwość.
