Opis Bryulłowa Virsavii. Najsłynniejsze obrazy Bryulłowa, za które otrzymał przydomek „Karol Wielki”

Na pewno obrazy Karol Pawłowicz Bryułłow znany wszystkim ze szkoły. „Ostatni dzień Pompejów”, „Włoskie południe” i inne płótna przesiąknięte są prawdziwymi emocjami, uczuciami, ekspresją. W przeciwieństwie do wielu innych artystów, Bryullov nie wybrał dla siebie modeli wśród delikatnych, rozpieszczonych modeli. Jego bohaterkami były dziewczyny z prawdziwego życia ze wszystkimi ich zaletami i wadami. Nie wszyscy współcześni natychmiast zgodzili się z taką innowacją autora, ale z czasem Bryullov zyskał światowe uznanie, a on sam zaczął być nazywany „Karolem Wielkim”.

Karl Bryullov urodził się w 1799 roku. Jako dziecko był bardzo chorowitym chłopcem i przez kilka lat nie wstawał z łóżka. Ale ten fakt nie powstrzymał jego ojca, Pawła Brullo, który postanowił nauczyć syna malowania. Każdego dnia dziecko otrzymywało zadania: rysowanie zwierząt, ludzi czy motywów naturalnych. I choć Karl nie poradził sobie z zadaniem, nie otrzymał śniadania.

W wieku 10 lat Karl Brullo został zapisany do Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, gdzie studiował przez 12 lat. Chłopiec znakomicie poradził sobie z każdym powierzonym mu zadaniem, za co w 1822 roku otrzymał stypendium emeryta na cztery lata, które wiązało się ze studiowaniem we Włoszech. Przed wyjazdem Karol otrzymał zgodę cesarza na dodanie do swojego nazwiska litery „v”, aby wszyscy mogli zrozumieć, skąd pochodził artysta.

Włochy podbiły młodego artystę. W 1827 roku artysta namalował obraz „Włoskie południe”, którego wzorem była dość gęsta Włoszka. W Rosji zdjęcie to zostało przyjęte bardzo chłodno, ponieważ nie odpowiadało ówczesnym trendom mody. Krytycy nazwali model „nieproporcjonalnym”, a Bryullov ze skandalem opuścił Cesarskie Towarzystwo Zachęty Sztuki.

W 1827 roku we Włoszech Karl Bryullov spotkał hrabinę Julię Pawłowną Samoilovą. Artystkę urzekła niesamowita śródziemnomorska uroda, inteligencja i wdzięk tej kobiety. Hrabina często stawała się wzorem dla obrazów Bryulłowa. W obrazie „Portret hrabiny Yu P. Samoilovej, pozostawiając piłkę ze swoją uczennicą Amalią Pacini”, niesamowite kolory, przepych strojów tylko podkreślały piękno jego muzy.

W 1830 roku Karl Bryullov wraz z hrabiną Samoilovą udał się do ruin Pompejów i Herkulanum. Dwa lata wcześniej miała miejsce kolejna erupcja Wezuwiusza, więc modne było wówczas zainteresowanie architekturą.

Bryullov rozpoczął pracę nad obrazem, który przyniósł mu światową sławę z rozkazu patrona Anatolija Demidowa. Przed przystąpieniem do malowania płótna artysta przestudiował wiele dokumentów historycznych dotyczących Pompejów i wykonał wiele szkiców ze sceny.

Karl Bryullov namalował ludzi na zdjęciu tak emocjonalnie, jak to możliwe. Uchwycił się tam jako artysta biegający z przyborami do rysowania. Julię Samoilovą można również znaleźć na płótnie. Przedstawiona jest tam w trzech obrazach: kobieta z dzbanem na głowie, matka starająca się chronić córki i umierająca na chodniku.

W Rzymie „Ostatni dzień Pompejów” spotkał się z najbardziej pochlebną krytyką, po czym obraz został wysłany do Luwru w Paryżu. W 1834 roku obraz dotarł do Petersburga, gdzie wywołał prawdziwe poruszenie. Sam cesarz Mikołaj I chciał zobaczyć obraz, po czym nagrodził Karla Bryulłowa.

Nie mniej kultowym obrazem malarza była „Bathsheba”. Przed Bryulłowem rosyjscy artyści praktycznie nie zwracali się ku nagości. Bryulłow, zainspirowany sukcesem Ostatniego dnia Pompejów, postanowił namalować obraz w nowym gatunku. Wziął za podstawę biblijną opowieść o Batszebie, którą król Dawid widział w kąpieli.

Przez kilka lat mistrz pracował nad obrazem. Krytycy nazywali ją „zmysłową i genialną w kolorze”. Artysta zdał sobie sprawę, że nie może przekazać publiczności swoich intencji, a nawet raz rzucił butem w obraz. Bryullov nie dokończył obrazu, pędzle piękna pozostały niezapisane. W tej formie „Bathsheba” została przejęta przez mecenasa sztuki i wysłana do Galerii Trietiakowskiej.

Wśród historyków sztuki obraz ten rodzi wiele pytań. Naukowcy wciąż spierają się o to, kto tak naprawdę jest na nim przedstawiony.

Obraz Karla Bryulłowa „Bathsheba” został napisany w 1832 roku. Wiadomo, że artysta pracował nad tym obrazem ponad cztery lata. Stał się rodzajem rezultatu twórczych poszukiwań Bryulłowa w mitologii i malarstwie rodzajowym. W Batszebie zrealizowano pomysł artysty na uchwycenie nagiego kobiecego ciała w promieniach zachodzącego słońca. Szczerze podziwia każdą fałdę smukłego ciała swojej bohaterki, matową biel jej skóry. Kontrast kolorystyczny użyty przez artystę przy przedstawianiu ciemnoskórej pokojówki potęguje wrażenie.

Według biblijnej historii Batszeba miała rzadkie piękno, które zadziwiło króla Dawida. Widząc nagą Batszebę z dachu pałacu podczas kąpieli, król zapalił się z pasją i nakazał sprowadzić Batszebę do pałacu. W wyniku ich związku Batszeba zaszła w ciążę, a król poślubił ją, po upewnieniu się, że mąż Batszeby, który służył w armii Dawida, został wysłany do udziału w „najpotężniejszej bitwie”, w której zostanie uderzony w dół i umrzeć. I tak się stało… Batszeba zajęła honorowe miejsce ukochanej żony króla, ale starała się pozostać w cieniu, chociaż jej wpływ na króla najwyraźniej zawsze był wielki.

W naszym sklepie internetowym możesz kupić reprodukcję tego obrazu autorstwa Karla Bryullova.

KORZYSTNA oferta ze sklepu internetowego BigArtShop: kup obraz Batszeby autorstwa artysty Karla Bryullova na naturalnym płótnie w wysokiej rozdzielczości, ozdobiony stylową bagietkową ramą, w ATRAKCYJNEJ cenie.

Obraz Karla Bryullova Virsavii: opis, biografia artysty, recenzje klientów, inne prace autora. Duży katalog obrazów Karla Bryulłowa na stronie sklepu internetowego BigArtShop.

Sklep internetowy BigArtShop prezentuje duży katalog obrazów artysty Karla Bryulłowa. Możesz wybrać i kupić swoje ulubione reprodukcje obrazów Karla Bryulłowa na naturalnym płótnie.

Karl Bryullov urodził się w zrusyfikowanej rodzinie niemieckiej. Jego ojciec był rzeźbiarzem-rzeźbiarzem i malarzem miniatur. Od 10 roku życia przez 12 lat Karl studiował na Akademii Sztuk Pięknych. Pod koniec klasy gatunku historycznego pod kierunkiem Andrieja Iwanowicza Iwanowa w 1821 roku za obraz „Pojawienie się trzech aniołów Abrahamowi pod dębem Mamre” otrzymał złoty medal i prawo do wyjazdu za granicę na koszt publiczny.

W latach 1823-1835 Bryullov pracował we Włoszech.

Jego najważniejszym dziełem w tym okresie był obraz „Ostatni dzień Pompejów”, napisany przez Bryulłowa w ciągu trzech lat i ukończony w 1833 roku. Podstawą pracy były wrażenia z zwiedzania wykopalisk starożytnego rzymskiego miasta, które zrobiły furorę w kręgach artystycznych zarówno w Rosji, jak i za granicą.

Bryullov wraca do ojczyzny jako żyjący klasyk. W przyszłości angażuje się w monumentalne projekty projektowe, w których manifestuje się jako dekorator i dramaturg. Stworzył szkice do malowideł ściennych Obserwatorium Pułkowo, szkice i szkice aniołów i świętych do katedry św. Izaaka.

Bryulłow pozostawił także w swoim dziedzictwie wiele słynnych portretów ludzi sztuki (wiele z nich znajduje się w Galerii Trietiakowskiej).

Ze względów zdrowotnych Karl Bryullov ostatnie trzy lata życia spędza na Maderze oraz we Włoszech, kraju, który pomógł mu zdobyć sławę. Ostatnim arcydziełem artysty był portret jego starego przyjaciela, archeologa Michała Anioła Lanciego, stworzony w 1851 roku.

Faktura płótna, wysokiej jakości farby i druk wielkoformatowy sprawiają, że nasze reprodukcje Karla Bryulłowa są równie dobre jak oryginał. Płótno zostanie naciągnięte na specjalnych noszach, po czym obraz można oprawić w wybraną przez siebie bagietkę.

Karola Bryułłowa. Autoportret.
1848. Olej na tekturze. 64,1x54.

Dziedzictwo portretowe Bryulłowa z ostatnich okresów petersburskich i włoskich jest nie mniej cenne niż Pompeje, które przyniosły artyście światową sławę. Szczytem w intymnym portrecie Bryulłowa był autoportret namalowany w 1848 roku podczas choroby.

Portret powstał pierwszego wiosennego dnia, kiedy lekarze pozwolili Bryullovowi wstać z łóżka po wyniszczającej, długiej chorobie. Przez siedem miesięcy artysta był sam ze sobą, prawie wszystkie wizyty były zabronione przez lekarzy. Choroba zmusiła mnie do przejścia na emeryturę. Samotność prowadziła do skupionej refleksji. Autoportret jest dowodem na to, jak w ścisłej, tendencyjnej rozmowie z samym sobą artysta podsumowuje prawie pół wieku życia. Wynik poszukiwań kreatywnych. Podsumowanie przemyśleń. Pod zewnętrzną bezruchem kryje się intensywna praca myśli. Portret został namalowany z wielką kunsztem i świadczy o tym, jak potężną energię twórczą posiadał artysta pomimo choroby i jakie wyżyny osiągnął w posiadaniu wszystkich elementów malarskich. W autoportrecie jest uczucie zmęczenia fizycznego, ślady choroby: zmęczone powieki, ręka wisząca bezradnie, jakby roztopiona do kości, mówią o chorobie fizycznej. Głowa spoczywa ze znużeniem na czerwonej poduszce; kolor ten tworzy dominantę kolorystyczną, jest stałym i ulubionym kolorem Bryulłowa, obecnym niemal we wszystkich pracach, kolorem wyrażającym jego twórczy temperament. Według rysunku portret został ukończony w kolorach w dwie godziny.

„Tak narodziło się jedno z najważniejszych dzieł Bryulłowa” – pisze w swojej książce G. Leontieva. To nie tylko napisany przez siebie portret artysty. W tendencyjnej, surowej rozmowie z samym sobą mistrz zdaje się podsumowywać swoje twórcze poszukiwania. Podsumowanie przemyśleń. Podsumowanie własnego życia. Ponadto. Wydaje się, że patrząc na siebie w lustrze – tak jak my dzisiaj patrzymy na portret – widzi swoje pokolenie poprzez własne rysy. To jest wyznanie syna wieku. Wysokie napięcie sił wewnętrznych i bezgraniczne zmęczenie, wysublimowana szlachetność i gorycz rozczarowania, hart ducha i pokora – cała ta mobilna różnorodność uczuć zostaje uchwycona pędzlem Bryulłowa i uwieczniona. Patrząc na tę twarz, pamiętasz najbardziej gorzkie słowa wypowiedziane przez artystę o sobie: „Moje życie można porównać do świecy, która została wypalona z obu stron i trzymana w środku rozpalonymi szczypcami…”.

1832. Olej na płótnie. Nie skończony. 173 x 125,5.
Galeria Tretiakowska, Moskwa, Rosja.

Około 1832 roku artysta stworzył dzieło, które było niejako wynikiem jego twórczych poszukiwań w malarstwie rodzajowym i mitologii. Wpadł na pomysł obrazu „Bathsheba”, nad którym pracował ponad cztery lata.

Bryulłowa wpadł na pomysł przedstawienia nagiego ciała oświetlonego promieniami zachodzącego słońca. Najsubtelniejsza gra światła i cienia, zwiewność otoczenia otaczającego postać nie pozbawiły jej rzeźbiarskiej objętości i wyrazistości sylwetki. W Batszebie artysta oddaje zmysłowy erotyzm, szczerze podziwiając jak mężczyzna każdą zmarszczkę smukłego ciała i kosmyki gęstych, falujących włosów. Wzmacniając wrażenie, mistrz zwrócił się ku spektakularnej technice kontrastu kolorów. Matową biel skóry Batszeby podkreśla ciemna skóra etiopskiej pokojówki przytulonej do swojej kochanki.

Obraz oparty jest na opowieści ze Starego Testamentu. Według Biblii Batszeba była kobietą o niezwykłej urodzie. Król Dawid, idąc po dachu swego pałacu, ujrzał poniżej Batszebę. Zdjęwszy ubranie, naga kobieta przygotowywała się do wejścia do wód marmurowej łaźni. Króla Dawida uderzyło piękno Batszeby i ogarnęła go namiętność.

Mąż Batszeby, Uriasz Chetyta, przebywał w tym czasie poza domem i służył w armii Dawida. Batszeba nie próbowała uwieść króla, o czym świadczy tekst biblijny. Ale Dawid został uwiedziony pięknem Batszeby i kazał sprowadzić ją do pałacu. W wyniku ich związku zaszła w ciążę. Później Dawid napisał list do dowódcy armii Uriasza, w którym nakazał umieścić Uriasza tam, gdzie miała się stoczyć „najsilniejsza bitwa i wycofać się z niego, aby został pokonany i umarł” (2 Sm 11:15). ). Rzeczywiście tak się stało, a następnie Dawid poślubił Batszebę. Ich pierwsze dziecko żyło zaledwie kilka dni. David później żałował swojego czynu.

Mimo całej swojej wysokiej pozycji, najukochańsza z żon Dawida, Batszeba zajęła miejsce w cieniu i zachowywała się z godnością. Wydaje się, że jej wpływ na Davida był wielki. Namówiła go, by ogłosił królem swojego najstarszego syna Salomona. Potem bardzo przyczyniła się do ujawnienia intencji Adoniasza (czwartego syna Dawida) objęcia tronu jego ojca. W stosunku do Dawida stała się wierną i kochającą żoną oraz dobrą matką dla swoich dzieci (Solomona i Nathana).

Portret Giovanniny i Amacilii Pacini,
uczniowie gr. Tak. Samojłowa.
1832. Galeria Tretiakowska, Moskwa, Rosja.

Bryullov namalował wiele doskonałych portretów; z nimi okazał się najbardziej zbliżony do realistycznego gustu drugiej połowy XIX wieku. Wielkie ceremonialne, imponujące, „historyczne” portrety świeckich piękności - fenomen tego rodzaju, jedyny i nie powtarzany już w sztuce rosyjskiej. Lubimy je inaczej niż w tamtych czasach: nie traktujemy ich zbyt poważnie, jest coś naiwnego w ich luksusie, ale właśnie dlatego są atrakcyjne.

Amazonka, przedstawiająca młodą damę na pięknym koniu i spotykającą jej córeczkę, to jedna z uwodzicielskich prac Bryulłowa. Na prośbę Julii Pawłownej Samoilovej Karl Pawłowicz Bryulłow namalował portret swoich uczniów: najstarszej - Giovaniny i najmłodszej - Amazilii.

Gatunek portretu lub rzeźby konnej był modny przy przedstawianiu osób koronowanych. Bryulłow, naruszając ten oficjalny kanon, dał królewską pozę młodej uczennicy Samoilovej, która siedzi na czarnym koniu. W rysach jej twarzy jest anielska obojętność, wydaje się, że wraz z powiewającą wstążką na kapeluszu i wspaniałym biało-niebieskim kostiumem Amazonki ma wznieść się w niebo. W tym samym czasie mistrz wpisuje postać dziewczyny w obraz, który ma integralną fabułę, pełną kolorowych kontrastów. Artystka odsłania przed widzami scenę porannego spaceru, kiedy Jovanina galopując porośniętą ścieżką w cieniu wiekowych drzew zatrzymuje konia przed marmurowym wejściem do domu swojej przybranej matki. Słysząc stukot kopyt, z drzwi wybiega Amacilia Pacini, wyglądająca jak lalka w różowej sukience, koronkowych pantalonach i zielonych satynowych butach. Podziwia swojego starszego przyjaciela - obiekt jej dziecięcej adoracji. Natychmiast została przeniesiona, wielokrotnie spotęgowana w niej, podniecenie jeźdźca; czarny koń mruży oczy, chrapie, próbuje stanąć dęba; czując nastrój właścicieli, psy są zmartwione; wiatr ugina wierzchołki drzew; chmury biegną po niebie: wszystko jest podekscytowane, wzburzone, zaniepokojone, ale to jest radosne podniecenie, radosne podniecenie szczęśliwych ludzi. Przed nami romantyczna opowieść o psotnych i upojnych radościach młodości. (Uroczy i zabawny szczegół: imię "klienta" - "Samoylo" - jest zaznaczone na obroży psa, który wybiegł na ganek.)

Entuzjastyczni Włosi porównali Bryulłowa z Rubensem i Van Dyckiem, napisali, że nigdy nie widzieli portretu konnego wymyślonego i wykonanego z taką sztuką. To przesada - z niezwykłości kreacji Bryulłowa. Portret jeździecki zawsze był na pierwszym miejscu. Nieuchronnie ukrywał ukryte znaczenie: jeździec, który osiodłał i ujarzmił gorącego konia, jest człowiekiem u władzy. Nie ma tu dowódcy prowadzącego armię do bitwy, zdobywcy wkraczającego do zdobytej stolicy, nie ma monarchy koronowanego na króla – dziewczyna wróciła do domu ze spaceru. W tej pracy Bryullov wreszcie łączy ceremonialny portret i codzienną scenę. Sam nazwał pracę „Zhovanin na koniu”, ale dla wszystkich jest to „Jecznik”. „Zhovanin na koniu” opowiada trochę o „Zhovaninie” - Jovaninie; mała Amazilia - podziw, impuls, urok dzieciństwa.

Bryulłow malował obraz z poczuciem pełni i radości istnienia, podziwiając piękno i malowniczość świata, z uczuciem, które w nim żyło i które odnalazł w tych dziewczynach, Jovanin i Amazilia.

1827. Olej na płótnie. 62 x 52,5.

Po ukończeniu Akademii Sztuki Karl Bryullov został wysłany przez Towarzystwo Zachęty Sztuk Pięknych do Włoch, gdzie ciężko pracował, studiując i ucieleśniając na płótnie życie zwykłych ludzi tego pięknego kraju.

Bryulłow zamienił scenę z życia na wsi, podglądaną przez niego w jednym z włoskich miasteczek, w elegancki spektakl baletowy. Młoda wieśniaczka, niczym pełna wdzięku tancerka, podniosła się na pół palcach i rozłożyła giętkie ramiona, ledwo dotykając winorośli z kiścią czarnych winogron. Muzykalność jej pozy podkreśla lekka chitonowa sukienka dopasowana do smukłych nóg. Sznur koralowców tworzy smukłą szyję i rumianą twarz otoczoną kręconymi brązowymi włosami. Inna dziewczyna, wylegująca się swobodnie na schodach domu, bije w dzwony tamburynu, zalotnie spoglądając na widza. Młodszy brat w krótkiej koszuli interweniuje w wesołym towarzystwie - rodzaj bachantki amorka, który ciągnie butelkę do nalewania świeżego wina. Każda postać i przedmiot były ważne dla artysty, który pełnił rolę choreografa, czy był to kosz z dojrzałymi jagodami, zielona dynia, strumień wody lejący się z fontanny, czy uroczy kudłaty osioł zaprzęgnięty do wozu. To jest prawdziwy świat teatru, w którym wszystkie żywe istoty są aktorami!

Młody malarz pozwala sobie na liryczne dygresje - obrazy o scenach rodzajowych, które według współczesnego krytyka niewątpliwie rodzą się ze szczęśliwego przypadku, zaglądającego w codzienność tego kraju, powstającego pod wpływem bezpośredniego wrażenia. Są to słynne „gatunki włoskie”, a pierwszy z nich – włoski poranek – przyniósł mu dużą popularność.

Idea połączenia człowieka i natury, ich porównanie było bardzo charakterystyczne dla romantycznego kierunku: łączenie okresów ludzkiego życia z biegiem dnia lub porami roku przyciągnęło wielu współczesnych Bryulłowa.

Obraz „Włoski poranek” to jedna z pierwszych kompozycji rodzajowych wykonanych przez Karla Bryulłowa bezpośrednio w plenerze. Jego bohaterka, myjąca się pod strumieniami fontanny, przeszyta promieniami słońca, zwiewna, postrzegana jest jako personifikacja samego poranka, poranka wschodzącego nowego dnia, poranka ludzkiego życia.

W liście przesłanym do Towarzystwa Zachęty Artystów zrelacjonował swoje pionierskie odkrycia, które poprzedziły poszukiwania przez malarzy realistycznych i impresjonistów w drugiej połowie XIX wieku naturalnego środowiska naturalnego światła: „Oświetliłem model w słońce, zakładając oświetlenie od tyłu, tak aby twarz i klatka piersiowa zacieniały się i odbijały się od fontanny oświetlonej słońcem, co sprawia, że wszystkie cienie są o wiele przyjemniejsze w porównaniu z prostym oświetleniem okien. „Włoski poranek” został zaprezentowany na wystawie w petersburskiej Akademii Sztuk Pięknych w 1826 roku i otrzymał znakomitą recenzję w czasopiśmie „Domestic Notes”.

Płótno podbiło wszystkich – włoską, a potem rosyjską publiczność, członków Towarzystwa Zachęty Artystów, wreszcie Aleksandra I, któremu Towarzystwo podarowało obraz w prezencie. Później, w 1826 r. Mikołaj I nakazał K.P. Obraz Bryulłowa, który byłby „parą” poprzedniego.

Po obrazie „Poranek” Bryulłow stara się dalej rozwijać figuratywne zestawienie istoty natury i człowieka. Obraz „Włoskie południe” był efektem wieloletnich poszukiwań artysty. Praca powstała z poczuciem niekończącej się uwagi i zaufania do rzeczywistości.

Zaniedbując akademizm, artysta szukał i znajdował nowe możliwości oświetlenia. „Włoskie południe” napisał Bryulłow w prawdziwym ogrodzie, kiedy słońce było w zenicie. „Dla najpewniejszego ułożenia cieni i światła pracuję nad tym obrazem pod prawdziwą winnicą w ogrodzie” – napisał o tej pracy Bryullov. Twarz, ramiona i ramiona pozującej mu modelki „zakrył” cieniem winnicy. Oszałamiający efekt światłocienia na tym płótnie podkreślają refleksy z czerwonego szala.

Artysta szukał piękna w prostocie, codzienności. Jego bohaterką była młoda kobieta tryskająca entuzjazmem, kwitnąca zdrowiem, zbierająca kiść winogron w ogrodzie. Urzekła artystkę jasnym blaskiem szeroko rozstawionych oczu, a co najważniejsze, jej życiową siłą rozbryzgującą się na krawędzi. Nikołaj Wasiljewicz Gogol pisał o niej: „Namiętna kobieta, lśniąca, płonąca całym luksusem namiętności, całą mocą piękna”.

Dojrzałej urodzie bohaterki dorównuje kiść winogron polana słońcem i soki ziemi, które podziwia. Zenit dnia, zenit życia natury, czas dojrzewania owoców to zenit ludzkiego życia.

W obrazie „Włoskie południe” (jak we „Włoskim poranku”) fabuła zaczerpnięta jest nie z mitologii, nie z Biblii, ale po prostu z życia. Bryullov postanowił złamać stare prawa estetyczne, udało mu się znaleźć łaskę w życiu codziennym. Ale odwaga i nowatorstwo tego pomysłu spowodowały jednogłośną odmowę. Wszyscy wyrazili krytykę nowej pracy Bryulłowa: starszy brat Fedor, wielu kolegów i opinia publiczna. Obraz jest bardzo szokujący dla szanowanych członków Towarzystwa Zachęty Artystów, którzy pozbawiają Bryulłowa stypendium. Ale na szczęście do tego czasu umiejętności artysty stały się tak silne, że postanowił pójść własną drogą.

Obie prace, „Włoski poranek” i „Włoskie południe”, znajdowały się w Pałacu Zimowym - w prywatnych komnatach cesarzowej Aleksandry Fiodorownej, co nie przeszkadzało artystom i publiczności ich zobaczyć. W „Dzienniku” artysty A.N. Mokritsky z dnia 14 października 1835 r. Opowiada, jak on i A.G. Venetsianov odwiedził buduar cesarzowej, aby zapoznać się z tymi malowniczymi arcydziełami.

1830-1833. Płótno, olej.
Państwowe Muzeum Rosyjskie, Sankt Petersburg, Rosja.

W 1821 r. w Petersburgu staraniem entuzjastów powstało Towarzystwo Zachęty Artystów, którego głównym celem była pomoc artystom wszelkimi możliwymi sposobami oraz upowszechnianie wszelkich sztuk pięknych. Karl i Aleksander Bryulłowowie mieli zaszczyt być pierwszymi emerytami Towarzystwa we Włoszech. 16 sierpnia 1822 r. dyliżansem Petersburg-Ryga rozpoczęła się podróż braci do Rzymu.

Warsztaty twórcze Rembrandta, Velasqueza, Van Dycka, Tycjana otworzyły swoje podwoje dla artysty z Rosji. Wchłonąwszy zdobycze sztuki światowej, rozlewał na płótna rewelacje o takiej samej skali. Według poety Aleksieja Konstantinowicza Tołstoja Bryulłowa uważano za „najlepszego malarza w Rzymie”. Artysta malował portrety włoskiej szlachty i jej rodaków. Jego malarstwo staje się bardziej przejrzyste, kolorystyka obrazów jest intensywniejsza, kolory są świeższe. Młody malarz maluje swoje obrazy Włoski poranek i Włoskie południe, w których fabuła zaczerpnięta jest nie z mitologii, nie z Biblii, ale po prostu z życia. Jest to bardzo szokujące dla szanowanych członków Towarzystwa Zachęty Artystów i pozbawiają Bryulłowa stypendium. Bryullov został zmuszony do zarabiania pieniędzy, wykonując portrety akwarelowe.

Latem tego samego roku Bryulłow wraz z Anatolijem Nikołajewiczem Demidowem, właścicielem zakładów górniczych na Uralu, po raz pierwszy odwiedzili wykopaliska w Pompejach. O Pompejuszu dowiedział się od swojego brata Aleksandra. Podczas oględzin tego miasta w głowie artysty błysnął pomysł, aby namalować duży obraz i przedstawić na nim śmierć Pompejów, o czym poinformował Demidowa. Po wysłuchaniu go zaproponował, że kupi wymyślony przez siebie obraz i zawarł umowę z Bryullovem, która zobowiązała artystę do wykonania zamówienia do końca 1830 roku.

Bryulłow tak wspominał swoje pierwsze wrażenia z wizyty w Pompejach: „... Odkryliśmy wykopaną część tego nieszczęsnego miasta. Weszliśmy, przy wejściu siedzieli strażnicy-przewodnicy; jeden z nich zaoferował nam swoje usługi i powiedział, że to miejsce było małym forum, czyli miejscem, gdzie ludzie zbierali się na targi i inne sprawy publiczne... Widok tych ruin mimowolnie sprawił, że przeniosłem się do czasów, gdy te mury jeszcze były zamieszkane, kiedy to forum, na którym staliśmy samotnie i gdzie ciszę przerywała tylko jaszczurka, było zapełnione ludźmi... to miasto."

1840. Olej na płótnie. 87 x 70.
Narodowa Galeria Armenii, Erewan, Armenia.

Malarz Bryulłow odnalazł swoje prawdziwe powołanie w portretowaniu, osiągając najwyższą klasę malarską w swoich portretach i obrazach.

Bohaterowie portretów Bryulłowa są prawie zawsze atrakcyjni. Tłumaczy się to tym, że najczęściej ci ludzie są wybitnymi, jasnymi osobowościami i faktem, że Bryullov unikał malowania portretów tych, którzy nie wzbudzali w nim duchowej sympatii.

Autor zafascynowany modelem opowiada o swoich bohaterach tonem optymistycznym, czasem jakby recytującym, porzucając język prozy na rzecz poezji. Swoim usposobieniem do modela pragnie oczarować widza.

Koneserom malarstwa Karla Bryulłowa bardziej znany jest portret M.A. Beck z córką, namalowany w tym samym 1940 roku, to duże płótno, które jest dziś przechowywane w Państwowej Galerii Trietiakowskiej.

Na tym portrecie luksusowe wyposażenie salonu, namalowane zwykłą barwną jasnością Bryulłowa, przekonujące w przenoszeniu cennych aksamitów, brązu, marmuru, staje się równorzędnym obiektem uwagi i zainteresowania publiczności. Bohaterka portretu, w swojej idealnej, ospałej urodzie i pewnego rodzaju ospałym statycznym charakterze, pojawia się we wzruszającej roli matki. Oczywista jest tutaj kalkulacja na sentymentalną reakcję widza, na wzbudzenie w nim uczucia czułości.

Malarz stworzył dziesiątki doskonałych portretów swoich współczesnych, uderzając swoją kunsztem i oddając honor wielu kolekcjom świata.

Bryulłowa wcale nie pociągała oficjalna powaga i znaczenie. Najwyraźniej jest to powód, dla którego Bryullov nie tylko nie został portrecistą dworskim, ale wszelkimi możliwymi, a czasem ryzykownymi środkami, opuścił tę rolę.

Wielu współczesnych pamiętało o odwadze, z jaką unikał konieczności pisania samego cesarza. Bryulłow wykorzystał spóźnienie Nikołaja do swojej pracowni: „wziął kapelusz i opuścił dziedziniec, nakazując powiedzieć władcy, jeśli przybył:” Karl Pavlovich oczekiwał twojego majestatu, ale wiedząc, że nigdy się nie spóźniłeś, doszedł do wniosku, że coś cię opóźniło i że przełożyłeś sesję na inny czas. „Dwadzieścia minut po wyznaczonym czasie władca przybył do studia Bryulłowa w towarzystwie Grigorowicza, był zdumiony, że nie znalazł Bryulłowa w domu i po wysłuchaniu wyjaśnienia Goretsky'ego o sprawie, powiedział do Grigorowicza: „Co za niecierpliwy człowiek!” Po Oczywiście nigdy więcej nie było mowy o portrecie. Niemal wyzywająco porzucił pracę nad portretem Aleksandry Fiodorownej na koniu po tym, jak cesarzowa odwołała kilka sesji.

1839. Olej na płótnie. Nie skończony. 102,3 x 86,2.
Galeria Tretiakowska, Moskwa, Rosja.

Portret - jeden z gatunków w sztuce, który odtwarza wygląd indywidualności człowieka. Wraz z zewnętrznym podobieństwem portret oddaje duchowy świat przedstawianej osoby. Ten rodzaj sztuki pozostaje obszarem, w którym talent Bryulłowa króluje suwerennie i znakomicie. Wraz z brawurowymi portretami świeckimi, imponującymi mocnymi barwnymi i kompozycyjnymi efektami („Hrabina Yu. P. Samoilova, opuszczająca bal z adoptowaną córką A. Pacchiniego”, ok. 1842), maluje portrety o innym planie.

Spokojny nastrój dominuje w obrazach ludzi sztuki, bardziej powściągliwych kolorystycznie, które jakby wymykają się z wnętrza formy, podkreślając duchowe znaczenie modeli. Tutaj artysta zwraca się ku analizie ludzkiego nastroju, utrwalając modele sprzeczności, które dręczą duszę. Widzi w twarzach i pozuje kombinację zapalności wyobraźni i zmęczenia, poruszenia myśli i intelektualnego chłodu.

Do tych portretów należy portret I. A. Kryłowa. Wnikliwy i przenikliwy Kryłow wydaje się zaglądać w twoją duszę, a jego światowa mądrość ukazuje wszystkie głębie i tajemne struny twojego wewnętrznego świata.

Ivan Andreevich Krylov - rosyjski poeta, bajkopisarz, tłumacz, pisarz. W młodości Kryłow był znany przede wszystkim jako pisarz satyryk, wydawca satyrycznego magazynu „Poczta duchów” i parodii tragikomedii „Trumf”, w której wyśmiewał Pawła I. Kryłowa jest autorem ponad 200 bajek z lat 1809-1843, zostały opublikowane w dziewięciu częściach i były przedrukowywane w bardzo dużych, jak na tamte czasy, wydaniach. W 1842 roku jego prace ukazały się w tłumaczeniu na język niemiecki. Fabuły wielu bajek sięgają do dzieł Ezopa i Lafontaine'a, choć istnieje wiele oryginalnych wątków. Wiele wyrażeń z bajek Kryłowa zostało uskrzydlonych.

Na linii matczynej i ojcowskiej Samoilovę łączyły więzy pokrewieństwa z rodzinami Palen, Skavronsky, księciem Potiomkinem, Włochami Litta i Visconti. Matka Julii, Maria, była pasierbicą słynnego męża stanu Giulio (Julius Pompeevich) Litta, z którym miała delikatny związek, a na świecie rozmawiali o kontrowersyjnym ojcostwie Julii (co dało początek włoskiemu typowi jej wyglądu ). Litta (zm. 1839) podzielił cały swój ogromny majątek i zbiory sztuki między Julię, de jure wnuczkę jego żony Katarzyny, i dwoje nieślubnych dzieci. Samoiłowa nosiła przydomek „ostatni ze Skawronskich”, ponieważ odziedziczyła kolosalną fortunę swojego dziadka.

Maria Skavronskaya, matka Samoilovej, posiadała ogromny majątek należący do rodziny Skavronsky, krewnych Katarzyny I i była ostatnim nosicielem tego nazwiska. Poślubiwszy hrabiego Palena i urodziwszy córkę, po pewnym czasie, gdy dziecko miało pięć i pół roku, opuściła ją i wyjechała do Paryża, aby studiować muzykę i śpiew, rozwiodła się z Palenem i poślubiła generała A.P. Ożarowskiego.

W wieku dwudziestu pięciu lat Julia wyszła za mąż za hrabiego Nikołaja Aleksandrowicza Samojłowa, adiutanta cesarskiego skrzydła (zm. 23 lipca 1842 r.). Para szybko się ochłodziła, głównie ze względu na zamiłowanie hrabiego do hulanek i zabawy. W 1827 roku para rozstała się za obopólną zgodą, a Samoiłow zwrócił posag, zabrał Julię do ojca, hrabiego Palena i utrzymywał z nią bardzo przyjazne stosunki.

Hrabina zamieszkała w posiadłości hrabiego Slavyanki pod Petersburgiem, z luksusowym domem zbudowanym według projektu brata Karla Bryulłowa, Aleksandra Pawłowicza Bryulłowa. Później zbuduje dla niej pałac na wyspie Elagin. Hrabina zachowywała wyjątkową niezależność. W jej domu zgromadził się oświecony krąg, którego Mikołaj mi się nie podobał, musiała przenieść się najpierw do Petersburga, a potem do Włoch, gdzie przyjaźniła się z Rossinim i Donizettim oraz patronowała artystom i muzykom, aktywnie uczestnicząc w życiu kulturalnym kraju.

Osiągnięcia Karla Bryulłowa w dziedzinie portretu zostały uznane za bezwarunkowe i niepodważalne, m.in. przez tak ostrych krytyków, jak Władimir Stasow i Aleksander Benois. Najlepszymi przykładami uroczystego portretu Bryulłowa są obrazy hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej - ideału całego jego życia. Akwarelowy portret Julii Pawłownej jest wzruszająco piękny w swojej czystości.

Karl Bryullov skłonił się przed tą kobietą od pierwszego dnia ich spotkania we Włoszech aż do ostatniego tchnienia, przed tą, która ze względu na jej wolność poglądów, niezależność zachowania była nielubiana przez autokratę całej Rosji Mikołaja I, jej dalekiego względny.

Poznała Karla Bryulłowa w Rzymie, w słynnym salonie Zinaidy Volkonskaya. Początek ich związku sięga 1827 roku. Latem podróżowali razem po Włoszech i wędrowali wśród ruin Pompejów, gdzie narodziła się idea słynnego mistrza płótna.

Chwała Bryulłowa jako mistrza portretu została ustalona przez jego Portret Yu.P. Samoilova z Giovanniną Pacini i czarnym chłopcem. Bryullov włożył całą siłę swojej inspiracji w portret Samoilovej. Portret grupowy jest pomyślany jako rodzaj sceny życiowej. Wracając ze spaceru Samoilova delikatnie przytula swoje przyjaciółki - Giovaninę Pacchini i czarną kobietę. Uczucia bohaterów są naprawdę przekazywane. Umiejętnie oddając moment ruchu, Bryulłow nie naruszył monumentalności płótna. Zawarte w kompozycji i wyposażeniu: kanapa, zasłona, dywan na podłodze, krawędź rzeźbionej ramy obrazu wiszącego na ścianie. Elegancka dekoracja nie blokuje przestrzeni, wypełnionej jasnymi komorami. Wynika to z szeroko otwartych drzwi balkonu z widokiem na park.

„Postawił portret chodzącej szlachcianki w prawdziwym rozmiarze”, jeden z włoskich krytyków napisał o Bryullovie, „… jej niebieska satynowa sukienka rzuca wokół niej dużo światła… postacie ze wszystkimi dodatkami są malowane swobodnie i soczystym pędzlem.”

Pod koniec 1835 roku, na polecenie Mikołaja I, Bryulłow wrócił do Rosji i objął stanowisko profesora Akademii Sztuk Pięknych w Petersburgu, rozpoczynając nauczanie. W 1839 Karl bezskutecznie ożenił się. Wspólne życie małżonków trwało zaledwie 2 miesiące.

W trudnym dla Bryulłowa czasie, upadku osobistego szczęścia i prześladowań ze strony dworskiej, Samoilova przybyła z Włoch (w 1839 r.), Aby wesprzeć swoją przyjaciółkę. Pogardzając opinią świata, otoczyła artystę czułym udziałem, zabrała go do swojej posiadłości pod Pawłowsk - hrabiego Slavyanki. Było to bezpośrednie wyzwanie dla sądu, który był w Pawłowsku i widział, jak sznury gości szły do Samoilovej. Bryullov zaczął malować portret, który ponownie musiał pokazać wszystkim swój ideał w życiu i sztuce. Portret hrabiny Julii Pawłownej Samoilovej, opuszczającej piłkę z adoptowaną córką Amazilią Pacini, jest szczytem twórczości Bryulłowa jako portrecisty.

Treść tego portretu jest triumfalnym przejawem piękna i duchowej siły niezależnej, jasnej, wolnej osobowości. Fantastyczna wspaniałość architektury pomaga zamanifestować ten nowy aspekt pomysłu autora: wydaje się, że tam, w głębi wielkiego płótna, maski nie tylko bawią się na zwykłej maskaradzie, ale toczy się tam maskarada życia - każdy próbuje udawać, że nie jest tym, kim naprawdę jest.

Druga nazwa portretu - "Maskarada" - odpowiada podtekstowi, drugiemu, głównemu planowi intencji artysty. W tym świecie kłamstw Samoiłowa, pełna ludzkiej godności, pogardliwie zrzucona z maski, z dumą demonstruje swój brak udziału w hipokryzji świata. Piękna twarz hrabiny jest otwarta - nie tylko uwolniona z maski, ale otwarta na każdy ruch szczerej, namiętnej duszy odciśniętej na niej.

Czerwona, powiewająca kurtyna z oczyszczającym płomieniem oddziela, odcina Julię od gotującej się za karuzelą błazna maskarady, od sułtana górującego nad monotonną plątaniną postaci, od pochylającego się ku niemu Merkurego, usłużnego ambasadora, wskazującego rózgą na piękno pozostawiając.

Artystka długo mieszka z Hrabiną, także w jej willi w Lombardii. Ponadto hrabina posiadała majątek w Grousse (Francja), pałac w Mediolanie i pałac nad jeziorem Como. Zachowały się fragmenty korespondencji pomiędzy kochankami, świadczące o głębokim uczuciu.

Razem z amazonką i portretem Yu.P. Samoilova z Giovanniną Pacini i czarnym dzieckiem, stworzona podczas pracy nad słynnymi Pompejami, stanowi rodzaj tryptyku poświęconego słynnej urodzie.

Na obrazie Ostatni dzień Pompejów Bryulłow napisał go obok artystki w tle, w postaci matki ściskającej córki, która upadła na ziemię iw innych miejscach.

Hrabina Samoilova miała dwie adoptowane córki – najmłodszą Amazilię (ur. 1828) i najstarszą Giovanninę Pacini, dzieci zubożałego mediolańskiego śpiewaka i kompozytora Giovanniego Paciniego, autora opery Ostatni dzień Pompejów, która zrobiła wrażenie na Bryullovie. Wspomina się, że hrabina Samoilova, która nie ograniczała się do niczego, była jedną z kochanek kompozytora – podobnie jak Pauline Borghese, siostra Napoleona. Nie wiadomo, kiedy Samoilova wzięła Amatsiliya w swoje wychowanie, ale sądząc po obrazie „Jeźniczka”, namalowanym w 1832 roku, mieszkała z nią przez cztery lata. Sprawa tych dwóch dziewczynek nie jest do końca wyjaśniona, z dokumentów wynika, że kompozytor miał właściwie tylko jedną córkę. Istnieje wersja, w której prawdziwe imię drugiej dziewczyny, Giovannina, brzmi Carmine Bertolotti i jest nieślubną córką Clementine Perry, siostry drugiego męża Samoilovej.

W 1845 r. Samoilova postanawia rozstać się z Bryullovem i zrywa z nim. W 1846 poślubia włoskiego tenora Periego, traci obywatelstwo Imperium Rosyjskiego, sprzedaje hrabiemu Slavyanka i inne mienie. Jej drugi mąż, śpiewak operowy Perry, wyróżniający się niezwykłą urodą, umrze rok po ślubie z konsumpcji.

A rok po jego śmierci w Rosji zmarł również pierwszy mąż Julii Pawłowny, słynny Alcybiades, dlatego przez długi czas nosiła żałobę po dwóch mężach jednocześnie. Naoczni świadkowie, którzy widzieli ją w tym okresie jej życia, mówili, że żałoba wdowy bardzo jej odpowiadała, podkreślając jej urodę, ale wykorzystała ją w bardzo oryginalny sposób. Na najdłuższym trenie sukni żałobnej Samojłowa posadziła dzieci jak na wozie, a sama, jak zdrowy koń, tarzała dzieci śmiejąc się z zachwytem po lustrzanych parkietach swoich pałaców.

Trzeci mąż, dyplomata hrabia de Mornay, z którym pobrali się w 1863 roku, rok po ślubie opuści starszą żonę, tłumacząc odejście zupełną odmiennością charakterów.

Pod koniec życia Samoilova straciła prawie całą swoją fortunę. Adoptowane córki, zamężne, poprzez sądy pobierały od hrabiny obiecane pieniądze i majątek. Zmarła w Paryżu i została pochowana na cmentarzu Pere la Chaise wraz z drugim mężem.

« batszeba”- obraz wielkiego rosyjskiego artysty Karla Pavlovicha (1799-1852). Obraz został namalowany w 1832 roku. Płótno, olej. Wymiary: 173 x 125,5 cm Znajduje się w Państwowej Galerii Trietiakowskiej w Moskwie.

W tej pracy Bryullov zwrócił się do jednej z biblijnych historii. Według biblijnej przypowieści król Dawid, idąc po dachu swego pałacu, zobaczył kąpiącą się poniżej Batszebę, żonę jego poddanego Uriasza Chetyty. Sam Uriasz był w tym czasie w wojsku. Aby usunąć barierę i wziąć Batszebę za żonę, Dawid nakazał dowódcy umieścić jej męża tam, gdzie grozi mu śmierć. Król wziął Batszebę za żonę, ale za ten grzech zapłacił życiem swego pierworodnego, który zmarł kilka dni po urodzeniu. Batszeba została matką legendarnego króla Salomona.

Na swoim zdjęciu Karl Bryullov próbował przekazać urzekające piękno orientalnej dziewczyny, która zaciemniła umysł samego króla, zmuszając go do popełnienia straszliwej zbrodni. Batszeba wykonuje zabiegi wodne w wannie, co według historii jest początkiem tej historii. Uderza niezwykła biel jej skóry. Aby jeszcze bardziej podkreślić delikatność i biel skóry przyszłej królowej, Bryulłow umieścił obok niego czarną pannę. Pokojówka z podziwem spogląda na swoją kochankę, która swoim pięknem zdaje się rozświetlać całe otoczenie.

Obraz jest niedokończony. Górna część płótna jest napisana dość szczegółowo i dokładnie, ale w dolnej części widzimy, że Bryullov z jakiegoś powodu opuścił pracę. Woda w marmurowej wannie jest tylko wskazana, faktura wody nie jest dopracowana do końca. Jednak pomimo niekompletności obrazu „Bathsheba” uważana jest za jedno z najlepszych dzieł malarskich wybitnego rosyjskiego mistrza.

Obraz „Bathsheba” Bryullov

Chcesz spędzić przyjemne wakacje na łodzi w Moskwie? Do Państwa dyspozycji jest projekt prezydium http://dekorzala.ru/product/oformlenie-prezidium/ od profesjonalistów w swojej dziedzinie. Najpiękniejsze, stylowe i odważne rozwiązania na Twoją uroczystość.

Dni bezpłatnych wizyt w muzeum

W każdą środę wstęp na wystawę stałą „Sztuka XX wieku” i wystawy czasowe w (Krymsky Val, 10) jest bezpłatny dla zwiedzających bez przewodnika (z wyjątkiem projektu „Awangarda w trzech wymiarach: Gonczarowa i Malewicza").

Prawo do swobodnego dostępu do ekspozycji w głównym budynku przy Lavrushinsky Lane, budynku inżynieryjnego, nowej Galerii Trietiakowskiej, domu-muzeum W.M. Vasnetsov, muzeum-mieszkanie A.M. Vasnetsov jest dostarczany w kolejnych dniach dla niektórych kategorii obywateli w porządku ogólnym:

Pierwsza i druga niedziela każdego miesiąca:

dla studentów wyższych uczelni Federacji Rosyjskiej, niezależnie od formy kształcenia (w tym obcokrajowców-studentów rosyjskich uniwersytetów, doktorantów, adiunktów, rezydentów, asystentów stażystów) po okazaniu legitymacji studenckiej (nie dotyczy osób prezentujących legitymacje stażysty) );

dla uczniów średnich i średnich wyspecjalizowanych instytucji edukacyjnych (od 18 lat) (obywatele Rosji i krajów WNP). W pierwszą i drugą niedzielę każdego miesiąca studenci posiadający karty ISIC mają prawo do bezpłatnego zwiedzania wystawy „Sztuka XX wieku” w Nowej Galerii Trietiakowskiej.

w każdą sobotę - dla członków rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).

Należy pamiętać, że warunki bezpłatnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Sprawdź strony wystawy, aby poznać szczegóły.

Uwaga! W kasie Galerii wydawane są bilety wstępu o wartości nominalnej „bezpłatnie” (po okazaniu odpowiednich dokumentów – dla ww. zwiedzających). Jednocześnie wszystkie usługi Galerii, w tym usługi wycieczek, są opłacane zgodnie z ustaloną procedurą.

Zwiedzanie muzeum w dni wolne od pracy

Drodzy goście!

Proszę zwrócić uwagę na godziny otwarcia Galerii Trietiakowskiej w święta. Wizyta jest płatna.

Należy pamiętać, że wejście z biletami elektronicznymi odbywa się na zasadzie „kto pierwszy, ten lepszy”. Z zasadami zwrotu biletów elektronicznych można zapoznać się pod adresem.

Gratulujemy nadchodzących wakacji i czekamy w salach Galerii Trietiakowskiej!

Prawo do preferencyjnych odwiedzin Galeria, z wyjątkiem przypadków przewidzianych odrębnym zarządzeniem dyrekcji Galerii, jest udostępniana po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do preferencyjnych wizyt:

emeryci (obywatele Rosji i krajów WNP),
pełnoprawni kawalerowie Orderu Chwały,
uczniowie średnich i średnich specjalnych placówek edukacyjnych (od 18 roku życia),
studenci wyższych uczelni w Rosji, a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach (z wyjątkiem praktykantów studenckich),
członkowie rodzin wielodzietnych (obywatele Rosji i krajów WNP).

Odwiedzający powyższe kategorie obywateli kupują bilet ulgowy w porządku ogólnym.

Prawo do bezpłatnego wstępu Ekspozycje główne i czasowe Galerii, z wyjątkiem przypadków przewidzianych odrębnym zarządzeniem dyrekcji Galerii, są przewidziane dla następujących kategorii obywateli po okazaniu dokumentów potwierdzających prawo do bezpłatnego wstępu:

osoby poniżej 18 roku życia;
studenci wydziałów specjalizujących się w dziedzinie sztuk pięknych w szkołach średnich i wyższych w Rosji, niezależnie od formy kształcenia (a także studenci zagraniczni studiujący na rosyjskich uniwersytetach). Klauzula nie dotyczy osób prezentujących legitymacje studenckie „studentów stażystów” (w przypadku braku informacji o wydziale w legitymacji studenckiej, przedstawia się zaświadczenie z placówki oświatowej z obowiązkowym wskazaniem wydziału);
weterani i inwalidzi Wielkiej Wojny Ojczyźnianej, kombatanci, byli nieletni więźniowie obozów koncentracyjnych, gett i innych miejsc przetrzymywania tworzonych przez nazistów i ich sojuszników w czasie II wojny światowej, bezprawnie represjonowani i rehabilitowani obywatele (obywatele Rosji i krajów WNP );
wojskowi Federacji Rosyjskiej;
Bohaterowie Związku Radzieckiego, Bohaterowie Federacji Rosyjskiej, Pełni Kawalerowie „Zakonu Chwały” (obywatele Rosji i krajów WNP);
osoby niepełnosprawne z grup I i II, uczestnicy likwidacji skutków katastrofy w elektrowni jądrowej w Czarnobylu (obywatele Rosji i krajów WNP);
jedna towarzysząca niepełnosprawna osoba z grupy I (obywatele Rosji i krajów WNP);
jedno towarzyszące niepełnosprawne dziecko (obywatele Rosji i krajów WNP);
artyści, architekci, projektanci - członkowie odpowiednich związków twórczych Rosji i jej podmiotów, historycy sztuki - członkowie Stowarzyszenia Krytyków Sztuki Rosji i jej podmiotów, członkowie i pracownicy Rosyjskiej Akademii Sztuki;
członkowie Międzynarodowej Rady Muzeów (ICOM);
pracownicy muzeów systemu Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i odpowiednich Departamentów Kultury, pracownicy Ministerstwa Kultury Federacji Rosyjskiej i ministerstw kultury podmiotów Federacji Rosyjskiej;
wolontariusze muzealni - wejście na ekspozycję „Sztuka XX wieku” (Krymsky Val, 10) i do Muzeum-mieszkania A.M. Wasniecow (obywatele Rosji);
przewodnicy-tłumacze posiadający legitymację akredytacyjną Stowarzyszenia Tłumaczy Przewodników i Tour Managerów Rosji, w tym towarzyszący grupie turystów zagranicznych;
jeden nauczyciel instytucji edukacyjnej i jeden towarzyszący grupie uczniów średnich i średnich wyspecjalizowanych placówek edukacyjnych (jeśli istnieje bon wycieczkowy, abonament); jeden nauczyciel instytucji edukacyjnej, który posiada państwową akredytację działań edukacyjnych podczas prowadzenia uzgodnionej sesji szkoleniowej i ma specjalną odznakę (obywatele Rosji i krajów WNP);
jeden towarzyszący grupie studentów lub grupie wojskowych (jeśli jest bon wycieczkowy, abonament i podczas szkolenia) (obywatele Rosji).

Odwiedzający powyższe kategorie obywateli otrzymują bilet wstępu o wartości nominalnej „Bezpłatny”.

Należy pamiętać, że warunki preferencyjnego wstępu na wystawy czasowe mogą się różnić. Sprawdź strony wystawy, aby poznać szczegóły.