W ciągu ostatnich pięciu sezonów 2005/6 - 2009/10 zaprezentowano ponad 1005 utworów kompozytorów. Tabela przedstawia dane o kompozytorach i utworach zgłoszonych do programu (niekoniecznie wykonywanych). Trzej pierwsi kompozytorzy - Verdi, Mozart i Puccini są wyraźnie lepsi od następnych kompozytorów.
Benjamin Britten jest jedynym kompozytorem w pierwszej dwudziestce najpopularniejszych kompozytorów, który urodził się już w XX wieku. „Najstarszym” kompozytorem na liście jest Georg Friedrich Haendel (1685 - 1759)
Najpopularniejsi (wykonywani) kompozytorzy ostatnich 5 lat.
| Nr p / p | Kompozytor | Kraj | liczba występów | wszystkie wystawione opery |
| 1 | Giuseppe Verdi | Włochy | 2259 | 29 |
| 2 | Wolfgang Amadeusz Mozart | Austria | 2124 | 26 |
| 3 | Giacomo Puccini | Włochy | 1732 | 13 |
| 4 | Ryszard Wagner | Niemcy | 920 | 14 |
| 5 | Gioacchino Rossini | Włochy | 772 | 40 |
| 6 | Gaetano Donizetti | Włochy | 713 | 31 |
| 7 | Ryszard Strauss | Niemcy | 512 | 15 |
| 8 | Georges Bizeta | Francja | 485 | 7 |
| 9 | Georg Friedrich Haendel | Wielka Brytania | 463 | 56 |
| 10 | Jacques Offenbach | Francja | 365 | 34 |
| 11 | Johann Strauss | Austria | 322 | 10 |
| 12 | Piotr Iljicz Czajkowski | Rosja | 322 | 7 |
| 13 | Benjamin Britten | Wielka Brytania | 289 | 19 |
| 14 | Franz Lehar | Węgry | 250 | 11 |
| 15 | Engelbert Humperdinck | Niemcy | 221 | 3 |
| 16 | Vincenzo Bellini | Włochy | 213 | 8 |
| 17 | Leos Janaček | Czech | 199 | 10 |
| 18 | Karol Gounod | Francja | 198 | 7 |
| 19 | Jules Massenet | Francja | 193 | 14 |
| 20 | Ruggero Leoncavallo | Włochy | 169 | 7 |
*Dokładne statystyki dotyczą Europy i Ameryki Północnej, dane dla innych krajów mogą być przybliżone.
Elena Vasilievna Obraztsova - radziecka i rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran. Artysta Ludowy ZSRR, laureat Nagrody Lenina, Bohater Pracy Socjalistycznej. Jeden z najsłynniejszych śpiewaków naszych czasów. Elena Vasilievna Obraztsova urodziła się 7 lipca 1939 roku w Leningradzie. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej wraz z rodziną została ewakuowana z Leningradu do Ustiużny. Muzyka była integralną częścią dzieciństwa Eleny, jej ojciec, z zawodu inżynier, miał piękny baryton, a ponadto dobrze grał na skrzypcach - zawsze pamiętała domowe wieczory muzyczne. W latach 1948-1954 śpiewała w chórze dziecięcym Leningradzkiego Pałacu Pionierów. AA Zhdanova (szef chóru - M.F. Zarinskaya). W latach 1954-1957, w związku z oficjalnym przeniesieniem ojca, rodzina mieszkała w Taganrogu, gdzie Elena studiowała w P.I. Czajkowski z nauczycielką Anną Timofiejewną Kulikową. Na koncercie reportażowym w szkole muzycznej Obraztsovej wysłuchał dyrektor Rostowskiej Szkoły Muzycznej M.A. Mankovskaya i na jej polecenie w 1957 roku Elena została natychmiast przyjęta do szkoły na drugi rok. Rok później, w sierpniu 1958, po pomyślnym przesłuchaniu, wstąpiła do wydziału przygotowawczego Leningradzkiego Konserwatorium Państwowego. NA. Rimski-Korsakow. W 1962 zdobyła I nagrodę na Ogólnopolskim Konkursie Wokalistów. MI. Glinki oraz złoty medal na Światowym Festiwalu Młodzieży i Studentów w Helsinkach. 17 grudnia 1963, będąc studentką konserwatorium, E. Obraztsova zadebiutowała na scenie Teatru Bolszoj jako Marina Mniszek w operze Borys Godunow M. P. Musorgskiego. W 1964 ukończyła Państwowe Konserwatorium w Leningradzie im. I. NA. Rimskiego-Korsakowa w klasie profesora A.A. Grigoryeva (klasa operowa A.N. Kireeva). Przewodnicząca komitetu dyplomowego Sofya Petrovna Preobrazhenskaya dała Elenie Obraztsovej 5 plus - znak, którego nie przyznano w Konserwatorium Leningradzkim od około 40 lat. W tym samym roku została stałą solistką Teatru Bolszoj. Natura hojnie obdarowała Elenę Obraztsovą. Ma głos o niespotykanej urodzie w barwie, aksamitnym, organowym bogactwie brzmienia, jasnym wyglądzie scenicznym, który nadaje jej bohaterkom operowym niespotykaną artystyczną ulgę i ekspresję, talent prawdziwej aktorki dramatycznej. W 1964 roku Elena Obraztsova, jako członek trupy Teatru Bolszoj, wystąpiła na scenie La Scali jako Marta w operze Khovanshchina oraz jako Maria w operze Wojna i pokój. Występy Obraztsovej we Włoszech odniosły wielki sukces, aw 1977 roku została zaproszona do otwarcia 200-lecia sezonu w La Scali jako Księżniczka Eboli w operze Don Carlos G. Verdiego. W 1975 roku Elena Obraztsova wraz z Teatrem Bolszoj wyruszyła w trasę do Stanów Zjednoczonych. Podczas spektaklu „Borys Godunow” Obrazcowa, który wcielił się w rolę Mariny Mniszek, został pięciokrotnie wezwany na scenę przez rozentuzjazmowanych widzów, przedstawienie musiało zostać przerwane. Triumf Eleny Obraztsovej w USA ostatecznie potwierdził jej status światowej gwiazdy opery. Kilka miesięcy później Elena Obraztsova wystąpiła w Il trovatore, spektaklu otwierającym sezon Opery w San Francisco, jej partnerami byli Luciano Pavarotti i Joan Sutherland. W 1976 roku Obraztsova, już gościnna solistka Metropolitan Opera, wywołała sensację występem jako Amneris w Aidzie Verdiego. W 1977 r. Obraztsova występowała jako Dalila w Metropolitan. Thor Eckert, krytyk „New York Timesa”, napisał wtedy: „Wątpię, abyśmy słyszeli Delilah, która tak łatwo zdołałaby opanować dwie i pół oktawy – Obraztsova wykonuje tę najtrudniejszą część bez cienia napięcia”. Została zaproszona przez Franco Zeffirelli do roli Santuzziego w Honorze wsi (1982). „W moim życiu”, napisał Zeffirelli, „były trzy szoki: Anna Magnani, Maria Callas i Elena Obraztsova, które dokonały cudu podczas kręcenia filmu Honor wsi”. W sumie repertuar Eleny Obraztsovej obejmuje 86 części w operach rosyjskiego i zagranicznego repertuaru klasycznego, a także w operach kompozytorów XX wieku, wiele jej ról stało się żywymi klasykami współczesnej sceny operowej: Marina Mnishek („Borys Godunow ”, 1963), Guwernantka, Polina, Milovzor (1964), Hrabina (1965, „Królowa pikowa”), Lubasza („Oblubienica cara”, 1967), Konczakowna („Książę Igor”, 1968), Marta ( „Chowanszczina”, 1968). Lubawa ("Sadko", 1979), Amneris ("Aida", 1965), Azuchena ("Trubadur", 1972), Eboli ("Don Carlos", 1973), Santuzza ("Honor kraju", 1977), Ulrika (" Bal maskowy, 1977), Princess de Bouillon (Adrienne Lecouvrere, 1977), Adalgisa (Norma, 1979), Giovanna Seymour (Anna Boleyn, 1982), Orfeusz (Orfeusz i Eurydyka, 1984) , Neris ("Medea", 1989), Leonora („Ulubiona”, 1992), Księżna („Siostra Angelica”, 1992), Carmen („Carmen”, 1972), Charlotte („Werther”, 1974), Dalila („Samson i Dalila”, 1974), Herodiada ( "Herodias", 1990), Oberon ("Sen in noc letnia"B. Britten, 1965), Zhenya Komelkova ("Świt tu cicho" K. Molchanova, 1975), Judit ("Zamek książęcy" Niebieska Broda"B. Bartok, 1978), Jocasta ("Król Edyp" I. Strawińskiego, 1980), Eudosia ("Płomień" O. Respighi, 1990); S. Prokofiew: Frosya ("Siemion Kotko", 1970), Księżniczka Marya (1964), Helen Bezuchowa (1971), Achrosimowa (2000, "Wojna i pokój"), Babcia ("Gracz", 1996), Hrabia Orłowski ("Nietoperz", 2003) itd. Oprócz ról operowych, Elena Obraztsova prowadzi aktywną działalność koncertową w Rosji i na całym świecie. Repertuar jej koncertów solowych obejmuje muzykę ponad 100 kompozytorów rosyjskich i zagranicznych: M.I.Glinka, A.S.Dargomyzhsky, N.A.Rimsky-Korsakov, M.P. PI Czajkowski, SV Rakhmaninov, SS Prokofiew, GF Handel, WA Mozart, L. Beethoven, R. Schumann, R. Strauss, R. Wagner, J. Brahms, C. Weil, G. Mahler, G. Donizetti, G. Verdi, G. Puccini, P Mascagni, J. Bizet, J. Massenet, C. Saint-Saens i inni, a także rosyjskie pieśni i dawne romanse.Uczestniczyli w wykonaniu oratoriów, kantat, mszy, utworów rosyjskiej muzyki sakralnej... Dodano kompozycje jazzowe nowe jasne akcenty do jej talentu ii. W 1986 roku zadebiutowała jako reżyserka, wystawiając w Teatrze Bolszoj operę J. Masseneta „Werter”. Piosenkarka wystąpiła w głównych rolach w telewizyjnych filmach muzycznych Wesoła wdowa, Moja Carmen, Honor wiejski i Tosca itp. W latach 1973-1994 Elena Obraztsova uczyła w Moskiewskim Konserwatorium im. Czajkowskiego. Od 1984 - prof. Od 1992 roku wykłada w Musashino Tokyo Academy of Music; prowadzi kursy mistrzowskie w Europie i Japonii w Academy of Young śpiewacy operowi w Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Była i jest członkiem jury wielu międzynarodowych konkursów, w tym Międzynarodowego Konkursu im. P.I. Czajkowskiego w Moskwie, Międzynarodowy Konkurs Wokalny w Marsylii, Międzynarodowy Konkurs im. N.A. Rimskiego-Korsakowa w Petersburgu, Międzynarodowy Konkurs Ferruccio Tagliaviniego w Deutschlandsbergu, Międzynarodowy Konkurs Śpiewaków Operowych Montserrat Caballe. We wrześniu 1999 roku w Petersburgu odbył się I Międzynarodowy Konkurs Młodych Śpiewaków Operowych Elena Obraztsova, w 2011 roku - VIII Konkurs. Elena Exemplary nagrała ponad 50 płyt, w tym opery, oratoria, kantaty, płyty solowe z utworami muzyki kameralnej i operowej. W ostatnich latach ukazały się „nagrania live” o szczególnej wartości. Od czerwca 2007 do października 2008 pełniła funkcję dyrektora artystycznego Opery Teatr Michajłowski(dawny Teatr Opery i Baletu im. Musorgskiego w Petersburgu). Teraz w Petersburgu prowadzi Centrum Kultury, nazwany jej imieniem, gdzie pracuje z młodymi wykonawcami. 24 października 1981 r. Odkryto mniejszą planetę nr 4623, która otrzymała nazwę „Obraztsova”.
Rita Streich (18 grudnia 1920 - 20 marca 1987) - jedna z najbardziej cenionych i nagrywanych niemieckich śpiewaczek operowych lat 40-60 XX wieku, sopran. Rita Streich urodziła się w Barnauł w Kraju Ałtajskim w Rosji. Jej ojciec Bruno Streich, kapral armii niemieckiej, został schwytany na frontach I wojny światowej i otruty w Barnauł, gdzie poznał rosyjską dziewczynę, przyszłą matkę słynnej piosenkarki Very Alekseeva. 18 grudnia 1920 r. Vera i Bruno mieli córkę Margaritę Shtreich. Wkrótce rząd sowiecki zezwolił niemieckim jeńcom wojennym na powrót do domu, a Bruno wraz z Verą i Margaritą wyjechał do Niemiec. Dzięki swojej rosyjskiej matce Rita Streich dobrze mówiła i śpiewała po rosyjsku, co było bardzo przydatne w jej karierze, jednocześnie ze względu na jej „nieczysty” niemiecki na początku były pewne problemy z faszystowskim reżimem. Talenty wokalne Rity wyszły na jaw wcześnie, zaczynając od niższe oceny była czołową performerką na szkolnych koncertach, na jednym z których została zauważona i zabrana na studia do Berlina przez wielką niemiecką śpiewaczkę operową Ernę Berger. W różnych okresach jej nauczycielami byli także słynny tenor Willi Domgraf-Fasbender i sopranistka Maria Ifogyn. Debiut Rity Streich na scena operowa odbyła się w 1943 roku w mieście Ossig (Aussig, obecnie Usti nad Labem, Czechy) z rolą Zerbinetty w operze Ariadne auf Naxos Richarda Straussa. W 1946 roku Rita zadebiutowała w berlińskiej Operze Narodowej, w głównej trupie, partią Olimpii w Opowieściach Hoffmanna Jacquesa Offebacha. Potem zaczęła nabierać tempa jej kariera sceniczna, która trwała do 1974 roku. Rita Streich pozostała w Operze Berlińskiej do 1952 roku, następnie przeniosła się do Austrii i spędziła prawie dwadzieścia lat na scenie Opery Wiedeńskiej. Tutaj wyszła za mąż iw 1956 roku urodziła syna. Rita Streich posiadała jasny sopran koloraturowy iz łatwością wykonywała najbardziej złożone partie w światowym repertuarze operowym, nazywano ją „Niemieckim Słowikiem” lub „Wiedeńskim Słowikiem”. W swojej długiej karierze Rita Streich występowała również w wielu teatrach świata - miała kontrakty z La Scala i bawarskim radiem w Monachium, śpiewała w Covent Garden, Operze Paryskiej, a także w Rzymie, Wenecji, Nowym Jorku, Chicago, San Francisco , podróżował do Japonii, Australii i Nowej Zelandii, występował na Festiwalach Operowych w Salzburgu, Bayreuth i Glyndebourne. Jej repertuar obejmował prawie wszystkie znaczące role operowe na sopran – była znana jako najlepsza odtwórczyni ról Królowej Nocy w „Czarodziejowym flecie” Mozarta, Annchen w „Free Gun” Webera i innych. Jej repertuar obejmował m.in. utwory kompozytorów rosyjskich, które wykonywała po rosyjsku. Uchodziła również za znakomitą interpretatorkę repertuaru operetkowego i pieśni ludowe i romanse. Współpracowała z najlepszymi orkiestrami i dyrygentami w Europie i nagrała 65 dużych płyt. Po ukończeniu kariery Rita Streich od 1974 jest profesorem Akademii Muzycznej w Wiedniu, uczyła w szkole muzycznej w Essen, prowadziła kursy mistrzowskie i kierowała Centrum Rozwoju Sztuki Lirycznej w Nicei. Rita Streich zmarła 20 marca 1987 r. w Wiedniu i została pochowana na starym cmentarzu miejskim obok swojego ojca Bruno Streicha i matki Very Alekseeva.
Elina Garanca to łotewska śpiewaczka (mezzosopran), jedna z czołowych śpiewaczek operowych naszych czasów. Elina Garancha urodziła się 16 września 1976 r. w Rydze w rodzinie muzyków, jej ojciec jest dyrygentem chórów, a jej matka, Anita Garancha, jest profesorem Łotewskiej Akademii Muzycznej, adiunktem Łotewskiej Akademii Kultury oraz nauczyciel śpiewu w Łotewskiej Operze Narodowej. W 1996 roku Elina Garancha wstąpiła do Łotewskiej Akademii Muzycznej w Rydze, gdzie studiowała śpiew u Siergieja Martynova, a od 1998 roku kontynuowała studia u Iriny Gavrilovich w Wiedniu, a następnie u Virginii Zeani w USA. Jednym z wydarzeń, które najmocniej wpłynęły na Elinę podczas studiów, było wykonanie w 1998 roku partii Jane Seymour z opery Anna Boleyn Gaetano Donizettiego - Garancha nauczył się tej roli w ciągu dziesięciu dni i znalazł głęboką sympatię dla repertuaru bel canto. Po ukończeniu studiów Garancha zadebiutowała na profesjonalnej scenie operowej w Państwowym Teatrze Południowej Turyngii w Meiningen w Niemczech rolą Oktawiana w The Rosenkavalier. W 1999 roku wygrała Konkurs Wokalny Miriam Helin w Helsinkach w Finlandii. W 2000 roku Elina Garanca zdobyła główną nagrodę na Łotewskim Narodowym Konkursie Wykonawczym, a następnie została przyjęta do trupy i pracowała w Operze we Frankfurcie, gdzie występowała m.in. jako Druga Dama w Czarodziejskim flecie, Jaś w Jasiu i Małgosi Humperdincka i Rosina w Sewilli fryzjera”. W 2001 roku została finalistką prestiżowego Cardiff International Singing Competition i wydała swój debiutancki solowy album z programem arii operowych. Międzynarodowy przełom dla młodej śpiewaczki nastąpił w 2003 roku na Festiwalu w Salzburgu, gdy zaśpiewała partię Annio w inscenizacji Miłosierdzia Tytusa Mozarta pod batutą Nikolausa Harnoncourta. Po tym występie nastąpił sukces i liczne zaręczyny. Głównym miejscem pracy była Wiedeńska Opera Państwowa, w której w latach 2003-2004 Garancha wykonywał partie Charlotte w Wertherze i Dorabelli w Every Does It So. We Francji najpierw wystąpiła w Théâtre des Champs Elysées (Angelina w Kopciuszku Rossiniego), a następnie w Operze Paryskiej (Opera Garnier) jako Oktawian. W 2007 roku Elina Garancha po raz pierwszy wystąpiła na swojej głównej scenie operowej rodzinne miasto Rigi w Łotewskiej Operze Narodowej z partią Carmen. W tym samym roku zadebiutowała w Berlińskiej Operze Państwowej (Sext) oraz w Royal Theatre „Covent Garden” w Londynie (Dorabella), a w 2008 – w Metropolitan Opera w Nowym Jorku rolą Rosiny w „ Cyrulik sewilski” oraz w Operze Bawarskiej w Monachium (Adalgisa). Obecnie Elina Garancha występuje na scenach czołowych światowych oper i sal koncertowych jako jedna z najjaśniejszych muzycznych gwiazd dzięki swojemu pięknemu głosowi, muzykalności i przekonującemu talentowi dramaturgicznemu. Krytycy zauważyli łatwość, szybkość i czysty komfort, z jakim Garancha posługiwała się swoim głosem oraz sukces, z jakim zastosowała nowoczesną technikę wokalną do złożonego repertuaru Rossiniego z początku XIX wieku. Elina Garancha posiada solidną kolekcję nagrań audio i wideo, w tym wielokrotnie nagradzaną nagroda Muzyczna„Grammy” nagranie opery „Bayazet” Antonia Vivaldiego pod dyrekcją Fabia Biondiego, w którym Elina wcieliła się w rolę Andronika. Elina Garancha jest żoną angielskiego dyrygenta Karela Marka Chichona, a para spodziewa się pierwszego dziecka pod koniec października 2011 roku.
Irina Konstantinovna Arkhipova - radziecka i rosyjska śpiewaczka operowa, mezzosopran, solistka Teatru Bolszoj (1956-1988), Artysta Ludowy ZSRR (1966), odznaczona Orderem Lenina (1971, 1976, 1985), laureatka Nagroda Lenina (1978), Bohater Pracy Socjalistycznej (1984), laureat Nagrody Państwowej Rosji (1996). Irina Konstantinovna Arkhipova urodziła się 2 stycznia 1925 r. W Moskwie. Już w wieku ośmiu lat wstąpiła do Centralnej Szkoły Muzycznej przy Konserwatorium Moskiewskim, ale z powodu nagłej choroby nie mogła tam studiować. Później Irina wstąpiła do szkoły Gnessin. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej została wraz z rodziną ewakuowana do Taszkentu, gdzie weszła do Moskiewskiego Instytutu Architektonicznego, który tam również został ewakuowany. Po ukończeniu studiów równolegle prace przy projektowaniu i budowie szeregu obiektów w stolicy, w tym nowego kompleksu budynków Moskiewskiego Uniwersytetu Państwowego na Wzgórzach Wróbli lekcje śpiewu z N.M. Malysheva, a później studiował w Konserwatorium Moskiewskim w klasie śpiewu L.F. Savransky'ego. W 1953 ukończyła konserwatorium. W latach 1954-1956 była solistką Teatru Opery i Baletu w Swierdłowsku. W latach 1956-1988 była solistką Teatru Bolszoj. Uznanie na całym świecie zyskała rola Carmen w operze o tym samym tytule autorstwa Georgesa Bizeta. Cechowała ją głębokie wewnętrzne ujawnienie obrazu i przemyślana interpretacja. Miała dar przemiany scenicznej. Od 1955 koncertuje za granicą (Austria, Polska, NRD, Finlandia, Włochy, Węgry, Rumunia, Czechosłowacja, Bułgaria, USA, Japonia, Francja, Kanada). W 1967 i 1971 śpiewała w teatrze La Scala (Martha i Marina Mnishek). Od 1975 wykłada w Konserwatorium Moskiewskim, od 1984 jest profesorem. W latach 80. wystąpiła z cyklem koncertów „Antologia rosyjskiego romansu”. W 1966 została zaproszona do jury Konkursu Czajkowskiego, a od 1967 jest stałą przewodniczącą jury Konkursu im. Glinki. Od tego czasu zasiada w jury wielu prestiżowych konkursów na świecie, m.in. „Głos Verdiego” i imienia Mario del Monaco we Włoszech, Konkursu Królowej Elżbiety w Belgii, imienia Marii Callas w Grecji, imię Francisco Viñasa w Hiszpanii, konkurs wokalny w Paryżu, konkurs wokalny w Monachium. Od 1974 (z wyjątkiem 1994) jest stałym przewodniczącym jury Konkursu im. Czajkowskiego w sekcji „śpiew solowy”. W 1997 r. na zaproszenie prezydenta Azerbejdżanu Hejdara Alijewa i ministra kultury Azerbejdżanu Pallada Bul-Bul Ogly, Irina Arkhipova przewodniczyła jury Konkursu Bul-Bul, zorganizowanego z okazji 100. rocznicy jego urodzin . Od 1986 roku IK Arkhipova jest przewodniczącym Ogólnounijnego Towarzystwa Muzycznego, które pod koniec 1990 roku zostało przekształcone w Międzynarodową Unię figury muzyczne. Od 1983 r. - Prezes Fundacji Iriny Arkhipowej. Doktor honoris causa Narodowej Akademii Muzycznej im. Musichesku Republiki Mołdawii (1998), prezes Towarzystwa Przyjaźni „Rosja – Uzbekistan”. Była deputowaną Rady Najwyższej ZSRR VI zwołania. Zastępca Ludowego ZSRR (1989-1991). Autor książek: „Moje muzy” (1992), „Muzyka życia” (1997), „Marka o imieniu „I” (2005). Mąż piosenkarza jest Artystą Ludowym ZSRR Vladislav Piavko. Syn - Andrzej. Prawnuczka - Irina. 19 stycznia 2010 r. Irina Konstantinovna Arkhipova była hospitalizowana z patologią serca w szpitalu klinicznym Botkin City. 11 lutego 2010 roku zmarł piosenkarz. Została pochowana 13 lutego 2010 roku na cmentarzu Nowodziewiczy w Moskwie.
Ekaterina Lyokhina to rosyjska śpiewaczka operowa i sopran. Ekaterina Lechina urodziła się 15 kwietnia 1979 roku w Samarze. Podczas nauki w szkole łączyła łyżwiarstwo figurowe z lekcjami w szkole muzycznej nr 10 w Samarze. Bardziej lubiła łyżwiarstwo figurowe, ale jej rodzice, a nie sami muzycy, jej matka jest inżynierem, jej ojciec jest robotnikiem, nalegali na kontynuowanie nauki muzyki. Po ukończeniu szkoły muzycznej Ekaterina wstąpiła na wydział dyrygencko-chóralny w D.G. Shatalov Music College, który ukończyła z wyróżnieniem. W 1998 roku przeniosła się do Moskwy i kontynuowała naukę w Akademii Sztuki Chóralnej, gdzie uzyskała również tytuł magistra śpiewu operowego (w klasie prof. S. Nesterenko). Po akademii pracowała przez krótki czas w Moskiewskiej Operze Nowaja, przy drobnych przedstawieniach. Pierwszy sukces przyniósł zwycięstwo w petersburskim konkursie wokalnym w 2005 roku, co zostało zauważone i docenione przez europejskich ekspertów. Od tego czasu jest znacznie szerzej znana światowej publiczności niż rosyjskiej. W 2006 roku Ekaterina Lechina zadebiutowała w wiedeńskiej Volksoper jako Madame Hertz w reżyserii Mozarta. Jej kolejną rolą w wiedeńskiej Volksoper była Królowa Nocy w Czarodziejskim flecie Mozarta, z tą rolą wystąpiła także w monachijskim teatrze Gartnerplatz, w dwóch berlińskich teatrach - Niemieckiej Operze Państwowej i Deutsche Oper, a także w teatrach Hannover , Düsseldorfie, Treviso, Hongkongu i Pekinie. W 2007 roku Ekaterina Lekhina wygrała jeden z najbardziej prestiżowych międzynarodowych konkursów wokalnych Operalia, który odbył się w tym roku w Paryżu. W finale konkursu doszło do małego incydentu - organizator konkursu, maestro Placido Domingo, nie pokazał orkiestrze wstępu i zakończenia arii Lakme, Ekaterina zaśpiewała w zupełnej ciszy. Podczas wręczania nagrody głównej dyrygent tłumaczył: „Rozumiesz, podsłuchałem i dlatego nie zdążyłem pokazać wstępu do orkiestry”. W 2008 roku Lechina zadebiutowała w Royal Opera Covent Garden z rolą Olimpii z „Opowieści Hoffmanna”, ten występ przyniósł jej uznanie krytyków i wielki sukces. W 2011 roku Ekaterina Lechina otrzymała prestiżową nagrodę Grammy od Amerykańskiej Akademii Nagrań w nominacji do Najlepszego Nagrania Operowego. Ekaterina zagrała główną rolę - księżniczkę w operze „Miłość z daleka” fińskiego kompozytora Kaya Saari-Aho. Dyrygent Kent Nagano, Niemiecka Orkiestra Symfoniczna Berlina, Chór Radia Berlińskiego, soliści - Daniel Belcher i Marie-Ange Todorovic. Obecnie wokalistka pracuje na podstawie kontraktów w różnych teatrach na całym świecie.
Maria Callas (ur. Maria Callas; imię w akcie urodzenia - Sophia Cecelia Kalos, ang. Sophia Cecelia Kalos, ochrzczona jako Cecilia Sophia Anna Maria Kalogeropoulos - grecki Μαρ?α Καλογεροπο?λου; 2 (4) grudnia 1923, Nowy Jork - wrzesień 16, 1977, Paryż) – amerykańska śpiewaczka operowa (sopran). Maria Callas należy do takich reformatorów opery jak Richard Wagner i Arturo Toscanini. Z jej imieniem nierozerwalnie związana jest kultura drugiej połowy XX wieku. Na początku lat 50., w przededniu fenomenu postmodernizmu, kiedy XIX-wieczna opera stała się estetycznym anachronizmem, Maria Callas przywróciła sztukę operową na szczyt sceny Olimp. Ożywiając epokę belcanta, Maria Callas nie ograniczyła się do wirtuozowskiej koloratury w operach Belliniego, Rossiniego i Donizettiego, ale uczyniła swój głos głównym środkiem wyrazu. Stała się wszechstronną śpiewaczką z repertuarem sięgającym od klasycznych seriali operowych, takich jak Vestals Spontiniego po najnowsze opery Verdiego, werystyczne opery Pucciniego i dramaty muzyczne Wagnera. Rozwojowi kariery Callasa w połowie XX wieku towarzyszyło pojawienie się płyty LP w nagraniach dźwiękowych i przyjaźń z wybitną postacią wytwórni EMI, Walterem Legge. Pojawienie się nowej generacji dyrygentów, takich jak Herbert von Karajan i Leonard Bernstein oraz reżyserów filmowych, takich jak Luchino Visconti i Franco Zeffirelli, na scenie operowych sprawiło, że każdy występ z udziałem Marii Callas był wydarzeniem. Zamieniła operę w prawdziwy teatr dramatyczny, sprawiając, że nawet „tryle i skale wyrażają radość, niepokój czy tęsknotę”. Maria Callas urodziła się w Nowym Jorku w rodzinie greckich imigrantów. W 1936 roku matka Marii, Evangelia, wróciła do Aten, aby kontynuować edukację muzyczną córki. Matka chciała wcielić swoje nieudane talenty w córce i zaczęła zabierać ją do nowojorskiej Biblioteki na Piątej Alei. Maria zaczęła słuchać muzyki klasycznej w wieku trzech lat, w wieku pięciu lat brała lekcje gry na fortepianie, a w wieku ośmiu lat lekcje śpiewu. W wieku 14 lat Maria rozpoczęła naukę w Konserwatorium Ateńskim pod kierunkiem byłej hiszpańskiej piosenkarki Elviry de Hidalgo. W lipcu 1941 roku w okupowanych przez Niemców Atenach Maria Callas zadebiutowała w Operze Ateńskiej jako Tosca. W 1945 roku Maria Callas wróciła do Nowego Jorku. Nastąpiła seria niepowodzeń: nie została przedstawiona Toscaniniemu, odmówiła śpiewania Cio-Cio-San w Metropolitan Opera ze względu na jej wielką wagę i ma nadzieję na odrodzenie Lyric Opera w Chicago, gdzie miała nadzieję śpiewać, upadł. W 1947 roku Callas zadebiutowała na scenie amfiteatru Arena di Verona w operze La Gioconda Ponchiellego pod batutą Tullio Serafiny. Spotkanie z Serafin było, jak powiedziała sama Kallas: „Prawdziwym początkiem kariery i największym sukcesem mojego życia”. Tullio Serafin wprowadza Callas w świat wielkiej opery. Śpiewa pierwsze partie w Aidzie Verdiego i Normie Belliniego pod koniec 1948 roku. Na początku 1949 roku, w ciągu tygodnia, niekompatybilne wokalnie partie Brunhildy w Walkirii Wagnera i Elwiry w Purytanach Belliniego stworzyły twórczy fenomen dla śpiewaczki Marii Callas. Śpiewała zarówno partie liryczne, jak i dramatyczne oraz koloraturowe, co było śpiewanym cudem – „cztery głosy w jednym gardle”. W 1949 Callas wyruszył w trasę koncertową do Ameryki Południowej. W 1950 roku po raz pierwszy zaśpiewała w La Scali i została „królową włoskich primadonny”. W 1953 roku EMI wydało pierwsze kompletne nagrania oper z Marią Callas. W tym samym roku traci 30 kilogramów. Przemieniona Callas podbija publiczność na scenach operowych Europy i Ameryki w operach: Łucja z Lammermoor Donizettiego, Norma Belliniego, Medea Cherubiniego, Trovatore i Makbet Verdiego, Tosca Pucciniego. We wrześniu 1957 roku w Wenecji na balu z okazji urodzin dziennikarki Elsy Maxwell Maria Callas po raz pierwszy spotkała Arystotelesa Onassisa. Wiosną 1959 roku w Wenecji spotkali się ponownie na balu. Następnie Onassis pojechał do Londynu na koncert Callas. Po tym koncercie zaprosił ją i jej męża na swój jacht. Pod koniec listopada 1959 r. żona Onassisa, Tina, złożyła wniosek o rozwód, a Callas i Onassis w tym czasie otwarcie pojawili się razem w społeczeństwie. Para prawie nieustannie się kłóciła, aw 1968 roku Maria Callas dowiedziała się z gazet, że Arystoteles Onassis poślubił wdowę po prezydencie USA Jacqueline Kennedy. W 1959 roku następuje punkt zwrotny w udanej karierze. Sprzyjała temu utrata głosu, seria skandali, rozwód, zerwanie z Metropolitan Opera, przymusowe odejście z La Scali, nieszczęśliwa miłość do Arystotelesa Onassisa i utrata dziecka. Próba powrotu na scenę w 1964 roku kończy się kolejną porażką. W Weronie Maria Callas spotkała miejscowego przemysłowca Giovanniego Batistę Meneghiniego. Był od niej dwa razy starszy i namiętnie kochał operę. Wkrótce Giovanni wyznał Marii miłość, całkowicie sprzedał swój biznes i poświęcił się Callas. W 1949 Maria Callas i Giovanni Meneghini pobrali się. Stał się dla Marii wszystkim: wiernym mężem, kochającym ojcem, oddanym menedżerem i hojnym producentem. W 1969 roku włoski reżyser Pier Paolo Pasolini zaprosił Marię Callas do roli Medei w filmie film o tej samej nazwie. Choć film nie odniósł sukcesu komercyjnego, cieszy się dużym zainteresowaniem kinowym, podobnie jak cała reszta twórczości Pasoliniego. Rola Medei była dla Marii Callas jedyną rolą poza operą. W ostatnich latach życia Maria Callas mieszkała w Paryżu, praktycznie nie wychodząc z mieszkania, w którym zmarła w 1977 roku. Została skremowana i pochowana na cmentarzu Père Lachaise. Później jej prochy zostały rozrzucone po Morzu Egejskim. Włoscy foniatrzy (specjaliści od chorób strun głosowych) Franco Fussi i Nico Paolillo ustalili najbardziej prawdopodobną przyczynę śmierci diwa operowa Maria Callas, pisze we włoskim La Stampa (tłumaczenie na język angielski artykułu opublikowanego przez Parterre Box). Zgodnie z wynikami ich badań, Callas zmarł z powodu zapalenia skórno-mięśniowego, rzadkiej choroby tkanki łącznej i mięśni gładkich. Fussi i Paolillo doszli do tego wniosku po przestudiowaniu nagrań Callas dokonanych w różnych latach i przeanalizowaniu stopniowego pogarszania się jej głosu. Analiza spektrograficzna nagrań studyjnych i wykonań koncertowych wykazała, że pod koniec lat 60., kiedy uwidoczniło się pogorszenie jej zdolności wokalnych, zakres głosu Callas faktycznie zmienił się z sopranowego na mezzosopran, co wyjaśniało zmianę brzmienia wysokich tonów. w jej występie. Ponadto wnikliwe nagrania wideo z jej późnych koncertów ujawniły, że mięśnie piosenkarki były znacznie osłabione: jej klatka piersiowa praktycznie nie unosiła się podczas oddychania, a podczas wdechu piosenkarka unosiła ramiona i napinała mięśnie naramienne, to znaczy w rzeczywistości popełniła najczęstszy błąd przy wsparciu mięśnia głosowego. Przyczyna śmierci Marii Callas nie jest znana, ale uważa się, że piosenkarka zmarła z powodu zatrzymania akcji serca. Według Fussy i Paolillo wyniki ich pracy bezpośrednio wskazują, że zawał mięśnia sercowego, który do tego doprowadził, był powikłaniem zapalenia skórno-mięśniowego. Warto zauważyć, że diagnozę tę (zapalenie skórno-mięśniowe) postawił Callas na krótko przed śmiercią jej lekarz Mario Giacovaczo (stała się wiadoma dopiero w 2002 roku). role operowe Marii Callas Santuzzy - Mascagni's Rural Honor (1938, Ateny) Tosca - Pucciniego Tosca (1941, Ateńska Opera) Gioconda - La Gioconda Ponchiellego (1947, Arena di Verona) Turandot - Turandot Pucciniego (1948, Carlo Felice (Genua) Aida - Aida Verdiego (1948, Metropolitan Opera, Nowy Jork) Norma - Norma Belliniego (1948, 1956, Metropolitan Opera; 1952, Covent Garden) , Londyn; 1954, Lyric Opera, Chicago) Brunhilda - Walkiria Wagnera (1949-1950, Metropolitan Opera ) Elvira - Purytani Belliniego (1949-1950, Metropolitan Opera) Elena - Nieszpory sycylijskie » Verdi (1951, La Scala, Mediolan) Kundry - Parsifal Wagnera (La Scala) Violetta - La Traviata Verdiego (La Scala) Medea - Medea Cherubiniego (1953) , La Scala) Julia - Westalka Spontiniego (1954, La Scala) Gilda - Rigoletto Verdiego (1955, La Scala) Madama Butterfly (Cio-Cio-san) - Madama Butterfly Pucciniego (La Scala) Lady Makbet - „Makbet” Verdiego Fiodor - „Fedora” Giordano Anna Boleyn - „Anna Boleyn" Donizetti Lucia - "Lucia di Lammermoor" Donizetti Amina - "Lunatyk" Bellini Carmen - "Carmen" Bizet
Diana Damrau to niemiecka śpiewaczka operowa i koncertowa, sopran koloraturowy. Diana Damrau urodziła się 31 maja 1971 roku w Günzburgu w Bawarii w Niemczech. Mówią, że jej miłość do muzyki klasycznej i opery obudziła się w wieku 12 lat, po obejrzeniu pięknej opery filmowej Franco Zeffirelli „La Traviata” (G. Verdi) z Placido Domingo i Teresą Strates w rolach głównych. W wieku 15 lat wystąpiła w musicalu „My Fair Lady” na festiwalu w sąsiedniej miejscowości Offingen. Wykształcenie wokalne odebrała w Wyższej Szkole Muzycznej w Würzburgu, gdzie uczyła ją rumuńska śpiewaczka Carmen Hanganu, a podczas studiów studiowała także w Salzburgu u Hanny Ludwig i Edith Mathis. Po ukończeniu z wyróżnieniem konserwatorium w 1995 roku Diana Damrau zawarła dwuletni kontrakt z teatrem w Würzburgu, gdzie zadebiutowała na scenie teatralnej jako Eliza „My Fair Lady” oraz operowym debiutem partią Barbariny z Le nozze di Figaro, a następnie role Annie („Magiczny strzelec”), Małgosi („Jaś i Małgosia”), Marii („Car i cieśla”), Adele („Nietoperz”), Valenciennes („Nietoperz”). Wesoła Wdowa”) i innych. Potem były dwuletnie kontrakty z Teatrem Narodowym w Mannheim i Operą we Frankfurcie, gdzie grała role Gildy (Rigoletto), Oscara (Bal maskowy), Zerbinetty (Ariadna auf Naxos), Olimpii (Opowieści Hoffmanna) i Królowe Nocy („Magiczny flet”). W latach 1998/99 występowała jako Królowa Nocy w Operze Państwowej w Berlinie, Dreźnie, Hamburgu, Frankfurcie oraz w Operze Bawarskiej jako Zerbinetta. W 2000 roku w Operze Wiedeńskiej odbył się pierwszy występ Diany Damrau poza granicami Niemiec w roli Królowej Nocy. Od 2002 roku piosenkarka pracuje jako niezależna artystka w różnych teatrach, w tym samym roku zadebiutowała za granicą koncertem w USA, w Waszyngtonie. Od tego czasu pracuje na czołowych scenach operowych świata, kulminacyjnym momentem w karierze Damrau są debiuty w Covent Garden (2003, Queen of the Night), w 2004 w La Scali na otwarciu po renowacji teatru w Wiodącą rolę w „Uznanej Europie” Antonio Salieriego, w 2005 w Metropolitan Opera (Zerbinetta, „Ariadne auf Naxos”), w 2006 na Festiwalu w Salzburgu, koncert plenerowy z Plácido Domingo na Stadionie Olimpijskim w Monachium z okazji otwarcia Mistrzostwa Świata w piłce nożnej latem 2006 roku. Repertuar operowy Diany Damrau jest bardzo zróżnicowany, pracuje zarówno w klasyczne role sopran w operach włoskich, francuskich i niemieckich oraz w utworach kompozytorzy współcześni, a na początku kariery w musicalach i operetkach. Bagaż jej ról operowych sięga prawie pięćdziesięciu i oprócz wspomnianych wcześniej, zawiera Marceline (Fidelio, Beethoven), Leila (Pearl Diggers, Bizet), Norina (Don Pasquale, Donizetti), Adina (Love Potion, Donizetti). , Lucia („Łucja z Lammermoor”, Donizetti), Rita („Rita”, Donizetti), Marguerite de Valois („Hugenoci”, Meyerbeer), Servilia („Miłosierdzie Tytusa”, Mozart), Konstancja i Blondynka („Uprowadzenie z seraju”, Mozart), Suzanne („Wesele Figara”, Mozart), Pamina („Czarodziejski flet”, Mozart), Rosina („Cyrulik sewilski”, Rossini), Sophie („Rycerz róż” ”, Strauss), Adele („Nietoperz”, Strauss), Woglind („Złoto Renu” i „Zmierzch Bogów”, Wagner) i wielu innych. Oprócz swoich osiągnięć w operze, Diana Damrau dała się poznać jako jedna z najlepszych wykonawców koncertowych w repertuarze klasycznym. Wykonuje oratoria i pieśni Bacha, Haendla, Mozarta, Vincenza Righiniego, Beethovena, Roberta i Clary Schumanna, Meyerbeera, Brahmsa, Fauré, Mahlera, Richarda Straussa, Zemlinsky'ego, Debussy'ego, Orffa, Barbera, regularnie występuje w Filharmonii Berlińskiej, Carnegie Hall , Wigmore Hall, Golden Hall Filharmoników Wiedeńskich, a także stały gość festiwali Schubertiade, Monachium, Salzburga i innych. Jej płyta z pieśniami Richarda Straussa (Poesie) z Filharmonią Monachijską została nagrodzona ECHO Klassik w 2011 roku. Diana Damrau mieszka w Genewie, w 2010 roku poślubiła francuskiego bas-barytona Nicolasa Teste, pod koniec tego samego roku Diana urodziła syna Aleksandra. Po urodzeniu dziecka piosenkarka wróciła na scenę i kontynuuje aktywną karierę. Zdjęcie: Tanja Niemann
Maria Nikolaevna Kuznetsova - rosyjska śpiewaczka operowa (sopran) i tancerka, jedna z najbardziej znanych śpiewaczek przedrewolucyjna Rosja. Czołowy solista Teatru Maryjskiego, uczestnik Sezonów Rosyjskich Siergieja Diagilewa. Współpracowała z N.A. Rimskim-Korsakowem, Richardem Straussem, Julesem Massenetem, śpiewała w parze z Fiodorem Chaliapinem i Leonidem Sobinowem. Po opuszczeniu Rosji po 1917 roku nadal z powodzeniem występowała za granicą. Maria Nikołajewna Kuzniecowa urodziła się w 1880 roku w Odessie. Maria dorastała w twórczej i intelektualnej atmosferze, jej ojciec Nikołaj Kuzniecow był artystą, a matka pochodziła z rodziny Miecznikowa, wujami Marii byli laureat Nagrody Nobla biolog Ilja Miecznikow i socjolog Lew Miecznikow. Piotr Iljicz Czajkowski odwiedził dom Kuzniecowa, który zwrócił uwagę na talent przyszłej piosenkarki i skomponował dla niej piosenki dla dzieci, od dzieciństwa Maria marzyła o zostaniu aktorką. Jej rodzice wysłali ją do gimnazjum w Szwajcarii, wracając do Rosji, uczyła się baletu w Petersburgu, ale odmówiła tańca i zaczęła uczyć się śpiewu u włoskiego nauczyciela Marty'ego, a później u barytona i jej partnera scenicznego I.V. Tartakova. Wszyscy zwracali uwagę na jej czysty, piękny liryczny sopran, zauważalny talent aktorski i kobiecą urodę. Igor Fiodorowicz Strawiński opisał ją jako „… dramatyczną sopran, którą można było oglądać i słuchać z takim samym apetytem”. W 1904 Maria Kuzniecowa zadebiutowała na scenie Konserwatorium Petersburskiego jako Tatiana w Eugeniuszu Onieginie Czajkowskiego, aw 1905 na scenie Teatru Maryjskiego jako Małgorzata w Fauście Gounoda. Solistka Teatru Maryjskiego, z krótką przerwą, Kuzniecowa pozostała do rewolucji 1917 roku. W 1905 roku w Petersburgu ukazały się dwie płyty gramofonowe z zapisem jej wykonań, w sumie w swojej twórczej karierze dokonała 36 nagrań. Pewnego razu, w 1905 roku, wkrótce po debiucie Kuzniecowej w maryjskim, podczas jej występu w teatrze wybuchła kłótnia między studentami a oficerami, sytuacja w kraju była rewolucyjna, w teatrze wybuchła panika. Maria Kuznetsova przerwała arię Elsy z Lohengrina R. Wagnera i spokojnie odśpiewała hymn rosyjski „God Save the Car”, brzęczyki zostały zmuszone do przerwania kłótni, a publiczność uspokoiła się, spektakl trwał dalej. Pierwszym mężem Marii Kuzniecowej był Albert Albertovich Benois, ze znanej dynastii rosyjskich architektów, artystów, historyków Benois. W kwiecie wieku Maria była znana: podwójne nazwisko Kuzniecow-Benois. W swoim drugim małżeństwie Maria Kuznetsova wyszła za mąż za producenta Bogdanowa, w trzecim - za bankiera i przemysłowca Alfreda Masseneta, bratanka słynnego kompozytora Julesa Masseneta. W swojej karierze Kuznetsova-Benois brała udział w wielu europejskich premierach operowych, m.in. partie Fevronii w „Legendzie o niewidzialnym mieście Kiteż i panieńskie Fevronia” Rimskiego-Korsakowa oraz Cleopatra z opery o tym samym tytule J. Masseneta , które kompozytor napisał specjalnie dla niej. A także na scenie rosyjskiej po raz pierwszy zaprezentowała rolę Vogdoliny w „Złocie Renu” R. Wagnera, Cio-Cio-san w „Madame Butterfly” G. Pucciniego i wielu innych. Z Maryjskim Opera Company odbyła tournée po miastach Rosji, Francji, Wielkiej Brytanii, Niemczech, Włoszech, USA i innych krajach. Wśród niej najlepsze role: Antonida („Życie dla cara” M. Glinki), Ludmiła („Rusłan i Ludmiła” M. Glinki), Olga („Syrenka” A. Dargomyzhsky), Masza („Dubrovsky” E. Napravnik), Oksana ("Czerewiczki" P. Czajkowski), Tatiana ("Eugeniusz Oniegin" P. Czajkowski), Kupava ("Śnieżna Panna" N. Rimski-Korsakow), Julia ("Romeo i Julia" Ch. Gounod), Carmen (" Carmen" J. Bizeta), Manon Lescaut (Manon J. Masseneta), Violetta (Traviata G. Verdiego), Elsę (Lohengrin R. Wagnera) i innych. występowała w Paryżu i Londynie jako baletnica, a także częściowo sponsorował ich występ. Tańczyła w balecie „Legenda Józefa” Richarda Straussa, balet przygotowały gwiazdy swoich czasów – kompozytor i dyrygent Richard Strauss, reżyser Siergiej Diagilew, choreograf Michaił Fokin, kostiumy i dekoracje Lew Bakst, główny tancerz Leonid Myasin . To była ważna rola i dobre towarzystwo, ale od samego początku produkcja napotykała pewne trudności: nie było dużo czasu na próby, Strauss był w złym humorze, bo gościnnie baleriny Ida Rubinstein i Lydia Sokolova odmówiły udziału, także Strauss nie lubił pracować z francuskimi muzykami i ciągle kłócił się z orkiestrą, a Diagilew wciąż martwił się odejściem tancerza Wacława Niżyńskiego z trupy. Mimo kłopotów zakulisowych balet z sukcesem zadebiutował w Londynie i Paryżu. Oprócz próbowania swoich sił w balecie, Kuznetsova wykonała kilka przedstawień operowych, w tym inscenizację Księcia Igora Borodina w Londynie. Po rewolucji w 1918 roku Maria Kuzniecowa opuściła Rosję, jak przystało na aktorkę, zrobiła to w dramatycznej urodzie - w ubraniu chłopca pokładowego ukryła się na dolnym pokładzie statku płynącego do Szwecji. Została śpiewaczką operową w Operze Sztokholmskiej, następnie w Kopenhadze, a następnie w Royal Opera House, Covent Garden w Londynie. Przez cały ten czas stale przyjeżdżała do Paryża, a w 1921 ostatecznie osiadła w Paryżu, który stał się jej drugim twórczym domem. W latach 20. Kuzniecowa wystawiała prywatne koncerty, podczas których śpiewała pieśni rosyjskie, francuskie, hiszpańskie i cygańskie, romanse i opery. Na tych koncertach często tańczyła po hiszpańsku Tańce ludowe i flamenco. Niektóre z jej koncertów miały charakter charytatywny na rzecz potrzebującej emigracji rosyjskiej. Została gwiazdą paryskiej opery, przyjęcie do jej salonu uchodziło za wielki zaszczyt. „Kolor społeczeństwa”, ministrowie i przemysłowcy stłoczyli się w jej przedpokoju. Oprócz prywatnych koncertów często pracowała jako solistka w wielu teatrach operowych w Europie, m.in. w Covent Garden oraz w Operze Paryskiej i Opéra Comique. W 1927 r. Maria Kuzniecowa wraz z księciem Aleksiejem Ceretelim i barytonem Michaiłem Karakaszem zorganizowała w Paryżu prywatną firmę Russian Opera, do której zaprosiła wielu rosyjskich śpiewaków operowych, którzy wyjechali z Rosji. Opera Rosyjska wystawiała Sadko, Opowieść o carze Saltanie, Opowieść o niewidzialnym mieście Kiteż i Maiden Fevronia, Jarmark Soroczyńskiego oraz inne opery i balety rosyjskich kompozytorów i wystawiała w Londynie, Paryżu, Barcelonie, Madrycie, Mediolanie i w odległym Buenos Aires. „Opera Rosyjska” trwała do 1933 roku, po czym Maria Kuzniecowa zaczęła dawać mniej występów. Maria Kuznetsova zmarła 25 kwietnia 1966 w Paryżu we Francji.
Angela Gheorghiu (Rumuńska Angela Gheorghiu) to rumuńska śpiewaczka operowa, sopran. Jeden z najsłynniejszych śpiewaków operowych naszych czasów. Angela Georgiou (Burlacu) urodziła się 7 września 1965 roku w małym miasteczku Ajud w Rumunii. Od wczesnego dzieciństwa było oczywiste, że zostanie piosenkarką, jej przeznaczeniem była muzyka. Studiowała w szkole muzycznej w Bukareszcie i ukończyła Narodowy Uniwersytet Muzyczny w Bukareszcie. Jej profesjonalny debiut operowy miał miejsce w 1990 roku jako Mimi w Cyganerii Pucciniego w Cluj iw tym samym roku wygrała międzynarodowy konkurs wokalny im. Hansa Gabora Belvedere w Wiedniu. Nazwisko Georgiou pozostało przy niej od pierwszego męża. Angela Georgiou zadebiutowała na arenie międzynarodowej w 1992 roku w Royal Opera House w Covent Garden w Cyganerii. W tym samym roku zadebiutowała w nowojorskiej Metropolitan Opera iw Wiedeńskiej Operze Państwowej. W 1994 roku w Royal Opera House w Covent Garden po raz pierwszy zaśpiewała partię Violetty w Traviacie, w tym momencie nastąpiły „narodziny gwiazdy”, Angela Georgiou zaczęła odnosić nieustanne sukcesy na scenach operowych i sale koncertowe na całym świecie: w Nowym Jorku, Londynie, Paryżu, Salzburgu, Berlinie, Tokio, Rzymie, Seulu, Wenecji, Atenach, Monte Carlo, Chicago, Filadelfii, Sao Paulo, Los Angeles, Lizbonie, Walencji, Palermo, Amsterdamie, Kuala Lumpur, Zurych, Wiedeń, Salzburg, Madryt, Barcelona, Praga, Montreal, Moskwa, Taipei, San Juan, Lublana. W 1994 roku poznała tenora Roberto Alagnę, którego poślubiła w 1996 roku. Ceremonia ślubna odbyła się w Metropolitan Opera w Nowym Jorku. Para Alanya-Georgiou od dawna jest najjaśniejszym kreatywnym związkiem rodzinnym na scenie operowej, teraz są rozwiedzeni. Jej pierwszy ekskluzywny kontrakt płytowy został podpisany w 1995 roku z firmą Decca, po czym wydawała kilka płyt rocznie, obecnie ma na swoim koncie około 50 albumów, zarówno wystawianych na koncertach operowych, jak i solowych. Wszystkie jej płyty zdobyły uznanie krytyków i zdobyły wiele międzynarodowych nagród, w tym nagrodę magazynu Gramophone, niemiecką nagrodę Echo, francuską Diapason d’Or i Choc du Monde de la Musique i wiele innych. Dwukrotnie w 2001 i 2010 roku brytyjska „Classical BRIT Awards” przyznała jej tytuł „Najlepszej wokalistki roku”. Zakres ról Angeli Georgiou jest bardzo szeroki, szczególnie uwielbia opery Verdiego i Pucciniego. Repertuar włoski, być może ze względu na względne podobieństwo rumuńskiego i Włoski, radzi sobie świetnie, niektórzy krytycy zauważają, że słabiej grana jest opera francuska, niemiecka, rosyjska i angielska. Najważniejsze role Angeli Gheorghiu: Bellini „Lunatyk” – Amina Bizet „Carmen” – Micaela, Carmen Cilea „Adriana Lecouvreur” – Adriana Lecouvreur Donizetti „Lucia di Lammermoor” – Lucia Donizetti „Lucrezia Borgia” – Lucrezia „Love Borgia Donizetti” " - Adina Gounod "Faust" - Marguerite Gounod "Romeo i Julia" - Julia Massenet "Manon" - Manon Massenet "Werther" - Charlotte Mozart "Don Giovanni" - Zerlina Leoncavallo "Pagliacci" - Nedda Puccini "Jaskółka" - Magda Puccini „La Boheme” – Mimi Puccini „Gianni Schicchi” – Loretta Puccini „Tosca” – Tosca Puccini „Turandot” – Liu Verdi Troubadour – Leonora Verdi „La Traviata” – Violetta Verdi „Luise Miller” – Louise Verdi „Simon Boccanegra” – Maria Angela Gheorghiu nadal aktywnie występuje i znajduje się na szczycie opery Olympus. Przyszłe zobowiązania obejmują różne koncerty w Europie, Ameryce i Azji, Tosca i Faust w Royal Opera House, Covent Garden.
Annette Dasch to niemiecka śpiewaczka operowa i sopran. Jeden z czołowych współczesnych niemieckich śpiewaków operowych. Annette Dasch urodziła się 24 marca 1976 roku w Berlinie. Rodzice, ojciec, sędzia i matka Annette studiowali medycynę, kochali muzykę i zaszczepili tę miłość czwórce swoich dzieci. W domu tradycyjnie wszyscy członkowie rodziny grali i śpiewali razem, po dojrzewaniu wszystkie dzieci stały się profesjonalnymi muzykami: najstarsza córka - pianista koncertowy, młodsi bracia - jeden - wokalista, bas-baryton, członek klasycznego popu kwintet „Adoro”, drugi – nauczyciel muzyki. Od dzieciństwa Annette występowała w szkolnym zespole wokalnym i marzyła o zostaniu piosenkarką rockową. Była również aktywnym skautem i nadal lubi wędrować i wędrować. W 1996 roku Annette przeniosła się do Monachium, aby studiować śpiew w Wyższej Szkole Muzyki i Teatru w Monachium. W latach 1998/99 odbyła również kursy muzyki i dramatu na Uniwersytecie Muzyki i Teatru w Grazu (Austria). Międzynarodowy sukces przyszedł w 2000 roku, kiedy wygrała trzy główne międzynarodowe konkursy wokalne - Konkurs im. Marii Callas w Barcelonie, Konkurs Piosenki Schumanna w Zwickau oraz konkurs w Genewie. Od tego czasu występowała na najlepszych scenach operowych w Niemczech i na świecie - w Operze Bawarskiej, Berlinie, Dreźnie, Operze Paryskiej i Champs Elysees, La Scali, Covent Garden, Operze Tokijskiej, Metropolitan Opera i wielu innych . W 2006, 2007, 2008 występowała na Festiwalu w Salzburgu, w 2010, 2011 na Festiwalu Wagnerowskim w Bayorot. Zakres ról Annette Dasch jest dość szeroki, w tym role Armidy („Armida”, Haydn), Małgosi („Jaś i Małgosia”, Humperdinck), Goose Girls („Królewskie dzieci”, Humperdinck), Fiordiligi („Wszyscy Czy tak jest” , Mozart), Elvira („Don Giovanni”, Mozart), Elvira („Idomeneo”, Mozart), Hrabina („Wesele Figara”, Mozart), Pamina („Czarodziejski flet”, Mozart), Anthony („Opowieści Hoffmanna”, Offenbach), Liu („Turandot”, Puccini), Rosalind („Nietoperz”, Strauss), Freya („Złoto Renu”, Wagner), Elsa („Lohengrin”, Wagner) i inne Annette Dasch jest nie tylko śpiewaczką operową, nadal wykonuje oratoria i koncertuje. W jej repertuarze znajdują się piosenki Beethovena, Brittena, Haydna, Glucka, Haendla, Schumanna, Mahlera, Mendelssohna i innych. Piosenkarka miała swoje ostatnie koncerty we wszystkich większych miastach Europy (m.in. w Berlinie, Barcelonie, Wiedniu, Paryżu, Londynie, Parmie, Florencji, Amsterdamie, Brukseli), występowała na festiwalach Schubertiade w Schwarzenbergu, festiwalach muzyki dawnej w Innsbruck i Nantes oraz inne prestiżowe festiwale. Od 2008 roku Annette Dasch prowadzi swój bardzo popularny telewizyjny program rozrywkowy „Dash Salon”, którego nazwa w języku niemieckim jest zgodna ze słowem „pranie” (Waschsalon). Sezon 2011/2012 Annete Dasch otworzyła europejską trasę koncertową z recitalami, nadchodzące zobowiązania operowe obejmują rolę Elviry z Don Giovanniego w Metropolitan Opera wiosną 2012, następnie rolę Madame Pompadour w Wiedniu, tournee z Operą Wiedeńską w Japonii z rola w Wesołej wdowie”, także kolejny spektakl na festiwalu Bayorot.
Ekaterina Shcherbachenko - rosyjska śpiewaczka operowa (sopran), solistka Teatru Bolszoj. Ekaterina Nikolaevna Shcherbachenko (z domu Telegina) urodziła się 31 stycznia 1977 r. W Riazaniu. W 1996 roku ukończyła Ryazan Musical College. G. i A. Pirogov, otrzymawszy specjalizację „dyrygent chóru”. W 2005 roku ukończyła Moskiewskie Konserwatorium im. Czajkowskiego. PI Czajkowski (nauczyciel - profesor Marina Alekseeva) i tam kontynuowała studia podyplomowe. W studiu operowym konserwatorium zaśpiewała partię Tatiany w operze „Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego oraz partię Mimi w operze „Cyganeria” G. Pucciniego. W 2005 roku była solistką-stażystą Zespołu Operowego Moskiewskiego Akademickiego Teatru Muzycznego. K.S. Stanisławski i VI Niemirowicz-Danczenko. W teatrze tym grała partie Lidoczki w operetce „Moskwa, Czeriomuszki” D. Szostakowicza oraz partię Fiordiligi w operze „Wszystkie kobiety to robią” W. A. Mozarta. W 2005 roku w Teatrze Bolszoj zaśpiewała partię Natashy Rostovej w premierze Wojny i pokoju S. Prokofiewa (wyd. II), po czym otrzymała zaproszenie do Teatru Bolszoj jako stały członek trupy operowej. Jej repertuar w Teatrze Bolszoj obejmował następujące role: Natasha Rostova („Wojna i pokój” S. Prokofiewa) Tatiana („Eugeniusz Oniegin” P. Czajkowskiego) Liu („Turandot” G. Pucciniego) Mimi („Cyganeria” G. Pucciniego) Mikaela („Carmen” G. Bizeta) Iolanta („Iolanthe” P. Czajkowskiego) W 2004 roku wykonała partię Lidoczki w operetce „Moskwa, Czeryomuszki” w Operze w Lyonie (dyrygent Aleksander Łazariew ). W 2007 roku w Danii brała udział w wykonaniu kantaty Rachmaninowa „Dzwony” z Narodową Orkiestrą Symfoniczną Duńskiego Radia (dyrygent Alexander Vedernikov). W 2008 roku zaśpiewała partię Tatiany w Cagliari Opera House (Włochy, dyrygent Michaił Jurowski, reżyserzy Moshe Leiser, Patrice Corrier, wystawione przez Teatr Maryjski). W 2003 roku otrzymała dyplom Międzynarodowego Konkursu „Nowe Głosy” w Gütersloh (Niemcy). W 2005 roku zdobyła III nagrodę na Międzynarodowym Konkursie Operowym Shizuoka (Japonia). W 2006 - III nagroda na Międzynarodowym Konkursie Wokalnym im. Francisco Viñas w Barcelonie (Hiszpania), gdzie również otrzymała nagrodę specjalną jako „ Najlepszy wykonawca Muzyka rosyjska", Nagroda Przyjaciół Opery Sabadell i Nagroda Stowarzyszenia Muzycznego Catania (Sycylia). W 2009 roku została zwycięzcą konkursu BBC Singer of the World w Cardiff, a także otrzymała Youth Grant of the Triumph Award .
Permski Akademicki Teatr Opery i Baletu im. P.I. Czajkowski to jeden z najstarszych teatrów w Rosji. Przez ponad sto lat swojej historii Permski Teatr Opery i Baletu niezmiennie pozostaje największym ośrodkiem muzycznym w kraju, w którym odbywają się ważne wydarzenia twórcze. W teatrze, często nazywanym Domem Czajkowskiego, wystawiono wszystkie dzieła sceniczne wielkiego kompozytora. „Złoty fundusz” repertuaru starannie przechowuje klasyczne dzieła Borodina, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa. Teatr powraca do publiczności i niezasłużenie zapomnianych płócien muzycznych. Po raz pierwszy w Rosji w teatrze wystawiono opery: „Pianka dni” E. Denisowa, „Kleopatra” J. Masseneta, „Lolita” R. Szczedrina na podstawie powieści W. Nabokowa, „Alcina” ” przez GF Handel, „Orfeusz” C. Monteverdiego, „Chrystus” A. Rubinsteina. Trzecią Mekką baletową, po Moskwie i Petersburgu, jest Perm, gdzie obok akademickiej trupy baletowej działa renomowana szkoła choreograficzna. Od lat 70. Perm Ballet znajduje się w orbicie niesłabnącej uwagi dużej publiczności. Cechą kolektywu jest jedność stylu wykonawczego solistów i korpusu baletowego. Perm Ballet to chyba jedyna trupa w Federacja Rosyjska, który składa się wyłącznie z absolwentów jednej szkoły. Od ponad dekady uralska scena jest swego rodzaju „platformą startową” dla wielu artystów znanych daleko poza granicami Rosji. Twórcza biografia wielu „gwiazd pierwszej wielkości” stolicy i innych głównych teatrów kraju i świata rozpoczęła się w Teatrze Perm. Nazwy na całym świecie sławni tancerze- Galina Ragozina-Panova, Lyubov Kunakova, Nadieżda Pavlova, Olga Chenchikova, Marat Daukaev, Yuri Petukhov, Galina Shlyapina, Svetlana Smirnova - uwielbiły Terytorium Permu. Uczestnictwo śpiewaków operowych i tancerzy baletowych w międzynarodowych festiwalach przyniosło mu sławę. Permski Teatr Opery i Baletu jest inicjatorem i organizatorem Arabesque Open Russian Ballet Competition oraz Diagilev Seasons: Perm-Petersburg-Paris International Arts Festival. Przedstawienia operowe i baletowe Teatru Perm wielokrotnie były nominowanymi i zwycięzcami Ogólnorosyjskiego Narodowego Festiwalu Teatralnego ” Złota Maska”. Czołowi soliści Teatru Perm z przedstawieniami i programami koncertowymi odwiedzili różne kontynenty świata. Od 1973 roku trupa permska w pełnym składzie odbyła tournee do Austrii, Włoch, Jugosławii, Bułgarii, Czechosłowacji, Niemiec, Polski, Belgii, Holandii, Australii i Nowa Zelandia , Japonia i Korea Południowa, Anglia, Irlandia, Holandia, Hiszpania, Chiny, USA. We Francji i na Kubie, w Kambodży i Kanadzie, Tajlandii i Egipcie, Nikaragui, Indiach i USA – gdziekolwiek artyści występowali, zdobyli uznanie krytyków i znaleźli wiernych przyjaciół i fanów. Permski Akademicki Teatr Opery i Baletu powstał w XIX wieku z inicjatywy publiczności regionu Kama, przy udziale miejskiego amatorskiego koła muzycznego, w skład którego wchodziła słynna rodzina Diagilewów. Oficjalna data założenia teatru to 24 listopada 1870 r. Pierwszym spektaklem jest opera „Życie dla cara” M. Glinki. „W Permie teatr jako instytucja istnieje od dawna. Początkowo przy ulicy Obwińskiej stał drewniany budynek teatralny, który spłonął w 1863 roku. Następnie wybudowano drewniany teatr, później rozebrano... Po raz pierwszy mieszkańcy miasta Perm zobaczyli dobrą trupę, a ponadto zimą 1879/80 operę w nieukończonym jeszcze teatrze kamiennym. Grupę trzymał znany później przedsiębiorca P.P. Miedwiediew... W 1896 roku w dziejach permskiego teatru rozpoczęła się cała epoka. Pod jego bezpośrednią opieką opiekują się samogłoski dumy miejskiej, które decydują się na prowadzenie działalności teatralnej na koszt miasta; do bezpośredniego zarządzania teatrem wybierana jest dyrekcja miasta, która dba o zapraszanie artystów. Postanowiono wesprzeć zespół operowy na koszt miasta. VS Verkholantsev Krótki esej historyczno-statystyczny „Miasto Perm, jego przeszłość i teraźniejszość” 1913 Pierwszy „miejski” sezon rozpoczął się... produkcją „Aidy”. W sumie dyrekcja spędziła sześć sezonów, z których jeden był dramatem, jeden operą i dramatem, pozostałe były operami. Rozpoczęły się we wrześniu i zakończyły przed Wielkim Postem. W sezonie odbyło się nawet sto i więcej przedstawień, roczny repertuar obejmował ponad trzydzieści utworów. Wystawiono głównie klasykę rosyjską – „Eugeniusz Oniegin”, „Dama pikowa”, „Mazepa” P. Czajkowskiego, „Książę Igor” A. Borodina, „Borys Godunow” M. Musorgskiego, „Demon” A. Rubinstein. Oprócz nich na współczesnej scenie operowej są tacy rzadcy goście, jak „The Enemy Force” A. Serova, „May Night” N. Rimsky-Korsakov, „The Stone Guest” A. Dargomyzhsky i inni. Od połowy lat 90. XIX wieku Perm zapoznaje się ze sztuką choreograficzną. 5 listopada 1896 roku odbył się spektakl małego baletu Zannenfelda „Obóz Cyganów Węgierskich”. W styczniu 1897 r. Czarodziejski flet R. Drigo, potem Wróżka lalek I. Bayera ujrzały światło na permskiej scenie... Istnienie teatru w pierwszych dwóch dekadach XX wieku było nierówne, ale opera nadal żył. Przedsiębiorcy wspierali zainteresowanie publiczności operą i poziomem spektakli, opierając się na wykonawcach premierowych. A. Nezhdanova, P. Petrova-Zvantseva, N. Figner, M. Maksakov, L. Sobinov i inni wybitni wokaliści występowali w Permie w różnych porach roku. 20 sierpnia 1921 otwarto pierwszy po wojna domowa sezon teatralny. Na plakatach - „Demon”, „Faust”, „Aida”, „Eugeniusz Oniegin”, „Borys Godunow”, „Rigoletto”, „Cyrulik sewilski”. Pod koniec lat 20. Perm stał się jednym z tych ośrodków sztuki operowej, do których chętnie przyjeżdżają wybitni wokaliści i utalentowani dyrygenci. Tak więc w sezonie 1925/26 Permowie podziwiali niepowtarzalną Carmen F. Mukhtarovą, aw następnym sezonie - Lensky I. Kozlovsky. Przez całą wiosnę 1929 r. S. Lemeshev był w sztabie teatru. W 1925 r. powstało w Permie pierwsze studio teatralne, w którym rozpoczęto szkolenie tancerzy baletowych, a także dramatu, chóru i orkiestry. 2 lutego 1926 roku w studiu wystawiono balet A. Adama „Giselle”. 20 października 1931 odbyła się premiera Jeziora łabędziego (choreograf O. Chaplygin). W latach przedwojennych zespołem baletowym kierowali choreografowie o odmiennych nurtach i szkołach. Baletomany Perm długo pamiętały N. Gonczarową, R. Minaevę, B. Korshunova, A. Brońskiego, A. Ezerskiego i innych tancerzy w przedstawieniach tamtych lat. W latach wojny na scenie teatru występował Leningradzki Teatr Opery i Baletu ewakuowany do Permu. Kirow. Trupa permska nie przestała działać w miastach regionu ... Dlaczego dawny Teatr Maryjski trafił do Permu, a potem do Mołotowa? ... Pomysł należał do naczelnego dyrygenta A. Pazowskiego, który tutaj stawiał pierwsze kroki do wielkiej sztuki ... Władze lokalne przyjęły tę propozycję ze zrozumieniem. Leningradowcy pracowali tu przez trzy zimy i dwa lata - długi czas dla historii kultury muzycznej miasta ... Szkoła światowej sławy Balet Maryjski, który następnie przyczynił się do powstania Perm Choreographic School ... na podstawie materiałów z książki M. Stepanowa, Y. Silina „125 lat. Permski Akademicki Teatr Opery i Baletu. LICZBA PI. Czajkowskiego” w 1995 r. W 1931 r. permski teatr został nazwany „II Państwową Operą Uralu”. W latach powojennych zaczynają się umacniać główne zasady twórcze teatru permskiego, określone przez całą jego prehistorię. Jedną z podstawowych zasad jest odnawianie repertuaru kosztem utworów rzadko wykonywanych na scenie. Odrodzenie tego, co nieznane, zapomniane, z różnych powodów nieakceptowanych przez scenę rosyjską, jest typowe dla wszystkich okresów życia teatru. Teatr w Permie udostępnił publiczności wielkie dzieła S. Prokofiewa: w sezonie 1981-82. wykonał autorską dwunocną wersję opery S. Prokofiewa „Wojna i pokój” i po raz pierwszy w ZSRR dał życie sceniczne operze „Ognisty anioł” (1984). Otwarcie wielu odsłon opery „Wojna i pokój” poszerzyło się, poszerzyło narodowo-patriotyczną linię opery, dramaturgia całości stała się bardziej harmonijna i logiczna, postacie niektórych głównych bohaterów stały się bardziej zróżnicowane. Ta produkcja przeszła do historii i otrzymała Nagrodę Państwową Federacji Rosyjskiej. MI Glinka. Inną zasadą życia twórczego teatru jest praca nad utworami współczesnych kompozytorów. W Permie otrzymali bilet do życia opery „Maskarada” D. Tołstoja i „Siostry” D. Kabalewskiego, balety „Kamienny kwiat” A. Fridlindera, „Bela” i „Grushenka” B Maszkow, „Wybrzeże szczęścia” A. Spadavecchia. Wśród najciekawszych założeń twórczych teatru jest próba opanowania całego dziedzictwa operowego i baletowego P.I. Czajkowski, pochodzący z regionu Kama. W 1974 r. Permski Teatr Akademicki im. P.I. Czajkowski zaprosił na I Festiwal Opery i Baletu Czajkowskiego najlepszych solistów z wielu teatrów w kraju i wszystkich swoich widzów. Święto to zostało pomyślnie powtórzone w 1983 i 1988 roku. Teatr Perm stał się prawdziwym Domem Czajkowskiego. "Złoty wiek" Balet Perm , hojnie podarowany przez N. Boyarchikova (głównego choreografa teatru, ucznia słynnych rosyjskich choreografów F. Lopukhova i B. Fenstera) bywalcom teatru lat 70., stał się pasjonującą legendą dla kolejnych pokoleń. Wśród jego produkcji są tak różnorodne w języku wizualnym, jak „Cudowny Mandaryn” B. Bartoka, „Trzy karty”, „Romeo i Julia”, „Car Borys” S. Prokofiewa, „Orfeusz i Eurydyka” A. Zhurbina. N. Pavlova, O. Chenchikova, G. Shlyapina, M. Daukaev, L. Fominykh, R. Kuzmicheva, Yu Petukhov, G. Sudakov, L. Shipulina, K. Shmorgoner, O. Levenkov, V. Dubrovin. W 1965 roku Permski Teatr Opery i Baletu otrzymał imię P.I. Czajkowskiego, aw 1969 - status teatru „akademickiego”. Zasady twórcze ukształtowane w latach powojennych zdeterminowały strategię artystyczną teatru w trudnych latach dziewięćdziesiątych. W Permskim Teatrze Opery i Baletu zabrzmiały rzadkie opery na rosyjską scenę: Łucja z Lammermooru Donizettiego, nie wystawiana od wielu dziesięcioleci, V.-A. Mozart, Latający Holender R. Wagnera, opera N. Rimskiego-Korsakowa Kashchei the Immortal, której w kraju praktycznie nie ma. W 1996 roku, będąc dyrektorem naczelnym teatru, G. Isahakyan wystawił oryginalne przedstawienie „Trzy twarze miłości”, w skład którego wchodziły jednoaktowe opery „Master Pedro's Raek” M. de Falli, „Piersi Tejrezjasza” F. Poulenc i „Maddalena”, pierwsza opera dwudziestoletniego S Prokofiewa, której język sceniczny w dużej mierze zdeterminował współczesny „operowy” wizerunek Permu. W Permie po raz pierwszy w centrum uwagi znalazła się opera Aleksandra Czajkowskiego Trzy siostry Prozorowa według A.P. Czechowa i jego jednoaktowy balet Dama pikowa, parafraza do muzyki P. Czajkowskiego. Dobrą tradycją stały się wspólne produkcje z amerykańskimi choreografami, reżyserami i artystami z Niemiec, Hiszpanii, Szwajcarii oraz innych krajów i kontynentów. „Peer Gynt” E. Griega wystawił amerykański choreograf Ben Stevenson, „Concerto Baroque” J.S. Bach jest darem Fundacji G. Balanchine. Rosyjsko-hiszpańska inscenizacja opery Salome R. Straussa stała się znaczącym wydarzeniem na Międzynarodowym Festiwalu w Madrycie jesienią 1995 roku. Rosyjska opera Złoty Kogucik N. Rimskiego-Korsakowa została wystawiona przez szwajcarskiego reżysera D. Kagi i niemieckiego artystę S. Pasterkampa. Do 200-lecia A.S. Puszkina, przygotowano wyjątkowy program „Opera Puszkiniana”. Grupa reżyserów, która pracowała nad „Operą Pushkiniana” otrzymała w 1999 roku Nagrodę Państwową Rosji w dziedzinie literatury i sztuki. W ramach Diagilewa Sezonów 2005 opery oparte na wątkach Małych tragedii A. S. Puszkin (" Skąpy rycerz”, „Kamienny gość”, „Mozart i Salieri”, „Pri podczas zarazy”) i „Borys Godunow”, które złożyły się na ten cykl, trwały cały dzień bez przerwy. W 1990 r. odbył się pierwszy Otwarty Konkurs Baletowy Arabeski, którego dyrektorami artystycznymi byli Władimir Wasiliew i Jekaterina Maksimowa. Od 20 lat, co dwa lata, tancerze z całego świata zbierają się w Permie, by wziąć udział w konkursie baletowym. Młodzi śpiewacy z różnych krajach światowy udział w I Międzynarodowym Konkursie Młodych Śpiewaków Operowych, który odbył się w Permie w 1993 roku. Jednymi z członków jury konkursu byli O. Borodina i D. Hvorostovsky - laureaci I Wszechrosyjskiego Konkursu Młodych Śpiewaków Operowych, odbyła się w Permie w 1987 roku. Narodową nagrodę teatralną „Złota Maska” za najlepszą rolę kobiecą i męską w 1996 roku przyznano Tatyanie Kuindzhi i Anzorowi Shomakhii – wykonawcom głównych ról w permskiej produkcji opery „Don Pasquale” G. Donizettiego. W 1998 roku tę prestiżową nagrodę przyznano za scenografię do spektaklu Dama pikowa. Dziś teatrem kierują: dyrektor artystyczny – odznaczony Orderem Przyjaźni, laureat Narodowej Nagrody Teatralnej „Złota Maska” Teodor Currentzis, główny dyrygent – Czczony Artysta Rosji, Artysta Ludowy Republiki Baszkortostanu Walerij Płatonow, gość główny dyrygent - Czczony Artysta Rosji, laureat Państwowej Nagrody Republiki Białoruś, laureat Narodowej Nagrody Teatralnej "Złota Maska" Aleksander Anisimow, główny choreograf - Aleksiej Miroshnichenko, główny chórmistrz - Dmitrij Batin, główny projektant - Elena Sołowiewa. Z teatrem współpracują znani scenografowie Rosji i świata - J. Ustinov, I. Akimova, V. Okunev, J. Charikov, A. Kozhenkova, E. Heydebrecht, Y. Cooper i wielu innych. „Złotym funduszem” repertuaru teatru, jak poprzednio, jest klasyka, spektakle są stale aktualizowane, zachowując nie muzeum, ale współczesną formę sztuki. Klasykę rosyjską reprezentują opery A. Borodina „Książę Igor”, „Oblubienica cara” N. Rimskiego-Korsakowa, „Śnieżna Panna”. Popularne opery G. Verdiego, V.A. Mozarta, R. Leoncavallo. We współpracy z Fundacją George'a Balanchine'a kontynuowany jest długoterminowy rosyjsko-amerykański projekt „Choreografia George'a Balanchine'a na Perm Stage”. Permska publiczność zapoznała się także z choreografią jego młodszego współczesnego, wybitnego amerykańskiego choreografa Jerome'a Robbinsa. W ramach rosyjsko-amerykańskiego projektu kulturalnego „Choreografia George'a Balanchine'a na scenie permskiej” jednoaktówki „Somnambula” V. Rietiego, „Wariacje Donizettiego” (2001), „Ballet Imperial” do muzyki Wystawiono II Koncert fortepianowy P. Czajkowskiego (2002), Concerto Baroque do muzyki koncertu na dwoje skrzypiec i orkiestrę smyczkową I.S. Bach i „Serenada” do muzyki „Serenady na orkiestrę smyczkową” P. Czajkowskiego „Ballet Imperial” w 2004 roku został zwycięzcą festiwalu „Złota Maska” jako najlepszy spektakl baletowy. W 2005 roku wspólnie z holenderską firmą Stardust zrealizowano wyjątkowy projekt „Najwspanialsze Jezioro Łabędzie na świecie”. Na przełomie tysiącleci teatr coraz bardziej potwierdza swój autorytet pionierski, kontynuując i wzbogacając tradycje „nowoczesnego laboratorium operowego”. W 2001 roku odbyła się prapremiera opery J. Masseneta „Kleopatra”, która nigdy nie była wystawiana w Rosji i jest prawie nieznana na świecie. W 2004 roku po raz pierwszy w Rosji magiczna opera „Alcina” GF Haendla, wystawiona po raz pierwszy w Rosji, pierwsze doświadczenie wykonania starej opery w teatrze Perm, otworzyła nowe oblicza wspaniałych solistów operowych . W 2007 roku, w roku 400-lecia opery C. Monteverdiego „Orfeusz”, opera ta została wystawiona na permskiej scenie. Według moskiewskiego krytyka Dmitrija Morozowa „Georgy Isahakyan wystawił być może swój najlepszy występ i dokonał prawdziwego przełomu artystycznego. Orfeusz to nie tylko pierwsza inscenizacja arcydzieła Monteverdiego w Rosji, ale także pierwszy sukces naszego teatru na polu dawnej opery. ... "Orfeusz" okazał się najlepszym iz pewnością najbardziej harmonijnym muzycznym wykonaniem roku. W ramach festiwalu Diagilew Sezony 2007 po raz pierwszy na świecie wystawiono opera N. Sidelnikowa Chertogon, wzbudzając duże zainteresowanie wśród festiwalowych gości, profesjonalni muzycy i krytycy. Ważnymi wydarzeniami ostatnich lat są pokazy w Moskwie na zaproszenie Teatru Narodów spektakli „Lolita” i „Kleopatra”, przedstawienie na słynnej scenie Teatru Maryjskiego z programem baletowym J. Balanchine'a. W 2004 roku trupa operowa wystąpiła na festiwalu sztuki współczesnej „SAKRO ART” w Lokkum z prapremierą opery A.Szchetinskiego „The Bestiary”. Spektakl prezentowano także w Teatrze Narodów w Moskwie oraz na festiwalu teatralnym w Jarosławiu. Wiosną 2006 i 2007 roku spektakle Teatru Permskiego – „Carmen” J. Bizeta, „Słowik” I. Strawińskiego, „Kopciuszek, czyli bajka o Kopciuszku” J. Masseneta i „... imieniem Małej Syrenki” A. Dvoraka - ponownie został nominowany do Złotej Maski. Trasowe występy trupy w Moskwie i Petersburgu cieszą się dużym zainteresowaniem. Udział artystów permskich w festiwalu Gwiazdy Białych Nocy na scenie Teatru Maryjskiego, w festiwalach muzycznych Pory Bałtyckie w Kaliningradzie, Panorama Opery Rosyjskiej w Omsku, Crescendo w stolicy, na scenie Teatru Bolszoj Rosji, zwiększył chwałę permskiego teatru. W styczniu 2008 roku tournee Opery Permskiej w Ameryce odniosło ogromny sukces na scenie słynnej Carnegie Hall, która niegdyś otworzyła się na dźwięk orkiestry pod dyrekcją P. I. Czajkowskiego. Teraz Teatr Perm, nazwany imieniem PI Czajkowskiego, zaprezentował koncert „Czajkowski znany i nieznany” z ariami i scenami z takich oper wielkiego kompozytora, jak „Królowa pikowa”, „Czerewiczki”, „Dziewczyna orleańska”, „Eugeniusz Oniegin”, „Jolanta”, „Oprichnik”, „Ondyna”, „Czarodziejka”, „Mazepa”. Występy trupy Perm spotkały się z bardzo ciepłym przyjęciem przez wymagającą nowojorską publiczność i spotkały się z szerokim odzewem w amerykańskiej prasie. W Permie tradycyjnie odbywa się Otwarty Konkurs Rosyjskich Tancerzy Baletowych Arabesque, na czele którego stoją Vladimir Vasiliev i Ekaterina Maksimova. W 2003 roku pod auspicjami UNESCO odbył się pierwszy Międzynarodowy Festiwal „Pory Diagilewa: Perm – Petersburg – Paryż”. Jeden z pierwszych festiwali w Rosji, który łączy różne rodzaje sztuki pod znakiem kreatywności i inspiracji. Pierwszą premierą 137. sezonu była wystawiona po raz pierwszy na rosyjskiej scenie opera duchowa A. Rubinsteina „Chrystus” (reż. Georgy Isahakyan). W lutym 2009 roku odbyła się premiera opery „Otello” w reżyserii V. Pietrowa, który zadebiutował jako reżyser teatru muzycznego. Rosyjska i światowa premiera opery Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza, która ukazała się dzięki twórczej współpracy G. Isahakyan i kompozytora A. Czajkowskiego i dobrej woli A. I. Sołżenicyna odbył się w ramach festiwalu IV Diagilewowskie Pory Roku. Spektakl ten otworzył przed sztuką operową temat „obozowy”, do tej pory prawie nie poruszany. Pod koniec marca odbyły się premiery dwóch nowoczesnych baletów jednoaktowych: Medea (choreograf Y. Possokhov) i Ring (choreograf A. Miroshnichenko). Specjalnie dla Diagilewa Pór Roku wskrzeszone zostały balety w choreografii klasycznej M. Fokine, jednego z legendarnych choreografów Diagilewa Pór Roku: Tańce połowieckie i miniaturowy balet Wizja Róży. To właśnie te spektakle zaprezentowali permscy artyści w Teatrze Bolszoj podczas obchodów stulecia rosyjskich sezonów Diagilewa, które odbyły się 30 maja. Permski Teatr Opery i Baletu wziął udział w Narodowym Festiwalu Teatralnym „Złota Maska-2009” z przedstawieniem baletowym „Korsarz” (choreografia Mariusa Petipy, zaktualizowana przez reżysera z Sankt Petersburga W. Miedwiediewa) oraz operą „Orfeusz” ( reżyseria G. Isahakyan), której premiera odbyła się w listopadzie 2007 r. „Orfeusz” otrzymał dwie Złote Maski: dla najlepszego reżysera (reżyser G. Isahakyan) oraz za najlepszą scenografię (scenograf Ernst Heydebrecht). Rok później teatr wziął udział w festiwalu z baletowym spektaklem Medea (choreograf Jurij Posokhov) i operą Jeden dzień z życia Iwana Denisowicza (reż. Georgy Isahakyan). Ten ostatni otrzymał „Złotą Maskę” w nominacji „Najlepsze dzieło dyrygenta”, nagrodę otrzymał główny dyrygent teatru Walery Płatonow. Źródło: oficjalna strona Tetra
Teatr Michajłowski to teatr operowy i baletowy w Petersburgu, mieszczący się w historyczny budynek na Placu Sztuki. Teatr Cesarski Michajłowski został otwarty w 1833 r. dekretem cesarza Mikołaja I. Teatr zawdzięcza swoją nazwę Wielkiemu Księciu Michaiłowi, najmłodszemu synowi Pawła I: Pałac Michajłowski, znajdujący się na Placu Sztuki, służył jako rezydencja Wielkiego Księcia, teatr stał się sceną kameralną, która przyjmowała wysokich rangą gości z rodziny cesarskiej i współpracowników. Budynek teatru został wzniesiony według projektu A.P. Bryulłowa z udziałem A.M. Gornostajew. Architektowi udało się organicznie wkomponować fasadę w zespół placu stworzony przez C. Rossiego. Bryullov stworzył magiczne pudełko: fakt, że teatr jest ukryty za skromną fasadą, można się domyślić tylko z dachu, gdzie za kopułą nad widownią widoczna jest wysoka loża sceniczna. Całość splendoru cesarskiego teatru kryje się w środku: srebro i aksamit, lustra i kryształ, malarstwo i sztukaterie. W 1859 roku w wyniku przebudowy według projektu A. Kavos rozbudowano scenę i podwyższono widownię o jedną kondygnację, wnętrza teatru uzupełniono malowniczymi plafonami, bogatą sztukaterią i figurami kariatyd, które zdobią portal nad proscenium do dziś. Przed rewolucją Teatr Michajłowski nie miał stałej trupy, nie miał też określonego repertuaru. W pomieszczeniach teatru występowała trupa Teatru Aleksandryńskiego, stale koncertowali francuscy, a czasem niemieccy artyści. W jego murach odbywały się również przedstawienia operowe. Po odbudowie z 1859 r. w budynku teatru przez wiele dziesięcioleci, aż do 1918 r., osiadła francuska trupa teatralna. Francuskie operetki, takie jak Offenbacha, były częste, ale liryczne przedstawienia operowe były rzadkie i aranżowane głównie przez Cesarską Operę Rosyjską (Teatr Maryjski). Wyjątkiem było kilka lat w połowie lat 90. XIX wieku, kiedy lokal Mariński został zamknięty z powodu remontu, a opery na scenie Michajłowskiej odbywały się co tydzień. Wśród tych, którzy występowali na scenie Teatru Michajłowskiego w różnych latach, można wymienić orkiestrę pod dyrekcją Johanna Straussa, Luciena Guitry, Matyldy Kszesińskiej, Fiodora Chaliapina i trupę Sarah Bernhardt. JAK. Puszkina, V.A. Żukowski, Ł.N. Tołstoj, P.I. Czajkowski. Od 1918 roku teatr posiada stałą trupę. W XX wieku w teatrze pracowały postacie kultury znane nie tylko w Rosji, ale na całym świecie. Wśród nich są dyrygenci E. Grikurov i Y. Temirkanov; reżyserzy V. Meyerhold, B. Zon, N. Smolich, I. Shlepyanov; choreografowie F. Lopukhov, J. Balanchine, Yu Grigorovich, I. Chernyshev, N. Boyarchikov. W swojej historii teatr kilkakrotnie zmieniał nazwę. Mały Teatr Opery i Baletu - Leningrad, a następnie Petersburg. Od 1989 roku teatr nosi imię M.P. Musorgskiego, a od 2001 roku teatrowi przywrócono swoją historyczną nazwę - Teatr Michajłowski. W 2007 S.L. Gaudasinsky'ego (Artysta Ludowy Rosji, laureat Państwowych Nagród Rosji, profesor Konserwatorium) został zastąpiony przez znanego rosyjskiego biznesmena V.A. Kehman jest przewodniczącym rady dyrektorów firmy JFC zajmującej się importem owoców. Kekhman oświadczył również, że będzie współpracował z S.L. Gaudasinsky, który pozostanie dyrektorem artystycznym teatru. Po czym jednak wprowadził stanowiska poszczególnych dyrektorów dla zespołów operowych i baletowych. Grupie baletowej kierował słynny rosyjski tancerz Farukh Ruzimatov. Elena Obraztsova została dyrektorem artystycznym trupy operowej, która opuściła swoje stanowisko we wrześniu 2008 roku, aby później przejść do pracy jako doradca dyrektora generalnego Teatru Michajłowskiego w kwestiach artystycznych: piosenkarka wyjaśniła swoją decyzję napiętym harmonogramem własnego kreatywne projekty i działalność krajoznawcza. Głównym dyrygentem gościnnym teatru był Daniele Rustioni. Zespół baletowy teatru, którego pierwsze tournée po Londynie odbyło się w 2008 roku, został nominowany do nagrody British Critics' Award w sekcji Best International Company. W 2009 roku głównym dyrygentem – dyrektorem muzycznym teatru został maestro Peter Feranets, a głównym choreografem teatru został Michaił Messerer. W październiku 2009 roku Farukh Ruzimatov ogłosił wznowienie kariery aktorskiej i odszedł ze stanowiska dyrektora artystycznego trupy baletowej teatru. W lipcu 2010 roku ogłoszono, że od 1 stycznia 2011 roku na czele trupy baletowej teatru stanie hiszpański choreograf Nacho Duato.
Teatro Carlo Felice to główna opera w Genui we Włoszech. Teatr znajduje się w centrum miasta, w pobliżu placu Ferrari i jest symbolem miasta, przed teatrem znajduje się pomnik konny Giuseppe Garibaldiego. Decyzję o budowie nowej opery w Genui podjęto w 1824 roku, kiedy stało się jasne, że istniejące teatry miejskie nie odpowiadają potrzebom miasta. Nowy teatr miał stanąć w tym samym rzędzie i konkurować z najlepszymi teatrami operowymi w Europie. Ogłoszono konkurs architektoniczny, w którym wybrano projekt budynku opery przez miejscowego architekta Carlo Barbarino, nieco później do budowy sceny i sali zaproszono dodatkowo słynnego mediolańskiego Luigiego Canonica, który brał już udział w kilku duże projekty - renowacja La Scali, budowa teatrów w Mediolanie, Cremonie, Brescii itp. Na teatr wybrano miejsce, na którym znajdował się dawny klasztor Dominikanów i kościół San Domenico. Ten zespół klasztorny od XIII wieku słynie z wielkości architektonicznej i cennych dzieł sztuki do dekoracji wnętrz. Niektórzy twierdzą, że klasztor został „poświęcony” teatrowi, ale to nieprawda. W czasach napoleońskiego „Królestwa Włoch” w klasztorze znajdowały się koszary i magazyny jego armii. Kompleks był bardzo zdewastowany i w 1821 r. zgodnie z planem odbudowy miasta został całkowicie rozebrany, a decyzję o budowie teatru podjęto w 1824 r. Pierwszy kamień pod nowy budynek położono 19 marca 1826 roku. Wielkie otwarcie odbyło się 7 kwietnia 1828 r., chociaż budowa i dekoracja nie zostały do końca ukończone. Pierwszą operą na scenie teatru była „Bianca i Fernando” Vincenzo Belinniego. Teatr nosi imię księcia Carlo Felice z Sabaudii, władcy Genui. Pięciokondygnacyjna hala mogła pomieścić około 2500 widzów. W kolejnych latach teatr był kilkakrotnie odnawiany, w 1852 zainstalowano oświetlenie gazowe, w 1892 – elektryczne. Przez prawie czterdzieści lat, od 1853 roku, Giuseppe Verdi spędzał zimy w Genui i wielokrotnie wystawiał swoje opery w Teatrze Carlo Felice. W 1892 roku, po odbudowie z okazji obchodów 400. rocznicy odkrycia Ameryki przez Krzysztofa Kolumba (Genua kwestionuje prawo do uznania mała ojczyzna Kolumb), Verdi został poproszony o skomponowanie odpowiedniej opery na to wydarzenie i wystawienie jej w teatrze, ale odmówił, powołując się na swój podeszły wiek. Teatr Carlo Felice był stale aktualizowany i pozostawał w dobrym stanie aż do II wojny światowej. Pierwsze zniszczenia nastąpiły w 1941 r., kiedy to w wyniku ostrzału wojsk alianckich zniszczono dach budynku i poważnie uszkodzono unikatowe malowanie sufitu widowni. Ponadto w sierpniu 1943 r. po trafieniu bombą zapalającą spłonęły pomieszczenia za kulisami, scenografia i garderoby zostały zniszczone, ale pożar nie dotknął sali głównej, niestety w tym czasie teatr ucierpiał bardziej od rabusiów, którzy ukradł wiele cennych rzeczy. Wreszcie we wrześniu 1944 roku, po nalocie, z teatru pozostały praktycznie same mury. Teatr, naprędce wyremontowany, przez cały czas kontynuował swoją działalność, występowała w nim nawet Maria Callas. Plany gruntownej renowacji budynku teatru rozpoczęły się w 1946 roku. W 1951 roku na podstawie konkursu wyłoniono jeden projekt, który jednak nigdy nie doszedł do skutku. Teatr został zamknięty na początku lat 60. z powodu ruiny. W 1963 roku znanemu architektowi Carlo Scarpa powierzono opracowanie projektu rekonstrukcji, który jednak opóźnił prace i projekt był gotowy dopiero w 1977 roku, jednak z powodu niespodziewanej śmierci architekta w 1978 roku projekt został wstrzymany. Kolejny plan został przyjęty w 1984 roku, Aldo Rossi został wybrany na głównego architekta nowego teatru Carlo Felice. Głównym motywem przewodnim twórców było połączenie historii z nowoczesnością. Pozostały mury starego teatru i fasada z płaskorzeźbami, a także niektóre elementy wystroju wnętrza, które udało się dopasować do nowego wnętrza, jednak większość teatru została przebudowana od podstaw. 7 kwietnia 1987 roku wmurowano kamień węgielny pod nowy teatr. Za starym teatrem dobudowano nowy wieżowiec, w którym mieszczą się sceny, ruchome platformy sterujące, sale prób i garderoby. Sama widownia znajduje się w „starym” teatrze, celem architektów było odtworzenie atmosfery starego placu teatralnego, kiedy spektakle odbywały się na ulicy w centrum miasta. Dlatego też na ścianach hali wykonano okna i balkony, imitujące zewnętrzne ściany budynków, a sufit usiany jest „gwiaździstym niebem”. 18 października 1991 roku kurtyna Teatro Carlo Felice wreszcie się podniosła, pierwszym wydarzeniem otwierającym sezon był Trudnobójca Giuseppe Verdiego. Teatro Carlo Felice to jedna z największych oper w Europie, mieszcząca 2000 miejsc w sali głównej.
Teatro Regio (Teatr Królewski) (Turyn) Teatro Regio (Teatr Królewski) to opera w Turynie. Jeden z najstarszych i najbardziej prestiżowych teatrów we Włoszech. Zbudowany w 1740, zniszczony przez pożar w 1936 i odbudowany w 1973. Sezon teatralny trwa od października do czerwca z 8-9 operami i 5-12 przedstawieniami każdej z nich. Do połowy XVIII wieku w Turynie nie było wyspecjalizowanej opery, przedstawienia operowe odbywały się w różnych innych teatrach lub na otwartych przestrzeniach. W 1713 książę Vittorio Amedeo II Savoy zlecił znanemu architektowi Filippo Yuvara zaprojektowanie i budowę nowej wielkiej opery w ramach ogólnej transformacji historycznego centrum Turynu. Jednak jego zamiar został zrealizowany dopiero w 1738 roku, kiedy nowy książę Karol Emanuele III Sabaudzki postanowił powierzyć realizację tego projektu architektowi Benedetto Alfieri, z wymogiem zaprojektowania bardzo prestiżowego teatru. „Teatro Regio” w Turynie powstał w rekordowo krótkim czasie dwóch lat i został otwarty 26 grudnia 1740 r. Była to luksusowa, pięciopoziomowa sala z łącznie 2500 miejscami. Co roku skomponowano dwa cykle operowe specjalnie dla teatr na otwarcie sezonu. Od 1792 do 1798 teatr był nieczynny. Po ponownym otwarciu w 1798 roku w czasie wojen napoleońskich i francuskiej okupacji Turynu teatr przemianowano na "Teatr Narodowy", następnie na "Teatr Wielki Sztuki", aw 1804 na "Teatr Cesarski". Repertuar teatru uległ zmianie i został dostosowany do gustów francuskich. Cesarz Napoleon odwiedził go trzykrotnie. W 1814 roku teatr powrócił na własność książąt sabaudzkich i odzyskał dawną nazwę - "Teatr Królewski". W 1870 stał się teatrem miejskim. I choć Turyn nie mógł konkurować o sławę operową z Mediolanem, Wenecją czy Rzymem, to jednak w teatrze pracowało wielu znanych kompozytorów. W latach 1895-1898 głównym dyrygentem teatru był Arturo Toscanini, pod jego kierunkiem odbyło się kilka włoskich premier Ryszarda Wagnera. W 1905 roku teatr został zrekonstruowany, usunięto IV i V kondygnację, a amfiteatr rozbudowano. Oprócz Toscaniniego i Wagnera w teatrze pracowali inni ważni kompozytorzy - Giacomo Puccini i Richard Strauss przeprowadzili w Teatro Regio kilka prawykonań swoich oper. W czasie I wojny światowej teatr był przez kilka lat zamknięty i otwarty w 1919 roku. W nocy z 8 na 9 lutego 1936 cały teatr, poza fasadą, został zniszczony przez silny pożar, który trwał prawie czterdzieści lat. lat, aby go przywrócić. Po pożarze ogłoszono kilka konkursów na odbudowę Teatro Regio. W 1965 r. administracja miasta powierzyła prace architektom Carlo Mollino i Marcello Zavelani Rossi. Prace rozpoczęły się na początku września 1967, a zakończono na początku 1973. Nowy Teatro Regio, z oszałamiającym, nowoczesnym wystrojem wnętrz ukrytym za historyczną fasadą, został otwarty 10 kwietnia 1973 roku. Nowa sala ma 1750 miejsc. Teatr odgrywa ważną rolę we współczesnym życiu kulturalnym Turynu, oprócz oper i baletów, zapewnia miejsca dla szerokiej gamy sztuk artystycznych i jest centrum życia artystycznego i kulturalnego w Turynie i poza nim.
Teatr Maryjski to teatr operowy i baletowy w Sankt Petersburgu w Rosji. Otwarty w 1860 roku wybitny rosyjski teatr muzyczny. Na jej scenie odbywały się prawykonania arcydzieł Czajkowskiego, Musorgskiego, Rimskiego-Korsakowa i wielu innych kompozytorów. Teatr Maryjski jest siedzibą zespołów operowych i baletowych oraz Orkiestry Symfonicznej Teatru Maryjskiego. Dyrektor artystyczny i główny dyrygent Valery Gergiev. W ciągu ponad dwustu lat swojej historii Teatr Maryjski zaprezentował światu wielu wielkich artystów: gościł tu wybitny bas, założyciel rosyjskiej szkoły teatralnej Osip Pietrow, tak świetni śpiewacy jak Fiodor Chaliapin, Iwan Erszow, Medea i Nikołaj Figner doskonalili swoje umiejętności i osiągnęli wyżyny chwały., Sofia Preobrazhenskaya. Tancerze baletowi błyszczeli na scenie: Matilda Kshesinskaya, Anna Pavlova, Wacław Niżyński, Galina Ulanova, Rudolf Nureyev, Michaił Barysznikow, George Balanchine rozpoczęli swoją podróż do sztuki. Teatr był świadkiem rozkwitu talentu znakomitych dekoratorów, takich jak Konstantin Korovin, Aleksander Gołowin, Aleksander Benois Szymona Virsaladze, Fiodora Fiodorowskiego. I wiele, wiele innych. Od dawna zwyczajem jest, że Teatr Maryjski utrzymuje linię, licząc wiek od 1783 roku, kiedy to 12 lipca wydano dekret zatwierdzający komisję teatralną „do zarządzania spektaklami i muzyką”, a 5 października Teatr Bolszoj Kamenny na Placu Karuzeli zostało uroczyście otwarte. Teatr nadał placowi nową nazwę – przetrwał do dziś jako Teatralnaja. Zbudowany według projektu Antonio Rinaldiego Teatr Bolszoj zadziwiał swoją wielkością, majestatyczną architekturą, sceną wyposażoną według ostatnie słowo wtedy technologia teatralna. Na otwarciu opera Giovanniego Paisiello Il Mondo della luna (" Świat księżycowy"). Na przemian występowała tu trupa rosyjska z włoską i francuską, wystawiano spektakle dramatyczne, organizowano koncerty wokalno-instrumentalne. Petersburg był budowany, jego wygląd ciągle się zmieniał. W latach 1802-1803 genialny architekt i rysownik Thomas de Thomon dokonał gruntownej reorganizacji układu wnętrz i dekoracji teatru, zauważalnie zmienił jego wygląd i proporcje. Nowy, ceremonialny i świąteczny wygląd, Teatr Bolszoj stał się jednym z architektonicznych zabytków stolicy Newy, wraz z Admiralicją, Giełdą Papierów Wartościowych i Katedrą Kazańską. Jednak w nocy 1 stycznia 1811 roku w Teatrze Bolszoj wybuchł ogromny pożar. Przez dwa dni w wyniku pożaru spłonął bogaty wystrój wnętrz teatru, a jego fasada została poważnie uszkodzona. Thomas de Thomon, który opracował projekt przywrócenia ukochanego pomysłu, nie doczekał jego realizacji. 3 lutego 1818 r. ponownie otwarty Teatr Bolszoj z prologiem „Apollo i Pallas na północy” i baletem Charlesa Didelota „Zefir i Flora” do muzyki kompozytora Katarino Cavos. Zbliżamy się do „złotego wieku” Teatru Bolszoj. Repertuar epoki "po pożarze" obejmuje Czarodziejski flet, Uprowadzenie z seraju, Miłosierdzie Tytusa Mozarta. Rosyjską publiczność urzekają Kopciuszek, Semiramida, Sroka złodziejka i Cyrulik sewilski Rossiniego. W maju 1824 odbyła się premiera „Wolnego strzelca” Webera – utworu, który tak wiele znaczył dla narodzin rosyjskiego romantyczna opera. Grane są wodewile Alyabyeva i Wierstowskiego; jedną z najbardziej lubianych i repertuarowych oper jest Ivan Susanin Kavosa, która przeszła aż do pojawienia się opery Glinki na tej samej fabule. Legendarna postać Charlesa Didelota związana jest z narodzinami światowej sławy rosyjskiego baletu. To właśnie w tych latach Puszkin był bywalcem petersburskiego Bolszoj, utrwalając teatr w nieśmiertelnych wierszach. W 1836 roku, w celu poprawy akustyki, architekt Alberto Cavos, syn kompozytora i kapelmistrza, wymienił kopulasty strop sali teatralnej na płaski, a nad nim ustawiono warsztat artystyczny i salę do dekoracji. Alberto Cavos usuwa kolumny w widowni, które zasłaniały widok i zakłócały akustykę, nadaje sali zwykły kształt podkowy, zwiększa jej długość i wysokość, zwiększając liczbę widzów do dwóch tysięcy. 27 listopada 1836 r. wznowiono spektakle odbudowanego teatru prawykonaniem opery Glinki Życie za cara. Przypadkowo, a może nie bez dobrych intencji, premiera Rusłana i Ludmiły, drugiej opery Glinki, odbyła się dokładnie sześć lat później, 27 listopada 1842 roku. Te dwie daty wystarczyłyby, aby petersburski Teatr Bolszoj na zawsze przeszedł do historii kultury rosyjskiej. Ale były oczywiście arcydzieła muzyka europejska : opery Mozarta, Rossiniego, Belliniego, Donizettiego, Verdiego, Meyerbeera, Gounoda, Auberta, Thomasa… Z czasem występy rosyjskiej trupy operowej zostały przeniesione na scenę Teatru Aleksandryńskiego i tzw. naprzeciwko Bolszoj (gdzie kontynuowano występy trupy baletowej, a także opery włoskiej). Kiedy Teatr Cyrkowy spłonął w 1859 roku, na jego miejscu wybudował nowy teatr przez tego samego architekta Alberto Cavosa. To on otrzymał imię Maryjski na cześć panującej cesarzowej Marii Aleksandrownej, żony Aleksandra II. Pierwszy sezon teatralny w nowym gmachu rozpoczął 2 października 1860 roku operą Życie za cara Glinki pod batutą naczelnego kapelmistrza Opery Rosyjskiej Konstantina Liadowa, ojca przyszłego słynnego kompozytora Anatolija Liadowa. Teatr Maryjski umocnił i rozwinął wielkie tradycje pierwszej rosyjskiej sceny muzycznej. Wraz z pojawieniem się w 1863 roku Eduarda Napravnika, który zastąpił Konstantina Lyadova na stanowisku głównego kapelmistrza, rozpoczęła się najwspanialsza epoka w historii teatru. Półwiecze podarowane przez Napravnika Teatrowi Maryjskiemu upłynęło pod znakiem premier najważniejszych oper w historii muzyki rosyjskiej. Aby wymienić tylko kilka z nich - Borys Godunow Musorgskiego, Pskowa pokojówka, Majowa noc, Śnieżna Panna Rimskiego-Korsakowa, Książę Borodina Igor, Dziewica orleańska, Czarodziejka, Dama pikowa, Iolanthe » Czajkowski, «Demon » Rubinstein, «Oresteya» Taneyev. Na początku XX wieku repertuar Opery Wagnerowskiej (m.in. tetralogia „Pierścień Nibelungów”), „Elektra” Richarda Straussa, „Legenda o niewidzialnym mieście Kiteż” Rimskiego-Korsakowa, „Khovanshchina” Musorgskiego. Marius Petipa, który w 1869 roku stał na czele trupy baletowej teatru, kontynuował tradycje swoich poprzedników, Julesa Perrota i Arthura Saint-Leona. Petipa gorliwie zachował takie klasyczne spektakle jak Giselle, Esmeralda, Korsarz, poddając je jedynie starannemu montażowi. Wystawiona przez niego Bajadera po raz pierwszy wniosła na scenę baletową powiew wielkiej kompozycji choreograficznej, w której „taniec stał się jak muzyka”. Szczęśliwe spotkanie Petipy i Czajkowskiego, którzy twierdzili, że „balet to ta sama symfonia”, doprowadziło do narodzin Śpiącej królewny, prawdziwego poematu muzyczno-choreograficznego. W społeczności Petipy i Lwa Iwanowa powstała choreografia Dziadka do orzechów. Już po śmierci Czajkowskiego Jezioro łabędzie znalazło drugie życie na scenie Teatru Maryjskiego - i ponownie we wspólnej choreografii Petipy i Iwanowa. Petipa umocnił swoją reputację jako choreograf i symfonista inscenizacją baletu Raymonda Głazunowa. Jego nowatorskie pomysły podchwycił młody Michaił Fokin, który w Teatrze Maryjskim Czerepnina wystawił Pawilon Armidy im. -Korsakow, Ognisty ptak i Pietruszka Strawińskiego. Teatr Maryjski był kilkakrotnie przebudowywany. W 1885 roku, kiedy większość przedstawień została przeniesiona na scenę Teatru Maryjskiego przed zamknięciem Teatru Bolszoj, główny architekt teatrów cesarskich Wiktor Schreter dobudował do lewego skrzydła gmachu trzypiętrowy budynek przeznaczony na teatr. warsztaty, sale prób, elektrownia i kotłownia. W 1894 roku pod kierownictwem Schroetera wymieniono drewniane krokwie na stalowo-żelbetowe, dobudowano boczne skrzydła i rozbudowano foyer dla widzów. przeszedł renowację i główna fasada, który nabrał monumentalnych form. W 1886 r. występy baletowe, które do tego czasu nadal trafiały na scenę Bolszoj Kamienny Teatr , zostały przeniesione do Teatru Maryjskiego. A na miejscu Bolshoy Kamenny wzniesiono budynek Konserwatorium Petersburskiego. Dekretem rządowym z 9 listopada 1917 roku Teatr Maryjski został ogłoszony Teatrem Państwowym i przekazany pod jurysdykcję Ludowego Komisariatu Oświaty. W 1920 r. zaczęto nazywać go Państwowym Akademickim Teatrem Opery i Baletu (GATOB), a od 1935 r. nosi imię S. M. Kirowa. Wraz z klasyką ubiegłego wieku na scenie teatru pojawiły się w latach 20. i na początku 30. opery współczesne – Miłość do trzech pomarańczy Siergieja Prokofiewa, Wozzeck Albana Berga, Salome i Der Rosenkavalier Richarda Straussa; rodzą się balety afirmujące nowy, popularny od dziesięcioleci kierunek choreograficzny, tzw. balet dramatyczny - Czerwony mak Reinholda Gliere'a, Płomienie Paryża i Fontanna Bachczysaraju Borysa Asafiewa, Laurencia Aleksandra Crane'a, Romeo i Julia Siergieja Prokofiew itd. Ostatnią przedwojenną premierą operową w Teatrze Kirowa był Lohengrin Wagnera, którego drugie przedstawienie zakończyło się późnym wieczorem 21 czerwca 1941 r., ale spektakle zaplanowane na 24 i 27 czerwca zastąpił Iwan Susanin. W czasie Wielkiej Wojny Ojczyźnianej teatr został ewakuowany do Permu, gdzie odbyły się premiery kilku spektakli, w tym premiera baletu Gayane Arama Chaczaturiana. Po powrocie do Leningradu 1 września 1944 roku teatr otworzył sezon operą Glinki Iwan Susanin. W latach 50-70. teatr wystawił tak znane balety jak Szurale Farida Jarulina, Spartakus Arama Chaczaturiana i Dwunastu Borysa Tiszczenki w choreografii Leonida Jakobsona, Kamienny kwiat Siergieja Prokofiewa i Legenda miłości Arifa Melikowa w choreografii Jurija Grigorowicza, Symfonia leningradzka Dmitrija Szostakowa w choreografii Igora Belskiego, obok inscenizacji nowych baletów, w repertuarze teatru starannie zachowała się klasyka baletowa. Opery Prokofiewa, Dzierżyńskiego, Szaporina, Chrennikowa pojawiły się w repertuarze operowym razem z Czajkowskim, Rimskim-Korsakowem, Musorgskim, Verdim, Bizetem. W latach 1968-1970. Przeprowadzono generalną przebudowę teatru według projektu Salome Gelfer, w wyniku której „rozciągnięto” lewe skrzydło gmachu i uzyskało obecną formę. Ważnym etapem w historii teatru w latach 80. była inscenizacja oper Czajkowskiego „Eugeniusz Oniegin” i „Królowa pikowa” w wykonaniu Jurija Temirkanowa, który kierował teatrem w 1976 roku. W tych spektaklach, które do dziś zachowały się w repertuarze teatru, zadeklarowało się nowe pokolenie artystów. W 1988 roku naczelnym dyrygentem teatru został Valery Gergiev. 16 stycznia 1992 teatrowi przywrócono swoją historyczną nazwę - Maryjski. A w 2006 roku trupa i orkiestra teatru otrzymała do swojej dyspozycji m.in Hala koncertowa na ulicy Dekabristov 37. Źródło: Teatr Maryjski
Teatro Massimo (włoski: Il Teatro Massimo Vittorio Emanuele) to opera w Palermo we Włoszech. Teatr nosi imię króla Wiktora Emanuela II. W tłumaczeniu z włoskiego Massimo oznacza największy, największy – architektoniczny kompleks teatru jest największym wśród budynków oper we Włoszech i jednym z największych w Europie. W Palermo, drugim co do wielkości mieście południowych Włoch, od dawna mówi się o potrzebie opery w tym mieście. W 1864 roku burmistrz Palermo Antonio Rudini ogłosił międzynarodowy konkurs na budowę dużej opery, która miała upiększyć wygląd miasta i podnieść jego wizerunek w świetle niedawnej jedności narodowej Włoch. W 1968 roku w wyniku konkursu wyłoniono znanego na Sycylii architekta Giovanni Battista Filippo Basile. Dla nowego teatru wyznaczono miejsce, na którym znajdował się kościół i klasztor San Giuliano, które mimo protestów sióstr franciszkanek zostały zburzone. Według legendy „Ostatnia Matka Przełożona” wciąż błąka się po salach teatru, a ci, którzy w nią nie wierzą, zawsze potykają się o jeden stopień („krok zakonnicy”) przy wejściu do teatru. Budowa rozpoczęła się uroczystą ceremonią wmurowania pierwszego kamienia 12 stycznia 1875 r., ale postępowała powoli, przy ciągłym braku funduszy i skandalach, w 1882 r. została zamrożona na osiem lat i wznowiona dopiero w 1890 r. W 1891 roku architekt Giovanni Basile zmarł przed otwarciem swojego projektu, prace kontynuował jego syn Ernesto Basile. 16 maja 1897 roku, 22 lata po rozpoczęciu budowy, teatr otworzył swoje podwoje dla miłośników opery, pierwszą operą wystawioną na jego scenie był Falstaff Giuseppe Verdiego w reżyserii Leopolda Mugnone. Giovani Basile został zainspirowany starożytną architekturą sycylijską, dlatego teatr został zbudowany w prostym stylu neoklasycystycznym z elementami starożytnych świątyń greckich. Monumentalne schody prowadzące do teatru zdobią lwy z brązu niosące na plecach posągi kobiet – alegoryczna „Opera” i „Tragedia”. Budynek wieńczy duża półokrągła kopuła. Rocco Lentini, Ettore de Maria Begler, Michele Cortegiani, Luigi di Giovanni pracowali nad dekoracją wnętrz teatru, zaprojektowanego w stylu późnego renesansu. Do widowni prowadzi obszerny przedsionek, sama sala ma kształt podkowy, kiedyś była 7-kondygnacyjna i przeznaczona dla ponad 3000 widzów, teraz z pięcioma rzędami lóż i galerią może pomieścić 1381 miejsc. Pierwsze sezony były bardzo udane. Dzięki największemu biznesmenowi i senatorowi Ignazio Florio, który sponsorował teatr i starał się, aby Palermo było stolicą opery, miasto przyciągało wielu gości, w tym osoby koronowane, które stale odwiedzały teatr. W teatrze występowali czołowi dyrygenci i śpiewacy, począwszy od Enrico Caruso, Giacomo Pucciniego, Renaty Tebaldi i wielu innych. W 1974 Teatr Massimo został zamknięty z powodu całkowitej renowacji, ale ze względu na skandale korupcyjne i niestabilność polityczną renowację opóźniono o 23 lata. 12 maja 1997 roku, na cztery dni przed stuleciem, teatr został ponownie otwarty z wykonaniem II Symfonii G. Mahlera, ale renowacja nie została jeszcze w pełni ukończona, a pierwsze przedstawienie operowe odbyło się w 1998 roku - „Aida” Verdiego, a regularny sezon operowy rozpoczął się w 1999 roku.
Opera de Lille (Opera de Lille, Francja), została zbudowana w latach 1907-1913. i oficjalnie otwarty w 1923 roku. W 1903 roku stary budynek Opery w Lille spłonął w pożarze. Konkurs na najlepszy projekt nowego teatru wygrał architekt Louis-Marie Cordonnier, inspirowany architekturą Opery Garnier w Paryżu i teatrami włoskimi. Budynek Opéra de Lille został zbudowany w stylu neoklasycystycznym. Fronton przedstawia patrona sztuki Apollina w otoczeniu muz, rzeźby wykonał Hippolyte Lefebvre. Po lewej stronie grupy znajduje się alegoryczne przedstawienie Muzyki Amedeo Cordonniera, a po prawej rzeźba „Tragedia” Hectora Lemaire'a. Schody wewnętrzne są w bogatym stylu Ludwika XIV. Ogromna hala „włoska” (jedna z ostatnich wybudowanych we Francji) może pomieścić ponad 1000 widzów. Na początku I wojny światowej, w lipcu 1914 roku, niewykończony jeszcze budynek teatru zajęły wojska niemieckie. W ciągu czterech lat okupacji w teatrze odbyło się około stu przedstawień. Po wojnie budynek odrestaurowano, w 1923 roku odbyła się w nim „premiera francuska”. W 1998 roku stan teatru wymagał awaryjnego zamknięcia w połowie sezonu. Remont przerodził się w ambitny projekt poprawy funkcjonalności opery. Odbudowę przeprowadzili architekci Patrice Nerink i Pierre-Louis Carlier. Projekt ten został ukończony pod koniec 2003 roku, aw 2004 roku Lille zostało ogłoszone Europejską Stolicą Kultury.
Teatr Wielki w Bordeaux (Grand Theatre de Bordeaux, Francja) został otwarty 17 kwietnia 1780 r. premierą Afalii Racine'a. Budynek teatru powstał na Placu Komedii. To właśnie w tym teatrze młody Marius Petipa wystawił niektóre ze swoich pierwszych baletów. Teatr został zaprojektowany przez architekta Victora Louisa (1731-1800), który zdobył słynne Grand Prix Rzymu. Louis zaprojektował także galerie otaczające ogrody Palais Royal i teatr Comédie-Française w Paryżu. Budowa gmachu Teatru Wielkiego w Bordeaux z salą na 1000 miejsc miała miejsce w latach 1773-1780. Teatr Wielki w Bordeaux został pomyślany jako świątynia sztuki i światła, z neoklasyczną fasadą z portykiem złożonym z 12 kolosalnych kolumn w stylu korynckim podtrzymujących belkowanie, na którym stoi 12 posągów przedstawiających dziewięć muz i trzy boginie (Juno, Wenus). i Minerwa). Wysokość budynku to 88 metrów. W 1871 roku teatr był przez krótki czas siedzibą francuskiego parlamentu. Wnętrze teatru zostało odrestaurowane w 1991 roku, widownia została w dużej mierze przerobiona, oryginalne kolory jej wnętrza to niebieski, biały i złoty. Elewacje budynku zostały odrestaurowane i wyposażone w oświetlenie. Dziś teatr jest siedzibą Opery Narodowej w Bordeaux oraz Baletu Narodowego w Bordeaux. Często odbywają się tam również koncerty symfoniczne w wykonaniu Orkiestra Narodowa Bordeaux i Akwitania. Grand Theatre de Bordeaux uważany jest za jeden z najpiękniejszych francuskich teatrów.
Teatr Wielki La Fenice ("Phoenix") (Gran Teatro La Fenice) to teatr operowy w Wenecji, wielokrotnie niszczony przez pożary i odbudowywany. Teatr jest miejscem odbywania się Międzynarodowego Festiwalu Muzyki Współczesnej. Teatro La Fenice został zbudowany w latach 1790-1792. Nazwa „Feniks” odzwierciedla fakt, że teatr dwukrotnie „odradzał się z popiołów”. W 1774 r. doszczętnie spłonęła wiodąca w tamtych czasach wenecka opera San Benedetto. Zarząd go odrestaurował, ale przegrał spór z właścicielem w sądzie i ponownie przegrał teatr. W rezultacie firma zdecydowała się na budowę własnego nowy dom opery. Budowę rozpoczęto w czerwcu 1790, a zakończono w maju 1792. Teatr został nazwany „La Fenice”, co świadczy o odrodzeniu. Zostało otwarte 16 maja 1792 operą Paisiello Igrzyska w Agrigentum. 13 grudnia 1836 roku teatr został zniszczony przez pożar, ale szybko przywrócony do pierwotnego modelu, pod kierunkiem architektów Tommaso i Giambattista Medun. Rok później, w 1837 roku teatr ponownie otworzył swoje podwoje. W XIX wieku w La Fenice odbyły się premiery wielu oper wybitnych autorów włoskich, w szczególności Gioacchino Rossiniego (Tancred, 1813, Semiramide, 1823), Vincenzo Belliniego (Capulets and Montecchis, 1830, Beatrice di Tandi, 1833) ) i Giuseppe Verdi (Ernani, 1843, Attila, 1846, Rigoletto, 1851, La Traviata, 1853, Simon Boccanegra, 1857). Premiera La Traviaty była początkowo wygwizdana przez publiczność w Phoenix. W 1930 roku Biennale w Wenecji zainicjowało pierwszy międzynarodowy festiwal muzyki współczesnej. W 1937 roku teatr został przebudowany według projektu Eugenio Miozzo. Wybitnymi premierami XX wieku były inscenizacje opery The Rake's Progress I. Strawińskiego (1951) i The Turn of the Screw B. Brittena. 29 stycznia 1996 roku budynek teatru ponownie spłonął, podpalony przez elektryka Enrico Carella, który starał się uniknąć kar umownych za opóźnienia w pracy. Na wsparcie państwa Teatr został odrestaurowany i uroczyście otwarty 14 grudnia 2003 roku. Na otwarciu wystąpił chór i orkiestra La Scali pod dyrekcją Mutiego. W programie uroczystości z okazji odrodzenia Fenic znalazły się najlepsze orkiestry świata, w tym Orkiestra Filharmonii Petersburskiej pod batutą Jurija Temirkanowa, która wykonała utwory Czajkowskiego i Strawińskiego.
Royal Opera House „Covent Garden” to teatr w Londynie w Wielkiej Brytanii, służący jako miejsce występów operowych i baletowych, scena domowa London Royal Opera i London Royal Ballet. Znajduje się na terenie Covent Garden, po czym otrzymał swoją nazwę. Początkowo w Covent Garden istniało kilka niezależnych zespołów, a także dramatyczne, muzyczne i spektakle baletowe odbywały się przedstawienia cyrkowe. W połowie XVIII wieku główne miejsce na scenie teatru zajmowały przedstawienia muzyczne, a od 1847 r. wystawiano już tylko opery i balety. Nowoczesny budynek teatru jest trzecim z rzędu, znajdującym się w tym miejscu. Został zbudowany w 1858 roku, a w latach 90. przeszedł gruntowną renowację. Sala Opery Królewskiej może pomieścić 2268 widzów i składa się z czterech poziomów. Szerokość proscenium wynosi 12,2 m, wysokość 14,8 m. z inicjatywy reżysera i impresariatu Johna Richa i otworzył 7 grudnia 1732 r. przedstawieniem na podstawie sztuki Williama Congreve'a „Tak czyń świat” (inż. Droga świata). Przed spektaklem aktorzy w uroczystej procesji weszli do teatru, niosąc na rękach Richa. Przez prawie sto lat Covent Garden Theatre był jednym z dwóch londyńskich teatrów dramatycznych, gdyż już w 1660 roku król Karol II zezwolił na wystawianie przedstawień dramatycznych tylko w dwóch teatrach (drugi był co najmniej słynny teatr Drury Lane). W 1734 roku w Covent Garden wystawiono pierwszy balet Pigmalion z Marie Salle w roli głównej, tańczącą wbrew tradycji bez gorsetu. Pod koniec 1734 roku w Covent Garden zaczęto wystawiać operę – przede wszystkim dzieła George'a Friderica Haendla, byłego dyrektora muzycznego teatru: jego wczesną, choć mocno zrewidowaną operę Wierny pasterz (wł. Il pastor fido) najpierw wystawiono, a następnie w styczniu 1735 r. nową operę Ariodant i inne. W 1743 r. wykonano tu oratorium Händla „Mesjasz”, a później wykonanie oratoriów na motywy religijne w czasach Wielkiego Postu stało się to tradycją w teatrze. Po raz pierwszy wystawiono tu opery kompozytora Thomasa Arna oraz opery jego syna. W 1808 roku pożar zniszczył pierwszy teatr w Covent Garden. Nowy budynek teatru został wzniesiony w pierwszych dziewięciu miesiącach 1809 roku według projektu Roberta Smorka i otwarty 18 września przedstawieniem Makbeta. Dyrekcja teatru podniosła ceny biletów, aby zrekompensować koszty nowego budynku, ale przez dwa miesiące publiczność zakłócała spektakle nieustannymi krzykami, oklaskami i gwizdami, w wyniku czego dyrekcja teatru była zmuszona przywrócić ceny do poprzedniego poziomu. W pierwszej połowie XIX wieku opery, balety, spektakle dramatyczne z udziałem wybitnych tragików Edmunda Keane i Sarah Siddons, pantomima, a nawet błazenki (wykonywane tu słynny klaun Józefa Grimaldiego). Sytuacja zmieniła się po tym, jak w 1846 r. w wyniku konfliktu w Her Majesty's Theatre - London Opera House - znaczna część jego trupy, kierowanej przez dyrygenta Michaela Costę, przeniosła się do Covent Garden; hala została zrekonstruowana i 6 kwietnia 1847 r. teatr został ponownie otwarty pod nazwą Royal Italian Opera inscenizacją opery Semiramide Rossiniego. Jednak niespełna dziewięć lat później, 5 marca 1856 roku, teatr spłonął po raz drugi. Trzeci teatr w Covent Garden powstał w latach 1857-1858. zaprojektowany przez Edwarda Middletona Barry'ego i otwarty 15 maja 1858 roku inscenizacją Les Hugenotów Meyerbeera. W czasie I wojny światowej teatr został zarekwirowany i wykorzystany jako magazyn. W czasie II wojny światowej w budynku teatru znajdowała się sala taneczna. W 1946 roku opera powróciła na mury Covent Garden: 20 lutego teatr został otwarty z Śpiącą królewną Czajkowskiego w ekstrawaganckim przedstawieniu Olivera Messela. W tym samym czasie rozpoczęło się tworzenie zespołu operowego, dla którego Covent Garden Theatre miałby stać się sceną domową, 14 stycznia 1947 roku Covent Garden Opera Company (przyszła Royal Opera w Londynie) zaprezentowała tu operę Bizeta Carmen.
Samara Akademicki Teatr Opery i Baletu to teatr muzyczny w Samarze w Rosji. Akademicki Teatr Opery i Baletu Samara jest jednym z największych rosyjskich teatry muzyczne. Otwarcie teatru odbyło się 1 czerwca 1931 operą Musorgskiego Borys Godunow. U jego początków były wybitne Rosyjscy muzycy- uczeń Tanejewa i Rimskiego-Korsakowa, dyrygent i kompozytor Anton Eikhenvald, dyrygent Teatru Bolszoj Arij Pazowski, słynny rosyjski dyrygent Isidor Zak, dyrektor Teatru Bolszoj Iosif Lapitsky. Tacy mistrzowie jak dyrygenci Savely Bergolts, Lew Ossowski, reżyser Boris Ryabikin, śpiewacy Aleksander Dolski, artysta ludowy Ukraińskiej SRR Nikołaj Poludionny, artysta ludowy Rosji Wiktor Czernomortcew, artysta ludowy RSFSR, przyszły solista Teatru Bolszoj Natalia Shpiller, Larisa Boreiko zapisało się w historii teatru i wielu innych. Zespołowi baletowemu przewodniczyła Jewgienija Łopuchowa, solistka Teatru Maryjskiego, uczestniczka legendarnych sezonów Diagilewa w Paryżu. Otworzyła serię genialnych petersburskich choreografów, którzy w różnych latach kierowali baletem Samara. Baletmistrzami Teatru Samara byli utalentowany choreograf, uczennica Agrypiny Waganowej Natalia Daniłowa, legendarna petersburska baletnica Ałła Szelest, solista Teatru Maryjskiego Igor Czernyszew, Artysta Ludowy ZSRR Nikita Dołguszyn. Teatr szybko zdobywa repertuar. W inscenizacjach lat 30. pojawiały się klasyki operowe i baletowe: opery Czajkowskiego, Glinki, Rimskiego-Korsakowa, Borodina, Dargomyżskiego, Rossiniego, Verdiego, Pucciniego, balety Czajkowskiego, Minkusa, Adany. Teatr przywiązuje również dużą wagę do repertuaru nowoczesnego, zgodnego z wymogami epoki. W okresie przedwojennym po raz pierwszy w kraju wystawiono opery Step A. Eikhenwalda, Tanya Kreitnera, Poskromienie złośnicy Szebalina i inne. Na jej plakatach widnieją dziesiątki tytułów z klasyki XVIII wieku. („Medea” Cherubiniego, „The Secret Marriage” autorstwa Cimarosa) i kilka wykonane prace Rosyjscy kompozytorzy XIX wieku („Serwilia” Rimskiego-Korsakowa, „Czarodziejka” Czajkowskiego, „Ełka” Rebikowa) do europejskiej awangardy XX wieku. („Karzeł” von Zemlinsky'ego, „Wesele” Strawińskiego, „Arlekino” Busoniego). Szczególną stroną w życiu teatru jest współtworzenie ze współczesnymi autorami krajowymi. Swoje utwory powierzyli naszej scenie wybitni rosyjscy kompozytorzy Siergiej Słonimski i Andrei Eshpay, Tichon Chrennikow i Andrei Pietrow. Światowa premiera opery Słonimskiego Wizje Iwana Groźnego w wykonaniu wielkiego XX-wiecznego muzyka Mścisława Rostropowicza we współpracy z wybitnymi mistrzami scenografii, reżyserem Robertem Sturuą i artystą Georgym Aleksi-Meskhishvili, była znaczącym wydarzeniem daleko wykraczającym poza życie kulturalne Samary. Na początku Wielkiej Wojny Ojczyźnianej sytuacja kulturalna w mieście zmieniała się diametralnie. W październiku 1941 roku Państwowy Teatr Bolszoj ZSRR został ewakuowany do Kujbyszewa/Samara („stolica rezerwowa”). Inicjatywa artystyczna przechodzi w ręce największych mistrzów sowieckiej sceny operowej i baletowej. Na lata 1941 - 1943 Teatr Bolszoj pokazał w Samarze 14 oper i baletów. Na scenie Samara występowała na całym świecie sławni śpiewacy Dyrygowali Ivan Kozlovsky, Maxim Mikhailov, Mark Reizen, Valeria Barsova, Natalia Shpiller, balerina Olga Lepeshinskaya, Samosud, Fire, Melik-Pashaev. Do lata 1943 w Kujbyszewie mieszkał i pracował kolektyw Teatru Bolszoj. W podziękowaniu za pomoc lokalni mieszkańcy w tym trudnym czasie, nawet po wojnie, jego artyści niejednokrotnie przybywali nad Wołgę ze swoimi nowymi dziełami, a także z historycznym repertuarem wojennym. W 2005 roku z okazji 60. rocznicy Wielkiego Zwycięstwa Wojna Ojczyźniana, sztab Teatru Bolszoj Rosji dał publiczności Samara nowe spotkanie ze swoją sztuką. Trasowe występy i koncerty (balet Szostakowicza „Jasny strumień”, opera Musorgskiego „Borys Godunow”, wielka Symfonia Zwycięstwa – VII Symfonia Szostakowicza, koncert orkiestry dętej i solistów operowych) odniosły triumfalny sukces. Jak wspomniano CEO Teatr Bolszoj Rosji A. Iksanow, „Dla całego personelu Teatru Bolszoj ta trasa jest kolejną okazją do wyrażenia głębokiej wdzięczności mieszkańcom Samary za to, że w najtrudniejszym czasie wojny Teatr Bolszoj znalazł tutaj drugi dom ”. Ukoronowaniem życia muzycznego Samary w XX wieku, wydarzeniem iście historycznym, było wykonanie na scenie Opery w Samarze VII Symfonii Dymitra Szostakowicza. Wielkie dzieło, odzwierciedlające tragiczne wydarzenia wojny, oddające całą wielkość wyczynu żołnierzy sowieckich, zostało ukończone przez kompozytora w grudniu 1941 r. podczas ewakuacji do Samary i wykonane przez Orkiestrę Teatru Bolszoj pod dyrekcją Samuila Samosuda 5 marca , 1942. Teatr żyje intensywnym życiem. Rekonstrukcja jest na ukończeniu, na plakacie pojawiają się nowe nazwiska, śpiewacy i tancerze wygrywają prestiżowe konkursy międzynarodowe i ogólnorosyjskie, do trupy napływają nowe siły twórcze. Zespół teatralny może być dumny z koncentracji utalentowanych, błyskotliwych, kreatywnych osób. Uhonorowani artyści Rosji Michaił Gubski i Wasilij Swiatkin są solistami nie tylko Teatru Samara, ale także Teatru Bolszoj Rosji i Moskiewskiego Teatru Opery Nowaja. Anatolij Nevdakh bierze udział w spektaklach Teatru Bolszoj, Andrey Antonov z powodzeniem występuje na scenach teatrów rosyjskich i zagranicznych. O poziomie trupy operowej świadczy również obecność w niej dużej liczby „utytułowanych” śpiewaków: 5 artystów ludowych, 8 artystów wyróżnionych, 10 laureatów międzynarodowych i ogólnorosyjskich konkursów. W zespole jest wielu utalentowanych młodych ludzi, z którymi starsze pokolenie artystów chętnie dzieli się tajnikami mistrzostwa. Od 2008 roku trupa baletowa teatru znacznie podniosła poprzeczkę. Na czele zespołu teatralnego stanął Zasłużony Artysta Rosji Kirill Szmorgoner, który od dawna gościł zespół baletowy Teatru Permskiego. K. Shmorgoner zaprosił do teatru liczną grupę swoich uczniów, absolwentów jednego z najlepszych instytucje edukacyjne kraj - Permska Szkoła Choreograficzna. Laureatami prestiżowej nagrody zostali młodzi tancerze Ekaterina Pervushina i Wiktor Małygin Międzynarodowy Konkurs„Arabesque”, cała grupa tancerzy Samary z powodzeniem wystąpiła na ogólnorosyjskim festiwalu „Delphic Games”. W ostatnich latach w teatrze odbyło się kilka premier, które spotkały się z dużym zainteresowaniem publiczności: opery Mozart i Salieri Rimskiego-Korsakowa, Maur Strawińskiego, Panna Pergolesiego, Eugeniusz Oniegin Czajkowskiego, Rigoletto Verdiego, Madama Motyl” Pucciniego, kantata choreograficzna „Wesele” Strawińskiego, balet Hertela” Daremne środki ostrożności”. Teatr aktywnie współpracuje przy tych spektaklach z moskiewskimi mistrzami z Teatru Bolszoj, nowa opera, z innymi teatrami w Rosji. Dużo uwagi poświęca się inscenizacji bajek muzycznych dla dzieci. Na scenie koncertowej występują również artyści opery i baletu. Wśród tras zwiedzania teatru znajdują się Bułgaria, Niemcy, Włochy, Hiszpania, Chiny, rosyjskie miasta. Intensywna praktyka objazdowa teatru umożliwiła zapoznanie się z najnowszymi dziełami i mieszkańcami regionu Samara. Jasną kartą w życiu teatru są festiwale. Wśród nich jest festiwal balet klasyczny im. Alli Shelest, międzynarodowy festiwal „Bazy XXI wieku”, „Pięć wieczorów w Togliatti”, festiwal sztuki operowej „Samara Spring”. Dzięki festiwalowym inicjatywom teatru publiczność Samary mogła zapoznać się ze sztuką kilkudziesięciu największych mistrzów krajowej i zagranicznej sztuki operowej i baletowej. W planach twórczych teatru są produkcje opery „Książę Igor”, balety „Don Kichot”, „Śpiąca królewna”. W 80. rocznicę teatru planuje pokazać operę Musorgskiego Borys Godunow, powracając tym samym do korzeni na nowym etapie rozwoju historycznego. Masywny szary budynek wznosi się na centralnym placu miasta - według krytyków sztuki „okazały pomnik późnego „stylu pilonadowego”, do którego dodaje się brutalną klasykę”, „ doskonały przykład architektura lat 30. XX wieku. Autorami projektu są leningradzcy architekci N.A. Trocki i N.D. Katseleneggbogen, który wygrał konkurs na budowę Pałacu Kultury w 1935 roku. Teatr mieścił się w centralnej części budynku. W lewym skrzydle przez pewien czas mieściła się biblioteka regionalna, w prawym – szkoła sportowa i muzeum sztuki. W 2006 roku rozpoczęła się przebudowa budynku, która wymagała eksmisji szkoły sportowej i muzeum. Do 2010 roku, w jubileuszowy sezon teatru, zakończono odbudowę.
Miłośników muzyki klasycznej z pewnością interesuje pytanie, jakie są dziś najsłynniejsze opery na świecie. Wśród ogromnej liczby arcydzieł tworzonych przez kompozytorów na przestrzeni kilku stuleci trudno wyróżnić te najpopularniejsze. Jednak ze wszystkich można wskazać niekwestionowanych liderów, którzy znaleźli się w przedstawionej poniżej pierwszej dziesiątce. Opery te zostały przetłumaczone na kilka języków i są regularnie wystawiane na scenach najlepszych teatrów świata.
Vincenzo Bellini
(Vincenzo Bellini) otwiera listę najpopularniejszych oper na świecie. Jest to tragedia liryczna w dwóch aktach, oparta na dziele A. Sume „Norma, czyli dzieciobójstwo”. Opera po raz pierwszy została zaprezentowana w Mediolanie i niemal natychmiast zyskała dużą popularność wśród miłośników opery. Partia tytułowa uważana jest za jedną z najtrudniejszych w repertuarze sopranowym. "Norma" została napisana przez kompozytora w 31. roku XIX wieku i nadal cieszy się światową popularnością.
P. I. Czajkowski
(P. I. Czajkowski) - najsłynniejsza opera rosyjskiego kompozytora o światowej renomie. Praca powstała według powieść o tym samym tytule Aleksandra Siergiejewicza Puszkina i do libretta Konstantina Szyłowskiego. Opera została zaprezentowana szerokiej publiczności w Moskiewskim Teatrze Małym. Czajkowski, zanim napisał swoje arcydzieło, przez długi czas poszukiwał fabuły operowej, która byłaby mocnym dramatem. Fabuła, przez przypadek, została zainspirowana przez kompozytora przez piosenkarkę Ławrowską.
W. A. Mozarta
"Ślub Figara”(W. A. Mozart) to popularna opera austriackiego kompozytora-wirtuoza, która zyskała światową sławę. Scenariusz gra o tej samej nazwie Beaumarchais. Mozart zaczął pisać utwór muzyczny w 86. roku XVIII wieku. Tworzenie partytury trwało pięć miesięcy. Po pierwszej prezentacji jej publiczności nie zyskała dużej popularności. Chwała i laury przyszły po wystawieniu opery w Pradze. Po raz pierwszy opera została przetłumaczona na język rosyjski przez Piotra Iljicza Czukowskiego. Opera składa się w sumie z czterech aktów. Fabuła pracy związana jest z przygotowaniami do ślubu służącej Zuzanny i kamerdynera Figara.
W. A. Mozarta
« magiczny flet prosty„(W. A. Mozart) – jedna z najlepszych oper na świecie, napisana przez kompozytora w dwóch aktach. Po raz pierwszy został zaprezentowany publiczności w 1791 roku w Wiedniu. W centrum fabuły znajduje się książę Tamino, który musi przejść przez wiele trudności i prób, aby być godnym przebywania ze swoją ukochaną, córką królowej nocy. Goethe był tak zachwycony tą pracą, że podjął próby napisania kontynuacji tego libretta.
Gioacchino Rossini
« Sewilla fryzjer(Gioacchino Rossini) to jedna z najlepszych oper, która zyskała światową popularność. Zawiera dwa akty, które powstały na podstawie komedii Pierre'a Boramshe o tym samym tytule. Początkowo libretto nazywało się „Almaviva, czyli próżna ostrożność”. Akcja dzieła muzycznego rozgrywa się w Sewilli w XVIII wieku. Opera rozpoczyna się pojawieniem się hrabiego Almavivy, który znajduje się pod oknami ukochanej. Dla niej wykonuje małą arię operową „Wkrótce wschód zabłyśnie jasno złotym świtem”. Opiekun ukochanej nie pozwala jej wyjść na balkon, więc próby Alvamivy są daremne.
Giacomo Puccini
„(Giacomo Puccini) – jedno z największych muzycznych arcydzieł świata, zaprezentowane publiczności w 1896 roku. Opera składa się z czterech aktów. Został on oparty na pracy Henri Murgera „Sceny z życia Czech”. Akcja libretta toczy się w Paryżu w latach 30. XIX wieku. Akt pierwszy zaczyna się od tego, że biedny poeta Rudolph i jego przyjaciel artysta Marcel spędzają wieczór przy zimnym kominku, który nie ma co rozpalić. Artysta chce spalić ostatnie krzesło, ale Rudolf powstrzymuje go, składając w ofierze jeden ze swoich rękopisów. Akcja kończy się spotkaniem poety ze swoją miłością.
G. Donizettiego
„Lucia di Lammermoor» (G. Donizetti) znajduje się na liście najpopularniejszych oper na świecie. Tragiczny utwór włoskiego kompozytora wykonywany jest w trzech aktach. Libretto zostało napisane na podstawie powieści „Narzeczona z Lammermoor” W. Scotta. Nieco później kompozytor napisał także francuską wersję opery. Zagrzmiała na całym świecie, stając się jedną z najlepszych. Fabuła powieści została wykorzystana przed Donizettim przez kilku kompozytorów, ale jego twórczość całkowicie wyparła wszystkie poprzednie. Libretto toczy się w Szkocji w XVIII wieku. W sumie praca składa się z dwóch części: „Wyjazd” i „Umowa Małżeńska”.
Georges Bizeta
(Georges Bizet) otwiera trzy najlepsze opery świata, które kompozytor napisał na podstawie opowiadania o tym samym tytule Prospera Mérimée. Pojedyncze szkice partytury pojawiły się w 74. XIX wieku. Premiera odbyła się po raz pierwszy we Francji, gdzie zakończyła się kompletnym fiaskiem. Nierozpoznana przez francuską publiczność i krytyków opera na długo opuściła scenę i powróciła na scenę dopiero w 1983 roku, zdobywając światową sławę. Sam Czajkowski powiedział, że jest to dzieło iście arcydzieło, które po pewnym czasie zdobędzie sławę na dużą skalę.
S. Prokofiewa
« Wojna i pokój„(S. Prokofiew) – jedna z najsłynniejszych oper, która grzmiała na całym świecie. Na podstawie powieści o tym samym tytule wybitny pisarz XIX-wieczny Lew Nikołajewicz Tołstoj. W sumie praca obejmuje trzynaście obrazów. Opera rozpoczyna się pojawieniem się na scenie Bolkońskiego, który zwiedza posiadłość hrabiego Rostowa. Słyszy głos córki hrabiego Nataszy, która zachwyca go swoim pięknym śpiewem. Trzynaste ostatnie zdjęcie opowiada o pozostałościach wycofującej się armii Bonapartego. Pomysły na napisanie opery na podstawie słynnego kompozytora powieściowego rodziły się od dawna. Pierwsze szkice pojawiły się w 1941 roku, a na scenie Teatru Bolszoj zagrzmiały w 1959 roku, stając się jedną z najlepszych oper na świecie.
Giuseppe Verdi
(Giuseppe Verdi) zamyka listę najlepszych oper na świecie. W tłumaczeniu na język rosyjski słowo traviata oznacza „zagubiony” lub „upadły”. Inspiracją do jej napisania dla kompozytora była powieść Aleksandra Dumasa Dama kameliowa. La Traviata, zaprezentowana publicznie po raz pierwszy, poniosła kompletne fiasko, ale po radykalnej rewizji zyskała światową popularność. Cechą tej opery jest niezwykły jak na tamte czasy wybór bohaterki - kobiety upadłej na łożu śmierci. Akcja „La Traviata” toczy się w Paryżu w połowie XIX wieku. W centrum uwagi znajduje się kurtyzana, odrzucona przez społeczeństwo i nikomu niepotrzebna. W oryginalnej partyturze znajdują się trzy akty.
Wszystkich miłośników muzyki klasycznej z pewnością zainteresuje, które opery uznawane są za najlepsze na świecie, choć oczywiście na ten temat można dyskutować godzinami. Dzieła operowe słusznie zajmują ważną niszę w branży utworów muzycznych i dramatycznych, były czczone przez najbardziej arystokratyczne kręgi naszego społeczeństwa i, co należy zauważyć, pozostają popularne do dziś.
Jak wiadomo, dzieła operowe są różne – romantyczne, komiczne, operowo-baletowe i tak dalej – jednak wśród nich wszystkich są te, które uznawane są za najlepsze z najlepszych. Dowiedzmy się, o czym mówimy.
- La Traviata, Giuseppe Verdi
Otwiera nasze 10 najsłynniejszych oper na świecie „La Traviata”, napisane przez kompozytora Giuseppe Verdiego. Ciekawostką jest to, że pierwsza produkcja, która miała miejsce w Wenecji w 1853 roku, poniosła miażdżącą porażkę, jednak po kilku ulepszeniach zyskała światową sławę i sławę. Opera opowiada o pięknej kurtyzanie z nieuleczalną chorobą, której życie pełne jest miłości, intryg, podstępu, spóźnionych wyrzutów sumienia, a nawet poświęcenia.
- „Wojna i pokój”, S. Prokofiew na podstawie powieści L. N. Tołstoja
Jeśli przeczytałeś książkę lub przynajmniej obejrzałeś film o tej samej nazwie, to prawdopodobnie wiesz, czym jest sól. Bujne bale, wytworne panie, bardzo młoda Natasha Rostova, francuscy oficerowie, zwykli ludzie i akcje rozgrywające się na tle wojny 1812 roku. Plan opery składa się z dwóch części i zakłada przedstawienie podzielone na dwa wieczory, jednak istnieje również specjalna wersja skrócona na jeden wieczór.
- „Carmen”, Georges Bizet
Być może jedne z najbardziej rozpoznawalnych dzieł w świecie muzyki klasycznej, melodie, a nawet całe arie z Carmen są znane ludziom, często można je usłyszeć w filmach, a nawet kreskówkach. Pierwsza produkcja „Carmen” miała miejsce w Paryżu w 1875 roku i ponownie się zakończyła zupełna porażka, była krytykowana do drobiazgów, być może to burzliwe dyskusje o stworzeniu stworzyły jej przyszłą popularność dla Carmen. Po niewielkim udoskonaleniu ponownie pojawiła się na paryskiej scenie, po czym kontynuowała swój triumfalny pochód przez Europę, Amerykę i Rosję.
- „Łucja z Lammermoor”, G. Donizetti
Tragiczna opera włoskiego kompozytora, będąca dziś jednym z najlepszych przykładów stylu bel canto. Jeśli mówimy o fabule, to mocno przypomina ona Romea i Julię, bo tu, jak i tam, jest tragiczna historia kochanków, fatalnych błędów, walczących klanów, namiętnych uczuć, szaleństwa i gorzkiej śmierci w finale.
- Cyganeria, Giacomo Puccini
Szczera i tragiczna historia krawcowej Mimi i jej ukochanego poety Rudolfa, która rozgrywa się na tle życia ówczesnej bohemy Paryża. Dzieło zostało po raz pierwszy opublikowane w 1896 roku, dziś pozostaje jednym z najpopularniejszych na świecie, a arie z niego znajdują się w obowiązkowym programie koncertowym każdego szanującego się artysty operowego.
- Cyrulik sewilski, Gioacchino Rossini
Komiczna i pogodna opera opowiadająca o przebiegłym i dowcipnym fryzjerze Figaro. Tak się złożyło, że hrabia Almavive zakochał się w pięknej Rozynie, a Figaro stara się pomóc mu zdobyć przychylność piękna. Praca jest psotna i fascynująca, pełna zabawnych nieporozumień i zamieszania. Premiera, podobnie jak wiele innych znanych dzieł, zakończyła się niepowodzeniem, jednak z czasem Cyrulik sewilski zaczął cieszyć się szybką popularnością wśród widza, która trwa do dziś.
- Czarodziejski flet, W.A.Mozart
Czy można sobie wyobrazić listę oper, która nie zawiera nazwiska genialnego kompozytora Mozarta? Prawdopodobnie jego najsłynniejszą i najczęściej wykonywaną operą jest Czarodziejski flet, który po raz pierwszy wystawiono w Wiedniu. Dyrygentem był sam kompozytor! W centrum opowieści znajduje się książę Tamino, który przechodzi przez wszystkie próby i trudności, aby zdobyć miłość i przychylność córki Królowej Nocy.
- Wesele Figara, W. A. Mozart
Kolejne dzieło Mozarta, które opowiada o krzątaninie przygotowań do ślubu kamerdynera Figara i ładnej pokojówki Zuzanny. A jak się okazuje, to dużo pracy! Wszystko to w humorystyczny i bardzo inspirujący sposób. Opera została wystawiona po raz pierwszy w Wiedniu w 1786 roku, ale pełne uznanie zyskała dopiero po powtórnym przedstawieniu w Pradze w tym samym roku.
- „Eugeniusz Oniegin”, P. I. Czajkowski
Najsłynniejsze dzieło rosyjskiego kompozytora, bez którego lista najsłynniejszych oper świata nie byłaby kompletna. „Eugeniusz Oniegin” doskonale łączy melodię słów Puszkina i harmonię muzyki Czajkowskiego, nawiasem mówiąc, jest to jedna z tych słynnych oper, która cieszy się dzikim sukcesem publiczności na Zachodzie.
- Norma, Vincenzo Bellini
Nazywana jest ultraklasyczną, zwłaszcza wspaniałą i niezwykle rozbudowaną arią „Casta Diva”. Premiera opery odbyła się w 1831 roku w Mediolanie. W naszych czasach niewielu radziło sobie z najtrudniejszymi partiami sopranu, m.in. Galina Vishnevskaya i bezkonkurencyjny Montserrat Caballé.
„Opera „Borys Godunow” – Stosunek do osobowości Borysa Godunowa. Monolog Borysa. Musorgski. Przeszłość jest w teraźniejszości. Rosja. Chaliapin jako Borys Godunow. Scena w katedrze św. Bazylego. Scena z kurantami. Zimny popiół. Próba tożsamości. Postać cara Borysa. Borys. Interpretacja osobowości Borysa Godunowa. Postawa.
"Opera" Sadko "" - Potęga sztuki. Kompozytor jest gawędziarzem. Zamorskie cuda lub cuda podwodnego świata. Opera-epicka „Sadko” Rimski-Korsakow. Każdy gość chwali swój kraj. Opera „Sadko” to arcydzieło rosyjskiej muzyki klasycznej. Autorzy „Sadka”. Cud opery. Sceny z opery Sadko. W operze „Sadko”, jak w każdej bajce, jest wiele cudów.
"Opera Chińska" - Surowość. Okrucieństwo. Instrukcje dla mityczni bohaterowie. Istnieje kilka różnych teorii dotyczących pochodzenia makijażu. Wspaniały dowódca. Sztuka. Niebieski i zielony. Białe twarze. Reprezentacja. Rodzaj makijażu. Historia makijażu. Makijaż w chińskiej operze.
„Książę operowy Igor” – w latach 60. XIX wieku. Petersburg był zaangażowany w działalność naukową, pedagogiczną i społeczną. A.P. Borodin. I. Głazunow „Dwóch książąt”. Cezar Antonowicz Cui. Mily Aleksiejewicz Bałakiriew. W 1856 ukończył Akademię Medyczno-Chirurgiczną. Od 1858 doktor medycyny. Ze względu na duże obciążenie pracą naukową i pedagogiczną Borodin pisał powoli.
„Opera to gatunek muzyczny” – gatunek sztuki muzycznej. Sceny z opery - epicki „Sadko”. Opera Claudio Monteverdiego Orfeusz. "Moulin Rouge". Opera. „Teatr Maryjski”. Opera San Carlo w Neapolu. Opera – Bylina „Sadko” N.A. Rimski – Korsakow. Operetka. „Sala Carnegie”. Scena Teatru Bolszoj. Opera „Cyrulik sewilski” Gioachinno Rossiniego.
„Opera Snow Maiden” - Pytanie 2. Na podstawie jakiego dzieła literackiego powstała opera „Snow Maiden”? 1. po rosyjsku ludowa opowieść 2. na podstawie bajki A. Ostrovsky'ego 3. na podstawie bajki A.S. Puszkina. Pytanie 7. Jaki instrument orkiestry symfonicznej imituje dźwięk rogu pasterskiego Lela w operze? 1. flet 2. klarnet 3. trąbka. Opera „Snegurochka” (test).
Łącznie w temacie jest 12 prezentacji
Powstała na wzór zachodnich opery rosyjska opera wniosła cenny wkład do skarbca kultury światowej.
Występując w epoce klasycznego rozkwitu oper francuskich, niemieckich i włoskich, opera rosyjska w XIX wieku nie tylko dogoniła klasyczne narodowe szkoły operowe, ale też je wyprzedziła. Ciekawe, że rosyjscy kompozytorzy tradycyjnie wybierali do swoich utworów tematy o charakterze czysto ludowym.
„Życie dla cara” Glinka
Opera „Życie za cara” lub „Iwan Susanin” opowiada o wydarzeniach z 1612 roku – kampanii polskiej szlachty przeciwko Moskwie. Autorem libretta został jednak baron Jegor Rosen, czas sowiecki ze względów ideologicznych redagowanie libretta powierzono Siergiejowi Gorodeckiemu. Premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w Petersburgu w 1836 roku. Przez długi czas rolę Susanin grał Fiodor Chaliapin. Po rewolucji Życie za cara opuściło sowiecką scenę. Próbowano dostosować fabułę do wymagań nowych czasów: tak Susanin została przyjęta do Komsomołu, a ostatnie wersy brzmiały jak „Chwała, chwała, sowiecki system”. Dzięki Gorodeckiemu, kiedy opera była wystawiana w Teatrze Bolszoj w 1939 roku, „system sowiecki” został zastąpiony przez „naród rosyjski”. Od 1945 roku Teatr Bolszoj tradycyjnie otwiera sezon różnymi przedstawieniami Iwana Susanina Glinki. Być może największe zagraniczne wystawienie opery zrealizowano w mediolańskiej La Scali.
„Borys Godunow” Musorgskiego
Opera, w której car i lud są wybierani jako dwie postacie, została zapoczątkowana przez Musorgskiego w październiku 1868 roku. Do napisania libretta kompozytor wykorzystał tekst tragedii Puszkina o tym samym tytule oraz materiały z Historii Państwa Rosyjskiego Karamzina. Tematem opery były rządy Borysa Godunowa tuż przed Czasem Kłopotów. Musorgski ukończył pierwszą edycję opery Borys Godunow w 1869 roku, która została przedstawiona komitetowi teatralnemu Dyrekcji Teatrów Cesarskich. Recenzenci odrzucili jednak operę, odmawiając jej wystawienia ze względu na brak jasnej roli kobiecej. Musorgski wprowadził do opery „polski” akt miłosnej linii Mariny Mniszek i Fałszywego Dymitra. Dodał też monumentalną scenę popularnego powstania, dzięki czemu finał był bardziej widowiskowy. Mimo wszelkich korekt opera ponownie została odrzucona. Wystawiono ją dopiero 2 lata później, w 1874 roku, na scenie Teatru Maryjskiego. Za granicą premiera opery odbyła się w Teatrze Bolszoj w paryskiej Grand Opera 19 maja 1908 roku.
Dama pikowa Czajkowskiego
Operę Czajkowskiego ukończył wczesną wiosną 1890 roku we Florencji, a pierwsza inscenizacja odbyła się w grudniu tego samego roku w Teatrze Maryjskim w Petersburgu. Opera została napisana przez kompozytora na zamówienie Teatru Cesarskiego i po raz pierwszy Czajkowski odmówił przyjęcia zamówienia, uzasadniając swoją odmowę brakiem „odpowiedniej scenicznej obecności” w fabule. Ciekawe, że w opowiadaniu Puszkina bohater nosi nazwisko Hermann (z dwoma „n” na końcu), a w operze główny bohater aktor staje się człowiekiem o imieniu Herman - nie jest to pomyłka, ale celowa autorska zmiana. W 1892 roku opera została wystawiona po raz pierwszy poza Rosją w Pradze. Następnie - pierwsza produkcja w Nowym Jorku w 1910 i premiera w Londynie w 1915.
„Książę Igor” Borodin
Podstawą libretta był pomnik starożytnej literatury rosyjskiej „Opowieść o kampanii Igora”. Pomysł na fabułę podsunął Borodinowi krytyk Władimir Stasow na jednym z wieczorów muzycznych u Szostakowicza. Opera powstawała przez 18 lat, ale kompozytor nigdy jej nie ukończył. Po śmierci Borodina prace nad dziełem zakończyli Głazunow i Rimski-Korsakow. Istnieje opinia, że Głazunowowi udało się przywrócić z pamięci autorskie wykonanie uwertury operowej, którą kiedyś usłyszał, jednak sam Głazunow obalił tę opinię. Pomimo faktu, że większość pracy wykonali Głazunow i Rimski-Korsakow, upierali się, że książę Igor był w całości operą Aleksandra Porfiriewicza Borodina. Premiera opery odbyła się w Teatrze Maryjskim w Petersburgu w 1890 roku, po 9 latach obejrzała ją zagraniczna publiczność w Pradze.
„Złoty Kogucik” Rimskiego-Korsakowa
Opera Złoty Kogucik powstała w 1908 roku na podstawie baśni Puszkina pod tym samym tytułem. Ta opera była ostatnim dziełem Rimskiego-Korsakowa. Teatry cesarskie odmówiły wystawienia opery. Ale gdy tylko publiczność zobaczyła ją po raz pierwszy w 1909 roku w Operze Moskiewskiej Siergieja Zimina, opera została wystawiona w Teatrze Bolszoj miesiąc później, a następnie rozpoczęła swój triumfalny pochód dookoła świata: Londyn, Paryż, Nowy Jork, Berlin, Wrocław.
„Lady Makbet z rejonu mceńskiego” Szostakowicza
Pomysł opery wyszedł od Aleksandra Dargomyżskiego w 1863 roku. Jednak kompozytor wątpił w jego sukces i uważał dzieło za twórczy „rekonesans”, „zabawę nad Don Giovannim” Puszkina. Napisał muzykę do tekstu Puszkina The Stone Guest, nie zmieniając w nim ani jednego słowa. Problemy z sercem nie pozwoliły jednak kompozytorowi dokończyć dzieła. Zmarł, prosząc w testamencie swoich przyjaciół Cui i Rimskiego-Korsakowa o dokończenie dzieła. Opera została po raz pierwszy zaprezentowana publiczności w 1872 roku na scenie Teatru Maryjskiego w Petersburgu. Prapremiera zagraniczna odbyła się dopiero w 1928 roku w Salzburgu. Ta opera stała się jednym z „kamień węgielnych”, bez wiedzy o tym nie można zrozumieć nie tylko rosyjskiej muzyki klasycznej, ale także ogólnej kultury naszego kraju.
