Najdziwniejsze zdjęcia. Niezwykłe obrazy artystów Najbardziej niezwykli artyści świata i ich obrazy

Ile potrzeba, aby zostać artystą? Może talent? Czy umiejętność nauczenia się czegoś nowego? Lub dzikiej fantazji? Oczywiście to wszystko są niezbędne czynniki, ale co jest najważniejsze? Inspiracja. Kiedy artysta dosłownie wkłada swoją duszę w obraz, staje się on jakby żywy. Magia kolorów czyni cuda, ale nie da się przetłumaczyć wyglądu, chcę studiować każdy drobiazg…

W tym artykule przyjrzymy się 25 naprawdę pomysłowym i znane obrazy.

✰ ✰ ✰

Trwałość pamięci, Salvador Dali

Ten małe zdjęcie i przyniósł popularność Dali, gdy miał 28 lat. To nie jedyna nazwa obrazu, ma też imiona ” miękki zegarek”, „Stabilność pamięci”, „Twardość pamięci”.

Pomysł namalowania obrazu przyszedł artyście w momencie, gdy myślał o roztopionym serze. Dali nie zostawił notatki o znaczeniu i znaczeniu obrazu, więc naukowcy interpretują go na swój własny sposób, skłaniając się ku teorii względności Einsteina.

✰ ✰ ✰

„Taniec”, Henri Matisse

Obrazek jest napisany tylko w trzech kolorach - czerwonym, niebieskim i zielonym. Symbolizują niebo, ziemię i ludzi. Oprócz „Tańca” Matisse namalował kolejny obraz „Muzyka”. Zostały na zamówienie rosyjskiego kolekcjonera.

Nie ma na nim żadnych dodatkowych szczegółów, tylko naturalne tło i samych ludzi zastygłych w tańcu. Właśnie tego chciał artysta – uchwycić dobry moment, kiedy ludzie są jednością z naturą i pogrążeni w ekstazie.

✰ ✰ ✰

Pocałunek, Gustav Klimt

Pocałunek to najsłynniejszy obraz Klimta. Napisał to w swoim „złotym” okresie twórczości. Użył prawdziwego złota listkowego. Istnieją dwie wersje biografii obrazu. Według pierwszej wersji obraz przedstawia samego Gustava z ukochaną Emilią Flöge, której imię wypowiedział jako ostatnie w swoim życiu. Według drugiej wersji pewien hrabia polecił Klimtowi namalowanie obrazu jego i ukochanej.

Kiedy hrabia zapytał, dlaczego samego pocałunku nie ma na zdjęciu, Klimt stwierdził, że jest artystą i tak to widzi. W rzeczywistości Klimt zakochał się w dziewczynie hrabiego i była to jakaś zemsta.

✰ ✰ ✰

Śpiąca Cyganka, Henri Rousseau

Płótno odnaleziono zaledwie 13 lat po śmierci autora i od razu stało się jego najdroższym dziełem. Za życia próbował go sprzedać burmistrzowi miasta, ale wszystko bezskutecznie.

Obraz przekazuje pierwotne znaczenie i głęboką ideę. Spokój, relaks – to uczucia, które wywołuje „Śpiąca Cyganka”.

✰ ✰ ✰

„Sąd Ostateczny”, Hieronim Bosch

Obraz jest największym ze wszystkich jego zachowanych dzieł. Obraz nie wymaga wyjaśnienia fabuły, wszystko wynika z tytułu. Sąd Ostateczny, apokalipsa. Bóg sądzi zarówno sprawiedliwych, jak i grzeszników. Obraz podzielony jest na trzy sceny. W pierwszej scenie raj, zielone ogrody, błogość.

W centralnej części znajduje się sam Sąd Ostateczny, w którym Bóg zaczyna osądzać ludzi za ich czyny. Piekło jest przedstawione po prawej stronie, tak jak się wydaje. Straszne potwory, rozpalone do czerwoności piekło i potworne tortury grzeszników.

✰ ✰ ✰

Metamorfozy Narcyza, Salvador Dali

Za podstawę przyjęto wiele wątków, ale najważniejsze miejsce zajmuje historia Narcyza – faceta, który tak bardzo podziwiał swoją urodę, że umarł, ponieważ nie mógł zaspokoić swoich pragnień.

Na pierwszym planie obrazu Narcyz siedzi zamyślony nad wodą i nie może oderwać się od własnego odbicia. W pobliżu znajduje się kamienna ręka, w której jajko jest symbolem odrodzenia i nowego życia.

✰ ✰ ✰

Masakra niewinnych, Peter Paul Rubens

Historia została zaczerpnięta z Biblii, kiedy król Herod nakazał zabić wszystkich nowonarodzonych chłopców. Obraz przedstawia ogród w pałacu Heroda. Uzbrojeni wojownicy siłą odbierają dzieci płaczącym matkom i zabijają je. Ziemia jest usiana trupami.

✰ ✰ ✰

Numer 5, 1948, Jackson Pollock

Jackson cieszył się unikalna metoda nakładanie farby na obraz. Położył płótno na ziemi i okrążył je. Ale zamiast nakładać pociągnięcia, wziął pędzle, strzykawki i spryskał płótno. Metoda ta została później nazwana „malowaniem akcji”.

Pollock nie używał szkiców, zawsze polegał tylko na swoich emocjach.

✰ ✰ ✰

Bal w Moulin de la Galette, Pierre-Auguste Renoir

Renoir jedyny artysta który nie napisał ani jednego smutnego obrazu. Renoir znalazł fabułę tego obrazu w pobliżu domu, w restauracji Moulin de la Galette. Żywa i wesoła atmosfera instytucji zainspirowała artystę do stworzenia tego obrazu. Przyjaciele i ulubione modelki pozowali mu do napisania pracy.

✰ ✰ ✰

Ostatnia Wieczerza Leonarda da Vinci

Ten obraz przedstawia ostatnią ucztę Chrystusa ze swoimi uczniami. Powszechnie przyjmuje się, że nadchodzi moment, w którym Chrystus mówi, że jeden z uczniów go zdradzi.

W poszukiwaniu opiekunek da Vinci spędził dużo czasu. Najtrudniejszy był obraz Chrystusa i Judasza. W chór kościelny Leonardo zauważył młodego piosenkarza i wyciągnął z niego obraz Chrystusa. Trzy lata później artysta zobaczył pijaka schodzącego do rowu i zorientował się, że to ten, którego szukał, i zaciągnął go do warsztatu.

Kiedy skopiował obraz od pijaka, wyznał mu, że trzy lata temu sam artysta namalował na nim obraz Chrystusa. I tak się złożyło, że wizerunki Jezusa i Judasza zostały skreślone z tej samej osoby, ale w różnych okresach życia.

✰ ✰ ✰

„Lilie wodne”, Claude Monet

W 1912 roku u artysty zdiagnozowano podwójną zaćmę, z powodu której przeszedł operację. Po utracie soczewki w lewym oku artysta zaczął postrzegać światło ultrafioletowe jako niebieskie lub fioletowy dzięki temu jego obrazy nabrały nowych i jasnych kolorów. Malując ten obraz, Monet widział lilie jako niebieskie, podczas gdy zwykli ludzie widziałem tylko zwykłe białe lilie.

✰ ✰ ✰

„Krzyk”, Edvard Munch

Munch cierpiał na psychozę maniakalno-depresyjną, często dręczyły go koszmary i depresja. Wielu krytyków uważa, że Munch przedstawił się na zdjęciu - krzycząc w panice i szalonym przerażeniu.

Sam artysta określił znaczenie obrazu jako „krzyk natury”. Powiedział, że spacerował z przyjaciółmi o zachodzie słońca i niebo zrobiło się krwistoczerwone. Trzęsąc się ze strachu, podobno usłyszał ten sam „krzyk natury”.

✰ ✰ ✰

Matka Whistlera, James Whistler

Do zdjęcia pozowała matka samego artysty. Początkowo chciał, aby jego matka pozowała na stojąco, ale okazało się to trudne dla starej kobiety.
Whistler zatytułował swój obraz „Arrangement in Grey and Black”. Matka artysty. Ale z czasem prawdziwe imię zostało zapomniane i ludzie zaczęli nazywać ją „Matką Whistler”.

Pierwotnie było to polecenie posła. który chciał, aby artysta narysował córkę Maggie. Ale w trakcie odmówiła malowania, a James poprosił matkę, aby została modelką, aby dokończyć obraz.

✰ ✰ ✰

„Portret Dory Maar”, Pablo Picasso

Dora weszła do pracy Picassa jako „kobieta we łzach”. Zauważył, że nigdy nie mógłby napisać jej uśmiechniętej. Głębokie, smutne oczy i smutek na twarzy - to cechy charakterystyczne portrety Maara. I oczywiście krwistoczerwone paznokcie - to szczególnie ucieszyło artystę. Picasso często malował portrety Dory Maar i wszystkie są godne podziwu.

✰ ✰ ✰

„Gwiaździsta noc” Vincenta van Gogh

Obrazek przedstawia nocny krajobraz które artysta wyraził grubo, żywe kolory i spokój nocy. Najjaśniejszymi obiektami są oczywiście gwiazdy i księżyc, rysuje się je w najbardziej wyrazisty sposób.

Na ziemi rosną wysokie cyprysy, jakby marząc o dołączeniu do fascynujących tańców gwiazd.

Znaczenie obrazu jest interpretowane na różne sposoby. Niektórzy widzą odniesienie do Stary Testament, a ktoś po prostu wierzy, że obraz jest wynikiem przewlekłej choroby artysty. To właśnie podczas leczenia napisał Gwiaździstą noc.

✰ ✰ ✰

Olimpia Edouarda Maneta

Zdjęcie było powodem jednego z najbardziej głośne skandale w historii. W końcu przedstawia nagą dziewczynę leżącą na białych prześcieradłach.
Oburzeni ludzie opluwali artystę, a niektórzy nawet próbowali zepsuć płótno.

Manet chciał tylko narysować „nowoczesną” Wenus, aby pokazać, że kobiety teraźniejszości nie są gorsze od kobiet z przeszłości.

✰ ✰ ✰

3 maja 1808, Francisco Goya

Artysta głęboko przeżył wydarzenia związane z atakiem Napoleona. W maju 1808 r. tragicznie zakończyło się powstanie madryckie, co tak bardzo poruszyło duszę artysty, że po 6 latach przelał swoje uczucia na płótno.

Wojna, śmierć, strata - wszystko to jest tak realistycznie przedstawione na obrazie, że wciąż zachwyca umysły wielu.

✰ ✰ ✰

Dziewczyna z perłą Jana Vermeera

Obraz miał inną nazwę „Dziewczyna w turbanie”. Ogólnie niewiele wiadomo o obrazie. Według jednej wersji Jan namalował własną córkę Marię. Na zdjęciu dziewczyna wydaje się zwracać w stronę kogoś, a wzrok widza skupiony jest na perłowym kolczyku w uchu dziewczyny. Blask kolczyka błyszczy w oczach i na ustach.

Na podstawie obrazu napisano powieść, później nakręcono film o tej samej nazwie.

✰ ✰ ✰

„Straż nocna”, Rembrandt

Jest to grupowy portret kompanii kapitana Fransa Banning Cock i porucznika Willema van Ruytenbürga. Portret został namalowany na zamówienie Towarzystwa Strzeleckiego.
Mimo trudności treści obraz jest pełen parady i powagi. Jakby muszkieterowie pozowali artyście, zapominając o bitwie.
Później obraz został odcięty ze wszystkich stron, aby zmieścił się w nowym pomieszczeniu. Niektóre strzały zniknęły z obrazu na zawsze.

✰ ✰ ✰

Las Meninas, Diego Velazquez

Na obrazie artysta maluje portrety króla Filipa IV i jego żony, które widoczne są odbite w lustrze. W centrum kompozycji przedstawiona jest ich pięcioletnia córka, otoczona orszakiem.

Wielu wierzy, że Velasquez chciał się przedstawić w momencie tworzenia - „malowanie i malowanie”.

✰ ✰ ✰

Krajobraz z upadkiem Ikara, Pieter Brueghel

To jedyna zachowana praca artysty na temat mitów.

Główny bohater obrazu jest prawie niewidoczny. Wpadł do rzeki, z tafli wody wystają tylko nogi. Na powierzchni rzeki rozrzucone są pióra Ikara, które wyleciały z upadku. A ludzie są zajęci własnymi sprawami, nikt nie dba o upadłą młodzież.

Wydawałoby się, że obraz jest tragiczny, bo przedstawia śmierć młodego człowieka, ale obraz jest namalowany w spokojnych, delikatnych kolorach i jakby mówi - „nic się nie stało”.

✰ ✰ ✰

Szkoła Ateńska, Raphael

Zanim " szkoła ateńska» Rafał miał niewielkie doświadczenie z freskami, ale o dziwo ten fresk okazał się genialnie doskonały.

Ten obraz przedstawia Akademię założoną przez Platona w Atenach. Spotkania Akademii odbywały się pod otwarte niebo, ale artysta uznał, że więcej genialnych pomysłów pojawia się we wspaniale wykonanym zabytkowym budynku i dlatego przedstawia uczniów właśnie nie na tle natury. Na fresku przedstawił się Rafael.

✰ ✰ ✰

Stworzenie Adama, Michał Anioł

To czwarty z dziewięciu fresków na suficie. Kaplica Sykstyńska o stworzeniu świata. Michał Anioł nie uważał się za wielkiego artystę, pozycjonował się jako rzeźbiarz. Dlatego ciało Adama na zdjęciu jest tak proporcjonalne, ma wyraźne cechy.

W 1990 roku odkryli, że anatomicznie dokładna struktura ludzkiego mózgu została zaszyfrowana na obraz Boga. Być może Michał Anioł dobrze znał anatomię człowieka.

✰ ✰ ✰

„Mona Lisa”, Leonardo da Vinci

Mona Lisa do dziś pozostaje jednym z najbardziej tajemniczych obrazów w świecie sztuki. Krytycy wciąż spierają się, kto jest na nim przedstawiony. Wielu jest skłonnych wierzyć, że Mona Lisa jest żoną Francesco Giocondy, który poprosił artystę o namalowanie portretu.

Główna tajemnica obrazu tkwi w uśmiechu kobiety. Wersji jest wiele - począwszy od ciąży kobiety i uśmiechu oddaje ruch płodu, skończywszy na tym, że jest to właściwie autoportret artystki w kobiecy wizerunek. Cóż, można się tylko domyślać i podziwiać niesamowite piękno obrazu.

✰ ✰ ✰

Narodziny Wenus Sandro Botticelli

Obraz przedstawia mit narodzin bogini Wenus. Bogini narodziła się z morskiej piany wczesnym rankiem. Bóg wiatru Zephyr pomaga bogini dopłynąć do brzegu w jej muszli, gdzie spotyka ją bogini Ora. Obraz uosabia narodziny miłości, wywołuje uczucie piękna, ponieważ nie ma na świecie nic piękniejszego niż miłość.

✰ ✰ ✰

Wniosek

Staraliśmy się zawrzeć w tym artykule tylko niektóre z najbardziej popularne obrazy na świecie. Ale jest ich znacznie więcej, nie mniej ciekawe arcydzieła Dzieła wizualne. Jakie obrazy uważasz za popularne?

Włoscy naukowcy twierdzą, że znaleźli szczątki, które mogą należeć do Lisy del Giocondo. Być może tajemnica Mona Lisy zostanie ujawniona. Na cześć tego przypominamy najbardziej tajemnicze obrazy w historii.

1. Mona Lisa
Pierwsza rzecz, jaka przychodzi mi do głowy, gdy mówimy o tym tajemnicze obrazy, czyli o obrazach tajemniczych - to Mona Lisa, napisana przez Leonarda da Vinci w latach 1503-1505. Gruyet napisał, że to zdjęcie może doprowadzić każdego, kto po jego obejrzeniu zacznie o nim mówić, do szaleństwa.
W tej pracy da Vinci jest wiele „tajemnic”. Historycy sztuki piszą rozprawy o pochyleniu ręki Mona Lizy, lekarze stawiają diagnozy (od takich, że Mona Liza nie ma przednich zębów, do takich, że Mona Liza jest mężczyzną). Istnieje nawet wersja, w której Gioconda jest autoportretem artysty.
Tak poza tym, szczególna popularność obraz nabyty dopiero w 1911 roku, kiedy został skradziony przez Włocha Vincenzo Perugio. Znalazłem go przez odcisk palca. Tak więc Mona Lisa stała się również pierwszym sukcesem pobierania odcisków palców i ogromnym sukcesem marketingu na rynku sztuki.

2. Czarny kwadrat

Wszyscy wiedzą, że „Czarny kwadrat” w rzeczywistości nie jest czarny i nie jest kwadratem. To naprawdę nie jest kwadrat. W katalogu wystawy został ogłoszony przez Malewicza „czworokątem”. I naprawdę nie czarny. Artysta nie używał czarnej farby.
Mniej znany jest fakt, że Malewicz uważał Czarny Kwadrat za swój najlepsza praca. Kiedy artysta został pochowany, na czele trumny stał „Czarny kwadrat” (1923), ciało Malewicza przykryto białym płótnem z naszytym kwadratem, czarny kwadrat narysowano również na wieku trumny. Nawet pociąg i tył ciężarówki miały czarne kwadraty.

3. Krzyk

To, co zagadkowe w obrazie „Krzyk” nie polega na tym, że rzekomo mocno oddziałuje na ludzi, zmuszając ich do niemal samobójstwa, ale że obraz ten jest w rzeczywistości realizmem dla Edvarda Muncha, który w chwili pisania tego arcydzieło cierpiało na psychozę maniakalno-depresyjną. Przypomniał sobie nawet dokładnie, jak widział to, co napisał.
„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi - słońce zachodziło - nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się wyczerpany i oparłem się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym fiordem i miasto - kontynuowali moi przyjaciele, a ja stałem drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę.

4. Guernica

Picasso namalował „Guernicę” w 1937 roku. Obraz poświęcony jest bombardowaniu miasta Guernica. Mówią, że kiedy Picasso został wezwany do Gestapo w 1940 roku i zapytany o Guernicę: „Czy to zrobiłeś?”, artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.
Picasso malował ogromny fresk nie dłużej niż miesiąc, pracując po 10-12 godzin dziennie. „Guernica” jest uważana za odzwierciedlenie całego horroru faszyzmu, nieludzkiego okrucieństwa. Ci, którzy widzieli obraz na własne oczy, twierdzą, że budzi on niepokój, a czasem panikę.

5. Iwan Groźny i jego syn Iwan

Wszyscy znamy obraz „Iwan Groźny i jego syn Iwan”, zwykle nazywając go „Iwan Groźny zabija syna”.
Tymczasem morderstwo jego spadkobiercy przez Iwana Wasiljewicza jest bardzo kontrowersyjny fakt. Tak więc w 1963 r. W Katedrze Archanioła Kremla moskiewskiego otwarto grobowce Iwana Groźnego i jego syna. Badania pozwoliły stwierdzić, że carewicz Jan został otruty.
Zawartość trucizny w jego szczątkach jest wielokrotnie wyższa niż dopuszczalna norma. Co ciekawe, tę samą truciznę znaleziono w kościach Iwana Wasiljewicza. Naukowcy doszli do wniosku, że rodzina królewska przez kilkadziesiąt lat był ofiarą trucicieli.
Iwan Groźny nie zabił swojego syna. Do tej wersji przychylił się m.in. prokurator naczelny Świętego Synodu Konstantin Pobiedonoscew. Widząc na wystawie słynny obraz Repina, był oburzony i napisał do cesarza Aleksandra III: „Nie można nazwać obrazu historycznym, ponieważ ten moment… jest czysto fantastyczny”. Wersja mordu została oparta na opowieściach legata papieskiego Antonio Possevino, którego trudno nazwać osobą bezinteresowną.
Była kiedyś prawdziwa próba malowania.
16 stycznia 1913 r. 29-letni malarz ikon staroobrzędowców Abram Bałaszow dźgnął ją trzykrotnie nożem, po czym twarze Iwanowów przedstawionych na obrazie Ilji Repina musiały zostać namalowane praktycznie od nowa. Po incydencie ówczesny kurator Galerii Tretiakowskiej Chrułow, dowiedziawszy się o wandalizmie, rzucił się pod pociąg.

6. Ręce mu się opierają

Obraz Billa Stonehama, napisany przez niego w 1972 roku, stał się sławny, szczerze mówiąc, nie najlepszą sławą. Według informacji na E-bay obraz został znaleziony na wysypisku śmieci jakiś czas po zakupie. Pierwszej nocy, gdy obraz trafił do domu rodziny, która go znalazła, córka ze łzami w oczach pobiegła do rodziców, skarżąc się, że „dzieci na obrazie walczą”.
Od tego czasu obraz cieszy się bardzo złą opinią. Kim Smith, która kupiła go w 2000 roku, nieustannie otrzymuje gniewne listy z żądaniem spalenia obrazu. Gazety pisały też, że duchy czasami pojawiają się na wzgórzach Kalifornii, jak dwa groszki w strąku, jak dzieci z obrazu Stoneham.

7. Portret Lopukhina

Wreszcie „zły obraz” - portret Łopuchiny, namalowany przez Władimira Borowikowskiego w 1797 roku, po pewnym czasie zaczął mieć rozgłos. Portret przedstawiał Marię Lopukhinę, która zmarła wkrótce po namalowaniu portretu. Ludzie zaczęli mówić, że obraz „zabiera młodość”, a nawet „sprowadza do grobu”.
Nie wiadomo na pewno, kto zapoczątkował taką plotkę, ale po tym, jak Paweł Tretiakow „nieustraszenie” nabył portret do swojej galerii, rozmowa o „tajemnicy obrazu” ucichła.

Wśród spokojnych pasterzy, szlachetnych portretów i innych dzieł sztuki, które tylko przywołują pozytywne emocje, są płótna dziwne i szokujące. Zebraliśmy 15 zdjęć, które przerażają publiczność. Co więcej, wszystkie należą do pędzli światowej sławy artystów.

„Guernica”

Jedno z najsłynniejszych dzieł Pabla Picassa „Guernica” to opowieść o tragedii wojny i cierpieniu niewinnych ludzi. Praca ta zyskała uznanie na całym świecie i stała się przypomnieniem okropności wojny.

„Utrata umysłu nad materią”

Losing Mind Before Matter to obraz austriackiego artysty Otto Rappa z 1973 roku. Przedstawił rozkładającą się ludzką głowę, założoną na ptasią klatkę, w której leży kawałek mięsa.

„Dante i Wergiliusz w piekle”

Obraz Adolphe William Bouguereau Dante i Wergiliusz w piekle został zainspirowany krótką sceną o walce dwóch przeklętych dusz z Dantego Inferno.

„Zawieszony żyjący Murzyn”

Ta makabryczna kreacja Williama Blake'a przedstawia murzyńskiego niewolnika, który wisiał na szubienicy z hakiem przewleczonym przez żebra. Praca oparta jest na historii holenderskiego żołnierza Steadmana – naocznego świadka tak okrutnej masakry.

"Piekło"

Malowanie „Piekło” niemiecki artysta Hans Memling, napisany w 1485 roku, jest jedną z najstraszniejszych kreacji artystycznych swoich czasów. Miała popychać ludzi ku cnocie. Memling wzmocnił przerażający efekt sceny, dodając napis: „W piekle nie ma odkupienia”.

duch wody

Artysta Alfred Kubin jest uważany za największego przedstawiciela symbolizmu i ekspresjonizmu i znany jest z mrocznych fantazji symbolicznych. Jednym z takich dzieł jest „Duch wody”, ukazujący bezsilność człowieka w obliczu morza.

„Nekronem IV”

To straszne stworzenie. sławny artysta Hans Rudolf Giger został zainspirowany słynny film"Nieznajomy". Giger cierpiał z powodu koszmarów sennych i wszystkie jego obrazy były inspirowane tymi wizjami.

„Obdzierający Marsjasz”

Stworzony przez artystę czasów włoski renesans Obraz Tycjana „Obdzieranie Marsjasza” jest obecnie w Muzeum Narodowe w Kromieryżu w Czechach. Dzieło fikcji przedstawia scenę z mitologia grecka, gdzie satyr Marsjasz zostaje obdarty ze skóry za to, że odważył się rzucić wyzwanie bogu Apollo.

"Krzyk"

Płacz jest sławny obraz Norweski ekspresjonista Edvard Munch. Na zdjęciu na tle nieba rozpaczliwie przedstawiony jest kolor krwi krzyczący człowiek. Wiadomo, że „Krzyk” został zainspirowany spokojnym wieczornym spacerem, podczas którego Munch był świadkiem krwistoczerwonego zachodzącego słońca.

„Smalec Gallowgate”

Obraz ten to nic innego jak autoportret szkockiego autora Kena Currie, który specjalizuje się w mrocznych, społecznie realistycznych obrazach. Ulubionym motywem Curry'ego jest ciemny życie w mieście Szkocka klasa robotnicza.

„Saturn pożerający swojego syna”

Jedno z najbardziej znanych i złowrogich dzieł hiszpański artysta Francisco Goya został namalowany na ścianie swojego domu w latach 1820 - 1823. "Saturn pożerający syna" oparty jest na greckim micie o tytanie Chronos (w Rzymie - Saturn), który obawiał się, że zostanie obalony przez jedno z jego dzieci i zjadł je zaraz po urodzeniu.

„Judyta zabija Holofernesa”

Egzekucję Holofernesa przedstawili tak wielcy artyści jak Donatello, Sandro Botticelli, Giorgione, Gentileschi, Lucas Cranach Starszy i wielu innych. Na obraz Caravaggia, napisany w 1599 roku, przedstawia najbardziej dramatyczny moment tej historii - ścięcie.

"Koszmar"

Obraz „Koszmar” szwajcarskiego malarza Heinricha Fuseli został po raz pierwszy pokazany na dorocznej wystawie Royal Academy w Londynie w 1782 roku, gdzie zaszokował zarówno zwiedzających, jak i krytyków.

„Masakra niewinnych”

To jest znakomita praca sztuka Petera Paula Rubensa, składająca się z dwóch obrazów, powstała w 1612 roku, uważa się, że była pod wpływem dzieł słynnego włoski artysta Caravaggia.

Jeśli obrazy wydawały się zbyt ponure, by powiesić je w domu, możesz użyć jednego z nich.

Sztuka może dawać całą gamę emocji. Niektóre obrazy sprawiają, że gapisz się na nie godzinami, podczas gdy inne dosłownie szokują, zadziwiają i zaskakują. Są arcydzieła, które sprawiają, że myślisz i szukasz sekretne znaczenie. Niektóre obrazy owiane są mistycznymi tajemnicami, podczas gdy w innych najważniejsza jest ich niebotycznie wysoka cena.

W historii malarstwa światowego jest wiele dziwnych obrazów. W naszej ocenie celowo nie będziemy wspominać Salvadora Dali, który był mistrzem tego gatunku i którego imię nasuwa się jako pierwsze. I choć samo pojęcie obcości jest subiektywne, możemy je rozróżnić prace godne uwagi, które są wyraźnie poza ogólnym zakresem.

Edvard Munch „Krzyk” Praca o wymiarach 91x73,5 cm powstała w 1893 roku. Munch namalował go olejami, pastelami i temperą, dziś obraz jest przechowywany w Galerii Narodowej w Oslo. Twórczość artysty stała się punktem orientacyjnym dla impresjonizmu, jest to ogólnie jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie. Sam Munch opowiedział historię jego powstania: „Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi. O tej porze słońce zachodziło. Nagle niebo zrobiło się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany i oparłem o płot. Spojrzałem na krew i płomienie nad niebieskawym „czarnym fiordem i miastem. Moi przyjaciele szli dalej, a ja stałem tam, drżąc z podniecenia, czując niekończący się płacz przeszywający naturę”. Istnieją dwie wersje interpretacji narysowanego znaczenia. Można uznać, że przedstawiona postać jest ogarnięta przerażeniem i cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu. Inna wersja mówi, że mężczyzna zamknął uszy od krzyków wokół niego. W sumie Munch stworzył aż 4 wersje „Krzyku”. Niektórzy eksperci uważają, że ten obraz jest klasycznym przejawem psychozy maniakalno-depresyjnej, na którą cierpiał artysta. Kiedy Munch był leczony w klinice, nie wrócił do tego płótna.

Paul Gauguin „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Dokąd idziemy?”. W Muzeum Bostońskim sztuki piękne można znaleźć tę impresjonistyczną pracę o wymiarach 139,1 x 374,6 cm, namalowaną olejem na płótnie w latach 1897-1898. To głębokie dzieło zostało napisane przez Gauguina na Tahiti, gdzie wycofał się z zgiełku paryskie życie. Obraz stał się dla artysty tak ważny, że pod koniec miał nawet ochotę popełnić samobójstwo. Gauguin wierzył, że była najlepszą głową i ramionami, jaką stworzył wcześniej. Artysta wierzył, że nie może już stworzyć czegoś lepszego lub podobnego, po prostu nie miał już do czego dążyć. Gauguin przeżył kolejne 5 lat, udowadniając prawdziwość swoich osądów. On sam powiedział, że jego… główne zdjęcie musi być oglądany od prawej do lewej. Znajdują się na nim trzy główne grupy postaci, które uosabiają pytania, którymi płótno jest zatytułowane. Trzy kobiety z dzieckiem pokazują początek życia, w środku ludzie symbolizują dojrzałość, a starość reprezentuje starsza kobieta, która czeka na swoją śmierć. Wygląda na to, że pogodziła się z tym i myśli o czymś własnym. U jej stóp znajduje się biały ptak, symbolizujący bezsensowność słów.

Pablo Picasso „Guernica” Dzieło Picassa jest przechowywane w Muzeum Królowej Zofii w Madrycie. Duży obraz rozmiar 349 na 776 cm malowany olejem na płótnie. Ten płótno-fresk powstał w 1937 roku. Zdjęcie opowiada o nalocie faszystowskich pilotów-ochotników na miasto Guernica. W wyniku tych wydarzeń sześciotysięczne miasto zostało całkowicie zmiecione z powierzchni ziemi. Artysta stworzył ten obraz w zaledwie miesiąc. Na początku Picasso pracował przez 10-12 godzin, w jego pierwszych szkicach główna idea była już widoczna. W rezultacie obraz stał się jednym z najlepsze ilustracje wszystkie okropności faszyzmu, okrucieństwa i ludzkiego żalu. W "Guernicy" można rozważyć scenę okrucieństwa, przemocy, śmierci, cierpienia i bezradności. Chociaż przyczyny takiego stanu rzeczy nie są wyraźnie określone, są one jasne w historii. Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został nawet wezwany do paryskiego Gestapo. Od razu został zapytany: „Czy to zrobiłeś?”. Na co artysta odpowiedział: „Nie, zrobiłeś to”.

Jan van Eyck „Portret Arnolfinich”. Obraz ten został namalowany w 1434 roku olejem na drewnie. Arcydzieło ma wymiary 81,8x59,7 cm i jest przechowywane w londyńskiej Galerii Narodowej. Przypuszczalnie obraz przedstawia Giovanniego di Nicolao Arnolfini z żoną. Praca jest jedną z najtrudniejszych w zachodnich czasach malarstwa. Renesans północny. W tym sławny obraz duża ilość symbole, alegorie i różne wskazówki. Jaki jest tylko podpis artysty "Jan van Eyck był tutaj". Dzięki temu obraz jest nie tylko dziełem sztuki, ale prawdziwym dokumentem historycznym. W końcu przedstawia prawdziwe wydarzenie, który został schwytany przez van Eycka. To zdjęcie w ostatnie czasy stał się bardzo popularny w Rosji, ponieważ gołym okiem widać podobieństwo Arnolfini do Władimira Putina.

Michaił Vrubel „Siedzący demon”. W Galerii Tretiakowskiej znajduje się to arcydzieło Michaiła Vrubela, namalowane olejem w 1890 roku. Wymiary płótna to 114x211 cm Przedstawiony tu demon jest zaskakujący. Pojawia się jako smutny młody człowiek z długie włosy. Zwykle ludzie nie wyobrażają sobie w ten sposób złych duchów. Sam Vrubel powiedział o swoim najsłynniejszym płótnie, że w jego rozumieniu demon jest nie tyle złym duchem, ile cierpiącym. Jednocześnie nie można mu odmawiać autorytetu i majestatu. Demon Vrubela jest przede wszystkim obrazem panującego w nas ludzkiego ducha, nieustannej walki z samym sobą i wątpliwościami. To stworzenie, otoczone kwiatami, tragicznie złożyło ręce, wielkie oczy spoglądają smutno w dal. Cała kompozycja wyraża skrępowanie postaci demona. To tak, jakby był wciśnięty na tym obrazie między górną a dolną część ramy obrazu.

Wasilij Vereshchagin „Apoteoza wojny”. Obraz został namalowany w 1871 roku, ale autor zdawał się w nim przewidywać okropności przyszłych wojen światowych. Rozmiar płótna 127x197 cm jest przechowywany w Galerii Trietiakowskiej. Vereshchagin jest uważany za jednego z najlepszych graczy bitewnych w Malarstwo rosyjskie. Nie pisał jednak wojen i bitew, bo je kochał. Swój negatywny stosunek do wojny artysta starał się przekazać ludziom za pomocą sztuk pięknych. Kiedyś Wierieszczagin obiecał nawet, że nie będzie już pisał obrazów bitewnych. Przecież artysta zbytnio brał sobie smutek każdego rannego i zabitego żołnierza. Efektem tak serdecznego podejścia do tego tematu była „Apoteoza wojny”. Straszny i urzekający obraz przedstawia górę ludzkich czaszek na polu otoczonym krukami. Utworzono Vereshchagin płótno emocjonalne, za każdą czaszką w ogromnym stosie można prześledzić historię i losy osób i bliskich im osób. Sam artysta sarkastycznie nazwał ten obraz martwą naturą, ponieważ przedstawia martwą naturę. Wszystkie szczegóły „Apoteozy wojny” krzyczą o śmierci i pustce, widać to nawet na żółtym tle ziemi. A błękit nieba tylko podkreśla śmierć. Ideę okropności wojny podkreślają dziury po kulach i ślady szabli na czaszkach.

Grant Wood" amerykański gotyk". Ten mały obraz o wymiarach 74 na 62 cm powstał w 1930 roku i jest obecnie przechowywany w Art Institute of Chicago. Obraz jest jednym z najbardziej słynne przykłady Sztuka amerykańska ubiegłego wieku. Już w naszych czasach w mediach często pojawia się nazwa „American Gothic”. Obraz przedstawia dość ponurego ojca i jego córkę. Liczne szczegóły mówią o surowości, purytanizmie i sztywności tych ludzi. Mają niezadowolone twarze, agresywne widły pojawiają się w środku obrazu, a ubrania pary są staromodne nawet jak na ówczesne standardy. Nawet szew na ubraniu farmera ma kształt wideł, podwajając zagrożenie dla tych, którzy wkraczają na jego sposób życia. Szczegóły obrazu można studiować bez końca, fizycznie odczuwając dyskomfort. Co ciekawe, pewnego razu na konkursie w Art Institute of Chicago obraz został przyjęty przez sędziów jako humorystyczny. Ale mieszkańcy Iowa obrazili artystę, ponieważ umieścił ich w tak brzydkiej perspektywie. Wzorem dla kobiety była siostra Wooda, ale dentysta malarza stał się prototypem wściekłego mężczyzny.

Miłośnicy Rene Magritte'a. Obraz został namalowany w 1928 roku olejem na płótnie. W tym przypadku istnieją dwie opcje. Na jednym z nich całuje się mężczyzna i kobieta, tylko ich głowy są owinięte białym płótnem. W innej wersji obrazu zakochani patrzą na widza. Rysowane, zaskakuje i fascynuje. Postacie bez twarzy symbolizują ślepotę miłości. Wiadomo, że kochankowie nie widzą nikogo wokół, ale nie możemy zobaczyć ich prawdziwych uczuć. Nawet dla siebie nawzajem ci ludzie, zaślepieni uczuciem, są właściwie tajemnicą. I choć główne przesłanie obrazu wydaje się jasne, „Kochankowie” wciąż każą im patrzeć i myśleć o miłości. W Magritte'u w ogóle prawie wszystkie obrazy to zagadki, które są całkowicie niemożliwe do rozwiązania. W końcu te płótna rodzą główne pytania o sens naszego życia. Artysta mówi w nich o iluzoryczności tego, co widzimy, o tym, że wokół nas jest wiele tajemniczych rzeczy, których staramy się nie zauważać.

Marc Chagall „Spacer”. Obraz został namalowany olejem na płótnie w 1917 roku i jest obecnie przechowywany w Państwowej Galerii Trietiakowskiej. W swoich pracach Marc Chagall jest zwykle poważny, ale tutaj pozwolił sobie na okazanie uczuć. Obraz wyraża osobiste szczęście artysty, jest pełen miłości i alegorii. Jego „Spacer” to autoportret, na którym Chagall przedstawił obok siebie swoją żonę Bellę. Jego wybranka szybuje w powietrzu, ma zamiar zaciągnąć tam artystę, który już prawie oderwał się od ziemi, dotykając jej jedynie czubkami butów. W drugiej ręce mężczyzny jest sikorka. Można powiedzieć, że tak Chagall przedstawił swoje szczęście. Ma żurawia na niebie w postaci ukochanej kobiety, aw rękach sikorkę, przez którą miał na myśli swoją pracę.

Hieronim Bosch „Ogród” ziemskie przyjemności". To płótno o wymiarach 389x220 cm jest przechowywane w Muzeum Hiszpańskie Dobrze. Bosch namalował obraz olejny na drewnie w latach 1500-1510. To najsłynniejszy tryptyk Boscha, choć obraz składa się z trzech części, nosi nazwę centralnej, poświęconej zmysłowości. Znaczenie tego dziwnego obrazu jest nieustannie dyskutowane, nie ma takiej interpretacji, która zostałaby uznana za jedyną prawdziwą. Zainteresowanie tryptykiem pojawia się z powodu wielu drobnych szczegółów, które wyrażają główną ideę. Są tu przezroczyste postacie, niezwykłe budynki, potwory, koszmary i wizje urzeczywistniają się, piekielne wariacje rzeczywistości. Artysta potrafił spojrzeć na to wszystko z bystrym i przenikliwym spojrzeniem, potrafiąc połączyć różne elementy w jedno płótno. Niektórzy badacze próbowali zobaczyć na zdjęciu odbicie życie człowieka autor okazał się daremny. Inni odnaleźli obrazy miłości, ktoś odnalazł triumf zmysłowości. Wątpliwe jest jednak, aby autor starał się gloryfikować cielesne przyjemności. W końcu postacie ludzi są przedstawiane z zimną obojętnością i niewinnością. Tak, a władze kościelne dość przychylnie zareagowały na ten obraz Boscha.

Gustav Klimt „Trzy wieki kobiety” W rzymskiej Galerii Narodowej Sztuka współczesna to zdjęcie znajduje się. Kwadratowe płótno o szerokości 180 cm zostało namalowane olejem na płótnie w 1905 roku. Ten obraz wyraża jednocześnie radość i smutek. Artysta w trzech postaciach potrafił pokazać całe życie kobiety. Pierwsza, jeszcze dziecko, jest niezwykle beztroska. Dojrzała kobieta wyraża spokój, a ostatni wiek symbolizuje rozpacz. W której średni wiek organicznie wpleciony w życiowy ornament, a stary wyraźnie wyróżnia się na jego tle. Wyraźny kontrast między młodą kobietą a osobami starszymi ma charakter symboliczny. Jeśli rozkwitowi życia towarzyszą liczne możliwości i zmiany, to ostatnia faza to zakorzeniona stałość i konflikt z rzeczywistością. Taki obraz przyciąga uwagę i skłania do zastanowienia się nad intencją artysty, jego głębią. Zawiera całe życie z jego nieuchronnością i metamorfozami.

Egon Schiele „Rodzina”. Płótno o wymiarach 152,5 x 162,5 cm zostało namalowane olejem w 1918 roku. Teraz jest przechowywany w wiedeńskim Belvedere. Nauczycielem Schielego był sam Klimt, ale uczeń nie starał się go naśladować, szukając własnych środków wyrazu. Można śmiało powiedzieć, że praca Schielego jest jeszcze bardziej tragiczna, przerażająca i dziwna niż praca Klimta. Pewne elementy dziś można by nazwać pornograficznymi, jest tu wiele różnych perwersji, naturalizm jest obecny w całym swoim pięknie. Jednocześnie obrazy są dosłownie przesiąknięte jakąś bolesną rozpaczą. Szczytem twórczości Schielego i jego najnowszym obrazem jest Rodzina. Na tym płótnie rozpacz zostaje doprowadzona do maksimum, a sama praca okazała się najmniej dziwna dla autora. Po tym, jak ciężarna żona Schielego zmarła na hiszpańską grypę, a na krótko przed jego śmiercią, powstało to arcydzieło. Od dwóch zgonów minęły zaledwie 3 dni, wystarczyły, aby artysta przedstawił siebie z żoną i swoją własną, nigdy urodzone dziecko. Schiele miała wtedy zaledwie 28 lat.

Frida Kahlo „Dwie Fridy” Obraz narodził się w 1939 roku. meksykański artysta Frida Kahlo zasłynęła po premierze filmu o niej z Salmą Hayek w Wiodącą rolę. Podstawą twórczości artystki były jej autoportrety. Sama tłumaczyła ten fakt następująco: „Piszę sama, bo spędzam dużo czasu sama i dlatego, że jestem tematem, który znam najlepiej”. Ciekawe, że Frida nie uśmiecha się na żadnym ze swoich płócien. Jej twarz jest poważna, a nawet nieco żałobna. Zrośnięte gęste brwi i ledwo zauważalny wąsik nad zaciśniętymi ustami wyrażają maksimum powagi. Idee obrazów tkwią w postaciach, tle i szczegółach tego, co otacza Fridę. Symbolika obrazów opiera się na tradycje narodowe Meksyk, ściśle związany ze starą indyjską mitologią. „Dwie Fridy” to jedna z najbardziej najlepsze zdjęcia Meksykanie. W oryginalny sposób przedstawia męskość i kobiecy mający jeden układ krążenia. W ten sposób artysta pokazał jedność i integralność tych dwóch przeciwieństw.

Claude Monet „Most Waterloo. Efekt mgły”. W Ermitażu w Petersburgu można znaleźć ten obraz Moneta. Został namalowany olejem na płótnie w 1899 roku. Po dokładnym przyjrzeniu się obrazowi, pojawia się jako fioletowa plama z nałożonymi na nią grubymi pociągnięciami. Jednak odchodząc od płótna, widz rozumie całą jego magię. Najpierw widoczne stają się niewyraźne półkola przechodzące przez środek obrazu, pojawiają się zarysy łodzi. A z odległości kilku metrów widać już wszystkie elementy obrazu, które są połączone w logiczny łańcuch.

Jackson Pollock „Numer 5, 1948”. Pollock to klasyk abstrakcyjnego gatunku ekspresjonistycznego. Jego najsłynniejszy obraz jest zdecydowanie najdroższy na świecie. A artysta namalował go w 1948 r., po prostu nalewając farba olejna na płycie pilśniowej o wymiarach 240x120 cm do podłogi. W 2006 roku obraz ten został sprzedany w Sotheby's za 140 milionów dolarów. Poprzedni właściciel, kolekcjoner i producent filmowy David Giffen, sprzedał go meksykańskiemu finansiście Davidowi Martinezowi. Pollock powiedział, że postanowił odejść od tak znanych artystom narzędzi, jak sztalugi, farby i pędzle. Jego narzędziami były kije, noże, łopaty i wylewanie farby. Używał również mieszanki tego z piaskiem, a nawet potłuczonym szkłem. Zaczynam tworzyć. Pollock oddaje się inspiracji, nawet nie zdając sobie sprawy z tego, co robi. Dopiero wtedy przychodzi urzeczywistnienie ideału. Jednocześnie artysta nie boi się zniszczenia obrazu lub jego nieumyślnej zmiany – obraz zaczyna żyć własnym życiem. Zadaniem Pollocka jest pomóc jej się narodzić, wyjść. Ale jeśli mistrz straci kontakt ze swoim stworzeniem, rezultatem będzie chaos i brud. Jeśli się powiedzie, obraz będzie ucieleśniał czystą harmonię, łatwość otrzymywania i ucieleśnienie inspiracji.

Joan Miro „Mężczyzna i kobieta przed kupą ekskrementów”. Obraz ten jest obecnie przechowywany w funduszu artysty w Hiszpanii. Został namalowany olejem na blasze miedzi w 1935 roku w ciągu zaledwie tygodnia od 15 do 22 października. Rozmiar kreacji to tylko 23x32 cm.Mimo tak prowokacyjnej nazwy obraz mówi o horrorach wojny domowe. Sam autor w ten sposób zobrazował wydarzenia z tamtych lat, które miały miejsce w Hiszpanii. Miro próbował pokazać okres niepokoju. Na zdjęciu widać nieruchomego mężczyznę i kobietę, których jednak ciągnie do siebie. Płótno przesycone złowrogimi, trującymi kwiatami, wraz z powiększonymi genitaliami wygląda celowo obrzydliwie i obrzydliwie seksownie.

Jacek Yerka "Erozja". W pracach tego polskiego neosurrealisty obrazy rzeczywistości przeplatają się, rodzą… nowa rzeczywistość. Pod pewnymi względami nawet wzruszające zdjęcia są niezwykle szczegółowe. Czują echa surrealistów z przeszłości, od Boscha po Dali. Yerka dorastała w atmosferze średniowieczna architektura cudem przeżył bombardowania II wojny światowej. Zaczął rysować jeszcze przed wstąpieniem na uniwersytet. Tam próbowali zmienić jego styl na bardziej nowoczesny i mniej szczegółowy, ale sam Yerka zachował swoją indywidualność. Dziś jego niezwykłe obrazy wystawiane są nie tylko w Polsce, ale także w Niemczech, Francji, Monako i USA. Znajdują się w wielu kolekcjach na całym świecie.

Bill Stoneham „Ręce mu się opierają” Obraz namalowany w 1972 roku trudno nazwać klasykiem malarstwa. Nie ulega jednak wątpliwości, że należy do najdziwniejszych dzieł artystów. Obraz przedstawia chłopca, obok niego stoi lalka, a od tyłu liczne dłonie są przyciśnięte do szyby. To płótno jest dziwne, tajemnicze i nieco mistyczne. To już stało się legendarne. Mówią, że z powodu tego obrazu ktoś umarł, a dzieci na nim żyją. Wygląda naprawdę przerażająco. Nic dziwnego, że obraz budzi lęki i straszne fantazje u osób z chorą psychiką. Sam Stoneham zapewnił, że namalował się w wieku 5 lat. Drzwi za chłopcem to bariera między rzeczywistością a światem marzeń. Lalka jest przewodnikiem, który może poprowadzić dziecko z jednego świata do drugiego. Ręce to alternatywne życia lub możliwości człowieka. Obraz stał się sławny w lutym 2000 roku. Został wystawiony na sprzedaż na eBayu, mówiąc, że jest nawiedzony. Ostatecznie Hands Resist Him został kupiony za 1025 dolarów przez Kim Smith. Wkrótce kupujący został dosłownie zasypany listami od straszne historie związane z obrazem i wymogiem zniszczenia tego płótna.

Jeśli nie traktuje się poważnie kursu realizmu, to malarstwo zawsze różniło się od innych gatunków sztuki swoją dziwnością. metaforyczny obrazy poglądowe, poszukiwanie nowych form i oryginalnych środków wyrazu artystów – wszystko to składa się na gigantyczne oddzielenie malarstwa od rzeczywistości. Napisz oczywiście dla stojący artysta jak twórcza śmierć. Obraz powinien mieć głębię i podtekst, przeskok znaczeń. W niektórych pracach jest ich więcej, w innych mniej, ale są też takie, w których ich liczba się przewraca. Obrazy te nazywane są dziwnymi, ich prawdziwe znaczenie zna tylko autor. Oto 10 najdziwniejszych:

Jan van Eyck "Portret Arnolfinis" - London National Gallery, Londyn

1434, olej na drewnie. 81,8x59,7 cm

Portret podobno Giovanniego di Nicolao Arnolfini i jego żony
jest jednym z najbardziej złożone prace zachodnia szkoła malarstwa
Renesans północny.

Słynny obraz jest całkowicie wypełniony symbolami,
alegorie i różne odniesienia - aż do podpisu „Jan van Eyck
tu było”, co zmieniło go nie tylko w dzieło sztuki, ale w
dokument historyczny potwierdzający prawdziwe wydarzenie, w dniu
w którym artysta był obecny.

W Rosji ostatnie lata obraz zyskał dużą popularność ze względu na portretowe podobieństwo Arnolfini do Władimira Putina.

Edvard Munch „Krzyk” - Galeria Narodowa, Oslo

1893, karton, olej, tempera, pastel. 91x73,5 cm

Krzyk jest uważany za przełomowe wydarzenie ekspresjonistyczne i jeden z najsłynniejszych obrazów na świecie.

„Szedłem ścieżką z dwoma przyjaciółmi – nagle zachodziło słońce
niebo stało się krwistoczerwone, zatrzymałem się, czując się wyczerpany i
oparł się o płot - spojrzałem na krew i płomienie nad niebiesko-czarnym
fiord i miasto - moi przyjaciele poszli dalej, a ja stałem drżąc z
niepokój, czując niekończący się płacz przeszywający naturę ”- powiedział Edward
Munch o historii obrazu.

Istnieją dwie interpretacje tego, co jest przedstawione: to samego bohatera ogarnia przerażenie i
cicho krzyczy, przyciskając ręce do uszu; albo bohater zamyka uszy od
wokół wołania o pokój i naturę. Munch napisał 4 wersje Krzyku i
istnieje wersja, że ten obraz jest owocem psychozy maniakalno-depresyjnej,
z powodu którego cierpiał artysta. Po kuracji w Klinice Muncha,
wrócił do pracy na płótnie.

Paul Gauguin „Skąd pochodzimy? Kim jesteśmy? Gdzie idziemy?" - Muzeum Sztuk Pięknych w Bostonie

1897-1898, olej na płótnie. 139,1 x 374,6 cm

Głęboko filozoficzne malarstwo postimpresjonisty Paula Gauguina było
napisany przez niego na Tahiti, gdzie uciekł z Paryża. Po zakończeniu swojej pracy, on
nawet chciał popełnić samobójstwo, bo „wierzę, że to
płótno nie tylko przewyższa wszystkie moje poprzednie, i że nigdy
Stworzę coś lepszego lub nawet podobnego.

W kierunku samego Gauguina obraz należy czytać od prawej do lewej - trzy
główne grupy rycin ilustrują pytania postawione w tytule. Trzy
kobiety z dzieckiem stanowią początek życia; grupa środkowa
symbolizuje codzienne istnienie dojrzałości; w finale
grupa w zamyśle artysty, staruszka zbliża się śmierć
wydaje się pojednana i oddana swoim refleksjom”, u jej stóp
"dziwny biały ptak... reprezentuje bezsens słów."

Pablo Picasso „Guernica” – Muzeum Królowej Zofii, Madryt

1937, olej na płótnie. 349x776 cm

Ogromny fresk „Guernica”, namalowany przez Picassa w 1937 roku,
opowiada o nalocie ochotniczej jednostki Luftwaffe na miasto
Guernica, w wyniku czego sześciotysięczne miasto zostało całkowicie
zniszczony. Obraz został namalowany w zaledwie miesiąc - pierwsze dni pracy
Picasso pracował nad obrazem przez 10-12 godzin i już przy pierwszych szkicach
Mogło być widziane główny pomysł. To jedna z najlepszych ilustracji do koszmaru
faszyzm i ludzkie okrucieństwo i smutek.

„Guernica” przedstawia sceny śmierci, przemocy, okrucieństwa, cierpienia i
bezradności, bez wskazywania ich bezpośrednich przyczyn, ale są one oczywiste.
Mówi się, że w 1940 roku Pablo Picasso został wezwany do paryskiego Gestapo.
Rozmowa natychmiast zeszła na obraz. "Czy ty to zrobiłeś?" - "Nie, zrobiłeś to."

Michaił Vrubel „Siedzący demon” — Galeria Tretiakowska, Moskwa

1890, olej na płótnie. 114x211 cm

Obraz Michaiła Vrubela zaskakuje wizerunkiem demona. Smutny
długowłosy facet wcale nie jest podobny do uniwersalnych wyobrażeń
jak powinien wyglądać zły duch. Sam artysta mówił o
znany z malarstwa:

„Demon jest nie tyle złym duchem, ile cierpiącym i żałobnym, z
Wszystko to jest dominującym, majestatycznym duchem. To jest obraz siły ludzkiego ducha,
walka wewnętrzna, zwątpienie. Dłonie splecione tragicznie, Demon siedzi z
smutne, wielkie oczy skierowane w dal, otoczone kwiatami.
Kompozycja podkreśla skrępowanie postaci demona, jakby ściśniętego
między górną a dolną częścią ramy.

Wasilij Wierieszczagin „Apoteoza wojny” – Państwowa Galeria Tretiakowska, Moskwa

1871, olej na płótnie. 127x197 cm

Vereshchagin jest jednym z głównych rosyjskich malarzy bitewnych, ale on…
malował wojny i bitwy nie dlatego, że je kochał. Wręcz przeciwnie, próbował
przekazywać ludziom ich negatywny stosunek do wojny. Kiedyś Vereshchagin
w ogniu emocji wykrzyknął: „Nie napiszę więcej obrazów bitewnych - wystarczy!
Biorę to, co piszę zbyt blisko serca, wołam (dosłownie)
biada wszystkim rannym i zabitym. Prawdopodobnie wynik tego wykrzyknika
stał się strasznym i urzekającym obrazem „Apoteoza wojny”, w którym
przedstawiono pole, wrony i górę ludzkich czaszek.

Obraz jest napisany tak głęboko i emocjonalnie, że za każdą czaszką
leżąc w tej kupie zaczynasz widzieć ludzi, ich losy i losy tych, którzy…
Nie zobaczę więcej tych ludzi. Sam Vereshchagin ze smutnym sarkazmem
nazywane płótnem „martwa natura” - przedstawia „martwą naturę”.

Wszystkie szczegóły obrazu, w tym kolor żółty, symbolizują śmierć i
dewastacja. Czyste błękitne niebo podkreśla martwotę obrazu. pomysł
„Apoteozę wojny” wyrażają także blizny po szablach i dziury po kulach
żółwie.

Grant Wood "American Gothic" - Art Institute of Chicago, Chicago

1930, olej. 74x62 cm

„American Gothic” to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów w
Amerykańska sztuka XX wieku, najsłynniejszy mem artystyczny XX i XXI wieku
wieki.

Obraz ponurego ojca i córki jest pełen szczegółów, które
wskazać powagę, purytanizm i retrogradację przedstawionych osób.
Wściekłe twarze, widły w samym środku obrazu, nawet staromodne
wg norm z 1930 roku, odsłonięty łokieć, szwy na stroju gospodarza,
powtarzający się kształt wideł, a więc zagrożenie, które jest skierowane do każdego, kto
wkraczać. Wszystkie te szczegóły można oglądać w nieskończoność i wzdrygać się z
dyskomfort.

Co ciekawe, jurorzy konkursu Art Institute of Chicago
postrzegany jako „gotyk” jako „humoryczna walentynka”, a mieszkańcy państwa
Iowa strasznie urażona przez Wooda za to, że przedstawił je w takich
nieprzyjemne światło.

Rene Magritte "Kochankowie" -

1928, olej na płótnie

Obraz „Kochankowie” („Kochankowie”) istnieje w dwóch wersjach. Na
w jednym, mężczyzna i kobieta, których głowy są owinięte w białą tkaninę, całują się i dalej
drugi - "spójrz" na widza. Obraz zaskakuje i fascynuje. dwa
postacie bez twarzy, Magritte przekazał tę ideę ślepocie miłości. O ślepocie we wszystkim
znaczenia: kochankowie nikogo nie widzą, my ich nie widzimy prawdziwe twarze a my, i
poza tym kochankowie są tajemnicą nawet dla siebie. Ale w tym
pozorna klarowność, nadal patrzymy na Magritte'a
kochankowie i pomyśl o nich.

Prawie wszystkie obrazy Magritte'a to zagadki, które są całkowicie
nie da się rozwikłać, bo stawiają pytania o samą istotę bytu.
Magritte cały czas mówi o zwodniczości widzialnego, o tym, co ukryte
tajemnica, której zwykle nie zauważamy.

Marc Chagall „Spacer” – Państwowa Galeria Tretiakowska

1917, olej na płótnie

Zazwyczaj niezwykle poważny w swoim malarstwie, pisał Marc Chagall
zachwycający manifest własnego szczęścia, pełen alegorii i
kocham. „Spacer” to autoportret z żoną Bellą. Jego ulubione
szybuje na niebie i to spojrzenie zostanie wciągnięte w lot, a Chagall stoi na ziemi
krucha, jakby dotykała jej tylko czubkami butów. W drugiej ręce Chagalla
sikora - jest szczęśliwy, ma też cyca w rękach (prawdopodobnie jego
malowanie) i dźwig na niebie.

Hieronymus Bosch "Ogród ziemskich rozkoszy" - Prado, Hiszpania

1500-1510, olej na drewnie. 389x220 cm

Ogród rozkoszy ziemskich to najsłynniejszy tryptyk Hieronima Boscha,
nazwany na cześć tematu części centralnej, poświęconej grzechowi
zmysłowość. Do tej pory żadna z dostępnych interpretacji
zdjęcia nie są uznawane za jedyne prawdziwe.

Trwały urok i jednocześnie dziwność tryptyku
polega na tym, jak artysta wyraża główną ideę poprzez zestaw
Detale. Obraz jest przepełniony przezroczystymi figurkami, fantastyczny
struktury, potwory, halucynacje ucieleśnione, piekielne
karykatury rzeczywistości, na którą spogląda, niezwykle
z ostrym spojrzeniem. Niektórzy naukowcy chcieli zobaczyć w tryptyku obraz
ludzkie życie przez pryzmat jego próżności i obrazów ziemska miłość, inny -
święto słodyczy. Jednak niewinność i pewien dystans, z
które interpretowały poszczególne postacie, a także przychylne nastawienie do
w tę pracę władze kościelne zmuszone są wątpić”
że jej treścią może być gloryfikacja cielesnych przyjemności.