„Zbiry”, reż. Cyryl Sieriebriennikow
Pierwszym głośnym spektaklem i znakiem rozpoznawczym teatru były „Zbiry” Kirilla Serebrennikova oparte na pracach Zachara Prilepina o lewicowej młodzieży opozycyjnej z nutką anarchii.
Serebernnikov wystawił ten spektakl razem ze swoimi uczniami z Moskiewskiej Szkoły Teatralnej, którzy później utworzyli trupę Centrum Gogola. Wtedy był to hit rewolucyjny: u szczytu protestów na bagnach, kiedy ten program był wciąż pożądany. Spektakl opowiada o młodych pasjonatach, którzy mają złe życie w Rosji, którzy pragnęli zmian, być może radykalnych. Wyznanie nowego poniżonego i obrażonego.
Idioci, reż. Cyryl Sieriebriennikow
Idiots stał się jedną z najbardziej głośnych produkcji opartych na scenariuszach filmów europejskich. Nowi idioci pod przywództwem Oksany Fandery zebrali się na proces we współczesnej Rosji: są wrogami, są obcymi, są piątą kolumną. Prowokacja i szokowanie, wszystko, co Pavlensky i Pussy Riot pokazali na ulicy, jest teraz na scenie. Spektakl został z powodzeniem pokazany w tym roku w ramach prestiżowego Festiwalu Filmowego w Awinionie.
Bracia, reż. Aleksiej Mizgirev
Kolejną z serii takich teatralnych interpretacji scenariuszy filmowych była produkcja „Bracia” na podstawie filmu „Rocco i jego bracia” Viscontiego. Ważne jest również, że był to debiut teatralny rosyjskiego reżysera Aleksieja Mizgiriewa, autora sensacyjnego filmu „Bęben tamburynowy”.
Oczywiście bracia ci przenieśli również swoją rezydencję z Mediolanu do Moskwy, dzięki staraniom Mizgiriewa i dramaturga Durnienkowa. Przyjezdni bohaterowie trafiają do trudnych warunków wielkomiejskiego życia, gdzie trzeba walczyć o miejsce na słońcu. A im trudniej, tym lepiej. Ich sposobem są walki bez zasad. O tym, jak przetrwać w wielkim mieście, pozostać ludźmi i braćmi – o to chodzi w tej ludzkiej tragedii Mizgirewa. Bardzo brutalny, potężny i żywotny. Produkcja, w której w każdej minucie czujesz się jak na beczce prochu. W końcu hala wygląda jak arena walk bez reguł. Widzisz, życie w nowoczesnej metropolii jest podobne do tego sportu. Ogólnie rzecz biorąc, "Bracia" zasłużenie stały się hitem i sukcesem Mizgirewa na scenie. I znowu, ten eksperyment miał miejsce właśnie tutaj. Jeśli jeszcze tego nie widziałeś, idź do Centrum Gogola w tym tygodniu, w tych dniach są pokazywani bracia. Nie przegap swojej szansy na obejrzenie jednego z najlepszych występów.
Metamorfozy, reż. Dawid Bobe
Jednym z najbardziej poetyckich spektakli teatru są Metamorfozy Owidiusza. Ten spektakl wystawił przyjaciel i partner Serebrennikowa, francuski reżyser David Bobet. Sceny z poematu Owidiusza zostają tu przekształcone w spektakl multimedialny. Autorom udało się stworzyć cały obraz świata: w jednym przedstawieniu połączyć to, co wieczne i aktualne, boskie i doczesne.
"(M) studentka", reż. Cyryl Sieriebriennikow
Ważną niedawną produkcją jest The Martyr. O obrażaniu uczuć wierzących i trudności wychowawczych, szczerze i rzeczowo. To spektakl na podstawie sztuki Mayenburga. O chłopcu żyjącym według własnych zasad. Kto się buntuje, mówi o swoich normach moralnych. Wie, co jest dobre, a co złe. Ale pytanie brzmi, kto dostanie tego ucznia.
„Kto w Rosji powinien dobrze żyć”, reż. Cyryl Sieriebriennikow
Współcześni mężczyźni z sąsiednich wiosek, którzy zbiegli się na biegunową ścieżkę i postanowili dowiedzieć się, kto żyje swobodnie i radośnie w Rosji. Współcześni właściciele ziemscy, urzędnicy, księża, kupcy, bojarzy, ministrowie, w końcu car?
Dokładnie przygotowali się do tego spektaklu: aktorzy i reżyser powtórzyli trasę tamtych chłopów, a rezultat tego, co zobaczyli, został zaprezentowany w Centrum Gogola.
Archetypy są wytrwałe, duch ludu, niewola, głód, nadzieja, wieczna cierpliwość i oczywiście poddaństwo - wszystko to jest wieczne. Serebrennikow pokazuje to bardzo subtelnie. Tu rodzi się bardzo bezsensowny i bezlitosny „rosyjski świat”, o którym ludzie lubią dziś mówić. A czego w rzeczywistości nikt tak naprawdę nie rozumie do końca. Albo czym są te osławione nasze duchowe więzy? I oto one - współczucie, pokora, bierność, nadzieja na cud, wieczne pijaństwo, służalczość i całkowite pogodzenie się z losem i rzeczywistością. Nic jasnego i optymistycznego.
Spektakl jest też wielogatunkowy: Niekrasow i dosłownie, a nawet cały balet w drugiej części, gdzie mężczyźni w pijaną noc wchodzą w swój ekspresyjny, psychologiczny taniec-rozstanie, który najdokładniej oddaje ten ból, to załamanie, które jest zawsze w Rosji. Taniec mężczyzn jest kontynuowany z płaczem o szczęście kobiet, potężnym monologiem aktorki Moskiewskiego Teatru Artystycznego Jewgienii Dobrowolskiej. To oczywiście najmocniejsza wypowiedź w spektaklu, wypowiedź o udziale kobiet, ale tak naprawdę o całej naszej Rosji, nieszczęśliwej i obfitej.
Rezultatem była prawdziwa encyklopedia życia rosyjskiego. Po występie wychodzisz z ciężkim sercem, ale wciąż z jakimś bólem i poczuciem, że to wszystko nie jest tak po prostu. Okazuje się, jak mówi Szewczuk, o naszej ojczyźnie, niech krzyczą - brzydkie, ale lubimy ją, chociaż nie jest piękna.
Anna Kowalewa
12 min.
Ktoś nazywa Centrum Gogola nowym „miejscem mocy”, ktoś po prostu modnym i ważnym teatrem. Ale najważniejsze jest to, że jest to miejsce, do którego ludzie chcą się udać.
Centrum Gogola to teatr szczególny. Zjawisko, które radykalnie zmieniło teatralny krajobraz współczesnej Moskwy. Teatr już czwarty rok z rzędu realizuje szereg ambitnych i prowokacyjnych premier, gromadząc pełne sale troskliwych widzów. Ktoś nazywa Centrum Gogola „miejscem mocy”, ktoś nazywa go modnym i ważnym teatrem. Ale najważniejsze jest to, że jest to miejsce, do którego ludzie chcą się udać. To całe miasto w jednym teatrze, które przetrwało swoją małą rewolucję kulturalną. To teatr, który istnieje w dialogu z rzeczywistością i tworzy w sobie niepowtarzalną rzeczywistość.
Aż trudno uwierzyć, że jeszcze kilka lat temu na mapie nie było Centrum Gogola, a zupełnie inne zasady panowały w domu nr 8 przy ulicy Kazakowej. Centrum Gogola zostało stworzone przez reżysera Kirilla Serebrennikova na podstawie rozwiązanego Moskiewskiego Teatru Dramatycznego im. N.V. Gogol, założony w 1925 roku. Na początku 2000 roku teatr nie przeżył najlepszych czasów. W 2012 roku Kirill Serebrennikov został powołany na stanowisko dyrektora artystycznego teatru, co w tym czasie nie było zbyt udane. Reżyser postanowił całkowicie zmienić wygląd i format teatru przy ulicy Kazakowa, stając się jednym z twórców jednego z najbardziej uderzających zjawisk w postsowieckim teatrze i czyniąc z Centrum Gogola nowy punkt atrakcji dla zaawansowanej wielkomiejskiej publiczności .
Centrum Gogola to nie tylko teatr w tradycyjnym tego słowa znaczeniu. To jeden z najczęściej dyskutowanych, głośnych i niecodziennych projektów poświęconych zintegrowanemu rozwojowi sztuki współczesnej. Głównym zadaniem tej formacji twórczej jest zapoznanie widza ze współczesnymi trendami kulturowymi. Łączy różne formy i kierunki sztuki: gorące debaty i wykłady na najbardziej aktualne tematy w klubie dyskusyjnym „Gogol+” obok światowych premier filmów, które nie trafiły do rosyjskiej dystrybucji w klubie „Gogol-Kino”; koncerty muzyczne utalentowanych wykonawców połączone są z kursami mistrzowskimi prowadzonymi przez uznanych mistrzów zawodów twórczych. Ale najważniejsze w Centrum Gogola są występy wybitnych rosyjskich i europejskich reżyserów.
Spektakle Centrum Gogola wywołują w widzach różne uczucia (czasem zupełnie przeciwne sobie), dają krytykom podatny grunt do dyskusji i prawie nigdy nie są zapominane. Posmak z oglądania potwierdza, że Centrum Gogola z hukiem radzi sobie ze swoim głównym zadaniem – wywoływaniem emocji. Ale jak nie pomylić się przy wyborze spektaklu?
Poniżej 5 ważnych produkcji do obejrzenia w Gogol Center.
(Męczennik
"(Męczennik"
Spektakl „(M) student” jest wspólną produkcją Centrum Gogola i Siódmego Studia na podstawie sztuki współczesnego niemieckiego dramaturga Mariusa von Mayenburga. Spektakl wystawił i zaadaptował do rosyjskich realiów dyrektor artystyczny Centrum Gogolskiego Kirill Serebrennikov.
Bohater spektaklu – nastolatek Benjamin w wykonaniu Nikity Kukushkina – wierzy, że wie wszystko o obowiązujących normach moralnych. Uczeń, który dorastał z samotną matką i tak naprawdę nie znał swojego ojca, lubi religię i zostaje fundamentalistą samoukiem. Ten „bardzo ortodoksyjny” uczeń uczy rówieśników i dorosłych, że żyją źle. Benjamin jest albo terrorystą religijnym, stale cytującym Pismo Święte i domagającym się od otoczenia całkowitego posłuszeństwa zgodnie z tekstami Biblii, albo zagubionym uczniem, który znalazł w religii dźwignię nacisku na obce mu środowisko. A podczas występu jego zachowanie staje się poważnym testem dla otaczających go osób. Nowy prorok jest gotów zrobić wszystko dla swojej prawdy i nie zatrzyma się nawet przed zbrodnią. Głównym antagonistą i wrogiem ucznia jest nauczycielka biologii i psycholog szkolny w niepełnym wymiarze godzin w wykonaniu genialnej Victorii Isakovej.
„(M)student” eksploruje granice między moralnością a nietolerancją, szukając związku między wolnością a pobłażliwością, przeciwstawia religię i manipulację. Spektakl jest chyba najbardziej odważną i otwartą wypowiedzią o szaleństwie współczesnej Rosji, o chorym społeczeństwie, które stopniowo staje się coraz bardziej podatne na fanatyzm. To spektakl o tym, jak szybko i łatwo religijny fanatyzm ujarzmia konformistyczną społeczność na przykładzie jednej szkoły.
Na szczególną uwagę zasługuje filmowa wersja spektaklu - film „Uczeń”, z którym Kirill Serebrennikov reprezentował Rosję na Festiwalu Filmowym w Cannes. Główne role w filmie grają prawie ci sami aktorzy, co w sztuce, z wyjątkiem głównego aktora Nikity Kukushkina - w filmie zastąpił go "Brusnikin" Petr Skvortsov, bardziej odpowiadający roli liceum student. Uczeń to nie tylko film o fanatyzmie, ale także film polityczny o nowoczesnym systemie edukacji, antysemityzmie, homoseksualizmie, hipokryzji i wszelkich formach totalitaryzmu. W Cannes „The Apprentice” otrzymał nagrodę specjalną im. Francois Chalet – nagrodę tę otrzymują filmy, które lepiej niż inne pokazują realia współczesnego świata.
Kafka
„Kafka”
Podstawą nowego spektaklu „Kafka” jest sztuka o życiu wybitnego pisarza, skomponowana specjalnie dla „Gogol Center” przez dramaturga Walerego Pecheikina. Osobowość Franza Kafki jest rzeczywiście legendarna - w dzień pracował jako podrzędny urzędnik, w nocy pisał swoje utwory. Dziś Kafka postrzegany jest jako genialny prorok szaleństwa XX wieku, jego nazwisko mocno kojarzy się z literaturą absurdalną. Pecheikin nalega jednak, aby nie mylić absurdu z nonsensem – absurd Kafki ma sztywną wewnętrzną logikę, której odnalezienie przez dramaturga postawił jedno ze swoich głównych zadań.
W inscenizacji Kirilla Serebrennikova wątki biograficzne z życia pisarza przeplatają się z wątkami generowanymi przez jego wyobraźnię, a postacie z kafkowskiego bestiariusza występują obok prawdziwych postaci z jego życia. Jednocześnie Kafka wcale nie boi się fantastycznych metamorfoz, ale wręcz przeciwnie, rzeczy pozornie normalnych – rodziny, pracy, porządku społecznego.
Jak wiadomo, nie zachowały się żadne nagrania głosu Kafki, dlatego wcielający się w rolę pisarza Siemion Szteinberg przez całe 3 godziny spektaklu nie wypowiada wprost prawie słowa, tylko od czasu do czasu boleśnie porusza ustami. O znaczeniu dźwięku widzowi przypomina się już na początku spektaklu - podczas gdy publiczność zasiada na swoich miejscach, na scenie odbywa się casting: artyści są osądzani o rolę głosu pisarza.
Wszystko w spektaklu robi wrażenie: znakomita scenografia Sieriebriennikowa z przyzwyczajenia zarówno jako reżyser, jak i artysta, wspaniałe wokale artystów, niesamowita choreografia w wykonaniu aktorów. Spektakl zdaje się składać z oddzielnych utworów i samowystarczalnych instalacji inspirowanych motywami kafkowskimi. Pozbawiony tradycyjnej skandalu Centrum Gogola, Kafka jest jednym z najciekawszych spektakli teatru.
Martwe dusze
"Martwe dusze"
Spektakl „Martwe dusze” to pierwsza premiera „Gogol Center”, wystawiona na podstawie twórczości N.V. Gogola. W wersji Kirilla Serebrennikova historia Chichikova nie zostaje dosłownie przeniesiona do naszych czasów, ale otrzymuje nowy i nowoczesny dźwięk. Różne epoki współistnieją ze sobą w wiecznej rosyjskiej bezczasowości, gdzie panuje absurd i nic się nie zmienia.
Kirill Serebrennikov jest wielkim fanem twórczości Gogola. Po raz drugi wystawił "Martwe dusze" - pierwszy odbył się w łotewskiej Rydze. Sześć lat temu w Teatrze Narodowym w Rydze przedstawienie Sieriebriennikowa otrzymało najwyższą łotewską nagrodę teatralną „Noc aktorów” w nominacji „Najlepszy spektakl”. Ale „Dead Souls” nie pozwala odejść Sieriebriennikowowi – teraz produkcję można oglądać po rosyjsku w „Gogol Center”. Zdaniem reżysera, w tym dziele zaszyfrowane są niezwykle ważne elementy kształtujące klucze – rosyjska matryca. Wszystko to razem to Rosja.
W Dead Souls grają tylko mężczyźni. Dziesięciu aktorów na prawie pustej scenie gra wszystkich: dzieci, psy, kobiety, mężczyzn. Ale najważniejszą rzeczą tutaj nie są różnice płciowe. Jak mówi sam reżyser, ważne jest, że nie są to mężczyźni, ale artyści – artyści jako „super stworzenia” są znacznie szersze niż podłoga. Co ciekawe, Sieriebriennikowa najbardziej pociągają literackie i artystyczne właściwości tekstu Gogola. Tkanina języka, jeśli jest połączona z wyobraźnią czytelnika, zamienia się w rzeczywistość, ciało. Serebrennikov postawił sobie za zadanie przekazać jak najwięcej na scenę bez rozlewania. Tak więc w „Martwych duszach” jest pusta scena, podobna do pudełka, dziesięciu mężczyzn, którzy grają wszystkie role, wyciągając z pustki obrazy, postacie, okoliczności i zamieniając się w tę samą pustkę.
Według samego Sieriebriennikowa wystawił przedstawienie jako utwór muzyczny: Gogol ma bardzo złożoną strukturę symfoniczną - z tematami, kontrapunktami, refrenami, z wieloma motywami, opadającymi, wznoszącymi się i odbijającymi się echem. Dead Souls to jeden z najzabawniejszych i najbardziej aktualnych spektakli Centrum Gogola. W istocie jest to spektakl o złym powtórzeniu zjawisk życia rosyjskiego - o tym, że życie w Rosji to błędne koło, z którego nie jest tak łatwo wyskoczyć.
Mitina Miłość
„Mitina Mitina”
Spektakl „Miłość Mitia” na podstawie opowiadania Iwana Bunina, wystawiony przez młodego reżysera Władysława Nastawszewa, stał się pierwszą premierą na małej scenie Centrum Gogola po jego otwarciu i przebudowie. W spektaklu, w którym grają aktorzy Filipp Avdeev i Alexandra Revenko, fabuła opowieści wyjęta jest z kontekstu historyczno-społecznego, pozbawiona znamion codzienności i rozpoznawalnych detali.
Codzienność zostaje zastąpiona emocjonalnymi, a fantastyczna scenografia bardziej przypomina stan zakochanej oszołomionej młodej duszy, latającej między niebem a ziemią. Tak więc prawie cała akcja rozgrywa się w pionowej płaszczyźnie na ścianie, w którą wbite są metalowe pręty. Postaci poruszają się po tych prętach przez cały występ. „Miłość Mityi” to niemal akrobatyczna etiuda, w której aktorzy praktycznie nie stoją na ziemi i „wspinają się po ścianie” z miłości w dosłownym tego słowa znaczeniu. Na koniec Mitya popełnia samobójstwo, a jego ukochana opowiada o tym, jak nisko upadła.
W spektaklu występuje tylko dwóch bohaterów: Mitya i jego miłość – Katia, która dla tytułowej bohaterki jest wszystkim: jest powietrzem, lasem i wszystkimi innymi postaciami. W świecie Mityi nie ma już miejsca dla nikogo - Mitya widzi swojego ukochanego w każdym, kogo spotyka, z tego wszystkie role, z wyjątkiem głównego mężczyzny, gra Aleksander Revenko.
„Mitina Mitiny” od ponad roku gości na małej scenie Centrum Gogola, ale nie starzeje się, po raz kolejny przypominając, jak dramatyczna może być pierwsza miłość. Niezwykle szczery występ, który z każdym sezonem nabiera coraz to nowych odsłon.
Kto dobrze mieszka w Rosji
„Kto w Rosji dobrze żyć”
„Kto w Rosji ma dobre życie” na podstawie wiersza Nikołaja Niekrasowa – premiera ostatniego sezonu, zgłębiająca kwestie utraconego rosyjskiego szczęścia. W jednym przedstawieniu zaskakująco połączono zupełnie różne gatunki: tutaj jest stylowa europejska reżyseria z kamerami wideo i niegrzeczna satyra polityczna, utalentowana opera, teatr fizyczny i improwizacja aktorska na widowni oraz rodzaj „rosyjskiego szkoły” z doświadczeniami, a nawet zhańbionymi rosyjskimi strojami.
Kirill Serebrennikov rozpoczął pracę nad wierszem Niekrasowa ponad rok temu: w towarzystwie kolegów aktorów podróżował po regionie Jarosławia. Aktorzy komunikowali się z mieszkańcami, przeprowadzali z nimi wywiady, chodzili do muzeów i przygotowywali fragmenty wiersza. Niejako kontynuacją i dodatkiem do „Kto dobrze żyje w Rosji” stały się wciągające bajki rosyjskie oparte na pracach z kolekcji Afanasiewa, które można oglądać także w Centrum Gogola. To rodzaj dylogii. Kirill Serebrennikov nazywa okolicę Niekrasowa i Afanasjewa dość organiczną, ponieważ pomimo wszystkich różnic, dwóch autorów łączy jedno - bezwarunkowa miłość i zainteresowanie Rosjanami i ojczyzną.
Wiersz Niekrasowa, napisany po zniesieniu pańszczyzny, stawia pytania o wolność i niewolnictwo. „Kto powinien dobrze żyć w Rosji” – o niemożności uzyskania wolności, wygodzie tradycyjnego stylu życia i, co najważniejsze, szczęściu. Wręcz przeciwnie, „Bajki” to przestrzeń, w której Rosjanin jest całkowicie wolny zarówno w słowie, jak i ciele. Poetycki język Niekrasowa okazał się zaskakująco elastyczny: na polecenie reżysera wersety zaczęły brzmieć jak codzienna mowa, jak oratorium, a nawet jak hip-hop.
„Komu w Rosji dobrze żyć” to jedno z najbardziej imponujących spektakli „Centrum Gogola” i zdecydowanie wielkie zwycięstwo Sieriebriennikowa jako dyrektora artystycznego teatru.
„Centrum Gogola” to terytorium, gdzie duch buntu przepojony jest wielką miłością do teatru, a poczucie absolutnej wolności zderza się z obiektywną rzeczywistością. W repertuarze Centrum Gogola znajduje się wiele spektakli o tematyce społecznej. Są też dość skandaliczne (jaka jest premiera ostatniego sezonu „Maszyny Mullera”).
Według Sieriebriennikowa teatr zajmuje się kontrpropagandą, czyli dokładnie tym, co dziś powinien robić każdy uczciwy teatr. W mediach propagandowych człowiek jest traktowany jako obiekt zombifikacji. W Centrum Gogola za osobę uważa się osobę, z którą prowadzi się osobistą rozmowę. W kontekście życia teatralnego stolicy fenomen Centrum Gogola jest zupełnie wyjątkowy: w ciągu kilku miesięcy Teatr Kirill Serebrennikov zdołał stać się miejscem, które może nie tylko przekazywać widzom doświadczenia kulturalne, ale także zdobywać własne tożsamość społeczno-kulturowa.
A do Centrum Gogola przychodzą absolutnie niesamowici widzowie - inteligentni, inteligentni, wykształceni ludzie. Wygląda na to, że czas zaplanować podróż do Kazakova, 8!
Po raz pierwszy odwiedziłem Centrum Gogola, obejrzałem produkcję „(M) studenta”. Spektakl oparty na sztuce niemieckiego autora Mariusa von Mayenburga zaadaptowanej dla rosyjskiej publiczności. W 2016 roku reżyser spektaklu Kirill Serebrennikov nakręcił na jej podstawie film Uczeń z prawie taką samą obsadą, z wyjątkiem głównego aktora. Spektakl w roku premiery otrzymał pięć nominacji do nagrody teatralnej Złotej Maski. Film został nagrodzony w programie Un Certain Regard Festiwalu Filmowego w Cannes, a także na innych zagranicznych i krajowych forach filmowych.
Aktorzy spektaklu „(M) studentka” na swoich smyczkach
O występie
„(M)student” to nowoczesny i aktualny spektakl Centrum Gogola, porusza dość bolesne tematy, o których ludzie nie umieją i nie lubią rozmawiać w społeczeństwie. Musimy oddać hołd odwadze dyrektora artystycznego i reżysera, który nie bał się tak wprost i otwarcie mówić o procesach zachodzących w społeczeństwie.
Spektakl Męczennik opowiada historię zwykłego uczniaka, który uczynił Biblię instrumentem wpływu i w istocie podporządkował sobie zarówno środowisko szkolne, jak i domowe. Nikt nie chce ani nie wie, jak się z nim kłócić i mu się opierać. Nikt poza psychologiem szkolnym - jest nauczycielką biologii.
Scena ze spektaklu „(M) studentka”
W spektaklu „Męczennik” jest wiele rozpoznawalnych i realistycznych sytuacji: nieporozumienie między synem a samotną matką, dziecięce okrucieństwo wobec słabych, nietolerancja nauczycieli wobec wszystkiego, co nowe, niekończąca się hipokryzja dorosłych wobec nastolatków, których uważają za być jeszcze dziećmi. A dzieci, używając tego, łatwo manipulują dorosłymi.
„(M)student” nie jest zabawnym przedstawieniem, skłania do myślenia zarówno o światowych trendach, jak io własnym zachowaniu na tym świecie. Na przykład po przedstawieniu przez kilka dni próbowałem sytuacji z obu stron: jak udowodnić coś klinicznie upartej osobie i jak przekazać, wytłumaczyć moje stanowisko przeciwnikowi, jeśli jesteś uważany za klinicznie upartego. I oczywiście jeden z głównych problemów naszych czasów: gdzie przebiega granica, poza którą głoszenie dobra staje się nietolerancją, a wolność staje się przyzwoleniem? A co konkretnie możesz zrobić, jeśli wokół szaleństwa stanie się normą?
Centrum Gogola to więcej niż teatr, to przestrzeń skupiająca kilka rodzajów sztuki. To nie przypadek, że w recepcji wita Cię następujący wyraz credo Centrum Gogol:
Oprócz przedstawień teatralnych w Gogol Center odbywają się pokazy filmów, wykłady, dyskusje, koncerty i wystawy, a księgarnia Gogol i kawiarnia N są otwarte dla zwiedzających przez cały dzień. Tutaj możesz spędzić czas przy regale
Możesz umówić się na sesję zdjęciową w markowym studiu Gogol Center, podczas gdy możesz odebrać nazwę spektaklu i uchwycić go nim
Tutaj znajdziesz dla siebie kolejny punkt dobrych uczynków.
Instrukcje na pokrywce
Kawiarnia, podobnie jak cała przestrzeń Centrum Gogola, ozdobiona jest obrazami i cytatami znanych postaci teatralnych
Ceny tu jednak nie są małe, ale nieco pocieszyły mnie ogromne porcje ciast i ich doskonały smak))
Oprócz kawiarni znajduje się również bar z mocniejszymi napojami.
W Gogol Center jest kilka sal, ja byłem w Wielkiej Sali. Prowadzą do niego te drewniane bramy.
W Wielkiej Sali nie ma balkonów i loży, cała sala składa się z parteru i amfiteatru. Zwróćcie uwagę na kolejnym zdjęciu, jakie łagodne nachylenie stoisk – publiczność siedzi jedna za drugą z niewielką różnicą wysokości. W rezultacie widok sceny nie jest zbyt wygodny.
Amfiteatr jest znacznie bardziej stromy na zboczu. Tutaj zwróć uwagę na brak zwykłych krzeseł: miejsca są oznaczone poduszkami na drewnianych stopniach. Nie mogę powiedzieć, jak wygodnie jest siedzieć w takich miejscach, będę musiał spróbować następnym razem))
Zaletą Gogol Center jest możliwość zakupu biletów przez stronę internetową, bez konieczności odwiedzania kasy biletowej.
I jeszcze jedna ważna cecha Centrum Gogola: spektakle, zwłaszcza w dni powszednie, zaczynają się głównie o 20.00, czasem nawet o 20.30. Zachowaj więc ostrożność przy zakupie biletów i w dniu wizyty.
Jak dojechać do Centrum Gogola
Najbliżej centrum Gogola znajduje się stacja metra Kurskaya. Z linii Koltsevaya kieruj się znakami wyjazdowymi do miasta do pociągów dalekobieżnych i do Teatru Gogola (podczas podróży z Taganskiej do Komsomolskiej jest to na czele pociągu). Z linii Arbatsko-Pokrovskaya kieruj się znakami na ulicę Kazakova (jadąc z centrum, jest to na czele pociągu). Prosty punkt orientacyjny: z obu linii należy wejść do podziemnego holu z ogromnym kamiennym kwiatem pośrodku. Bezpośrednio z tego lobby przejdź przez bramki obrotowe do podziemnego tunelu pod torami kolejowymi stacji kolejowej Kursk. W tunelu kieruj się znakami na ulicę Kazakova
Cały pomysł umieszczania w teatrze scenariuszy zamiast sztuk jest niewyobrażalnie dobry i naprawdę poszerza najróżniejsze horyzonty. Dowodem na to są chociażby „Bracia” Aleksieja Mizgirewa pokazywane w Gogol Center w przededniu klasycznego filmu Viscontiego. Sieriebriennikow zmierzył się z Larsem von Trierem. I dokładnie jaki Trier, a nie konkretny scenariusz do filmu z 1998 roku: na przykład sama estetyka „Dogmatu” i bezpośrednie cytaty z „Dogville” w nowym spektaklu „Gogol Center” są wskazane znacznie bardziej niż intymne subtelności "Idiotów".
Trewir ma taką historię. Grupa wyrzutków mieszkających razem gdzieś na peryferiach, co jakiś czas wychodzi na zewnątrz. Przedstawiają chorych psychicznie, testujących społeczeństwo pod kątem tolerancji i otrzymują za to premie – darmowy obiad w restauracji lub darowizny od współczujących obywateli. W domu też portretują idiotów, ale robią to w zupełnie innych celach: by odkryć w sobie brak fałszu i zyskać prawdziwą wolność. Ale nikt nie może osiągnąć końca w tym pragnieniu wolności wyłącznie fizycznie - na tym kończy się historia. Istnieją jednak subtelności, które podkreślają cały sens. Zbliżenia z niemymi łzami radości i rozpaczy w całym filmie potwierdzają przerażającą patologię ostatecznego, bardzo osobistego, intymnego człowieka.
Tak więc w wykonaniu Sieriebriennikowa nie ma nic podobnego. Dzięki wysiłkom dramaturga Walerego Pecheikina zarys fabuły został przeniesiony na współczesną Moskwę ze wszystkimi następującymi cytatami z procesu Pussy Riot, z modelem Kremla i niebieskim wiaderkiem na scenie. W efekcie wątki homofobii, świadomości niewolniczej i reżimu totalitarnego całkowicie przeważyły niepewne próby uchwycenia momentu inicjacji ludzkiej świadomości poprzez doświadczenie zanurzenia w „nienormalności”. Oznacza to, że przedstawienie znów okazało się tym, że w Rosji nie ma życia, i okazało się, że duchem bliżej mu do Palahniuka niż do Trewiru. Gdyby nie zupełnie niestosowne, ale absolutnie trierowskie, oszołomione zakończenie (którego opis byłby tu niepożądanym spoilerem).
Poprzeczkę postawiono wysoko - spektakl miał powstać według zasad teatralnego odpowiednika manifestu „Dogma-95”, napisanego na potrzeby spektaklu przez samego Sieriebriennikowa. Czyli: bez artystycznego światła; tylko z widocznymi źródłami dźwięku; bez specjalnie stworzonych rekwizytów, dekoracji i kostiumów; bez działań „które trzeba naśladować na scenie” itp. W rzeczywistości dosłownie wszystkie punkty manifestu okazały się pogwałcone: światło jest najbardziej artystyczne (chyba może bez ozdobników); Die Antwoord są radosne z głośników, które nie są łatwe do zauważenia; białe linie na podłodze w miejscu ścian - wprawdzie cytat z Trewiru, ale i rodzaj dekoracji, nie mówiąc już o obfitości kolorowych kostiumów - od BDSM po baletowe tutus; prawie wszystko jest „naśladowane” - od radzenia sobie z małymi potrzebami (nikt w Sieriebriennikowie tak naprawdę nie pisze, w przeciwieństwie do postaci z Trewiru) po szaleństwo (którego Trewir po prostu nie ma w filmie z oczywistych powodów). Istnienie aktorów jest dalekie od codzienności – uwagi brzmią równie teatralnie i odważnie, jak towarzyszące im gesty. W tym sensie aktor Oleg Gushchin pokazał się bardzo dobrze w kilku teatralnych, karykaturalnych rolach w dobry sposób; jest szczególnie pamiętany w wizerunkach nieokrzesanego robotnika i sowieckiego urzędnika. Inna sprawa, że ta teatralność nie ma nic wspólnego z Dogmą. Prawdziwie psychologiczna egzystencja aktorów tutaj niestety nie miała miejsca.
Techniki o charakterze technicznym, wywodzące się z manifestu „Dogma”, działają na Trier, aby ujawnić uniwersalne ludzkie cechy, jest niejako dialogiem z cywilizacją jako taką. Natomiast Sieriebriennikow wręcz przeciwnie, coraz bardziej dąży do konkretów: tworzy teatr polityczny o konkretnej sytuacji politycznej w bardzo konkretnej Moskwie. Co samo w sobie nie jest złe. Tylko Trewir nie ma z tym nic wspólnego.
Ale tym, kogo teraz nie zazdroszczę, jest Nikołaj Wasiljewicz Gogol. To nie jest szczęśliwy człowiek. Z jednej strony nienawidzą go w szkole, z drugiej strzelają do wszelkiego rodzaju bzdur w oparciu o jego, no cóż, dobre uczynki.
Gdyby Nikołaj Wasiliewicz obejrzał te przeciętne filmy, spaliłby wszystkie swoje sztuki, powieści i powieści, a nie tylko Dead Souls-2.
Co zrobić dla tych, którzy chcą wysokiej jakości wizualizacji książek? Radzę iść do teatru. Na szczęście tam Gogola traktuje się z troską i miłością. I choć interpretują to w sposób reżyserski, to przynajmniej w duchu jego sztuk i opowiadań. Chcę opowiedzieć o 4 moskiewskich występach, po których na pewno spojrzysz na Nikołaja Wasiljewicza w inny sposób: ostrożnie iz szacunkiem.
„Inspektor” w teatrze na południowym zachodzie
Trzeba zobaczyć dla wszystkich uczniów, którzy dręczą sztukę „Inspektor Generalny” w 8 lub 9 klasie. Z własnego doświadczenia wiem, że te dziwne zadania: „Dlaczego Chlestakowa pomylono z audytorem?”, Tak, „opisz wizerunek gubernatora w pracy” lub znaczenie niemej sceny, wcale nie dodają do Popularność Gogola w oczach torturowanych uczniów.
Chcę tylko powiedzieć: że zadajesz wszystkie głupie pytania, po prostu idź do teatru na południowym zachodzie i wszystko zrozumiesz.
Przede wszystkim jest to bardzo zabawny program. Mam nadzieję, że podczas premiery śmiali się równie głośno i tak samo jak publiczność w teatrze na południowym zachodzie.
Po drugie, był znakomity duet. Chlestakow to niewątpliwy twórczy sukces aktora Antona Biełowa. Więc wirował, obracał wszystkich, których sam diabeł nie rozwikłałby. A ty mówisz dlaczego, dlaczego. Bo dobrze gra. A ludzie wierzą. I jaki słaby robak pojawił się na początku, jak żałośnie beczał, - urok. Potem zerwał tak, że nie mógł nadążyć i skąd czerpał energię.
Ale za wizerunek gubernatora odpowiada sam Oleg Leushin. Zazwyczaj Anton Antonovich jest topornym mężczyzną, potężną postacią w sztuce. Leushin gra osobę mądrą, zręczną, przedsiębiorczą, ale raczej zwyczajną. Naprawdę mu współczuje, gdy oszustwo zostaje ujawnione.
Tak, był nawet temat małego człowieka w formie monologu Dobchinsky'ego. I tak stało się żal dla wszystkich, myślisz, ale dlaczego nasze życie w Rosji jest takie beznadziejne, blog, czy coś takiego? Albo Instagram. Cóż, przynajmniej jakoś, ale wcale.
Tak, obawiam się, że dzieci nie będą w stanie pisać oskarżycielskich obyczajów biurokratycznej Rosji. Więc co. Ale dostaniesz dobry stosunek do autora i oczywiście do teatru.
„Małżeństwo” w teatrze na południowym zachodzie
Obowiązkowa pozycja nie tylko dla uczniów i dorosłych, którzy chcą oglądać Gogola na scenie, nie tylko dla wszystkich fanów teatru na południowym zachodzie, ale „Małżeństwo” to spektakl kultowy, ale także dla tych, którzy chcą podkręcić naciśnij, ciesząc się sztuką. Przewidziane są 2 godziny ciągłej pracy dla mięśni.
Grają tylko mężczyźni. Przypisuje im się nawet role kobiece. Aleksander Gorszkow jako Agafya Tichonowna i Andriej Sannikow jako swat. I to jest wszystko do lep-ale. Śmieszne, okropne. Jest wiele zapadających w pamięć scen i dialogów, właściwie cały spektakl jest taki.
W roli Podkolesina - Oleg Leushin. W roli diabelskiego kusiciela Kochkareva - Aleksieja Matoshina.
„Viy” na nowej scenie Teatrium
Trzeba zobaczyć dla tych, którzy szukają wysokiej jakości nowoczesnego thrillera na temat „Viya” i nie znajdują go w naszym kinie (a jeśli się nie mylę, są już co najmniej trzy opusy).
Ale wydaje się. Idealny scenariusz. Bohater (Homa Brutus) trafia do zamkniętego, dziwnego świata, w którym córka miejscowego szefa jest wiedźmą. A co mamy? Jakiś nonsens, poza tym nie przerażający. Ale w Teatrium na pewno połaskoczesz nerwy. Z każdą minutą robi się coraz bardziej przerażająco i ciekawie, a na koniec, tak jak powinno, pojawia się pewien zwrot, który wywraca wszystkie dotychczasowe opinie na temat „Viya” do góry nogami. A co mnie szczególnie urzekło – jest wskazówka na temat akcji.
Spektakl „Gracze” w teatrze na południowym zachodzie
Trzeba zobaczyć po 16 latach. Właściwie Gleb i ja nie przestrzegamy ograniczeń wiekowych, ale personel teatru na południowym zachodzie poradził nam, abyśmy odwiedzili przedstawienie później. A opis i recenzje wyglądają kusząco.
