W ciągu XV wieku, w złożonej sytuacji historycznej, charakteryzującej się feudalnym rozdrobnieniem i warunkami wojny stuletniej (1337-1453), nastąpiły zmiany w dziedzinie francuskiej sztuki plastycznej, która stopniowo nabierała świeckiego charakteru.
Duch gotyku przeniknął jednak głęboko do świadomości ludzi, a gusta oparte na zakorzenionej tradycji gotyckiej przekształcały się bardzo powoli. Do końca XVI wieku. średniowieczna architektura nadal współistniała
i renesansowe formy, a nawet w rzeźbie i malarstwie zachowały się elementy gotyku.
Być może pierwszym rodzajem sztuki, w którym tendencje realistyczne ujawniły się najpełniej, była miniatura książkowa. To właśnie w ilustracjach psałterzy, ewangeliach, księgach godzin, kronikach historycznych widzimy nowy stosunek do otaczającego nas świata i przejście od obrazowania konwencjonalnego do realistycznego. Uważna dbałość o naturę, chęć jej studiowania i naśladowania doprowadziły do powstania nowych technik przekazywania rzeczywistości: przedmioty i postacie ludzkie rzucają cień, rozległe przestrzenie oddalają się, przedmioty kurczą się i rozmywają w miarę oddalania się. Po raz pierwszy artyści zaczęli przekazywać środowisko światła i powietrza oraz mechanikę ruchu ludzkiego ciała. Całkowicie nowe aspiracje w sztuce francuskiej XV wieku. przejawiały się w twórczości artystów, którzy pracowali w Tours, rezydencji króla, głównym ośrodku kulturalnym ówczesnej Francji. Touraine nazywano francuską Toskanią i tu narodził się nowy styl francuskiej sztuki renesansowej.
W Tours żył i tworzył jeden z najważniejszych francuskich artystów XV wieku. -Jean Fouquet(1420-1477/81).
Fouquet był pierwszym francuskim artystą, którego prace wykazywały tak wyraźne zainteresowanie indywidualnością człowieka i przenoszeniem wizerunku portretowego. W ramach gotyckiej kompozycji ołtarzowej absolutnym arcydziełem jest dyptyk z Melun, na lewym skrzydle którego ukazani są darczyńca (klient obrazu ołtarzowego) Etienne Chevalier i patron św. Stefan, po prawej Madonna z Dzieciątkiem . Wyraziste postacie donatora i świętego w kwadransie zajmują niemal całą płaszczyznę obrazu i mimo ascetycznych wizerunków nie wyglądają na oderwane i nieziemskie. Przestrzeń za ich postaciami zaznacza się głębią, a twarze naturalnym goździkiem. Przeciwnie, marmurowa biel bezkrwawej twarzy Madonny i ciała dziecka wyraźnie odcina się od absolutnie płaskiego tła luksusowego tronu podtrzymywanego przez ognistoczerwone i jasnoniebieskie postacie serafinów i cherubinów. Jednocześnie wysokie ogolone czoło, małe usta, biała skóra, ciasno ściągnięta talia, poza i szaroniebieska sukienka z gronostajowym płaszczem to charakterystyczne cechy wyglądu dworskiej damy tamtych czasów, zwłaszcza od wizerunek Madonny nie jest pozbawiony portretowego podobieństwa do ukochanej Karola VII, Agnes Sorel. Taki kontrast ceremonialnej, sakralnej chwili i codziennych, codziennych realiów jest zbliżony do technik stosowanych przez Jana van Eycka w jego obrazach ołtarzowych (zob. kolor m.in.).
Rosnące stosunki handlowe z Włochami, a następnie włoskie kampanie królów francuskich Karola VIII i Franciszka I otworzyły drogę do powszechnej penetracji włoskiej kultury renesansowej do Francji. O specyfice francuskiego humanizmu decydował jego związek ze środowiskiem dworskim. Nie była to kultura mieszczańska, jak w Holandii, ale dworska, a mecenat sztuki Franciszka I nadał jej arystokratyczny zabarwienie. We Francji najbardziej rozwinięty był związany ze świeckim światopoglądem. sensacja - percepcja poprzez doznania. W sztuce był najpełniej reprezentowany szkoła Fontainebleau i poeci „Plejady”, Franciszek I przyciągał na swój dwór najbardziej światłych ludzi Francji, poetów, artystów, naukowców. Wielbiciel sztuki włoskiej, zapraszał znanych artystów z Włoch, którzy choć nie mieli znaczącego wpływu na sztukę francuską, z pewnością przyczynili się do przełamania w niej średniowiecznych tradycji. Na dworze Franciszka I wielki Leonardo da Vinci spędził ostatnie trzy lata swojego życia.
Najbardziej kompletne i żywe idee francuskiego renesansu zostały zawarte w literaturze. Na dworze królewskim istniało kółko literackie. Siostra króla Margherita z Nawarry, sama wybitna pisarka (napisała słynny Heptameron, napisany na wzór Dekameronu Boccaccia), skupiła się wokół swoich humanistycznych pisarzy i poetów, w których twórczości szczególnie wyraźnie zabrzmiały nowe idee i dążenia. Byli to Rabelais, Ronsard, Montaigne, których prace bez wątpienia przyczyniły się do przeobrażenia społeczeństwa w nowy sposób.
Francois Rabelais(1494-1553) był największym przedstawicielem francuskiego renesansu, jego powieść „Gargantua i Pantagruel” odegrała tę samą rolę w kulturze francuskiej, co „Boska komedia” Dantego we Włoszech, czyli przyczynił się w znacznym stopniu do szybkiego rozwoju idei humanistycznych charakterystycznych dla renesansu.
Fabułę Rabelais zaczerpnął z literatury ludowej, a mianowicie z książki „Wielkie i bezcenne kroniki o wielkim i ogromnym olbrzymu Gargantua”. Rabelais uczynił bohaterów gigantami, obdarzając ich rozmachem duszy i zasięgiem, które, jak się powszechnie uważa, są nieodłączne od wielkich ludzi; groteskowy, szorstki humor ludowy stanowił podstawę stylu pisarskiego Rabelaisa. Sama powieść była prawdziwym manifestem francuskiego renesansu.
Jest to entuzjastyczny hymn do nowych idei w dziedzinie edukacji, do których ludzie tworzący nową kulturę przywiązywali wielką wagę, gdyż wezwano go do przygotowania człowieka od wczesnego dzieciństwa do percepcji tej kultury. Rabelais, opierając się na praktyce pedagogicznej włoskich humanistów, u podstaw edukacji publicznej postawił dwie zasady: po pierwsze, osoba powinna otrzymywać nie tylko wiedzę, ale także wychowanie fizyczne, a po drugie, różne dyscypliny powinny być naprzemiennie w systemie edukacji - nauki humanitarne i przyrodnicze naukowe, przeplatane wypoczynkiem. Ogłaszając ten program, Rabelais jednocześnie zaatakował scholastyków i teologów z całą mocą swej nieokiełznanej satyry jako ideologicznej twierdzy starego świata.
Wizerunek Pantagruela, uosabiający idealnego monarchę i idealnego człowieka, w pewnym stopniu odzwierciedlał cnoty, jakie niewątpliwie posiadali oświeceni monarchowie Franciszek I i Henryk II. Życie dworskie zmuszało pisarza do podążania za gustami monarchy, schlebiało jego dumie, ale jednocześnie pozwoliły wpłynąć na te smaki. Nawet poeta Ronsard tworzył dzieła, w których wychwalając ród Valois wzywał króla, aby kierował się w życiu i czynach wysokimi zasadami i cnotami.
W kreatywności Pierre de Ronsard(1524-1585) i pisarze humanistyczni, którzy zjednoczyli się w kręgu literackim „Plejady” („Siedem Gwiazd”), osiągnęła apogeum francuskiej poezji renesansowej. Plejady składały się z siedmiu pisarzy, którzy zdecydowanie zerwali z tradycjami literatury średniowiecznej, dopatrywali się źródła doskonałego piękna w starożytnej i nowożytnej poezji włoskiej oraz bronili praw francuskiego języka narodowego. Najważniejszym dziedzictwem twórczym Plejad były teksty, w których poeci, wśród których pierwszym był Ronsard, z niezwykłym blaskiem pokazali swój talent. W hymnie Francji ogłosił:
W wieku dwudziestu lat urzeczony beztroską urodą, pomyślałem, żeby wylać moje serdeczne ciepło wierszem, ale zgadzając się z uczuciami języka francuskiego, zobaczyłem, jak to było niegrzeczne, niejasne i brzydkie. Potem dla Francji, dla mojego ojczystego języka, zacząłem dzielnie i surowo pracować:
pomnożyłem, zmartwychwstałem, wymyśliłem słowa,
A stworzony został uwielbiony przez plotki.
Ja, studiując starożytnych, otworzyłem moją drogę,
Uporządkował frazy, różnorodność sylaby,
Znalazłem porządek poezji - i z woli muz,
Podobnie jak Rzymianin i Grek, Francuz stał się wielki.
W odach Ronsarda brzmi spokojne, pogańskie wyczucie natury:
Posyłam Ci te linijki, Wolne pastwiska, pola,
Ty, jaskinie, strumienie, gaje, leniwe rzeki,
Ty, spadając ze stromy, posyłam włóczęgę nad strumieniem
Klucz górski. Moja piosenka.
W sonetach 1 Ronsard wzbogacił poezję francuską o nowy metr, znany jako linia Ronsarda:
Wymaż, moja pazio, bezlitosną dłonią Emalia wiosny, która zdobiła ogród, Oszaluj cały dom, wlej w niego zapach Kwiatów i ziół, które kwitły nad rzeką.
Daj mi lirę! Nastroję struny w taki sposób, Aby osłabić tę niewidzialną truciznę, Która spaliła mnie jednym spojrzeniem, Nierozerwalnie nade mną panuje.
Atrament, papier - zaopatrzmy się we wszystkie! Na stu prześcieradłach, niezniszczalnych jak diament, chcę uchwycić moją ociężałość,
I to, co cicho roztapiam w moim sercu - Moja udręka, mój niemy smutek - Podzielą się przyszłe pokolenia.
Za Franciszka I budowa rozpoczęła się w całej Francji. Francuscy architekci XVI wieku stworzył oryginalną wersję narodowej architektury renesansowej. Sięgając do starożytnych form architektonicznych i doświadczeń Włoch, nie porzucili wynalazku swoich przodków. Charakterystyczne stało się połączenie tradycyjnych stromych dachów z lukarnowymi oknami (otwór okienny w poddaszu) i wysokimi kominami, iglicami, wieżami z porządkową obróbką ścian. Za podstawę przyjęto stary zamek, zbudowany z ciosanego wapienia połączonego z cegłą i przebudowany w nowy sposób w formach architektonicznych wysokiej klasyki. W zamku zachowano dawny wieloboczny plan, rozebrano mury twierdzy, a elewacje budynków okazały się zwrócone w stronę otoczenia, ale do zamku można było dostać się przez ciężkie bramy z basztami. Pionową aspirację budynku złagodziło szerokie zastosowanie belkowania, duża liczba wydłużonych okien; zwykły gotycki wystrój został zastąpiony medalionami, pilastrami, liśćmi akantu, koronowanymi salamandrami - emblematem Franciszka I.
Wiele podobnych zamków powstało w pierwszej połowie XVI wieku. w Dolinie Loary, w rezydencjach królewskich. Są to zamki Blois, Chambord, Cheverny, Amboise, Chenonceau. Najważniejszy etap kultury francuskiej związany jest z budową zamku w Fontainebleau.
Sonet - sztywna forma wersyfikacyjna, składająca się z dwóch czterowierszy i dwóch linii trzeciorzędnych.
Zamek Fontainebleau. Łuk. J. Lebretona. Francja
W drugiej połowie swego panowania Franciszek I przeniósł centrum działalności budowlanej bliżej Paryża, w historyczny region Ile de France. Rozrastający się przez wieki zamek był budowlą dość chaotyczną, architekt podjął się przebudowy w 1528 roku Julesa Lebretona. Następnie zamek był kilkakrotnie przebudowywany, ale zachowały się jego główne części, zbudowane za Franciszka I. To tzw. Dwór Owalny, otoczony apartamentami króla, wśród których znajduje się słynna sala balowa (galeria Henryka II).
Do nich przylegała galeria, zwana galerią Franciszka I, z jednej strony tworząca dziedziniec Źródła, który otwierał się na rozległy staw, a z drugiej dziedziniec Diany z klombami i rzeźbą Diany w Centrum. Budynek główny, prostopadły do galerii, zamykał oba te dziedzińce i wychodził na dziedziniec Białego Konia – miejsce festynów i turniejów. Odzwierciedla cechy wspólne dla francuskiej architektury renesansowej, które stały się decydujące dla wszystkich budowli porządkowych: kwadratowe okładziny murowane i boniowane, zastąpienie okrągłych wież prostokątnymi gzymsami muru - rzuty 1 z wydzieleniem środka wzdłuż elewacji, podział gzymsów piętro po piętrze poziomymi.
Do Fontainebleau przeniesiono najbogatszą bibliotekę królewską, kolekcję antyków, arcydzieła Rafaela i Leonarda da Vinci. Do dekoracji wewnętrznych komnat Franciszek I zaprosił włoskich artystów manierystycznych Rosso, Primaticcio, Cellini. Znaleźli naśladowców wśród francuskich artystów tworzących tzw Szkoła Fontainebleau.
Największym przedstawicielem manieryzmu, który działał w Fontainebleau, był florencki artysta Giovanni Baggista di Jacopo, nazywany przez kolor włosów. Rosso Fiorentino(1493-1541) - rudowłosa florentynka. Zwolennik Andrei del
1 Rizalit(z wł. risalita - gzyms) - część budynku wystająca poza główną linię elewacji.
Rosso Fiorenpszno. Galeria Franciszka I. Zamek Fontainebleau
Sarto i Michał Anioł, Rosso stworzył własny styl, charakteryzujący się ekstremalną ekspresją, zbudowany na połączeniu wydłużonych postaci, ostrych kontrastów, ostrych kątów. Styl ten odpowiadał przede wszystkim arystokratycznemu duchowi francuskiego humanizmu, dominującym wyobrażeniom o pięknie, w którym zachowała się „gotycka krzywa” i alegoryczność.
Głównym dziełem Rosso w Fontainebleau, a jedynym zachowanym, był projekt galerii Franciszka I. Parkiet dębowy, sufit, panele, sięgające do środka ściany „w stylu francuskim”, zostały wykonane według rysunków Rosso przez stolarzy. Górną część ścian pomalowano freskami ujętymi w ozdobną rzeźbę. Dziwnie wydłużone postacie na nich wydają się spłaszczone ze względu na bardzo jasne kolory i wijące się, przeplatające się linie kompozycji. Poczucie bezcielesności tych postaci potęguje bliskość trójwymiarowej, niemal okrągłej, gipsowej rzeźby z wieloma detalami: kartuszami 1 , girlandami, postaciami ludzkimi. Tak harmonijne połączenie „francuskiego manier” w architekturze, przestrzennego malarstwa i trójwymiarowej realistycznej rzeźby, które wcześniej nigdzie nie było stosowane, było twórczą inwencją samego Rosso. Galeria zrobiła oszałamiające wrażenie na współczesnych, wywołała liczne naśladownictwa i stała się „protoplastą” słynnych galerii Luwru i Wersalu, zdobionych już w stylu barokowym.
Zaproszony do pomocy Rosso, boloński artysta Francesco Primaticcio (1504-1570), po śmierci mistrza, został dyktatorem gustów artystycznych szkoły z Fontainebleau. Podkreśloną przez Rosso ekspresję, Primaticcio zastąpił powolnym i ospałym manieryzmem, ustanawiając nowy kanon piękna, łącząc kobiecość z cechami męskimi. Jej ulubioną postacią stała się Diana, młoda dziewicza bogini, wysoka, szczupła. Za najlepszy jej wizerunek uważa się Luwr
1 Kartusz - ozdoba w postaci tarczy lub na pół złożonego zwoju.
„Diana Łowczyni”, która kojarzyła się z osobowością słynnej piękności i wszechmocnej faworytki Henryka II, Diany de Poitiers.
Bardzo charakterystyczne dla francuskiej kultury dworskiej było połączenie poezji i malarstwa, urozmaicające tę samą fabułę.
Przykładem jest opowiadanie „Powóz” Małgorzaty z Nawarry, które opisuje, jak jeździ po łąkach, podziwiając wiejski krajobraz, rozmawiając ze zwykłymi ludźmi pracującymi w polu. Trzy szlachetne damy, które wyszły z lasu, skarżą się na cierpienie miłości. Ich historia jest tak wymowna, wylewy są tak retoryczne i towarzyszą im tak obfite łzy, że niebo pokrywają chmury, a na ziemię leje się ulewny deszcz, przerywając ten elegijny spacer.
Ta sama scena została przedstawiona na pięknym rycinie Bernarda Salomona, i był używany przez Primaticcio do dekoracji sali balowej Henryka P. Tutaj wspaniała dekoracyjność Primaticcio osiągnęła swój najwyższy szczyt. Zwrócił się nie tylko do wątków z Metamorfoz Owidiusza, odbijających się echem w zwiewnych, pełnych gracji postaci kobiecych, ale także do sielankowych scen, w których wdzięczni peizans i peisans reprezentowali sielankę chłopskiej pracy.
Projektując salę balową artysta zrezygnował z rzeźby, zastępując ją złoconymi bagietkami, co wzmocniło rolę malarstwa i wprowadziło większą geometryczność i rygoryzm do projektu sali.
W malarstwie wnętrz pałacowych i rzeźbie obramowującej obrazy wyraźnie widoczne są cechy stylowe szkoły z Fontainebleau. Po pierwsze, preferowano tematy historyczne, mitologiczne i alegoryczne. Ale także modne stały się sezonowe sceny chłopskiej pracy, tak częste w starych francuskich miniaturach. Po drugie, zaczęto przedstawiać nagie postacie kobiece, których do tej pory nie było w twórczości francuskich artystów. Jednocześnie malowniczym obrazom nadano wykwintny, celowo świecki charakter, całkowicie pozbawiony ludzkiego ciepła, dzięki nieproporcjonalnie rozciągniętym „wężowatym figurom”. Po trzecie, ulubionym kolorem stały się bielone, prawie przezroczyste bladoróżowe, niebiesko-niebieskie, bladozielone odcienie, odpowiadające manierystycznym wyobrażeniom o wyrafinowanym, wyrafinowanym, zwiewnym, kruchym pięknie.
Zhyan był wybitnym przedstawicielem stylu Fontainebleau we francuskiej sztuce plastycznej. Goujón(1510-1568). Jego najbardziej inspirującym dziełem jest to, które stworzył w starożytnych formach wraz z Pierre Lescaut(1515-1578) „Fontanna Niewiniątek”. Dla fontanny Goujon wykonał płaskorzeźby nimf, których wydłużone, giętkie postacie są wpisane w wąskie, wydłużone ku górze płyty. Ich lekkie i pełne gracji ruchy odbijają się echem w lekkich, drapowanych tunikach, przypominających płynącą wodę. Te postacie - rodzaj symbolu smaku epoki - kojarzą się z obrazami poezji Rona-Sarowa:
Wiosną spotkałem driadę na polu. Jest w prostej sukience, wśród kwiatów, Trzyma bukiet niedbałymi palcami, Duży kwiat przeleciał przede mną...
Nazwa Goujon kojarzy się z dekoracją rzeźbiarską zachodniej fasady Luwru, wzniesionej przez Pierre'a Lescauta i uważanej za szczytowe osiągnięcie francuskiej architektury renesansowej. Rzeźba skoncentrowana jest w ramach okien trzeciego piętra i ryzalitach. Okrągłe okna nad wejściami otaczają alegoryczne postacie wojny i pokoju, płaskorzeźby przedstawiające bóstwa, zakutych w łańcuchy niewolników i skrzydlatych geniuszy trzymających tarczę zdobią górną część ryzalitów.
J. Goujona. Nimfy. Fontanna niewinnych. Paryż
Goujon zaprojektował także wnętrza pałacu: bogini Diana, fauny i fauny, jelenie i psy stały się częścią luksusowej dekoracji Schodów Henryka II; w Sali Szwedzkiej Goujon wykonał platformę wspartą na kariatydach, podobną do posągów ateńskiego Erechtejonu.
Estetyczne ideały Goujona decydowały o specyfice jego twórczości, która polegała na tym, że nie wyrzeźbił on ani jednego portretu, kierując cały swój talent na stworzenie uogólnionego, idealnie pięknego obrazu.
Równolegle z rozwojem architektury, malarstwa i rzeźby w XV-XVI wieku. Znaczący sukces osiąga sztuka i rzemiosło.
Sztuka wykonywania emalii, która powstała na południu Francji, w Limoges już w XII wieku osiągnęła wysoki poziom doskonałości. Ale jeśli wcześniej produkcja malowanych emalii służyła potrzebom kościoła, teraz są to głównie wyroby do celów świeckich.
Wyjątkową oryginalność charakteryzują te powstałe w XVI wieku. przedmioty ceramiczne. Najważniejsze miejsce w ówczesnej produkcji fajansu zajmują: Bernard Palissy(1510-1590), który stworzył fajans, który nazwał „gliną wiejską”. Z tej ceramiki wykonał duże naczynia, talerze, kubki, masywne i ciężkie, całkowicie pokrywając je reliefowymi wizerunkami jaszczurek, węży, raków, ślimaków, motyli, liści, muszli, umieszczonych na niebieskim lub brązowym tle. Niezwykle dekoracyjne są produkty Palissy, dojrzewające w soczystych odcieniach brązu, zieleni, szarości, błękitu i bieli.
Jednak francuska kultura artystyczna XVI wieku. nie ograniczał się tylko do świątecznego i radosnego odrodzenia starożytności. Równolegle nastąpiło odrodzenie tradycji średniowiecznej, która nigdy nie została całkowicie przerwana. W drugiej połowie XVI wieku. nurt gotycki w sztuce francuskiego renesansu nabierał rozpędu i znalazł swoje odzwierciedlenie w twórczości rzeźbiarza w bardzo osobliwy sposób Germaine Pilon(1535-1605), który zwrócił się do kościoła nagrobnego
Noe z plastiku. Jego światopogląd był w zgodzie ze średniowieczną tęsknotą za życiem pozagrobowym, której odzwierciedleniem są gotyckie „Tańce śmierci” – freski na murach francuskich cmentarzy. Śmierć pojawiła się tam w przerażającym realizmie żywego szkieletu i zwróciła się do mężczyzny w ponurym wierszu Clémenta Moreau:
Duch jest jak ogień, a ciało jak piętno,
Ale duch jest rozdarty do nieba, a ciało ma tendencję do pylenia.
To ponury, nienawistny loch,
Gdzie uwięziony duch jest smutny z powodu jasnej wysokości.
Twórczość Pilona wyróżniała królewska pompatyczność, ale średniowieczne wyobrażenia o cnocie coraz bardziej podporządkowywały ideał renesansowej wielkości, dlatego w jego twórczy sposób naturalizm współistniał z ideałami antycznymi. Tak więc na nagrobku Walentyny Balbiani jest przedstawiona na wieku sarkofagu we wspaniałej szacie, z małym psem, a płaskorzeźba na sarkofagu z odrażającym realizmem ukazywała ją leżącą w trumnie, nagą i rozłożoną, prawie jak szkielet. Na płycie nagrobnej Henryka II i Katarzyny Medycejskiej w kościele opackim Saint-Denis, na szczycie kaplicy nagrobnej, są oni przedstawieni w szatach królewskich, klęcząc, a poniżej, pod jego sklepieniem, nadzy, pozbawieni swojej dawny splendor, jak szczątki jakiegoś żebraka. Te realistyczne, pozbawione upiększeń obrazy były odzwierciedleniem ponurego nastroju panującego w całym świecie zachodnim okresu kontrreformacji.
Narodziny renesansu we Francji
Kultura francuskiego renesansu narodziła się i rozwinęła w okresie dokończenia zjednoczenia królestwa, rozwoju handlu, przekształcenia Paryża w centrum polityczne i kulturalne, do którego skłaniały się najbardziej odległe i odległe prowincje.
Odrodzenie kultury antycznej cieszyło się dużym zainteresowaniem i wsparciem rodu królewskiego i bogatej szlachty. Patronat nad nowym pokoleniem najbardziej wykształconych ludzi sprawowała królowa Anna Bretanii i król Franciszek I, który niejednokrotnie odbierał im mściwy miecz kościoła, był hojnym patronem i dobrym przyjacielem. Anna z Bretanii stworzyła rodzaj koła literackiego, którego tradycje rozwinęły się w działalności bardziej znanego kręgu jedynej i ukochanej siostry króla Małgorzaty Nawarry, która niezmiennie cieszyła się patronatem Franciszka. Jeden z ambasadorów włoskich, który przebywał na dworze Franciszka I, powiedział, że „król spędził ponad rok na biżuterii, meblach, budowaniu zamków, zakładaniu ogrodów”.
Literatura
Poezja
Twórcą nowej poezji francuskiej był Clement Marot, najzdolniejszy poeta tamtych dziesięcioleci. Maro wrócił z Włoch, poważnie ranny w bitwie pod Pawią. Kulawy i zubożały kaleka został wtrącony do więzienia na podstawie donosu i zostałby stracony, gdyby nie wstawiennictwo Margarity. Studiował filozofię antyczną, był bardzo blisko dworu królewskiego i kręgu literackiego Małgorzaty Nawarry. Stał się autorem wielu fraszek i pieśni. Twórczość wolnomyślicielska nie poszła na marne dla poety. Dwukrotnie uciekł z Francji. Ostatnie dni poety zakończyły się w Turynie, a Sorbona dodała wiele jego wierszy do listy zakazanych. W swojej pracy Maro starał się przezwyciężyć wpływy włoskie, nadać wierszom narodowy charakter, „galusowy blask”.
Istniała też szkoła poezji w Lyonie. Jej przedstawiciele nie byli poddawani surowym prześladowaniom. Poetka Louise Labe należy do szkoły lyońskiej.
Znaczącym fenomenem dla literatury francuskiej była twórczość Małgorzaty z Nawarry, która posiada wiele utworów poetyckich, odzwierciedlających duchowe poszukiwania jej epoki. Głównym dziedzictwem Margarity jest zbiór 72 opowiadań zatytułowanych „Heptameron”, czyli „Siedem dni”. Prawdopodobnie główna część tego dzieła powstała między 1547 rokiem, kiedy Margarita była bardzo daleko od trosk paryskiego dworu, od „wielkiej” polityki jej brata, pogrążonej w „małej” polityce jej maleńkiego królestwa i w sprawach rodzinnych. Według współczesnych komponowała swoje opowiadania, podróżując po swoich ziemiach na noszach. „Heptameron” Małgorzaty z Nawarry pokazuje świadomość tragicznych sprzeczności między ideałami człowieka a prawdziwym życiem.
Tytuł wydania drugiej księgi „Gargantua i Pantagruel”, Lyon, 1571.
Proza
Być może jednym z najbardziej znanych dzieł francuskiego renesansu jest książka Francois Rabelais Gargantua i Pantagruel. Rabelais był osobą utalentowaną, a jego talent był szczególnie widoczny w piśmie. Rabelais dużo podróżował, znał obyczaje chłopów, rzemieślników, mnichów i szlachty. Był koneserem wspólnego języka. W swojej niezwykłej i jedynej powieści dał genialną satyrę na ludzi swoich czasów.
Wraz z tym literatura francuskiego renesansu wchłonęła najlepsze przykłady ustnej sztuki ludowej. Odzwierciedlał cechy tkwiące w utalentowanych i kochających wolność Francuzach: ich pogodne usposobienie, odwagę, pracowitość i subtelny humor.
Filologia
W XVI wieku położono podwaliny pod francuski język literacki i wysoki styl. W 1549 roku francuski poeta Joashen du Bellay opublikował manifest programowy „Ochrona i gloryfikacja języka francuskiego”. Ten esej obalił twierdzenie, że rzekomo tylko języki starożytne mogą ucieleśniać wysokie ideały poetyckie w godnej formie, i argumentowano, że kiedyś języki starożytne były surowe i nierozwinięte, ale było to ulepszenie poezja i literatura, które uczyniły z nich to, czym się stały. Tak będzie z językiem francuskim, trzeba go tylko rozwijać i doskonalić. Du Bellay stał się rodzajem centrum zjednoczenia jego podobnie myślących ludzi i przyjaciół. Pierre de Ronsard, który był jej członkiem, wymyślił nazwę Pleiades. Nazwa nie została wybrana przypadkowo: tak samo nazywano grupę siedmiu starożytnych greckich poetów tragicznych. Ronsard tym słowem oznaczał siedem poetyckich luminarzy na literackim firmamencie Francji, jest to rodzaj francuskiej poetyckiej szkoły życia. Wśród nich byli Pierre de Ronsard, Joashen Du Bellay, Jean Antoine de Baif, Remy Bello. Porzucili spuściznę średniowiecza, na nowo przemyślejąc swój stosunek do starożytności. Już za króla Henryka II Plejady zyskały uznanie dworu, a Ronsard został nadwornym poetą. Występował w różnych gatunkach – oda, sonety, pastoralne, impromptu.
Filozofia
Myśl filozoficzną we Francji w tym czasie najlepiej reprezentował Pierre de la Ramais, krytyk scholastycznego arystotelizmu. Teza Rame „Wszystko, co powiedział Arystoteles jest fałszywe” stała się punktem wyjścia nowej filozofii europejskiej. Ramet skontrastował rozumowanie scholastyczne z ideą logicznie uzasadnionej, zorientowanej na praktykę metody, którą nazwał sztuką inwencji. Środki tworzenia metody miały służyć jako nowa logika, której początki rozwinął Rame w swoim dziele „Dialektyka”. Był jednym z największych matematyków swoich czasów i autorem dużego dzieła uogólniającego Kurs matematyki.
Bonawentura Deperier to jedna z najbardziej oryginalnych postaci renesansu. Był filologiem i tłumaczem oraz pełnił funkcję sekretarza Małgorzaty z Nawarry. W 1537 opublikował anonimowo książkę dialogów satyrycznych „Cymbal świata”. Książka została uznana za heretycką i zakazana. Deperier został uznany za „apostata od prawej wiary”, został usunięty z dworu Małgorzaty z Nawarry. W rezultacie prześladowania doprowadziły go do popełnienia samobójstwa.
Współczesny Deperier, Etienne Dole, bronił nieszczęśników, którzy zostali zesłani na stos pod zarzutem powiązania ze złymi duchami. Zakładając, że wiedza o przyczynach jest najwyższym dobrem, sam Dole dochodzi do wniosku, że wszystko, co istnieje, nie powstało z wyższej woli, ale z „niezbędnych do tego racji operacyjnych”. Przez pewien czas mecenat szlachetnych i zamożnych osób uratował Dole przed inkwizycją. Jednak w 1546 został oskarżony o zaprzeczenie chrześcijańskiej doktrynie nieśmiertelności duszy w swoim tłumaczeniu Platona. Dole został skazany i spalony na stosie. Los autora podzieliły wszystkie jego książki.
Humanizm
Guillaume Bude
Jednym z wybitnych humanistów francuskich był Jacques Lefebvre d „Etaples. Był człowiekiem bardzo wykształconym: encyklopedystą, filologiem i filozofem, teologiem, matematykiem, astronomem. Kształcił się we Florencji i został założycielem szkoły matematyków i kosmografów we Florencji. Francja Pod koniec XV – początek XVI w. „Etaple opublikował komentarze do dzieł Arystotelesa, naznaczone chęcią świeżego spojrzenia na uświęcony tradycją autorytet króla filozofów. W 1512 r. opublikował komentarz do Listów Pawłowych, w którym uzasadnił potrzebę krytycznej analizy pism ojców wiary chrześcijańskiej. Przetłumaczył Biblię na język francuski (do tej pory istniała tylko po łacinie), ale tłumaczenie to zostało potępione przez Sorbonę jako heretyckie. Będąc w rzeczywistości rozmarzonym i cichym humanistą, Lefebvre d „Etaple bał się konsekwencji własnych pomysłów, kiedy zdał sobie sprawę, do czego mogą one doprowadzić w praktyce.
Wokół d'Etaples skupili się studenci, zwolennicy chrześcijaństwa, którzy studiowali teksty ewangeliczne, wśród których szczególnie wyróżniał się filolog Guillaume Bude, który stał się jednym z liderów ruchu humanistycznego we Francji. Człowiek o najszerszych światopoglądach wniósł znaczący wkład w naukę matematyki, nauk przyrodniczych, sztuki, filozofii, filologii rzymskiej i greckiej. Jego praca „Uwagi o 24 księgach Pandekta” zapoczątkowała filologiczną analizę źródeł prawa rzymskiego. praca „O osle i jej częściach" rozwinęła się idea dwóch kultur - starożytnej i chrześcijańskiej. Dbając o chwałę Francji, obarczył odpowiedzialnością za jej zanik na władcach i wpływowych ludziach. Napisał nawet książkę „Instrukcje dla Władcy". Dzięki Bude powstała biblioteka w Fontainebleau, później przeniesiona do Paryża, gdzie stała się podstawą Biblioteki Narodowej Francji. Bude dużo i poważnie rozmawiał z królem Franciszkiem, który pod rządami pod jego wpływem założył Royal College w Paryżu - College de France... Tam zostali nauczycielami uczyć się greckiego, łaciny i hebrajskiego.
Okres rozwoju humanizmu we Francji był krótki, a jego drogi bardzo szybko stały się drażliwe. Reakcja katolików nasiliła się w Europie. Od połowy lat 30. XVI wieku Sorbona, przerażona sukcesami humanizmu, sprzeciwiała się swoim przedstawicielom. Zmienia się także stosunek francuskiej władzy królewskiej i dworu do humanistów. Z patronki władza królewska zamienia się w prześladowcę wolnej myśli. Ofiarami prześladowań byli najważniejsi francuscy humaniści - Bonaventure Deperier, Etienne Dolet, Clement Marot.
Teatr
Francuski teatr renesansowy nie dorównał Włochom, Hiszpanii i Anglii. Etienne Jodel został reżyserem pierwszej francuskiej tragedii w stylu „klasycznym”, czyli antycznym. Tragedia ta została nazwana „Schwytana Kleopatra”.
Architektura
Architektura wczesnego renesansu we Francji była pod silnym wpływem Włoch. Rozwijając tradycje gotyckie, francuscy architekci stworzyli nowy typ budowli architektonicznych: zamek Franciszka I w Blois, zamki Azay-le-Rideau, Chenonceau, Chambord. W tym okresie szeroko stosowano różne dekoracje budynków. Szczytem architektury renesansowej była budowa nowego pałacu królewskiego w Luwrze. Zbudowali go architekt Pierre Lescaut i rzeźbiarz Jean Goujon. Goujon otrzymał wstępną edukację artystyczną we Francji. Potem dużo podróżował po Włoszech, gdzie studiował rzeźbę antyczną. Po powrocie do Francji wyrzeźbił swoje pierwsze słynne dzieło – posąg znany jako „Diana”. Był to rodzaj portretu Diany de Poitiers, księżnej Valentois. Posąg zdobił Zamek Anet. Diana jest przedstawiona naga i leżąca z kokardą w dłoni, oparta o szyję jelenia. Jej włosy są zebrane w warkocze, w które wpleciono drogocenne kamienie, obok niej jest pies. Królowi spodobała się ta rzeźba tak bardzo, że powierzył Goujonowi inne prace rzeźbiarskie na zamku Anet. Goujon ozdobił też posągami zamek Ekutan, hotel Carnavalet w Paryżu, paryski ratusz, w którym uwagę przykuło wyrzeźbione przez mistrza Dwanaście miesięcy, następnie brama Saint-Antoine z czterema wspaniałymi płaskorzeźbami Sekwany , Marne, Oise i „Wenus wyłaniająca się z fal”. Wszystkie te prace znajdują się teraz w Luwrze. Dla kościoła franciszkanów Goujon wyrzeźbił płaskorzeźbę „Zejście z krzyża”, a wreszcie do jego dzieła należy „Fontanna Nimf” w Paryżu. Fontanna ta jest nadal uważana za najlepsze dzieło architektury francuskiej.
sztuka
Humanistyczne zainteresowanie człowiekiem przejawiało się także w sztukach plastycznych, zwłaszcza w portrecie. Uroczysty wyraz twarzy i majestat póz w portretach Jeana Cloueta połączono z ostrością indywidualnych cech. Interesujące są również portrety Francois Cloueta.
Nauka
Bernard Palissy
Problemy nauk przyrodniczych rozwinął Bernard Palissy. Był wybitnym chemikiem i odkrył metodę wytwarzania kolorowej glazurowanej ceramiki. Osiągnięcia w dziedzinie matematyki były wysokie. Twierdzenie Francois Vieta, najzdolniejszego matematyka żyjącego w tamtych czasach, jest nadal badane w szkołach. W dziedzinie medycyny Ambroise Paré odegrał dużą rolę, zmieniając chirurgię w dyscyplinę naukową.
Galeria
Literatura
- Bobkova, MS Renesans francuski: Książka do czytania wczesnej historii nowożytnej. Moskwa, 2006.
Spinki do mankietów
Renesans był znaczącym etapem rozwoju kultury francuskiej. W tym czasie w kraju szybko rozwijają się stosunki burżuazyjne i umacnia się władza monarchiczna. Religijna ideologia średniowiecza jest stopniowo spychana na dalszy plan przez humanistyczny światopogląd. Sztuka świecka zaczyna odgrywać ważną rolę w życiu kulturalnym Francji. Realizm sztuki francuskiej, połączenie z wiedzą naukową, odwoływanie się do idei i obrazów starożytności zbliżają ją do włoskiego. Jednocześnie renesans we Francji ma swoisty wygląd, w którym renesansowy humanizm łączy się z elementami tragedii, zrodzonymi ze sprzeczności obecnej sytuacji w kraju.
W wyniku wielu klęsk Francji podczas wojny stuletniej z Anglią, która trwała od 1337 do 1453 roku, w kraju zapanowała anarchia feudalna. Chłopstwo, zmiażdżone nieznośnymi podatkami i okrucieństwami najeźdźców, powstało do walki ze swymi ciemiężcami. Ze szczególną siłą ruch wyzwoleńczy rozgorzał w momencie, gdy wojska brytyjskie, które zdobyły północ Francji, skierowały się do Orleanu. Nastroje patriotyczne zaowocowały występami francuskich chłopów i rycerstwa pod wodzą Joanny d'Arc przeciwko wojskom angielskim. Rebelianci odnieśli kilka wspaniałych zwycięstw. Ruch nie ustał nawet wtedy, gdy Joanna d'Arc została schwytana i za milczącą zgodą króla Francji Karola VII została spalona na stosie przez duchownych.
W wyniku długiej walki ludu z obcymi najeźdźcami Francja została wyzwolona. Monarchia wykorzystała to zwycięstwo do własnych celów, podczas gdy pozycja zwycięskiego ludu nadal była trudna.
W drugiej połowie XV wieku. dzięki staraniom Ludwika XI Francja została politycznie zjednoczona. Rozwinęła się gospodarka kraju, poprawiła się nauka i oświata, nawiązano stosunki handlowe z innymi państwami, a zwłaszcza z Włochami, z których kultura przenikała do Francji. W 1470 r. otwarto w Paryżu drukarnię, w której obok innych książek zaczęto drukować dzieła włoskich humanistów.
Rozwija się sztuka miniatury książkowej, w której obrazy mistyczne i religijne zostały zastąpione realistycznymi wyobrażeniami o otaczającym świecie. Na dworze księcia Burgundii pracują wspomniani wyżej utalentowani artyści, bracia Limburg. W Burgundii pracowali słynni mistrzowie holenderscy (malarze bracia van Eyck, rzeźbiarz Sluter), więc w prowincji tej zauważalny jest wpływ renesansu holenderskiego w sztuce mistrzów francuskich, natomiast w innych prowincjach, np. w Prowansji, wpływy włoskie Renesans wzrósł.
Jednym z największych przedstawicieli francuskiego renesansu był pracujący w Prowansji artysta Anguerrand Charonton, malujący monumentalne i złożone kompozycyjnie płótna, w których mimo motywów religijnych żywo wyrażało się zainteresowanie człowiekiem i otaczającą go rzeczywistością („Madonna Miłosierdzia”, „Koronacja Maryi”, 1453). Wprawdzie obrazy Charontona wyróżniały się dekoracyjnym efektem (wyrafinowane linie, połączone w dziwaczny ornament, symetria kompozycji), ale ważne miejsce w nich zajmowały szczegółowe sceny z życia codziennego, pejzaże i postacie ludzkie. Na twarzach świętych i Maryi widz może odczytać uczucia i myśli, które je posiadają, wiele dowiedzieć się o charakterze bohaterów.
To samo zainteresowanie pejzażem, w starannym przeniesieniu wszystkich detali kompozycji, wyróżnia ołtarze innego prowansalskiego artysty – Nicolasa Fromenta („Zmartwychwstanie Łazarza”, „Płonący krzew”, 1476).
Cechy nowości w sztuce francuskiej przejawiały się szczególnie wyraźnie w twórczości artystów ze szkoły Loary, którzy pracowali w centralnej części Francji (w dolinie Loary). Wielu przedstawicieli tej szkoły mieszkało w mieście Tours, w którym w XV wieku. był rezydencją króla francuskiego. Mieszkańcem Tours był jeden z najwybitniejszych malarzy tamtej epoki, Jean Fouquet.
Jean Fouquet
Jean Fouquet urodził się około 1420 roku w Tours w rodzinie księdza. Studiował malarstwo w Paryżu i być może w Nantes. Pracował w Tours jako malarz nadworny króla Karola VII, a następnie Ludwika XI. Posiadał duży warsztat, w którym wykonywano rozkazy dworu królewskiego.
Fouquet przez kilka lat mieszkał we Włoszech, w Rzymie, gdzie zapoznał się z twórczością włoskich mistrzów. Ale pomimo tego, że w jego pracach, zwłaszcza wczesnych, zauważalny jest wpływ sztuki włoskiej i holenderskiej, artysta szybko wypracował własny, niepowtarzalny styl.
Najwyraźniej twórczość Fouqueta przejawiała się w gatunku portretowym. Portrety Karola VII i jego ministrów stworzone przez artystę są realistyczne i zgodne z prawdą, nie zawierają pochlebstw ani idealizacji. Choć sposób wykonania tych prac pod wieloma względami przypomina obrazy malarzy holenderskich, to portrety Fouquet są bardziej monumentalne i znaczące.
Najczęściej Fouquet portretował swoje modele w chwilach modlitwy, więc bohaterowie jego prac wydają się pogrążeni we własnych myślach, zdają się nie zauważać ani tego, co dzieje się wokół nich, ani na widowni. Jego portrety nie odznaczają się uroczystym przepychem i luksusem dodatków, obrazy na nich są bogate, prozaiczne i gotyckie statyczne.
Na portrecie Karola VII (ok. 1445) widnieje napis: „Najbardziej zwycięski król Francji”. Ale Fouquet przedstawił króla tak rzetelnie i zgodnie z prawdą, że nic nie wskazuje na jego zwycięstwo: obraz przedstawia słabego i brzydkiego człowieka, w którego wyglądzie nie ma nic bohaterskiego. Widz widzi przed sobą egoistę nasyconego życiem i zmęczonego rozrywką z małymi oczami, dużym nosem i mięsistymi ustami.
Tak samo prawdziwy, a nawet bezlitosny jest portret jednego z najbardziej wpływowych dworzan króla - Juvenela des Urzen
(ok. 1460). Obraz przedstawia grubego mężczyznę o spuchniętej twarzy i zadowolonym spojrzeniu. Realistyczny jest również portret Ludwika XI. Artysta nie starał się w jakiś sposób upiększyć swoich modeli, przedstawiał je dokładnie tak, jak za życia.
Potwierdzają to liczne rysunki ołówkiem poprzedzające malarskie portrety.
Arcydziełem Fouquet był dyptyk napisany około 1450 roku, którego jedna część przedstawia Etienne Chevalier ze św. Szczepana, az drugiej Madonna z Dzieciątkiem Jezus. Maria uderza wdziękiem i spokojną urodą. Blade ciała Madonny z Dzieciątkiem, szaroniebieska suknia i gronostajowa szata Maryi ostro kontrastują z jaskrawoczerwonymi postaciami aniołków otaczających tron. Wyraźne linie, lakoniczna i surowa kolorystyka obrazu nadają obrazowi powagi i wyrazistości.
Obrazy drugiej części dyptyku odznaczają się tą samą ścisłą wyrazistością i wewnętrzną głębią. Jego bohaterowie są zamyśleni i spokojni, ich wygląd odzwierciedla jasne cechy charakteru. Stefan stoi swobodnie i prosto, przedstawiony jako prawdziwa osoba, a nie święty. Jego ręka spoczywa protekcjonalnie na ramieniu lekko spętanego Etienne Chevalier, którego artysta reprezentuje w chwili modlitwy.
Chevalier to mężczyzna w średnim wieku o pomarszczonej twarzy, haczykowatym nosie i surowym spojrzeniu małych oczu. Tak prawdopodobnie wyglądał w prawdziwym życiu. Podobnie jak obraz z Madonną, ta część dyptyku wyróżnia się integralnością kompozycji, bogactwem i dźwięcznością koloru, opartą na odcieniach czerwieni, złota i fioletu.
Dużą rolę w twórczości Fouquet zajmują miniatury. Te prace artysty są bardzo podobne do dzieł braci Limburg, ale bardziej realistycznie przedstawiają otaczający ich świat.
Fouquet stworzył wspaniałe ilustracje do „Wielkich kronik francuskich” (koniec lat pięćdziesiątych XIV wieku), Księgi godzin Etienne'a Chevaliera (1452-1460), „Powieści” Boccaccia (ok. 1460), „Starożytności żydowskich” Józefa Flawiusza (ok. 1470). ). W miniaturach przedstawiających sceny religijne, antyczne lub życie włoskie, współczesne francuskie miasta z cichymi uliczkami i dużymi placami, łąkami, wzgórzami, brzegami rzek pięknej ojczyzny malarza, odgaduje się wspaniałe zabytki architektoniczne Francji, wśród których jest katedra Notre Dame, św. Kaplica.
Miniatury prawie zawsze przedstawiają postacie ludzkie. Fouquet lubił przedstawiać sceny z życia chłopskiego, miejskiego i dworskiego, epizody bitew niedawno zakończonej wojny. Na niektórych miniaturach można zobaczyć portrety współczesnych artyście ("Reprezentacja Matki Bożej autorstwa Etienne Chevalier").
Fouquet jest utalentowanym kronikarzem, jego prace opisują wydarzenia historyczne z niezwykłą dokładnością, szczegółowością i prawdą. Taka jest miniatura „Proces księcia Alençon w 1458 roku”, przedstawiająca ponad dwieście znaków na jednym arkuszu. Mimo ogromnej liczby figur obraz nie scala się, a kompozycja pozostaje wyraźna i wyraźna. Szczególnie żywi i naturalni wydają się bohaterowie na pierwszym planie - mieszczanie, którzy przyszli gapić się na dwór, strażnicy powstrzymujący napór tłumu. Rozwiązanie kolorystyczne jest bardzo udane: centralną część kompozycji podkreślono niebieskim tłem dywanu, który zakrywa miejsce osądu. Inne dywany z pięknymi zdobieniami, gobelinami i roślinami podkreślają wyrazistość miniatury i nadają jej szczególnego piękna.
Prace Fouquet świadczą o umiejętności ich autora w mistrzowskim przekazywaniu przestrzeni. Na przykład jego miniatura „Św. Marcina” (Księga godzin Etienne'a Chevaliera) przedstawia most, nabrzeże, domy i mosty tak dokładnie i rzetelnie, że łatwo przywrócić wygląd Paryża za panowania Karola VII.
Wiele miniatur Fouquet odznacza się subtelnym liryzmem, który tworzy poetycki i spokojny pejzaż (arkusz „Dawid dowiaduje się o śmierci Saula” z „Starożytności Żydów”).
Fouquet zmarł w latach 1477-1481. Bardzo popularny za życia artysta został szybko zapomniany przez rodaków. Jego sztuka została doceniona dopiero wiele lat później, pod koniec XIX wieku.
Jeden z najsłynniejszych artystów końca XV wieku. był Jean Clouet Starszy, znany również jako Mistrz Moulin. Do 1475 pracował w Brukseli, a następnie przeniósł się do Moulin. Około 1498-1499 Jean Clouet Starszy wykonał swoje najważniejsze dzieło - tryptyk do katedry w Moulin, na środkowym skrzydle, na którym przedstawiona jest scena "Matka Boża w Chwale", a po bokach - portrety klientów ze świętymi patronami.
Centralna część przedstawia Madonnę z Dzieciątkiem, nad której głową aniołowie trzymają koronę. Prawdopodobnie Clouet był wzorowany na wizerunku Maryi przez francuską dziewczynę, kruchą i ładną. Jednocześnie abstrakcyjność intencji autora, zdobnicze efekty (koncentryczne kręgi wokół Maryi, anioły tworzące girlandę wzdłuż krawędzi płótna) nadają dziełu pewne podobieństwo do sztuki gotyckiej.
Ogromnym zainteresowaniem cieszą się piękne krajobrazy, które Jean Clouet Starszy umieszcza w kompozycjach o tematyce religijnej. Obok postaci świętych w tych pracach znajdują się portrety klientów. Na przykład na płótnie „Narodzenie” (1480), po prawej stronie Maryi, można zobaczyć kanclerza Rolena, który złożył w modlitwie ręce.
W drugiej połowie XV wieku. Simon Marmion pracował także we Francji, wykonując szereg kompozycji ołtarzowych i miniatur, wśród których najbardziej znane jego dzieło to ilustracje do Wielkiej Kroniki Francuskiej, oraz Jean Bourdichon, portrecista i miniaturzysta, który stworzył wspaniałe miniatury do Księgi Anny Bretońskiej. Godziny.
Największym artystą tego czasu był Jean Perreal, który kierował lyońską szkołą malarstwa. Był nie tylko artystą, ale także pisarzem, architektem i matematykiem. Sława o nim wyszła poza Francję i rozprzestrzeniła się na Anglię, Niemcy, Włochy. Perreal służył u króla Karola VIII i Franciszka I, w Lyonie pełnił funkcję eksperta budowlanego. Zachowało się wiele jego dzieł portretowych, m.in. portret Marii Tudor (1514), Ludwika XII, Karola VIII. Jedną z najlepszych prac Perreala jest urocza i poetycka Dziewczyna z kwiatem. Interesujące są także jego obrazy katedry w Puy, na których obok wizerunków religijnych i antycznych artysta umieścił portrety francuskich humanistów, wśród nich wyróżnia się wizerunek Erazma z Rotterdamu.
Na początku XVI wieku. Francja była największym (pod względem powierzchni i liczby ludności) państwem w Europie Zachodniej. W tym czasie sytuacja chłopów została nieco złagodzona i pojawiły się pierwsze kapitalistyczne formy produkcji. Ale francuska burżuazja nie osiągnęła jeszcze poziomu zajmowania pozycji władzy w kraju, jak to było we włoskich miastach w XIV-XV wieku.
Epokę tę naznaczyły nie tylko przemiany w gospodarce i polityce Francji, ale także szerokie rozpowszechnienie renesansowych idei humanistycznych, najpełniej reprezentowanych w literaturze, w pismach Ronsarda, Rabelaisa, Montaigne'a, Du Bellaya. Montaigne, na przykład, uważał sztukę za główny środek edukacji człowieka.
Podobnie jak w Niemczech rozwój sztuki był ściśle związany z ruchem reformatorskim przeciwko Kościołowi katolickiemu. W ruchu tym uczestniczyli niezadowoleni ze swojej pozycji chłopi, a także mieszczaństwo i burżuazja. Po długiej walce został stłumiony, katolicyzm utrzymał swoją pozycję. Choć reformacja w niewielkim stopniu wpłynęła na sztukę, jej idee przeniknęły do środowiska artystów humanistycznych. Wielu francuskich malarzy i rzeźbiarzy było protestantami.
Ośrodkami kultury renesansowej były takie miasta jak Paryż, Fontainebleau, Tours, Poitiers, Bourges, Lyon. Król Franciszek I odegrał ważną rolę w szerzeniu idei renesansu, zapraszając na swój dwór francuskich artystów, poetów i naukowców. Przez kilka lat na dworze królewskim pracowali Leonardo da Vinci i Andrea del Sarto. Wokół zaangażowanej w działalność literacką siostry Franciszka Margherity z Nawarry zjednoczyli się poeci i pisarze humanistyczni, promując nowe poglądy na sztukę i porządek świata. W latach 30. XVI wieku w Fontainebleau włoscy manieryści założyli szkołę malarstwa świeckiego, która miała znaczący wpływ na rozwój francuskiej sztuki plastycznej.
Ważne miejsce w malarstwie Francji pierwszej połowy XVI wieku. zajmował się sztuką artystów zaproszonych z Włoch do malowania pałacu królewskiego w Fontainebleau, Giovanniego Battisty Rosso, Niccolò del Abbate i Francesco Primaticcio. Centralne miejsce w ich freskach zajmowały tematy mitologiczne, alegoryczne i historyczne, w tym wizerunki nagich postaci kobiecych, których nie było na obrazach ówczesnych mistrzów francuskich. Wyrafinowana i elegancka, choć nieco zmanierowana sztuka Włochów wywarła wielki wpływ na wielu francuskich artystów, którzy dały początek kierunkowi zwanemu szkołą Fontainebleau.
Dużym zainteresowaniem cieszy się sztuka portretowa tego okresu. Francuscy portreciści kontynuowali najlepsze tradycje mistrzów XV wieku, a przede wszystkim Jeana Fouqueta i Jeana Cloueta Starszego.
Portrety były szeroko rozpowszechnione nie tylko na dworze, obrazy ołówkowe służyły jako współczesne fotografie w wielu francuskich rodzinach. Rysunki te często wyróżniały się wirtuozerią wykonania i rzetelnością w przekazywaniu cech charakteru człowieka.
Portrety ołówkowe były popularne w innych krajach europejskich, na przykład w Niemczech i Holandii, ale tam pełniły rolę szkicu poprzedzającego portret obrazkowy, a we Francji takie prace stały się niezależnym gatunkiem.
Największym francuskim portrecistą tej epoki był Jean Clouet Młodszy.
Jean Clouet Młodszy
Jean Clouet Młodszy, syn Jeana Cloueta Starszego, urodził się ok. godz. 1485 Ojciec został jego pierwszym nauczycielem malarstwa. O życiu artysty niewiele wiadomo, wiadomo jedynie, że od 1516 r. Jan Clouet Młodszy pracował w Tours, a od 1529 r. - w Paryżu, gdzie piastował stanowisko nadwornego malarza.
Portrety Jeana Cloueta Młodszego są niezwykle autentyczne i zgodne z prawdą. Oto ołówkowe wizerunki dworzan: Diane Poitiers, Guillaume Goufier, Anny Montmorency. Artysta wielokrotnie malował dla niektórych współpracowników króla: trzy portrety Gaio de Genuillaca, uczestnika bitwy pod Marignano, wykonane w latach 1516, 1525 i 1526, dwa portrety marszałka Brissaca z lat 1531 i 1537 zachowały się do naszych czasów. ten dzień. Jednym z jego najlepszych portretów ołówkowych jest wizerunek hrabiego d'Ethan (ok. 1519), w którym wyczuwalne jest pragnienie mistrza wniknięcia w głąb.
wewnętrzny świat człowieka. Niezwykły, zaskakująco żywotny i duchowy jest także portret Erazma z Rotterdamu (1520).
Jean Clouet Młodszy opanował nie tylko ołówek, ale i pędzel. Świadczy o tym kilka zachowanych do dziś płócien. Wśród nich - portret delfina Franciszka (ok. 1519), księcia Claude de Guise (ok. 1525), Ludwika de Cleves (1530).
Obrazy są nieco wyidealizowane w uroczystych, ceremonialnych portretach małej Charlotty z Francji (ok. 1520) i Franciszka I na koniu (1540). Dużym zainteresowaniem cieszy się intymny portret Madame
Canapel (ok. 1523), przedstawiający zmysłowo piękną kobietę z chytrym uśmiechem na czułych ustach oraz prosty i surowy portret nieznanej osoby z tomikiem Petrarki w ręku.
Niektórzy badacze uważają, że portret Franciszka I, obecnie przechowywany w Luwrze, należy do pędzla Jana Cloueta Młodszego. Tę wersję potwierdza rysunek wykonany przez artystę, choć niewykluczone, że za wzór dla jednego z uczniów Jeana Cloueta Młodszego (np. jego syna Francois Cloueta) stworzył malowniczy portret króla.
Luwrowski portret Franciszka I łączył powagę, dekoracyjność i chęć oddania indywidualnych cech modela – króla-rycerza, jak nazywali Franciszka współcześni. Wspaniałość tła i bogaty strój króla, blask dodatków - wszystko to nadaje obrazowi splendoru, ale nie przyćmiewa różnorodnego wachlarza ludzkich uczuć i cech charakteru, które można odczytać w oczach Franciszka: oszustwo, próżność, ambicja, odwaga. Portret ukazywał spostrzegawczość artysty, umiejętność dokładnego i zgodnego z prawdą dostrzeżenia tej wyjątkowej rzeczy, która odróżnia jedną osobę od drugiej.
Jean Clouet Młodszy zmarł w 1541 roku. Jego prace (zwłaszcza rysunki) wywarły wielki wpływ na licznych uczniów i naśladowców, wśród których chyba najbardziej utalentowanym był jego syn Francois Clouet, którego Ronsard w „Elegii do Jeana” (współcześni Jeanowi nazywali wszystkich przedstawiciele rodziny Clouet) nazywali „honorem naszej Francji”.
Francois Clouet
François Clouet urodził się około 1516 roku w Tours. Studiował u swojego ojca, Jeana Cloueta Młodszego, pomagał mu w wypełnianiu zamówień. Po śmierci ojca odziedziczył posadę nadwornego malarza królowi.
Chociaż w twórczości Francois Cloueta zauważalny jest wpływ Jeana Cloueta Młodszego, a także włoskich mistrzów, jego styl artystyczny wyróżnia się oryginalnością i jasną osobowością.
Jednym z najlepszych dzieł Francois Cloueta jest obraz „Kąpiąca się” (ok. 1571), który w sposobie wykonania przypomina nieco obraz szkoły z Fontainebleau. Jednocześnie, w przeciwieństwie do kompozycji mitologicznych tej szkoły, skłania się ku gatunkowi portretowemu. Niektórzy historycy sztuki uważają, że obraz przedstawia Dianę Poitier, podczas gdy inni uważają, że jest to ukochana Karola IX, Marie Touchet. Kompozycja zawiera elementy rodzajowe: obraz przedstawia kobietę w wannie, obok której stoi dziecko i pielęgniarka z niemowlęciem na rękach; w tle pokojówka podgrzewająca wodę do kąpieli. Jednocześnie dzięki specjalnej konstrukcji kompozycyjnej i wyraźnemu portretowi w interpretacji wizerunku młodej kobiety patrzącej na widza z zimnym uśmiechem błyskotliwej świeckiej damy płótno nie sprawia wrażenia zwykłej codzienności scena.
Niezwykłe umiejętności François Cloueta ujawniły się w jego pracy portretowej. Jego wczesne portrety pod wieloma względami przypominają prace jego ojca, Jeana Cloueta Młodszego. W dojrzalszych utworach wyczuwa się oryginalną manierę francuskiego mistrza. Choć w przeważającej części portrety te odznaczają się wielkością i powagą, blask dodatków oraz luksus kostiumów i draperii nie przeszkadzają artyście w zaprezentowaniu widzowi żywych, indywidualnych cech swoich modeli.
Zachowało się kilka portretów Karola IX autorstwa François Cloueta. We wczesnym ołówkowym portrecie z 1559 roku artysta przedstawiał zadowolonego z siebie nastolatka, który z uwagą przyglądał się widzowi. Rysunek z 1561 r. przedstawia zamkniętego, nieco skrępowanego młodzieńca, ubranego w pełny strój. Malowniczy portret wykonany w 1566 roku ukazuje widza Karola IX w pełni wzrostu. W kruchej postaci i bladej twarzy artysta dostrzegł główne cechy swojej postaci: niezdecydowanie, brak woli, drażliwość, egoistyczny upór.
Jedno z najwybitniejszych dzieł sztuki francuskiej XVI wieku. stał się malowniczym portretem Elżbiety Austriaczki, namalowanym przez François Cloueta około 1571 roku. Obraz przedstawia młodą kobietę we wspaniałej sukni ozdobionej błyszczącymi klejnotami. Jej piękna twarz jest zwrócona do widza, a wyraziste ciemne oczy wyglądają na nieufne i niedowierzające. Bogactwo i harmonia koloru sprawiają, że płótno jest prawdziwym arcydziełem malarstwa francuskiego.
Inaczej powstaje intymny portret, na którym Francois Clouet wcielił się w swojego przyjaciela, aptekarza Pierre'a Kute
(1562). Artysta umieścił bohatera w swoim zwykłym środowisku biurowym, przy stole, na którym leży zielnik. W porównaniu z poprzednią pracą obraz wyróżnia się bardziej powściągliwą kolorystyką, zbudowaną na połączeniu odcieni złota, zieleni i czerni.
Dużym zainteresowaniem cieszą się portrety ołówkowe Francois Cloueta, wśród których wyróżnia się portret Joanny d'Albret, przedstawiający elegancką młodą dziewczynę, w której oczach widz może przybrać mocny i zdecydowany charakter.
W latach 1550-1560 Francois Clouet stworzył wiele portretów graficznych, w tym piękne rysunki przedstawiające małego Franciszka II, żywą i uroczą dziewczynę Małgorzatę z Valois, Marię Stuart,
Gaspard Coligny, Henryk II. Choć niektóre obrazy są nieco wyidealizowane, główną cechą portretów jest ich realizm i prawdziwość. Artysta posługuje się różnymi technikami: sangwiną, akwarelą, małymi i lekkimi pociągnięciami.
Francois Clouet zmarł w 1572 roku w Paryżu. Jego sztuka wywarła wielki wpływ na współczesnych artystów i grafików, a także francuskich mistrzów kolejnych pokoleń.
Cornel de Lyon, który pracował w Lyonie, był znakomitym portrecistą, który malował subtelne i uduchowione wizerunki kobiece („Portret Beatrice Pacheco”, 1545; „Portret królowej Claude”), wyróżniające się niemal miniaturowym wykonaniem i drobnym szkliwem oraz dźwięczne kolory.
Proste i szczere portrety dzieci i mężczyzn autorstwa Corneille de Lyon charakteryzują się umiejętnością ukazania głębi wewnętrznego świata modelki, prawdziwości i naturalności póz i gestów („Portret chłopca”, „Portret nieznanego Mężczyzna z czarną brodą”).
Od połowy XVI wieku. we Francji pracowali utalentowani mistrzowie portretu ołówkowego: B. Foulon, F. Quesnel, J. Decourt, którzy kontynuowali tradycje słynnego Francois Cloueta. Znakomitymi portrecistami pracującymi w technice graficznej byli bracia Etienne i Pierre Dumoustier.
Renesans to fenomenalne zjawisko w historii ludzkości. Nigdy więcej nie było tak błyskotliwego błysku w dziedzinie sztuki. Rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (lista jest długa, ale dotkniemy najsłynniejszych), których nazwiska znane są wszystkim, dali światu bezcenne.Wyjątkowi i wyjątkowi ludzie pokazali się nie w jednej dziedzinie, ale w kilku natychmiast.
Malarstwo wczesnego renesansu
Renesans ma względne ramy czasowe. Po raz pierwszy rozpoczął się we Włoszech - 1420-1500. W tej chwili malarstwo i cała sztuka w ogóle nie różni się zbytnio od niedawnej przeszłości. Jednak po raz pierwszy pojawiają się elementy zapożyczone z antycznej starożytności. I dopiero w kolejnych latach rzeźbiarze, architekci i artyści renesansu (których lista jest bardzo duża), pod wpływem współczesnych warunków życia i postępowych trendów, ostatecznie porzucają średniowieczne fundamenty. Odważnie adoptują do swoich dzieł najlepsze przykłady sztuki antycznej, zarówno w ogóle, jak i w poszczególnych szczegółach. Ich imiona są znane wielu, skupmy się na najjaśniejszych osobowościach.
Masaccio – geniusz malarstwa europejskiego
To on wniósł ogromny wkład w rozwój malarstwa, stając się wielkim reformatorem. Mistrz florencki urodził się w 1401 roku w rodzinie rzemieślników artystycznych, więc zmysł smaku i chęć tworzenia były we krwi. W wieku 16-17 lat przeniósł się do Florencji, gdzie pracował w warsztatach. Za jego nauczycieli uważani są Donatello i Brunelleschi, wielcy rzeźbiarze i architekci. Komunikacja z nimi i nabyte umiejętności nie mogły nie wpłynąć na młodego malarza. Od pierwszego Masaccio zapożyczył charakterystyczne dla rzeźby nowe rozumienie ludzkiej osobowości. U drugiego mistrza – podstawa Za pierwsze wiarygodne dzieło badacze uznają „Tryptyk z San Giovenale” (na pierwszym zdjęciu), który został odkryty w małym kościele niedaleko miasta, w którym urodził się Masaccio. Głównym dziełem są freski poświęcone historii życia św. Piotra. Artysta brał udział w tworzeniu sześciu z nich, a mianowicie: „Cud z Staterem”, „Wypędzenie z raju”, „Chrzest neofitów”, „Rozdział własności i śmierć Ananiasza”, „Podział majątku i śmierć Ananiasza”. Zmartwychwstanie Syna Teofila”, „Św. Piotr uzdrawia chorego swoim cieniem” i „Św. Piotr na ambonie”.
Włoscy artyści renesansu to ludzie, którzy całkowicie poświęcili się sztuce, nie zwracając uwagi na zwykłe codzienne problemy, które czasami prowadziły ich do ubogiej egzystencji. Masaccio nie jest wyjątkiem: genialny mistrz zmarł bardzo wcześnie, w wieku 27-28 lat, pozostawiając po sobie wielkie dzieła i dużą liczbę długów.
Andrea Mantegna (1431-1506)
To przedstawiciel szkoły malarzy z Padwy. Podstawy umiejętności otrzymał od swojego przybranego ojca. Styl ukształtował się pod wpływem twórczości Masaccio, Andrea del Castagno, Donatello i malarstwa weneckiego. To określiło nieco surowe i surowe maniery Andrei Mantegny w porównaniu z Florentyńczykami. Był kolekcjonerem i koneserem dzieł kultury okresu antycznego. Dzięki swojemu stylowi, jak żaden inny, zasłynął jako innowator. Jego najbardziej znane dzieła to: „Martwy Chrystus”, „Triumf Cezara”, „Judyta”, „Bitwa bogów morza”, „Parnas” (na zdjęciu) itp. Od 1460 roku aż do śmierci pracował jako malarz nadworny w rodzinie książąt Gonzaga.
Sandro Botticellego(1445-1510)
Botticelli to pseudonim, prawdziwe nazwisko to Filipepi. Nie od razu wybrał ścieżkę artysty, ale początkowo studiował jubilerstwo. W pierwszych niezależnych utworach (kilka Madonn) wyczuwalny jest wpływ Masaccio i Lippiego. W przyszłości sławił się także jako portrecista, większość zamówień pochodziła z Florencji. Wyrafinowany i wyrafinowany charakter jego twórczości z elementami stylizacji (uogólnianie obrazów przy użyciu konwencjonalnych technik - prostota formy, koloru, objętości) wyróżnia go spośród innych ówczesnych mistrzów. Współczesny Leonardo da Vinci i młody Michał Anioł pozostawili jasny ślad w sztuce światowej („Narodziny Wenus” (zdjęcie), „Wiosna”, „Adoracja Trzech Króli”, „Wenus i Mars”, „Boże Narodzenie” itp. .). Jego malarstwo jest szczere i wrażliwe, a jego droga życiowa jest złożona i tragiczna. Romantyczne postrzeganie świata w młodym wieku zostało zastąpione mistycyzmem i religijnym uniesieniem w dojrzałości. W ostatnich latach życia Sandro Botticelli żył w biedzie i zapomnieniu.
Piero (Pietro) della Francesca (1420-1492)
Włoski malarz i kolejny przedstawiciel wczesnego renesansu, pochodzący z Toskanii. Styl autora ukształtował się pod wpływem florenckiej szkoły malarskiej. Oprócz talentu artysty, Piero della Francesca miał wybitne zdolności w dziedzinie matematyki i poświęcił jej ostatnie lata swojego życia, próbując połączyć ją ze sztuką wysoką. W rezultacie powstały dwa traktaty naukowe: „O perspektywie w malarstwie” i „Księga pięciu prawidłowych brył”. Jego styl wyróżnia powaga, harmonia i szlachetność obrazów, równowaga kompozycyjna, precyzja linii i konstrukcji, łagodna gama kolorystyczna. Piero della Francesca posiadał niesamowitą wiedzę na temat technicznej strony malarstwa i specyfiki perspektywy jak na tamte czasy, co przyniosło mu wysoki prestiż wśród współczesnych. Najbardziej znane dzieła: „Historia królowej Saby”, „Biczowanie Chrystusa” (na zdjęciu), „Ołtarz Montefeltro” itp.
Malarstwo wysokiego renesansu
Jeśli protorenesans i wczesna epoka trwały odpowiednio prawie półtora wieku, to okres ten obejmuje tylko kilkadziesiąt lat (we Włoszech od 1500 do 1527 r.). Był to jasny, olśniewający błysk, który dał światu całą galaktykę wspaniałych, wszechstronnych i błyskotliwych ludzi. Wszystkie gałęzie sztuki szły ze sobą w parze, więc wielu mistrzów to także naukowcy, rzeźbiarze, wynalazcy, a nie tylko artyści renesansowi. Lista jest długa, ale szczyt renesansu wyznaczają prace L. da Vinci, M. Buanarottiego i R. Santi.
Niezwykły geniusz Da Vinci
Być może jest to najbardziej niezwykła i wybitna osobowość w historii światowej kultury artystycznej. Był osobą uniwersalną w pełnym tego słowa znaczeniu i posiadał najbardziej wszechstronną wiedzę i talenty. Artysta, rzeźbiarz, teoretyk sztuki, matematyk, architekt, anatom, astronom, fizyk i inżynier – to wszystko o nim. Co więcej, w każdym z obszarów Leonardo da Vinci (1452-1519) pokazał się jako innowator. Do tej pory zachowało się tylko 15 jego obrazów oraz wiele szkiców. Posiadając ogromną witalność i pragnienie wiedzy, był niecierpliwy, zafascynowany samym procesem poznawania. W bardzo młodym wieku (20 lat) zdobył kwalifikacje mistrza cechu św. Łukasza. Jego najważniejszymi dziełami były fresk „Ostatnia wieczerza”, obrazy „Mona Lisa”, „Madonna Benois” (na zdjęciu powyżej), „Dama z gronostajem” itp.
Rzadko zdarzają się portrety artystów renesansowych. Woleli zostawiać swoje obrazy na obrazach o wielu twarzach. Tak więc wokół autoportretu da Vinci (na zdjęciu) spory nie ustępują do dziś. Przedstawia się wersje, które zrobił w wieku 60 lat. Według biografa, artysty i pisarza Vasariego, wielki mistrz umierał w ramionach swego bliskiego przyjaciela króla Franciszka I w swoim zamku Clos Luce.
Rafał Santi (1483-1520)
Artysta i architekt pochodzący z Urbino. Jego nazwisko w sztuce niezmiennie kojarzy się z ideą wysublimowanego piękna i naturalnej harmonii. Przez dość krótkie życie (37 lat) stworzył wiele znanych na całym świecie obrazów, fresków i portretów. Fabuły, które przedstawiał, są bardzo różnorodne, ale zawsze pociągał go wizerunek Matki Bożej. Absolutnie słusznie Rafał nazywany jest „mistrzem Madonn”, szczególnie znane są te, które namalował w Rzymie. W Watykanie pracował od 1508 roku do końca życia jako oficjalny artysta na dworze papieskim.
Wszechstronnie uzdolniony, jak wielu innych wielkich artystów renesansu, Rafał był także architektem, a także zajmował się wykopaliskami archeologicznymi. Według jednej wersji to ostatnie hobby jest bezpośrednio skorelowane z przedwczesną śmiercią. Przypuszczalnie nabawił się gorączki rzymskiej podczas wykopalisk. Wielki mistrz jest pochowany w Panteonie. Zdjęcie przedstawia jego autoportret.
Michał Anioł Buoanarroti (1475-1564)
Długi 70-latek tego człowieka był jasny, pozostawił swoim potomkom niezniszczalne dzieła nie tylko malarstwa, ale i rzeźby. Podobnie jak inni wielcy artyści renesansu, Michał Anioł żył w czasach pełnych historycznych wydarzeń i wstrząsów. Jego sztuka jest piękną końcową nutą całego renesansu.
Mistrz przedkładał rzeźbę ponad wszelkie inne sztuki, ale z woli losu stał się wybitnym malarzem i architektem. Jego najbardziej ambitnym i niezwykłym dziełem jest obraz (na zdjęciu) w pałacu w Watykanie. Powierzchnia fresku przekracza 600 metrów kwadratowych i zawiera 300 postaci ludzkich. Najbardziej imponująca i znana jest scena Sądu Ostatecznego.
Włoscy artyści renesansu byli wielowymiarowymi talentami. Tak więc niewiele osób wie, że Michał Anioł był także wielkim poetą. Ten aspekt jego geniuszu objawił się w pełni pod koniec jego życia. Do dziś zachowało się około 300 wierszy.
Malarstwo późnorenesansowe
Ostatni okres obejmuje okres od 1530 do 1590-1620. Według Encyclopædia Britannica renesans jako okres w historii zakończył się wraz z upadkiem Rzymu w 1527 roku. Mniej więcej w tym samym czasie w południowej Europie zatriumfowała kontrreformacja. Ruch katolicki z niepokojem patrzył na wszelką swobodę myślenia, w tym na śpiew piękna ludzkiego ciała i zmartwychwstanie sztuki starożytności, czyli wszystkiego, co było filarami renesansu. Zaowocowało to szczególnym nurtem - manieryzmem, charakteryzującym się utratą harmonii między duchem a fizycznością, człowiekiem i naturą. Ale nawet w tym trudnym okresie niektórzy znani artyści renesansu stworzyli swoje arcydzieła. Wśród nich są Antonio da Correggio (uważany za twórcę klasycyzmu i palladianizmu) oraz Tycjan.
Tycjan Vecellio (1488-1490 - 1676)
Jest słusznie uważany za tytana renesansu, obok Michała Anioła, Rafaela i da Vinci. Jeszcze zanim skończył 30 lat, Tycjan był znany jako „król malarzy i malarz królów”. Artysta malował zasadniczo obrazy o tematyce mitologicznej i biblijnej, ponadto zasłynął jako znakomity portrecista. Współcześni wierzyli, że odciśnięcie pędzlem wielkiego mistrza oznacza uzyskanie nieśmiertelności. I rzeczywiście tak jest. Rozkazy do Tycjana pochodziły od najbardziej czczonych i szlachetnych osób: papieży, królów, kardynałów i książąt. Oto tylko kilka jego najsłynniejszych dzieł: „Wenus z Urbino”, „Uprowadzenie Europy” (na zdjęciu), „Niesienie krzyża”, „Koronacja cierniami”, „Madonna Pesaro”, „Kobieta z lustro" itp.
Nic się nie powtarza dwa razy. Epoka renesansu dała ludzkości błyskotliwe, niezwykłe osobowości. Ich imiona zapisane są złotymi literami w światowej historii sztuki. Architekci i rzeźbiarze, pisarze i artyści renesansu – ich lista jest bardzo długa. Dotykaliśmy tylko tytanów, którzy tworzyli historię, przynieśli światu idee oświecenia i humanizmu.
Początek francuskiego renesansu sięga połowy XV wieku. Poprzedził ją proces formowania się narodu francuskiego i tworzenia państwa narodowego. Na tronie królewskim przedstawiciel nowej dynastii – Valois. Za Ludwika XI polityczna unifikacja kraju została zakończona. Kampanie królów francuskich we Włoszech przybliżały artystom osiągnięcia sztuki włoskiej. Tradycje gotyckie i tendencje w sztuce niderlandzkiej wypiera włoski renesans. Renesans francuski miał charakter kultury dworskiej, której podwaliny położyli królowie-patroni poczynając od Karola V.
Jean Fouquet (1420-1481), nadworny malarz Karola VII i Ludwika XI, uważany jest za największego twórcę wczesnego renesansu. Nazywany jest także wielkim mistrzem francuskiego renesansu.
Jako pierwszy we Francji konsekwentnie ucieleśniał estetyczne zasady włoskiego Quattrocento, które zakładało przede wszystkim jasną, racjonalną wizję rzeczywistego świata Zh i zrozumienie natury rzeczy poprzez znajomość jego praw wewnętrznych.
W 1475 został „malarzem króla”. W tym charakterze tworzy wiele uroczystych portretów, w tym Karola VII. Większość spuścizny twórczej Fouqueta stanowią miniatury z zegarków, w wykonaniu których czasami brał udział jego warsztat. Fouquet malował pejzaże, portrety, obrazy o tematyce historycznej. Fouquet był jedynym artystą swoich czasów, który miał epicką wizję historii, której wielkość jest współmierna do Biblii i starożytności. Jego miniatury i ilustracje książkowe zostały wykonane w sposób realistyczny, zwłaszcza do wydania Dekameronu G. Boccaccia.
Na początku XVI wieku Francja przekształciła się w największe państwo absolutystyczne w Europie Zachodniej. Dwór królewski staje się centrum życia kulturalnego, a pierwszymi koneserami i koneserami piękna są dworzanie i świta królewska. Za Franciszka I, wielbiciela wielkiego Leonarda da Vinci, sztuka włoska staje się oficjalną modą. Włoscy manieryści Rosso i Primaticcio, zaproszeni przez Margheritę z Nawarry, siostrę Franciszka I, założyli szkołę Fontainebleau w 1530 roku. Termin ten nazywany jest zwykle kierunkiem w malarstwie francuskim, które powstało w XVI wieku na zamku Fontainebleau. Ponadto jest używany w odniesieniu do prac o tematyce mitologicznej, czasem zmysłowej, oraz do zawiłych alegorii tworzonych przez nieznanych artystów, a także wywodzących się z manieryzmu. Szkoła w Fontainebleau zasłynęła z tworzenia majestatycznych malowideł dekoracyjnych zespołów zamkowych. Sztuka szkoły z Fontainebleau, obok sztuki paryskiej początku XVII wieku, odegrała rolę przejściową w dziejach malarstwa francuskiego: znaleźć w niej można pierwsze symptomy zarówno klasycyzmu, jak i baroku.
W XVI wieku położono podwaliny pod francuski język literacki i wysoki styl. Francuski poeta Joashen du Bellay (ok. 1522-1560) opublikował w 1549 roku manifest programowy „Ochrona i gloryfikacja języka francuskiego”. On i poeta Pierre de Ronsard (1524-1585) byli najwybitniejszymi przedstawicielami francuskiej szkoły poetyckiej renesansu – „Plejady”, której celem było podniesienie języka francuskiego do poziomu z językami klasycznymi \u200b\u200b- grecki i łacina. Poeci Plejad skupili się na literaturze starożytnej. Porzucili tradycje literatury średniowiecznej i dążyli do wzbogacenia języka francuskiego. Powstanie francuskiego języka literackiego było ściśle związane z centralizacją kraju i chęcią używania do tego jednego języka narodowego.
Podobne tendencje w rozwoju języków i literatur narodowych przejawiały się także w innych krajach europejskich.
Wśród wybitnych przedstawicieli francuskiego renesansu znalazł się także francuski pisarz humanista Francois Rabelais (1494-1553). Jego powieść satyryczna „Gargantua i Pantagruel” jest encyklopedycznym pomnikiem kultury francuskiego renesansu. Dzieło opierało się na księgach ludowych o olbrzymach powszechnych w XVI wieku (giganci Gargantua, Pantagruel, poszukiwacz prawdy Panurg). Odrzucając średniowieczną ascezę, ograniczenie duchowej wolności, hipokryzję i uprzedzenia, Rabelais w groteskowych obrazach swoich bohaterów ujawnia humanistyczne ideały swoich czasów.
Wielki humanista filozof Michel de Montaigne (1533-1592) położył kres rozwojowi kulturalnemu Francji w XVI wieku. Pochodzący z zamożnej rodziny kupieckiej Montaigne otrzymał doskonałe wykształcenie humanistyczne i za namową ojca zajął się prawem. Sławę Montaigne przyniosły Przeżycia (1580-1588) napisane w samotności zamku rodu Montaigne pod Bordeaux, które dały nazwę całemu nurtowi literatury europejskiej - eseje (francuskie eseje - doświadczenie). Księga esejów, nacechowana wolnomyślicielstwem i rodzajem sceptycznego humanizmu, przedstawia zbiór sądów na temat obyczajów dnia codziennego i zasad ludzkiego postępowania w różnych okolicznościach. Dzieląc się ideą przyjemności jako celu ludzkiej egzystencji, Montaigne interpretuje ją w duchu epikurejskim – akceptując wszystko to, co natura daje człowiekowi.
