W XVII wieku wprowadzono podział na gatunki malarstwa na „wysokie” i „niskie”. Pierwsza obejmowała gatunki historyczne, bitewne i mitologiczne. Druga obejmowała przyziemne gatunki malarstwa z Życie codzienne np. gatunek gospodarstwa domowego, martwa natura, animalistyka, portret, akt, pejzaż.

gatunek historyczny

Gatunek historyczny w malarstwie przedstawia nie konkretny przedmiot lub osobę, ale pewien moment lub wydarzenie, które miało miejsce w historii minionych epok. Jest zawarty w głównym gatunki malarskie w sztuce. Gatunki portretowe, bitewne, codzienne i mitologiczne są często ściśle splecione z historycznym.

„Podbój Syberii przez Jermaka” (1891-1895)
Wasilij Surikow

Artyści Nicolas Poussin, Tintoretto, Eugene Delacroix, Peter Rubens, Wasilij Iwanowicz Surikow, Borys Michajłowicz Kustodiew i wielu innych malowali swoje obrazy w gatunku historycznym.

gatunek mitologiczny

Legendy, starożytne legendy i mity, folklor- obraz tych wątków, bohaterów i wydarzeń znalazł swoje miejsce w mitologicznym gatunku malarstwa. Być może da się to wyróżnić w malarstwie dowolnego narodu, ponieważ historia każdej grupy etnicznej jest pełna legend i tradycji. Na przykład taki wątek z mitologii greckiej, jak sekretny romans bóg wojny Ares i bogini piękna Afrodyta są przedstawieni na obrazie „Parnassus” włoskiego artysty Andrei Mantegna.

„Parnas” (1497)
Andrea Mantegna

Mitologia w malarstwie ukształtowała się ostatecznie w okresie renesansu. Przedstawicielami tego gatunku, oprócz Andrei Mantegny, są Rafael Santi, Giorgione, Lucas Cranach, Sandro Botticelli, Wiktor Michajłowicz Wasniecow i inni.

Gatunek bitwy

Malarstwo bitewne opisuje sceny z życia wojskowego. Najczęściej ilustrowane są różne kampanie militarne, a także bitwy morskie i lądowe. A ponieważ te walki są często zabierane z prawdziwa historia, wtedy gatunki bitewne i historyczne znajdują tutaj swój punkt przecięcia.

Fragment panoramy „Bitwa pod Borodino” (1912)
Franz Roubaud

nabrał kształtu malarstwo bitewne w okresie włoskiego renesansu w twórczości artystów Michała Anioła Buonarrotiego, Leonarda da Vinci, a następnie Teodora Gericaulta, Francisco Goi, Franza Aleksiejewicza Roubauda, Mitrofana Borisowicza Grekowa i wielu innych malarzy.

gatunek gospodarstwa domowego

Sceny z życia codziennego, towarzyskiego lub Prywatność zwykli ludzie, czy to życie miejskie, czy chłopskie, przedstawia codzienność w malarstwie. Jak wielu innych gatunki malarskie, obrazy domowe są rzadko spotykane w niezależna forma stając się częścią gatunku portretowego lub krajobrazowego.

„Sprzedawca instrumentów muzycznych” (1652)
Karel Fabrycjusz

Pochodzenie malarstwo domowe wystąpił w X wieku na Wschodzie, a do Europy i Rosji przeszedł dopiero w XVII-XVIII wieku. Jan Vermeer, Karel Fabricius i Gabriel Metsu, Michaił Shibanov i Ivan Alekseevich Ermenev to najsłynniejsi artyści malarstwa codziennego w tym okresie.

Gatunek zwierząt

główne obiekty gatunek zwierząt to zwierzęta i ptaki, zarówno dzikie, jak i domowe, oraz ogólnie wszyscy przedstawiciele świata zwierzęcego. Początkowo animalistyka należała do gatunków malarstwa chińskiego, ponieważ po raz pierwszy pojawiła się w Chinach w VIII wieku. W Europie animalizm ukształtował się dopiero w renesansie - zwierzęta w tym czasie przedstawiano jako ucieleśnienie wad i cnót człowieka.

„Konie na łące” (1649)
Paulus Potter

Antonio Pisanello, Paulus Potter, Albrecht Durer, Frans Snyders, Albert Cuyp to główni przedstawiciele animalistyki w sztukach wizualnych.

Martwa natura

W gatunku martwej natury przedstawiane są przedmioty otaczające osobę w życiu. Są to zgrupowane obiekty nieożywione. Takie przedmioty mogą należeć do tego samego rodzaju (na przykład na zdjęciu przedstawiono tylko owoce) lub mogą być niejednorodne (owoce, przybory, instrumenty muzyczne, kwiaty itp.).

„Kwiaty w koszu, motyl i ważka” (1614)
Ambrosius Bosschaert Starszy

Martwa natura jako niezależny gatunek ukształtowała się w XVII wieku. Szczególnie wyróżnione są flamandzkie i holenderskie szkoły martwej natury. W tym gatunku przedstawiciele najbardziej różne style, od realizmu do kubizmu. Niektóre z najbardziej znanych martwych natur namalowali malarze Ambrosius Bosschaert Starszy, Albertus Jonah Brandt, Paul Cezanne, Vincent van Gogh, Pierre Auguste Renoir, Willem Claes Heda.

Portret

Portret - gatunek malarstwa, który jest jednym z najczęstszych w sztukach wizualnych. Celem portretu w malarstwie jest przedstawienie osoby, ale nie tylko jej wyglądu, ale także przekazanie wewnętrznych uczuć i nastroju portretowanej osoby.

Portrety są pojedyncze, parowe, grupowe, a także autoportret, który bywa wyróżniany jako osobny gatunek. I najbardziej słynny portret być może wszechczasów jest obraz Leonarda da Vinci zatytułowany „Portret pani Lisy del Giocondo”, znany wszystkim jako „Mona Lisa”.

„Mona Lisa” (1503-1506)
Leonardo da Vinci

Pierwsze portrety pojawiły się tysiące lat temu w Starożytny Egipt- to były wizerunki faraonów. Od tego czasu większość artystów wszechczasów parała się tym gatunkiem w taki czy inny sposób. Portret i historyczne gatunki malarstwa mogą się również przecinać: wizerunek wielkiego postać historyczna zostanie uznane za dzieło gatunek historyczny, choć jednocześnie odda wygląd i charakter tej osoby jako portret.

nagi

Celem gatunku akt jest przedstawienie nagiego ciała osoby. Za moment pojawienia się i rozwoju tego rodzaju malarstwa uważa się okres renesansu, a głównym obiektem malarstwa wówczas najczęściej stawało się kobiece ciało, które uosabiało piękno epoki.

"Koncert wiejski" (1510)
tycjanowski

Tycjanowski, Amedeo Modigliani, Antonio da Correggio, Giorgione, Pablo Picasso są najbardziej znany artysta który malował obrazy w gatunku aktów.

Sceneria

Motywem przewodnim gatunku pejzaż jest przyroda, Środowisko miasto, wieś lub dzicz. Pierwsze pejzaże pojawiły się już w starożytności podczas malowania pałaców i świątyń, tworzenia miniatur i ikon. Jako niezależny gatunek krajobraz nabiera kształtów już w XVI wieku i od tego czasu stał się jednym z najpopularniejszych gatunki malarskie.

Jest obecny w twórczości wielu malarzy, począwszy od Petera Rubensa, Aleksieja Kondratievicha Savrasova, Edouarda Maneta, poprzez Izaaka Iljicza Levitana, Pieta Mondriana, Pabla Picassa, Georgesa Braque'a, a skończywszy na wielu współczesnych artystach XXI wieku.

„Złota jesień” (1895)
Izaak Lewitan

Pośród pejzaż można wyróżnić gatunki takie jak pejzaże morskie i miejskie.

Weduta

Veduta to pejzaż, którego celem jest oddanie wyglądu przestrzeni miejskiej oraz oddanie jej piękna i koloru. Później, wraz z rozwojem przemysłu, krajobraz miejski zamienia się w krajobraz przemysłowy.

„Plac Świętego Marka” (1730)
Canaletto

Krajobrazy miejskie można docenić, zapoznając się z dziełami Canaletta, Pietera Bruegla, Fiodora Jakowlewicza Aleksiejewa, Sylwestra Fiodosievicha Szczedrina.

przystań

Pejzaż morski, czyli marina przedstawia naturę morskiego żywiołu, jego wielkość. Być może najsłynniejszym malarzem marynistycznym na świecie jest Iwan Konstantinowicz Aiwazowski, którego obraz Dziewiąta fala można nazwać arcydziełem malarstwa rosyjskiego. Rozkwit mariny nastąpił jednocześnie z rozwojem samego krajobrazu.

„Żaglówka w burzy” (1886)
James Buttersworth

Z ich pejzaże morskie znani są również Katsushika Hokusai, James Edward Buttersworth, Aleksiej Pietrowicz Bogolubow, Lew Feliksowicz Lagorio i Rafael Montleon Torres.

Jeśli chcesz dowiedzieć się jeszcze więcej o tym, jak powstawały i rozwijały się gatunki malarskie w sztuce, obejrzyj poniższy film:

Weź to, powiedz znajomym!

Przeczytaj także na naszej stronie internetowej:

Pokaż więcej

„Gracze w karty”

autor

Paweł Cezanne

Kraj Francja
Lata życia 1839–1906
Styl postimpresjonizm

Artysta urodził się na południu Francji w małym miasteczku Aix-en-Provence, ale zaczął malować w Paryżu. Prawdziwy sukces przyszedł do niego po indywidualnej wystawie zorganizowanej przez kolekcjonera Ambroise Vollarda. W 1886 r., 20 lat przed wyjazdem, przeniósł się na przedmieścia rodzinne miasto. Młodzi artyści nazywali wyjazdy do niego „pielgrzymką do Aix”.

130x97 cm
1895
Cena £
250 milionów dolarów
sprzedany w 2012
na aukcji prywatnej

Praca Cezanne'a jest łatwa do zrozumienia. Jedyną zasadą artysty było bezpośrednie przeniesienie tematu lub fabuły na płótno, dzięki czemu jego obrazy nie wywołują dezorientacji widza. Cezanne połączył w swojej sztuce dwie główne tradycje francuskie: klasycyzm i romantyzm. Za pomocą kolorowej faktury nadał formie przedmiotom niesamowitą plastyczność.

Cykl pięciu obrazów „Gracze w karty” powstał w latach 1890-1895. Ich fabuła jest taka sama – kilka osób entuzjastycznie gra w pokera. Prace różnią się jedynie liczbą graczy i wielkością płótna.

Cztery obrazy są przechowywane w muzeach w Europie i Ameryce (Musée d'Orsay, Metropolitan Museum of Art, Fundacja Barnes i Courtauld Institute of Art), a piąty, do niedawna, był ozdobą prywatnej kolekcji Grecki miliarder armator George Embirikos. Tuż przed śmiercią, zimą 2011 roku, postanowił wystawić go na sprzedaż. Potencjalnymi nabywcami „darmowej” pracy Cezanne'a byli handlarz dziełami sztuki William Aquavella i światowej sławy właściciel galerii Larry Gagosian, który zaoferował za nie około 220 milionów dolarów. W rezultacie obraz trafił do rodziny królewskiej arabskiego państwa Kataru za 250 mln. Największa transakcja artystyczna w historii malarstwa została zamknięta w lutym 2012 roku. Zostało to zgłoszone do Vanity Fair przez dziennikarkę Alexandrę Pierce. Dowiedziała się o kosztach obrazu i nazwisku nowego właściciela, a potem informacja przeniknęła do mediów na całym świecie.

Muzeum Arabskie otwarte w Katarze w 2010 r. Sztuka współczesna oraz Muzeum Narodowe Kataru. Teraz ich kolekcje się powiększają. Być może w tym celu szejk nabył piątą wersję The Card Players.

Najbardziejdrogie zdjęciena świecie

Właściciel
Szejk Hamad
bin Khalifa al-Thani

Dynastia al-Thani rządzi Katarem od ponad 130 lat. Około pół wieku temu odkryto tu ogromne rezerwy ropy naftowej i gazu, co natychmiast uczyniło Katar jednym z najbogatszych regionów świata. Dzięki eksportowi węglowodorów ten niewielki kraj odnotował największy PKB per capita. Szejk Hamad bin Khalifa al-Thani przejął władzę w 1995 roku, podczas gdy jego ojciec przebywał w Szwajcarii, przy wsparciu członków rodziny. Zasługą obecnego władcy, zdaniem ekspertów, jest jasna strategia rozwoju kraju, kreowanie udanego wizerunku państwa. Katar ma teraz konstytucję i premiera, a kobiety zyskały prawo do głosowania w wyborach parlamentarnych. Nawiasem mówiąc, to emir Kataru założył kanał informacyjny Al Jazeera. Władze państwa arabskiego przywiązują dużą wagę do kultury.

2 "Numer 5"

autor

Jackson Pollock

Kraj USA
Lata życia 1912–1956
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jack the Sprinkler - taki przydomek nadał Pollockowi amerykańska publiczność za jego specjalną technikę malarską. Artysta porzucił pędzel i sztalugi, a farbę wylał na powierzchnię płótna lub płyty pilśniowej podczas ciągłego ruchu wokół i wewnątrz nich. Od najmłodszych lat lubił filozofię Jiddu Krishnamurtiego, której głównym przesłaniem jest to, że prawda objawia się podczas swobodnego „wylania”.

122x244 cm
1948
Cena £
140 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Wartość pracy Pollocka nie tkwi w wyniku, ale w procesie. Autor nie przypadkowo nazwał swoją sztukę „malarstwem akcji”. Z jego lekka ręka stał się głównym atutem Ameryki. Jackson Pollock mieszał farbę z piaskiem, potłuczonym szkłem i pisał kawałkiem kartonu, szpachlą, nożem, łopatą. Artysta był tak popularny, że w latach 50. w ZSRR byli nawet naśladowcy. Obraz „Numer 5” jest uznawany za jeden z najdziwniejszych i najdroższych na świecie. Jeden z założycieli DreamWorks, David Geffen, kupił go do prywatnej kolekcji, aw 2006 roku sprzedał go w Sotheby`s za 140 milionów dolarów meksykańskiemu kolekcjonerowi Davidowi Martinezowi. Jednak kancelaria wkrótce wydała komunikat prasowy w imieniu swojego klienta, w którym stwierdził, że David Martinez nie był właścicielem obrazu. Tylko jedno jest pewne: meksykański finansista jest naprawdę w Ostatnio zebrane dzieła sztuki współczesnej. Jest mało prawdopodobne, by przegapił tak „dużą rybę”, jak „Numer 5” Pollocka.

3 „Kobieta III”

autor

Willem de Kooning

Kraj USA
Lata życia 1904–1997
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Pochodzący z Holandii, w 1926 wyemigrował do Stanów Zjednoczonych. W 1948 odbyła się osobista wystawa artysty. Krytycy sztuki docenili złożone, nerwowe, czarno-białe kompozycje, dostrzegając w ich autorze wielkiego modernistycznego artystę. Przez większość życia cierpiał na alkoholizm, ale radość z tworzenia nowej sztuki odczuwalna jest w każdej pracy. De Kooning wyróżnia malarska żywiołowość, szerokie pociągnięcia, dlatego czasami obraz nie mieści się w granicach płótna.

121x171 cm
1953
Cena £
137 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

W latach pięćdziesiątych na obrazach de Kooninga pojawiają się kobiety o pustych oczach, masywnych piersiach i brzydkich rysach. „Kobieta III” była ostatnim dziełem z tej serii biorącym udział w aukcji.

Od lat 70. obraz był przechowywany w Muzeum Sztuki Nowoczesnej w Teheranie, ale po wprowadzeniu w kraju surowych zasad moralnych starano się go pozbyć. W 1994 roku obraz został wywieziony z Iranu, a 12 lat później jego właściciel David Geffen (ten sam producent, który sprzedał „Numer 5” Jacksona Pollocka) sprzedał obraz milionerowi Stephenowi Cohenowi za 137,5 miliona dolarów. Ciekawe, że w ciągu jednego roku Geffen zaczął sprzedawać swoją kolekcję obrazów. Zrodziło to wiele plotek: na przykład, że producent zdecydował się na zakup Los Angeles Times.

Na jednym z forów artystycznych wyrażono opinię o podobieństwie „ Kobiety III"z obrazem Leonarda da Vinci "Dama z gronostajem". Za ząbkowanym uśmiechem i bezkształtną postacią bohaterki znawca malarstwa dostrzegł wdzięk osoby z królewskiej krwi. Świadczy o tym również słabo wyrysowana korona wieńcząca głowę kobiety.

4 „Portret AdeleBlocha-Bauera I"

autor

Gustav Klimt

Kraj Austria
Lata życia 1862–1918
Styl nowoczesny

Gustav Klimt urodził się w rodzinie grawera i był drugim z siedmiorga dzieci. Trzej synowie Ernesta Klimta zostali artystami i tylko Gustav stał się sławny na całym świecie. Większość dzieciństwa spędził w biedzie. Po śmierci ojca był odpowiedzialny za całą rodzinę. W tym czasie Klimt rozwinął swój styl. Przed jego obrazami każdy widz zastyga: pod cienkimi pociągnięciami złota wyraźnie widać szczery erotyzm.

138x136 cm
1907
Cena £
135 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Sotheby's

Losy obrazu, który nosi tytuł „Austriacka Mona Lisa”, mogą z łatwością stać się podstawą bestsellera. Dzieło artysty stało się przyczyną konfliktu całego państwa i jednej starszej pani.

Tak więc „Portret Adele Bloch-Bauer I” przedstawia arystokratkę, żonę Ferdynanda Blocha. Jej ostatnią wolą było przekazanie obrazu Austriakowi galeria państwowa. Jednak Bloch w testamencie anulował darowiznę, a naziści wywłaszczyli obraz. Później galeria prawie nie wykupiła Złotej Adele, ale wtedy pojawiła się dziedziczka - Maria Altman, siostrzenica Ferdynanda Blocha.

W 2005 roku rozpoczął się głośny proces „Maria Altman przeciwko Republice Austrii”, w wyniku którego obraz „wyjechał” z nią do Los Angeles. Austria podjęła bezprecedensowe środki: negocjowano pożyczki, ludność przekazała pieniądze na zakup portretu. Dobro nigdy nie zwyciężyło zła: Altman podniósł cenę do 300 milionów dolarów. W czasie procesu miała 79 lat i do historii przeszła jako osoba, która zmieniła wolę Bloch-Bauera na korzyść osobistych interesów. Obraz został zakupiony przez Ronalda Laudera, właściciela New Gallery w Nowym Jorku, gdzie pozostaje do dziś. Nie dla Austrii, dla niego Altman obniżył cenę do 135 milionów dolarów.

5 "Krzyk"

autor

Edvard Munch

Kraj Norwegia
Lata życia 1863–1944
Styl ekspresjonizm

Pierwszy obraz Muncha, który zasłynął na całym świecie, „Choroba” (istnieje w pięciu egzemplarzach) poświęcony jest siostrze artysty, która zmarła na gruźlicę w wieku 15 lat. Muncha zawsze interesował temat śmierci i samotności. W Niemczech jego ciężkie, maniakalne malarstwo wywołało nawet skandal. Jednak pomimo przygnębiających wątków, jego obrazy mają szczególny magnetyzm. Weź przynajmniej „Krzyk”.

73,5x91 cm
1895
Cena £
119,992 mln USD
sprzedane w 2012
na aukcji Sotheby's

Pełna nazwa obrazu to Der Schrei der Natur (przetłumaczona z niemieckiego jako „krzyk natury”). Twarz osoby lub kosmity wyraża rozpacz i panikę - te same emocje, których doświadcza widz patrząc na zdjęcie. Jedno z kluczowych dzieł ekspresjonizmu ostrzega przed tematami, które nabrały ostrości w sztuce XX wieku. Według jednej wersji artysta stworzył go pod wpływem zaburzenie psychiczne który cierpiał przez całe życie.

Obraz został dwukrotnie skradziony z różnych muzeów, ale został zwrócony. Lekko uszkodzony po kradzieży, Krzyk został odrestaurowany i był gotowy do ponownego wystawienia w Muzeum Muncha w 2008 roku. Dla przedstawicieli popkultury praca stała się źródłem inspiracji: Andy Warhol stworzył serię jej odbitek-kopii, a maska z filmu „Krzyk” została wykonana na obraz i podobieństwo bohatera obrazu.

Dla jednej fabuły Munch napisał cztery wersje dzieła: ta w prywatnej kolekcji wykonana jest w pastelu. Norweski miliarder Petter Olsen wystawił go na aukcji 2 maja 2012 roku. Nabywcą był Leon Black, który na „Krzyk” nie szczędził rekordowej kwoty. Założyciel Apollo Advisors, L.P. oraz Lion Advisors, L.P. znany z miłości do sztuki. Black jest patronem Dartmouth College, Muzeum Sztuki Nowoczesnej, Lincoln Art Center i Metropolitan Museum of Art. On posiada największa kolekcja obrazy współcześni artyści i klasyczni mistrzowie minionych wieków.

6

„Akt na tle biustu i zielonych liści”

autor

Pablo Picasso

Kraj Hiszpania, Francja
Lata życia 1881–1973
Styl kubizm

Z pochodzenia jest Hiszpanem, ale duchem i miejscem zamieszkania jest prawdziwym Francuzem. Picasso otworzył własne studio artystyczne w Barcelonie, gdy miał zaledwie 16 lat. Następnie wyjechał do Paryża i tam spędził większość swojego życia. Dlatego w jego nazwisku jest podwójny akcent. Styl wymyślony przez Picassa opiera się na zaprzeczeniu opinii, że obiekt przedstawiony na płótnie można oglądać tylko pod jednym kątem.

130x162 cm
1932
Cena £
106,482 mln USD
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Podczas pracy w Rzymie artysta poznał tancerkę Olgę Khokhlova, która wkrótce została jego żoną. Położył kres włóczęgostwu, przeniósł się z nią do luksusowego mieszkania. Do tego czasu uznanie znalazło bohatera, ale małżeństwo zostało zniszczone. Jeden z najbardziej drogie obrazyŚwiat powstał niemal przez przypadek - z wielkiej miłości, która, jak zawsze u Picassa, była krótkotrwała. W 1927 zainteresował się młodą Marie-Therese Walter (miała 17 lat, on 45). W tajemnicy przed żoną wyjechał ze swoją kochanką do miasteczka pod Paryżem, gdzie namalował portret przedstawiający Marię Teresę na obraz Daphne. Obraz został zakupiony przez nowojorskiego dealera Paula Rosenberga i sprzedany w 1951 roku Sidneyowi F. Brody'emu. Brodys pokazali obraz światu tylko raz i tylko dlatego, że artysta miał 80 lat. Po śmierci męża pani Brody wystawiła dzieło na aukcję w Christie's w marcu 2010 roku. W ciągu sześciu dekad cena wzrosła ponad 5000 razy! Nieznany kolekcjoner kupił go za 106,5 miliona dolarów. W 2011 roku w Wielkiej Brytanii odbyła się „wystawa jednego obrazu”, gdzie po raz drugi ujrzała światło, ale nazwisko właściciela wciąż nie jest znane.

7 „Osiem elfów”

autor

Andy Warhole

Kraj USA
Lata życia 1928-1987
Styl
pop Art

„Seks i imprezy to jedyne miejsca, do których można się udać samego siebie”- powiedział kultowy artysta pop-artu, reżyser, jeden z założycieli magazynu Interview, projektant Andy Warhol. Współpracował z Vogue i Harper's Bazaar, projektował okładki płyt i projektował buty dla I.Millera. W latach 60. pojawiły się obrazy przedstawiające symbole Ameryki: zupę Campbella i Coca-Colę, Presleya i Monroe - co uczyniło go legendą.

358x208 cm
1963
Cena £
100 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji prywatnej

Lata 60. Warhola - tak zwana era pop-artu w Ameryce. W 1962 pracował na Manhattanie w Factory Studio, gdzie zebrała się cała bohema Nowego Jorku. Jej najzdolniejsi przedstawiciele: Mick Jagger, Bob Dylan, Truman Capote i inne znane osobistości świata. W tym samym czasie Warhol wypróbował technikę sitodruku – wielokrotne powtórzenia jednego obrazu. Wykorzystał tę metodę również przy tworzeniu „Ośmiu Elvisów”: widz wydaje się widzieć klatki z filmu, w którym gwiazda budzi się do życia. Wszystko, co artysta tak bardzo kochał, jest tutaj: wizerunek publiczny, w którym wygrywają wszyscy, srebrny kolor i przeczucie śmierci jako główne przesłanie.

Obecnie jest dwóch handlarzy dziełami sztuki promującymi prace Warhola na rynku światowym: Larry Gagosian i Alberto Mugrabi. Pierwszy w 2008 roku wydał 200 milionów dolarów na zakup ponad 15 dzieł Warhola. Drugi kupuje i sprzedaje swoje obrazy jak kartki świąteczne, tylko droższe. Ale to nie oni, ale skromny francuski konsultant ds. sztuki Philippe Segalo, który pomógł rzymskiemu koneserowi sztuki Annibale Berlinghieri, sprzedać Osiem Elvisów nieznanemu kupcowi za rekordową dla Warhola kwotę - 100 milionów dolarów.

8 "Pomarańczowy,Czerwony żółty"

autor

Marek Rothko

Kraj USA
Lata życia 1903–1970
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

Jeden z twórców kolorowego malarstwa polowego urodził się w Dwińsku w Rosji (obecnie Dyneburg na Łotwie), w wielodzietnej rodzinie żydowskiego aptekarza. W 1911 wyemigrowali do USA. Rothko studiował na wydziale artystycznym Uniwersytetu Yale, otrzymał stypendium, ale nastroje antysemickie zmusiły go do porzucenia studiów. Mimo wszystko krytycy sztuki ubóstwiali artystę, a muzea ścigały go przez całe życie.

206x236 cm
1961
Cena £
86,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Christie

Pierwsze artystyczne eksperymenty Rothko miały orientację surrealistyczną, ale z czasem uprościł fabułę do plam barwnych, pozbawiając je wszelkiej obiektywności. Początkowo miały jasne odcienie, a w latach 60. wypełniły się brązem, fioletem, zgęstniałym w momencie śmierci artysty do czerni. Mark Rothko przestrzegał przed szukaniem sensu w swoich obrazach. Autor chciał powiedzieć dokładnie to, co powiedział: tylko kolor, który rozpuszcza się w powietrzu i nic więcej. Polecił patrzeć na prace z odległości 45 cm, aby widz został „wciągnięty” w kolor, jak w lejek. Uwaga: obserwacja według wszelkich zasad może doprowadzić do efektu medytacji, czyli stopniowego urzeczywistnienia nieskończoności, całkowitego zanurzenia się w sobie, odprężenia, oczyszczenia. Kolor na jego obrazach żyje, oddycha i ma silne oddziaływanie emocjonalne (czasami mówi się, że uzdrawia). Artysta powiedział: "Widz powinien płakać patrząc na nich" - i rzeczywiście były takie przypadki. Zgodnie z teorią Rothko, w tej chwili ludzie przeżywają to samo doświadczenie duchowe, które on miał podczas pracy nad obrazem. Jeśli udało ci się to zrozumieć na tak subtelnym poziomie, to nie zdziw się, że te prace abstrakcjonizmu są często porównywane przez krytyków z ikonami.

Praca „Pomarańczowy, czerwony, żółty” wyraża istotę malarstwa Marka Rothko. Jego początkowy koszt na aukcji Christie's w Nowym Jorku to 35-45 milionów dolarów. Nieznany nabywca zaoferował cenę dwukrotnie wyższą od szacunkowej. Nazwisko szczęśliwego właściciela obrazu, jak to często bywa, nie zostało ujawnione.

9 "Tryptyk"

autor

Franciszek Bacon

Kraj
Wielka Brytania
Lata życia 1909–1992
Styl ekspresjonizm

Przygody Francisa Bacona, pełnego imiennika, a ponadto dalekiego potomka wielkiego filozofa, rozpoczęły się, gdy ojciec się go wyrzekł, nie mogąc pogodzić się z homoseksualnymi skłonnościami syna. Bacon pojechał najpierw do Berlina, potem do Paryża, a potem jego ślady są mylone w całej Europie. Nawet za jego życia jego prace były wystawiane w wiodących ośrodkach kulturalnych świata, w tym w Muzeum Guggenheima i Galerii Trietiakowskiej.

147,5x198 cm (każdy)
1976
Cena £
86,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Prestiżowe muzea starały się posiadać obrazy Bacona, ale porządna angielska publiczność nie spieszyła się, by rozejrzeć się za taką sztuką. Legendarna brytyjska premier Margaret Thatcher powiedziała o nim: „Człowiek, który maluje te przerażające obrazy”.

Sam artysta za początkowy okres swojej twórczości uważał okres powojenny. Wracając ze służby ponownie zajął się malarstwem i stworzył główne arcydzieła. Przed udziałem w aukcji „Tryptyku, 1976” najdroższym dziełem Bacona był „Studium do portretu papieża Innocentego X” (52,7 mln dolarów). W „Tryptyku, 1976” artysta przedstawił mityczną fabułę prześladowania Orestesa przez furie. Oczywiście Orestes to sam Bacon, a furie to jego męka. Obraz przez ponad 30 lat znajdował się w zbiorach prywatnych i nie brał udziału w wystawach. Fakt ten nadaje mu szczególną wartość i odpowiednio zwiększa koszt. Ale co to jest kilka milionów dla konesera sztuki, a nawet hojny po rosyjsku? Roman Abramowicz zaczął tworzyć swoją kolekcję w latach 90. XX wieku, w tym znaczący wpływ miała na niego jego dziewczyna Dasha Zhukova, która została nowoczesna Rosja właścicielka galerii mody. Według nieoficjalnych danych biznesmen jest właścicielem dzieł Alberto Giacomettiego i Pabla Picassa, kupionych za kwoty przekraczające 100 mln dolarów. W 2008 roku został właścicielem Tryptyku. Nawiasem mówiąc, w 2011 roku nabyto kolejne cenne dzieło Bacona - „Trzy szkice do portretu Luciana Freuda”. Ukryte źródła podają, że nabywcą ponownie został Roman Arkadjewicz.

10 „Staw z liliami wodnymi”

autor

Claude Monet

Kraj Francja
Lata życia 1840–1926
Styl impresjonizm

Artysta uznawany jest za twórcę impresjonizmu, który "opatentował" tę metodę na swoich płótnach. Pierwszą znaczącą pracą był obraz „Śniadanie na trawie” ( orginalna wersja dzieła Edouarda Maneta). W młodości rysował kreskówki i prawdziwy obraz podejmował podczas swoich podróży wzdłuż wybrzeża iw plenerze. W Paryżu prowadził bohemy styl życia i nie opuszczał go nawet po odbyciu służby wojskowej.

210x100 cm
1919
Cena £
80,5 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Oprócz tego, że Monet był świetnym artystą, entuzjastycznie zajmował się ogrodnictwem, uwielbiał dzikiej przyrody i kwiaty. W jego pejzażach stan natury jest chwilowy, przedmioty wydają się zamazane ruchem powietrza. Wrażenie potęgują duże pociągnięcia, które z pewnej odległości stają się niewidoczne i zlewają się w teksturowany, trójwymiarowy obraz. W malarstwie zmarłego Moneta szczególne miejsce zajmuje temat wody i życia w nim. W miejscowości Giverny artysta miał własny staw, w którym hodował lilie wodne ze specjalnie przywiezionych przez niego z Japonii nasion. Kiedy ich kwiaty zakwitły, zaczął malować. Cykl Lilie wodne składa się z 60 prac, które artysta namalował przez prawie 30 lat, aż do swojej śmierci. Jego wzrok pogarszał się z wiekiem, ale nie zatrzymał się. W zależności od wiatru, pory roku i pogody widok na staw ciągle się zmieniał, a Monet chciał te zmiany uchwycić. Dzięki starannej pracy dotarło do niego zrozumienie istoty natury. Niektóre obrazy z tej serii są przechowywane w wiodących galeriach świata: Muzeum Narodowe Sztuka zachodnia(Tokio), Oranżeria (Paryż). Wersja kolejnego „Stawu z liliami wodnymi” trafiła w ręce nieznanego nabywcy za rekordową kwotę.

11 Fałszywa gwiazda T

autor

Jaspera Johnsa

Kraj USA
Rok urodzenia 1930
Styl pop Art

W 1949 roku Jones wstąpił do szkoły projektowania w Nowym Jorku. Wraz z Jacksonem Pollockiem, Willemem de Kooningiem i innymi uznawany jest za jednego z głównych artystów XX wieku. W 2012 roku otrzymał Presidential Medal of Freedom, najwyższe odznaczenie cywilne w Stanach Zjednoczonych.

137,2x170,8 cm
1959
Cena £
80 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji prywatnej

Podobnie jak Marcel Duchamp, Jones pracował z prawdziwymi przedmiotami, przedstawiając je na płótnie i rzeźbie w pełnej zgodzie z oryginałem. W swoich pracach wykorzystywał proste i zrozumiałe dla każdego przedmioty: butelkę piwa, flagę czy mapy. Na obrazie False Start nie ma wyraźnej kompozycji. Artysta zdaje się bawić z widzem, często „błędnie” podpisując kolory na obrazie, odwracając samą koncepcję koloru: „Chciałem znaleźć sposób na przedstawienie koloru, aby można go było określić inną metodą”. Jego najbardziej wybuchowy i „niepewny”, zdaniem krytyków, obraz został nabyty przez nieznanego nabywcę.

12 „Siedzącynagina sofie"

autor

Amedeo Modigliani

Kraj Włochy, Francja
Lata życia 1884–1920
Styl ekspresjonizm

Modigliani często chorował od dzieciństwa, w gorączkowym majaczeniu rozpoznał swoje przeznaczenie jako artysta. Studiował rysunek w Livorno, Florencji, Wenecji, aw 1906 wyjechał do Paryża, gdzie rozkwitała jego sztuka.

65x100 cm
1917
Cena £
68,962 mln USD
sprzedany w 2010
na aukcji Sotheby's

W 1917 Modigliani poznał 19-letnią Jeanne Hebuterne, która została jego modelką, a później jego żoną. W 2004 roku jeden z jej portretów został sprzedany za 31,3 miliona dolarów, ostatni rekord przed sprzedażą Seated Nude on a Sofa w 2010 roku. Obraz został zakupiony przez nieznanego nabywcę za maksimum dla Modiglianiego na ten moment Cena £. Aktywna sprzedaż prac rozpoczęła się dopiero po śmierci artysty. Zmarł w biedzie na gruźlicę, a następnego dnia samobójstwo popełniła również Jeanne Hebuterne, która była w dziewiątym miesiącu ciąży.

13 „Orzeł na sośnie”

autor

Qi Baishi

Kraj Chiny
Lata życia 1864–1957
Styl guohua

Zainteresowanie kaligrafią skłoniło Qi Baishi do malowania. W wieku 28 lat został uczniem artysty Hu Qingyuana. Ministerstwo Kultury Chin przyznało mu tytuł „Wielkiego Artysty Ludu Chińskiego”, w 1956 roku otrzymał Nagroda międzynarodowa pokój.

10x26 cm
1946
Cena £
65,4 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Chiński Strażnik

Qi Baishi interesował się tymi przejawami otaczającego świata, do których wielu nie przywiązuje wagi i to jest jego wielkość. Człowiek bez wykształcenia stał się profesorem i wybitnym twórcą w historii. Pablo Picasso powiedział o nim: „Boję się jechać do twojego kraju, ponieważ w Chinach jest Qi Baishi”. Kompozycja „Orzeł na sośnie” uznawana jest za największe dzieło artysty. Oprócz płótna zawiera dwa zwoje hieroglificzne. Dla Chin kwota, za którą zakupiono produkt, jest rekordowa – 425,5 mln juanów. Tylko zwój starożytnego kaligrafa Huang Tingjiana został sprzedany za 436,8 miliona dolarów.

14 „1949-A-#1”

autor

Clifford nadal

Kraj USA
Lata życia 1904–1980
Styl abstrakcyjny ekspresjonizm

W wieku 20 lat odwiedził Metropolitan Museum of Art w Nowym Jorku i był rozczarowany. Później zapisał się na kurs studenckiej ligi artystycznej, ale wyszedł 45 minut po rozpoczęciu zajęć – okazało się, że to „nie jego”. Pierwsza osobista wystawa wywołała rezonans, artysta znalazł siebie, a wraz z nią uznanie

79x93 cm
1949
Cena £
61,7 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Wszystkie jego prace, które są ponad 800 płótnami i 1600 pracami na papierze, nadal przeszły do amerykańskiego miasta, gdzie zostanie otwarte muzeum jego imienia. Denver stało się takim miastem, ale tylko budowa była dla władz kosztowna, a na jej ukończenie wystawiono na licytację cztery prace. Prace Stilla raczej nie trafią na licytację, co z góry podniosło ich cenę. Obraz „1949-A-No.1” sprzedano za rekordową dla artysty kwotę, choć eksperci przewidywali sprzedaż maksymalnie 25-35 milionów dolarów.

15 „Kompozycja suprematystyczna”

autor

Kazimierz Malewicz

Kraj Rosja
Lata życia 1878–1935
Styl Suprematyzm

Malewicz studiował malarstwo w Kijowskiej Szkole Artystycznej, a następnie w Moskiewskiej Akademii Sztuk. W 1913 zaczął malować abstrakcyjne obrazy geometryczne w stylu, który nazwał suprematyzmem (od łacińskiego „dominacja”).

71x88,5 cm
1916
Cena £
60 milionów dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

Obraz był przechowywany w muzeum miejskim w Amsterdamie przez około 50 lat, ale po 17-letnim sporze z krewnymi Malewicza, muzeum go oddało. Artysta napisał tę pracę w tym samym roku, co „Manifest suprematyzmu”, więc w Sotheby’s jeszcze przed aukcją ogłoszono, że za mniej niż 60 mln dolarów nie pójdzie do prywatna kolekcja. I tak się stało. Lepiej spojrzeć na to z góry: postacie na płótnie przypominają widok ziemi z lotu ptaka. Nawiasem mówiąc, kilka lat wcześniej ci sami krewni wywłaszczyli kolejną kompozycję suprematystyczną z Muzeum MoMA, aby sprzedać ją u Phillipsa za 17 milionów dolarów.

16 „Kąpiący się”

autor

Paul Gauguin

Kraj Francja
Lata życia 1848–1903
Styl postimpresjonizm

Do siódmego roku życia artysta mieszkał w Peru, potem wrócił z rodziną do Francji, ale wspomnienia z dzieciństwa nieustannie pchały go do podróży. We Francji zaczął malować, przyjaźnił się z Van Goghiem. Spędził z nim nawet kilka miesięcy w Arles, dopóki Van Gogh nie odciął mu ucha podczas kłótni.

93,4x60,4 cm
1902
Cena £
55 milionów dolarów
sprzedany w 2005
na aukcji Sotheby's

W 1891 roku Gauguin zorganizował sprzedaż swoich obrazów, aby wykorzystać wpływy na wyprawę w głąb wyspy Tahiti. Tam stworzył prace, w których wyczuwa się subtelny związek natury z człowiekiem. Gauguin mieszkał w krytej strzechą chacie, a na jego płótnach rozkwitł tropikalny raj. Jego żoną była 13-letnia Tahitian Tehura, co nie przeszkodziło artyście w angażowaniu się w rozwiązłość. Zarażony syfilisem wyjechał do Francji. Jednak Gauguin był tam ciasny i wrócił na Tahiti. Okres ten nazywany jest „drugim Tahitańczykiem” - wtedy namalowano obraz „Kąpiący się”, jeden z najbardziej luksusowych w jego twórczości.

17

„Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”

autor

Henri Matisse

Kraj Francja
Lata życia 1869–1954
Styl Fowizm

W 1889 Henri Matisse miał atak zapalenia wyrostka robaczkowego. Kiedy wyzdrowiał po operacji, matka kupiła mu farby. Najpierw z nudów Matisse kopiował kolorowe pocztówki, potem - dzieła wielkich malarzy, które widział w Luwrze, a na początku XX wieku wymyślił styl - fowizm.

65,2x81 cm
1911
Cena £
46,4 miliona dolarów
sprzedany w 2009
na aukcji Christie

Obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym” przez długi czas należał do Yves Saint Laurent. Po śmierci projektanta cała jego kolekcja sztuki przeszła w ręce przyjaciela i kochanka Pierre'a Bergera, który postanowił wystawić ją na aukcję w Christie's. Perłą sprzedawanej kolekcji był obraz „Żonkile i obrus w kolorze niebieskim i różowym”, namalowany na zwykłym obrusie zamiast na płótnie. Jako przykład Fowizmu jest wypełniony energią koloru, kolory wydają się eksplodować i krzyczeć. Ze znanej serii obrazów obrusowych, dziś ta praca jako jedyna znajduje się w prywatnej kolekcji.

18 „Śpiąca dziewczyna”

autor

RoyZawietrzny

chtenstein

Kraj USA
Lata życia 1923–1997
Styl pop Art

Artysta urodził się w Nowym Jorku, a po ukończeniu szkoły wyjechał do Ohio, gdzie uczęszczał na kursy plastyczne. W 1949 roku Liechtenstein uzyskał tytuł magistra sztuk pięknych. Zainteresowanie komiksem i umiejętność ironii uczyniły z niego kultowego artystę ubiegłego wieku.

91x91 cm
1964
Cena £
44,882 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Kiedyś guma do żucia wpadła w ręce Liechtensteinu. Przerysował obraz z wstawki na płótnie i stał się sławny. Ta fabuła z jego biografii zawiera całe przesłanie pop-artu: konsumpcja jest nowym bogiem, a w opakowaniu gumy balonowej nie ma nic. mniej piękna niż w Mona Lisie. Jego obrazy przypominają komiksy i kreskówki: Lichtenstein po prostu powiększał gotowy obraz, rysował raster, używał sitodruku i sitodruku. Obraz „Śpiąca dziewczyna” przez prawie 50 lat należał do kolekcjonerów Beatrice i Philipa Gersh, których spadkobiercy sprzedali go na aukcji.

19 "Zwycięstwo. Boogie Woogie"

autor

Piet Mondrian

Kraj Holandia
Lata życia 1872–1944
Styl neoplastycyzm

Mój prawdziwe imię- Cornelis - artysta zmienił się na Mondriana, kiedy przeniósł się do Paryża w 1912 roku. Wraz z artystą Theo van Doesburgiem założył ruch neoplastyczny. Język programowania Piet pochodzi od Mondriana.

27x127 cm
1944
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 1998
na aukcji Sotheby's

Najbardziej „muzyczny” z artystów XX wieku utrzymywał się z martwych natur akwarelowych, choć zasłynął jako artysta neoplastyczny. W latach czterdziestych przeniósł się do USA i tam spędził resztę życia. Jazz i Nowy Jork - to go najbardziej zainspirowało! Obraz „Zwycięstwo. Boogie Woogie" - najlepiej do tego przykład. "Markowe" zgrabne kwadraty uzyskano dzięki zastosowaniu taśmy klejącej - ulubionego materiału Mondriana. W Ameryce nazywano go „najsłynniejszym imigrantem”. W latach sześćdziesiątych Yves Saint Laurent wyprodukował znane na całym świecie sukienki „Mondrian” z dużym nadrukiem w kolorową kratkę.

20 „Kompozycja nr 5”

autor

BazyliaKandinski

Kraj Rosja
Lata życia 1866–1944
Styl awangarda

Artysta urodził się w Moskwie, a jego ojciec pochodził z Syberii. Po rewolucji próbował współpracować z władzami sowieckimi, ale szybko zorientował się, że prawa proletariatu nie zostały dla niego stworzone i nie bez trudności wyemigrował do Niemiec.

275x190 cm
1911
Cena £
40 milionów dolarów
sprzedany w 2007
na aukcji Sotheby's

Kandinsky był jednym z pierwszych, którzy całkowicie porzucili malarstwo przedmiotowe, za co otrzymał tytuł geniusza. W okresie nazizmu w Niemczech jego obrazy zostały sklasyfikowane jako „sztuka zdegenerowana” i nie były nigdzie wystawiane. W 1939 Kandinsky przyjął obywatelstwo francuskie, w Paryżu swobodnie brał udział w proces artystyczny. Jego obrazy „brzmią” jak fugi, dlatego wiele z nich nazywa się „kompozycjami” (pierwszy powstał w 1910 roku, ostatni w 1939). „Kompozycja nr 5” to jedno z kluczowych dzieł tego gatunku: „Słowo „kompozycja” brzmiało dla mnie jak modlitwa” – powiedział artysta. W przeciwieństwie do wielu naśladowców planował to, co przedstawi na wielkim płótnie, jakby pisał notatki.

21 „Studium kobiety w niebieskim”

autor

Fernand Leger

Kraj Francja
Lata życia 1881–1955
Styl kubizm-postimpresjonizm

Leger otrzymał wykształcenie architektoniczne, a następnie był uczniem Szkoły Sztuk Pięknych w Paryżu. Artysta uważał się za wyznawcę Cezanne'a, był apologetą kubizmu, w XX wieku odnosił również sukcesy jako rzeźbiarz.

96,5x129,5 cm
1912-1913
Cena £
39,2 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

David Normann, prezes Międzynarodowego Wydziału Impresjonizmu i Modernizmu w Sotheby, uważa, że ogromna kwota zapłacona za Błękitną Damę jest w pełni uzasadniona. Obraz należy do słynnej kolekcji Legera (artysta namalował trzy obrazy na jeden temat, ostatni z nich znajduje się dziś w rękach prywatnych - red.), a powierzchnia płótna została zachowana w swojej pierwotnej formie. Sam autor przekazał tę pracę galerii Der Sturm, następnie trafiła do kolekcji Hermanna Langa, niemieckiego kolekcjonera modernizmu, a obecnie należy do nieznanego nabywcy.

22 „Scena uliczna. Berlin"

autor

Ernst LudwigKirchner

Kraj Niemcy
Lata życia 1880–1938
Styl ekspresjonizm

Do niemiecki ekspresjonizm Kirchner stał się ikoną. Jednak lokalne władze oskarżyły go o przywiązanie do „sztuki zdegenerowanej”, co tragicznie wpłynęło na losy jego obrazów i życie artysty, który popełnił samobójstwo w 1938 roku.

95x121 cm
1913
Cena £
38 096 milionów dolarów
sprzedany w 2006 roku
na aukcji Christie

Po przeprowadzce do Berlina Kirchner stworzył 11 szkiców sceny uliczne. Inspirował go zamęt i nerwowość duże miasto. Na obrazie sprzedanym w 2006 roku w Nowym Jorku niepokój artysty jest szczególnie dotkliwy: ludzie na berlińskiej ulicy przypominają ptaki - pełne wdzięku i groźne. Była to ostatnia praca ze słynnej serii, sprzedana na aukcji, reszta jest przechowywana w muzeach. W 1937 r. naziści brutalnie potraktowali Kirchnera: 639 jego dzieł zostało skonfiskowanych z niemieckich galerii, zniszczonych lub sprzedanych za granicę. Artysta nie mógł tego przeżyć.

23 "Spoczynkowytancerz"

autor

Edgar Degas

Kraj Francja
Lata życia 1834–1917
Styl impresjonizm

Historia Degasa jako artysty zaczęła się od tego, że pracował jako kopista w Luwrze. Marzył o tym, by stać się „sławnym i nieznanym”, iw końcu mu się to udało. Pod koniec życia, głuchy i niewidomy, 80-letni Degas nadal brał udział w wystawach i aukcjach.

64x59 cm
1879
Cena £
37,043 mln USD
sprzedany w 2008
na aukcji Sotheby's

„Baleriny zawsze były dla mnie tylko pretekstem do przedstawiania tkanin i uchwycenia ruchu” – powiedział Degas. Sceny z życia tancerzy wydają się podglądane: dziewczyny nie pozują artystce, ale po prostu stają się częścią atmosfery uchwyconej wzrokiem Degasa. Odpoczywający tancerz sprzedał się za 28 mln dolarów w 1999 roku, a niespełna 10 lat później został kupiony za 37 mln dolarów – dziś jest najbardziej kosztowna praca artysta kiedykolwiek wystawiony na aukcji. Degas przywiązywał dużą wagę do ramek, sam je projektował i zabraniał ich wymiany. Ciekawe jaka ramka jest zamontowana na sprzedawanym obrazie?

24 "Obraz"

autor

Juan Miro

Kraj Hiszpania
Lata życia 1893–1983
Styl Sztuka abstrakcyjna

Podczas hiszpańskiej wojny domowej artysta był po stronie republikanów. W 1937 uciekł faszystowska władza do Paryża, gdzie wraz z rodziną żył w biedzie. W tym okresie Miro maluje obraz „Pomóż Hiszpanii!”, zwracając uwagę całego świata na dominację faszyzmu.

89x115 cm
1927
Cena £
36,824 mln USD
sprzedany w 2012
na aukcji Sotheby's

Drugie imię obrazu to „Niebieska Gwiazda”. Artysta napisał to w tym samym roku, kiedy ogłosił: „Chcę zabić malarstwo” i bezlitośnie kpił z płótna, drapiąc farbę gwoździami, przyklejając pióra do płótna, zasypując dzieło śmieciami. Jego celem było obalenie mitów o tajemnicy malarstwa, ale poradziwszy sobie z tym, Miro stworzył własny mit - surrealistyczną abstrakcję. Jego „Malarstwo” nawiązuje do cyklu „obrazów-snów”. Czterech kupujących walczyło o niego na aukcji, ale jeden telefon incognito rozstrzygnął spór, a „Malarstwo” stało się najdroższym obrazem artysty.

25 "Niebieska róża"

autor

Yves Klein

Kraj Francja
Lata życia 1928–1962
Styl malowanie monochromatyczne

Artysta urodził się w rodzinie malarzy, ale studiował języki orientalne, nawigację, rzemiosło pozłacania ram, buddyzm zen i wiele innych. Jego osobowość i bezczelne wybryki były wielokrotnie ciekawsze niż monochromatyczne obrazy.

153x199x16 cm
1960
Cena £
36,779 milionów dolarów
sprzedany w 2012 r.
na aukcji Christie

Pierwsza wystawa prac w jednolitym kolorze żółtym, pomarańczowym, różowym nie wzbudziła zainteresowania publiczności. Klein obraził się i następnym razem zaprezentował 11 identycznych płócien, pomalowanych ultramaryną zmieszaną ze specjalną żywicą syntetyczną. Opatentował nawet tę metodę. Kolor przeszedł do historii jako „międzynarodowy niebieski kolor Kleina". Artysta sprzedawał też pustkę, tworzył obrazy wystawiając papier na deszcz, podpalając karton, wykonując na płótnie odbitki ludzkiego ciała. Jednym słowem eksperymentowałem najlepiej jak potrafiłem. Do stworzenia „Niebieskiej róży” użyłam suchych pigmentów, żywic, kamyków i naturalnej gąbki.

26 „Szukam Mojżesza”

autor

Sir Lawrence Alma-Tadema

Kraj Wielka Brytania
Lata życia 1836–1912
Styl neoklasycyzm

Sam Sir Lawrence dodał przedrostek „alma” do swojego nazwiska, aby pojawiać się na pierwszym miejscu w katalogach sztuki. W wiktoriańskiej Anglii jego obrazy były tak poszukiwane, że artysta otrzymał tytuł rycerski.

213,4x136,7 cm
1902
Cena £
35,922 mln USD
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

Głównym tematem twórczości Alma-Tademy był antyk. Na obrazach starał się w najdrobniejszym szczególe przedstawić epokę Cesarstwa Rzymskiego, w tym celu zajmował się nawet wykopaliskami archeologicznymi na Półwyspie Apenińskim, a w swoim londyńskim domu odtworzył historyczne wnętrze z tamtych lat. wątki mitologiczne stał się dla niego kolejnym źródłem inspiracji. Artysta był za życia bardzo poszukiwany, ale po śmierci szybko został zapomniany. Teraz zainteresowanie odżywa, o czym świadczy koszt obrazu „W poszukiwaniu Mojżesza”, siedmiokrotnie wyższy niż kosztorys przedsprzedażowy.

27

„Portret śpiącego nagiego urzędnika”

autor

Lucian Freud

Kraj Niemcy,
Wielka Brytania
Lata życia 1922–2011
Styl malarstwo figuratywne

Artysta jest wnukiem Zygmunta Freuda, ojca psychoanalizy. Po wprowadzeniu faszyzmu w Niemczech jego rodzina wyemigrowała do Wielkiej Brytanii. Prace Freuda znajdują się w Wallace Collection w Londynie, gdzie żaden współczesny artysta nie wystawiał wcześniej.

219,1x151,4 cm
1995
Cena £
33,6 miliona dolarów
sprzedany w 2008
na aukcji Christie

Podczas gdy modni artyści XX wieku tworzyli pozytywne „kolorowe plamy na ścianie” i sprzedawali je za miliony, Freud malował niezwykle naturalistyczne obrazy i sprzedawał je za jeszcze więcej. „Uchwytam płacz duszy i cierpienie więdnącego ciała” – powiedział. Krytycy uważają, że to wszystko jest „dziedzictwem” Zygmunta Freuda. Obrazy były tak aktywnie wystawiane i skutecznie sprzedawane, że eksperci zaczęli wątpić: czy mają właściwości hipnotyczne? Sprzedany na aukcji „Portret śpiącego nagiego urzędnika”, według Słońca, został nabyty przez konesera piękna i miliardera Romana Abramowicza.

28 „Skrzypce i gitara”

autor

xjeden gris

Kraj Hiszpania
Lata życia 1887–1927
Styl kubizm

Urodził się w Madrycie, gdzie ukończył Szkołę Sztuki i Rzemiosła Artystycznego. W 1906 przeniósł się do Paryża i wszedł w krąg najbardziej wpływowych artystów epoki: Picassa, Modiglianiego, Braque'a, Matisse'a, Legera, współpracował także z Siergiejem Diagilewem i jego trupą.

5x100 cm
1913
Cena £
28,642 mln USD
sprzedany w 2010
na aukcji Christie

Gris, jak sam mówi, zajmował się „płaską, kolorową architekturą”. Jego obrazy są precyzyjnie przemyślane: nie pozostawił ani jednego przypadkowego kreski, co sprawia, że kreatywność związana jest z geometrią. Artysta stworzył własną wersję kubizmu, choć darzył wielkim szacunkiem ojca założyciela ruchu, Pabla Picassa. Następca zadedykował mu nawet swoje pierwsze kubistyczne dzieło, Tribute to Picasso. Obraz „Skrzypce i gitara” jest uznawany za wybitny w twórczości artysty. Za życia Gris był znany, lubiany przez krytyków i krytyków sztuki. Jego prace są wystawiane w największych muzeach świata i znajdują się w prywatnych kolekcjach.

29 "PortretPola Eluarda»

autor

Salvador Dali

Kraj Hiszpania
Lata życia 1904–1989
Styl surrealizm

„Surrealizm to ja”, powiedział Dali, gdy został wyrzucony z grupy surrealistów. Z czasem stał się najsłynniejszym artystą surrealistą. Prace Dali są wszędzie, nie tylko w galeriach. Na przykład to on wymyślił opakowanie dla Chupa-Chups.

25x33 cm
1929
Cena £
20,6 miliona dolarów
sprzedany w 2011
na aukcji Sotheby's

W 1929 roku poeta Paul Eluard i jego rosyjska żona Gala przyjechali odwiedzić wielkiego prowokatora i awanturnika Dali. Spotkanie było początkiem historii miłosnej, która trwała ponad pół wieku. Obraz „Portret Paula Eluarda” został namalowany właśnie podczas tej historycznej wizyty. „Czułem, że powierzono mi obowiązek uchwycenia twarzy poety, z którego Olimpu ukradłem jedną z muz” – powiedział artysta. Przed spotkaniem z Galą był dziewicą i był zniesmaczony myślą o seksie z kobietą. Trójkąt miłosny istniał do śmierci Eluarda, po czym stał się duetem Dali-Gala.

30 "Rocznica"

autor

Marc Chagalla

Kraj Rosja, Francja
Lata życia 1887–1985
Styl awangarda

Moishe Segal urodził się w Witebsku, ale w 1910 wyemigrował do Paryża, zmienił nazwisko i zbliżył się do czołowych artystów awangardowych epoki. W latach 30., kiedy władzę przejęli naziści, z pomocą amerykańskiego konsula wyjechał do Stanów Zjednoczonych. Do Francji wrócił dopiero w 1948 roku.

80x103 cm
1923
Cena £
14,85 miliona dolarów
sprzedany w 1990
na aukcji Sotheby

Obraz „Jubileusz” uznawany jest za jedno z najlepszych dzieł artysty. Posiada wszystkie cechy jego pracy: wymazane prawa fizyczneświata, klimat baśni zachowany jest w scenerii życia mieszczańskiego, a miłość jest w centrum akcji. Chagall nie czerpał ludzi z natury, a jedynie z pamięci lub fantazji. Obraz „Jubileusz” przedstawia samego artystę z żoną Belą. Obraz został sprzedany w 1990 roku i od tego czasu nie był licytowany. Co ciekawe, nowojorskie Muzeum Sztuki Nowoczesnej MoMA zachowuje dokładnie to samo, tylko pod nazwą „Urodziny”. Nawiasem mówiąc, zostało napisane wcześniej - w 1915 roku.

projekt przygotowany
Tatiana Palasowa
ocena skompilowana
zgodnie z listą www.art-spb.ru
magazyn tmn №13 (maj-czerwiec 2013)

Każdy nowoczesny mężczyzna powinien wiedzieć, czym jest malarstwo. Przedstawione w naszym artykule arcydzieła o światowym znaczeniu nie mogą pozostawić nikogo obojętnym. Możesz również dowiedzieć się, gdzie szukać pełna lista obrazy znane na całym świecie. Malarstwo odgrywa ważną rolę w życiu każdego człowieka. Dzięki niemu możesz stworzyć wieloaspektową osobowość.

Czym jest malowanie? informacje ogólne

Malarstwo - zobacz Dzieła wizualne. Dzięki niemu artysta przekazuje obrazy wizualne, nakładając farby na dowolną powierzchnię. Pojawienie się malarstwa w Rosji wiąże się z rozwojem realizmu i symboliki. Eksperci wyróżniają pięć głównych odmian malarstwa:

sztaluga;
monumentalny;
dekoracyjny;
teatralne i dekoracyjne;
miniaturowy.

Przez długi czas wierzono, że historia zaczyna się od Holenderski artysta o imieniu Jan van Eyck, który stworzył swoje obrazy w XV wieku. Wielu znawców nazywa go twórcą olejnej sztuki. Teoria ta jest również opisana w literaturze specjalistycznej. Nie można tego jednak potwierdzić. Wiadomo, że kilku artystów pracowało w olejach na długo przed van Eyckiem.

Wielkie arcydzieła malarstwa pozwalają dowiedzieć się, jak żyli ludzie wiele lat temu. Leonardo da Vinci przekonywał, że obrazy tworzy człowiek, natura i czas. Malowanie można wykonać na absolutnie dowolnej podstawie. Uczestniczy w tworzeniu środowiska sztucznego i naturalnego.

Malowanie jest iluzoryczne. Plotyn przekonywał, że nie należy kopiować natury, należy się z niej uczyć. Rozwój malarstwa już dawno wykroczył poza rozumienie jego głównych zadań „odtwarzania rzeczywistości”. Dlatego wielu artystów rezygnuje z nieistotnych sposobów wyrażania siebie i oddziaływania na widza. W malarstwie pojawiają się nowe trendy.

Słynne arcydzieła malarstwa i ten gatunek ogólnie rzecz biorąc, sztuki plastyczne mogą pełnić następujące funkcje:

kognitywny;
religijny;
estetyka;
filozoficzny;
ideologiczny;
społeczne i edukacyjne;
film dokumentalny.

Główną i najbardziej znaczącą wartością w malarstwie jest kolor. Uważa się, że to on jest nosicielem idei.

Istnieje szeroka gama:

portret;
sceneria;
przystań;
malarstwo historyczne;
bitwa;
martwa natura;
Malarstwo rodzajowe;
architektoniczny;
religijny;
animalistyczny;
dekoracyjny.

Malarstwo odgrywa ogromną rolę w samorozwoju. Ukazane dziecku arcydzieła o światowym znaczeniu pomagają ukształtować w nim osobowość i uczą go doceniać ten lub inny przedmiot sztuki. Często malowanie pomaga złagodzić stan pacjenta cierpiącego na daną chorobę. Terapia sztuką polega nie tylko na zapoznaniu się z rodzajami sztuk pięknych, ale także pozwala na samodzielne podjęcie próby stworzenia arcydzieła.

Leonardo da Vinci, „Mona Lisa”

Niektóre obrazy (arcydzieła sztuki światowej) zawierają wiele tajemnic i tajemnic. Nadal trudno je rozgryźć. Mona Lisa to obraz Leonarda da Vinci. Jest uważana za jedną z najbardziej znane prace malowanie na całym świecie. Jego oryginał znajduje się w Luwrze (Paryż). Tam jest uważany za główny eksponat. To nie przypadek, bo większość turystów codziennie odwiedza Luwr tylko po to, by obejrzeć obraz Leonarda da Vinci.
Do tej pory „Mona Lisa” nie jest w najlepszym stanie. Dlatego dyrekcja muzeum kilka lat temu ogłosiła, że dzieło sztuki nie będzie już wystawiane na żadne wystawy. Portret można zobaczyć tylko w Luwrze.
Obraz stał się popularny po tym, jak został skradziony przez muzealnika w 1911 roku. Poszukiwania skradzionego arcydzieła trwały dwa lata. Cały czas pisali o niej w magazynach i gazetach, umieszczanych na okładkach. Stopniowo „Mona Lisa” stała się obiektem kopiowania i kultu.

Obrazy (arcydzieła sztuki światowej) są aktywnie badane przez specjalistów. Mona Lisa powstała ponad 500 lat temu. Naukowcy twierdzą, że zmienia się on w miarę jak prawdziwa kobieta. Z biegiem czasu portret wyblakł, zmienił kolor na żółty, aw niektórych miejscach pojawiły się ciemne plamy. Drewniane podpory były pomarszczone i popękane. Wiadomo, że obraz zawiera 25 sekretów.

9 lat temu odwiedzający muzeum po raz pierwszy mogli podziwiać oryginalny kolor obrazu. Unikatowe ujęcia zaprojektowane przez Pascala Cotte'a pokazują, jak wyglądało arcydzieło, zanim zaczęło blaknąć.

Zdjęcia wykonane unikalną technologią pozwalają stwierdzić, że Leonardo po stworzeniu arcydzieła zmienił ułożenie dłoni Giocondy, jej wyraz twarzy i uśmiech. Wiadomo, że na portrecie znajduje się ciemna plama w okolicy oka. Naukowcy twierdzą, że uszkodzenie to powstało z powodu przedostania się wody na powłokę lakierniczą. Jego wykształcenie wiąże się z tym, że obraz przez pewien czas wisiał w łazience Napoleona.

Artysta pracuje nad obrazem od ponad dwóch lat. Znajduje się na liście „500 arcydzieł malarstwa o światowym znaczeniu”. Istnieje teoria, zgodnie z którą portret w ogóle nie przedstawia Mona Lisy. Obraz otrzymał swoją nazwę od słów Naukowcy naszych czasów twierdzą, że może to być błąd, a na arcydziele przedstawiono zupełnie inną kobietę. Największa liczba Pytania są spowodowane uśmiechem Mona Lisy. Istnieje wiele wersji jego interpretacji. Niektórzy twierdzą, że Gioconda jest przedstawiana jako ciężarna, a jej wyraz twarzy wiąże się z chęcią odczuwania ruchu płodu, inni uważają, że uśmiech zdradza ukryty homoseksualizm samego artysty. Niektórzy eksperci uważają, że „Mona Lisa” to autoportret Leonarda da Vinci.

„Koronacja Napoleona”, Jacques Louis David

Wiele osób pociąga malarstwo. Arcydzieła o światowym znaczeniu często pokazują widzowi epizod jakiegoś ważnego wydarzenie historyczne. Obraz, który namalował Jacques Louis David, powstał na zamówienie francuskiego cesarza Napoleona I. „Koronacja Napoleona” przedstawia wydarzenia z 2 grudnia 1804 r. Wiadomo, że klient poprosił artystę, aby zobrazował koronację lepiej niż jest w rzeczywistości.

David stworzył arcydzieło inspirowane obrazem Rubensa. Pracował nad tym przez kilka lat. Obraz przez długi czas pozostawał własnością artysty. Trafiła do muzeum po odejściu Jacquesa Louisa Davida. Jego praca wywarła na wielu dobre wrażenie. W 1808 roku artysta otrzymał zlecenie od amerykańskiego przedsiębiorcy, który poprosił go o wykonanie identycznej kopii.

Obraz przedstawia około 150 postaci. Wiadomo, że każdy obraz charakteryzuje się niesamowitą dokładnością i realizmem. W lewym rogu płótna przedstawiono wszystkich krewnych cesarza. Za Napoleonem siedzi jego matka. Nie poszła jednak na koronację. Eksperci twierdzą, że najprawdopodobniej zrobiono to w związku z życzeniami samego Napoleona. Wiadomo, że traktował ją z wielką czcią.

W tamtych czasach obraz odniósł fantastyczny sukces. Po obaleniu Napoleona obraz był długo przechowywany w rezerwie i nie był wystawiany. W naszych czasach obraz, tak jak dawniej, zachwyca wielu.

Valentin Serov, „Dziewczyna z brzoskwiniami”

Nie mniej popularne są arcydzieła malarstwa rosyjskiego. „Dziewczyna z brzoskwiniami” to obraz namalowany przez Valentina Serova w 1887 roku. W dzisiejszych czasach można to zobaczyć na żywo w państwie Galeria Tretiakowska. Obraz przedstawia 12-letnią Verę Mamontovą. Siedzi przy stole z nożem, brzoskwiniami i liśćmi na nim. Dziewczyna ma na sobie różową bluzkę z granatową kokardką.

Obraz Walentyna Sierowa został namalowany w majątku Sawwy Iwanowicza Mamontowa w Abramcewie. W 1871 r. na terenie posiadłości posadzono brzoskwinie. Opiekowała się nimi specjalnie wynajęta osoba. Po raz pierwszy artysta przybył do majątku w 1875 roku wraz z matką.

W sierpniu 1877 roku 11-letnia Vera Mamontova usiadła przy stole, zbierając brzoskwinię. Valentin Serov zaprosił dziewczynę do pozowania. Vera przyjęła propozycję artysty. Pozowała codziennie przez prawie dwa miesiące. Po namalowaniu obrazu artysta podarował go Elizawiecie Mamontowej, matce dziewczynki. Długo wisiała w jednym z pokoi. Obecnie znajduje się tam kopia, a oryginał znajduje się w muzeum. W 1888 roku autor obrazu otrzymał nagrodę Moskiewskiego Towarzystwa Miłośników Sztuki.

Arcydzieła malarstwa rosyjskiego zawierają wiele mało znanych faktów. The Peaches Girl nie jest wyjątkiem. Wiadomo, że przedstawiona na płótnie Vera Mamontova żyła tylko 32 lata. Przyczyną jej śmierci było zapalenie płuc. Jej mąż nie ożenił się po śmierci wybrańca. Samotnie wychowywał troje dzieci.

Literatura specjalna

Niestety nie każdego stać na zwiedzanie znanych na całym świecie muzeów. Jednak wielu chce zobaczyć arcydzieła malarstwa. Zdjęcia niektórych z nich znajdziecie w naszym artykule. Warto zauważyć, że dziś istnieje ogromna liczba drukowanych publikacji, które prezentują najlepsze obrazy z całego świata. Można tam znaleźć zarówno współczesne, jak i starożytne dzieła różnych artystów. Warto zauważyć, że niektóre edycje są produkowane w limitowanych ilościach i nie jest łatwo je znaleźć.

Magazyn „50 artystów. Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” jest tygodnikiem. Zainteresuje czytelników w każdym wieku. Zawiera fotografie znanych na całym świecie obrazów, historię ich powstania oraz ciekawostki na ich temat. Pierwszemu magazynowi, który ukazał się sześć lat temu, towarzyszył segregator do przechowywania publikacji oraz reprodukcja jednego z obrazów, którą można umieścić na biurku lub ścianie. Każdy numer opisuje twórczość jednego z artystów. Objętość magazynu to 32 strony. Możesz go znaleźć na terenie Federacja Rosyjska lub sąsiednie kraje. „50 rosyjskich artystów. Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” to magazyn, który z pewnością przypadnie do gustu koneserom sztuk pięknych. Kompletny zbiór numerów pozwoli Ci zapoznać się z podstawowymi informacjami o najpopularniejszych artystach. Koszt magazynu nie przekracza 100 rubli.

„Arcydzieła malarstwa rosyjskiego” to książka autorstwa L. M. Żukowej, licząca 180 stron. Publikacja zawiera 150 wysokiej jakości zdjęć. Książka-album przyciąga wielu. To nie przypadek, bo wykazał ogromną liczbę reprodukcji. Dzięki nim można prześledzić, jak powstawało malarstwo rosyjskie. Koszt książki waha się od 700 do 1000 rubli.

„Słynne muzea Włoch. Arcydzieła malarstwa” – książka, która ukazała się w tym roku. Prezentuje najlepsze obrazy z sześciu muzeów we Włoszech. W publikacji czytelnik może również zapoznać się z historią powstawania muzeów. Książka zawiera 304 strony.

Tym, którzy chcą zobaczyć dzieła o światowym znaczeniu, z pewnością przypadnie do gustu elektroniczna galeria arcydzieł malarstwa. Obecnie istnieje wiele zasobów i aplikacji zawierających najsłynniejsze płótna.

Wiktor Wasniecow, „Bogatyrowie”

„Bogatyrs (Trzej bohaterowie)” – obraz namalowany przez Wiktora Vasnetsova w 1898 roku. Zalicza się do arcydzieł sztuki. Obraz Wasniecowa jest znany wielu. Praca „Bohaterowie” jest uważana za symbol sztuki rosyjskiej. Podstawą całej twórczości Wasniecowa są motywy folklorystyczne.

Przedstawiono trzech rosyjskich bohaterów. Symbolizują siłę i moc narodu rosyjskiego. Artysta pracował nad stworzeniem tego dzieła sztuki przez około 30 lat. Pierwszy szkic wykonał Wasnetsow w 1871 roku.

Jednym z bohaterów przedstawionych na zdjęciu jest Ilya Muromets. Jest nam znany jako postać rosyjskiej epopei. Jednak niewiele osób o tym wie ten bohater naprawde istniał. Wiele opowieści o jego wyczynach jest prawdziwych, a sam Ilya Muromets jest postacią historyczną.

Dobrynya Nikitich, który jest również przedstawiony na zdjęciu, według ludowych legend był bardzo wykształcony i odważny. Wiele jest związanych z jego osobowością. niesamowite historie. Często można usłyszeć historię o jego zaczarowanym mieczu i zbroi.

Alosza Popowicz różni się od pozostałych dwóch bohaterów wiekiem. Jest młody i szczupły. W jego rękach widać łuk i strzały. Na zdjęciu jest wiele drobnych szczegółów, które pomogą dokładnie przestudiować charakter postaci.

Michaił Vrubel, „Siedzący demon”

Innym znanym obrazem jest „Siedzący demon”. Jej autorem jest Michaił Vrubel. Powstał w 1890 roku. Jego oryginał można zobaczyć w Galerii Trietiakowskiej. Uważa się, że obraz uosabia wątpliwości tkwiące w człowieku.

Eksperci uważają, że artysta był opętany wizerunkiem demona, ponieważ wiadomo, że napisał wiele podobnych prac. Istnieją informacje, że w tym okresie znajomi Vrubela zauważyli, że u artysty rozwija się zaburzenie psychiczne. Występowanie choroby wiąże się z przeżywanym stresem. Wiadomo, że Vrubel miał syna z tak zwanym rozszczepem wargi. Krewni artysty zauważyli, że w związku z wystąpieniem zaburzenia psychicznego wzrosło u niego pragnienie sztuki. Jednak bliskość do niego była prawie niemożliwa. Wiosną 1902 roku choroba sięgnęła punkt krytyczny. Artysta został skierowany na leczenie w azyl psychiczny. Mimo trudnego losu Vrubela, jego obrazy nie przestają przyciągać nowych miłośników jego twórczości i koneserów sztuki z całego świata. Jego prace prezentowane są na różnych wystawach. „Siedzący demon” jest jednym z najbardziej popularne obrazy artysta.

Kuzma Pietrow-Wodkin, „Kąpiel czerwonego konia”

Każdy współczesny człowiek powinien znać arcydzieła malarstwa. Zdjęcia przedstawione w naszym artykule pomogą Ci się z nimi zapoznać. „Kąpiel czerwonego konia” to obraz namalowany przez artystę w 1912 roku. Jej autorem jest Kuzma Pietrow-Wodkin. Malując konia na nietypowy kolor, artysta wykorzystuje tradycje rosyjskiego malowania ikon. Czerwień jest symbolem wielkości życia i poświęcenia. Nieugięty koń symbolizuje niezrozumiałość rosyjskiego ducha. Jasnoróżowy kolor kojarzy się z wizerunkiem Ogrodu Eden.

10 listopada 1912 odbyła się wystawa w Moskwie. Nad drzwiami wejściowymi umieszczono obraz Pietrowa-Wodkina, wierząc, że stanie się rodzajem sztandaru. Opinia ta była jednak błędna. Obraz nie został doceniony przez część zwiedzających wystawę, a także przez artystów. Wokół pionierskiej pracy wybuchły kontrowersje. W 1914 roku w Szwecji odbyła się wystawa, na której znalazło się 10 prac Pietrowa-Wodkina, w tym Kąpiel czerwonego konia. Zostały wycenione na dziesiątki milionów dolarów.
Obraz ma ponad 100 lat. Dziś jej rola w rozwoju malarstwa jest oczywista. Jednak w naszych czasach jest wielu koneserów sztuki, którym nie podobało się dzieło Pietrowa-Wodkina.

Salvador Dali, „Trwałość pamięci”

Wiele osób interesuje się malarstwem. Arcydzieła sztuki światowej nie przestają zadziwiać nawet dzisiaj. Cała twórczość Salvadora Dali jest paradoksalna i trudna do logicznej analizy. Obraz „Trwałość pamięci”, napisany w 1931 roku, przyciągnął uwagę wielu krytyków. Główny obraz pracy tłumaczy się najczęściej złożonością i nieliniowością ówczesnego charakteru. Ulubione symbole Salvadora Dali są zebrane na jednym zdjęciu. Morze symbolizuje nieśmiertelność, jajko - życie, a oliwka - mądrość. Zdjęcie przedstawia wieczorną porę dnia. Wieczór to symbol melancholii. Określa ogólny nastrój dzieła. Wiadomo, że trzy zegary na zdjęciu to przeszłość, teraźniejszość i przyszłość. Uważa się, że zamazany przedmiot z rzęsami to autoportret śpiącego autora. Salvador Dali przekonywał, że sen uwalnia wszystkie podświadome myśli, a człowiek staje się bezbronny. Dlatego na zdjęciu jego postać jest przedstawiona jako rozmyty obiekt.

Co zaskakujące, obraz pracy powstał od artysty po obejrzeniu sera topionego. Obraz stworzył w kilka godzin.

Obraz Salvadora Dali wyróżnia się niewielkimi rozmiarami (24 × 33 cm). Praca stała się symbolem surrealizmu. Obraz został po raz pierwszy wystawiony w Paryżu w 1931 roku. Tam został sprzedany za 250 dolarów.

Podsumowując

Malarstwo odgrywa ważną rolę w naszym życiu. Arcydzieła sztuki są nadal aktualne. Istnieje wiele godnych obrazów, które mają globalne znaczenie. Nasz artykuł zawiera niektóre z nich. Każde prezentowane zdjęcie posiada indywidualne detale i obrazy. Należy zauważyć, że niektóre z nich są powiązane mało znane fakty i tajemnice, które nie są dziś w pełni zrozumiałe.

Malarstwo odgrywa szczególną rolę w życiu dzieci i młodzieży. Studiując arcydzieła uczą się analizować, wyrażać swój punkt widzenia i kształtować niezależną i wysoce intelektualną osobowość. Malarstwo odgrywa ważną rolę nie tylko w życiu dzieci, ale także dorosłych. Nie jest tajemnicą, że współczesny człowiek musi być wszechstronnie rozwiniętą osobowością. Ważne jest, aby studiować wszystkie sfery życia, w tym malarstwo, aby poczuć się godnym w wykształconym społeczeństwie i ewentualnie znaleźć swoje powołanie w sztuce.

Strona zawiera najwięcej znane obrazy Rosyjscy artyści XIX wieku z nazwiskami i opisami

Różnorodne malarstwo rosyjskich artystów od początku XIX wieku przyciąga swoją oryginalnością i wszechstronnością w rodzimej sztuce plastycznej. Mistrzowie malarstwa tamtych czasów nie przestali zadziwiać swoim wyjątkowym podejściem do fabuły i pełna szacunku postawa do uczuć ludzi rodzima natura. W XIX wieku często malowano kompozycje portretowe z niesamowitym połączeniem emocjonalnego obrazu z epicko spokojnym motywem.

Obrazy rosyjskich artystów są wspaniałe w rzemiośle i naprawdę piękne w odbiorze, uderzająco dokładnie odzwierciedlają oddech swoich czasów, wyjątkowy charakter ludzi i ich pragnienie piękna.

Najpopularniejsze płótna rosyjskich malarzy: Aleksander Iwanow - jasny przedstawiciel malowniczy kierunek biblijny, w kolorach opowiadający o epizodach z życia Jezusa Chrystusa.

Karl Bryullov jest malarzem popularnym w swoim czasie, jego kierunkiem jest malarstwo historyczne, motywy portretowe, dzieła romantyczne.

Malarz morski Ivan Aivazovsky, jego obrazy są wspaniałe i można powiedzieć, że po prostu niezrównanie odzwierciedlają piękno morza z przezroczystymi toczącymi się falami, zachodami słońca i żaglówkami.

Dzieła słynnego Ilji Repina, który stworzył dzieła gatunkowe i monumentalne, odzwierciedlające życie ludzi, wyróżniają się wyjątkową wszechstronnością.

Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, jego kierunkiem jest opis historii Rosji, w którym artysta podkreślał epizody w kolorach ścieżka życia Rosjanie.

Każdy artysta jest wyjątkowy, na przykład malowniczy mistrz baśni i eposów Wiktor Wasniecow, wyjątkowy w swoim stylu, jest zawsze soczysty i jasny, romantyczne płótna, których bohaterami są znani bohaterowie baśni ludowych. Bardzo malownicze i wielkoformatowe obrazy artysty Wasilija Surikowa, opis historii Rosji jest jego kierunkiem, w którym artysta podkreślał w kolorach epizody ścieżki życia narodu rosyjskiego.

W malarstwie rosyjskim XIX wieku pojawił się także taki nurt jak realizm krytyczny, podkreślający w wątkach drwinę, satyrę i humor. Oczywiście był to nowy trend, nie każdy artysta mógł sobie na to pozwolić. W tym kierunku zdecydowano się na takich artystów jak Pavel Fedotov i Wasilij Perow.

Pejzażyści tamtych czasów również zajmowali swoją niszę, a wśród nich Izaak Lewitan, Aleksiej Sawrasow, Arkhip Kuindzhi, Wasilij Polenow, młody artysta Fiodor Wasiliew, malowniczy mistrz lasu, leśne polany z sosnami i brzozy z grzybami Iwan Szyszkin. Wszystkie barwnie i romantycznie odzwierciedlały piękno rosyjskiej przyrody, której różnorodność form i obrazów wiąże się z kolosalnym potencjałem otaczającego świata.

Według Lewitana w każdej nucie rosyjskiej natury kryje się niepowtarzalna kolorowa paleta, stąd ogromna przestrzeń dla kreatywności. Być może jest to zagadka, że płótna tworzone na rozległych przestrzeniach Rosji odznaczają się wykwintną surowością, ale jednocześnie przyciągają dyskretnym pięknem, od którego trudno odwrócić wzrok. A może wcale nie zawiła i raczej nie wpadająca w ucho fabuła, obraz Levitana „Mniszek” niejako zachęca widza do myślenia i dostrzegania piękna w prostocie.

Jeśli myślisz, że wszyscy wielcy artyści są w przeszłości, to nie masz pojęcia, jak bardzo się mylisz. W tym artykule dowiesz się o najbardziej znanych i utalentowani artyści nowoczesność. I wierzcie mi, ich dzieła zapadną w waszej pamięci nie mniej niż dzieła mistrza z minionych epok.

Wojciecha Babskiego

Wojciech Babski to współczesny polski artysta. Ukończył Politechnikę Śląską, ale związał się z nią. Ostatnio maluje głównie kobiety. Koncentruje się na manifestowaniu emocji, dąży do uzyskania jak największego efektu prostymi środkami.

Uwielbia kolor, ale często używa do tego odcieni czerni i szarości najlepsze doświadczenie. Nie boi się eksperymentować z nowymi technikami. Ostatnio coraz większą popularność zdobywa za granicą, głównie w Wielkiej Brytanii, gdzie z powodzeniem sprzedaje swoje prace, które można już znaleźć w wielu prywatnych kolekcjach. Oprócz sztuki interesuje się kosmologią i filozofią. Słucha jazzu. Obecnie mieszka i pracuje w Katowicach.

Warren Chang

Warren Chang - nowoczesny amerykański artysta. Urodzony w 1957 i wychowany w Monterey w Kalifornii, ukończył z wyróżnieniem Art Center College of Design w Pasadenie w 1981 roku z tytułem Bachelor of Fine Arts w dziedzinie sztuk pięknych. Przez następne dwie dekady pracował jako ilustrator dla różnych firm w Kalifornii i Nowym Jorku, zanim w 2009 roku rozpoczął karierę jako profesjonalny artysta.

Jego realistyczne obrazy można podzielić na dwie główne kategorie: biograficzne obrazy wnętrz oraz obrazy przedstawiające ludzi pracy. Jego zainteresowanie tym stylem malarskim jest zakorzenione w twórczości XVI-wiecznego malarza Jana Vermeera i obejmuje przedmioty, autoportrety, portrety członków rodziny, przyjaciół, studentów, pracownie, sale lekcyjne i wnętrza domowe. Jego celem jest tworzenie nastroju i emocji w swoich realistycznych obrazach poprzez manipulację światłem i użycie stonowanych kolorów.

Chang stał się sławny po przejściu do tradycyjnych sztuk wizualnych. W ciągu ostatnich 12 lat zdobył wiele nagród i wyróżnień, z których najbardziej prestiżowym jest Master Signature od Oil Painters of America, największej społeczności malarstwa olejnego w Stanach Zjednoczonych. Tylko jedna osoba na 50 jest uhonorowana możliwością otrzymania tej nagrody. Obecnie Warren mieszka w Monterey i pracuje w swojej pracowni, wykłada również (znany jako utalentowany nauczyciel) na Akademii Sztuk Pięknych w San Francisco.

Aurelio Bruni

Aurelio Bruni to włoski artysta. Urodzony w Blair, 15 października 1955. Ukończył scenografię w Instytucie Sztuki w Spoleto. Jako artysta jest samoukiem, samodzielnie „zbudował dom wiedzy” na fundamencie szkoły. Zaczął malować olejami w wieku 19 lat. Obecnie mieszka i pracuje w Umbrii.

Wczesne malarstwo Bruni ma korzenie w surrealizmie, ale z czasem zaczyna skupiać się na bliskości lirycznego romantyzmu i symboliki, wzmacniając to połączenie wyrafinowanym wyrafinowaniem i czystością swoich postaci. Przedmioty ożywione i nieożywione zyskują jednakową godność i wyglądają niemal hiperrealistycznie, ale jednocześnie nie chowają się za zasłoną, ale pozwalają zobaczyć esencję własnej duszy. Wszechstronność i wyrafinowanie, zmysłowość i samotność, zamyślenie i płodność to duch Aurelio Bruni, karmiony przepychem sztuki i harmonią muzyki.

Aleksander Balos

Alkasandr Balos to współczesny polski artysta specjalizujący się w malarstwie olejnym. Urodzony w 1970 roku w Gliwicach, ale od 1989 roku mieszka i pracuje w USA, w mieście Shasta w Kalifornii.

Jako dziecko uczył się sztuki pod kierunkiem ojca Jana, artysty samouka i rzeźbiarza, więc od najmłodszych lat, działalność artystyczna otrzymała pełne wsparcie od obojga rodziców. W 1989 roku, w wieku osiemnastu lat, Balos wyjechał z Polski do Stanów Zjednoczonych, gdzie jego nauczycielka i artystka na pół etatu Cathy Gaggliardi zachęciła Alcasandera do zapisania się do szkoły artystycznej. Balos otrzymał wtedy pełne stypendium na Uniwersytecie Milwaukee Wisconsin, gdzie studiował malarstwo u profesora filozofii Harry'ego Rosina.

Po ukończeniu studiów w 1995 roku z tytułem licencjata, Balos przeniósł się do Chicago, aby studiować w School of Fine Arts, której metody opierają się na pracach Jacques-Louis David. realizm figuratywny i malarstwo portretowe stanowiły większość prac Balosa w latach 90. i na początku XXI wieku. Dziś Balos wykorzystuje postać ludzką do podkreślenia cech i mankamentów ludzkiej egzystencji, nie proponując żadnych rozwiązań.

Kompozycje fabularne jego obrazów są przeznaczone do samodzielnej interpretacji przez widza, dopiero wtedy płótna nabiorą prawdziwego znaczenia czasowego i subiektywnego. W 2005 roku artysta przeniósł się do Północnej Kalifornii, od tego czasu tematyka jego twórczości znacznie się poszerzyła i obejmuje obecnie więcej swobodnych metod malarskich, w tym abstrakcję i różne style multimedialne pomoc w wyrażaniu idei i ideałów bytu poprzez malarstwo.

Alyssa mnisi

Alyssa Monks to współczesna amerykańska artystka. Urodziła się w 1977 roku w Ridgewood w New Jersey. Malarstwem zainteresowała się jeszcze jako dziecko. Uczęszczała do New School w Nowym Jorku i na Montclair State University, a w 1999 roku ukończyła Boston College z tytułem licencjata. W tym samym czasie studiowała malarstwo w Akademii Lorenzo Medici we Florencji.

Następnie kontynuowała studia w ramach programu magisterskiego na nowojorskiej Akademii Sztuki na Wydziale Sztuki Figuratywnej, którą ukończyła w 2001 roku. Ukończyła Fullerton College w 2006 roku. Krótko wykładała na uniwersytetach i instytucjach edukacyjnych w całym kraju, uczyła malarstwa w New York Academy of Art, a także na Montclair State University i Lyme Academy College of Art.

„Za pomocą filtrów, takich jak szkło, winyl, woda i para, zniekształcam ludzkie ciało. Filtry te umożliwiają tworzenie dużych obszarów abstrakcyjnego projektu, przez które prześwitują kolorowe wyspy — części ludzkiego ciała.

Moje obrazy zmieniają współczesne spojrzenie na utarte, tradycyjne pozy i gesty kąpiących się kobiet. Mogliby wiele powiedzieć uważnemu widzowi o tak pozornie oczywistych rzeczach, jak korzyści płynące z pływania, tańca i tak dalej. Moje postacie są przyciśnięte do szyby okna kabiny prysznicowej, zniekształcając własne ciało, uświadamiając sobie, że w ten sposób wpływają na notoryczne męskie spojrzenie na nagą kobietę. Grube warstwy farby są mieszane ze sobą, aby z daleka naśladować szkło, parę, wodę i ciało. Jednak z bliska, zachwycająco właściwości fizyczne farba olejna. Eksperymentując z warstwami farby i koloru, znajduję moment, w którym abstrakcyjne pociągnięcia stają się czymś innym.

Kiedy po raz pierwszy zaczęłam malować ludzkie ciało, od razu byłam nim zafascynowana, a nawet miała obsesję i poczułam, że muszę malować swoje obrazy tak realistycznie, jak to tylko możliwe. „Wyznawałem” realizm, aż zaczął się rozplątywać i dekonstruować. Teraz badam możliwości i potencjał stylu malarstwa, w którym spotykają się malarstwo przedstawiające i abstrakcja – jeśli oba style mogą współistnieć w tym samym momencie, zrobię to.”

Antonio Finelli

włoski artysta - obserwator czasu” – Antonio Finelli urodził się 23 lutego 1985 r. Obecnie mieszka i pracuje we Włoszech między Rzymem a Campobasso. Jego prace były wystawiane w kilku galeriach we Włoszech i za granicą: Rzymie, Florencji, Novarze, Genui, Palermo, Stambule, Ankarze, Nowym Jorku, a także znajdują się w kolekcjach prywatnych i publicznych.

Rysunki ołówkiem " Obserwator czasu Antonio Finelli wysyła nas w odwieczną podróż przez wewnętrzny świat ludzkiej doczesności i związaną z nią rygorystyczną analizę tego świata, której głównym elementem jest upływ czasu i ślady, jakie pozostawia na skórze.

Finelli maluje portrety ludzi w każdym wieku, płci i narodowości, których mimika wskazuje na upływ czasu, a artysta ma nadzieję, że na ciałach swoich bohaterów znajdzie dowody na bezwzględność czasu. Antonio określa swoje prace jednym, ogólnym tytułem: „Autoportret”, ponieważ w swoich rysunkach ołówkowych nie przedstawia po prostu osoby, ale pozwala widzowi kontemplować prawdziwe wyniki upływ czasu w osobie.

Flaminia Carloni

Flaminia Carloni to 37-letnia włoska artystka, córka dyplomaty. Ma troje dzieci. Dwanaście lat mieszkała w Rzymie, trzy lata w Anglii i Francji. Ukończył historię sztuki w BD School of Art. Następnie otrzymała dyplom w specjalności konserwator dzieł sztuki. Zanim znalazła swoje powołanie i całkowicie poświęciła się malarstwu, pracowała jako dziennikarka, kolorystka, projektantka i aktorka.

Pasja Flamini do malowania powstała już w dzieciństwie. Jej głównym medium jest olej, bo uwielbia „coiffer la pate”, a także bawi się materiałem. Podobnej techniki nauczyła się w pracach artysty Pascala Torua. Flaminia inspirowana jest wielkimi mistrzami malarstwa, takimi jak Balthus, Hopper i François Legrand, a także różnymi nurtami artystycznymi: street artem, chiński realizm, surrealizm i realizm renesansowy. Jej ulubionym artystą jest Caravaggio. Jej marzeniem jest odkrycie terapeutycznej mocy sztuki.

Denis Czernow

Denis Chernov jest utalentowany ukraiński artysta, urodził się w 1978 roku w Samborze w obwodzie lwowskim na Ukrainie. Po ukończeniu Charkov Art College w 1998 roku przebywał w Charkowie, gdzie obecnie mieszka i pracuje. Studiował także w Charkowie akademia państwowa projekt i sztuka, wydział grafiki, dyplom w 2004 roku.

Regularnie uczestniczy w wystawy sztuki, w tej chwili jest ich ponad sześćdziesiąt, zarówno na Ukrainie, jak i za granicą. Większość prac Denisa Czernowa znajduje się w prywatnych kolekcjach na Ukrainie, w Rosji, Włoszech, Anglii, Hiszpanii, Grecji, Francji, USA, Kanadzie i Japonii. Niektóre prace zostały sprzedane w Christie's.

Denis pracuje w szerokim zakresie technik graficznych i malarskich. Rysunek ołówkiem to jedna z jego ulubionych metod malarskich, lista tematów jego rysunków ołówkowych jest również bardzo zróżnicowana, maluje pejzaże, portrety, akty, kompozycje rodzajowe, ilustracje książkowe, literackie i historyczne rekonstrukcje i fantazje.