Sztuka włoska renesansu. Renesans we Włoszech. Typowo włoski produkt kulturalny

Kraje europejskie wniosły ogromny wkład w kulturę renesansu. Najlepsze dzieła tej epoki weszły do kultury światowej. Cechy rozwoju historycznego, społeczno-gospodarczego, politycznego i duchowego tych krajów zdeterminowały specyfikę renesansu w każdym z nich.

Kultura renesansu narodziła się we Włoszech, które stały się klasycznym centrum kultury renesansu. Dzieje się tak z pewnych powodów. Przez Włochy przebiegały najważniejsze szlaki handlowe łączące Europę z Azją, co spowodowało szybki rozwój miast portowych i rzemieślniczych (Florencja, Genua, Wenecja, Bolonia i in.).

Przez Włochy przeszli krzyżowcy, co przyczyniło się do rozwoju rzemiosła, wzrostu warstwy rzemieślników. Wcześniej niż w innych krajach zaczęła się rozwijać produkcja. Wszystko to pobudziło aktywne życie polityczne w miastach-republikach i stworzyło sprzyjające warunki dla rozwoju kultury.

Walka mieszczan z panami feudalnymi, która w niektórych krajach zakończyła się zjednoczeniem kraju pod auspicjami silnej władzy monarchicznej, we Włoszech zakończyła się zwycięstwem republikańskiej formy rządów i utworzeniem dużej liczby miasta-republiki. Było to zwycięstwo stanu trzeciego, którego nie mogła zadowolić średniowieczna kultura i ideologia. W ten sposób walka polityczna nieuchronnie doprowadziła do nowego rozumienia świata.

Wreszcie dużą rolę odegrał fakt, że Włochy były bezpośrednim spadkobiercą kultury starożytnej, a jej zabytki zachowały się w tym kraju częściej niż gdziekolwiek indziej.

Ramy chronologiczne włoskiego renesansu obejmują okres od drugiej połowy XIII wieku. i w XVI wieku. włącznie. W obrębie tego okresu wyróżnia się: Protorenesans (przedodrodzenie) – XIII i początek XIV w.; Wczesny renesans - od połowy XIV wieku. i prawie cały XV wiek; Wysoki Renesans – koniec XV i pierwsza tercja XVI wieku; Późny renesans - XVI i początek XVII wieku.

Do końca XV wieku. o renesansie można mówić jedynie w odniesieniu do Włoch. W innych krajach europejskich zaczęło się to znacznie później i nie znalazło tak żywego wyrazu, choć nie brakowało też wybitnych mistrzów.

Za koniec włoskiego renesansu uważa się rok 1530, kiedy włoskie republiki miejskie zostały podbite przez monarchię Habsburgów. Niepodległość zachowała jedynie Państwo Kościelne, a Wenecja pozostała niezależna przez długi czas.

Podstawą włoskiego renesansu jest odkrycie jednostki, świadomość jej godności i wartości jej możliwości. Na tym polega istota humanizmu renesansowego. Ten ostatni kontynuuje tradycję starożytnego humanizmu, ale różni się od niej, tak jak różni się człowiek o silnej woli, przedsiębiorczy z początków ery burżuazyjnej, od człowieka starożytnego polis. Bohaterem starożytnego społeczeństwa i starożytnej sztuki jest piękna i rozsądna osoba, Kalakagatia (pięknie miła), doskonała fizycznie, rozwinięta estetycznie. Przebudzenie kształtuje osobę o silnej woli, wszechstronnie wykształconą, aktywną, twórcę własnego losu, twórcę samego siebie.

Sztuki renesansu nie można nazwać niereligijną. Powstały prace o tematyce religijnej, nie zabrakło też uczucia religijnego, ale nabrało ono nowej treści. Dla ludzi renesansu dystans między Bogiem a ludźmi zmniejszył się w porównaniu z człowiekiem średniowiecznym. Wszystko, co ludzie w życiu kochali, co podziwiali – męskość, mądrość osób starszych, czułość dzieci, piękno kobiet, piękno natury i to, co człowiek stworzył własną pracą – wszystko to stało się własnością i atrybut historii świętej.

Jednocześnie wszystkie rodzaje twórczości artystycznej renesansu - sztuki piękne, literatura, architektura, muzyka, teatr i inne były przepojone świeckim duchem. Odrzucając kanony kultury średniowiecznej, od symboliki średniowiecza, sztuka renesansu poczuła tchnienie życia.

Najjaśniejszą stroną włoskiego renesansu były sztuki piękne, zwłaszcza malarstwo i rzeźba. A nawiązując do epoki włoskiego renesansu, przedstawiamy przede wszystkim tego typu sztukę.

Bardzo trudno jest wybrać poszczególne nazwiska, gdy mówimy o twórczości artystów włoskiego renesansu. I nie tylko dlatego, że było ich mnóstwo, ale przede wszystkim dlatego, że nawet średni poziom sztuki włoskiej tej epoki był bardzo wysoki.

Protorenesans(XIII - początek XIV wieku) - próg renesansu, kiedy coś nowego pojawia się dopiero w sztuce. Proto-renesans ma swoją siedzibę w miastach prowincji Toskanii - Pizie, Sienie, Florencji.

Florencja jest dla renesansu tym, czym Ateny dla starożytnej Grecji – centrum kultury artystycznej. Dała światu Dantego, Petrarkę, Boccaccio. Mieszkał i pracował we Florencji Giotto di Bondone(1266/76-1337) – twórca malarstwa europejskiego, twórca realizmu.

„- Głównymi dziełami Giotta są freski. Wyjaśnia to fakt, że w Toskanii w tym czasie istniała duża konstrukcja pałaców i kościołów. Malowali w nich artyści, więc fresk stał się głównym rodzajem ich twórczości. Najbardziej słynne freski Giotta znajdują się w Chapel del Arena w Padwie. Są pomalowane w tak jaskrawych kolorach, że nawet teraz, 700 lat później, kaplica wygląda jak skrzynia wysadzana drogimi kamieniami. W kaplicy znajduje się 37 obrazów o tematyce biblijnej: „Adoracja Trzech Króli”, „Pocałunek Judasza”, „Joachim u pasterzy” i inne. Na szczególną uwagę zasługuje przedstawienie przez artystę życia i cierpień Chrystusa.

Giotto odrzuca średniowieczny kanon, który domagał się wyrażenia prymatu ducha nad ciałem, czego przejawem były bezcielesne, wydłużone postacie, surowe, duże oczy i lekko dotykające ziemi nogi. Giotto ma obrazy materialne: masywne, przysadziste postacie, dużą głowę, wąską szczelinę oczu. Przeżycia bohaterów są naturalne: nie ma tu teatralizacji. Porzucając przyjęte w malarstwie średniowiecznym płaskie, złote tło, artysta umieszcza postacie we wnętrzu lub krajobrazie, często wprowadzając do niego elementy architektury.

Nie znając praw perspektywy i dopuszczając niedokładności w anatomii, Giotto potrafił oddać wrażenie przestrzeni, nadać figurom objętość. Był nie tylko malarzem, ale także wybitnym architektem.

„Giotto był geniuszem o tak niezwykłej mocy, że w całym wszechświecie nie byłoby niczego, czego nie byłby w stanie przedstawić” – współczesny Giovanni Boccaccio bardzo pochwalił twórczość Giotta. Oraz inny współczesny mu, największy poeta epoki prarenesansowej, „który stał się klasykiem literatury światowej, Dante Alighieri wychwalał Giotta w swojej drugiej części Boskiej Komedii Czyściec.

Wczesny renesans(koniec XIV-XV w.) reprezentowała plejada znakomitych artystów: Masaccio (1401-1426), Donatello (1386-1466), Domenico Ghirlandaio (1449-1494), Pietro Perugia no (1445-1523), Sandro Botticelli ( 1445 -1510) i kilkudziesięciu innych wybitnych artystów, których obrazy zdobią muzea świata.

Malarz Masaccio (prawdziwe nazwisko Tommaso di Giovanni), rzeźbiarz Donatello i architekt Philippe Brunelleschi (1337-1446) to najważniejsze postacie wczesnego renesansu.

kreacja Masaccio otwiera wiek XV, będący wiekiem największego rozkwitu sztuki florenckiej. Masaccio namalował we Florencji małą kaplicę Brancaccich (nazwaną na cześć klienta), która stała się wzorem i szkołą dla kilku pokoleń włoskich mistrzów. Temat fresków zaczerpnięty jest z legendy o życiu apostoła Piotra. Ale na końcowej ścianie łuku wejściowego artysta umieścił fresk „Wypędzenie z raju”. Tutaj po raz pierwszy od starożytności ukazano nagie ciało ludzkie, po raz pierwszy w malarstwie oddano objętość, ciężar postaci. Masaccio jako pierwszy przedstawił przestrzeń na płaszczyźnie, stosując perspektywę linearną (na co wpływ miał Brunelleschi). Nie układa postaci w rzędy, jak to miało miejsce wcześniej, ale układa je w różnych odległościach, w zależności od odległości od widza. Jednocześnie Masaccio zdołał wyrazić dramat sytuacji, odnajdując dokładne cechy charakterystyczne bohaterów.

Artysta żył krótko – 27 lat (został otruty z zazdrości), ale jego sztuka pozostaje szkołą wysokich umiejętności.

Rzeźbiarz Donatello stworzył sztalugi i monumentalne okrągłe rzeźby i płaskorzeźby. Znanych jest wiele jego dzieł: wizerunki św. Jerzego i proroków, herb Florencji, płaskorzeźba „Święto Heroda” itp. Ale jego najsłynniejszym dziełem był posąg Dawida (1430). Było to pierwsze w tamtych czasach przedstawienie nagiej postaci w rzeźbie monumentalnej. Powszechny w starożytności wizerunek nagości został w średniowieczu zapomniany.

Według legendy młody człowiek – pasterz Dawid – ocalił swój lud, pokonując w pojedynku wojownika wrogiego plemienia Goliata. Za ten wyczyn lud wybrał go na swojego króla. Wizerunek Dawida – prostego człowieka, który wysunął się na pierwszy plan dzięki odwadze i miłości do swego ludu – był jednym z ulubionych w okresie renesansu. Donatello przedstawił go w pasterskim kapeluszu, oplecionym bluszczem, otoczonym długimi włosami, z twarzą prawie zakrytą kapeluszem. W jednej ręce trzyma kamień, a w drugiej miecz. Ciało Davida jest pięknie wymodelowane. Rzeźbę zaprojektowano z myślą o rzucie kołowym, co także stanowiło innowację, gdyż średniowieczne posągi były ściśle powiązane z murem i podporządkowane architekturze. Rzeźba pełni tu rolę samodzielnego dzieła sztuki.

Nie sposób nie wymienić innego wspaniałego artysty tamtych czasów, człowieka o bystrym, oryginalnym talencie i tragicznym losie - Sandro Botticellego.„Rzadko zdarza się, aby artysta tak doświadczony, tak wyraził treść swojej epoki” – badacz tego okresu zdefiniował w ten sposób twórczość Botticellego.

Botticelli namalował wiele obrazów, wykonał ilustracje do Boskiej Komedii Dantego, ale jego najbardziej znane obrazy to Wiosna i Narodziny Wenus. Według mitu bogini miłości, radości i małżeństwa narodziła się z piany morskiej. Jest to pierwszy duży (172x278) renesansowy obraz o tematyce antycznej. Pojawienie się malarstwa pozakościelnego było znakiem czasów.

Struktura kolorystyczna obrazu jest powściągliwa, rysunek jest wyrafinowany i precyzyjny. Postawa bogini unoszącej się na muszli jest cnotliwa: zakrywa swą nagość rękami. Cała ona jest ucieleśnieniem kobiecości, wdzięku, piękna.

Następnie, porwany ideami kaznodziei Savonaroli, Botticelli wyrzekł się swojej pracy, spalił pozostawione przez siebie obrazy, zerwał ze starożytnymi tematami i zaczął malować obrazy o tematyce religijnej. Zmarł na wygnaniu, zapomniany przez wszystkich, przeżył swoją chwałę. Odkryto go ponownie pod koniec XIX - na początku XX wieków, a jego sztuka okazała się na równi z francuskimi impresjonistami – Edouardem Manetem, a nawet Modiglianim.

Koniec XV i początek XVI wieku zwany „Wysoki renesans” a pierwsze dziesięciolecia XVI wieku jako „złoty wiek” renesansu. W tych latach zakończono poszukiwania nowej kultury. Charakterystyczne cechy realizmu włoskiego renesansu - klasyczna klarowność, człowieczeństwo obrazów, ich plastyczna siła i harmoniczna ekspresja - osiągają niespotykany dotąd poziom.

Wysoki renesans to nie tylko kontynuacja i zakończenie poprzedniego rozwoju, ale także jakościowo nowy etap. Jej najlepsi przedstawiciele nie tylko kontynuują poszukiwania swoich poprzedników, ale podporządkowują zdobytą wiedzę zadaniom głębszym: w tym konkretnym, konkretnym, potrafią ujawnić to, co ogólne, charakterystyczne. Stworzone przez nich obrazy są hymnem na cześć ludzkiego piękna i mądrości.

Wysoki renesans rzuca światło na twórczość trzech wielkich tytanów, genialnych artystów - Leonarda da Vinci, Raphaela Santiego i Michała Anioła Buonarrotiego.

Był człowiekiem o fantastycznym umyśle i geniuszu artystycznym Leonardo da Vinci(1452-1519). Jego fenomenalna siła badawcza przeniknęła wszystkie dziedziny nauki i sztuki. Nawet wieki później badacze jego twórczości są zdumieni geniuszem spostrzeżeń największego myśliciela. Leonardo był artystą, rzeźbiarzem, architektem, filozofem, historykiem, matematykiem, fizykiem, mechanikiem, astronomem, anatonem... Jego liczne rysunki i rysunki z projektami tokarek, maszyn przędzalniczych, koparki, dźwigu, odlewni, maszyn hydraulicznych mają zejdźcie do nas, urządzenia dla nurków itp. Leonardo, marząc o lataniu, studiował, szkicował, obliczał wszystko, co dotyczy lotu ptaków i owadów. Efektem tych badań były rysunki i obliczenia samolotu, helikoptera, spadochronu... Trudno nawet wyliczyć wszystko, nad czym pracował genialny myśliciel i twórca i do jakich efektów doszedł.

Wśród nieskończonej mnogości swoich zainteresowań Leonardo na pierwszym miejscu stawia malarstwo. „Jeśli malarz chce widzieć rzeczy piękne, które napawają go miłością, to w jego mocy jest je urodzić, a jeśli chce widzieć rzeczy brzydkie… to jest władcą i bogiem nad nimi… Wszystko, co istnieje we wszechświecie jako istota, jako zjawisko lub jako wyobrażenie, ma on najpierw w swojej duszy, a potem w swoich rękach” – pisał. „Dlatego malarstwo powinno być stawiane ponad jakąkolwiek inną działalnością”.

Leonardo da Vinci namalował wiele obrazów. Wśród nich są „Madonna z kwiatkiem” („Madonna Benois”), „Madonna Litta”, „Dama z gronostajem”, „Maryja z Dzieciątkiem” i wiele innych. Jego Madonny to urocze młode kobiety, których twarze promieniują miłością i podziwem dla swojego dziecka. Różnią się charakterem, typem osobowości; ale wszystkie są piękne, mają w sobie naturalną kobiecość, ziemskie piękno. Wszystkie dzieła Leonarda są znakomite, a jednak jego najsłynniejszym dziełem jest Ostatnia Wieczerza (1495-1498) – obraz na ścianie refektarza mediolańskiego klasztoru Santa Maria delle Grazie, który stał się dziełem przełomowym w badaniach naukowych autora i nowe słowo w sztuce; portret żony kupca Gioconde Mona Lisy (ok. 1503), z jej nieujawnionym, tajemniczym uśmiechem. Wielu naśladowców artysty próbowało powtórzyć ten uśmiech na płótnie, ale nikomu się to nie udało. Wiele z najbardziej utalentowanych dzieł dedykowanych jest kobietom, ale żadne z nich nie dorównuje swoją tajemniczą mocą hymnowi stworzonemu przez geniusza Leonarda na cześć najpiękniejszego i najbardziej tajemniczego stworzenia natury.

W portrecie Mony Lisy artysta rozwiązał problem antycypujący przyszłe aspiracje sztuk pięknych: uchwycił nie tylko jeden stan człowieka, ale złożony proces jego życia duchowego. A od pięciu stuleci Mona Lisa inspiruje poetów, muzyków, artystów, dając powód do spekulacji, prowokując fałszerstwa i kradzieże.

Synteza tradycji starożytnej i ducha chrześcijaństwa znalazła swoje najżywsze ucieleśnienie w twórczości genialnego artysty renesansu Rafał Santi(1483-1520). W jego twórczości rozwiązano dwa główne problemy sztuki pięknej:

obraz plastycznej doskonałości ludzkiego ciała, wyrażający duchowe bogactwo i harmonię wewnętrznego świata człowieka oraz budowę złożonej, wielofigurowej kompozycji.

Przez całe życie Rafael poszukiwał idealnego, harmonijnego obrazu, ucieleśniającego swój pomysł w obrazie Madonny („Madonna ze stajni”, „Madonna w zieleni”, „Madonna ze szczygłem”, „Madonna w Fotel"). Szczytem geniuszu Rafaela była „Madonna Sykstyńska” (1515-1519). Autorce udało się stworzyć wizerunek idealnie pięknej kobiety z Dzieciątkiem Chrystus w ramionach, które składa w ofierze w celu odpokutowania za ludzkie grzechy. Zielone draperie zostały rozsunięte i widzowi ukazała się Madonna trzymająca w rękach Dzieciątko Jezus. Spokojna sylwetka Madonny wyraźnie wyłania się na tle jasnego nieba. Porusza się lekkim, zdecydowanym krokiem, wiatr trzepocze fałdami jej ubrań, przez co jej sylwetka wydaje się bardziej namacalna. Jej małe, bose stopy ledwo dotykają wypełnionej światłem chmury. Nadaje jej to niezwykłą lekkość. I z taką samą łatwością niesie syna, wyciągając go do ludzi i jednocześnie mocno tuląc do siebie.

Piękna twarz młodej kobiety wyraża wielką wewnętrzną siłę. Zawiera w sobie miłość do dziecka, niepokój o jego los i niezachwianą stanowczość, świadomość dokonanego wyczynu: matka poświęca jedynego syna w imię ratowania ludzi.

Twarz Chrystusa jest niedziecięco poważna. Przez dziecięcą kruchość wyczuwa się siłę: jego oczy patrzą twardo i przenikliwie.

Doskonały w kompozycji, obraz stwarza wrażenie niesamowitej harmonii. Jest to jedno z najwybitniejszych dzieł sztuki światowej pod względem języka artystycznego, koloru, plastyczności, rytmu i kompozycji.

Rafael zajmował się różnymi gatunkami. Jest także autorem słynnych fresków („Szkoła ateńska”, „Parnas”, „Wypędzenie Eliodora”, „Msza w Bolsena”, „Wyzwolenie apostoła Piotra z więzienia” itp.) i najwspanialszych portrecista swoich czasów. Malował dzieła, w których cechy indywidualne łączą się z typowymi dla obrazu epoki („Portret Juliusza II”, „Lew X”, „Portret kardynała”, „Dama z welonem” itp.).

Oprócz malarstwa Rafael zajmował się także architekturą, archeologią i ochroną zabytków. Rafael zmarł w wieku 37 lat, zanim zdążył ukończyć wiele rozpoczętych dzieł.

Trzeci Tytan Renesansu - Michelapjelo Buonarrotiego(1475-1564). Żyjąc długo, pracował zarówno w okresie wysokiego renesansu, jak iw latach jego upadku. Największy mistrz swojej epoki, Michał Anioł, przewyższył wszystkich siłą i bogactwem malowniczych obrazów, obywatelskiego patosu, pasji. Malarz, rzeźbiarz, architekt, poeta Michał Anioł wniósł hojny wkład do skarbnicy kultury światowej.

W latach 1496-1499. tworzy swoje pierwsze dzieła rzeźbiarskie „Bachus” i „Pieta”, które przyniosły mu sławę. Od tego momentu aż do końca życia obraz pięknego nagiego ciała staje się głównym tematem twórczości Michała Anioła. W 1504 roku ukończył prace nad posągiem Dawida (jego wysokość wynosi około 5,5 m). Rzeźba spotkała się z dużym uznaniem publiczności i najwybitniejszych artystów tamtych czasów, dlatego zdecydowano się ustawić ją przed ratuszem we Florencji. Otwarcie pomnika zaowocowało świętem narodowym.

Malowidło sufitu Kaplicy Sykstyńskiej w Watykanie świadczy o tytanicznej zdolności do pracy, nieludzkim wysiłku umysłu i sile fizycznej Michała Anioła. Przed nim nikt nie musiał podejmować się tak gigantycznej pracy: powierzchnia fresków wynosi 600 metrów kwadratowych. m na wysokości 18 m. Michał Anioł pracował nad nimi od 1508 do 1512 r. Na malowidle sufitu Sykstyńskiego znajdują się 343 postacie i pomimo fabuły religijnej (scena Starego Testamentu) jest to hymn ku czci człowieka, jego doskonałość, siła, odwaga, piękno.

Ostatnie dwie dekady życia Michała Anioła naznaczone były utratą nadziei, rozczarowaniem i duchową samotnością. Ale wielki mistrz tworzył do końca swoich dni, tworząc dzieła będące świadectwem jego nieśmiertelnego geniuszu.

Największym artystą renesansu był Tycjan Vecellio(1476/77 lub 1480-1576). Żył długo, co zbiegło się z burzliwymi i tragicznymi wydarzeniami w historii Włoch. Na początku lat 20. XVI w. staje się najsłynniejszym artystą Wenecji, a sława nie opuszcza go do końca życia. Pędzle Tycjana należą do dzieł o tematyce mitologicznej i chrześcijańskiej, działają w gatunku portretu. Nie miał sobie równych w pomysłowości kompozytorskiej, jego talent kolorystyczny był fenomenalny.

Wczesne dzieła Tycjana są pełne radości życia („Miłość ziemska i niebieska”, „Bachus i Ariadna” (1523), „Święto Wenus” itp.). Występuje w nich także jako śpiewak starożytności, któremu udało się zainspirować wolnego ducha tamtej epoki.

Jednym z najsłynniejszych obrazów wielkiego mistrza jest „Leżąca Wenus” (1538). Autor odkrywa w nim swój typ urody. Wenus Tycjana to przede wszystkim piękna ziemska kobieta. Obraz ten rozpoczyna serię obrazów przedstawiających piękno nagiego kobiecego ciała. Należą do nich cztery warianty „Danai” (1545-1554). Odtwarzając starożytny ideał piękna, mistrz tworzy obraz, który niesie ze sobą piękną ziemską zasadę, wypełnia ją ludzkim ciałem i radością bycia.

Przez całą swoją karierę Tycjan zajmował się gatunkiem portretu formalnego i był jednym z twórców tego gatunku. Jego portrety wyróżniają się najwyższym mistrzostwem wykonania, szlachetnością koloru. Ale najważniejsze dla Tycjana było przeniesienie indywidualności i wewnętrznego świata człowieka („Portret młodzieńca w rękawiczce”, portrety Ippolito Riminaldiego, Pietro Aretino, Karola V, papieża Pawła III i wielu innych).

Ostatnie lata życia Tycjana upływają w warunkach nasilania się reakcji feudalno-katolickiej we Włoszech, m.in. w Wenecji, gdzie przenikają zakon jezuitów i inkwizycja. Tragiczne motywy pojawiają się w twórczości artysty na skutek niepokojów i rozczarowań. Coraz więcej pisze na tematy starożytne („Wenus i Adonis”, „Jowisz i Antiope”, „Diana i Akteon” itp.).

Zmienia się charakter jego malarstwa: jasna, jasna kolorystyka ustępuje miejsca mocnemu, burzliwemu malarstwu, kompozycja staje się bardziej dynamiczna. Pod względem duchowości, wewnętrznego dramatu i siły kolorystycznej późniejsze dzieła Tycjana przewyższają wszystko, co wcześniej stworzył artysta. Są to „Wenus przed lustrem” (1553), „Pokutująca Maria Magdalena” (1565), „Św. Sebastiana” (1570), „Piety” (1576). Ostatnie dzieła Tycjana należą do późnego renesansu.

Wielki mistrz miał wielu uczniów, ale żaden z nich nie mógł przewyższyć nauczyciela. Twórczość Tycjana wywarła ogromny wpływ na malarstwo następnego stulecia.

Architektura. Architektura zajmuje jedno z czołowych miejsc w kulturze artystycznej renesansu. Renesans wyznaczył nowy etap w swoim rozwoju. Charakterystycznymi cechami architektury tego okresu są: wzrost skali budownictwa cywilnego, świeckiego, zmiana charakteru architektury monumentalnej, sakralnej - wertykalizm, aspiracje wznoszące, właściwe gotykowi średniowiecza, zostają zastąpione nowymi formy rozwijające się na szerokość. Człowiek staje się miarą budowli.

Architekturę renesansu wyróżnia prostota brył, form i rytmu; spokojny i statyczny; symetria kompozycji;

podzielenie budynku na piętra za pomocą poziomych prętów; jasna kolejność rozmieszczenia otworów okiennych i detali architektonicznych. Z architektury starożytnej przeniesiono tu system porządku. Głównymi elementami architektonicznymi ponownie stają się architraw, archiwolta, kolumna, pylon, pilaster I sklepienie, a główne kształty geometryczne to kwadrat, prostokąt, sześcian, piłka. Od samego początku i przez wszystkie okresy renesansu obowiązuje zasada indywidualizmu artystycznego, swobodnego odwoływania się do form antycznych. Nowa era wpisała się w światową historię architektury wielkie nazwiska F. Brunelleschiego, L. Alberta, D. Bramante, Michelangelo Buonarrotiego, F. Delorme i innych.

Jak wszystkie pędy kultury renesansowej, nowa architektura powstała we Włoszech. W jego rozwoju można wyróżnić trzy główne okresy: okres wczesny - 1420-1500. Jej czołowym architektem był F. Brunelleschi, a głównym ośrodkiem była prowincja Toskanii i jej główne miasto Florencja – kolebka włoskiego renesansu; okres szczytowy - 1500-1540, kiedy D. Bramante zostaje czołowym architektem, a centrum przenosi się do Rzymu; okres późny - 1540-1580 Czołowym architektem tamtych czasów był wielki rzeźbiarz i malarz Michelangelo Buonarroti.

Wczesny okres architektury renesansowej to przejście od średniowiecznego gotyku do nowych form architektonicznych. W budynkach zachowały się jeszcze dawne cechy, porządek nie miał ściśle proporcjonalnej konstrukcji, dużą wagę przywiązywano do zdobnictwa. Okres wysoki wyróżniał się bardziej rygorystyczną, monumentalną architekturą, o prawidłowo zachowanych proporcjach. Ozdoba nie miała już takiego znaczenia. Okres późny, kontynuując i rozwijając tradycje dwóch pierwszych, ujawnia także nowe cechy - dekoracyjność, piękno, złożoność form architektonicznych, które później znalazły swój pełny rozwój w stylu barokowym.

Pierwszym dziełem architektonicznym renesansu był budynek Domu Dziecka we Florencji, zaprojektowany w 1421 roku przez twórcę włoskiej architektury renesansowej F. Brunelleschiego(1377-1446). Obiekt ten znacząco różnił się od budowli gotyckich okresu średniowiecza i nosił cechy rodzącego się nowego stylu.

Duże znaczenie dla całego późniejszego rozwoju architektury miało opracowanie i budowa największej w Europie kopuły nad florencką katedrą Santa Maria del Fiore (jej średnica wynosi 42 m).

W rozwoju architektury renesansowej ważne miejsce zajmuje budowa architektury pałacowej - pałac(prostokątny w rzucie domu z zamkniętym prostokątnym podwórkiem). Te obiekty architektoniczne miały surowy wygląd twierdz, gdyż pełniły funkcje obronne. Najlepsze przykłady pałacu z XV wieku mieszczącej się we Florencji, stąd styl ten stopniowo rozprzestrzenił się na inne miasta Włoch. Do najbardziej znanych należą Palazzo Pitti (1458), Palazzo Strozzi (1489), Palazzo Gondi (1490) i inne.Ten typ budowli ewoluował przez cały okres renesansu w kierunku większej dekoracyjności.

Wysoki renesans wiąże się ze wzrostem aktywności politycznej papiestwa. Papieże Juliusz II i Leon X zapraszali do Rzymu największych architektów – Bramantego, Rafaela, Michała Anioła i innych.Rzym stał się architektoniczną stolicą Włoch, pełniąc tę rolę do dziś.

Założycielem wysokiego renesansu w architekturze był Donato Bramante(1444-1514), a jego największym dziełem był projekt okazałej budowli renesansowej - katedry św. Piotr. Było to jedno z najwyższych osiągnięć architektury renesansowej. Budowę rozpoczęto w 1506 roku i kontynuowano aż do śmierci architekta. Dzieło kontynuował Rafael Santi, a po nim Antonio da Sangallo. W 1546 roku budowa przeszła w ręce Michała Anioła, który opracował nową wersję projektu. Do jego śmierci (1564) budowa katedry była w zasadzie ukończona.

Późny renesans- to czas dalszego rozwoju tradycji poprzedniego etapu. Jego osobliwością jest to, że w architekturze najwyraźniej ujawniły się dwa uzupełniające się nurty: jeden wiązał się z rozwojem tradycji klasycznych, akademickich, drugi - ze wzrostem dekoracyjności, trendów protobarokowych. Późny renesans reprezentowany jest przede wszystkim przez dzieła Michała Anioła Buonarrotiego, Giacomo Vignoli, Andrei Palladio. Arcydzieła architektury Michała Anioła pokazują, że do ich powstania podchodził jako rzeźbiarz, mistrz plastyczności. Tworząc ten czy inny obraz, formę, czasami naruszał logikę konstruktywną, dążąc do zwiększenia artystycznej, emocjonalnej ekspresji. Geniusz Michała Anioła, wyprzedzający swoje czasy, położył podwaliny pod nowe trendy, które później się rozpowszechniły i z góry przesądziły o narodzinach stylu barokowego.

Kolejny wybitny architekt omawianego okresu J. Vignola(1507-1573) napisał słynny traktat „Reguła pięciu porządków architektury”, który był praktycznie stosowany przez architektów świata aż do XX wieku. Przedstawia system konstruowania zamówień w oparciu o wiele stosunków liczbowych elementów. Do najlepszych dzieł Vignoli należy willa papieża Juliusza III położona niedaleko Rzymu, główny kościół zakonu jezuitów w Rzymie, Il Gesu i inne.

kreacja A. Palladio(1508-1580) związany ze swoim rodzinnym miastem Vicenza. Wywarło ono ogromny wpływ na rozwój architektury włoskiej i światowej, przede wszystkim na architekturę klasycyzmu drugiej połowy XVIII i pierwszej połowy XIX wieku.

Palladio zbudował wiele pałaców w Vicenzy i kilka willi w jego pobliżu. Wszystkie jego dzieła wyróżniają się szerokim i różnorodnym operowaniem porządkiem, doskonałością proporcji, niesamowitą harmonią, wykwintną plastycznością (Palazzo Chiericati, Valmarana, Villa Rotunda, Teatr Olimpico i in.).

Architektura włoskiego renesansu znacząco wpłynęła na rozwój architektury krajów europejskich, jednak tam było to stulecie spóźnione ze względu na bardziej stabilne stosunki feudalne i tradycje gotyckie.

Fikcja. Charakter i treść nowej ery została wyrażona na wiele sposobów w fikcji. Pierwsze kiełki ideologii humanistycznej znalazły wyraz w twórczości Dantego, „ostatniego poety średniowiecza i pierwszego poety epoki nowożytnej”.

Dantego Alighieri (1265-1321),Giovanniego Boccaccio(1313-1375) i Francesco Petrarca(1304-1374) – najwięksi pisarze włoskiego renesansu. Ze względu na kreatywność, tematy, gatunki - wszystkie są zupełnie inne. Ale jest jedna cecha, która łączy ich historyczny los. Wszyscy napisali wiele i pozostawili po sobie nie tylko dzieła sztuki, ale także dzieła literackie, jednak w historii literatury światowej każde z tych imion wiąże się z jednym głównym dziełem: Dante – z Boską Komedią, Boccaccio – z Boską Komedią. Dekameron, Petrarka - z wierszami poświęconymi Laurze.

Dante pracował nad swoim głównym dziełem przez wiele lat, kończąc je pod koniec życia. Nazwał to „Komedia”. Epitet „boski” nadał jej Boccaccio na znak podziwu dla piękna wiersza i ten epitet dla niej zachował. Napisana po włosku „Boska Komedia” z gatunku wizji, „senu”, popularnego w literaturze średniowiecznej. Wiersz składa się z trzech części („Piekło”, „Czyściec” i „Raj”) oraz 100 pieśni. Wergiliusz, poeta rzymski, który sam należy do pierwszego kręgu, został przewodnikiem Dantego po kręgach piekła (jest ich dziewięć) i czyśćca. Główną ideą wiersza jest odpłata za wszystkie ziemskie sprawy w zaświatach. Wątki sięgają od Boskiej Komedii po literaturę czasów późniejszych. Pod względem głębi filozoficznego rozumienia świata współbrzmi z nim tragedia Goethego „Faust”. Wpływ Dantego i Goethego jest wyraźnie odczuwalny w Mistrzu i Małgorzacie M. Bułhakowa. „W pierwszym kręgu” – nazywa jedną ze swoich powieści A. Sołżenicyn. Historia miłosna Franceski i Paola staje się tematem opery Rachmaninowa Francesca da Rimini. Na ten sam temat P.I. Czajkowski napisał poemat symfoniczny Francesca da Rimini.

„Dekameron” (z greckiego – księga dziesięciodniowa) G. Boccaccia to zbiór opowiadań o oprawie literackiej. To tradycyjna kompozycja. Tak zbudowana jest „Księga tysiąca i jednej nocy”, tak powstało Novellino we Włoszech. Innowacją było podporządkowanie tej formy prawom „gotyckiego pionu” – od podstawy do wzniosłości – w tej kolejności umiejscowiono opowiadania i otrzymano pojęcia „wzniosłości” i „niskiego”. interpretację humanistyczną. Fabuła powieści jest różnorodna. Są to zarówno starożytne legendy, jak i średniowieczne podania, ale przede wszystkim wiarygodne przypadki z życia i anegdoty. Idea Boccaccia i struktura książki powstały pod wpływem Dantego: ta sama zasada od podstawy do wzniosłości - od grzeszników „piekła” do świętego „raju” – u Dantego; od postaci satyrycznych po szelmowskich i wreszcie pozytywnie wyidealizowanych bohaterów – w Boccaccio. Innowacją Boccaccia jest to, że przeniósł kosmiczną kompozycję do realnego, ziemskiego życia, bez aniołów, diabłów i świętych. Naturalna zasada w „Dekameronie” przeciwstawia się nienaturalnym prawom społeczeństwa, ascetyzmowi kościelnemu i uprzedzeniom klasowym. Problemy Dekameronu są uniwersalne i zarazem społeczne. Twórczość Boccaccia jest tak bogata w wydarzenia, że wielu dramaturgów zapożyczyło z niej wątki do swoich dramatów: Szekspir - dramat „Cymbeline” i komedia „Koniec jest koroną”, Lope de Vega, Moliere. Rosyjski kompozytor D. Bortnyansky napisał operę opartą na fabule Dekameronu (Sokół, 1786).

W przeciwieństwie do Dantego Petrarka pisał najczęściej po łacinie, ale dzieło, które go uwieczniło – „Canzoniere” – „Księga pieśni” zostało napisane w języku ludowym. On sam nie przywiązywał dużej wagi do swoich lirycznych pieśni. Dopiero później zaczął traktować te wersety poważnie i wielokrotnie je redagował i poprawiał. Petrarka podzieliła zbiór wierszy na dwie księgi: „O życiu Madonny Laury”, „O śmierci Madonny Laury”.

Miłość Petrarki jest prawdziwym, ziemskim uczuciem, a sama Laura jest konkretną kobietą. Petrarka podaje datę ich pierwszego spotkania, datę jej śmierci.

Petrarka nie ma opisu Laury. Mówi tylko o jej oczach, które stają się symbolem samej Laury: „Nie zobaczysz mojej zdrady, oczu, które nauczyły mnie miłości”. W tych słowach - idea wierności ukochanej kobiecie. Ale nie tylko: traktują piękno jako najwyższą mądrość, zdolną nauczyć najpiękniejszego uczucia miłości. Koncepcja miłości Petrarki jest całkowicie humanistyczna, ponieważ miłość jawi mu się jako uczucie, które przynosi jednocześnie radość i udrękę. Tym różni się od miłości niebiańskiej, która przynosi tylko radość. Zmiana uczuć - radość i ból, szczęście i cierpienie uszlachetnia człowieka, rodzi poezję. Miłość jest zawsze piękna, wzbogaca człowieka, nawet jeśli jest to miłość nieodwzajemniona. A po odejściu Laury z życia poeta żyje nie tylko nadzieją spotkania w niebie, ale także pamięcią o niej, którą przechowują dla niego wszystkie żyjące istoty, jakby odzwierciedlając jej wygląd. Miłość zawsze pozostaje częścią ziemskiej egzystencji i szczęścia poety.

W Canzoniere pojawiają się także motywy polityczne, odzwierciedlające złożone relacje tamtych czasów. Są myśli, które wciąż brzmią nowocześnie. Zatem Petrarka uważa kulturę za przeciwieństwo wojny, jest ona możliwa tylko w warunkach pokoju: „Idę, wołając: Pokój! Pokój! Pokój! – kończy jeden z sonetów. Petrarka wniosła wielki wkład w teorię wiersza, odkrywając najbogatsze możliwości sonetu.

I jeszcze jedna z wielu, jasna postać świata literackiego - Niccolo Machiavellego(1469-1527) – włoski pisarz i polityk późnego renesansu. Powszechnie znany jest jego traktat polityczny „Władca”. Współczesna literatura określa ten gatunek jako dystopię: rozwijają się tu najbardziej tragiczne i nieludzkie idee XVI wieku. Jednak Machiavelli pisał nie tylko traktaty polityczne, ale także wiersze, opowiadania, komedie. Bohaterowie jego komedii „Mandragora” antycypują wizerunki bohaterów dramaturgów późniejszych czasów: łobuz Ligrio przypomina Jagona i Figara Beaumarchaisa Szekspira, hipokryta Timoteo jest pierwowzorem Tartuffe Moliera. I to znowu pokazuje, ujawnia wpływ, jaki kultura renesansu wywarła na całą kulturę europejską.

Ciąg przebudzeń

Rozpoczynamy nasze rozmowy o renesansie, o renesansie – o znaczącym czasie dla kultury europejskiej. Ale wokół tej epoki istnieje wiele kontrowersji. Większość uczonych ocenia tę epokę jako wybitny rozwój kultury europejskiej. Byli jednak myśliciele, którzy mieli negatywne nastawienie. Wiemy na przykład, że Aleksiej Fiodorowicz Losev, czy ks. Paweł Florenski uważał tę epokę za upadek ideałów chrześcijańskich, za triumf antropocentryzmu i praktyczne odrzucenie Boga. Kto ma rację? Rozważmy.

Zatem renesans. Co Włosi wskrzesili w tej epoce? Swoją nazwę wzięła lekką ręką, jak wiadomo, Giorgio Vasari – artysta, architekt, historyk sztuki. W swojej książce Żywoty najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów użył tego terminu na określenie okresu sztuki włoskiej od 1250 do 1550 roku, czyli od XIII do XVI wieku, czyli 300 lat wielkiego rozkwitu. O limitach czasowych porozmawiamy później i zobaczymy, jak mogą się one przesunąć we wcześniejszej epoce, i odwrotnie, niektórzy badacze uważali, że był to dopiero XV wiek. - początek XVI w (quattrocento i cinquecento). Ale kłócą się o to. Wszystko to zalicza się do problematyki, wokół której nie kończą się dziś spory.

Co Vasari miał na myśli? Miał na myśli przede wszystkim odrodzenie kultury starożytnej. Głosił, że skończyła się epoka średniowiecza, czyli luka, która, jak mu się wydawało, stanowiła przepaść kulturową pomiędzy powstaniem kultury w starożytności a jej nowym rozkwitem w okresie renesansu – przede wszystkim we Włoszech. Jednak Vasari nie miał racji. Po pierwsze dlatego, że starożytność odrodziła się już wcześniej. Nie był to pierwszy europejski renesans.

Ogólnie rzecz biorąc, jeśli spojrzeć, kultura europejska rozwinęła się poprzez takie skoki, renesansy, odrodzenia. Było na przykład odrodzenie karolińskie, odrodzenie ottońskie. Dla Europy moment odrodzenia zawsze był na pierwszym planie, był aktualny, cały czas coś odradzało się.

Po zniszczeniu Cesarstwa Rzymskiego barbarzyńcy natychmiast zaczęli naśladować Rzym. Przypomnijmy sobie na przykład królestwo Ostrogotów we Włoszech, gdzie Teodoryk naśladował Rzym, koronował się, budował mauzolea, zbudował rzymski pałac i tak dalej. A dwór Teodoryka był takim odrodzeniem, jak mu się wydawało, starożytnej kultury rzymskiej.

Ale oczywiście największym odrodzeniem po barbarzyńskiej epoce zniszczenia było odrodzenie karolińskie. To także należy powiedzieć, zanim przejdziemy do prawdziwego renesansu. Karolingowie to okres szczególny. To naprawdę był w pewnym sensie renesans. Jest to okres rozkwitu intelektualnego i kulturalnego. Jego ramy to koniec VIII wieku. - połowa IX wieku, epoka panowania Karola Wielkiego, Ludwika Pobożnego, Karola Łysego. To jest dynastia Karolingów. To rozkwit literatury, sztuki, prawoznawstwa, teologii. Potężny impuls nadano rozwojowi średniowiecznej łaciny.

Rzeczywiście był to renesans – mały, może nie o planie ogólnoeuropejskim, ale wciąż renesans chrześcijański, ale związany z odrodzeniem tradycji starożytnej, tradycji łacińskiej, tradycji prawa rzymskiego itp. Na przykład Kaplica w Akwizgranie twierdzi, że był to naprawdę potężny start – być może bardziej lokalny. Chociaż włoski renesans jest także, jak zobaczymy, zjawiskiem lokalnym. Miało to wpływ na kulturę europejską, ale też nie zostało zaznaczone na bardzo dużą skalę.

Odrodzenie ottońskie było kontynuacją epoki karolińskiej. A kolejny okres, który kojarzony jest ze sztuką romańską, także w pewnym stopniu można nazwać odrodzeniem, gdyż odradza się rzymski łuk, rzymskie sklepienie, rzymska technika budowlana. Wreszcie barbarzyńcy osiągnęli taką skalę w budownictwie, że można ją po części porównać z architekturą rzymską i w pewnym sensie jest to także odrodzenie.

Nie mówiąc już o gotyku, bo samo słowo „gotyk”, styl barbarzyński, również wywodzi się z renesansu, ponieważ każdemu wydawało się, że gotyk ze swoimi żebrami, z kontrastami światła i tą potężną masą katedr, które tłumią człowieku, ¾ to wszystko jest barbarzyństwem. W rzeczywistości, jeśli spojrzysz, gotyk to wielka sztuka, w której łączą się inżynieria i teologia, scholastyka. Ale postacie renesansu traktowały scholastykę jako coś nierozwiniętego, chociaż jest to bardzo interesujący ruch myślowy. Dlatego gotyk jest także rodzajem odrodzenia - odrodzeniem wysokiej technologii budowlanej, myśli teologicznej i tak dalej. I tutaj także wiele było związanych ze starożytnością.

W ogóle rozwój europejski, jeśli porównamy go z rozwojem wschodniego świata chrześcijańskiego, podążał cały czas tą samą drogą, jakby spoglądając wstecz na starożytność, na próby odrodzenia. Zniszczyli go więc barbarzyńcy i przez całe średniowiecze próbowali wskrzesić tę starożytność. I wreszcie, jak im się wydawało, odżyli. I nazwali epokę, w której starożytność została wyniesiona na piedestał już w szerszym znaczeniu, została odrodzona, a Vasari ogłasza okres renesansu.

Rozwój we wschodnim świecie chrześcijańskim przebiegał zupełnie inaczej. Tam nikt niczego szczególnego nie zniszczył, a chrześcijaństwo wyrosło na tej starożytnej ziemi. Bizancjum było kontynuacją Cesarstwa Rzymskiego – było częścią, fragmentem Cesarstwa Rzymskiego. Grecy nazywali siebie Rzymianami i uważali się za prawowitych spadkobierców starożytności. Nie tak jak ci barbarzyńcy, którzy go zniszczyli, a potem próbowali go ożywić.

Typowo włoski produkt kulturalny

Przyszliśmy z wami do renesansu, w którym starożytność jest stawiana na piedestale. Ale starożytność jest tutaj raczej romantycznym pomysłem. Mimo to wskrzesili kulturę europejską typu postśredniowiecznego. I jest to widoczne we wszystkim, co robili przedstawiciele renesansu - artyści, architekci, myśliciele.

Jest to kultura całkowicie oryginalna, która nie powtarza starożytności, choć do niej nawiązuje, tworząc swój własny (nowoczesny wówczas) specyficzny styl kultury. I w tym sensie rola Włoch jest bardzo wielka. Właściwie tak jak gotyk jest głównie wynalazkiem Francji (wówczas wpływy gotyku przeniosły się do innych krajów), tak renesans jest typowo włoskim „produktem kultury”. To nie przypadek, że daty te pod wieloma względami pokrywają się. Podczas gdy we Francji rozkwita gotyk, we Włoszech rozkwita kultura renesansu (porozmawiamy o tym bez przechodzenia przez gotyk). Dlatego nie lubił gotyku jako stylu barbarzyńskiego, gotyckiego, germańskiego. I oni sami wskrzesili szlachetną starożytność, której barbarzyństwo nie dotknęło.

Zobaczmy warunki wstępne. Rzeczywiście, Włochy miały starożytne korzenie. Włosi nagle przypomnieli sobie, że żyją na ziemi starożytnej. Są to zachowane budynki i rękopisy w bibliotekach oraz rzeźba. W tym czasie katakumby zaczęły się otwierać. Czyli nagle poczuli, że w odróżnieniu od reszty Europy wszystko tutaj jest o wiele bardziej zakorzenione w starożytności, chociaż oni też już wcześniej odnosili swoją kulturę do starożytności, to nie zawsze o tym zapominali. Byli tu barbarzyńcy – Longobardowie w północnych Włoszech, Ostrogoci we wschodnich Włoszech. Niemniej jednak to rzymskie dziedzictwo zawsze było tutaj pamiętane i szanowane.

Również tutaj wczesnochrześcijańskie tradycje zawsze były silne. Do tej pory w wielu kościołach Rzymu możemy spotkać wczesnochrześcijańskie ikony. Nazywa się je wczesnym bizantyjskim, ale nie zawsze są malowane przez mistrzów bizantyjskich - malują je miejscowi mistrzowie. Znów - otwarcie katakumb, jak już mówiłem.

Oczywiście Rzym to Kościół. To jest silny i bogaty Kościół. W różnych momentach oczywiście zdarzały się spadki. Była też „niewola papieży w Awinionie” (porozmawiamy o tym), ale mimo to Rzym zawsze był w centrum. W przeciwieństwie do kultury wschodniego chrześcijaństwa, wykształciła się tu bardzo interesująca sytuacja. Jeśli Konstantynopol jest cesarzem, który rozkazuje, łącznie z kościołem, to tutaj kościół często dowodził cesarzami. Rzym jest jedynym ośrodkiem chrześcijańskim i istnieje wiele królestw barbarzyńskich. Dlatego żaden król nie mógł zwyciężyć. Choć wielu próbowało dyktować Rzymowi i czasami im się to udawało, Rzym nadal był najważniejszy. A to również wywarło ogromny wpływ na światopogląd renesansu.

Kościół przechowywał skarby. Skąd humaniści wzięli te starożytne rękopisy? Zabrali je z bibliotek klasztornych. Nie trzeba było go wkopywać w ziemię. Zostały zachowane. Inna sprawa, że w średniowieczu nie były one zbyt czytane. Pamiętamy wspaniałą powieść Umberto Eco, która opiera się właśnie na tym, że starożytne rękopisy są ukryte i ktoś ich szuka. To znaczy, kto coś ożywił? Mnisi. Bardzo często badacze piszą o antyklerykalnej postawie humanistów. Nie jest to do końca prawdą. Zobaczymy, że większość samych humanistów należała do Kościoła. Byli to ministrowie Kościoła – mnisi, kanonicy, księża, a nawet papieże. Chociaż element świecki w humanizmie był bardzo duży.

Brak władzy centralnej wzmacniał ośrodki peryferyjne. Próba zjednoczenia Włoch cały czas kończyła się niepowodzeniem. Wiemy, że przecież Włochy zostały zjednoczone dopiero pod koniec XIX wieku. A te peryferyjne ośrodki starały się stworzyć własną kulturę, a rola takich miast komunalnych była tutaj bardzo duża. W tych niezależnych miastach rośnie produkcja, rozwija się rzemiosło, gromadzą się pieniądze. Rozwój gospodarczy sprzyja filantropii, mecenatowi sztuki. To także ważny punkt. Jeśli w tej samej Francji lub w Niemczech pieniądze gromadziły się od monarchów, a oni już dyktowali artystom, to tutaj pieniądze były bliżej artystów, ponieważ mieli je ludzie z trzeciego stanu.

Kultura trzeciej stanu

Ogólnie rzecz biorąc, trzecia władza czyni tę kulturę, która również jest bardzo interesująca. W średniowieczu świat wydawał się harmonijnie złożony. Jak pisze jeden z kronikarzy: „Dom Boży jest trójdzielny, składają się z oratores, laboratores i bellatores” – czyli jedni się modlą, inni pracują, inni walczą. A to jest bardzo ważne, bo to właśnie struktura klasowa utrzymywała ten świat. I nagle ta trzecia władza – laboratores – której zawsze przypisywano trzecią rolę, nagle wysuwa się na pierwszy plan we Włoszech, a to ogromnie zmienia kulturę. Władza trzecia staje się wiodąca, niezależna finansowo, sięga po edukację i kulturę, dyktuje ten nowy styl.

Czynnik ekonomiczny, który jest bardzo ważny, przyczynia się do pojawienia się czasu wolnego. Przecież w średniowieczu nie było czasu wolnego - wtedy każdy był zajęty swoimi sprawami. W późnym średniowieczu – ponownie zobaczymy, jak późniejsze średniowiecze – tzw. międzynarodowy gotyk – łączy się z renesansem. Pojawia się tam kultura dworska, gdzie jest czas wolny itp., ale jednak dla większości ludzi, zwłaszcza trzeciego stanu, takiego wypoczynku nie ma – ludzie albo się modlili, albo pracowali. Odpoczynek, dzień siódmy, niedziela, był dany Bogu i nie był to odpoczynek, ale modlitwa. I nagle pojawia się ten wypoczynek. A jak ludzie korzystają z tego wypoczynku? Zaczynają czytać książki, pisać książki. Zaczynają zajmować się humanitas, czyli naukami humanistycznymi. Wszystko to jest dość interesujące i wszystko to tworzy zupełnie nowy światopogląd, nową kulturę.

Mit antropocentryzmu renesansu

Uważa się, że kultura renesansu powstała dzięki filozofii, humanizmowi, który połączył zainteresowanie kulturą starożytną, sztuką, literaturą z dbałością o duchową istotę człowieka. W ogóle na pierwszy plan wysuwa się problem człowieka – stąd humanitas. Homo to osoba, która staje się w centrum Wszechświata jako korona stworzenia, w centrum uwagi badaczy, poetów, pisarzy, naukowców itp. Stąd mit antropocentryzmu.

Dlaczego mówię „mit”? – Bo – tak, człowiek staje się centrum Wszechświata, ale Bóg nie jest z tego Wszechświata wykluczony. Wszechświat jest raczej postrzegany jako elipsa z dwoma ośrodkami, które wchodzą w interakcję. A o tym, że człowiek jest koroną stworzenia, humaniści w ogóle nie mówili. Głoszono to także w średniowieczu, można to wywnioskować z Pisma Świętego (od 6 dnia stworzenia), kiedy Bóg daje człowiekowi wielką władzę i nakaz bycia z natury królem i kapłanem. Inną rzeczą jest to, że ta osoba sama go nie uratowała. I tę pierwotną godność, daną człowiekowi, odradzają także humaniści. To jest bardzo ważne.

Jeśli w średniowieczu kultura opierała się na wierze, to w renesansie wiedza stała się podstawą wszystkiego. Wiara znowu nie jest wykluczona. Część nacisku przesunięto na wiedzę. Ale nawet Anzelm z Canterbury powiedział, że: „Wierzę, aby wiedzieć”. A teraz ta wiedza staje się najważniejsza dla humanistów, dla postaci renesansu. A sama sztuka staje się sposobem poznania – natury, człowieka, w końcu Boga. Powtarzam, że mit antropocentryzmu jest jednostronny – wyklucza fakt, że człowiek chciał także poznać Boga.

Uniwersytety, nauki ścisłe, typografia

Uniwersytety rosną. Tworzą się muzea. Szkoły zaczynają uczyć greki, hebrajskiego; zainteresowanie naukami humanistycznymi. I do naturalnych też. Jeśli w średniowieczu nauka i kultura były prerogatywą Kościoła, który nie zawsze był skłonny dzielić się swoją wiedzą i osiągnięciami, to humanizm otworzył każdemu możliwość poznania. Widzimy, że ludzie dowolnej klasy mogliby przyłączyć się do tej wiedzy.

Uniwersytety pojawiły się, jak wiemy, w średniowieczu. To średniowieczny wynalazek. Jednak w okresie renesansu nabierają one szczególnego znaczenia, gdyż stają się nie tylko szkołami nauk teologicznych, ale także nauk przyrodniczych. Już w starożytności zaczęto opracowywać listę dyscyplin akademickich zwanych już „sztukami wolnymi”, a w starożytnym Rzymie tak je nazywano. Jest to wolny zawód godnej, wolnej osoby, w przeciwieństwie do zawodów wymagających pracy fizycznej.

Ale samo słowo „sztuka” (z łac ars) w tym przypadku należy rozumieć nie jako rzemiosło artystyczne (teraz sztukę rozumiemy jako rzemiosło artystyczne), ale jako naukę, jako wiedzę, czyli systematyczny pogląd, który kształtuje się w toku praktycznych obserwacji przyrody. Już w średniowieczu liczba „sztuk wyzwolonych” została zmniejszona do siedmiu. Były to tzw. trivium i quadrivium. Trivium to przede wszystkim sztuka słowa, gramatyka i retoryka oraz dialektyka. Quadrivium to arytmetyka, geometria, astronomia i muzyka. Tak naprawdę te wolne sztuki zaczynają się rozwijać i przyłączają się już do nich badania z zakresu astronomii, rozwija się chemia, wyłania się z alchemii itp., czyli to średniowieczne spektrum sztuk, spektrum nauk zaczyna się poszerzać zwiększać.

Ale bardzo ważnym wynalazkiem, który właśnie umożliwił szersze upowszechnienie wiedzy, był wynalazek druku. Nie sposób nie zauważyć tego skoku cywilizacyjnego. Prawdopodobnie można to porównać jedynie z wynalezieniem komputera w naszych czasach. Rzeczywiście, książka, która kiedyś była pisana ręcznie, rzadko mogła być rozpowszechniana dalej niż biblioteki klasztorne. Ale drukowana książka mogłaby już być dość szeroko rozpowszechniana, a to jest bardzo ważne.

Nowe przestrzenie i perspektywa

Renesans to czas wielkich odkryć geograficznych. To również jest bardzo ważne. Świat się rozszerzył. Świat średniowieczny był zamknięty, ograniczony – raczej otworzył się tam, na Królestwo Boże, na tę przestrzeń, gdzie nie ma granic; w czasach, gdzie króluje wieczność. A ponieważ humanizm zwrócił uwagę na osobę żyjącą na ziemi, ziemia bardzo zainteresowała się zarówno artystami, jak i naukowcami. Dlatego czas wielkich odkryć geograficznych jest czasem ekspansji kosmosu.

Stąd takie zainteresowanie przyszłością, bo ludzie interesują się ziemią. Ludzie interesują się przestrzenią, w której żyją. I to otwarcie przestrzeni skierowało także spojrzenie człowieka na siebie, na świat, na Boga, na stworzenie, na Wszechświat. Ponadto odkrycia astronomiczne, zmiana paradygmatu z wszechświata geocentrycznego na heliocentryczny, również znacznie zmieniły światopogląd człowieka. Nie możemy sobie nawet wyobrazić, jak wielka była eksplozja w ludzkich umysłach. O tym, że Ziemia jest okrągła, albo że Słońce nie kręci się wokół nas – ludzie w starożytności też wiedzieli, domyślali się lub mieli takie hipotezy. Ale w tym czasie, w okresie renesansu, staje się to decydujące.

Człowiek jako współpracownik Stwórcy

A humanizm rodzi nowe spojrzenie na relację człowiek – Bóg – świat. I tu oczywiście z teocentryzmu wynika skłonność do antropocentryzmu, ale człowiek nie przyćmiewa Boga – zaczyna się o nim myśleć jako o równym rozmówcy z Bogiem. Jeżeli Bóg jest Stwórcą, a człowiek został stworzony na „obraz i podobieństwo” Stwórcy, to jest także twórczy. Ta kreatywność wychodzi na pierwszy plan. Jeśli człowiekowi nakazano tę twórczość, wówczas człowiek zaczyna tworzyć, to znaczy wypełnia wolę Boga. Jeżeli dane jest człowiekowi poznawanie świata (Adam nazwał go zwierzętami – jest to także obraz poznawania świata w raju), wówczas człowiek zaczyna poznawać ten świat. Wcale nie występuje przeciwko Bogu – idzie za Bogiem, ale tylko inaczej niż to miało miejsce w średniowieczu.

Jeśli w średniowieczu podkreślano słabość człowieka, jego niewspółmierność z Bogiem, jego grzeszność, a przede wszystkim zepsucie jego natury, to obecnie nacisk kładzie się na boskie podobieństwo człowieka. Tak, człowiekowi trudno jest zawsze pozostać na jakimś szczycie, a dla wielu humanistów to przekroczyło skalę. Tę równość Boga, podobieństwo człowieka do Boga wychwalano czasem, być może wyżej niż to konieczne, ale o tym też porozmawiamy. Wzloty i upadki, i to także trzeba zobaczyć w tej epoce. Podkreślono jednak moc osoby obdarzonej rozumem, powołanej do kierowania naturą, do poznawania, a co za tym idzie, rzeczywistego realizowania się w tym świecie. Być może tutaj po raz pierwszy ktoś zadał sobie to pytanie - jak można zrealizować się na tym świecie. Nie jak może przeżyć aż do zbawienia, byle tylko nie poplamić swoich szat, ale jak może już na tym świecie zdobyć dla niego to, co zostało mu dane przez Boga. Jest to również bardzo ważny punkt.

Co ciekawe, coś nowego w interpretacji człowieka pojawia się nie tylko w odniesieniu do średniowiecza, ale także w odniesieniu do starożytności. W starożytności na ogół utrzymany jest ideał osoby kontemplacyjnej, mędrca wnikającego swym mentalnym spojrzeniem w tajemnice świata, rozumiejącego tajemnice bytu. Ale w renesansie ceniony jest inny typ osoby - typ osoby aktywnej, która siebie buduje, tworzy siebie. Typ osoby o bardzo aktywnym charakterze. To jest bardzo ważne. Człowiek tworzy ten świat. Nie tylko przez nią przechodzi, nie tylko patrzy na nią okiem zewnętrznym, ale pomnaża jej piękno, czyni ją piękniejszą i piękniejszą. Tworzy siebie. Uświadamia sobie bogactwa, jakie zainwestował w niego Bóg. Powstaje zatem nowa relacja między człowiekiem a przyrodą.

Tak, człowiek jest istotą naturalną, ale jest obdarzony rozumem. Potrafi pojąć tajemnice świata, ale pojmuje także tajemnice świata samego siebie, tajemnice samego człowieka. W średniowieczu Bóg wie o człowieku, ale tutaj człowiek zaczyna poznawać siebie. To „poznanie siebie”, głoszone dopiero w starożytności, faktycznie dokonuje się właśnie w epoce renesansu.

I to też jest mit, że humaniści zaniedbywali religię. Nie, badali nie tylko starożytne teksty, badali także Pismo Święte. Niemniej jednak krytyczne studiowanie Pisma Świętego („krytyczny” jest nadal w cudzysłowie) zaczęło się jednak właśnie od humanizmu. Nie tylko człowiek zostaje zrehabilitowany jako taki, jako równy Bogu i podobny do Boga, ale także jego ciało zostaje zrehabilitowane. Pamiętamy, że w średniowieczu ciało było jeszcze słabym i grzesznym naczyniem. Oczywiście istniały traktaty, które uosabiały spór między duszą a ciałem. Nie wiadomo, co wyszło bardziej grzeszne – dusza czy ciało. Ciało, jak powiedział Franciszek, jest „tylko osłem, który nas niesie”.

Jednak organizm jest zrehabilitowany. Ciało zostało stworzone przez Boga, jest piękne, a człowiek może być piękny zarówno psychicznie, duchowo, jak i cieleśnie. A to jest bardzo ważne. Usunięto zakaz dotyczący wizerunku ciała. Pamiętamy, że w średniowieczu najczęściej przedstawiano grzeszników nago, z których zdarto ich szaty – nic nie jest w stanie ich zasłonić przed Bogiem. Albo męczenników, którzy dobrowolnie oddali swoje ciało na ofiarę. I tu jest piękno ludzkiego ciała. Przyroda jest piękna, łącznie z naturą ludzką. Ta rehabilitacja jest bardzo ważna. Zniesienie zakazu studiowania anatomii człowieka. Zniesiony zostaje zakaz badania nie tylko osoby jako takiej, ale także jej składu ciała. To również jest bardzo ważne.

Wewnętrzna wartość sztuki

W średniowieczu sztukę stosowano w przyrodzie. Miała albo ozdabiać życie, albo odzwierciedlać inny świat, wyprowadzając człowieka poza granice tego stworzenia i poza granice jego istnienia, ukazując inny byt. W epoce renesansu sztuka po raz pierwszy zyskuje samoistną wartość, staje się niezależnym obszarem piękna. Pojawia się artystyczne, estetyczne podejście do dzieł. Nie można powiedzieć, że w średniowieczu nie ceniono dzieł artystycznych, ale ten kunszt był zawsze stosowany, co stanowi odwrotną stronę postawy teologicznej.

Piękno jest jednym z imion Boga, a każde piękno albo odzwierciedla Boga, albo od Niego odwodzi. Jak później sformułował Fiodor Michajłowicz Dostojewski, jest piękno Madonny, jest piękno Sodomy. Piękno jawi się tu jako cecha sama w sobie wartościowa – piękno człowieka, piękno natury, piękno ludzkiego ciała, piękno słowa – pojawia się to także i teraz. Piękna może być także retoryka średniowieczna – splot słów, ale to zawsze prowadzi do zrozumienia, co prowadzi do znaczenia słów. A tutaj - piękno słowa, piękno obrazu, piękno linii, piękno koloru itp. To jest poczucie własnej wartości. Wszystko jest trochę na uboczu. Wszechświat jeszcze się nie rozpada – potem się rozpadnie. O ile wystartuje.

Upadek polega na tym, że człowiekowi nie udało się utrzymać na tym szczycie, a potem będzie zbierał ten świat kawałek po kawałku. Na razie jeszcze zabiega o integralność tego świata, niemniej jednak rozróżnia już poczucie estetyczne, poczucie piękna jako szczególnego, jako odrębnego. Miejsce i rola artysty oczywiście wzrasta; po raz pierwszy jest uważany za niezależnego i szanowanego profesjonalistę, niezależnie od tego, czy jest artystą, poetą, czy filozofem. Więzy korporacyjne ulegają zniszczeniu, jednostka wyróżnia się osobno. A sztukę nadal stosuje się w sensie naukowym, to znaczy jest dobra sama w sobie, ale prowadzi też do wiedzy. Leonardo powie: „Malarstwo jest nauką i prawowitą córką natury”.

Rozpoczyna się twórczość werbalna poszczególnych poetów. Porozmawiamy z tobą o Dantem i Petrarce. Wszystko zaczyna się od tego, ponieważ nie są już wywyższeni po prostu jako ludzie, którzy służyli Bogu lub świętemu życiu.

W średniowieczu świętość była jeszcze ważniejsza od twórczości. I tutaj człowiek, nawet jeśli żyje swoim trudnym, czasem bardzo grzesznym życiem, ale jest wychwalany jako poeta, jako twórca lub jako artysta. To jest dla niego najważniejsze, czyli twórcza szansa, która zrównuje go z Bogiem Stwórcą. To wyjaśnia, dlaczego Rafael otrzymuje przydomek „boski”. Główne dzieło Dantego „Komedia”, jak je nazwał, ¾ nazwało je „Boską Komedią”. On sam nie nazwał jej „boską”.

Jeśli Tomasz z Akwinu uważał, że można interpretować świat jedynie poprzez Pismo Święte (a Tomasz był wówczas niekwestionowanym autorytetem), to humaniści uważali, że poezja już świat interpretuje. Taką interpretacją i zwierciadłem tego świata jest nie tylko Pismo Święte, ale także pisma poszczególnych poetów.

Podsumowując wszystko, co zostało powiedziane, można stwierdzić, że tworzy się szczególny typ osoby. I to jest zadanie epoki – wychowanie nowego człowieka. Inne greckie słowo „paideia” (edukacja), które jest jedynie odpowiednikiem łacińskiego słowa „humanitas” (ludzkość), jest wychwalane przez humanistów jako cel - wychowanie nowego człowieka. Człowiek:

który jest obdarzony wszystkimi darami, które dał mu Bóg, objawił te dary;
który zdobył całą wiedzę pozwalającą mu być na wysokim poziomie intelektualnym;
który pokazał się w kreatywności;
który nie tylko żył swoim życiem, sięgając tylko do śmierci i po prostu nie grzesząc.

Nawet jeśli coś ryzykuje, staje się człowiekiem we wszystkich swoich przejawach. Osoba ze wszystkimi plusami i minusami, ale uświadomiona. Nie jakiś półprodukt, ale urzeczywistniona osoba.

W tym czasie chwaleni są rzeźbiarze, naukowcy, zwieńczeni wieńcem laurowym. A oto człowiek – w takim razie być może Gorki przesadza, mówiąc: „Człowieku – to brzmi dumnie!”. Ale ta duma tutaj staje się być może najważniejszą rzeczą w tym czasie. Nie pycha, to jest to, co potępiało średniowiecze, ale pycha i godność. Bardzo ciekawe włoskie słowo „virtus” oznaczające męstwo, honor, godność. Nawiasem mówiąc, jest to bliskie słowu „prawda”. Prawda o człowieku jest taka, że objawia się w ten sposób.

Marsilio Ficino

Tutaj możesz pamiętać Dantego, Petrarkę i Boccaccio. Chciałem jednak porozmawiać o dwóch myślicielach renesansu, którzy moim zdaniem odzwierciedlali przede wszystkim nowy światopogląd, nowy pogląd na świat i człowieka. To Marsilio Ficino, oto jego rzeźbiarski portret, a oto Pico della Mirandola. Ci dwaj myśliciele byli może przede wszystkim odzwierciedleniem tego nowego spojrzenia na świat.

Trochę o Marsilio Ficino. Urodził się we Florencji. Kształcił się na uniwersytecie we Florencji. Studiował medycynę, filozofię, dzieła filozofów starożytności, znał język grecki i zajmował się tłumaczeniami. Przez pewien czas był sekretarzem Cosimo Medici, głowy Republiki Florenckiej. O roli Medyceuszy porozmawiamy później, ponieważ okres renesansu to okres mecenatu. To bardzo ciekawe zjawisko.

W wieku 40 lat Marsilio Ficino przyjmuje święcenia kapłańskie. Pozostaje jednak wielbicielem filozofii starożytnej – poświęca nawet, jak twierdzi, „boskiemu” Platonowi kilka kazań. Zasłynął przede wszystkim jako tłumacz. Nawiasem mówiąc, jako pierwszy przetłumaczył Platona na łacinę. Opublikował prawie wszystkie dialogi Platona przetłumaczone na łacinę, pisma Plotyna i pisma filozofów późnej starożytności. I Areopagityka, co też jest bardzo ważne, bo korpus areopagityczny, choć był częściowo przetłumaczony już w średniowieczu (w okresie renesansu karolińskiego), został jednak w całości przetłumaczony przez Marsilio Ficino.

Sugeruje to również, że interesująca była nie tylko ich pogańska starożytność, ale także chrześcijańska starożytność, gdyż neoplatoński autor wczesnego chrześcijaństwa, ukrywający się za imieniem Dionizjusza Areopagity, jest zjawiskiem szczególnym, które w dużej mierze ukształtowało światopogląd Bizancjum. Dlatego w przypadku takiego nastawienia do pogaństwa nazwałbym renesans także mitologiczną reprezentacją. Zainteresowali się więc Platonem i Plotynem oraz autorami wczesnochrześcijańskimi.

Cosimo de”Medici podarował Marsilio Ficino willę na wzgórzach Careggi. I tam założył akademię platońską. Nie była to raczej instytucja edukacyjna, ale swobodne zgromadzenie podobnie myślących ludzi i rozmówców, wielbicieli Platona. Mówiono nawet, że Marsilio Ficino trzymał popiersie Platona w czerwonym rogu lub w jakiejś niszy i zapalał przed sobą lampę, kadzidło itp. Ale w każdym razie był nie tylko wielbicielem Platona. Przetłumaczył także korpus Hermesa Trismegistusa i innych starożytnych autorów.

Ale najważniejsze, że napisał także własne kompozycje: „Teologia Platona o nieśmiertelności duszy”, „O religii chrześcijańskiej”. I w tym, we wszystkim, Marsilio Ficino wychwalał godność człowieka, a osoby, dla której ważna jest wiedza – wiedzę o świecie. A ponieważ poznanie świata opiera się na boskim Logosie, czyli poznając świat, poznajemy Boga – o tym trzeba pamiętać także w przypadku humanistów. Nie dlatego, że zapomnieli o Bogu i rzucili się do Platona, czy zaczęli zajmować się rozbiórką natury - nie! Studiowali także Pismo Święte. Interesujące są także komentarze tego samego Marsilio Ficino w Piśmie Świętym.

Powiedział, że nauki Platona należy połączyć ze starożytnym mistycyzmem Pisma Świętego. I wyprowadził z tego to, co nazwał religią uniwersalną, to znaczy boski Logos, który został objawiony zarówno starożytności (chrześcijanom przed Chrystusem), jak i chrześcijanom, już naśladowcom Chrystusa. Jest w tym bardzo bliski wczesnochrześcijańskim autorom i apologetom, którzy swego czasu – zarówno Cyryl Aleksandryjski, jak i Justyn Filozof – wyrażali już tę myśl, tyle że w nieco innym kontekście.

Pico della Mirandola

Inny humanista, Pico della Mirandola, również pochodzi z Florencji. Przez współczesnych był też bardzo często nazywany „boskim”. Pozostawił po sobie ciekawy traktat „Mowa o godności człowieka”. To bardzo interesujący myśliciel. Żył bardzo mało - tylko 31 lat. Zmarł w wyniku zatrucia arszenikiem. Była to era nie tylko słonecznej wiedzy i radości, ale także ciemnej strony człowieczeństwa, ponieważ wolność, którą zdobył człowiek, poszła różnymi kanałami. W tych epokach wydarzyło się wiele zła: ludzie zostali otruci, były wojny, starcia, spiski itp. Nie powinniśmy też odrzucać tej dolnej poprzeczki epoki, ale na razie mówimy o wzroście.

Na krótko przed śmiercią Pico della Mirandola został mnichem. Został członkiem zakonu dominikanów. Został pochowany w klasztorze San Marco we Florencji. Opatem tego klasztoru był Girolamo Savonarola, który sam był humanistą i ściśle związanym z filozofami humanistycznymi. Ale przypisywano mu także wiele rzeczy, co być może jest mitem. Walczył o czystość humanizmu, o humanizm biblijny. O tej liczbie porozmawiamy później, szczególnie w związku z losem Botticellego.

Pico della Mirandola pochodził z rodziny starszych hrabiów. Związany był z wieloma wpływowymi domami. W wieku 14 lat wstąpił już na Uniwersytet w Bolonii. Następnie studiował w Ferrarze, Padwie, Pawii i Paryżu. Otrzymał najwspanialsze wykształcenie, jakie można było uzyskać tylko w tamtym czasie. Znał wiele języków. Oprócz łaciny i greki, co dla humanistów było po prostu konieczne i minimum, ponieważ łaciną interesowano się już w średniowieczu, a to humaniści byli obowiązkowi w języku greckim, ponieważ wiele starożytnych rękopisów było w języku greckim. Ale Pico della Mirandola znał chaldejski, hebrajski i arabski.

Głównym dziełem, jak powiedziałem, była jego „Mowa o godności człowieka”. Bardzo interesujące jest to, że w tej „przemowie” określa się główny rdzeń postawy danej osoby w tym czasie. Zacytuję go trochę. Tak pisze apel do Boga w imieniu Adama, określając człowieka jako centrum świata:

„Nie dajemy ci, Adamie, ani określonego miejsca, ani twojego obrazu, ani specjalnego obowiązku, abyś miał miejsce i osobę, i obowiązki z własnej woli, zgodnie z twoją wolą i twoim decyzja. Wizerunek innych tworów jest ustalany w granicach ustanowionych przez nas praw. Ale Ty, nieograniczona żadnymi ograniczeniami, określisz swój wizerunek według swojej decyzji, w mocy której Cię pozostawiam.

To znaczy, co tu jest napisane? Tu jest napisane, że człowiek nie jest zaprogramowany. Wchodzi w ten świat i sam może wybrać, czy wznieść się na szczyt, czy upaść; czy powinien być bliżej świata anielskiego, czy diabelskiego; wybierz niebo lub piekło. Człowiek jest wolny, jest wolnym i chwalebnym panem. Może określić swój los, w tym pośmiertny; być tym, kim chce być. Nikt nigdy nie podniósł człowieka na taką wysokość.

Ten traktat Pico della Mirandola wywołał oczywiście wśród wielu dezorientację - nie wszyscy byli gotowi na taką szerokość i wysokość. Traktat ten wywołał konsternację, także wśród papieża Innocentego VIII. Po pierwsze, wątpił, czy młody człowiek (a miał zaledwie 23 lata, gdy pisał to „Przemówienie…”) może w ogóle myśleć tak szeroko, być odważnym i kim jest ten chłopak, który tak śmiało się deklaruje. Po drugie, kto mu w ogóle dał prawo do osądzania człowieka, skoro jest to priorytetem Kościoła. Jednak priorytet Kościoła już w tym czasie został mocno zachwiany. Papież powołał specjalną komisję, która miała sprawdzić dzieło Pico della Mirandola pod kątem herezji. Nie wolno nam zapominać, że ówczesny Kościół składał się nie tylko z humanistów, ale także z tych, którzy badają herezje.

Przypomniała mi się powieść Umberto Eco. Ale chcę jeszcze raz przypomnieć, że ten niezwykły włoski mediewista rozumiał to bardzo dobrze. Chodzi o XIV wiek. – o tym, jak walczyły między sobą nawet niemal średniowieczne szkoły nominalistów i realistów, ale jest też zalążek tego już odrodzeniowego pragnienia, by myśleć myślą wychodząc od nakazów Kościoła.

Dlatego w Rzymie zwątpili i powołali komisję. Jak wiemy, wiele komisji wydało bardzo surowe wyroki. Pico della Mirandole wskazał na pewne niespójności z nauką Kościoła, choć i to wszystko było bardzo niejasne. Został aresztowany, ale udało mu się uciec do Francji. Potem wrócił, ogrzewał go Lorenzo Medici. Wstąpił do kręgu Marsilio Ficino. Wygląda na to, że wszystko się udało dzięki wysokim patronom.

Niemniej jednak ta śmiałość myślenia została już poddana takiemu potępieniu. Nawiasem mówiąc, współcześni nazywali Pico della Mirandola „księciem zgody”, ponieważ po prostu nie chciał kłócić się ani z kościołem, ani ze swoimi przeciwnikami w kręgu humanistów. Były też nieporozumienia. I prawdopodobnie wiele by zrobił, łącząc te różne siły, ale zmarł w dość młodym wieku. Fakt, że został otruty, wskazuje tylko, że byli przeciwnicy jego punktu widzenia i prawdopodobnie dość silni.

Poezja życia Franciszka z Asyżu

Na koniec naszej rozmowy chciałbym przypomnieć jeszcze jedną postać – jest to Franciszek z Asyżu. I to właśnie ta postać sprawia, że przesuwamy granicę renesansu w stronę ekspansji, gdyż Franciszek z Asyżu żył pod koniec XII wieku. - początek XIII wieku i zdeterminował taki zwrot w kierunku nowego światopoglądu chyba bardziej niż ktokolwiek inny. Co prawda - nie był humanistą, ale świętym planu średniowiecznego, ale jego stosunek do świata był już pełen wszystkiego, co później rozkwitnie w humanizmie.

Przecież to on pierwszy głosił, że świat nie leży tylko w złu. Że świat jako dzieło Boże jest piękny i dany człowiekowi z radości. Nie tylko o pokutę, pokutę za grzechy, cierpienie, walkę, ale o to, aby można było żyć na tym świecie, radując się i wysławiając Stwórcę za Jego dzieła.

Tak powstały hymny Franciszka. Nawiasem mówiąc, są to pierwsze dzieła poetyckie napisane nie po łacinie, ale po włosku. Tutaj humaniści pisali po łacinie, a Franciszek jeszcze kilkadziesiąt lat wcześniej pisał swoje hymny w popularnym języku włoskim. Zatem nawet jako poetę można go uznać za pierwszego poetę renesansu.

Franciszek jako pierwszy rozwiązał tragedię świata. W średniowieczu jest to naprawdę tragedia, gdyż ten pierwotny problem religijny (upadek, zerwanie z Bogiem) – tak rozwiązali teolodzy i filozofowie średniowiecza. Jak połączyć się z Bogiem? Człowiek jest odcięty od Boga – i co z tym zrobić? Franciszek jako pierwszy rozwiązał ten problem, nie rezygnując z bogactwa życia. To znaczy rozumie swoją grzeszność, daremność, zepsucie, daremność wysiłków, ale rozumie także miłosierdzie Boga, piękno Bożego stworzenia, piękno samego Boga. I ta radość Istnienia, która jest przygotowana dla człowieka nie tylko tam, gdzieś poza granicami istnienia, ale już tu, na ziemi. A miłość może być czysta, silna, jasna, niekoniecznie grzeszna, niekoniecznie związana z pożądaniem i tak dalej. To wszystko głosi Franciszek. Francis jest nowy i oryginalny.

Chętnie przeczytałbym taki cytat z pracy wybitnego, mało nam znanego badacza, Petera Bitsilli. To rosyjski badacz przebywający na emigracji, a jego prace zaczęto publikować w naszym kraju dopiero w latach 90-tych. I pisał, co następuje: „Całą kulturę średniowiecza można rozumieć jako wspaniałą i bolesną próbę uchwycenia i wyrażenia tego tragicznego pierwotnego problemu religijnego. Stąd średniowieczny ascetyzm, straszny ze względu na swój rodzaj nieludzkości, z jego przyciąganiem do wszystkiego, co mówi o śmierci, zepsuciu, rozkładu.

Franciszek jako pierwszy rozwiązał tragedię, nie rezygnując z bogactwa życia. Po nim rozwiążą to także inni – w akcie twórczości artystycznej lub filozoficznej. Ale Franciszek nie był z zawodu ani artystą, ani filozofem. Rozwiązał go na swój sposób i w jedyny sposób, w jaki mógł: swoim życiem. „Błogosławiony i nieświadomy”, który chciał być sam i niższy od wszystkich, w swoim podejściu do Chrystusa wybrał drogę najbardziej nieoczekiwaną, ale najprostszą i najbardziej pokorną: nieosądzające, dosłowne naśladowanie Chrystusa w Jego ziemskim życiu.

Posiadając dar plastycznego ucieleśniania idei, charakterystyczny dla narodu włoskiego, grał, że tak powiem, przypowieści i przykazania błogosławieństwa. Z pełnym czci przerażeniem i zachwytem współcześni domyślali się, że we Franciszku niejako wcielił się Chrystus. Franciszek ukazuje szereg wielkich „artystów swojego życia”, w których renesans jest tak bogaty.

Pomysł uczynienia swojego życia i obiektów sztuką, o którym będzie mówić wielu artystów renesansu, rozpoczął się od Franciszka. To on uczynił swoje życie przedmiotem boskiej zabawy i boskiej sztuki.

„Nie da się zrozumieć renesansu” – pisze Peter Bitsilli – „bez uchwycenia jego szczególnego nastroju. Optymizm, wiara i odrodzenie są także charakterystyczne dla średniowiecza. Nadchodzi dzień i świat zostanie oczyszczony, uświęcony, będzie nowa ziemia i nowe niebo. Renesans charakteryzuje się tym, że świat jest doświadczany jako już przemieniony i oświecony. Dominującym nastrojem epoki jest radość, zachwyt, ta rozkosz, która napełniała duszę Franciszka i sprawiała, że wylewała się w improwizowanych hymnach.

Nawiasem mówiąc, oto wizerunek Franciszka z klasztoru Subiaco, który uważa się za możliwie najbliższy jego prawdziwemu portretowi. Dokonali tego bardzo blisko jego życia współcześni, którzy dobrze go znali.

Rzeczywiście, Peter Bitsilli twierdzi, że renesans to „era, w której już wierzono, że świat można przemienić, że można przemienić człowieka, że można osiągnąć radość istnienia. Ta radość istnienia nagle objawiła się ludziom - zarówno w wielkich dziełach, jak i w przyrodzie, i w samym człowieku, i w cieszeniu się światem. To było absolutnie bezinteresowne. Często mówi się, że to stąd rozpoczął się podbój tego świata przez człowieka, jego podporządkowanie sobie. Nie, to było już później. To była konsekwencja upadku z tego wielkiego szczytu.

Lot Ikara

Renesans jest zatem wielkim rozkwitem kultury europejskiej. To jest, jeśli wolisz, zdobycie skrzydeł. Jest to okazja, aby zobaczyć Ziemię z perspektywy, z lotu ptaka. Choć w średniowieczu wielu patrzyło na nią z anielskiego lotu, to jednak nie dla każdego była ona dostępna. Ale z lotu „ptaka” lub ze szczytu góry, z którego otwiera się wspaniały widok, wielu widziało to w okresie renesansu. W tej radości latania było oczywiście mnóstwo adrenaliny. Człowiek chciał doświadczać coraz więcej swoich możliwości. Latał coraz wyżej i wyżej. Ale lot Ikara, jak wiadomo, zakończył się katastrofą - słońce spaliło skrzydła, a upadek był nieunikniony.

Podobnie było w okresie renesansu. Człowiek wzniósł się bardzo wysoko, ale potem, nie mogąc utrzymać się na tym szczycie, upadł. Być może ktoś nie nazwie tej jesieni upadkiem. Wielu wychwala to - i nazywa to wynikiem renesansu, wielkiego marszu kultury ludzkiej i tak dalej. Potem był Nowy Wiek. Ten nowy zwrot w światopoglądzie również przyniósł wspaniałe rezultaty. Ktoś widzi dobrą perspektywę, ale ktoś nie zobaczy upadku, bo dla wielu to także duże pytanie.

Dla niektórych pytanie dotyczy startu. Losev i ks. Przeciwnie, Paweł Florenski uważał to za odwrót, upadek - sam renesans. I ktoś - wręcz przeciwnie. Ktoś nie zobaczy ani lotu, ani upadku, tak jak bohater słynnego obrazu Brueghela nie widział upadku Ikara. Wydaje mi się, że jest to bardzo symboliczne, gdy człowiek orze swoją bruzdę, kontynuuje swoją historyczną drogę, a Ikar (na zdjęciu nawet go nie widać od razu) brnie już w morze. Wydaje mi się, że renesans to wzlot i upadek Ikara. Na ile mam rację, przekonamy się w kolejnych rozmowach.

Jedną z pierwszych budowli renesansu jest kopuła katedry Santa Maria del Fiore we Florencji (1420-1436). Architekt Brunelleschi Filippo (Brunelleschi Phillipi. 1377-1446)

Wiek XV-XVI dzięki odkryciom geograficznym stał się punktem zwrotnym w historii cywilizacji europejskiej. Wzrósł handel światowy, rozwinęło się rzemiosło, wzrosła liczba ludności miejskiej i wzrosła wielkość budownictwa. Rozwinęła się nauka, literatura, sztuka. Architektura włoskiego renesansu wynikała także z rozwoju gospodarczego, a także osłabienia wpływów kościoła. Nazwę stylu nadał artysta, badacz sztuki włoskiej, który napisał książkę „Żywoty najsłynniejszych malarzy, rzeźbiarzy i architektów” (1568) Giordana Vasariego.Z jego punktu widzenia, wspieranego przez dla większości architektów tamtych czasów, średniowiecze było okresem upadku, charakteryzującym się barbarzyństwem plemiennym, które zniszczyło Cesarstwo Rzymskie, a wraz z nim sztukę starożytną. To on pisał o odrodzeniu sztuki włoskiej, uznając średniowiecze za okres okres niewiedzy, który nastąpił po upadku sztuki starożytnej. Później tym terminem zaczęto określać epokę pojawienia się nowego stylu w sztuce, który narodził się we Włoszech w XVI wieku, a następnie stał się modny w innych krajach Europy. Estetyka renesansu skierował wzrok człowieka na naturę.Sztuka starożytnego Rzymu stanowiła podstawę kultury artystycznej tego okresu.Należy zwrócić uwagę, że w średniowieczu wykorzystywano pewne elementy architektury starożytnej.Na przykład pojedyncze fragmenty starożytność odnajdujemy w budynkach z okresu renesansu karolińskiego; istnieją również w tak zwanym „okresie ottońskim” pod koniec X wieku. (był to czas rozkwitu kulturalnego w Niemczech za panowania cesarzy Otto z dynastii saskiej). Elementy antyku można dostrzec także w gotyckiej architekturze Niemiec. W przeciwieństwie do architektów średniowiecznych mistrzowie architektury włoskiego renesansu starali się odzwierciedlić w architekturze bardzo starożytną filozofię charakterystyczną dla starożytnej Grecji i starożytnego Rzymu: podziw dla piękna natury i człowieka, realistyczny światopogląd. Architekturę renesansu we Włoszech charakteryzuje symetria, proporcjonalność i rygor systemów porządku. W tym stylu budowane są nie tylko świątynie, ale także budynki użyteczności publicznej: instytucje oświatowe, ratusze, domy cechów kupieckich, targi. W XVI wieku we Włoszech pojawiły się nowe typy pałaców miejskich i wiejskich - palazzo i willa. Zmienił się także skład klientów: w średniowieczu głównymi odbiorcami byli kościół, panowie feudalni, obecnie zamówienia pochodzą od stowarzyszeń cechowych, cechów, władz miejskich i szlachty.

Twórca włoskiej architektury renesansowej

Architekt i rzeźbiarz Filippo Brunelleschi uważany jest za ojca założyciela architektury renesansowej.

Pierwszą konstrukcją włoskiej architektury renesansowej była kopuła katedry we Florencji (1420-1436).Przy budowie tej kopuły Brunelleschi wcielił w życie nowe pomysły konstrukcyjne, które byłyby trudne do zrealizowania bez specjalnie zaprojektowanych mechanizmów. W tym samym okresie, w latach 1419-1444, Brunelleschi zaangażował się w budowę Domu Dziecka – „Schronienia dla Niewinnych”.

Sierociniec (1419-1444) Architekt Brunelleschi

Prawo perspektywy liniowej oznacza specyfikę ludzkiego postrzegania odległych obiektów, ich proporcji i kształtów.

Był to jeden z pierwszych budynków we Włoszech swoją konstrukcją nawiązującą do budowli antycznych. To Brunelleschimu przypisuje się odkrycie prawa perspektywy linearnej, odrodzenie starożytnych porządków w architekturze włoskiego renesansu. Dzięki jego twórczości proporcje ponownie stały się podstawą nowej architektury, jest autorem odrodzenia stosowania „złotego podziału” w architekturze, co umożliwiło osiągnięcie harmonii w konstrukcjach architektonicznych. Tym samym Brunelleschi wskrzesił starożytne tradycje architektury renesansowej we Włoszech, biorąc je za podstawę do stworzenia nowego typu architektury. Idee Brunelleschiego zbiegły się z nowymi trendami w filozofii społeczeństwa: średniowieczne zakazy i pogarda dla wszystkiego, co ziemskie, w tym okresie zostały zastąpione zainteresowaniem rzeczywistością i człowiekiem.

Złoty podział jest pojęciem matematycznym, w architekturze oznacza stosunek dwóch wielkości (jednej większej, drugiej mniejszej) ujętych we wspólną wartość. W tym przypadku stosunek większej wartości do mniejszej odpowiada stosunkowi wartości całkowitej do większej z dwóch odpowiednich wartości. Po raz pierwszy taki stosunek odkrył Euklides (300 p.n.e.).W okresie renesansu stosunek ten nazwano „boską proporcją”, współczesna nazwa pojawiła się w 1835 r. Stosunek wartości w złoty podział to stała liczba 1,6180339887.

Okresy w architekturze włoskiego renesansu

W architekturze włoskiej można wyróżnić kilka etapów rozwoju renesansu: początek – XV wiek, dojrzałość – wiek XVI i koniec. We wczesnym okresie w architekturze nadal obecne były elementy gotyckie, łączone z formami antycznymi, w okresie dojrzałym nie spotyka się już elementów stylu gotyckiego, preferowane są porządki architektoniczne i formy proporcjonalne, w okresie późnego renesansu, trend nowego stylu barokowego jest już odczuwalny. Wczesny okres. Główną zasadą włoskiego renesansu była symetria budowli pod względem równomiernego rozmieszczenia elementów architektonicznych: portali, kolumn, drzwi, okien, kompozycji rzeźbiarskich i dekoracji wzdłuż obwodu fasady. Architektura renesansu we Włoszech we wczesnym okresie jej rozwoju kojarzona jest głównie z Florencją. To tutaj w XV wieku budowano pałace dla szlachty, budynki świątynne i budynki użyteczności publicznej. We Florencji w 1420 roku architekt Filippo Brunelleschi rozpoczął budowę kopuły katedry Santa Maria del Fiore, w 1421 przebudowuje San Lorenzo i pracuje nad budową kaplicy – Starej Zakrystii. W 1444 roku Brunelleschi ukończył budowę Domu Wychowawczego. Kaplica Pazzi we Florencji, również dzieło Brunelleschiego, uważana jest za jedną z najbardziej eleganckich budowli wczesnego renesansu. Kaplicę zwieńcza kopuła na bębnie, budowlę zdobi portyk koryncki o szerokim łuku.

Kościół San Lorenzo (Basilica di San Lorenzo) został konsekrowany przez św. Ambrożego w 393 r. W 1060 r. został przebudowany w stylu romańskim. W 1423 roku został przebudowany przez Brunelleschiego w stylu wczesnego renesansu.

W 1452 roku architekt Michelozzi ukończył budowę Pałacu Medyceuszy (Palazzo Medici Riccardi) we Florencji. Alberti projektuje Pałac Rucellai (Palazzo Rucellai, zaprojektowany w latach 1446 i 1451), Benedetto de Maiano i Simon Poliola realizują Pałac Strozzi (Palazzo Strozzi, 1489-1539).

Michelozzi - (Michelozzo, Michelozzi, 1391 (1396) - 1472) - florencki architekt i rzeźbiarz, uczeń Brunelleschiego.

Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), włoski naukowiec, architekt, pisarz, muzyk. W swojej twórczości szeroko wykorzystywał dziedzictwo starożytne, posługując się wolutami i systemem porządkowym.

Benedetto da Maiano - prawdziwe nazwisko: Benedetto da Leonardo d'Antonio (Benedetto da Maiano, 1442 - 1497) - rzeźbiarz włoski. Simone Pollaiolo (1457 - 1508) - architekt florencki. Wysoki renesans.

Pałac Medyceuszy. Architekt Michelozzi. Zbudowany dla Cosimo de 'Medici il Vecchio w latach 1444-1464.

Pałac Rucellai - na zlecenie patrona Giovanniego Rucellai. Zaprojektowany przez Leona Baptiste Alberti 1446-1451 Wzniesiony przez Bernardo Rosselino

Pałac Strozzich. Budowlę wzniósł Benedetto de Maiano na zlecenie Filippo Strozziego w latach 1489-1539. Wzorem był Pałac Medyceuszy (Palazzo Medici-Riccardi) Michelozzi

W tych konstrukcjach ogólny schemat rozwiązania przestrzennego. Każda z nich ma trzy kondygnacje, dziedziniec z łukowymi galeriami. Ściany podzielone na piętra, boniowane lub ozdobione nakazem. Elewacja obłożona jest cegłą.

Michelozzi - (Michelozzo, Michelozzi, 1391 (1396) - 1472) - florencki architekt i rzeźbiarz, uczeń Brunelleschiego. Alberti Leon Battista - (Alberti, 1404-1472), włoski naukowiec, architekt, pisarz, muzyk. W swojej twórczości szeroko wykorzystywał dziedzictwo starożytne, posługując się wolutami i systemem porządkowym. Benedetto da Maiano - prawdziwe nazwisko: Benedetto da Leonardo d'Antonio (Benedetto da Maiano, 1442 - 1497) - rzeźbiarz włoski. Simone Pollaiolo (1457 - 1508) - architekt florencki. Wysoki renesans.

Handel Włoch ze Wschodem został przerwany pod koniec XV wieku w związku z podbojem Konstantynopola przez Turków. Kiedy handel wymarł, gospodarka kraju podupadła. I w tym okresie zaczęła się rozwijać architektura wysokiego renesansu. Styl ten osiąga szczególne szczyty w Rzymie, gdzie wielcy architekci wypracowali wspólne podejście do budowy budowli w oparciu o stosowanie porządków architektonicznych. Architekturę wysokiego renesansu charakteryzują kubiczne formy domów, wewnętrzny zamknięty dziedziniec. Na elewacjach wykonano reliefowe obramowania okien, ozdobione półkolumnami i posiadające trójkątne i cebulowe frontony. Donato de Angelo Bramante (Bramante, 1444-1514) to jeden z najsłynniejszych mistrzów włoskiej architektury renesansowej. Jego twórczość powstała w Mediolanie, uznawanym za miasto konserwatywne, w którym zachowane zostały tradycje budownictwa ceglanego i dekoracji z terakoty. W tym samym okresie Leonardo da Vinci pracował w Mediolanie, a jego twórczość niewątpliwie wpłynęła na twórczość Bramantego. Architektowi udało się połączyć tradycje narodowe z elementami renesansu. Pierwszym dziełem Bramantego była w 1479 roku restauracja kościoła Santa Maria presso San Satino (Santa Maria presso San Satiro) w Mediolanie.

Kościół Santa Maria presso San Satino w Mediolanie (1479-1483) Architekt Donato de Angelo Bramante

Przebudował także kaplicę San Satino: architekt z budowli w kształcie krzyża wykonał okrągłą budowlę, ozdobioną elementami dekoracyjnymi. Po przeprowadzce do Rzymu Bramante wybudował w 1502 roku świątynię Tempietto (klasztor San Pietro in Mantorio), zaprojektował dziedziniec kościoła Santa Maria dela Paci.

Świątynia Tempietto. Architekt Bramante

W 1505 roku Bramante, pełniący funkcję głównego architekta, rozpoczął prace nad zespołem pałacu papieskiego Belvedere – rezydencją niedaleko Watykanu. Do jego dzieł należy Palazzo Capirini (Palazzo Caprini) - dom Rafaela (Dom Rafaela) - zaprojektowany około 1510 r., w 1517 r. został zakupiony przez Rafaela. Dom nie przetrwał do dziś.

Palazzo Caprini grawerowane przez Antoine'a Lafrérie. Architekt Bramante

Rafael Santi (Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo, 1483-1520) był włoskim malarzem i architektem.

W ostatnich latach życia architekt zajmował się projektowaniem katedry św. Piotra w Rzymie. Elementy architektoniczne i techniki zastosowane przez architekta wykorzystali mistrzowie włoskiego renesansu przy budowie widłami i budynkach miejskich. Po Bramantym Rafael cieszył się wielką sławą w okresie rozwoju architektury renesansowej.

Pierwszym projektem Rafaela jest kościół S. Eligio degli Orifici (Chiesa di S. Eligio degli Orefici, początek XVI w. Następnie kościół przebudowano. Kopułę wykonał B. Peruzzi, obecną fasadę wykonał F. Ponzio (XVII wiek)).

Kościół Sant Eligio degli Orifici

Na polecenie papieskiego bankiera Chigiego dodał kaplicę do kościoła Santa Maria Del Popolo. W Palazzo del Aquila stworzył nowy typ elewacji: na dole znajdował się podcień porządkowy, antresolę ujęto oknami, wnękami z rzeźbami i sztukaterią.

W Palazzo Landolfini we Florencji architekt zaproponował inny typ projektu elewacji: szeroko rozstawione, bogato zdobione okna, połączone z gładko otynkowanymi ścianami, gzyms z szerokim fryzem, boniowane narożniki i portal dopełniały całość. Rafael zaprojektował Villa Madama dla kardynała Giulio de' Medici, późniejszego papieża Klemensa VII. Willa została zbudowana na zboczu Monte Mario, na zachodnim brzegu Tybru, na północ od Watykanu. Prace rozpoczęto w 1518 r., a w 1520 r. zmarł Rafael. Willa pozostała niedokończona: do tego czasu ukończono tylko jedno skrzydło w kształcie litery U. Willa pozostała w takim stanie niedokończona, wyeksploatowano jedynie ukończoną jej część. Obecna nazwa budowli została nadana na cześć Margaty z Parmy – żony siostrzeńca papieża Klemensa Siódmego – Aleksandra Medycejskiego, pierwszego księcia Toskanii.

Villa Madama - wiejska willa kardynała Giulio de' Medici (papieża Klemensa VII)

Od 1514 roku Rafael kierował projektem budowy katedry św. Piotra. Następnie budową katedry św. Piotra, której budowę wznowiono w 1534 r., kierował Antonio da Sagallo Jr., po czym kierownictwo przeszło na Michała Anioła, którego przybycie stało się impulsem do rozwoju późnego etapu w architektura włoskiego renesansu. Ten etap charakteryzował się różnymi eksperymentami architektonicznymi z formami, częstotliwością kolumn i innych elementów architektonicznych na elewacji, komplikacją detali, pojawieniem się skomplikowanych linii. Od 1530 roku, po splądrowaniu Rzymu, proces rozwoju włoskiej architektury renesansowej przybrał inne kierunki. Niektórzy architekci próbowali przywrócić utraconą wspaniałość Wiecznego Miasta: na przykład Peruzzi, Antonio da Sangallo Jr., przedstawiciele starszego pokolenia architektów renesansu, powrócili do Rzymu po jego upadku i próbowali znaleźć kompromis między starożytnymi zasadami a nowymi trendy.

Peruzzi - Peruzzi Baldassare (Peruzzi Baldassare, 1481-1536) Włoski artysta i architekt. Pracował z Donato Bramante i Rafaelem. Peruzzi w swojej twórczości łączył tradycje wysokiego renesansu z ideami manieryzmu. Antonio da Sangallo Jr. - (Antonio da Sangallo il Giovane; 1484 -1546 prawdziwe nazwisko Antonio Cordini (po włosku: Antonio Cordini)) - florencki architekt renesansu. Badacze przypisują go także twórcom stylu barokowego ze względu na powstanie niezwykłych konstrukcji: na przykład fasady ze pochyleniem do przodu w Cecca Vecchia (Banco di Spirito), łukowatej podstawy pałacu Farnese.

Inni mistrzowie zaczęli szukać innych sposobów w swojej pracy. W połowie XVI wieku w Toskanii pojawiła się grupa skupiająca mistrzów, których twórczość przypisuje się kierunkowi manieryzmu. Wielu przedstawicieli tej grupy było uczniami Michała Anioła, jednak zapożyczając od niego pewne techniki artystyczne, wyolbrzymiali je i hipertrofowali, a naruszenie niektórych kanonów stylu antycznego, będącego wyrazem idei wielkiego mistrza, stało się dla nich celem samym w sobie. Włoscy architekci renesansu zapożyczali w swoich projektach charakterystyczne techniki i elementy rzymskiej architektury klasycznej, stosując je nie tylko w świątyniach, ale także w miejskich, wiejskich domach zamożnych obywateli i budynkach użyteczności publicznej. Plan budynków wyznaczały prostokątne kształty, symetria, proporcjonalność, fasada była symetryczna względem osi pionowej, ozdobiona pilastrami, gzymsami, łukami, zwieńczona frontonem. Rozwój włoskiej architektury renesansowej charakteryzował się pojawieniem się materiałów i technologii budowlanych, architekci posiadali rozpoznawalny styl, który uczynił ich sławnymi. Architektura renesansu we Włoszech przeszła pełny etap rozwoju – od wczesnego do późnego, co stworzyło przesłanki do pojawienia się nowego stylu – baroku. Dzięki sztuce włoskich architektów architektura renesansowa podbiła całą Europę.

Renesans w Europie.

Periodyzacja i cechy charakterystyczne renesansu.

Odrodzenie (renesans) - epoka w historii kultury europejskiej XIII-XVI wieku, która zapoczątkowała nową erę.

Jako epoka w historii Europy odznaczała się wieloma znaczącymi kamieniami milowymi – w tym wzmocnieniem swobód gospodarczych i społecznych miast, fermentem duchowym, który ostatecznie doprowadził do reformacji i kontrreformacji, wojny chłopskiej w Niemczech, powstania monarchia absolutystyczna (największa we Francji), początek ery Wielkich odkryć geograficznych, wynalezienie druku europejskiego, odkrycie układu heliocentrycznego w kosmologii itp. Jednak jej pierwszym znakiem, jak wydawało się współczesnym, był „rozkwit sztuki” po długich wiekach średniowiecznego „upadku”, rozkwit, który „ożywił” starożytną mądrość artystyczną, właśnie w tym sensie po raz pierwszy w XVI wieku. używa słowa rinascita (od którego wywodzi się francuski renesans i wszystkie jego europejskie odpowiedniki) włoski artysta i krytyk sztuki Giorgio Vasari.

Periodyzację renesansu wyznacza nadrzędna rola sztuki w jej kulturze.

Etapy historii sztuki we Włoszech – kolebce renesansu – przez długi czas służyły jako główny punkt wyjścia. Specjalnie wyróżnieni:

1. Protorenesans, („era Dantego i Giotta”, ok. 1260-1320) - (od proto... i renesansu), okres w historii sztuki włoskiej (XIII - początek XIV w.), naznaczony wzrostem świeckich tendencji realistycznych, nawiązanie do tradycji antycznej. Najwcześniejszy etap rozwoju sztuki renesansowej. Wcześniej sztuka prarenesansu objawiała się w rzeźbie, a następnie w malarstwie. Ma szczególnie namacalny świecki początek, dbałość o tematykę historyczną, portrety, gatunki domowe i krajobrazowe. Twórczość poety Dantego, architekta Arnolfo di Cambio, rzeźbiarza Niccolò Pisano, malarzy Pietro Cavalliniego, a zwłaszcza Giotto pod wieloma względami utorowała drogę sztuce renesansu. W ramach protorenesansu wyróżnia się:

ducento(włoskie ducento, dosł. - dwieście, - włoska nazwa z XIII w.) charakteryzuje się rozwojem nurtów realistycznych w sztuce średniowiecznej, rozbudzeniem zainteresowania światem realnym i dziedzictwem starożytnym.

trecento(włoskie trecento, dosł. - trzysta - włoska nazwa z XIV wieku) - okres intensywnego rozwoju humanizmu w kulturze włoskiej; sztuka trecento wraz ze wzrostem cech gotyckich charakteryzuje się rozwojem realistycznych questów

2. Wczesny renesans Lub quatrocento(włoski quattrocento, dosł. - czterysta - włoska nazwa 15 c). stał się czasem badań eksperymentalnych, kiedy nowe trendy aktywnie współdziałają z gotykiem, pokonując go i twórczo przekształcając. O ile w epoce prarenesansu artysta działał w oparciu o intuicję, to czas wczesnego renesansu wysunął na pierwszy plan ścisłą wiedzę naukową. Sztuka zaczęła pełnić rolę uniwersalnej wiedzy o otaczającym świecie. W XV wieku ukazało się wiele traktatów naukowych o sztuce. Pierwszym teoretykiem malarstwa i architektury był Leon Battista Alberti. Opracował teorię perspektywy liniowej, czyli prawdziwego przedstawienia głębi przestrzeni na obrazie. W praktycznym zastosowaniu perspektywy linearnej duże zainteresowanie budzi twórczość artysty Paolo Uccello.

3. Cinquecento(włoskie cinquecento, dosł. - pięćset - włoska nazwa z XVI wieku) - okres rozkwitu kultury wysokiego i późnego renesansu oraz rozprzestrzenianie się manieryzmu.

Wysokie (średnie) przebudzenie- okres w historii sztuki włoskiej (koniec XV - I ćwierć XVI w.) - klasyczna faza kultury artystycznej renesansu. W architekturze, malarstwie i rzeźbie Wysokiego Renesansu (Bramante, Leonardo da Vinci, Rafael, Michał Anioł, Giorgione, Tycjan), renesansowym realizmie i humanizmie ideały heroiczne otrzymały uogólniony wyraz pełen tytanicznej mocy; sztukę wysokiego renesansu charakteryzuje monumentalna wielkość, połączenie wzniosłej idealności, harmonii z głębią i żywotnością obrazów.

Późny renesans(do końca XVI wieku), kontynuacja tradycji wysokiego renesansu, którego szczególną fazą był manieryzm.

Główne cechy kultury renesansu:

Antropocentryzm to pogląd, według którego człowiek jest centrum wszechświata i ostatecznym celem całego wszechświata, tj. istniejący świat został stworzony dla człowieka.

Humanizm to uznanie wartości osoby jako osoby.

Reformacja średniowiecznej tradycji chrześcijańskiej.

Odrodzenie starożytnych zabytków sztuki i filozofii starożytnej

Kształtowanie nowego podejścia do świata.

Zadanie wychowania „nowego człowieka” uznawane jest za główne zadanie epoki. Greckie słowo („edukacja”) jest najwyraźniejszym odpowiednikiem łacińskiego humanitas (skąd wywodzi się „humanizm”).

Humanitas w koncepcji renesansu oznacza nie tylko opanowanie mądrości starożytnej, co miało ogromne znaczenie, ale także samopoznanie i samodoskonalenie. Doświadczenia humanitarne i naukowe, ludzkie, edukacyjne i światowe muszą zostać połączone w stanie idealnego virtu (w języku włoskim zarówno „cnota”, jak i „męstwo” – dzięki czemu słowo to ma średniowieczną konotację rycerską). Odzwierciedlając te ideały w sposób naturalny, sztuka renesansu nadaje aspiracjom edukacyjnym epoki przekonującą zmysłową klarowność. Starożytność (czyli dziedzictwo starożytne), średniowiecze (z ich religijnością, a także świeckim kodeksem honorowym) i New Age (które w centrum swoich zainteresowań stawia ludzki umysł, jego twórczą energię) są tutaj w stanie wrażliwego i ciągłego dialogu.

Jest rzeczą naturalną, że czas, który przywiązywał centralne znaczenie do „boskiej” twórczości ludzkiej, wysunął w sztuce osobowości, które – przy całym bogactwie talentów tamtych czasów – stały się uosobieniem całych epok kultury narodowej (osobowości - „tytani”, jak ich później romantycznie nazywano). Giotto stał się uosobieniem Protorenesansu, przeciwne aspekty Quattrocento - konstruktywny rygor i szczery liryzm - wyrazili odpowiednio Masaccio i Angelico z Botticellim. „Tytani” średniego (lub „wysokiego”) renesansu Leonardo da Vinci, Rafael i Michał Anioł to artyści – symbole wielkiego kamienia milowego New Age jako takiego. Najważniejsze etapy architektury włoskiego renesansu - wczesny, średni i późny - są monumentalnie ucieleśnione w dziełach F. Brunelleschiego, D. Bramante i A. Palladio.

Włoski renesans

Wczesny renesans we Włoszech.

XIV-XV wiek dla Włoch – czas szybkiego rozwoju gospodarczego. Miasta włoskie posiadały dość rozwinięty przemysł w postaci manufaktur, były dużymi ośrodkami handlowymi łączącymi Włochy z krajami Europy i Wschodu. W miastach działały banki, które prowadziły operacje o znaczeniu międzynarodowym. Wraz z pojawieniem się nowego podejścia do handlu i pojawieniem się domów bankowych miasta odradzają się i rozkwitają: Piza, Mediolan, Genua, Wenecja, Neapol, Florencja.

Przemysłowa, handlowa i lichwiarska burżuazja włoskich miast potrzebowała dla swojej działalności gospodarczej rozwoju nauk ścisłych, przyrodniczych i matematyki. Jednocześnie dorobiwszy się ogromnych fortun, starała się stworzyć sobie wygodne warunki życia i ozdobić swoje pałace dziełami sztuki. Burżuazja i władcy (królowie, papieże, panowie republikańscy) potrzebowali wykształconych urzędników, notariuszy, lekarzy, nauczycieli i w ogóle ludzi pracy intelektualnej, którzy mogliby prowadzić handel i sprawy kredytowe w kraju i za granicą.

Tak więc wraz z powstającą burżuazją we włoskich miastach pojawiła się inteligencja: pisarze, filozofowie, historycy, poeci, muzycy, architekci, artyści, inżynierowie, lekarze itp., którzy mieli decydujący wpływ na ukształtowanie się nowej ideologii.

Jedną z najważniejszych cech nowej ideologii był indywidualizm. Rodząca się burżuazja, silna i bogata, twierdziła teraz, że to nie szlachetność i hojność, ale cechy osobowe indywidualnego Człowieka: jego umysł, zręczność, odwaga, przedsiębiorczość i energia zapewniają sukces w życiu. Światopogląd przywódców nowej kultury, wyrażający się w ich poglądach filozoficznych, politycznych, naukowych i literackich, nazywany jest zwykle „humanizmem”. Ponieważ Człowiek był obecnie uważany za kowala własnego szczęścia, twórcę wszelkich wartości, idącego naprzód wbrew losowi i osiągającego sukces siłą umysłu, stanowczością ducha, aktywnością, optymizmem. Człowiek powinien cieszyć się przyrodą, miłością, sztuką, nauką. Przedstawicielom nowej ideologii obca była idea grzeszności człowieka, w szczególności jego ciała; wręcz przeciwnie, zostaje rozpoznana harmonia ludzkiej duszy i ciała.

W społeczeństwie włoskim zrodziło się głębokie zainteresowanie starożytną cywilizacją i kulturą, gdzie nawet bogowie zostali obdarzeni ludzkim wyglądem i ludzkim charakterem. Stąd próba wskrzeszenia minionej kultury i wyniesienia jej na piedestał.

Postacie kultury próbowały w swoich pismach naśladować styl pisarzy łacińskich „złotego wieku” literatury rzymskiej, zwłaszcza Cycerona. Zainteresowano się literaturą grecką i językiem greckim. Florencja i Wenecja stały się duchowym centrum włoskiego renesansu.

Wczesny renesans jest nierozerwalnie związany z nazwiskami Francesco Petrarca i Giovanni Boccaccio.

Za twórcę humanizmu we Włoszech uważa się Franciszek Petrarka(1304-1374). Był kolekcjonerem starożytnych rękopisów i zabytków, historykiem, propagatorem kultury starożytnego Rzymu (historię Rzymu próbował spisać w biografiach („O sławnych ludziach” zawiera 21 biografii wielkich Rzymian od Romulusa do Cezara)). Wszystkie dzieła Petrarki można podzielić na dwie nierówne części: poezję włoską („Canzoniere”) i różne dzieła napisane po łacinie. „Canzonere” („Księga pieśni”) obejmuje sonety, canzony, ballady, madrygały poświęcone miłości Petrarki do Laury za jej życia i po jej śmierci; kilka wierszy o treści politycznej i religijnej; oraz alegoryczny obraz miłości poety - Triumfy, które przedstawiają zwycięstwo miłości nad człowiekiem, czystości nad miłością, śmierci nad czystością, chwały nad śmiercią, czasu nad chwałą i wieczności nad czasem. „Canzoniere”, który przetrwał do początków XVII wieku. OK. 200 wydań i komentowane przez całą rzeszę uczonych i poetów decyduje o znaczeniu Petrarki w historii literatury włoskiej i powszechnej. Stworzył prawdziwie artystyczną formę włoskiej liryki: po raz pierwszy poezja jest dla niego wewnętrzną historią indywidualnego uczucia. To zainteresowanie życiem wewnętrznym człowieka przebiega jak czerwona nić przez łacińskie dzieła Petrarki, które określają jego znaczenie jako humanisty.

Współczesny Petrarce, Gianvanni Boccaccio (1313-1375), zasłynął dzięki napisanemu w języku włoskim Dekameronowi, zbiorowi opowiadań na tematy florenckiego życia miejskiego, który podkreślał prawo człowieka do szczęścia, zmysłowych radości, miłości która nie zna podziałów społecznych. Zbiór zawiera humor ludowy i wolnomyślicielstwo, krytykę ignorancji i hipokryzji duchowieństwa katolickiego. „Dekameron” Boccaccia stał się wzorem doskonałości języka i stylu dla autorów włoskich, klasyków literatury światowej. Dekameron to sto historii opowiedzianych w imieniu szlachetnych florenckich dam i młodych mężczyzn; Fabuła rozgrywa się na tle epidemii dżumy („czarnej śmierci”), przed którą w wiejskiej posiadłości ukrywa się szlachecka społeczność, i jest pełna subtelnego psychologizmu i nieoczekiwanych kolizji.

Razem z Dantem Petrarca i Boccaccio są twórcami literackiego języka włoskiego. Ich dzieła w XV wieku. zostały przetłumaczone na wiele języków Europy i zajęły zaszczytne miejsce w literaturze światowej.

Sztukę wczesnego renesansu reprezentowało nowe malarstwo, rzeźba i architektura.

Wybitnym mistrzem wczesnego renesansu, kontynuującym realistyczną tradycję Giotta, był artysta florencki Masaccio(prawdziwe nazwisko Tommaso di Giovanni di Simone Cassai) (1401-1428). Malował na tematy cerkiewno-religijne (głównie malowidła ścienne wewnątrz świątyń), ale nadawał im cechy realistyczne za pomocą światłocienia, fizyczności plastycznej, trójwymiarowości, kompozycyjnego powiązania z pejzażem, akcję tematów religijnych przeniósł na ulice miast. Florencja. Po raz pierwszy w malarstwie ściennym (fresk „Trójca” w kościele Santa Maria Novella we Florencji) tworzy budowlę z perspektywą centralną, która nadaje kompozycji majestat i jednocześnie proporcjonalność do ludzkiej skali. Jego twórczość stała się wzorem dla twórczości kolejnych pokoleń artystów.

Artysta Sandro Botticellego był blisko dworu Medyceuszy i środowisk humanistycznych we Florencji. Pisał dzieła o tematyce religijnej i mitologicznej („Wiosna”, „Narodziny Wenus”, ok. 1483-1484), choć jego obrazy są płaskie, naznaczone są uduchowioną poezją, grą linearnych rytmów, subtelną kolorystyką i nastrój smutku. Ale smutek Wenus i protekcjonalny uśmiech Wiosny adresowane są do widza, do jego świata, a nie do niebiańskiej przezroczystości jak na ikonach.

Największy rzeźbiarz wczesnego renesansu - florencki Donatello- rozumiejąc doświadczenia sztuki starożytnej, po raz pierwszy stworzył klasyczne formy i typy rzeźby renesansowej: nowy typ okrągłego posągu i grupy rzeźbiarskiej („Św. Jerzy”, „Dawid”, „Judyta i Holofernes”), monumentalny pomnik jeździecki (pomnik kondotiera Gattamelaty w Padwie – pierwszy pomnik jeździecki renesansu), malownicza płaskorzeźba (ołtarz kościoła Sant’Antonio w Padwie), portret rzeźbiarski, majestatyczny nagrobek (grób Antypapieża Jana XXIII w baptysterium florenckim jest klasycznym przykładem dla wszystkich późniejszych grobowców renesansowych). Jego rzeźba „Dawid” jest pierwszą całkowicie nagą postacią powstałą w okresie renesansu. Formy rzeźb Donatello zyskują plastyczną klarowność, bryły stają się solidne, typowy wyraz twarzy zostaje zastąpiony portretem, fałdy szat w naturalny sposób otulają ciało i odzwierciedlają jego krzywizny i ruch. Starał się nadać swoim rzeźbom cechy prawdziwych ludzi: Chrystus wygląda jak wieśniak, obywatele Florencji przedstawieni są jako ewangeliści i prorocy. Tworząc rzeźby, Donatello dąży do odtworzenia nowego ideału epoki – indywidualnej bohaterskiej osobowości.

Architektura osiągnęła wielki sukces we wczesnym renesansie. Jeśli początek renesansu upłynął pod znakiem wzniesienia symbolu społeczności miejskiej - katedry, to pod koniec XV wieku. Pałac władcy staje się centrum miasta. Plac od miejsca zgromadzenia ludowego zamienił się w podwórko przed domem.

Powstaje rodzaj pałacu świeckiego (palazzo): na rzucie czworokąta, zamkniętego wokół dziedzińca, który wówczas staje się otwarty jednostronnie lub oddzielony jedynie portykiem. Pamięć o średniowiecznej architekturze twierdzy zachowała się poprzez zastosowanie muru z nieobrobionych bloków kamiennych, które później stały się powszechnym elementem dekoracyjnym („rdza”), głównie przy układaniu dolnych kondygnacji piwnic.

Swobodny rozwój zastępuje się rozwojem planowanym. Nowa architektura renesansu - ogromne budynki, wysokie kopuły, imponująca kolumnada - wymagała ścisłych obliczeń matematycznych. Dzięki udoskonaleniu technologii budowlanej wznoszenie dużych budowli, katedr i pałaców zaczęto realizować w krótszych niż w średniowieczu terminach, czasami kilkuletnich.

Główni architekci, którzy stworzyli renesansowy styl architektury, to Filippo Brunulleschi i Leon Battista Alberti.

Głównymi ośrodkami nowej sztuki północnych Włoch stały się trzy miasta: Padwa, Ferrara, Wenecja.

Padwa była jednym z najstarszych miast uniwersyteckich w Europie. Uniwersytet w Padwie, założony w 1222 roku, przyciągał wielu studentów z różnych krajów. Tutaj intensywnie badano dziedzictwo starożytności. Na uniwersytecie utworzyło się środowisko humanistów, koneserów i miłośników starożytności. Zbierano tu rękopisy starożytnych autorów, gromadzono dzieła sztuki. Dante i Petrarka odwiedzili Padwę. Giotto i Donatello przyjechali tu pracować i wywarli silny wpływ na lokalnych artystów.

W Ferrarze dwór lokalnych władców, książąt d'Este, stał się centrum kultury humanistycznej.

Wenecja jest republiką kupców, którzy handlują z całym światem i którzy skupili w swoich rękach większość handlu między Wschodem a Zachodem. Wenecjanie pożyczają wszystko, co piękne z muzułmańskiego Wschodu, zrujnowanego Bizancjum, „barbarzyńskich” Niemiec i starają się zamienić swoje miasto w najbardziej błyskotliwe i najwspanialsze na świecie. A dobrobyt finansowy pozwala im nie oszczędzać na realizacji swoich planów.

Wysoki renesans.

Na przełomie XV-XVI w. Włoski renesans wkroczył w nową fazę rozwoju. Pod koniec XV - pierwsza dekada XVI wieku. najwyższy wzrost sztuki. Etap ten nazwano wysokim renesansem.

W pierwszej dekadzie XVI w centrum życia artystycznego Włoch przenosi się do Rzymu. Nawet pod koniec XV w. Wśród największych państw włoskich znaczącą rolę zaczęło odgrywać Państwo Kościelne. Mniej rozwinięte gospodarczo niż Florencja czy Wenecja, miało duże znaczenie międzynarodowe (jako centrum katolicyzmu). Marząc o zjednoczeniu całych Włoch pod panowaniem Rzymu, papieże próbowali przekształcić je w wiodące centrum polityczne i kulturalne. Sprzyjała temu filantropijna polityka papieży, która przyciągała do Rzymu najlepszych artystów. A historyczna przeszłość „wiecznego miasta” doskonale pasowała do jego nowej roli. Pamięć o wielkości Cesarstwa Rzymskiego, które nie umarło przez całe średniowiecze, nabrała obecnie szczególnego znaczenia. Pod tym względem na początku XVI w. ożywiło się zainteresowanie historią i kulturą starożytną. To właśnie w Rzymie, z licznymi zabytkami, które zawsze przyciągały artystów, dziedzictwo klasyczne zostało w pełni i głęboko dostrzeżone.

Sztuka Wysokiego Renesansu przesiąknęła ideami humanizmu, jest przepojona wiarą w twórcze siły człowieka, w nieograniczoną jego możliwości, w racjonalną strukturę świata. Jednocześnie problem obywatelskiego obowiązku i bohaterskiego wyczynu zastępuje powszechną w sztuce Quattrocento naiwną narrację i codzienność. Motywem przewodnim kultury jest obraz pięknej, harmonijnie rozwiniętej, silnej ciałem i duchem osoby, która wznosi się poniżej poziomu codziennej rutyny.

Na początku XVI wieku nowy rodzaj syntezy sztuk osiąga harmonijną jedność, która w odróżnieniu od średniowiecznej (kiedy wszystkie rodzaje sztuki są podporządkowane architekturze) zakłada równość malarstwa i rzeźby w stosunku do architektury. Wyzwolenie malarstwa i rzeźby ze ścisłego podporządkowania architekturze prowadzi do izolacji i rozwoju nowych gatunków sztuki: portretu, pejzażu i malarstwa historycznego.

Formowanie się sztuki wysokiego renesansu rozpoczęło się pod koniec XV wieku. - Florencja była jej kolebką, skąd wyszli tak najwięksi mistrzowie jak Leonardo da Vinci i Michał Anioł. Podstawą sztuki XVI wieku były tradycje szkoły florenckiej i wczesnego Quattrocento.

Na początku 16 r. na wiodącą pozycję w rozwoju architektury, malarstwa i rzeźby przeszedł do Rzymu. Rozwija się architektura ogrodów, parków i wiejskich rezydencji szlacheckich. Istnieją utopijne projekty miast. Charakterystycznymi cechami architektury wysokiego renesansu są: monumentalność, inspirowana starożytnym Rzymem, imponująca wielkość i wspaniałość projektów. Najwyraźniej objawiło się to w restrukturyzacji Watykanu i budowie katedry św. Piotra, której architektem był Donato d’Angelo Bramante(1444-1514), który swoim dziełem zadecydował o rozwoju architektury w XVI wieku. Zbudowana przez Bramantego niewielka kaplica Temppietto jest jednym z najlepszych dzieł architektury dojrzałego renesansu, wyróżnia się integralnością kompozycji, wyrafinowaniem proporcji i rysunkiem detali. Główną katedrę Rzymu (katedrę św. Piotra) Bramante również planował wykonać według planu centrycznego, kierując się przy tym nie względami praktycznymi (wygoda podczas nabożeństwa), ale koncepcją kompozycji centrycznej, która była uwielbiana podczas tym okresie, dążąc do równowagi, stabilności i kompletności. Jednak budowę katedry rozpoczęto w 1506 roku, więc Bramante nie miał czasu na dokończenie katedry i w budowę zaangażowani byli kolejno: Rafael, Peruzzi, Antonio da Sangalo Młodszy, Michał Anioł.

Wiele postaci kultury było ucieleśnieniem „homo universal” – osoby uniwersalnej, uzdolnionej we wszystkich obszarach działalności twórczej i naukowej, tworzącej arcydzieła malarstwa, rzeźby, architektury, piszącej traktaty na różne tematy naukowe.

Leonardo da Vinci(1452-1519) – najwybitniejszy malarz, rzeźbiarz, architekt, naukowiec i inżynier. Leonardo pozostawił po sobie niewiele obrazów, gdyż zainteresowania naukowe pochłaniały wiele czasu i wysiłku.

Już w pierwszych obrazach Leonarda widoczne są główne cechy twórczości Leonarda: zainteresowanie rozwiązaniami psychologicznymi, zwięzłość, nacisk na układ przestrzenny i wolumen form.

Łącząc rozwój nowych środków języka artystycznego z komunikacją teoretyczną, Leonardo stworzył harmonijny obraz osoby spełniającej humanistyczne ideały; w ten sposób podsumował doświadczenia Quattrocento i położył podwaliny pod sztukę wysokiego renesansu.

Na służbie władcy Mediolanu Lodovico Moro Leonardo da Vinci pełni funkcję inżyniera wojskowego, inżyniera hydraulika i organizatora dworskich ekstrawagancji. Twórczy rozkwit malarza Leonarda przypada na ten sam okres. W Madonnie w Skałach najwspanialszy światłocień („sfumato”), ukochany przez mistrza, pojawia się jako nowa aureola, która zastępuje średniowieczne aureole: jest to w równym stopniu sakrament bosko-ludzki, jak i naturalny, gdzie skalna grota , odzwierciedlająca obserwacje geologiczne Leonarda, odgrywa nie mniej dramatyczną rolę niż postacie świętych na pierwszym planie. Ponadto Leonardo wprowadza do malarstwa włoskiego nowy motyw – wizerunek Matki Boskiej z dziećmi w pejzażu.

W refektarzu klasztoru Santa Maria delle Grazie Leonardo tworzy obraz „Ostatnia wieczerza”. W Ostatniej Wieczerzy konflikt psychologiczny i kalkulacja matematyczna zostają wprowadzone do sztuki w konstrukcji kompozycji. Wysoka treść religijna i etyczna obrazu, przedstawiającego burzliwą, sprzeczną reakcję uczniów Chrystusa na jego słowa o nadchodzącej zdradzie, wyraża się w wyraźnych matematycznych wzorach kompozycji, władczo ujarzmiających nie tylko malarską, ale także prawdziwą architekturę przestrzeń. Przejrzysta logika sceniczna mimiki i gestu, połączenie ścisłej racjonalności z niewytłumaczalną tajemnicą sprawiły, że Ostatnia Wieczerza stała się jednym z najważniejszych dzieł w historii sztuki światowej. Zajmując się także architekturą, Leonardo opracowuje różne wersje „idealnego miasta” i świątyni z centralną kopułą.

W portrecie Mony Lisy („Gioconda”) wizerunek zamożnej kobiety z miasta jawi się jako ucieleśnienie wzniosłego ideału kobiecości, nie tracąc przy tym intymnego ludzkiego uroku; ważnym elementem kompozycji staje się kosmicznie rozległy krajobraz, rozpływający się w zimnej mgle. „La Gioconda” stanowi podstawę wszystkich późniejszych włoskich portretów.

Do późnych dzieł Leonarda da Vinci należy Św. Anna z Marią i Dzieciątkiem Jezus, co stanowi dopełnienie poszukiwań mistrza w dziedzinie perspektywy światło-powietrze i harmonijnej kompozycji piramidalnej. Ostatni obraz Leonarda, „Św. Jan Chrzciciel”, pełen jest erotycznej dwuznaczności: młody Forerunner nie wygląda tu na świętego ascetę, ale na kusiciela pełnego zmysłowego uroku.

Najważniejszym źródłem do studiowania poglądów Leonarda da Vinci są jego notatniki i rękopisy (ok. 7 tys. kartek). Zapiski te zostały usystematyzowane po śmierci artysty przez jego ucznia F. Melziego w Traktacie o malarstwie. Dzieło to wywarło ogromny wpływ na europejską praktykę artystyczną i myśl teoretyczną.

Niestrudzony naukowiec-eksperymentator i genialny artysta Leonardo da Vinci pozostał w tradycji osoby-symbolu epoki.

Rafał Santi(1483-1520) - artysta syntezy i harmonii. Jego sztukę wyróżnia równowaga umysłu i uczuć, rzeczywistości i ideałów, nienaganna klarowność kompozycji i form; jest klasycznym wcieleniem wysokiego renesansu. Już we wczesnych obrazach („Madonna Conestabile”, „Sen rycerza”, „Trzy Gracje”, „Zaręczyny Maryi”) harmonijny magazyn talentów tkwiący w Rafaelu, jego umiejętność odnalezienia doskonałej harmonii form, rytmów , kolory, ruchy, gesty, dotknięte.

Gloryfikował ziemską egzystencję człowieka, harmonię sił duchowych i fizycznych w obrazach strof (komnat ceremonialnych) Watykanu, osiągając nienaganne poczucie proporcji, rytmu, proporcji, harmonii kolorów, jedności postaci i majestatu tła architektoniczne. W majestatycznych wielopostaciowych kompozycjach na ścianach (łączących od 40 do 60 znaków) „Spór” („Spór o sakrament”), „Szkoła ateńska”, „Parnas”, nie powtarzając ani jednej postaci i pozy, ani jednej ruchu, Rafael splata je w elastyczny, swobodny, naturalny rytm, płynący z figury na figurę, z jednej grupy na drugą. W Cudownej ekspozycji apostoła Piotra z lochu Rafael przekazuje złożone efekty nocnego oświetlenia z niezwykłym dla artysty środkowych Włoch złożonymi efektami nocnego oświetlenia - olśniewającym blaskiem otaczającym anioła, zimnym światłem księżyca , czerwonawy płomień pochodni i ich odbicia na zbrojach strażników.

Do najlepszych dzieł muralisty Rafaela zaliczają się także malowidła ścienne łuków kaplicy Chigi w Rzymie oraz pełen pogańskiej pogody fresk „Triumf Galatei” (Villa Farnesina, Rzym).

Jednym z głównych tematów malarstwa Rafaela była Madonna z Dzieciątkiem. W pracach „Madonna ze szczygłem”, „Madonna w zieleni”, „Piękna ogrodniczka” posługuje się w nich tym samym motywem - przedstawia młodą matkę na tle idyllicznego krajobrazu i małych dzieci bawiących się u jej stóp - Chrystusa i Jana Chrzciciela łączy postacie w stabilnym, harmonijnie zrównoważonym rytmie piramidy kompozycyjnej, ukochanej przez mistrzów renesansu. Nowa, złożona polifonicznie interpretacja wizerunku Madonny znalazła swój najpełniejszy wyraz w jednym z najdoskonalszych dzieł Rafaela – ołtarzu Madonny Sykstyńskiej.

Rafael pozostawił zauważalny ślad w architekturze włoskiej. Brał udział w budowie kościoła św. Piotra w Rzymie. Wśród jego budynków znajduje się mały kościół San Eligio degli Orefici z jego surowym wnętrzem, kaplica Chigi w kościele Santa Maria del Popolo, której wnętrze jest przykładem rzadkiej nawet dla renesansu jedności opracowanego projektu architektonicznego i wystroju Rafaela - murale, mozaiki, rzeźby.

Michał Anioł Buonarotti(1475-1564) - rzeźbiarz, malarz, architekt, poeta. Michał Anioł znacznie przeżył swoich znamienitych współczesnych (Leonarda da Vinci i Rafaela) i był świadkiem upokorzenia Włoch oraz upadku wszelkich ideałów i nadziei. Dlatego z największą siłą wyraził głęboko ludzkie ideały Wysokiego Renesansu, pełne heroicznego patosu, a także tragiczny sens kryzysu światopoglądu humanistycznego w okresie późnego renesansu.

Wstęp

Historiografia

Główne etapy renesansu

Wczesny renesans

Wysoki renesans

Późny renesans

Charakterystyka architektury renesansowej

Sztuki piękne renesansu

Wniosek

Bibliografia

Wstęp

„Stworzyłem cię jako istotę nie niebiańską, ale nie tylko ziemską, nie śmiertelną, ale też nie nieśmiertelną, abyś Ty, obcy ograniczeniom, stał się swoim własnym twórcą i całkowicie wykuł swój własny obraz. Otrzymałeś możliwość upadku do poziomu zwierzęcia, ale także możliwość wzniesienia się do poziomu istoty boskiej - wyłącznie dzięki Twojej wewnętrznej woli…”

To właśnie mówi Bóg do Adama w traktacie włoskiego humanisty Pico della Mirandola „O godności człowieka”. W tych słowach skompresowano duchowe doświadczenie renesansu, wyrażono zmianę świadomości, której dokonała.

Architektura renesansu - okres rozwoju architektury w krajach europejskich od początku XV do początku XVII wieku, w ogólnym przebiegu renesansu i rozwój podstaw kultury duchowej i materialnej starożytnej Grecji i Rzymu . Okres ten stanowi punkt zwrotny w dziejach architektury, zwłaszcza w stosunku do poprzedzającego go stylu architektonicznego, czyli gotyku. Gotyk, w odróżnieniu od architektury renesansowej, szukał inspiracji we własnej interpretacji sztuki klasycznej.

Historiografia

Słowo „renesans” (renesans francuski) pochodzi od terminu „la rinascita”, którego po raz pierwszy użył Giorgio Vasari w wydanej w latach 1550-1568 książce „Żywoty najsłynniejszych włoskich malarzy, rzeźbiarzy i architektów”.

Termin „renesans” został wprowadzony przez francuskiego historyka Julesa Micheleta na oznaczenie analogicznego okresu, ale szwajcarski historyk Jacob Burckhardt w swojej książce „Kultura włoskiego renesansu” ujawnił tę definicję pełniej, a jej interpretacja stała się podstawą współczesne rozumienie włoskiego renesansu. Publikacja albumu rysunków „Budynki współczesnego Rzymu, czyli zbiór pałaców, domów, kościołów, klasztorów i innych najważniejszych budynków publicznych Rzymu”, wydanego przez Paula Le Tarouille’a w 1840 r., wywołała powszechne zainteresowanie renesansem okres. Następnie renesans uznano za styl „naśladujący antyk”.

Pierwszym przedstawicielem tego nurtu można nazwać Filippo Brunelleschi, który działał we Florencji, mieście, które wraz z Wenecją uważane jest za zabytek renesansu. Następnie rozprzestrzenił się na inne włoskie miasta, Francję, Niemcy, Anglię, Rosję i inne kraje.

Główne etapy renesansu

Włoski renesans dzieli się zwykle na trzy okresy. W historii sztuki można mówić o rozwoju sztuk pięknych i rzeźby w ramach wczesnego renesansu w XIV wieku. W historii architektury bywa różnie. Z powodu kryzysu gospodarczego XIV w. renesans w architekturze rozpoczął się dopiero na początku XV w. i trwał do początków XVII w. we Włoszech i dłużej poza jej granicami.

Można wyróżnić trzy główne okresy:

· Wczesny renesans lub Quattrocento, mniej więcej pokrywa się z XV wiekiem.

· Wysoki renesans, pierwsza ćwierć XVI wieku.

· Manieryzm czy późny renesans (2. połowa XVI w. w XVII w.).

W innych krajach europejskich rozwinął się własny styl przedrenesansowy, a sam renesans rozpoczął się dopiero w XVI wieku, styl ten został wpojony w istniejące tradycje, w wyniku czego budowle renesansowe w różnych regionach mogą mieć nieco podobne cechy.

W samych Włoszech architektura renesansowa przeniosła się w stronę architektury manierystycznej, prezentowanej w dość odmiennych nurtach w twórczości Michała Anioła, Giulio Romano i Andrei Palladio, która następnie odrodziła się w epoce baroku, stosując podobne techniki architektoniczne w innym ogólnym kontekście ideologicznym.

Wczesny renesans

W okresie Quattrocento na nowo odkryto i sformułowano normy architektury klasycznej. Badanie starożytnych próbek doprowadziło do asymilacji klasycznych elementów architektury i zdobnictwa.

Przestrzeń, jako element architektoniczny, zorganizowana jest w sposób odbiegający od wyobrażeń średniowiecznych. Opierał się on na logice proporcji, kształt i kolejność części podlegają geometrii, a nie intuicji, co było cechą charakterystyczną średniowiecznych budowli. Pierwszy przykład z tego okresu można nazwać bazyliką San Lorenzo we Florencji, zbudowaną przez Filippo Brunelleschiego (1377-1446).

Filippo Brunelleschiego

Filippo Brunelleschi (włoski: Filippo Brunelleschi (Brunellesco); 1377-1446) był wielkim włoskim architektem renesansu.

Filippo Brunelleschi urodził się we Florencji jako syn notariusza Brunelleschi di Lippo. Jako dziecko Filippo, któremu miała przejść praktyka ojca, otrzymał humanistyczne wychowanie i najlepsze jak na tamte czasy wykształcenie: uczył się łaciny, studiował starożytnych autorów.

Porzucając karierę notariusza, Filippo od 1392 r. pobierał terminację, prawdopodobnie u złotnika, a następnie praktykował jako terminator u jubilera w Pistoi; studiował także rysunek, modelarstwo, grawerowanie, rzeźbę i malarstwo, we Florencji studiował maszyny przemysłowe i wojskowe, znaczną wiedzę matematyczną na ten czas zdobył u Paolo Toscanelliego, który według Vasariego uczył go matematyki. W 1398 roku Brunelleschi dołączył do Arte della Seta, w skład której wchodzili złotnicy. W Pistoi młody Brunelleschi pracował nad srebrnymi figurami ołtarza św. Jakuba – na jego twórczość duży wpływ ma twórczość Giovanniego Pisano. Donatello pomagał Brunelleschiemu w pracy nad rzeźbami (miał wtedy 13, 14 lat) – od tego czasu przyjaźń połączyła mistrzów na całe życie.

W 1401 roku Filippo Brunelleschi powrócił do Florencji, wziął udział w ogłoszonym przez Arte di Calimala (sklepie z tkaninami) konkursie na ozdobienie płaskorzeźbami dwóch brązowych bram baptysterium we Florencji. Razem z nim w zawodach wzięli udział Jacopo della Quercia, Lorenzo Ghiberti i wielu innych mistrzów. Konkurs, któremu przewodniczyło 34 sędziów, do którego każdy mistrz musiał przedstawić wykonany przez siebie płaskorzeźbę z brązu „Ofiara Izaaka”, trwał rok. Konkurs przegrał Brunelleschi – płaskorzeźba Ghibertiego była doskonała pod względem artystycznym i technicznym (odlana z jednego kawałka i była o 7 kg lżejsza od płaskorzeźby Brunelleschiego).

Zraniony przegraną w konkursie Brunelleschi opuścił Florencję i udał się do Rzymu, gdzie być może postanowił do perfekcji przestudiować starożytną rzeźbę. W Rzymie młody Brunelleschi przeszedł od sztuk plastycznych do sztuki budowlanej, zaczynając dokładnie mierzyć ocalałe ruiny, szkicować plany całych budynków i plany poszczególnych części, kapiteli i gzymsów, rzuty, typy budynków i wszystkie ich szczegóły. Musiał odkopać zasypane części i fundamenty, musiał w domu złożyć te plany w jedną całość, przywrócić to, co nie było do końca nienaruszone. Przesiąknięty więc duchem starożytności, pracując niczym współczesny archeolog z miarką, łopatą i ołówkiem, nauczył się rozróżniać rodzaje i układy starożytnych budowli oraz stworzył w teczkach ze swoimi pierwszymi historiami architektury rzymskiej szkice.

Praca Bruneleschiego:

1401-1402 konkurs na temat „Ofiara Abrahama” ze Starego Testamentu; projekt płaskorzeźb z brązu dla północnych drzwi baptysterium florenckiego (28 płaskorzeźb zamkniętych w czworoboku o wymiarach 53×43 cm). Brunelleschi przegrał. Konkurs wygrał Lorenzo Ghiberti. „Urażony decyzjami komisji Brunelleschi opuścił rodzinne miasto i udał się do Rzymu… aby tam studiować prawdziwą sztukę”. Płaskorzeźba znajduje się w Muzeum Narodowym Bargello we Florencji.

1412-1413 Ukrzyżowanie w kościele Santa Maria Novella we Florencji.

1417-1436 Kopuła katedry Santa Maria del Fiore, czyli po prostu Duomo, to wciąż najwyższy budynek we Florencji (114,5 m), zaprojektowany tak, aby cała ludność miasta mogła zmieścić się w „wielkim… budynku” wznosząc się do nieba, przyćmiewa wszystkie ziemie Toskanii” – napisał o nim Leon Battista Alberti.

· 1419-1428 Stara zakrystia (Sagrestia Vecchia) kościoła San Lorenzo (San Lorenzo), Florencja. W 1419 roku klient Giovanni di Bicci, założyciel rodu Medici, ojciec Cosimo Starszy (Cosimo il Vecchio), planował odbudowę katedry, która była wówczas małym kościołem parafialnym, lecz Brunelleschiowi udało się ukończyć jedynie starą zakrystię, Nowa zakrystia (Sagrestia Nuova), zaprojektowana przez Michała Anioła.

1429-1443 Kaplica (kaplica) Pazzi (Cappella de'Pazzi), znajdująca się na dziedzińcu franciszkańskiego kościoła Santa Croce (Santa Croce) we Florencji. Jest to niewielki budynek kopułowy z portykiem.

· Kościół Santa Maria degli Angeli, którego budowę rozpoczęto w 1434 roku we Florencji, pozostał niedokończony.

· 1436-1487 Kościół Santo Spirito (Santo Spirito), ukończony po śmierci architekta. „Centryczny kopułowy budynek o równych kwadratach i nawach bocznych z niszowymi kaplicami został następnie powiększony przez dodanie podłużnego budynku do kolumny bazyliki z płaskim dachem”.

· Rozpoczęty w 1440 r. Pałac Pitti (Palazzo Pitti) został ostatecznie ukończony dopiero w XVIII wieku. Prace przerwano w 1465 r. w związku z bankructwem klienta pałacu, kupca Luca Pitti, a rezydencję w 1549 r. kupili Medyceusze (Eleonora z Toledo, żona Kosmy I), których pragnął Luca Pitti. umeblować, zamawiając okna o takiej wielkości jak drzwi w Palazzo Medici.

Według Brunelleschiego prawdziwy renesansowy pałac powinien wyglądać tak: trzykondygnacyjna, kwadratowa bryła budynku, z ułożeniem ciosanego kamienia florenckiego (wydobywanego bezpośrednio w miejscu, gdzie obecnie znajdują się Ogrody Boboli, za pałacem), z 3 ogromne drzwi wejściowe na pierwszym piętrze. Dwie górne kondygnacje przecina 7 okien umieszczonych z każdej strony i łączy linia balkonów biegnąca przez całą długość fasady.

Dopiero w 1972 roku wyszło na jaw, że Brunelleschi został pochowany w katedrze Santa Reparata (IV-V w. we Florencji) w poprzedniej świątyni, na pozostałościach której zbudowano katedrę Santa Maria del Fiore (Santa Maria del Fiore). wzniesiony).