Jeśli kiedykolwiek będziesz miał okazję odwiedzić angielskie miasto Stratford, koniecznie odwiedź Shakespeare Royal Theatre.
Shakespeare's Globe Theatre to jeden z najstarszych teatrów w Anglii. Hotel Globe położony jest na południowym brzegu Tamizy. Sławę teatru przyniosły przede wszystkim pierwsze występy na scenie dzieł Szekspira. Budynek był z różnych powodów trzykrotnie przebudowywany, co stanowi bogatą historię teatru Szekspira.
Powstanie teatru szekspirowskiego
Historia Teatru Globe sięga 1599 roku, kiedy to w Londynie, gdzie sztukę teatralną zawsze traktowano z miłością, budowano jeden po drugim budynki teatrów publicznych. Do budowy nowej areny wykorzystano materiały budowlane - konstrukcje drewniane pozostałe po innym budynku - pierwszy teatr publiczny o logicznej nazwie „Teatr”.
Właściciele dawnego budynku teatru, rodzina Burbage, zbudowali go w Shoreditch w 1576 roku, gdzie dzierżawili ziemię.
Kiedy ceny gruntów wzrosły, rozebrano stary budynek i przewieziono materiały nad Tamizę, gdzie wzniesiono nowy obiekt – Shakespeare's Globe Theatre. Wszelkie teatry budowano poza wpływem gminy Londyn, co tłumaczono purytańskimi poglądami władz.
W epoce Szekspira nastąpiło przejście od amatorskiej sztuki teatralnej do profesjonalnej. Powstały zespoły aktorskie, prowadzące początkowo wędrowną egzystencję. Jeździli po miastach i występowali na jarmarkach. Przedstawiciele arystokracji zaczęli brać aktorów pod swój patronat: przyjmowali ich w szeregi swoich sług.
Dało to aktorom pozycję w społeczeństwie, choć była ona bardzo niska. Zgodnie z tą zasadą często nazywano trupy, na przykład „Sługami Lorda Szambelana”. Później, gdy Jakub I doszedł do władzy, aktorom zaczęli patronować jedynie członkowie rodziny królewskiej, a nazwy zespołów zaczęto nazywać „Sługami Jego Królewskiej Mości Króla” lub innymi członkami rodziny królewskiej.
Zespół Teatru Globe był spółką aktorską na udziałach, tj. akcjonariusze uzyskali dochody z opłat za występy. Bracia Burbage, podobnie jak William Szekspir, są czołowymi dramaturgami w trupie, a trzej inni aktorzy byli udziałowcami „The Globe”. Aktorzy drugoplanowi i nastolatkowie pracowali w teatrze za wynagrodzeniem i nie otrzymywali dochodów z występów.
Teatr Szekspira w Londynie miał kształt ośmiościanu. Widownia Globe była typowa: owalna platforma bez dachu, otoczona dużą ścianą. Arena wzięła swoją nazwę od znajdującego się przy wejściu pomnika Atlanty, który podpierał kulę ziemską. Tę kulę lub kulę otaczała wstęga ze słynnym napisem „ Cały świat jest teatrem(dosłowne tłumaczenie - „Cały świat gra”).
Teatr Szekspira mieścił od 2 do 3 tysięcy widzów. Po wewnętrznej stronie wysokiego muru znajdowały się loże dla przedstawicieli arystokracji. Nad nimi znajdowała się galeria dla zamożnych ludzi. Reszta rozmieszczona była wokół sceny, która prowadziła do widowni.
Podczas występu publiczność miała stać. Niektóre szczególnie uprzywilejowane osoby zasiadały bezpośrednio na scenie. Bilety dla bogatych, którzy są skłonni zapłacić za miejsca w galerii czy na scenie, kosztują znacznie więcej niż miejsca na stoiskach – wokół sceny.
Sceną była niska platforma podniesiona o około metr. Na scenie pod sceną znajdował się właz, z którego w miarę trwania akcji wyłaniały się duchy. Na samej scenie bardzo rzadko znajdowały się jakiekolwiek meble i w ogóle nie było scenografii. Na scenie nie było kurtyny.
Nad sceną znajdował się balkon, na którym pojawili się bohaterowie, którzy według sztuki przebywają na zamku. Na górnej scenie znajdowało się coś w rodzaju trybuny, na której odbywały się także akcje sceniczne.
Jeszcze wyżej znajdowała się konstrukcja przypominająca chatę, w której odgrywano sceny za oknem. Co ciekawe, kiedy w Globie rozpoczynało się przedstawienie, na dachu tej chaty zawieszano flagę, która była widoczna z daleka i była sygnałem, że w teatrze odbywa się przedstawienie.
Ubóstwo i pewna surowość sceny sprawiły, że najważniejsza na scenie była gra aktorów i siła dramaturgii. Brakowało podpórek dla pełniejszego zrozumienia akcji, wiele pozostawiono na łasce wyobraźni widza.
Warto zauważyć, że widzowie na stoiskach podczas spektaklu często jadali orzechy lub pomarańcze, co potwierdziły ustalenia archeologów podczas wykopalisk. Widzowie mogli głośno dyskutować o niektórych momentach spektaklu i nie ukrywać emocji związanych z oglądaną akcją.
Widzowie celebrowali także swoje potrzeby fizjologiczne bezpośrednio na sali, zatem brak dachu był pewnym wybawieniem dla zmysłu węchu miłośników sztuki teatralnej. Dlatego z grubsza reprezentujemy znaczną część dramaturgów i aktorów, którzy dają przedstawienia. 
Ogień
W 1613 roku, w lipcu, podczas premiery Henryka VIII Szekspira, opowiadającej o życiu monarchy, spłonął gmach Globe, ale publiczność i trupa nie odnieśli obrażeń. Według scenariusza jedna z armat miała wystrzelić, jednak coś poszło nie tak i zapaliła się drewniana konstrukcja oraz kryty strzechą dach nad sceną.
Zakończenie pierwotnej budowy Globu oznaczało zmianę w kręgach literackich i teatralnych: mniej więcej w tym samym czasie Szekspir przestał pisać sztuki.
Odbudowa teatru po pożarze
W 1614 roku odrestaurowano budynek areny, do budowy użyto kamienia. Dach nad sceną został wymieniony na dachówkę. Trupa teatralna działała aż do zamknięcia Globe w 1642 roku. Następnie rząd purytański i Cromwell wydali dekret zakazujący wszelkich przedstawień rozrywkowych, w tym teatralnych. The Globe, jak wszystkie teatry, jest zamknięty.
W 1644 roku rozebrano gmach teatru, a na jego miejscu zbudowano kamienice. Historia Globu została przerwana na prawie 300 lat.
Dokładna lokalizacja pierwszego Globe w Londynie była nieznana aż do 1989 roku, kiedy to na Park Street pod parkingiem odnaleziono podstawę jego fundamentów. Jego kontury są teraz zaznaczone na powierzchni parkingu. Być może znajdują się tam również inne pozostałości globu, jednak obecnie strefa ta znajduje się na liście wartości historycznych i dlatego nie można tam prowadzić wykopalisk.
Scena Teatru Globe
Powstanie współczesnego teatru Szekspira
Nowoczesną rekonstrukcję gmachu Globe Theatre zaproponowali nie Brytyjczycy, co jest zaskakujące, ale amerykański reżyser, aktor i producent Sam Wanamaker. W 1970 roku zorganizował Fundusz Powierniczy Globe, który miał na celu odrestaurowanie teatru, otwarcie w nim ośrodka edukacyjnego i stałej wystawy.
Sam Wanamaker zmarł w 1993 roku, ale otwarcie odbyło się jeszcze w 1997 roku pod współczesną nazwą Shakespeare's Globe Theatre. Budynek ten położony jest 200-300 metrów od dawnej lokalizacji Globusa. Budowlę odbudowano zgodnie z ówczesnymi tradycjami, ponadto była to pierwsza budowla, której zezwolono na pokrycie strzechą po wielkim pożarze Londynu w 1666 roku.
Przedstawienia odbywają się tylko wiosną i latem, ponieważ. budynek wzniesiono bez dachu. W 1995 roku pierwszym dyrektorem artystycznym został Mark Rylance, którego w 2006 roku zastąpił Dominic Dromgoole.
Codziennie odbywają się wycieczki do współczesnego teatru. Niedawno obok Globe otwarto park tematyczny-muzeum poświęcony w całości Szekspirowi. Oprócz zobaczenia największej ekspozycji poświęconej światowej sławy dramaturga, można wziąć udział w wydarzeniach rozrywkowych: zobaczyć walkę na miecze, napisać sonet lub wziąć udział w produkcji jednej ze sztuk Szekspira.
Sztuka dramatyczna w Wielkiej Brytanii pojawiła się dawno temu. Wywodzi się z przedstawień ulicznych, które odbywały się w święta kościelne i miały charakter moralizatorski. W okresie renesansu wszystkie dziedziny sztuki nabierają bardziej świeckiego charakteru i odchodzą od tematów religijnych. W tym czasie powstał rewolucyjny wówczas teatr, w którym wystawiał znane dziś całemu światu sztuki W. Szekspira.
Współczesny rozwój teatru dąży do jak największego realizmu we wszystkich jego sferach, przemyślając nawet klasyczne fabuły. Teraz teatry Anglii zadziwiają nie tylko ciekawymi przedstawieniami, ale także oryginalną architekturą, a także niezwykłymi decyzjami reżyserskimi.
Jeśli planujesz wycieczkę do Londynu, koniecznie odwiedź Piccadilly Theatre. Istnieje od ponad ośmiu dekad i cieszy koneserów sztuki teatralnej nie tylko nowoczesnymi, ale także tradycyjnymi, klasycznymi produkcjami.
Jednym z najstarszych teatrów w Londynie jest Aldwych Theatre, który od ponad wieku skupia wokół siebie całe miasto. Na jego scenie występowali tak wybitni aktorzy jak Joan Collins, Vivien Leigh, Basil Rathbone i inni.
Miłośnicy tętniących życiem występów muzycznych powinni odwiedzić New London Theatre. To właśnie musicale przyniosły stosunkowo młodemu teatrowi w latach 70. i 80. ubiegłego wieku prawdziwą sławę wśród młodych ludzi. Do tej pory zachwyca publiczność występami na światowym poziomie, żywymi występami scenicznymi i dobrą muzyką.
Kolejnym teatrem w Londynie, znanym ze spektakli w stylu musicalu i spektakli komediowych, jest Shaftesbury Theatre. Nie tak dawno obchodził swoje stulecie – działalność teatru nie ustała nawet w czasie II wojny światowej. Budynek tego teatru zasługuje na szczególną uwagę ze względu na swój niezwykły, dawny projekt.
Wśród nowoczesnych teatrów w Londynie wyróżnia się Pinkcock Theatre. Dzięki nowatorskiemu podejściu do klasycznej dramaturgii odpowiednio wytrzymuje konkurencję ze starymi teatrami. Na scenie często wykorzystuje się elementy nowoczesnych tańców ulicznych, a nawet numery akrobatyczne, aby wzmocnić efekt przedstawienia.
Budynek Wielkiej Opery w Belfaście zachwyca swoim pięknem. Zbudowany jeszcze w XIX wieku, jest nie tylko zabytkiem architektury w stylu orientalnym, ale także zachwyca miłośników teatru klasycznym repertuarem i doskonałą akustyką.
Głównym ośrodkiem sztuki dramatycznej w Wielkiej Brytanii jest teatr królewski Drury Lane. Mieści się w Londynie i odegrał ważną rolę w rozwoju teatru w kraju. W czasie jego istnienia na jego scenie gościło wielu wybitnych aktorów.
Kolejnym zabytkiem architektury Wielkiej Brytanii jest Teatr Jej Królewskiej Mości. Teatr powstał na początku XVIII wieku, a pod koniec XIX wieku przeniósł się do nowego, dużego gmachu, gdzie mieści się do dziś. Ma wielką wartość historyczną i kulturową, a klasyczny repertuar przypadnie do gustu wszystkim miłośnikom tej formy sztuki. Teatr ten znajduje się w Londynie, w zachodniej części Westminster.
Miejski Departament Edukacji Administracji Polysaevo
Centrum informacyjno-metodologiczne
Miejska placówka oświatowa
„Szkoła Gimnazjum nr 35”
Historia teatru w Wielkiej Brytanii
Projekt badawczy
Polisajewo 2007
Miejski Departament Edukacji Administracji Polysaevo
Centrum informacyjno-metodologiczne
Miejska placówka oświatowa
„Szkoła Gimnazjum nr 35”
Historia teatru w Wielkiej Brytanii
Daria Putincewa,
Proponowana praca naukowa zawiera opis historii teatru w Wielkiej Brytanii. Projekt badawczy charakteryzuje teatr angielski od średniowiecza do współczesności, jego kierunki i tendencje. Praca śledzi powstawanie i rozwój głównych nurtów teatralnych, oryginalność zmagań teatralnych na różnych etapach rozwoju historycznego. Szczególną uwagę poświęcono zagadnieniu narodowej specyfiki teatru angielskiego.
Historia teatru w Wielkiej Brytanii: badania / . - Polysaevo: Centrum Informacyjno-Metodologiczne, 2007.
Notatka wyjaśniająca
Cel pracy: zapoznanie się z obcą kulturą.
Zadania pracy: poszerzanie wiedzy kulturowej o Wielkiej Brytanii.
Teatr angielski jest integralną częścią kultury światowej. Najlepsze tradycje narodowej sztuki angielskiej wzbogaciły światowy proces teatralny. Twórczość angielskich aktorów, reżyserów i dramaturgów zdobyła miłość i uznanie daleko poza granicami Anglii.
Twórczość aktorów, reżyserów, dramaturgów Wielkiej Brytanii od dawna cieszy się uznaniem i miłością w Rosji.
Historia teatru od dawna jest związana z historią ludzkości. Z tej początkowej karty historii, jak ludzkość pamięta samą siebie, pamięta także teatr, który stał się jej wiecznym towarzyszem.
Czy kochasz teatr tak samo jak ja? - zapytał swoich współczesnych nasz wielki rodak Wissarion Bieliński, głęboko przekonany, że teatru nie można nie kochać.
Czy kochasz teatr? Z tym samym pytaniem ponad 20 wieków temu wielcy ojcowie starożytnego teatru Ajschylos i Sofokles, Eurypides i Arystofanes mogli zwrócić się do swoich widzów, którzy zapełniali kamienne ławy ogromnych amfiteatrów na świeżym powietrzu Hellady.
W ślad za nimi, już w innych stuleciach, innych epokach historycznych, z podobnym urokiem dla współczesnych, mogli zwrócić się Szekspir i Ben Jonson w Anglii. I wszyscy pytają ludzi swoich czasów: „Lubisz teatr?” - miałby prawo liczyć na odpowiedź twierdzącą.
Angielski teatr, literatura, muzyka są integralną częścią kultury światowej. Najlepsze tradycje kultury angielskiej wzbogaciły światowy proces kulturalny, zdobyły miłość i uznanie daleko poza granicami Anglii.
Twórczość angielskich dramaturgów od dawna cieszy się uznaniem i miłością w Rosji. W tragediach Szekspira grali najwięksi aktorzy teatru rosyjskiego.
W historii kultury angielskiej wyróżnia się następujące główne okresy: średniowiecze, renesans, wiek XVII, wiek XVIII (oświecenie), wiek XIX (romantyzm, realizm krytyczny), okres końca XIX wieku - początek XX wieku (1871 - 1917) i wiek XX, w którym wyróżnia się dwa okresy: 1917 - 1945. i 1945 – obecnie.
Wczesne średniowiecze ( V – XI wieki)
W VI wieku p.n.e. Wyspy Brytyjskie zostały najechane przez Celtów. W I wieku naszej ery Wielka Brytania została podbita przez Rzymian. Panowanie Cesarstwa Rzymskiego trwało aż do V wieku, kiedy Anglosasi i Jutowie najechali terytorium Wielkiej Brytanii. Plemiona anglosaskie przyniosły na Wyspy Brytyjskie swój język, kulturę i sposób życia.
Historia teatru średniowiecznego to historia zmagań idealistycznych, religijnych poglądów na życie z realistycznym światopoglądem ludu.
Przez wiele wieków w życiu ludów feudalnej Europy zachowały się tradycje pogańskich świąt rytualnych, zawierających elementy teatralności: zderzenie zimy i lata, igrzyska majowe, podczas których wykonywano skecze z udziałem króla i Królowa Maja itp. itp. Oddziały przemierzały Europę zabawy ludowe - histriony. Wiedzieli, jak zrobić wszystko: śpiewać, tańczyć, żonglować, grać. Grając komiczne sceny, często nie tylko bawili publiczność, ale także wyśmiewali tych, którzy uciskali i uciskali zwykłych ludzi. Dlatego Kościół zabraniał zabaw rytualnych, prześladował histriony, ale nie był w stanie zniszczyć miłości ludzi do przedstawień teatralnych.
Chcąc uczynić nabożeństwo – liturgię – bardziej efektywną, sami duchowni zaczynają sięgać po formy teatralne. Pojawia się pierwszy gatunek teatru średniowiecznego – dramat liturgiczny (IX-XIII w.). Podczas liturgii kapłani odgrywali historie z Pisma Świętego. Z biegiem czasu przedstawienia dramatów liturgicznych przenoszone są z kościoła na kruchtę i na cmentarz.
XI – XV wiek
W XI wieku Wyspy Brytyjskie zostały podbite przez Normanów. Przyczyniło się to do wpływu Francji na życie kulturalne kraju.
W XIII-XIV w. pojawia się nowy gatunek średniowiecznego przedstawienia teatralnego – mirakl („cud”). Fabuła cudów zapożyczona jest z legend o świętych i dziewicy Marii.
Szczyt średniowiecznego teatru – tajemnica . Rozwija się w XIV-XV wieku, w okresie rozkwitu średniowiecznych miast. Na placach miejskich rozgrywane są tajemnice. Przedstawienie tajemnicy było masowe - i w zależności od liczby uczestników Alegoria" href="/text/category/allegoriya/" rel="bookmark"> alegoryczna. Postacie moralności uosabiały zwykle różne ludzkie cechy, jego wady i cnoty .
Bohaterem moralności jest człowiek w ogóle. „Every man” – tak nazywała się moralność angielska końca XV wieku. W tej sztuce Śmierć ukazała się każdemu człowiekowi i wezwała go w „daleką podróż”, pozwalając mu zabrać ze sobą dowolnego towarzysza. Osoba zwróciła się do Przyjaźni, Pokrewieństwa, Bogactwa, ale wszędzie odmówiono jej. Siła, Piękno, Rozum, Pięć Zmysłów zgodziły się towarzyszyć osobie, ale na skraju grobu wszystkie go opuściły. Tylko Dobre Uczynki wskoczyły z nim do grobu. Moralite porzucił tematy biblijne, ale zachował podbudowa religijną.
Farsa - pierwszy gatunek teatru średniowiecznego, który zerwał z moralnością religijną. Farsa, gatunek wesoły i satyryczny, wyśmiewał społeczne, polityczne i moralne koncepcje społeczeństwa feudalnego. Głupi rycerze, chciwi kupcy, zmysłowi mnisi grają farsę. Ale prawdziwym bohaterem tego gatunku, ze wszystkich niezbyt przyzwoitych, ale zawsze zabawnych, farsowych fabuł, jest wesoły łotrzyk ze zwykłych ludzi. W farsie ten, który wszystkich przechytrzył, ma rację.
Doświadczenie przedstawień farsowych było szeroko wykorzystywane przez teatr kolejnych epok. Komedie Szekspira przejęły nie tylko błahe metody farsy, ale także ducha popularnego wolnomyślicielstwa, który je wypełniał.
renesans
W XV-XVI wieku w krajach europejskich ma miejsce „największy postępowy przewrót ze wszystkich, jakich ludzkość doświadczyła do tego czasu” - przejście od feudalnego średniowiecza do nowego czasu, naznaczonego początkowym okresem rozwoju kapitalizmu . Ta epoka przejściowa została nazwana renesansem lub renesansem.
Była to era wyłonienia się nowej kultury, zrywającej z dogmatami religijnymi, era szybkiego rozwoju sztuki i literatury, która odrodziła ideały antyku. Przed człowiekiem otwierają się ogromne możliwości aktywnej działalności twórczej. W tej epoce ma miejsce kształtowanie się kultury narodowej.
XVI wiek w Anglii był okresem rozkwitu dramatu. Teatr angielski odpowiadał na zainteresowania ludowe i cieszył się niezwykłą popularnością w atmosferze narodowego zrywu. Pod koniec XVI wieku w Londynie istniało około dwudziestu teatrów; wśród nich szczególnie znane były James Burbage Theatre i Philip Hensloe Theatre. Rozwój kultury teatralnej nie przebiegał bez trudności, główną przeszkodą były działania purytanów, którzy uważali teatr za sprawę „demoniczną”.
Do dramatopisarzy tamtych czasów należeli Robert Greene, Thomas Kidd, Christopher Marlowe i inni.
Sztuki Beaumonta (1584-1616) i Fletchera (1579-1625) charakteryzują kolejną epokę w historii teatru angielskiego. Dążyli do arystokratyzacji teatru, wprowadzenia do przedstawień scenicznych pewnego wyrafinowania i przyzwoitości. Szlachetne idee monarchistyczne stają się przedmiotem szczególnej uwagi w teatrze Beaumonta i Fletchera. Ze sceny nieustannie słychać wezwania do bezinteresownej służby królowi.
William Szekspir
Teatr angielskiego renesansu swój rozkwit zawdzięcza przede wszystkim Williamowi Szekspirowi. Dramaturgia Szekspira jest wynikiem całego poprzedniego rozwoju dramatu, szczytu teatru.
„Na placu narodziła się tragedia” – pisał, nawiązując do odległych korzeni twórczości Szekspira – ludowego teatru misteriów średniowiecznych. Tradycje teatru placów - szeroki zakres wydarzeń, naprzemienność epizodów komediowych i tragicznych, dynamika akcji - zostały zachowane przez poprzedników Szekspira - dramaturgów R. Greena, K. Marlo i innych. Wnieśli na scenę idee kochające wolność, pokazali nowych bohaterów o silnej woli i całym charakterze.
W pierwszym, „optymistycznym” okresie swojej twórczości Szekspir pisał komedie przepełnione pogodnymi, radosnymi nastrojami. Kiedy jednak przed przenikliwym spojrzeniem poety otworzyło się „morze nieszczęść”, gdy nieubłagany bieg historii coraz ostrzej obnażał sprzeczności feudalizmu i rodzącego się kapitalizmu, idealnego bohatera w jego twórczości zastąpił miłośnik władzy , egoista i egoista, a czasem nawet przestępca.
Po raz pierwszy zwrot ten ujawnił się w tragedii „Hamlet”. Ale bohaterowie Szekspira nie kłaniali się światu zła. Wchodząc do walki i padając ofiarą wszechpotężnych przeciwników, bohaterowie tragedii Szekspira już samą śmiercią utwierdzili wiarę w człowieka i jego jasny los. Na tym właśnie polega nieśmiertelność tragedii Szekspira i ich współczesne brzmienie.
Shakespeare’s Globe Theatre mieścił się wśród innych teatrów – na południowym brzegu Tamizy, pod Londynem, gdyż władze zakazały spektakli w
William Szekspir
Teatr Globus”. Wygląd.
samo miasto. Budynek zwieńczono niewielką wieżą, na której podczas przedstawienia powiewała flaga.
Akcja rozgrywała się na świeżym powietrzu – przed sceną stała masa ludzi, zamożni obywatele osiedlali się na galeriach, które w trzech kondygnacjach otaczały okrągłe ściany teatru. Scenę podzielono na 3 części: przednią – proscenium, tylną, przedzieloną dwiema bocznymi kolumnami i pokrytą strzechą baldachimem oraz górną – w formie balkonu. Scenę udekorowano dywanami i matami, a od góry zawieszono panel: czarny w tragediach i niebieski w komediach. Miejsce akcji wskazywał jeden szczegół (drzewo wskazywało, że akcja rozgrywa się w lesie, a tron – w pałacu).
Skład trupy był niewielki - tylko 8-12 osób. Czasami każdy aktor musiał wykonać do trzech lub więcej ról w sztuce. Bohaterkami grali piękni, drobni młodzi mężczyźni. Do głównych aktorów tragicznych należeli Edward Alleyn, który ze szczególnym sukcesem grał w sztukach K. Marlowe’a oraz Richard Burbage – najlepszy wykonawca ról Hamleta, Leara, Otella i Makbeta. W rolach komediowych wystąpili Richard Tarlton i William Kemp.
XVII wiek
Jeśli w Anglii w okresie renesansu dramaturgia i teatr przeżywały swój rozkwit, obyczaje teatralne w Londynie były wówczas w miarę swobodne, zarówno na scenie, jak i na widowni panowała zupełna swoboda, a aktorzy i widzowie nie bali się wyrazu, to w W XVII wieku byli prześladowani przez purytanów.
W epoce renesansu na scenie można było zobaczyć magika z psem, który przedstawiał „i króla Anglii, księcia Walii, a gdy usiądzie na plecach, wówczas papieża i króla Hiszpanii”. Jakaś pani w komedii potrafiła ze sceny rozpoznać, że można się domyślić po moczu, a pan – zapisz, gdzie sikał. „Na naszej scenie panuje czasem ten sam brud i smród, co w Smithfield (przedmieścia Londynu, gdzie odbywały się jarmarki, a czasem palono heretyków) – mówi Ben Jonson. „Wszystko tam nazywa się po imieniu” – pisał o scenie angielskiej Voltaire już w XVIII wieku.
Morał teatralny można wywnioskować z anonimowego „Protestu lub skargi aktorów przeciwko zniesieniu ich zawodu i wydaleniu z kilku teatrów” (1643). „Obiecujemy na przyszłość, że nigdy nie będziemy wpuszczać do naszych sześciopensowych domków rozwiązłych kobiet, które tam przychodzą tylko po to, by zostały zabrane ze sobą przez praktykantów i urzędników prawników, i żadnych innych tego typu kobiet, z wyjątkiem tych, które przychodzą z mężami lub bliscy krewni. Zmieni się także podejście do tytoniu: nie będzie on sprzedawany... za wulgarny język i podobną niegodziwość, która może zgorszyć przyzwoitych ludzi, a złych ludzi wpędzić w rozpustę, całkowicie ich wypędzimy wraz z niemoralnymi i niegrzecznymi autorami - poetami .
Uprawianie sztuk teatralnych i ich odgrywanie uznano za grzeszną czynność; wizyta w teatrze była stanowczo potępiana i uznawana za czyn szkodliwy i zgubny. Wraz z dojściem purytanów do władzy przedstawienia teatralne w Anglii zostały zakazane. 2 września 1642 roku parlament angielski zamknął teatry i zakazał wszelkich przedstawień, argumentując, że spektakle „często wyrażają niepohamowaną wesołość i frywolność”, zaś myśli należy kierować ku „pokucie, pojednaniu i zwróceniu się do Boga”. Pięć lat później Parlament potwierdził tę uchwałę, teraz w bardziej rygorystycznych sformułowaniach, nakazując osadzanie nieposłusznych osób (aktorów) w charakterze przestępców. Kultura przeżyła ostry kryzys. Kościół od dawna i zdecydowanie walczy ze spektaklami teatralnymi. „Teatry są pełne, ale kościoły są puste” – narzekają purytańscy księża. W teatrze „królują swobodne gesty, luźne przemówienia, śmiech i kpiny, pocałunki, uściski i nieskromne spojrzenia” – duchowni są oburzeni. „Łamane jest tam Słowo Boże i profanowana jest boska religia panująca w naszym państwie” – mówi burmistrz.
Teatr XVII wieku był przedstawiany purytańskiej burżuazji Anglii jako teatr rozwiązłości i rozpusty, teatr, który zaspokaja gusta arystokratów i psuje zwykłych ludzi.
Byli też obrońcy. Dramaturg Thomas Nash napisał w 1592 roku, że wątki sztuk zapożyczone są z kronik angielskich, wielkie czyny przodków wydobyte z „grobu zapomnienia”, tym samym wydawane jest potępienie „zdegenerowanej i wypieszczonej nowoczesności”, że w sztukach „rozbiera się kłamstwo pozłacane zewnętrzną świętością”.
Cechy kultury zostały zdeterminowane przez wydarzenia rewolucji burżuazyjnej. Zaostrzyły się sprzeczności klasowe między burżuazją a wielkimi obszarnikami, na czele rządu republiki burżuazyjnej stanął Oliver Cromwell, następnie przywrócono monarchię Stuartów.
Powracający do władzy Stuartowie ponownie otworzyli teatry w 1660 r., a błyskotliwa, choć niemoralna komedia epoki Restauracji, potwierdziła negatywną ocenę teatru przez współpracowników Cromwella.
Po zamachu stanu do władzy doszedł Wilhelm III Orański. Ruch ludowy rósł.
Wilhelm III nie zamknął teatrów, ale dekretem z 01.01.01 surowo przestrzegł aktorów, że „jeśli nadal będą wystawiać sztuki zawierające wyrażenia sprzeczne z religią i dobrymi obyczajami oraz dopuszczać na scenie bluźnierstwa i niemoralność, to za to muszą odpowiedzieć głową.
W tym samym roku 1698 ukazał się traktat pewnego purytańskiego teologa Jeremy'ego Colliera pod bardzo barwnym tytułem „A Brief Survey of the Immorality and Impiety of the English Stage”. Teolog surowo potępił istniejącą praktykę teatralną. Napisał, że na scenie panował gniew i złość. „Krew i barbarzyństwo są niemal ubóstwiane”, że „wypacza się pojęcie honoru, upokarza zasady chrześcijańskie”, że „diabły i bohaterowie są z tego samego metalu” i domagał się radykalnej restrukturyzacji teatrów, przekształcenia ich w teatr rodzaj szkoły cnót, dobrych manier i przyzwoitości: „Celem spektakli jest zachęcanie do cnót i demaskowanie występków, ukazywanie kruchości wielkości ludzkiej, nagłych zmienności losu oraz szkodliwych konsekwencji przemocy i niesprawiedliwości.
Burżuazja angielska nie chciała już zamykania teatrów, jak to miało miejsce wcześniej, ale ich przystosowania do potrzeb klasowych. Chociaż „chwalebna rewolucja” 1688 r. przyniosła sojusz burżuazji z nową szlachtą, jednak wrogość nadal trwała. Pozycje obszarników były nadal mocne, choć arystokraci poddali się stanowi rzeczy, bynajmniej nie doszło do całkowitego pojednania. Ataki na arystokrację słychać było także na przedstawieniach teatralnych.
W 1713 roku Joseph Addison (1672-1719) próbował wprowadzić na scenę angielską klasyczną tragedię.
W tym czasie pojawił się nowy gatunek - dramat, ale komedia nie chciała zrezygnować ze swoich pozycji. Widzowie, którzy obficie ronili łzy na występach The London Merchant i przepełniali przerażenie ponurym finałem spektaklu, od czasu do czasu chciało się śmiać. Szansę tę dali im Fielding, a później Oliver Goldsmith i Richard Brinsley Sheridan.
Goldsmith chciał wskrzesić „komedię gejowską” z czasów Szekspira i Bena Jonsona. W traktacie Doświadczenie teatralne, czyli porównanie komedii wesołej i sentymentalnej (1733) wypowiadał się na ten temat wprost i napisał kilka sztuk komediowych, bez moralizowania, bez większej tendencyjności, wesoło naśmiewając się z braku doświadczenia młodych ludzi, którzy łatwo oszukać. Spektakle są pełne zabawnych błędów, postacie są przedstawione dość naturalnie.
Jednak największy ślad w historii dramatu angielskiego tego okresu pozostawił Richard Brinsley Sheridan (1751-1816). Pisał przez krótki czas. Wszystkie jego najlepsze sztuki powstały w ciągu pięciu lat. Ostatnim ciosem dla pisarza był pożar jego teatru przy Drury Lane.
Klasycyzm w swojej klasycznej formie nie mógł znaleźć solidnego oparcia w Anglii. Powody były dwie: stan polityczny kraju i autorytet teatru Szekspira.
Jeśli chodzi o Szekspira, tak przyćmił osiągnięcia starożytnego dramatu, że po nim po prostu nie do pomyślenia było całkowite poleganie na przykładzie starożytnych autorów greckich. Anglicy dramatopisarze pracujący dla teatru nie mogli tak bezwarunkowo naśladować Ajschylosa, Sofoklesa i Eurypidesa, jak ich francuscy odpowiednicy. Przed nimi był przykład Szekspira, który pracował według zupełnie innego systemu i osiągnął niespotykane dotąd rezultaty.
W 1644 r. zburzono Shakespeare’s Globe Theatre, odbudowano po pożarze w 1613 r., w 1649 r. – teatry Fortune i Phoenix, w 1655 r. – Blackfriars. Jak podaje anonimowy XVII-wieczny autor (Historia histrionica), aktorzy rozproszeni po całym kraju, poszli do żołnierzy i zniknęli bez śladu.
W 1643 roku aktorzy sporządzili wzruszający anonimowy dokument: skargę na zniesienie ich zawodu. „Do Ciebie zwracamy się, wielki Febusie, i do Ciebie, dziewięć sióstr – muz, patronek umysłu i opiekunek nas, biednych, upokorzonych aktorów” – napisali. „Gdyby przy pomocy Twojej wszechmocnej interwencji moglibyśmy ponownie zostać zainstalowani w naszych dawnych teatrach i ponownie wrócić do naszego zawodu… ”Aktorzy napisali, że odgrywane przez nich komedie i tragedie były „żywą reprodukcją działań ludzi” ”, „że występek w nich został ukarany, a cnota nagrodzona, że „mowa angielska została wyrażona najbardziej poprawnie i naturalnie”. Febus i dziewięć sióstr – muz, mecenasów sztuki, nie odpowiedziały. Teatr poniósł nieodwracalne szkody.
John Milton, największy angielski poeta XVII wieku, nie podzielał negatywnego stosunku purytanów do przedstawień teatralnych. Milton był szczególnie stanowczy wobec dramaturgów i teatru epoki Restauracji, który miał zdecydowanie rozrywkowy charakter. Milton uważał tragedię, klasyczne przykłady sztuki starożytnej Grecji, za najważniejsze w sztuce dramatycznej. Naśladując ich, wprowadził chór komentujący wydarzenia i ustalił jedność czasu: czas trwania wydarzeń w tragedii nie przekracza 24 godzin. Ściśle zachowana jest jedność miejsca i akcji.
Okres przywracania
Okres Restauracji rozpoczął się w Anglii wkrótce po śmierci Cromwella.
Zniesiono nałożone przez purytanów zakazy przedstawień teatralnych i różnego rodzaju rozrywek. Teatry zostały ponownie otwarte, ale bardzo różniły się od teatru angielskiego z XVI - początków XVII wieku, zarówno pod względem wyglądu zewnętrznego, jak i charakteru przedstawień. Na scenie wykorzystano bogatą scenografię i wspaniałe kostiumy.
Szczególnym sukcesem cieszyły się komedie Williama Wycherleya (1640-1716) i Williama Congreve'a (1670-1729).
Angielskie teatry „Drury Lane” i „Covent Garden”
Odwiedźmy teraz teatry w Londynie. W 1663 roku w Londynie zbudowano teatr Drury Lane, który otrzymał prawo do monopolu w doborze repertuaru. W 1732 roku pojawił się kolejny ważny teatr – Covent Garden. W londyńskich teatrach panował niewielki porządek. Publiczność wpadająca na widownię biegła prosto wzdłuż ławek stoisk, by zająć miejsca bliżej sceny. Od czasu do czasu dochodziło do swoistych „zamieszków teatralnych” - publiczność niezadowolona ze spektaklu, podwyżki cen, jakiegokolwiek wykonawcy, zagłuszała głosy aktorów, rzucała w nich owocami, a czasem wpadała na scenę.
W tym burzliwym Londynie XVIII wieku aktorzy starali się zachowywać przyzwoicie i przemawiać wyważonymi głosami. Klasycyzm angielski nie był jednak pełny, integralny – był stale „korygowany” przez tradycję realistyczną wywodzącą się od Szekspira.
Aktor Thomas Betterton (1635 - 1710) wcielił się w rolę Hamleta, tak jak kiedyś zagrał go Burbage, po otrzymaniu instrukcji od samego Szekspira. Aktor James Quinn (1693 - 1766), który wydawał się Brytyjczykom zbyt klasycystyczny, wcielił się w rolę Falstaffa całkiem realistycznie. W 1741 roku Charles Maclean (1697-1797) realistycznie zagrał Shylocka w Kupcu weneckim Szekspira. W tym samym roku w rolę Ryszarda III wcielił się David Garrick (1717–1779), który stał się największym aktorem realistycznym XVIII wieku. Garrick równie dobrze odgrywał role komiczne, jak i tragiczne. Jako naśladowca Garrick nie miał sobie równych. Jego twarz mogła konsekwentnie przedstawiać wszystkie odcienie i przejścia uczuć. Wiedział, jak być zabawnym, żałosnym, majestatycznym i strasznym. Garrick był aktorem bardzo inteligentnym, o bogato rozwiniętej i precyzyjnej technice, a jednocześnie aktorem uczuć. Któregoś razu, grając Króla Leara w tragedii Szekspira, Garrick dał się tak ponieść emocjom, że zerwał perukę i rzucił ją na bok.
Garrick przez wiele lat kierował teatrem Drury Lane, gdzie zebrał niezwykły zespół i wystawił 25 sztuk Szekspira. Przed nim nikt tak sumiennie i uparcie nie pracował nad inscenizacjami sztuk Szekspira. Po Garricku nauczyli się doceniać Szekspira znacznie bardziej niż wcześniej. Sława tego aktora grzmiała w całej Europie.
Kreatywność Garrick podsumował rozwój teatru XVIII wieku - od klasycyzmu po realizm.
18 wiek
Wiek Oświecenia
W XVIII wieku rozpoczęła się era przejściowa, której kulminacją była francuska rewolucja burżuazyjna. Rozwinął się ruch wyzwoleńczy, konieczne stało się zniszczenie feudalizmu i zastąpienie go kapitalizmem.
Literatura angielska
Burzliwa era przyniosła rozkwit kultury demokratycznej, w tym twórczości teatralnej.
DIV_ADBLOCK684">
XX wiek
1945 – obecnie
Po drugiej wojnie światowej, w związku z powstaniem światowego systemu socjalistycznego i nasileniem się wojny narodowo-wyzwoleńczej narodów, upadek Imperium Brytyjskiego stał się nieunikniony i naturalny. Teatry reprezentują burzliwe, przełomowe wydarzenia i wstrząsy społeczne.
W pierwszych latach po drugiej wojnie światowej najpopularniejszym pisarzem w Anglii był John Boynton Priestley. Napisał ponad czterdzieści sztuk. Najważniejsze z nich to „Niebezpieczny zakątek” (1932) i „Czas i Conways” (1937).
W sztukach Priestleya wyczuwalny jest wpływ dramaturgii Czechowa. Priestley stara się oddać dramat codzienności, pokazać życie ze wszystkimi jego półtonami, odsłonić charaktery nie tylko głównych bohaterów, ale także drugoplanowych.
Ważną rolę w kulturze angielskiej odegrały sztuki Johna Osborne'a (1929). Sztuki Johna Osborne'a zapoczątkowały gwałtowny rozwój dramatu angielskiego w latach 60.
W 1956 roku w Royal Court Theatre wystawiono sztukę Johna Osborne'a Look Back in Anger, która odniosła ogromny sukces. Dramaturg bardzo trafnie oddał nastrój ówczesnej angielskiej młodzieży. Na scenę wkroczył Jimmy Porter – młody „wściekły” bohater, jak go nazywali krytycy. Ten młody człowiek z dołu, który trafił do wrogiego środowiska społecznego, nie miał pojęcia, czym jest godna egzystencja. Nie szczędząc wysiłku, chwycił za broń przeciwko istniejącym wartościom moralnym, tradycyjnemu sposobowi życia społecznego, a częściowo także przeciwko prawom społecznym. Te same cechy wyróżniają niektóre postacie, zarówno współczesne, jak i historyczne, w sztukach Johna Ardena, Sheili Delaney i innych.
W niektórych krajach umiejętności postępowych aktorów i reżyserów doskonalone są na klasycznym materiale dramatycznym, na najlepszych przykładach literatury realistycznej. Wykorzystują klasykę do stawiania palących problemów współczesności. Angielski aktor Laurence Olivier w postaci Otella wyraził gniewny protest przeciwko powstającej cywilizacji burżuazyjnej. Hamlet posłużył Paulowi Scofieldowi do wyrażenia smutnych, trudnych myśli młodego powojennego pokolenia europejskich intelektualistów, które czuło się odpowiedzialne za zbrodnie popełnione na świecie.
Inscenizacje sztuk Szekspira angielskiego reżysera Petera Brooka cieszą się zasłużonym sukcesem publiczności.
Sztukę teatralną ostatnich czasów charakteryzuje wiele małych zespołów zawodowych, półprofesjonalnych i nieprofesjonalnych, wędrujących z jednej miejscowości do drugiej; rewitalizacja teatrów studenckich; narastający protest aktorów i reżyserów przeciwko handlowi sztuką. Młodzi ludzie często wykorzystują scenę do ostrych dyskusji politycznych. Teatr wychodzi na ulice, gdzie odbywają się półimprowizowane przedstawienia.
Niemal każde zjawisko twórczości teatralnej w Anglii jest przesiąknięte okrutnymi sprzecznościami wewnętrznymi, najeżone zderzeniem przeciwstawnych tendencji ideologicznych i estetycznych.
John Osborne jest zwolennikiem teatru krytykującego porządek społeczny w świecie kapitalistycznym, który jest najbardziej przekonującą bronią tamtych czasów.
Sztuki Johna Osborne'a zdeterminowały rozwój dramatu angielskiego lat 60.
O oryginalności dramaturgii Seana O'Caseya, wybitnego dramaturga anglo-irlandzkiego, decyduje związek z irlandzką tradycją folkloru. Jego sztuki charakteryzują się dziwacznym połączeniem tragiczności i dramatu
Laurence Olivier jako Ryszard III
„Ryszard III” W. Szekspir
komiczny, prawdziwy i fantastyczny, codzienny i żałosny. Dramaty O'Caseya operują konwencjami teatru ekspresjonistycznego.
Ruch teatrów ludowych, realizujący głównie cele edukacyjne, ogarnął całą Europę. W Anglii powstał i zyskał wielką sławę Teatr Warsztatowy pod kierunkiem Joan Littlewood.
Temat: Teatry angielskie
Temat: Teatry Anglii
Chodzenie do teatru jest bardzo popularnym zajęciem wśród Brytyjczyków, ponieważ Wielka Brytania ma długą tradycję teatru, wspaniałych dramaturgów, aktorów i reżyserów. Londyn jest centrum życia teatralnego, ale świetne zespoły i teatry działają też w innych miejscach. W samym Londynie jest ponad 50 teatrów, więc można sobie wyobrazić ich liczbę w całym kraju. Pierwszy teatr w Anglii powstał w 1576 roku i nosił nazwę Blackfries, a kilka lat później, w 1599 roku, otwarto słynny Globe Theatre, w którym przypuszcza się, że działał William Szekspir.
Dziś nie ma prawie żadnego miasta bez teatru, ale przeważnie wszystkie nie mają stałego personelu, gdyż zespół aktorów współpracuje ze sobą, dopóki nie przyciągnie do teatru publiczności. Kiedy spektakl przestaje przyciągać widzów, teatry szukają innego zespołu lub grupy aktorów. Kolejną osobliwością jest możliwość wyboru pomiędzy dwoma rodzajami siedzeń. Te pierwsze można zarezerwować z wyprzedzeniem, natomiast nie można ich rezerwować, więc im wcześniej przyjedziesz, tym lepsze miejsce otrzymasz.
Dziś nie ma miasta bez teatru, ale w zasadzie żadne z nich nie ma stałej kadry, bo zespół aktorów współpracuje ze sobą, przyciągając widzów do teatru. Kiedy spektakl przestaje przyciągać widzów, teatry szukają innego zespołu lub grupy aktorów. Kolejną cechą jest możliwość wyboru pomiędzy dwoma rodzajami siedzeń. Te pierwsze można zarezerwować z wyprzedzeniem, drugie nie podlegają rezerwacji, więc im wcześniej przyjedziesz, tym lepsze miejsce otrzymasz.
Kolejną wyjątkową osobliwością Londynu jest Theatreland, dzielnica teatralna z około czterdziestoma salami zlokalizowanymi w pobliżu West Endu. Zwykle i musicale. Większość teatrów pochodzi z czasów wiktoriańskich i edwardiańskich i obecnie są one prywatne. Najdłużej wystawiane spektakle to Les Misérables, Cats i Upiór w Operze. Rocznie Theatreland odwiedza ponad 10 milionów widzów i reprezentuje bardzo wysoki poziom teatrów komercyjnych.
Kolejną unikalną cechą teatralnego Londynu jest dzielnica teatralna, w której znajduje się około czterdziestu obiektów zlokalizowanych w pobliżu West Endu. Zwykle pokazują komedie, klasykę lub sztuki teatralne i musicale. Większość teatrów ma swoje korzenie w epoce wiktoriańskiej i edwardiańskiej i obecnie jest własnością prywatną. Najdłuższe przedstawienia to Les Misérables, Koty i Upiór w Operze. Dzielnicę teatralną odwiedza rocznie ponad 10 milionów gości i znajdują się tu wysokiej klasy teatry komercyjne.
A skoro mowa o teatrach niekomercyjnych, to można je zobaczyć poza dzielnicą teatralną. Są bardzo prestiżowe i prezentują dzieła dramatyczne, klasyczne i współczesne czołowych dramaturgów. W Wielkiej Brytanii znajdują się trzy najbardziej znane teatry: Królewski Teatr Narodowy, Królewski Teatr Szekspirowski i Królewska Opera. Wszystkie zadziwiają swoją wielkością i rozwojem sztuki.
Królewski Teatr Narodowy powstał w 1963 roku na bazie teatru Old Vic. W 1976 roku przeniósł się do nowego budynku, w którym mieszczą się trzy sceny. Każda ze scen ma swój własny teatr: teatry Oliviera, Lytteltona i Dorfmana. Mają urozmaicony program, proponujący w repertuarze zazwyczaj trzy występy. Olivier Theatre dla ponad 1000 osób z genialnym „bębenkiem” i wielokrotnym „podniebnym hakiem”. Daje ładny widok na scenę z każdego miejsca na widowni i pozwala na świetne zmiany scenerii. Teatr Lyttelton to teatr o konstrukcji łukowej proscenium, który może pomieścić około 900 osób. Teatr Dorfman to najmniejszy, wzmocniony teatr o ciemnych ścianach, mogący pomieścić 400 osób. Sam Teatr Narodowy jest znanym miejscem wycieczek za kulisy, gdzie znajduje się księgarnia teatralna, wystawy, restauracje i bary. Mieści się w nim także centrum edukacyjne, liczne garderoby, studio, skrzydło deweloperskie itp.
Królewski Teatr Narodowy powstał w 1963 roku na bazie Teatru Old Vic. W 1976 roku przeniósł się do nowego budynku, w którym mieszczą się trzy teatry. Każda scena ma swój własny teatr: Oliviera, Lytteltona i Dorfmana. Mają urozmaicony program, zazwyczaj obejmujący trzy przedstawienia w swoim repertuarze. Olivier to główna scena plenerowa teatru, mieszcząca ponad 1000 osób, wyposażona w pomysłowy „kręcący się bęben” i „podniebny hak”. Zapewnia to dobry widok na scenę z każdego miejsca i tworzy wspaniałą scenerię, która dramatycznie się zmienia. Lyttelton to teatr o konstrukcji proscenium w formie łuku, mogący pomieścić około 900 osób. Dorfman to najmniejszy teatr z ciemnymi ścianami i mogący pomieścić 400 osób. Sam Teatr Narodowy słynie z wycieczek za kulisy, księgarni teatralnej, wystaw, restauracji i barów. Znajduje się tu także centrum szkoleniowe, liczne garderoby, studio, skrzydło rozwojowe itp.
Royal Shakespeare Theatre to zespół teatralny, który rocznie wystawia około dwudziestu przedstawień. W jego skład wchodzą dwa stałe teatry: Teatr Swan i Królewski Teatr Szekspirowski. W listopadzie 2011 roku ten ostatni został otwarty po remoncie i obchodził swoje 50. urodziny. Znajduje się w Stratford-upon-Avon, miejscu narodzin Szekspira, a swoją nazwę wziął w 1961 roku dla upamiętnienia jego talentu jako dramaturga i poety. Promuje także pozytywny stosunek do twórczości poety, organizuje festiwale i poszerza swoje wpływy w wielu innych dziedzinach.
Covent Garden to także miejsce kojarzone ze spektaklami teatralnymi. Tam znajdziesz Operę Królewską. Koncentruje się na balecie i operze. Jego budynek doświadczył katastrofalnych pożarów, a ostatnia rekonstrukcja miała miejsce w latach 90. XX wieku. Może pomieścić ponad 2000 osób i składa się z amfiteatru, balkonów i czterech poziomów lóż. Posiada kilka unikalnych obiektów, w tym Paul Hamlyn Hall, wielką konstrukcję z żelaza i szkła, w której odbywają się niektóre wydarzenia, Linbury Studio Theatre, zlokalizowany poniżej poziomu gruntu oraz High House Production Park, miejsce tworzenia scenerii, centrum szkoleniowe i nowe zaplecze techniczne teatr.
Covent Garden to także miejsce kojarzone ze spektaklami teatralnymi. Tutaj znajdziesz Operę Królewską. Pokazuje balet i operę. Budynek przetrwał katastrofalne pożary, a ostatni remont przeprowadzono w latach 90. XX wieku. Ma wystarczająco dużo miejsca dla ponad 2000 osób i składa się z amfiteatru, balkonu i czterech poziomów lóż. Posiada kilka unikalnych obiektów, w tym Paul Hamlin Hall, konstrukcję z żelaza i szkła, w której odbywają się niektóre wydarzenia, Linbury Theatre Studio, drugą scenę zlokalizowaną poniżej pierwszego piętra, a także High House Production Park, w którym powstają scenografie, znajduje się centrum szkoleniowe i nowy teatr techniczny. .
Teatry w Wielkiej Brytanii są bardzo zróżnicowane i nadal się rozwijają, ponieważ Brytyjczycy są narodem teatralnym i wielu turystów nie może przegapić wspaniałych przedstawień. Pojawiły się w Anglii dzięki Rzymianom. Pierwsze wątki dotyczyły podania ludowego i religii, jednak uległo to zmianie za panowania Elżbiety I, kiedy rozkwitł dramat. Wielu utalentowanych dramaturgów było i nadal jest Anglikami. Nie wspominając o Williamie Shakespeare'u, Christopherze Marlowe'u, Bernardzie Shaw, Oscarze Wilde'u i innych. Andrew Lloyd Webber to płodny brytyjski kompozytor, którego musicale zdominowały angielskie sceny i amerykańskie przedstawienia na Broadwayu. Jest więc już oczywiste, że teatry są integralną częścią kultury brytyjskiej i będą nadal rozwijać tradycje i zaplecze kulturowe całego kraju.
Pierwszy teatr w Londynie, zwany Teatrem, został otwarty w 1577 roku przez aktora Jamesa Burbage'a w Shoreditch. Kilka miesięcy później w pobliżu otwarto drugi teatr, zwany Kurtyną. Wkrótce Burbage i jego syn Thomas, który stał się bardziej znany niż jego ojciec, zorganizowali Teatr Czarnych Braci - na cześć klasztornego zakonu dominikanów, ponieważ scena została ustawiona w refektarzu starego klasztoru. Jednak wszystkie teatry były nieustannie atakowane przez władze Londynu, które przeklinały te placówki jako diabła piekielnego i źródło nieszczęść, miejsce próżniactwa i rozpusty, zgromadzenie złośliwych ludzi podekscytowanych widokiem chłopców w kobiecych strojach - inaczej mówiąc, miejsce dla tych, którzy raczej przy dźwiękach trąby pędzą obejrzeć sztukę, niż słuchać kazania przy dźwiękach dzwonu.
W Southwark aktorzy mieli większą siłę woli niż w mieście, gdzie życie teatrów było poważnie ograniczane przez zasady ustanowione przez władze. Ponadto do Tuły można łatwo dotrzeć łodzią lub mostem. Z chwilą zamknięcia klasztorów część Southwark, która wcześniej należała do klasztoru Bermondsey i klasztoru Najświętszej Marii Panny, stała się własnością króla. W 1550 roku został sprzedany miastu za około tysiąc funtów. Niesprzedane pozostały jedynie dwie działki, które pozostawały poza jurysdykcją miasta. Na jednym znajdowało się więzienie, na drugim nazywano („Ogród Paryski”); to właśnie w tych dwóch miejscach, wolne od zakazów i cenzury Londynu, za czasów królowej Elżbiety pojawiały się teatry. W Teatrze Różanym, zbudowanym w 1587 roku, po raz pierwszy wystawiono sztuki Marlowe'a, a na scenie rozkwitł talent Edwarda Alleyna. Potem pojawiły się teatry „Łabędź” (w 1596 r.), „Glob” (w 1599 r.; jedna dziesiąta z nich należała do Szekspira) i w 1613 r. – „Nadzieja”.
Londyńczyków do tych i innych teatrów zwabiały głośne trąby i powiewające flagi. Pieniądze zbierano od zwiedzających bezpośrednio w teatrze i umieszczano w specjalnej skrytce, którą następnie zamykano w małym pomieszczeniu - kasie (w „szafie na pieniądze”). Widzowie siedzieli w fotelach ustawionych rzędami wokół sceny lub na ławkach bezpośrednio na scenie i występ rozpoczynał się głośnymi okrzykami. Aktorzy odgrywali swoje role, a publiczność przerywała im okrzykami oburzenia lub aprobaty, obelgami lub pochwałami. Trwało to do końca występu, po czym scena zapełniła się tancerzami, żonglerami i akrobatami; domokrążcy z tacami i koszami wciśniętymi w alejki pomiędzy siedzeniami widzów, sprzedający ciasta, owoce, zioła, broszury; mężczyźni byli mili dla kobiet. Pracownicy teatru często palili, powietrze unosiło się dymem tytoniowym, drewniane krzesła często się paliły, a publiczność rzuciła się do drzwi. spłonął w tym samym roku, w którym Nadieżda została otwarta; tylko jedna osoba została w tym procesie ranna - jego spodnie zapaliły się, ale szybko je ugasił, nalewając piwo z butelki.
W pobliżu teatrów znajdowały się ogrody z niedźwiedziami, areny nęcenia uwiązanego byka psami, tereny do walk kogutów, które przyciągały różnorodną publiczność – bogatą i biedną, szlachtę i zwykłych ludzi. Po napawaniu się występem Otella czy Edwarda II widzowie następnego dnia udali się do Ogrodu Paryskiego, aby obejrzeć niedźwiedzia nękanego przez psy, walczące koguty, które po wypuszczeniu ostrog pokryły piasek areny krwią i piórami, psy uciekające z dala od ciosów wściekłych byków (psy łapano w wiklinowe pułapki, żeby po upadku nie okaleczone i mogły dalej walczyć), na ludziach siekających mieczami, obcinających sobie uszy i palce pod głośną aprobatą tłumu.
teatry na West Endzie
Wygląd ulic West Endu zmienił się diametralnie. Wiele budynków z XVIII wieku. zostały zrekonstruowane zarówno na zewnątrz, jak i wewnątrz, zgodnie z gustem epoki. I tak przy Grafton Street (obecnie Salon Heleny Rubinstein) pani Arthur James pochwaliła się swoim bogactwem efektowną renowacją domu zaprojektowanego w latach pięćdziesiątych XVIII wieku. Sir Roberta Taylora.
Wiele budynków zbudowanych w stylu gruzińskim, regencyjnym i wiktoriańskim dało schronienie nowym teatrom, takim jak Duke of York Theatre, New Theatre, The Rock, Palladium, the Gaiety, Her Highness's Theatre, London Pavilion, Palace, Apollo, Wyndhams, Hippolrom, Strand, Aldwych, Globe, Queens i Coliseum. Wszystkie powstały w ciągu ostatnich dziesięciu lat panowania królowej Wiktorii i dziewięciu lat panowania samego Edwarda.
Zburzono setki starych budynków, aby zrobić miejsce dla sklepów, wielkich pasaży handlowych z okazałymi witrynami ze szkła płaskiego i mahoniowymi drzwiami inkrustowanymi mosiądzem. W 1901 roku zaczęły wznosić się terakotowe ściany sklepu Harrods General Store przy Brompton Road. Wkrótce potem nastąpiła budowa nowych sklepów ulicznych w przesadnym stylu barokowym, takich jak Wearing and Gillows (1906), kolosalnych rozmiarów, w szczególności okazały budynek, który kupiec zaczął budować w 1909 roku Harry Selfridge z Wisconsin.
Zanim sklep Selfridge'a został ukończony, Regent Street całkowicie się zmieniła; pętla Aldwych przecinała labirynt ulic na północ od Strand, naprzeciwko Somerset House, została otoczona monumentalnymi budynkami, a Kingsway Street ciągnęła się na północ do Holborn.
