Dürer urodził się w Norymberdze, głównym ośrodku niemieckiego humanizmu. Jego talent artystyczny, walory biznesowe i światopogląd ukształtowały się pod wpływem trzech osób, które odegrały najważniejszą rolę w jego życiu: ojca, węgierskiego jubilera; ojciec chrzestny Koberger, który porzucił sztukę jubilerską i zajął się działalnością wydawniczą; oraz jego najbliższy przyjaciel Wilibald Pirckheimer, wybitny humanista, który wprowadził młodego artystę w nowe idee renesansu i dzieła włoskich mistrzów. Podstawy malarstwa i drzeworytu Durer opanował w pracowni artysty Michaela Wohlgemutha. Po kilku latach nauki udał się do Colmar na spotkanie z wielkim grawerem Martinem Schongauerem, ale nie zastał go żywego. W latach 1492-1494 spędził w Bazylei, największym ośrodku produkcji książek ilustrowanych. Tutaj młody artysta zainteresował się drzeworytami i miedziorytem. Wreszcie, po wizycie w Strasburgu, Dürer wrócił do ojczyzny, ale wkrótce udał się do Wenecji. Po drodze mistrz wykonał kilka wspaniałych pejzaży akwarelowych, które są jednymi z pierwszych dzieł tego gatunku w sztuce zachodnioeuropejskiej. Ale najwyraźniej artysty nie pociągała technika „sfumato”, która stała się powszechna na samym początku XVI wieku - mglista miękkość konturów w malarstwie i nadal malował w sztywnym liniowym stylu.
Dürer opowiadał o swoim życiu z entuzjazmem, być może kierowany próżnością; różne jej aspekty opisał w kronice rodzinnej, w pamiętniku z podróży do Holandii oraz w kilku osobistych listach. Autoportrety Dürera, jeszcze bardziej niż jego własne słowa, ujawniają ciągłe pragnienie samopoznania i kształtowania własnej osobowości.
„Autoportret z osetem” Dürer powstał w 1493 roku w Bazylei, gdzie pracował w warsztacie nieznanego artysty. Jest to pierwszy autoportret namalowany olejem, ale nie na desce, jak to było wówczas w zwyczaju wśród artystów niemieckich, lecz na pergaminie przyklejonym do płótna. Tutaj artysta ma dwadzieścia dwa lata. Faliste linie jego długich blond włosów nawiązują do wdzięcznych i pofalowanych konturów jego eleganckich ubrań. Wysłał ten portret do domu, dołączając do niego dwuwiersz „Mój biznes toczy się tak, jak nakazało niebo”. Autoportret znajduje się w Luwrze.
Autoportret, 1493. Luwr, Paryż
W madryckim „Autoportrecie” (1498, Prado) Dürer pojawia się jako osoba zamożna. Jego ręce spoczywają na parapecie, za nim widok z okna. Tutaj jest już pokazany z brodą, ubrany w strój zamożnego mieszczanina. Portret ten odzwierciedla renesansowe podejście do interpretacji osobowości artysty, którego należy odtąd uważać nie za skromnego rzemieślnika, ale za osobę o wysokim statusie intelektualnym i zawodowym.
Autoportret, 1498. Młody i modnie ubrany, po powrocie z podróży do Włoch, artysta napisał na ścianie pod oknem: „Namalowałem to od siebie. Miałem 26 lat. Albrechta Durera. Muzeum Prado, Madryt
W 1500 r. tendencje te osiągają punkt kulminacyjny w Autoportrecie jako Chrystus. Tutaj wyidealizowany wygląd, znany z wcześniejszych autoportretów, został zastąpiony surowym, przejmującym wizerunkiem. Postać stricte frontalna, oczy przyciągają uwagę, tony goździka dopełniają różne odcienie brązu, tło ciemne. W tej pracy Dürer najwyraźniej starał się przekazać ideę, że artysta, podobnie jak Bóg, jest twórcą.
Artysta malował się ściśle twarzą, co było dozwolone tylko na obrazach Chrystusa. „Ja, Albrecht Dürer z Norymbergi, malowałem się w takich wiecznych kolorach w wieku 28 lat” – głosi napis. Samoidentyfikacja Dürera z Chrystusem w tym portrecie przesądziła o kolejnych wyobrażeniach Chrystusa, które tworzył, zawsze miały one podobieństwa do samego artysty.
Autoportret, 1500. Alte Pinakothek, Monachium
„Dürer jest chory”, pisał artysta w 1510 roku, przedstawiając się nago. Na brzuchu narysował żółte kółko i wyjaśnił: „Gdzie jest żółta plamka i gdzie wskazuje mój palec, to mnie boli”.
„Dürer jest chory”, 1510. Kunsthalle, Bremen
Przez całe życie Dürer, jak człowiek z obsesją, próbował znaleźć formułę piękna z linijką i kompasem. W swoich wczesnych traktatach o malarstwie pisał: „… co jest piękne – tego nie wiem… Nikt prócz Boga nie może oceniać piękna”. Ale bez względu na to, ile czasu spędził na poszukiwaniu idealnych proporcji ludzkiego ciała, formuła piękna była mu znana pod innymi względami, „nieodgadniona”. Przecież nie na próżno przeżył piętnastu swoich braci i sióstr, a dwie epidemie dżumy nie dotknęły go swoim śmiertelnym oddechem, a uroda Dürera była dowodem jego wybrania i wyrazem jego własnego odwiecznego pragnienia Harmonia.
Tekst: Maria Grinfeldt
Autoportret w wieku 13 lat
W prawym górnym rogu napis: „Namalowałem się w lustrze w 1484 r., gdy byłem jeszcze dzieckiem. Albrechta Durera.
W Niemczech pod koniec XV wieku autoportrety nie były akceptowane. 13-letni Dürer nie widział żadnych przykładów, tak jak nie mógł zakładać, że kiedyś to dzięki niemu taki gatunek, autoportret, zagości w sztuce europejskiej. Z zainteresowaniem przyrodnika, tak charakterystycznym dla renesansu, Albrecht po prostu utrwalił przedmiot, który go interesował – własną twarz – i nie próbował się ozdabiać, heroizować ani przebierać (jak robił, gdy dorósł).
Albrecht był wówczas uczniem jubilera – jego ojca.
Autoportret z bandażem, 1491
Poniższe graficzne autoportrety Albrechta Dürera, które do nas dotarły, powstały w latach 1491-1493. Ich autor ma niewiele ponad dwadzieścia lat. Tutaj nie użyto już srebrnego ołówka, ale pióra i atramentu. A sam Dürer nie jest już praktykantem jubilerskim, ale aspirującym artystą.
Autoportret z ostrokrzewem (Autoportret z osetem), 1493
Autoportret, 1498
„Napisałem to od siebie. Miałem 26 lat. Albrechta Durera.
Między dwoma autoportretami - tym i poprzednim - minęło tylko pięć lat, a były to bardzo ważne lata w biografii Dürera. W ciągu tych pięciu lat Dürer nie tylko ożenił się, ale także stał się sławny, nie tylko dojrzał, ale także zdołał zrealizować się jako wielki artysta, uniwersalna osobowość, dla której granice jego rodzinnego miasta stały się ciasne, od teraz Dürer potrzebuje całego świata. W tym autoportrecie z Prado, w samym spojrzeniu Dürera, w jego spokojnej i pewnej pozie oraz w sposobie, w jaki jego ręce spoczywają na parapecie, jest szczególna, świadoma godność.
Autoportret w stroju obszytym futrem („Autoportret w wieku 28 lat”, „Autoportret w futrze”), 1500
„Stary Dürer, wchodząc do pracowni syna, zobaczył zdjęcie, które właśnie ukończył. Chrystus - tak się wydawało złotnikowi, którego wzrok całkowicie się pogorszył. Ale przyglądając się bliżej, ujrzał przed sobą nie Jezusa, ale swojego Albrechta. Na portrecie jego syn był ubrany w bogate futro. Dłoń o bladych palcach, bezradna w swej chudości, lodowato ciągnęła ją za boki. Z ponurego tła, jakby z niebytu, wystawała nie tylko twarz - twarz świętego. W jego oczach zamarł nieziemski żal. Napis wykonany małymi literami: „Tak ja, Albrecht Dürer z Norymbergi, malowałem się w wieku 28 lat wiecznymi kolorami”.
Autoportret, Albrecht Dürer, 1500 Różaniec (Święto Różanych Wieńców), 1506
W prawym rogu obrazu ołtarzowego „Święto Różańcowe”, zamówionego przez społeczność niemiecką w Wenecji, artysta przedstawia się we wspaniałym stroju. Trzyma w rękach zwój, z którego wynika, że Albrecht Dürer ukończył obraz w pięć miesięcy, choć w rzeczywistości prace nad nim trwały co najmniej osiem: ważne było, aby Dürer udowodnił wątpiącym Włochom, że jest równie dobry w malarstwie jak w grawerowaniu.
Ołtarz Hioba (Ołtarz Yabacha). Rekonstrukcja, 1504
Ołtarz Jabacha (czasami nazywany także „Ołtarzem Hioba”) został prawdopodobnie zamówiony u Dürera przez elektora saskiego Fryderyka III dla zamku w Wittenberdze dla upamiętnienia końca zarazy z 1503 roku.
Dürer przedstawił się jako perkusista. W rzeczywistości artysta interesował się muzyką, próbował grać na lutni, ale w tym obrazie Dürera jest coś jeszcze bardziej niewątpliwie - jego wrodzona ekstrawagancja w doborze strojów. Perkusista Dürer przedstawia siebie w czarnym turbanie i krótkiej pomarańczowej pelerynie o nietypowym kroju.
Autoportret nago. Albrechta Durera, 1509
Niemiecki filolog i historyk XVI wieku Joachim Camerarius Starszy napisał esej o życiu i twórczości artysty do publikacji książki Dürera o proporcjach.
Camerarius opisał w nim pojawienie się Dürera w następujący sposób: „Natura obdarzyła go ciałem, które wyróżniało się smukłością i postawą oraz całkiem odpowiadało szlachetnemu duchowi w nim… Miał wyrazistą twarz, błyszczące oczy, nos szlachetnego kształt, ... dość długa szyja, bardzo szeroka klatka piersiowa, podciągnięty brzuch, muskularne uda, mocne i smukłe nogi. Ale powiedziałbyś, że nigdy nie widziałeś nic bardziej wdzięcznego niż jego palce. Jego przemówienie było tak słodkie i dowcipne, że nic nie zdenerwowało słuchaczy tak bardzo, jak jego zakończenie.
Szczerość, z jaką Dürer przedstawia nie cudzą, lecz własną nagość, do XX wieku pozostawała czymś bezprecedensowym i tak szokującym, że w wielu publikacjach ten pokoleniowy autoportret Dürera został nieśmiało obcięty na poziomie pasa.
Mąż boleści (Autoportret), 1522
Tutaj Dürer ma 51 lat. Czuje się jak głęboki starzec.
Autoportret, 1521
A ten autoportret nie jest obrazem ani ryciną, ale wizualizacją diagnozy z listu napisanego przez Dürera do lekarza, od którego chciał uzyskać konsultację. U góry znajduje się wyjaśnienie: „Gdzie jest żółta plamka i gdzie wskazuje mój palec, boli mnie”.
Możesz przeczytać więcej o autoportretach Dürera w dłuższej lekturze Arthive na ten temat.
Tytan renesansu zachodnioeuropejskiego, geniusz renesansu Albrecht Dürer był jedną z najjaśniejszych gwiazd na niebie niemieckiego malarstwa. Największy artysta przełomu XV-XVI w. zasłynął swoimi rycinami na drewnie i miedzi; pejzaże wykonane akwarelą i gwaszem, realistyczne żywe portrety. Został pierwszym teoretykiem sztuki w historii. Będąc osobą zróżnicowaną, Albrecht Dürer tworzył nie tylko wybitne dzieła, ale i intelektualne arcydzieła. Wśród nich jest grawer „Melancholia” z magicznym kwadratem.
Genialny artysta zasłynął z autoportretów, które zawierały zarówno kunszt, jak i niepowtarzalny pomysł autora. Za życia Albrecht Dürer stworzył co najmniej 50 takich dzieł, ale niewiele zachowało się do dziś. Co jest niezwykłego w autoportretach Dürera? Dlaczego wciąż drżą entuzjastyczni wielbiciele jego twórczości?
Autoportrety jako biografia Albrechta Dürera
Biografowie twierdzą, że mistrz Albrecht Dürer był niezwykle atrakcyjnym młodzieńcem, a zamiłowanie do autoportretów wynikało po części z próżnej chęci zadowolenia ludzi. Jednak nie to było ich prawdziwym celem. Autoportrety Dürera są odzwierciedleniem jego wewnętrznego świata i poglądów na sztukę, historii ewolucji intelektu i rozwoju gustu artystycznego. Na nich można prześledzić całe życie artysty. Każdy z jej etapów jest dziełem nowym, uderzająco odmiennym od poprzedniego. Dürer uczynił autoportret odrębnym gatunkiem w sztukach wizualnych, a jego twórczość jako całość stała się żywą biografią artysty. Czasami mogą powiedzieć więcej niż jakakolwiek książka.
Pierwszy autoportret wielkiego artysty
Pierwszy autoportret Albrechta Dürera powstał w 1484 roku. Wtedy artysta miał zaledwie trzynaście lat, ale już wiedział, jak poprawnie przekazać proporcje i doskonale opanował srebrną szpilkę. Młody Albrecht po raz pierwszy wywnioskował kontury jego twarzy. To narzędzie pozostawia srebrzysty ślad na zagruntowanym papierze. Z czasem nabiera brązowego odcienia. Wymazanie go z arkusza bez uszkodzenia gleby jest prawie niemożliwe. Trzynastoletni Albrecht namalował jednak ich portret, którego stworzenie przysporzyłoby trudności nawet wytrawnemu artyście tamtych czasów.
Na zdjęciu młody Dürer wygląda na zamyślonego, a jednocześnie surowego. Jego spojrzenie jest pełne smutku i determinacji. Gest ręki mówi o nieprzejednanym pragnieniu osiągnięcia celu - zostania wielkim mistrzem swojego rzemiosła. Pewnego dnia ojciec Albrechta zobaczył pracę syna. Pierwszy autoportret Dürera zrobił wrażenie na utalentowanym jubilerze. Ojciec zawsze chciał, aby jego syn poszedł w jego ślady, ale doceniając twórczość Albrechta, wysłał go na studia do pracowni artysty Michaela Wolgemutha. Tam młody Dürer nauczył się podstaw malarstwa i grawerowania.
Wczesny autoportret piórem
Na zakończenie szkolenia każdy artysta, zgodnie z ówczesną tradycją, udał się w podróż. Podróżując, musiał zdobywać doświadczenie od mistrzów z odległych krain. Albrecht Dürer również poszedł tą drogą. Zupełnie inaczej powstał autoportret, napisany przez niego podczas podróży do Europy. Pokazuje zdolność młodego artysty do odzwierciedlenia na papierze wewnętrznego stanu duszy człowieka. Tym razem Dürer użył długopisu, a jego nastrój był inny. Na rysunku „Autoportret z bandażem” twarz Albrechta jest pełna udręki i nieukrywanego bólu. Pokryta jest zmarszczkami, które sprawiają, że obraz jest bardziej posępny. Przyczyna udręki nie jest znana, ale nie ma wątpliwości, że miały one miejsce.
Autoportret, 1493
Pod koniec wędrówek Albrechta dotarła do niego wiadomość o jego bliskim małżeństwie. Następnie, w XV wieku, rodzice sami wybrali dla swoich dzieci parę. Ojciec Albrechta znalazł pannę młodą ze szlacheckiej rodziny norymberskiej. Młody artysta nie sprzeciwiał się poślubieniu Agnes Frey. Istnieje pogląd, że to właśnie przy okazji takiego wydarzenia Dürer napisał Autoportret z osetem. W tamtych czasach uważano za normę, że przyszli małżonkowie spotykają się na weselu, więc młody artysta postanowił podarować swojej przyszłej żonie specjalny prezent.
Na portrecie Albrecht ma 22 lata. Młody człowiek wbił wzrok w dal. Jest skupiony i rozważny. Oczy Albrechta lekko mrużą, bo pracował nad portretem, patrząc na siebie w lustrze. Artysta trzyma w rękach oset. Stał się przedmiotem kontrowersji między fanami twórczości Dürera.
Kontrowersje wokół „Autoportretu z ostami”
Odpowiednikiem słowa „oset” w języku niemieckim jest männertreu, co dosłownie tłumaczy się jako „męska wierność”. To wyraźnie wskazuje, że autoportret był przeznaczony dla Agnes Frey. Jednak przeciwnicy tego punktu widzenia twierdzą, że oset jest symbolem męki Chrystusa, a ciernie rośliny uosabiają mękę Jezusa. Ponadto Dürer napisał na autoportrecie: „Wszechmocny zarządza moimi sprawami”. A to też wyraźnie wskazuje, że ten obraz jest wyrazem pokory i oddania artysty Bogu, a nie prezentem dla przyszłej żony. Jednak tylko sam Dürer znał prawdę.
Praca włoska, 1498
Kolejne dzieło mistrza Albrechta z gatunku autoportret powstało już we Włoszech. Artysta zawsze chciał wyjechać do tego kraju i zapoznać się z wyjątkową tradycją malarstwa włoskiego. Młoda żona i jej rodzina nie poparli pomysłu podróży, ale epidemia dżumy, która ogarnęła Norymbergę, umożliwiła upragnioną podróż. Durera uderzyła jaskrawa burza kolorów włoskich krajobrazów. Jak na tamte czasy przedstawiał naturę z niezwykłą wyrazistością. Dürer stał się pierwszym pejzażystą w historii sztuki. Jego ideałem był teraz właściwy obraz, odpowiadający naturze i geometrii. Kreatywna atmosfera Włoch pomogła mu zaakceptować siebie jako innowacyjnego artystę. I to jest w pełni odzwierciedlone w jego włoskim autoportrecie.
Przedstawia pewną siebie osobę, która zrealizowała swoje powołanie, misję twórcy piękna i wyznanie myśliciela. To był Dürer. Autoportret, którego opis pozwala ocenić zmiany zachodzące w jego samoświadomości, stał się jednym z najsłynniejszych dzieł artysty. Durer jest na nim pełen godności. Jego postawa jest prosta, a spojrzenie wyraża pewność siebie. Albrecht jest bogato ubrany. Jego starannie kręcone włosy opadają mu na ramiona. A w tle autoportretu widać włoski pejzaż - czystą inspirację artysty.
Cztery temperamenty
Kolejna praca Dürera w pełni odzwierciedla jego naturę jako myśliciela, a także jego pragnienie samopoznania. Autoportret poświęcony jest greckiej doktrynie czterech temperamentów. Według niego ludzie dzielą się na melancholików i flegmatyków. Na rycinie „Łaźnia męska” wielki artysta uosabiał każdy rodzaj temperamentu w indywidualnej osobie. Durer uważał się za melancholika. Opowiedział mu kiedyś nieznany astrolog. Można przypuszczać, że właśnie w tej roli jest on przedstawiony na rycinie. Artysta przedstawił się jako flecista zabawiający przyjaciół.
„Autoportret na obraz Chrystusa”, 1500
Dürer wrócił z Włoch już nie nieśmiałym uczniem, ale mistrzem swojego rzemiosła. W domu Albrecht otrzymał wiele zamówień, które przyniosły mu sławę. Jego twórczość znana była już poza rodzimą Norymbergą, a sam artysta prowadził działalność na zasadach komercyjnych. W tym samym czasie zbliżał się nowy wiek, którego początek miał oznaczać koniec świata. Napięty okres oczekiwania eschatologicznego miał znaczący wpływ na mistrza Albrechta. A w 1500 roku pojawiło się najsłynniejsze dzieło, które stworzył Dürer - „Autoportret na obraz Chrystusa”.
Schwytał się z frontu, co w XVI wieku było niewyobrażalną śmiałością. Wszystkie portrety z tamtych czasów łączyło jedno: zwykli ludzie byli zawsze przedstawiani połowicznie, a wyjątkiem był tylko Jezus. Dürer stał się pierwszym artystą, który złamał ten niewypowiedziany zakaz. idealne, falowane włosy naprawdę sprawiają, że wygląda jak Chrystus. Nawet dłoń, przedstawiona na dole płótna, jest złożona w typowym dla świętego ojca geście. Kolory na zdjęciu są stonowane. Na tle czerni, czerwieni, bieli i brązów wyraźnie wyróżnia się twarz artystki. Ubrany w szaty obszyte futrem, mistrz Albrecht zdawał się porównywać do twórcy, który za pomocą dłuta i pędzla tworzy swój własny, wyjątkowy, tajemniczy i niepowtarzalny świat.
Autoportrety religijne
Kolejne autoportrety Dürera miały wyraźny charakter religijny. Wiek XVI obfitował w wstrząsy związane z uświadomieniem sobie roli Boga w życiu zwykłego człowieka. Możliwy wkład w tę kwestię wniósł Marcin Luter, który starał się przekazać ludziom istotę nauki chrześcijańskiej. A Dürer napisał liczne kompozycje religijne. Wśród nich są Święto Różańca i Adoracja Trójcy Świętej. Na nich Dürer jest nie tylko mistrzem, ale także uczestnikiem świętych działań. W ten sposób oddał hołd oddaniu Bogu.
Najbardziej szczery autoportret
Jedna z najbardziej kontrowersyjnych i tajemniczych prac artysty „Nagi Autoportret” ma podtekst religijny. Albrecht Dürer przedstawił się jako Chrystus Męczennik. Świadczy o tym szczupła twarz, wychudzone ciało, postawa przypominająca Jezusa podczas biczowania. Symboliczne znaczenie może mieć nawet przedstawiony przez artystę fałd skóry na prawym udzie. Była jedna z ran otrzymanych przez Chrystusa.
Rysunek wykonany długopisem i pędzlem na podbarwionym zielonym papierze. Dokładny czas powstania autoportretu nie jest znany, jednak na podstawie wieku artysty na obrazie można przypuszczać, że namalował go w pierwszej dekadzie XVI wieku. Wiadomym jest, że autor trzymał dzieło w domu i nie prezentował go szerokiej publiczności. Żaden artysta przed nim ani po nim nie przedstawił się całkowicie nago. Szokujący swoją szczerością rysunek trudno znaleźć w publikacjach poświęconych sztuce.
Ostatnie autoportrety Albrechta Dürera
Kolejne autoportrety Dürera zapowiadały jego nieuchronną śmierć. W Holandii uderzyła go dziwna dolegliwość, o której wówczas nikt nie miał pojęcia. Teraz historycy mogą jedynie spekulować, że była to malaria. Artysta miał problemy ze śledzioną, co wyraźnie zaznaczył w autoportrecie „Dürer jest chory” żółtą plamką. Wysłał ten rysunek do swojego lekarza i napisał mu krótką wiadomość. Mówi się, że miejsce, na którym widnieje żółta plama, powoduje ból. Odzwierciedleniem kondycji fizycznej artysty i kontynuacją wątku religijnego był „Autoportret na obraz Chrystusa cierpiącego”. Przedstawia Dürera, dręczonego nieznaną chorobą i duchową niezgodą, której przyczyną była być może reformacja i wydarzenia z nią związane.
Wkrótce zmarł, pozostawiając swoim potomkom największą spuściznę swoich czasów. Autoportrety Dürera, przechowywane w najsłynniejszych galeriach świata, takich jak Luwr w Paryżu czy Prado w Madrycie, wciąż zachwycają wewnętrzną siłą i niemal mistycznym pięknem.
NAJBARDZIEJ SŁYNNY Autoportret Dürera 1500g Olej na drewnie. 67; 49 cm
Alte Pinakothek, Monachium „Autoportret w wieku dwudziestu ośmiu lat”, „Autoportret w stroju obszytym futrem”
Autoportret zwraca uwagę podobieństwem do przyjętych wówczas w sztuce wizerunków Chrystusa - symetria kompozycji, kolorystyka ciemnych tonów, pełny obrót twarzy i ręka uniesiona do środka klatki piersiowej w geście błogosławieństwa. Napisy na czarnym tle po obu stronach Dürera wydają się unosić w przestrzeni, podkreślając symbolikę portretu.
Jasne odcienie poprzednich autoportretów zostały zastąpione wyciszonym zakresem. Wydaje się, że w tej pracy Dürer zbliżył się do tego, co historyk sztuki Marcel Brion nazywa „klasycyzmem według Ingresa. Twarz o nieelastycznej i bezosobowej godności maski, która kryje w sobie niepokój wstrząsów, ból i namiętność.
Pozorna symetria obrazu jest nieco złamana: głowa znajduje się nieco na prawo od środka, kosmyki włosów opadają na bok, spojrzenie skierowane jest w lewo.
Jaka była ta interesująca osoba i wspaniały artysta?
Chociaż Dürer uważał się za melancholika, jego temperament nie wyróżniał się „ani ponurą surowością, ani nieznośnym znaczeniem; i wcale nie uważał, że słodycz i wesołość życia są niezgodne z honorem i przyzwoitością”, jak pisał Joachim Camerarius. Stübers do pana Hansa Ebnera w tawernie Mirror itp. Dürer był bywalcem modnych wówczas łaźni publicznych, gdzie znalazł swoje opiekunki, nie tracąc czasu na nakłanianie go do pozowania. Na jednym ze swoich rycin („Łaźnia męska”) Dürer, według badaczy, przedstawił siebie jako flecistę.
Od dzieciństwa Dürer kochał muzykę, a nawet sam próbował grać na lutni. Przyjaźnił się z muzykami i stworzył kilka ich portretów. W przedmowie do Księgi malarstwa Dürer zalecał, aby młodzieńcy studiujący rzemiosło artysty odwrócili uwagę krótką grą na instrumentach muzycznych „w celu rozgrzania krwi”, aby melancholia nie zastąpiła nadmiernych ćwiczeń. Często Dürer przedstawiał się jako muzyk.
Niewątpliwie Dürer był zafascynowany własnym odbiciem w lustrze i uważał się za atrakcyjnego mężczyznę, o czym wspominał w listach do swojego przyjaciela Wilibalda Pirckheimera. I nic nie mówi o tym tak wymownie, jak autoportrety, które Dürer tworzył przez całe życie. Nawet chory i wychudzony Dürer jest zawsze piękny.
Kolejną pasją Dürera była miłość do strojów. Wydał dużo pieniędzy na zakup licznych futer, brokatu, aksamitu i satyny. Wolał śnieżnobiałe ciuchy z haftami i rękawami szerokimi do łokcia oraz eleganckie nakrycia głowy we włoskiej modzie. Starannie przemyślał kombinacje kolorów i stylu swoich ubrań oraz dobierał do nich dodatki. Fryzura była nie mniej ważna dla Dürera.
Współczesny artyście, Lorenz Beheim, w liście skarżył się Dürerowi na opóźnienia w realizacji zamówionego portretu, wspominając „swojego chłopca”, który strasznie nie lubi brody Dürera (jego codzienne kręcenie i stylizacja zajmuje czas potrzebny na napisanie portretu), a zatem „lepiej byłoby, gdyby się go ogolił”.
Ale rękawiczki dla Durera nie były tylko modnym dodatkiem zaprojektowanym do ochrony i ozdabiania dłoni, rękawiczki były symbolem, który oznaczał jego wybranka, ponieważ jego dłonie były nie tylko piękne, były to dłonie geniusza.
Miłość do pięknych rzeczy zmusiła Dürera do ciągłego kupowania i wymiany na ryciny coraz większej liczby nabytków, które nieustannie wysyłał do Norymbergi z całymi skrzyniami. Czego nie było wśród trofeów Dürera: orzechy kalkuta, stara plaga turecka, papugi podarowane przez portugalskiego kupca Rodrigo d'Amada, rogi byka, nieodzowny atrybut martwej czaszki Vanitas vanitatis, miski z drewna klonowego, okulary optyczne, suszone mątwy, duże rybie łuski, małpa, kopyto łosia, fajki, duża skorupa żółwia i wiele innych rzeczy. Durer stale wnosił do domu przedmioty bezużyteczne dla domowników. Ale bardziej niż cokolwiek innego cenił oczywiście profesjonalne akcesoria. Nie szczędził pieniędzy na zakup najlepszego niemieckiego, holenderskiego, włoskiego papieru, piór gęsich i łabędzich, blach miedzianych, farb, pędzli, srebrnych ołówków i narzędzi do grawerowania.
Albrecht Dürer jako pierwszy w historii malarstwa niemieckiego (iw większości europejskiego) malował autoportrety. Rozpatrywane w porządku chronologicznym stanowią unikalną historię ludzkiej wiedzy o sobie, naturze i Bogu.
Pierwszy autoportret 13-letniej Dürer
Albrechta Durera. autoportret
Albrecht Dürer senior (1, 2), węgierski osadnik, miał w Norymberdze warsztat jubilerski i 18 córek i synów, z których czterech przeżyło. Trzecie z dzieci Dürera, również Albrecht, podobnie jak jego ojciec, od dziesiątego roku życia spędzał cały dzień w warsztacie. Prawdę mówiąc, początkowo tylko uważnie obserwował. Obserwowałam, jak różnokolorowe kamienie osadzane są w oprawie, stając się częścią pierścionka lub naszyjnika; jak poskręcany ornament z liści i pąków stopniowo, posłuszny ojcowskiemu dłutowi, zaplątuje szyję srebrnego wazonu i kielich pozłacany (misa kościelna do przyjmowania komunii) „porośnięty” winoroślą i kiściami. W wieku trzynastu lat jego ojciec polecił Albrechtowi Jr. przygotowanie szkiców tego samego naszyjnika, korony lub miski. Trzeci syn Dürerów miał mocną rękę, doskonałe oko i wyczucie proporcji. Jego bogobojny ojciec mógł podziękować niebu za to, że rodzinny biznes ma dobre perspektywy na dłuższą metę.
Albrechta Durera. podwójny kielich
Albrechta Durera. Korona cesarska
Szkice biżuterii wykonane przez Dürera już w wieku dorosłym.
Kiedyś 13-letni Albrecht, odwołując się do odbicia w lustrze, przedstawił się, biorąc srebrny ołówek, zwyczajowo u jubilera, który nie pozwala na żadne poprawki. Okazało się to niełatwe - cały czas patrzenie od odbicia na kartkę iz powrotem, aby zachować tę samą pozę i wyraz twarzy. Jeszcze bardziej egzotyczne było uświadomienie sobie, że w tej chwili w studiu znajdują się trzy Albrechty – jeden w amalgamacie lustra, drugi stopniowo pojawia się na papierze, a trzeci, skupiając wszystkie swoje duchowe moce, próbuje zrobić dwa pierwsze pokrywać się w jak największym stopniu. Po prostu nie narysował swojego magicznego ołówka - narysował tylko delikatny pędzel wyciągniętym palcem, jakby wskazywał na coś niewidocznego dla nas lub próbował coś zmierzyć.
W prawym górnym rogu znajduje się napis: „Namalowałem się w lustrze w 1484 roku, kiedy byłem jeszcze dzieckiem. Albrechta Dürera”. W Niemczech pod koniec XV wieku autoportrety nie były akceptowane. 13-letni Dürer nie widział żadnych przykładów, tak jak nie mógł zakładać, że kiedyś to dzięki niemu taki gatunek, autoportret, zagości w sztuce europejskiej. Z zainteresowaniem przyrodnika, tak charakterystycznym dla renesansu, Albrecht po prostu utrwalił przedmiot, który go interesował – własną twarz – i nie próbował się ozdabiać, heroizować ani przebierać (jak robił, gdy dorósł).
„Ta wzruszająca twarz o dziecięcych pulchnych policzkach i szerokich oczach, - opisuje pierwszy autoportret Dürera, historyka sztuki Marcela Briona. — Te wyłupiaste oczy, jak oczy drapieżnego ptaka, potrafiące patrzeć w słońce bez mrugnięcia. Rysunek w tym miejscu jest nieco nieudolny. Srebrny ołówek, bardziej odpowiedni dla drobiazgowej dokładności szkiców złotniczych, ostro zarysowuje krzywiznę powiek, blask gałki ocznej. Spojrzenie jest skupione i niemal halucynacyjne, co może wynikać z jakiejś niezręczności młodego rysownika, a może z niesamowitej intuicji, która już wtedy była znakiem rozpoznawczym postaci małego Dürera. Twarz zwrócona do trzech czwartych odsłania delikatny owal pełnych policzków, haczykowaty nos, podobny do dzioba. Na twarzy chłopca widać jakieś niezdecydowanie i niekompletność, ale nos i oczy świadczą o wyjątkowej indywidualności autora, pewnego siebie, pana swojej duszy i przeznaczenia.”
Autoportret ze studium dłoni i poduszki oraz autoportret z bandażem
Albrechta Durera. Autoportret z studium dłoni i poduszką (przód prześcieradła)
Albrechta Durera. Sześć studiów poduszek (odwrotna strona „Autoportretu ze studiami dłoni i poduszki”)
Albrechta Durera. Autoportret z bandażem
1491
Poniższe graficzne autoportrety Albrechta Dürera, które do nas dotarły, powstały w latach 1491-1493. Ich autor ma niewiele ponad dwadzieścia lat. Tutaj nie użyto już srebrnego ołówka, ale pióra i atramentu. A sam Dürer nie jest już praktykantem jubilerskim, ale aspirującym artystą. Jego ojcu bardzo przykro z powodu daremnych wysiłków włożonych w nauczanie Albrechta „złoto-srebrnego rzemiosła”, ale widząc wytrwałość, z jaką syn stara się zostać artystą, wysłał go na studia do malarza i rzeźbiarza Michaela Wolgemuta, po czym Dürer udał się, jak to wówczas było brane, w twórczą podróż. „Lata tułaczki”, podczas której powstały te autoportrety, uczynią z niego prawdziwego mistrza.
Autoportret ze szkicem dłoni i poduszki na pierwszy rzut oka wydaje się być czymś w rodzaju karykatury, przyjacielskiej karykatury samego siebie. Ale najprawdopodobniej nie ma tu żadnego sekretnego znaczenia i jest to tylko ćwiczenie graficzne. Dürer „wypełnia rękę”, trenuje tworzenie pełnoprawnych trójwymiarowych obiektów za pomocą kreskowania i analizuje, jak pociągnięcia naprawiają ich deformacje: na odwrocie autoportretu znajduje się 6 różnie zmiętych poduszek.
Przedmiotem szczególnej uwagi Dürera w autoportretach-studiach, wraz z twarzą, są dłonie. Będąc doskonałym rysownikiem, Dürer uważał dłonie za jeden z najważniejszych i najbardziej interesujących obiektów do studiowania i przedstawiania. Nigdy nie podawał uogólnionej ręki, zawsze starannie opracowywał rzeźbę skóry, najmniejsze linie i zmarszczki. Jako samodzielne dzieło znany jest na przykład szkic jednego z ołtarzy Dürera, Ręce modlitwy/apostoła (1508). Nawiasem mówiąc, cienkie pędzle z długimi palcami zwężającymi się ku górze, które posiadał sam Dürer, były w jego czasach uważane za znak wysokiej duchowej doskonałości.
W tych dwóch młodzieńczych portretach historycy sztuki czytają „zatroskanie, wzburzenie, zwątpienie”. Widać w nich już pewien rys emocjonalny, który zostanie zachowany we wszystkich dalszych autoportretach artysty: w żadnym z nich nie przedstawił siebie radosnego, a przynajmniej z cieniem uśmiechu. Po części był to hołd dla tradycji malarskiej (nikt się nie śmieje w malarstwie średniowiecznym), ale po części odzwierciedlał charakter. Odziedziczywszy po ojcu nieuniknioną rodzinną ciszę i przygnębienie, Dürer zawsze pozostawał złożoną, intensywnie myślącą naturą, obcą samozadowoleniu: nie bez powodu słynny rycina Dürera „Melancholia” jest często nazywany jego duchowym autoportretem.
Autoportret z ostrokrzewem
Albrechta Durera. Autoportret z ostrokrzewem (Autoportret z osetem)
1493, 56×44 cm
Podczas gdy Durer podróżował po górnym biegu Renu i doskonalił się, poznając słynnych niemieckich artystów i rysując widoki miast i gór, jego ojciec w Norymberdze zaręczył mu się z panną młodą. O tym, że swatanie jest faktem dokonanym, informuje listownie swojego niczego niepodejrzewającego syna, który był w tym momencie w Strasburgu. O dziewczynie Agnes Frei ojciec prawie nic nie napisał do Dürera, ale wiele opowiedział o jej rodzicach: przyszły teść Hans Frei, mistrz fontann wewnętrznych, ma zostać powołany do Wielkiej Rady Norymberskiej , a teściowa jest na ogół z patrycjuszy (choć zubożałej) dynastii Rummel.
Starszy Durer, który sam wyszedł z węgierskich plantatorów zbóż, naprawdę chciał dobrze pasować do Albrechta i dlatego zażądał, aby jego syn dokończył wszystkie niedokończone sprawy i wrócił do Norymbergi, a tymczasem jest artystą, czy WHO? - napisz i wyślij Agnieszce jej własny portret, aby panna młoda mogła sobie wyobrazić, jak wygląda jej narzeczona, której nigdy wcześniej nie widziała.
Portret, który pełnił rolę swoistego „podglądu” w życiu rodzinnym Dürera, uważany jest za „Autoportret z ostrokrzewem” (1493). Nie był pisany na drewnie, jak większość ówczesnych portretów, ale na pergaminie (przyznają, że w takiej formie portret był łatwiejszy), dopiero w 1840 r. obraz został przeniesiony na płótno. Dürer ma tu 22 lata. Po raz pierwszy w autoportrecie jego zadaniem nie jest poznanie siebie, ale pokazanie się innym, jakby „pokazanie” światu swojego wyglądu i osobowości. A dla Dürera okazuje się to ciekawym wyzwaniem, na które odpowiada ze szczególną pasją artystyczną. Dürer przedstawia się z wyzywającą, karnawałowo-teatralną elegancją: jego cienka biała koszula jest wiązana fioletowymi sznurkami, rękawy jego sukienki ozdobione są rozcięciami, a ekstrawagancki czerwony kapelusz przypomina bardziej kwiat dalii niż nakrycie głowy.
Dürer ściska palcami elegancki cierń, którego natura i symbolika są kwestionowane. W języku rosyjskim nazwa „Autoportret z ostrokrzewem” utknęła za obrazem, ale roślina, która po rosyjsku nazywa się ostrokrzewem (lub ostrokrzewem), kwitnie i wygląda trochę inaczej. Z punktu widzenia botaników Dürer trzyma w rękach Eryngium amethystinum - ametystowy eryngium, nazywany jest również „niebieskim osetem”. Według jednej wersji pobożny Dürer wskazuje na swoje „credo” - koronę cierniową Chrystusa. Inna wersja mówi, że w Niemczech w jednym z dialektów eryngium nazywa się Männer treu („męska wierność”), co oznacza, że Dürer daje jasno do zrozumienia, że nie będzie kłócił się z ojcem i obiecuje Agnes, że będzie wierny mąż. Napis na ciemnym tle My sach die gat / Als es oben schtat jest tłumaczony jako „Moje uczynki są z góry określone”(jest też tłumaczenie rymowane: „Mój biznes toczy się dalej, tak jak nakazało niebo”). Można ją również interpretować jako wyraz poddania się losowi i woli rodziców. Ale kostium mówi: „Zrobię tak, jak mówi mój ojciec, ale to nie przeszkodzi mi w byciu sobą i podążaniu wybraną ścieżką”.
Albrechta Durera. Żona Agnieszka
Albrechta Durera. Agnieszka Durer
Graficzne portrety Agnes Dürer (1495 i 1521) wykonane przez jej męża w odstępach ćwierćwiecza
Albrecht i Agnes wkrótce pobiorą się, tak jak chcieli ich rodzice, i będą wspólnie żyć długim życiem, które niewielu odważyłoby się nazwać szczęśliwym: dwie połówki bezdzietnej pary Dürerów okazały się zbyt różne. „Pomiędzy nim a jego żoną prawdopodobnie nigdy nie było porozumienia, - pisze Galina Matvievskaya w monografii "Albrecht Dürer - naukowiec". — Praktyczna i rozważna Agnes była najwyraźniej bardzo rozczarowana, że jej nowe życie wcale nie przypominało zwykłego domu jej ojca. Starając się prowadzić uporządkowane życie mieszczańskie, podlegające prostym i jasnym zasadom, energicznie wspierała Dürera we wszystkich sprawach gospodarczych, dbała o materialny dobrobyt domu, ale aspiracje i ideały męża pozostały jej obce. Niewątpliwie nie było to dla niej łatwe: nawet będąc w pobliżu, Dürer żył własnym życiem, niezrozumiałym dla niej ... Z biegiem czasu stwardniała, stała się bezduszna i skąpa, a do ich związku wkradła się oczywista wrogość ”.
„Magnificent Durer”: autoportret z Prado
Albrechta Durera. autoportret
1498, 41×52 cm Olej, Drewno
Das malt ich nach meiner gestalt / Ich war sex und zwenzig Jor alt / Albrecht Dürer - „Napisałem to od siebie. Miałem 26 lat. Albrechta Dürera”. Między dwoma autoportretami - tym i poprzednim - minęło tylko pięć lat, a były to bardzo ważne lata w biografii Dürera. W ciągu tych pięciu lat Dürer nie tylko ożenił się, ale także stał się sławny, nie tylko dojrzał, ale także zdołał zrealizować się jako wielki artysta, uniwersalna osobowość, dla której granice jego rodzinnego miasta stały się ciasne, od teraz Dürer potrzebuje całego świata. W tym autoportrecie z Prado, w samym spojrzeniu Dürera, w jego spokojnej i pewnej pozie oraz w sposobie, w jaki jego ręce spoczywają na parapecie, jest szczególna, świadoma godność.
Dürer, w momencie pisania autoportretu, niedawno wrócił z drugiej podróży do Włoch. Na północy Europy jest powszechnie znany jako znakomity grawer, którego cykl Apokalipsy, drukowany w drukarni jego ojca chrzestnego Antona Kobergera, wyprzedał się w ogromnych ilościach. We Włoszech ta kolebka sztuki Dürer jest złośliwie kopiowana i pozywa fałszerzy, broniąc swojego uczciwego imienia, a także wątpiąc Włochom udowadnia, że jest tak wspaniały w malarstwie, jak w grawerowaniu, po namalowaniu obrazu „Święto Różańca” ” (jej opowiadamy szczegółowo historię tutaj). Nowy autoportret jest swego rodzaju deklaracją, że Dürer nie jest już rzemieślnikiem (a w jego rodzimej Norymberdze artyści nadal uważani są za przedstawicieli klasy rzemieślniczej) - jest artystą, a więc wybranym przez Boga.
Nie jest to już samoświadomość średniowiecznego mistrza, ale renesansowego artysty. Dürer nie bez wyzwania przedstawia się we włoskim stroju, wyrafinowanym i drogim: jego zebrana biała jedwabna koszula ozdobiona jest przy kołnierzyku złotym haftem, szerokie czarne paski na czapce z frędzlami rym z czarnym kontrastowym wykończeniem ubrania, brąz peleryna wykonana z ciężkiej drogiej tkaniny trzymana jest na wysokości obojczyków plecionego sznurka wkręconego w oczka. Dürer ma elegancką brodę, która wciąż wydaje się pachnieć weneckimi perfumami, a jego złotorude włosy są starannie zakręcone, co wywołuje kpiny wśród pragmatycznych rodaków. W Norymberdze jego żona lub matka schowała takie stroje do skrzyni: jako przedstawiciel klasy rzemieślniczej Dürer, jak piszą biografowie, nie miał prawa pozwolić sobie na tak wyzywający luksus. I tym autoportretem polemicznie deklaruje: artysta nie jest rzemieślnikiem, jego pozycja w hierarchii społecznej jest znacznie wyższa. Jego piękne koźlęce rękawiczki z doskonałej produkcji wołają o to samo. „Białe rękawiczki, również sprowadzone z Włoch, - pisze biograf Dürera Stanislav Zarnitsky, - ukryj uczciwe ręce pracownika, pokryte otarciami, nacięciami, plamami zakorzenionej farby”). Jego rękawiczki są symbolem jego nowego statusu. Drogi garnitur w stylu weneckim i górski krajobraz za oknem (hołd dla mentora Giovanniego Belliniego) wskazują, że Dürer nie godzi się już uważać się za prowincjonalnego rzemieślnika, ograniczonego konwencjami czasu i przestrzeni.
Autoportret w stroju obszytym futrem („Autoportret w wieku 28 lat”,
„Autoportret w futrze”
Albrechta Durera. autoportret
1500, 67×49 cm Olej, Drewno
Tę samą tendencję do postrzegania artysty nie jako prostego rzemieślnika, ale jako uniwersalnej osobowości, Dürer doprowadza do logicznego ograniczenia w obrazie, który później stał się jego najsłynniejszym autoportretem. Oto jak opisano jego wygląd w powieści biograficznej „Dürer” Stanisława Żarnickiego:
„Stary Dürer, wchodząc do pracowni syna, zobaczył zdjęcie, które właśnie ukończył. Chrystus - tak się wydawało złotnikowi, którego wzrok całkowicie się pogorszył. Ale przyglądając się bliżej, ujrzał przed sobą nie Jezusa, ale swojego Albrechta. Na portrecie jego syn był ubrany w bogate futro. Dłoń o bladych palcach, bezradna w swej chudości, lodowato ciągnęła ją za boki. Z ponurego tła, jakby z niebytu, wystawała nie tylko twarz - twarz świętego. W jego oczach zamarł nieziemski żal. Napis wykonany małymi literami: „Tak ja, Albrecht Dürer z Norymbergi, malowałem się w wieku 28 lat wiecznymi kolorami”.
Po raz pierwszy Dürer przedstawia się nie w rozkładzie trzech czwartych, ale ściśle frontalnie - nie było zwyczaju malowania portretów świeckich, tylko świętych. Przejrzystym „spojrzeniem w wieczność”, pięknem całego swojego wyglądu i gestem ręki, podobnym do gestu błogosławieństwa, świadomie upodabnia się do Chrystusa. Czy była to szczególna śmiałość artysty malować się na obraz Zbawiciela? Durer był znany jako gorliwy chrześcijanin i był przekonany, że upodobnienie się do Chrystusa dla wierzącego jest nie tylko zadaniem życiowym, ale także obowiązkiem. „Z powodu wiary chrześcijańskiej musimy być narażeni na zniewagi i niebezpieczeństwa” powiedział Dürer.
Niektórzy badacze zwracają uwagę, że obraz został namalowany w 1500 roku, kiedy ludzkość po raz kolejny spodziewała się końca świata, dlatego ten autoportret jest rodzajem duchowego testamentu Dürera.
Autoportret jako martwy Chrystus?
Albrechta Durera. Martwy Chrystus w koronie cierniowej
1503
Martwy Chrystus w koronie cierniowej Rysunek Dürera z odrzuconą do tyłu głową zmarłego Jezusa jest uważany przez niektórych za autoportret. Mówi się, że w mniej więcej „wieku Chrystusa” Dürer bardzo zachorował i był bliski śmierci. Przez kilka dni trząsł się z gorączki, Dürer leżał wyczerpany, ze spieczonymi ustami i zapadniętymi oczami. W tym momencie wszyscy myśleli, że pobożny artysta pośle po księdza. Ale zażądał, aby przyniósł małe lusterko, położył je na piersi i ledwo znajdując siłę, by podnieść głowę, długo wpatrywał się w swoje odbicie. To przeraziło krewnych Dürera: być może myśleli, że pod wpływem choroby oszalał, bo nikomu na łożu śmierci nigdy nie przyszło do głowy, by podziwiać siebie w lustrze. Kiedy Dürer wyzdrowiał, na podstawie tego, co zobaczył, wykonał ten rysunek. W dolnej części arkusza widzimy duży monogram artysty – litery A i D jedna nad drugą oraz rok – 1503 (Dürer urodził się w 1471 r.).
Autoportrety Albrechta Dürera, które znane są tylko słowami
Przyszły do nas dwa najciekawsze odniesienia do zaginionych autoportretów Dürera. Obaj należą do współczesnych artystce. Pierwszy to Włoch Giorgio Vasari, autor słynnych „Biografii”, a drugi to Niemiec, znany w Norymberdze prawnik Christoph Scheirl, który w 1508 r. wydał broszurę „Książka na cześć Niemiec”.
Obaj na żywych przykładach mówią o wirtuozerii Dürera, dlatego ich opisy zasługują na uwagę, choć nie wiemy, o jakich autoportretach możemy mówić.
Vasari opowiada, jak Dürer, którego nazywa „najbardziej niesamowity niemiecki malarz i grawer na miedzi, tworzący najpiękniejsze odbitki”, wysłane do jego młodszego kolegi Rafaela „Autoportret głowy, wykonany przez niego gwaszem na najcieńszej tkaninie, tak aby można go było oglądać równo z obu stron, a pasemka były bez bieli i przezroczyste, a inne jasne obszary obrazu były nietknięte w oczekiwaniu na prześwitująca tkanina, ledwie podbarwiona i dotknięta kolorową akwarelą. Ta rzecz wydawała się Rafaelowi niesamowita i dlatego wysłał mu wiele kartek z własnymi rysunkami, które Albrecht szczególnie cenił..
Przypadek opisany przez Sheirl wydaje się być naiwną ciekawostką i opowiada o Dürerze i jego psie:
„... Kiedyś, kiedy namalował swój portret z lustrem i postawił jeszcze świeży obraz na słońcu, jego pies, właśnie biegnąc obok, polizał go, wierząc, że wpadła na swojego pana (tylko dla psów, według tym samym Pliniuszem, znać ich imiona i rozpoznawać ich mistrza, nawet jeśli pojawia się dość nieoczekiwanie). I mogę zaświadczyć, że do dziś jest po tym ślad. Ileż zresztą pokojówki usiłowały wymazać pajęczyny, które z trudem spisał!”
Autoportrety Cameo (Dürer w obrazach wielopostaciowych jako on sam)
Wykonując solowe autoportrety, Dürer był innowatorem. Czasami jednak działał bardziej tradycyjnie, jak wielu jego poprzedników i współczesnych - wpisywał swój wizerunek w wielofigurowe kompozycje. Powszechną praktyką artystów z czasów Dürera było stawianie się na drzwiach ołtarza lub w gęstym tłumie „modlących się i przybywających” artystów.
Albrechta Durera. Święto Różańca (Święto Wianek Róż)
1506, 162×194,5 cm Olej, Drewno
W prawym rogu obrazu ołtarzowego „Święto Różańcowe”, zamówionego przez społeczność niemiecką w Wenecji, artysta przedstawia się we wspaniałym stroju. Trzyma w rękach zwój, z którego wynika, że Albrecht Dürer ukończył obraz w pięć miesięcy, choć w rzeczywistości prace nad nim trwały co najmniej osiem: ważne było, aby Dürer udowodnił wątpiącym Włochom, że jest równie dobry w malarstwie jak w grawerowaniu.
Albrechta Durera. Ołtarz Hioba (Ołtarz Yabacha). Rekonstrukcja
1504
Ołtarz Jabacha (czasami nazywany także „Ołtarzem Hioba”) został prawdopodobnie zamówiony u Dürera przez elektora saskiego Fryderyka III dla zamku w Wittenberdze dla upamiętnienia końca zarazy z 1503 roku. Później ołtarz nabyła rodzina Yabachów z Kolonii, do XVIII wieku znajdował się on w Kolonii, potem został podzielony, a jego centralna część zaginęła. Tak teraz wyglądały rozrzucone zewnętrzne skrzydła: po lewej stronie cierpliwy Hiob i jego żona, a po prawej muzycy, którzy przybyli pocieszyć Hioba. Dürer przedstawił się jako perkusista. W rzeczywistości artysta interesował się muzyką, próbował grać na lutni, ale w tym obrazie Dürera jest coś jeszcze bardziej niewątpliwie - jego wrodzona ekstrawagancja w doborze strojów. Perkusista Dürer przedstawia siebie w czarnym turbanie i krótkiej pomarańczowej pelerynie o nietypowym kroju.
Domniemane autoportrety Dürera można znaleźć w jego pracach „Męka dziesięciu tysięcy chrześcijan”, „Ołtarz Gellera” i „Adoracja Trójcy”.
Albrechta Durera. Męczeństwo dziesięciu tysięcy chrześcijan
1508, 99×87 cm
Albrechta Durera. Ołtarz Gellera (Ołtarz Wniebowzięcia NMP). Rekonstrukcja
1500s, 190×260 cm Olej, Tempera, Drewno
Albrechta Durera. Adoracja Trójcy Świętej (Ołtarz Landauera)
1511, 135×123 cm
A oto fragmenty powyższych prac z autoportretami Dürera:
Durer nago
Albrechta Durera. autoportret nago
1509, 29×15 cm Atrament, Papier
Niemiecki filolog i historyk XVI wieku Joachim Camerarius Starszy napisał esej o życiu i twórczości artysty do publikacji książki Dürera o proporcjach. Pojawienie się w nim Dürera Camerariusa opisał następująco: „Natura obdarzyła go ciałem, które wyróżniało się smukłością i postawą, i całkiem odpowiadało szlachetnemu duchowi w nim… Miał wyrazistą twarz, błyszczące oczy, szlachetny nos… dość długą szyję, bardzo szeroka klatka piersiowa, jędrny brzuch, muskularne uda, mocne i smukłe nogi. Ale powiedziałbyś, że nigdy nie widziałeś nic bardziej wdzięcznego niż jego palce. Jego przemówienie było tak słodkie i dowcipne, że nic nie zdenerwowało słuchaczy tak bardzo, jak jego zakończenie..
Szczerość, z jaką Dürer przedstawia nie czyjąś, ale własną nagość, aż do XX wieku i podobnych eksperymentów Luciana Freuda pozostała czymś bezprecedensowym i tak szokującym, że w wielu publikacjach ten pokoleniowy autoportret Dürera był nieśmiało obcięty na wysokości pasa .
Trzeba jednak zrozumieć, że strategia Dürera nie zakładała szokowania nikogo. Kierowało nim raczej to samo renesansowe zainteresowanie przyrodnika, który w wieku 13 lat sprawił, że przyszły artysta zainteresował się własną twarzą i od razu sprawdził, czy potrafi „podwoić naturę”, utrwalając to, co widzi na rysunku. Ponadto w Niemczech za czasów Dürera przedstawienie nagiego ciała z natury stanowiło poważny problem: w przeciwieństwie do Włoch, gdzie znalezienie opiekunek obojga płci nie było trudne i nie kosztowało zbyt wiele, Niemcy nie mieli zwyczaju pozować nago dla artystów. A sam Dürer bardzo narzekał na to, że był zmuszony nauczyć się rysować ludzkie ciało z dzieł Włochów (Andrea Mantegna i innych), a Vasari w biografii Marcantonio nawet przyznaje, w odniesieniu do zdolności Dürera do przedstawiania nagiego ciała , taki protekcjonalnie żrący fragment:
„... Jestem gotów uwierzyć, że być może Albrecht nie mógł zrobić lepiej, ponieważ nie mając innej okazji, był zmuszony, przedstawiając nagie ciało, do kopiowania własnych uczniów, którzy, jak większość Niemców, mieli brzydkie ciała, choć ubrani ludzie tych krajów wydają się bardzo piękni ”.
Nawet jeśli z oburzeniem odrzucamy atak Vasariego na brzydotę postaci niemieckich, to naturalne jest założenie, że będąc z natury posiadaczem doskonałych proporcji, Dürer aktywnie wykorzystywał własne ciało do studiów artystycznych i antropometrycznych. Pytania dotyczące struktury ludzkiego ciała i proporcji jego części w czasie stały się jednym z głównych w twórczości i światopoglądzie Dürera.
Albrechta Durera. Kąpiel męska
W rycinie „Łaźnia męska” Dürer znajduje „legalną” i udaną okazję do przedstawienia aktu, w żaden sposób nie obrażając moralności publicznej i ostrzegając o wyrzutach konserwatystów lub hipokrytów. Łaźnie to szczególna duma niemieckich miast. Podobnie jak łaźnie rzymskie służą jako miejsce przyjaznych spotkań i konstruktywnych rozmów. Ale ołów w wannie, nikt nie jest ubrany! Na pierwszym planie ryciny Dürer przedstawia swojego mentora Michaela Wohlgemutha i najbliższego przyjaciela Willibalda Pirckheimera. Jest tu też autoportret Dürera: jego muskularne ciało schodzi na flecistę z tła.
Autoportrety Dürera jako „męża smutku”
Albrechta Durera. Człowiek Smutków (Autoportret)
1522, 40,8×29 cm Ołówek, Papier
„Sam znalazłam w sobie siwe włosy, wyrosły z biedy i dlatego, że tak bardzo cierpię. Czuję się, jakbym urodził się, by wpadać w kłopoty”.. Powyższe słowa są cytatem z listu Dürera do przyjaciela i być może najbardziej intymnym wyrazem tego, co myśli o swoim życiu.
Ten późny autoportret łączy paradoksalnie dwie postawy wcześniejszych autoportretów: wykorzystywanie nagiego ciała jako natury oraz utożsamianie się w pewien sposób z Chrystusem. Rysując niemłode już ciało i dotkniętą starzeniem się twarz, naprawiając, jak stopniowo zwiotczały mięśnie i skóra, tworząc fałdy skórne tam, gdzie nie było ich wczoraj, naprawiając zmiany zachodzące z trzeźwym obiektywizmem, Dürer jednocześnie rysuje ten autoportret zgodnie z typem ikonograficznym „mąż boleści”. Ta definicja, pochodząca ze starotestamentowej Księgi Izajasza, oznaczała umęczonego Chrystusa – w koronie cierniowej, na wpół odzianego, pobitego, oplutego, z krwawiącą raną pod żebrami (1, 2).
Albrechta Durera. autoportret
1521
A ten autoportret nie jest obrazem ani ryciną, ale wizualizacją diagnozy z listu napisanego przez Dürera do lekarza, od którego chciał uzyskać konsultację. U góry znajduje się wyjaśnienie: „Gdzie jest żółta plamka i gdzie wskazuje mój palec, boli mnie”.
Ubóstwo, choroba, spory z klientami i aresztowania ukochanych studentów oskarżonych o bezbożność, odmowa władz Norymberskich wypłacenia artyście rocznego zasiłku wyznaczonego przez zmarłego cesarza Maksymiliana, brak zrozumienia w rodzinie – ostatnie lata Dürera nie były łatwe i pełne smutku. Po odbyciu długiej podróży, aby zobaczyć wyrzuconego na brzeg wieloryba, 50-letni Dürer zachoruje na malarię, po której konsekwencjach nie będzie mógł wyzdrowieć aż do śmierci. Poważna choroba (być może guz trzustki) doprowadziła do tego, że według Willibalda Pirckheimera Dürer wyschł „jak wiązka słomy”. A kiedy zostanie pochowany (bez specjalnych zaszczytów - rzemieślnik norymberski nie miał do nich prawa), nierozsądni wielbiciele geniuszu, którzy zdali sobie sprawę, nalegaliby na ekshumację, aby zdjąć z niego maskę pośmiertną. A jego słynne falujące loki zostaną odcięte i rozebrane na pamiątkę. Jakby pamięć o nim potrzebowała tych rekwizytów z jego śmiertelnego ciała, a Dürer pozostawił po sobie nieśmiertelne ślady - ryciny, obrazy, książki i wreszcie autoportrety.
