Malarstwo to jeden z rodzajów sztuk pięknych. Malarstwo dzieli się na następujące typy:

• monumentalny;
• sztaluga;
• teatralne i dekoracyjne;
• dekoracyjny;
• miniaturowy.

W przeciwieństwie do innych typów, w malarstwie kolor ma główne znaczenie ekspresyjne, dzięki czemu pełni rolę estetyczną, poznawczą, ideologiczną i dokumentalną.

Malarstwo to przenoszenie obrazu za pomocą farb płynnych, w przeciwieństwie do grafiki. Farby olejne, tempera, gwasz, emalia, akwarela itp. działają jak farby.

Styl malarstwa to kierunek z ogólnymi pomysłami, technikami wykonawczymi i charakterystycznymi technikami obrazowymi. Na kształtowanie się stylów wpływała polityka i ekonomia, ideologia i religia. Dlatego każdy styl można uznać za przedstawiciela swoich czasów.

Kierunki i style malarstwa są nie mniej różnorodne niż sposoby jego przedstawiania. Czasami nie ma jasnego podziału stylów. Mieszając kilka stylów, otrzymujesz nowy. Ale przy całej różnorodności istnieje kilka głównych kierunków:

gotyk

Ten styl europejski było powszechne w IX-XIV wieku. Opowieści biblijne, brak perspektywy, emocjonalność i pretensjonalność to główne cechy tego stylu. Przedstawiciele: Giotto, Traini.

renesans

Wiek XIV-XVI to powrót do starożytności, gloryfikacja piękna ludzkiego ciała, humanizmu. Głównymi przedstawicielami są Michelangelo Buonarotti, Leonardo da Vinci.

Manieryzm

Kierunek w malarstwie XVI wieku. Styl jest przeciwieństwem renesansu. Nazwa pochodzi od słowa „sposób”. Przedstawiciele tego nurtu Vasari, Duve.

Barokowy

Pompatyczny, luksusowy styl malarstwa XVI-XVIII wieku w Europie. Wyróżnia się jasnością kolorów, dbałością o detale i zdobieniami.

Rokoko

16 wiek Bardziej wyrafinowana, wyrafinowana i intymna kontynuacja stylu barokowego. Przedstawiciele: Bush, Watteau.

Klasycyzm

Styl nieodłącznie związany z kulturą europejską XVII-XIX wieku. Obraz z punktu widzenia klasycyzmu powinien opierać się na ścisłych kanonach. Styl klasycyzmu jest spadkobiercą starożytności i renesansu. Głównymi przedstawicielami tego stylu są Raphael, Poussin.

Imperium

Styl XIX-wieczny. Nazwa stylu pochodzi od słowa „imperium”. Jest kontynuacją rozwoju klasycyzmu w jego majestacie, luksusie i wyrafinowaniu. Głównym przedstawicielem jest J. L. David.

Romantyzm

Styl XIX-wieczny, poprzedzony klasycyzmem. Emocjonalność, indywidualność, ekspresja obrazów. Wyróżniał się obrazem takich emocji jak przerażenie, szacunek. Propaguje tradycje ludowe, legendy, historię narodową. Przedstawiciele: Goya, Bryullov, Delacroix, Aivazovsky.

Prymitywizm

Styl malarstwa XIX wieku. Stylizowany, uproszczony obraz skutkujący prymitywnymi formami przypominającymi prymitywne rysunki. Wybitnym przedstawicielem jest Pirosmani.

Realizm

Styl XIX i XX wieku. Przeważnie wiernie odzwierciedla obiektywną rzeczywistość, bez nadmiernej emocjonalności. Często przedstawiano ludzi przy pracy. Artyści: Repin, Shishkin, Savrasov, Manet.

Abstrakcjonizm

Styl XIX i XX wieku. Harmonijne zestawienie kolorystyczne geometrycznych kształtów, mające na celu uzyskanie różnorodnych skojarzeń. Przedstawiciele: Picasso, Kandinsky.

Impresjonizm

Styl XIX i XX wieku. Styl malowania w plenerze, w plenerze. Charakterystycznie wykonane przelewy światła, technika małego pociągnięcia, ruch przekazywany przez mistrza. Nazwę stylu nadał obraz Moneta „Impresja”. Głównymi przedstawicielami tego stylu są Renoir, Monet, Degas.

Ekspresjonizm

Styl XX wieku. Przesadne przedstawienie emocji, aby uzyskać większy efekt na widzu. Wśród przedstawicieli tego stylu są Modigliani, Munch.

Kubizm

Awangardowy styl XX wieku. Charakteryzuje się liniami przerywanymi (sześciennymi), pewną kombinacją obiektów, oglądanych jednocześnie z kilku punktów widzenia. Picasso uważany jest za twórcę tego stylu.

Modernizm

Styl XIX i XX wieku. Jest antypodą konserwatywnych obrazów realizmu. Skandaliczny, plastyczny styl malarstwa przedstawia oryginalne obrazy, które odzwierciedlają wewnętrzny świat artysty. Przedstawiciele: Picasso, Matisse.

Pop Art

Styl XX wieku. Ironiczne przedstawienie banalnych, często wulgarnych przedmiotów. Powszechnie stosowane w marketingu i reklamie. Wybitnym przedstawicielem tego nurtu jest Andy Warhol.

Symbolizm

Kierunek 19-20 wieków. Duchowość, sny, mity i legendy. Symbole, często niejednoznaczne, charakteryzują ten styl. Jest prekursorem ekspresjonizmu i surrealizmu. Przedstawiciele: Vrubel, Wasniecow, Niestierow.

Surrealizm

Styl XX wieku. Aluzje, mieszanie przestrzeni rzeczywistości i snu, niezwykłe kolaże. Robi wrażenie na podświadomości. Wielki wkład w ten styl wniósł Dali, Magritte.

pod ziemią

Eksperymentalny nurt w sztuce współczesnej, odzwierciedlający zachowania aspołeczne naruszające ogólnie przyjęte zasady moralne i etyczne. Przedstawicielem tego stylu jest Shemyakin.

Czym jest styl?

Co dokładnie oznacza styl w sztuce? Jest to rodzaj jedności ideowo-artystycznej, dzięki której artyści preferują określone tematy i specjalne środki wizualne. Pozostają indywidualne, ale patrząc na to czy tamto płótno, można już niemal bezbłędnie określić epokę i styl.

Europa ukształtowała się w średniowieczu. A malarstwo rozwinęło się z malarstwa ikonowego. Na ziemi rosyjskiej istniał nawet gatunek przejściowy - parsuna. To już nie ikona, ale jeszcze nie portret. I dopiero gdy sztuka stopniowo uwalnia się spod władzy kościoła, staje się bardziej światowa i świecka, malarstwo jako forma sztuki nabywa wszelkie prawa.

Styl za stylem

Za pierwszy paneuropejski styl w malarstwie można uznać nie styl romański i gotyk (jest to głównie architektura), ale barok.

To styl aluzji, przeoczeń, alegorii, styl alegorii i metafor. Rembrandt i Rubens są jego typowymi przedstawicielami. Rokoko to rodzaj zdegenerowanego baroku. Styl tkwi nie tyle w malarstwie, ile w sztuka stosowana. F. Boucher i A. Watteau pozostawili najbardziej uderzające przykłady malarstwa rokokowego. Sam obraz jest wyrafinowany, z domieszką erotyki, utrzymany w pastelowych barwach, pełnych motywów mitologicznych. Wiek XVIII staje się wiekiem dominacji klasycyzmu. To już obraz heroiczny, w którym gloryfikuje się władców i generałów. Istnieje uzależnienie artystów od tematów mitologicznych i historycznych. Ścisłe proporcje, jedność treści i formy, podział postaci na pozytywne i negatywne, na główne i wtórne – to tylko niektóre cechy klasycyzmu. Potem następuje krótkie ale jasny wiek sentymentalizm. W kręgu jego wpływów, oprócz malarstwa, znajduje się także poezja. Sentymentaliści pogłębiają treść sztuki, napełniają ją napięciem psychicznym. Zmieniają malarstwo na potrzeby i wymagania zwykli ludzie. Sztuka jest zdemokratyzowana. Teraz na płótnach - nie bogowie i bohaterowie, ale kucharze, praczki, robotnice. Za najbardziej nieestetyczną pracę. Romantyzm zastępuje sentymentalizm. Ze swoimi burzliwymi pasjami, niezwykłymi, obcymi postaciami, kultem inspiracji. Wystarczy porównać portrety Puszkina autorstwa Kiprenskiego i Tropinina, aby poczuć zasadniczą różnicę między nimi. Romantyczny Kiprensky ma także Puszkina jako romantyka na tle liry. Realista Tropinin rysuje poetę jako mężczyznę z swobodnie rozpiętym kołnierzykiem koszuli, choć z piórem w dłoniach.

Realizm – na poważnie i od dawna Sztuka realistyczna lat trzydziestych XIX wieku zaczyna zyskiwać na popularności. I już wkrótce zaczyna determinować i kształtować gusta artystyczne znacznej części społeczeństwa. W sercu realizmu leży pragnienie prawdziwego i wszechstronnego odzwierciedlenia otaczającej rzeczywistości, krytyczny stosunek do wartości burżuazyjnych i silna orientacja społeczna. W Rosji malarstwo realistyczne to przede wszystkim Wędrowcy. Na przełomie wieków realizm przeżywa pewien przejściowy kryzys. Ale okazuje się, że to wystarczy, aby pojawił się modernizm. Terminem tym określa się pstrokaty zbiór ruchów i szkół artystycznych, które starały się zrzucić okowy tradycyjnej sztuki, zerwać z realizmem i jego przedstawieniem przedmiotowym.

Alternatywny czy fałszywy połysk?

Modernizm to zarówno impresjonizm, jak i fowizm, symbolika i futuryzm. Publiczność coraz mniej widzi na płótnach ludzi, przyrody, zwierząt. Zamiast tego – zniekształcone proporcje, niewyraźna tonacja. Wszystko jest zabarwione emocjami i chwilowymi nastrojami tego czy innego autora. Jak mówią, będzie więcej. Po modernizmie - abstrakcjonizm. To już kolorowe plamy, krzywe linie, przedziwne połączenie ciała geometryczne. Kubizm, Rayonizm, Surrealizm. Zapisano tylko talent. Chodzi o Picassa lub Dali. Przeciętność połknęła Summer. Ich los to zapomnienie w historii. Wreszcie postmodernizm, którego epoka ciągnęła się nieracjonalnie długo. Nie ma już żadnych zasad i kanonów. Żadnej spowiedzi i kazania. Wszyscy. Pełen eklektyzm, czyli mieszanina stylów i heterogenicznych elementów. Postaw na sukces komercyjny.

Do czego doszli? Rozwój stylów malarskich niestety potwierdza przypuszczenia hiszpańskiego filozofa J. Ortegi y Gaseta o nadejściu epoki „dehumanizacji sztuki”. Nikt nie zaprzecza potrzebie wyrażania siebie i nikt nie ogranicza artysty w wyborze środków do tego. To smutne, że wiele osób ma tendencję do myślenia, jak stara Shapoklyak z kreskówki, że „nie można stać się sławnym dzięki dobrym uczynkom”. Im bardziej skandalicznie, tym głośniej zapowiadany sukces. I nieświadomy istnienia takich „artystów”, czas jeszcze wypleni cały żużel i łuskę, a prawdziwa sztuka pozostanie. Żaden brud się do niego nie przyklei.

Większość obrazów, które widzisz, to obiekty sztalugowe. Termin ten oznacza, że ​​obrazy zostały namalowane na specjalnej sztalugach. Można je oprawić w ramkę, powiesić na ścianie lub podarować jako prezent. Innymi słowy sztaluga to obraz namalowany na płaskim tle: papierze, desce. W tym typie malarstwa dominują obrazy olejne, ale także obrazy, w których wykorzystuje się inne materiały - gwasz i akwarelę, pastele, tusz, węgiel drzewny, farby akrylowe, kredki itp.

Jeden z stosowane typy malarstwo sztalugowe to malarstwo teatralne i dekoracyjne - szkice kostiumów dla bohaterów i mise-en-scenes.

Malarstwo monumentalne - malowanie budynków

Malarstwo monumentalne nie może istnieć w oderwaniu od miejsca, w którym jest wykonywane. Ten rodzaj malarstwa był bardzo popularny w XVI-XIX wieku, kiedy budowano majestatyczne świątynie, a ich sklepienia malowali najlepsi artyści. Najpopularniejszym rodzajem jest fresk, malowanie farbami wodnymi na mokrym tynku.

Powszechne było także malowanie na suchym tynku – secco, lecz tego typu dzieła przetrwały do ​​naszych czasów w gorszych warunkach. Najbardziej znanym monumentalnym obrazem jest wielkoformatowy obraz Kaplicy Sykstyńskiej, w którym brał udział Michał Anioł. Według krytyków freski w kaplicy można utożsamiać z ósmym cudem świata.

Najstarszymi dziełami malarstwa monumentalnego są malowidła naskalne pierwszych ludzi.

Malarstwo dekoracyjne - sztuka użytkowa

Malarstwo dekoracyjne jest ściśle związane ze sztuką i rzemiosłem. Odgrywa raczej rolę pomocniczą w dekoracji różnych przedmiotów. Malarstwo dekoracyjne to różnorodne wzory i ozdoby zdobiące przedmioty gospodarstwa domowego, meble, architekturę. Autorzy tego typu malarstwa mogą być nieznani – do tego typu zaliczają się także proste obrazy przedstawiające domy chłopskie i meble.

Malarstwo miniaturowe - urocze małe rzeczy

Początkowo malarstwo miniaturowe zajmowało się projektowaniem książek. Stare książki zostały wykonane z wielką starannością i były bardzo drogie. Do ich dekoracji zatrudniono specjalnych rzemieślników, którzy pięknie zaprojektowali nagłówki, okładki i wygaszacze ekranu pomiędzy rozdziałami. Publikacje te były prawdziwym dziełem sztuki. Istniało kilka szkół, które trzymały się ścisłych kanonów malarstwa miniaturowego.

Później miniatury zaczęto nazywać dowolnymi obrazami na małą skalę. Służyły jako pamiątki i niezapomniane prezenty. Mimo niewielkich rozmiarów, ten rodzaj malarstwa wymagał dużej precyzji i umiejętności. Najpopularniejszymi materiałami na miniatury pamiątkowe były płyty z kości, kamienia i metalu.

Rada 2: Jakie są rodzaje sztalug: podstawowe i popularne

Rysunek to jeden z najciekawszych kierunków kreatywności. Ale aby namalować obraz, musisz wybrać odpowiednie nie tylko pędzle i farby, ale także sztalugi.

Dla niektórych twórczość, czyli rysowanie, jest integralną częścią życia w formie hobby lub aktywności zawodowej. Artyści i amatorzy przywiązują szczególną wagę do materiałów i urządzeń, z którymi pracują. Ponieważ sztalugi są integralną częścią procesu twórczego, należy bardziej szczegółowo rozważyć te elementy pomocnicze.

Tak więc w tej chwili istnieją trzy główne typy, są to: sztalugi trójnożne, sztalugi panelowe pionowe (stacjonarne) oraz szkicowniki. Każdy rodzaj sztalugi ma swoją własną charakterystykę. Na przykład statywy są bardzo łatwe w montażu i obsłudze. Taką sztalugę zawsze można zdemontować, natomiast po złożeniu urządzenie to zajmuje bardzo mało miejsca.

Jednocześnie sztalugi panelowe pionowe są bardzo wygodne, posiadają funkcję regulacji wysokości i kąta nachylenia, jednak ze względu na swoją stacjonarność zajmują dużo miejsca. Zasada mocowania papieru lub naciągniętego płótna w tego typu sztalugach jest praktycznie niezmieniona. Na dole znajduje się mały panel do lokalizacji materiałów eksploatacyjnych: ołówków, farb, pędzli i innych rzeczy.

Szkicowniki można używać na zewnątrz, korzystając z natury. Jednocześnie po złożeniu urządzenie to zamienia się w małą walizkę, z którą można odbywać długie podróże do miejsca, w którym pisane jest płótno.

Najpopularniejsze sztalugi

Najpopularniejsze są sztalugi trójnożne. Wynika to z ich wygody i zwartości. Ponadto taką sztalugę można wykonać niezależnie, jeśli nie chcesz wydawać pieniędzy na jej zakup.

Do pracy w studiu lub w domu często wykorzystuje się sztalugi stołowe, czyli sztalugi z panelem pionowym. Ten typ jest wygodny podczas pracy w jednym miejscu, ponieważ jego transport jest utrudniony przez niemożność rozłożenia przedmiotu na mniejsze części przy późniejszym montażu. Jednocześnie każdy rodzaj sztalug jest przeznaczony do konkretnego przeznaczenia, ale statyw można słusznie uznać za najbardziej uniwersalny, ponieważ można go używać zarówno do stałej pracy w studiu, jak i do pracy z naturą, oczywiście , jeśli nie jest za duży.

Źródła:

• Klasyfikacja sztalug

Sztuka zdobienia powierzchni farbami i pędzlem nazywana jest malarstwem artystycznym. Samo pojęcie malarstwa znacznie różni się od malarstwa, gdyż jest częścią przestrzeni wymyślonej przez artystę.

Malarstwo artystyczne było pierwotnie stosowane do wszelkich demokratycznych i łatwo dostępnych materiałów: skóry, drewna, tkanin naturalnych, gliny itp. Umiejętności były przekazywane z pokolenia na pokolenie przez rzemieślników, pojawiły się specyficzne techniki artystyczne, które pomogły wyrobom. Z czasem wybrano najbardziej wymowne i wyraziste zastosowanie ozdoby. W architekturze sufity, sklepienia, ściany, belki dekorowano obrazami, a w życiu codziennym dekorowano przedmioty gospodarstwa domowego.

Systematyzację różnych rodzajów malarstwa zapoczątkował w 1876 roku profesor A.A. Isajew w swojej dwutomowej książce pt. „Rzemiosło prowincji moskiewskiej”. Przedsiębiorstwa malarstwa artystycznego rozwijają obecnie swoją działalność, aby sprostać zapotrzebowaniu na rynkach rosyjskich i zagranicznych.

Malarstwo Khokhloma

W bogatym zdobieniu roślinnym wykorzystano umiejętność delikatnego pędzla, wywodzącego się z klasztorów. Stąd wyprowadzono sekret malowania naczyń na złoty kolor bez użycia złota. Malarstwo nie zmieniło się do czasów obecnych, a proces od czasów starożytnych do współczesności jest taki sam. Półfabrykat naczyń jest toczony z drewna na tokarce, a następnie gruntowany specjalnie przygotowanym roztworem gliny lub stosuje się sztuczne podkłady. Naczynia pokrywane są farbą na bazie cyny lub srebra, rzadziej aluminium. Malują według wymyślonego motywu i suszą w piekarniku, następnie lakierują i ponownie suszą na gorąco.

Ponieważ produkt był wielokrotnie poddawany intensywnej obróbce cieplnej, wybrano farby spośród tych, których jasność nie została zakłócona przez wysokie temperatury. Jest czerń, złoto i cynober.

Porcelana Gżel

Gzhel jest wyjątkowy, ponieważ każdy artysta, wykorzystując klasyczne i znane motywy, tworzy technikę indywidualnie. Główną rolę odgrywa doświadczenie mistrza i ruch jego pędzla. Jednocześnie harmonijne przejścia od ciemnoniebieskiego do jasnoniebieskiego pojawiają się na bieli już od jednego pociągnięcia. Używana jest tylko jedna farba, kobaltowa, a rysunek wykonuje się bardzo szybko, już za pierwszym razem.

Matrioszka

Te figurki o różnej wielkości, zagnieżdżone jedna w drugiej, pochodzą z Japonii. Lalki te zyskały dużą popularność w 1900 roku, po wystawie w Paryżu. Główna produkcja odbywała się we wsi Połchowski Majdan, słynącej zarówno z malarstwa, jak i tokarzy – w końcu trzeba było wyrzeźbić kształt lalek lęgowych.

Polkhovskaya ma charakterystyczne cechy, dzięki którym można ją rozpoznać m.in. Ma twarz pomalowaną drobnymi pociągnięciami, a na czole kwiat cietrzewia. Kolor szalika kontrastuje z kolorem sukienki, a od tyłu matrioszka jest w 2/3 szkarłatna lub zielona. Fartuch jest owalny i biegnie od szyi do ziemi.

Najtrudniejsza w obróbce, inkrustowana słomą matrioszka z Wiatki.

Prawie każda dziewczyna, jeśli ona czas wolny nie jest przeciążony nauką ani randkami, ma jedno lub więcej hobby. Niektóre z nich urzekają ją swoją oryginalnością na krótki czas, inne są towarzyszami na całe życie.

Instrukcja

Najpopularniejszy rodzaj kobiecego hobby można nazwać wszelkiego rodzaju robótkami ręcznymi: szydełkiem, makramą, szyciem, haftem. Takie hobby nie rodzi się od zera, tradycyjnie wychodzi od matek i babć, które zajmują się nim w obecności swoich córek i wnuczek. Mała dziewczynka zaczyna się interesować i prosi dorosłych, aby pokazali jej pętelki, węzły, żyłkę lub łańcuszek. Na początku to nie wychodzi i może nawet na jakiś czas porzucić nowe hobby, ale po kilku latach natura zrobi swoje i teraz nastolatka uszyje swoje pierwsze dżinsy lub zrobi na drutach beret.

Nie tak czasochłonną, pozostawiającą wieczory wolne na inne zajęcia, jest kwiaciarstwo. Wszystkie kobiety kochają kwiaty, a największym zainteresowaniem cieszą się te wyhodowane własnoręcznie. Śledzenie wyglądu pędów, ich wzrostu i późniejszego kwitnienia przypomina macierzyństwo, dlatego sprawia przyjemność wielu płci pięknej. Jeśli nie masz cierpliwości do pielęgnacji róż i fiołków, możesz zacząć od chlorofilu, czyli prostych kaktusów.

Najwcześniejsze hobby małego dziecka to rysowanie i poruszanie się przy muzyce. Jeśli jest dla nich talent, przedsięwzięcia nie zostaną utracone, ale rozwiną się w umiejętność pokazania tego, co zewnętrzne i wewnętrzne światy poprzez malarstwo i taniec. Jeśli nie ma talentu, ale dusza uparcie domaga się wyrażenia wszystkich swoich impulsów, dziewczyna staje się dobrym fotografem. Na jej zdjęciach najczęściej pojawiają się bliscy i przyjaciele, ważne miejsca i zakątki natury, które pobudzają wyobraźnię.

Inną metodą wykorzystania swojego potencjału jest wykonywanie rzemiosła z różnych materiałów. Jest to modelowanie w glinie, wytwarzanie mydła, rzeźbienie i projektowanie. To drugie może zamienić się w zawód i stać się dobrym sposobem na zarobek. A rzeźbienie można nazwać rodzajem powszechnego, ale dalekiego od wszechstronnego hobby - gotowania. Prawie każda dziewczyna potrafi ugotować najprostszą owsiankę i zupę, upiec pizzę ze wszystkiego, co jest w lodówce, ale tylko nieliczne mają sztukę przygotowywania oryginalnych potraw.

I wreszcie ogólnym hobby kobiet w każdym wieku i kategoriach społecznych jest wróżenie. Najczęściej na kartach, ale aby osiągnąć wynik, stosuje się również fusy z kawy, chiromancję i inne metody wróżenia. Znajomość przeszłości i przyszłości nie może być nudna, a specjalizacja w konkretnym gatunku może zmienić dziewczynę w prawdziwego mistrza.

Okrągłe i płaskie, z drewnianą rączką i tworzywem sztucznym, kuna i kucyk. Różnorodność kształtów i rodzajów pędzli pomaga artyście tworzyć arcydzieła na płótnie lub papierze. Na przykład pędzel wiewiórkowy służy głównie do pracy z farbą akwarelową, a pędzel liniowy służy do pisania.

Kształty pędzli

Jednym z najpopularniejszych i najbardziej uniwersalnych kształtów pędzli jest okrągły. Pęczek takiego pędzla mocowany jest w okrągłym klipsie, zwykle metalowym. Pędzle mogą mieć różne rozmiary. Mała wiązka służy do tworzenia miniatur, a duża wiązka służy do dużych krajobrazów. Okrągły pędzel zapewnia jednolitą linię o tej samej grubości, chociaż wprawny artysta może ją zmieniać.

Dobrze jest opracowywać duże obszary kompozycji płaskimi pędzlami, mieszczą one w sobie dużo farby. Pociągnięcia takim pędzlem są gładkie i szerokie.

Pędzel zwany „kocim okiem” ma kształt owalny lub kopulasty. Pędzel taki jest bardzo indywidualny w użyciu i można go nakładać tak samo jak okrągły i płaski.

Podgatunek płaskich pędzli jest konturowy, mają podobny kształt, ale wiązka jest krótsza i odpowiednio bardziej elastyczna. Pędzle takie wykorzystywane są w technikach malarstwa olejnego, łatwo można na nich wykonać płaskie pociągnięcia i wyraźne kontury.

Pędzle typu mają okrągłą długą pęczek z cienką, ostrą końcówką, która umożliwia pisanie i nakładanie konturów. Takie pędzle stosuje się do farb płynnych.

Pędzle retuszowe również należą do różnych pędzli płaskich, ich osobliwość polega na tym, że końcówka jest ścięta pod kątem. Pędzle te służą do tworzenia bardzo cienkich pociągnięć oraz płynnych i precyzyjnych przejść między kolorami. Dzieje się tak dzięki cienkiej i ostrej końcówce.

Pędzle liniowe, podobnie jak pędzle tekstowe, mają kształt okrągłej, długiej belki i służą do nakładania napisów oraz tworzenia długich, równych linii. Pędzle liniowe są krótsze niż pędzle typu, ale dłuższe i cieńsze niż okrągłe.

Pędzle fletowe, oprócz malowania, służą do nakładania makijażu, a mianowicie pudru lub różu. Te miękkie pędzle przeznaczone są do swobodnego malowania akwarelami. Zatrzymują dużo wody, dzięki czemu mogą bez przerwy rysować długie, solidne i jednolite linie.

Pędzle wachlarzowe mają cienką wiązkę w kształcie wachlarza. Służą do tworzenia subtelnych rozciągnięć kolorów, przejść kolorów i kontrastów.

Rodzaje pędzli

Oprócz kształtów i rozmiarów istnieje znacząca różnica w rodzajach szczotek, a mianowicie z jakiego rodzaju włosów wykonany jest wiązka. Najpopularniejszym rodzajem pędzla jest wiewiórka. Takie pędzle są wykonane z przetworzonych włosów ogonowych wiewiórki, ponieważ to w ogonie znajduje się najdłuższy stos. Pędzle wiewiórkowe są bardzo miękkie i delikatne, dlatego wymagają szczególnej pielęgnacji. Służą do pracy z farbą akwarelową lub inną farbą na bazie wody.

Pędzle Kolinsky wykonane są z przetworzonych włosów z ogona Kolinsky. Pędzle te są dość miękkie i jednocześnie elastyczne. Dlatego się je wykorzystuje

Malarstwo wyróżnia się różnorodnością gatunków i typów. Każdy gatunek jest ograniczony zakresem tematów: wizerunek osoby (portret), otaczający świat (krajobraz) itp.
Odmiany (rodzaje) malarstwa różnią się przeznaczeniem.

Pod tym względem istnieje kilka rodzajów malarstwa, o których dzisiaj porozmawiamy.

malarstwo sztalugowe

Najpopularniejszym i najbardziej znanym rodzajem malarstwa jest malarstwo sztalugowe. Nazywa się to tak, ponieważ wykonuje się je na maszynie - sztalugach. Podstawą jest drewno, tektura, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz sztalugowy to samodzielne dzieło wykonane w określonym gatunku. Ma bogactwo kolorów.

Farby olejne

Najczęściej malarstwo sztalugowe wykonuje się farbami olejnymi. Farby olejne można stosować na płótnie, drewnie, kartonie, papierze, metalu.

Farby olejne
Farby olejne to zawiesiny nieorganicznych pigmentów i wypełniaczy w schnących olejach roślinnych lub olejach schnących lub na bazie żywic alkidowych, czasami z dodatkiem substancji pomocniczych. Stosowane są w malarstwie lub do malowania powierzchni drewnianych, metalowych i innych.

V. Perow „Portret Dostojewskiego” (1872). Płótno, olej
Ale malowniczy obraz można również stworzyć za pomocą tempery, gwaszu, pasteli, akwareli.

Akwarela

Farby akwarelowe

Akwarela (francuska Aquarelle - wodnista; włoska acquarello) to technika malarska wykorzystująca specjalne farby akwarelowe. Po rozpuszczeniu w wodzie tworzą przezroczystą zawiesinę drobnego pigmentu, dzięki czemu powstaje efekt lekkości, zwiewności i subtelnych przejść kolorystycznych.

J. Turnera „Jezioro Fierwaldstadt” (1802). Akwarela. Tate Britain (Londyn)

Gwasz

Gwasz (gwasz francuski, włoska farba wodna guazzo, plusk) to rodzaj klejących farb rozpuszczalnych w wodzie, bardziej gęstych i matowych niż akwarela.

farby gwaszowe
Farby gwaszowe wykonane są z pigmentów i kleju z dodatkiem bieli. Domieszka bieli nadaje gwaszowi matową aksamitność, jednak po wyschnięciu kolory zostają nieco wybielone (rozjaśnione), co artysta musi uwzględnić w procesie rysowania. Za pomocą farb gwaszowych możesz pokryć ciemne odcienie jasnymi.

Vincent van Gogh „Korytarz w Asulum” (czarna kreda i gwasz na różowym papierze)

Pastelowe [e]

Pastel (od łac. makaron – ciasto) – materiał artystyczny stosowany w grafice i malarstwie. Najczęściej produkowane w formie kredek lub ołówków bez oprawek, posiadające formę kresek o przekroju okrągłym lub kwadratowym. Istnieją trzy rodzaje pasteli: sucha, olejna i woskowa.

I. Lewitan „Dolina rzeki” (pastel)

Tempera

Tempera (włoska tempera, od łac. temperare – do mieszania farb) – farby wodorozcieńczalne przygotowywane na bazie suchych pigmentów proszkowych. Spoiwem farb temperowych jest żółtko jaja kurzego rozcieńczone wodą lub całe jajo.
Farby temperowe są jednymi z najstarszych. Przed wynalezieniem i rozpowszechnianiem farb olejnych do XV-XVII wieku. Głównym materiałem malarstwa sztalugowego były farby temperowe. Używane są od ponad 3000 lat. Słynne obrazy sarkofagów starożytnych egipskich faraonów wykonane są farbami temperowymi. Tempera była głównie malarstwem sztalugowym mistrzów bizantyjskich. W Rosji dominowała technika pisania temperą koniec XVII V.

R. Streltsov „Stokrotki i fiołki” (tempera)

Enkaustyczny

Enkaustyka (od greckiego ἐγκαυστική – sztuka wypalania) to technika malarska, w której spoiwem farb jest wosk. Malowanie odbywa się za pomocą stopionych farb. W tej technice namalowano wiele ikon wczesnochrześcijańskich. Pochodzi ze starożytnej Grecji.

"Anioł". Technika enkaustyczna

Zwracamy uwagę, że można spotkać także inną klasyfikację, według której akwarela, gwasz i inne techniki wykorzystujące farby papierowe i wodne zaliczane są do grafiki. Łączą w sobie cechy malarstwa (bogactwo tonów, konstrukcja formy i przestrzeni za pomocą koloru) i grafiki (aktywna rola papieru w konstrukcji obrazu, brak specyficznego reliefu charakterystycznego dla powierzchni obrazu).

monumentalne malarstwo

Malarstwo monumentalne - malowanie na obiektach architektonicznych lub innych podłożach. Jest to najstarszy rodzaj malarstwa, znany już od paleolitu. Ze względu na stacjonarność i trwałość zachowały się liczne jej przykłady z niemal wszystkich kultur, które stworzyły rozwiniętą architekturę. Głównymi technikami malarstwa monumentalnego są freski i secco, mozaika, witraże.

Fresk

Fresk (z włoskiego fresk - świeży) - malowanie na mokrym tynku farbami wodnymi, jedna z technik malowania ścian. Zawarte w tynku wapno po wyschnięciu tworzy cienką przezroczystą warstwę wapnia, dzięki czemu fresk jest trwały.
Fresk ma przyjemną matową powierzchnię i jest trwały w warunkach wewnętrznych.

Klasztor Gelati (Gruzja). Kościół Święta Matka Boża. Fresk na górnej i południowej stronie Łuku Triumfalnego

Sekunda

Oraz secco (z włoskiego secco - suche) - malowanie ścian, wykonywane w odróżnieniu od fresków, na twardym, wyschniętym tynku, ponownie zwilżonym. Stosuje się farby mielone na kleju roślinnym, jajku lub mieszane z wapnem. Secco pozwala na pomalowanie większej powierzchni w ciągu jednego dnia roboczego niż malowanie fresków, ale nie jest tak trwałą techniką.
Technika asecco rozwinęła się w malarstwie średniowiecznym wraz z freskami i była szczególnie popularna w Europie w XVII-XVIII wieku.

Leonardo da Vinci Ostatnia wieczerza (1498). Technika secco

Mozaika

Mozaika (fr. mosaïque, wł. mozaika od łac. (opus) musivum - (dzieło poświęcone muzom) - sztuka dekoracyjna, użytkowa i monumentalna różnych gatunków. Obrazy w mozaice powstają poprzez ułożenie, ustawienie i utrwalenie na powierzchni wielobarwnych kamieni, smalty, płytek ceramicznych i innych materiałów.

Panel mozaikowy „Kot”

witraż

Witraż (fr. vitre – szyba okienna, od łac. vitrum – szkło) – dzieło ze szkła kolorowego. Witraże od dawna wykorzystywane są w kościołach. W okresie renesansu witraże istniały jako obrazy na szkle.

Witraż Pałacu Kultury „Meżsojuzny” (Murmańsk)
Do odmian malarstwa należą także diorama i panorama.

Diorama

Budowa dioramy „Atak na Góry Sapun 7 maja 1944” w Sewastopolu
Diorama to obraz w kształcie wstążki, półkolicznie zakrzywiony, z planem tematycznym na pierwszym planie. Powstaje iluzja obecności widza w przestrzeni naturalnej, którą osiąga się poprzez syntezę środków artystycznych i technicznych.
Dioramy przeznaczone są do sztucznego oświetlenia i umieszczane są głównie w specjalnych pawilonach. Większość dioram poświęcona jest bitwom historycznym.
Najbardziej znane dioramy to: „Napad na Góry Sapun” (Sewastopol), „Obrona Sewastopola” (Sewastopol), „Walki o Rżew” (Rżew), „Przełom w oblężeniu Leningradu” (Petersburg), „Burza Berlin” (Moskwa) itp.

Panorama

W malarstwie panorama to obraz z okrągłym widokiem, w którym płaskie tło obrazkowe łączy się z trójwymiarowym pierwszym planem obiektu. Panorama tworzy iluzję prawdziwej przestrzeni otaczającej widza Pełne koło horyzont. Panoramy wykorzystywane są głównie do przedstawiania wydarzeń obejmujących duży obszar i dużą liczbę uczestników.

Muzeum-Panorama „Bitwa pod Borodino” (budynek muzeum)
W Rosji najsłynniejsze panoramy to Muzeum Bitwy pod Borodino Panorama, Bitwa Wołoczajewa, Klęska wojsk hitlerowskich pod Stalingradem w Bitwie pod Muzeum Panorama Stalingradu, Obrona Sewastopola oraz panorama Kolei Transsyberyjskiej.

Franciszek Rubo. Panorama na płótnie "Bitwa pod Borodino"

Malarstwo teatralne i dekoracyjne

Scenografia, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty pozwalają głębiej odsłonić treść spektaklu (filmu). Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. Artysta teatralny stara się ostro wyrazić indywidualny charakter bohaterów w szkicach kostiumów i charakteryzacji. status społeczny, styl epoki i wiele więcej.
W Rosji rozkwit sztuki teatralnej i dekoracyjnej przypada na przełom XIX i XX wieku. W tym czasie w teatrze rozpoczęli wybitni artyści M.A. Vrubel, V.M. Wasnetsow, A.Ya. Golovin, L.S. Bakst, N.K. Roericha.

M. Vrubel „Miasto Lollipop”. Szkic scenografii do opery N.A. Rimskiego-Korsakowa „Opowieść o carze Saltanie” dla Rosyjskiej Opery Prywatnej w Moskwie. (1900)

Miniaturowy

Miniatura to dzieło malarskie o małych formach. Szczególną popularnością cieszyła się miniatura portretowa – portret małego formatu (od 1,5 do 20 cm), charakteryzujący się szczególną subtelnością pisma, osobliwą techniką wykonania i użyciem środków właściwych tylko tej formie obrazowej.
Rodzaje i formaty miniatur są bardzo różnorodne: malowano je na pergaminie, papierze, tekturze, kości słoniowej, metalu i porcelanie, stosując akwarelę, gwasz, specjalne emalie artystyczne lub farby olejne. Autor może wpisać wizerunek, zgodnie z własną decyzją lub na życzenie klienta, w okrąg, owal, romb, ośmiokąt itp. Miniatura portretowa klasyczna to miniatura wykonana na cienkiej płycie w kolorze kości słoniowej.

Cesarz Mikołaj I. Fragment miniatury G. Morselliego
Istnieje kilka technik miniaturowych.

Lakier miniaturowy (Fedoskino)

Miniatura z portretem księżniczki Zinaidy Nikołajewnej (klejnoty Jusupowa)

zarys - liniowe zarysy przedstawionej postaci, jej kontur.

Sztuka abstrakcyjna - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych, który powstał w r koniec XIX- początek XX wieku. Abstrakcjoniści nie chcieli przedstawiać przedmiotów i zjawisk świata obiektywnego (stąd inna nazwa abstrakcjonizmu – sztuka nieobiektywna). Ich prace są próbą wyrażenia swoich uczuć i myśli poprzez zestawienia kolorystyczne samych plam czy linii, bez przedstawiania realnych obiektów i przedmiotów. Abstrakcjoniści porzucili rysunek, perspektywę, kolor i wszelkie inne środki wizualnego języka sztuki malarskiej. Naruszyli w ten sposób profesjonalne podstawy malarstwa, zniszczyli jego prawdziwe możliwości artystyczne. Abstrakcjonizm zniekształca gusta estetyczne ludzi, odwodzi ich od zrozumienia piękna przyrody i życia.

Dostosowanie - właściwość oka polegająca na dostosowywaniu się do określonych warunków oświetleniowych. Istnieją adaptacje do światła, ciemności, a także do koloru. Osobliwością tego ostatniego jest zdolność przystosowania oka do nie zauważania koloru oświetlenia na przedmiotach.

W warunkach półmroku i ogólnie przy słabym świetle w oku zakończenia nerwowe (fotoreceptory), zwane pręcikami, są najbardziej wrażliwe na światło. Za ich pomocą oko dostrzega gradację czerni i bieli. W silnym świetle w ciągu dnia bardziej wrażliwe są inne fotoreceptory - czopki, za pomocą których postrzegany jest kolor. Wraz z adaptacją do światła zmniejsza się wrażliwość wzroku, a wraz z adaptacją do ciemności wzrasta. Kiedy oko przystosuje się do ciemności, zaczynamy dobrze rozróżniać szczegóły krajobrazu. Ze względu na zwiększoną wrażliwość oka na ciemność w pochmurny dzień i o zmierzchu początkujący artysta traci z oczu poziom oświetlenia ogólnego, które w tych warunkach jest znacznie słabsze niż w słoneczny lub jasnoszary dzień. O zmierzchu jasne przedmioty nie wydają mu się zmniejszone w jasności w takim stopniu, że oświetlenie stało się mniejsze niż poprzednie oświetlenie światłem dziennym. Słabo dostrzega też bliższe powiązania tonalne charakterystyczne dla zmierzchu i szarego dnia. Dodatkowo, pomimo zaciemnienia, początkujący artysta rozróżnia w naturze (lub cieniach) bardzo subtelne gradacje światłocienia na obiektach i pozwala na nadmierne zróżnicowanie i fragmentację. Dlatego na początku nie jest w stanie dokładnie ocenić i przekazać rzeczywistych zmian jasności i koloru, jakie zachodzą w przyrodzie.

Adaptacja polega na różnorodnych zmianach zachodzących w naszym oku pod wpływem zmiany natężenia światła. I tak np. w ciągu dnia źrenica zmniejsza się o 1-2 mm, przez co do oka wpada niewielka ilość światła. W ciemności rozszerza się o 8-10 mm, wpuszczając dużo światła. Wiedząc, że powierzchnia źrenicy jest proporcjonalna do kwadratu średnicy, można ustalić, że jeśli źrenica podwoi się, wówczas ilość przepuszczanego przez nią światła wzrośnie czterokrotnie; jeśli źrenica zostanie powiększona czterokrotnie, ilość przepuszczanego przez nią światła wzrasta 16-krotnie. Częściowo dlatego rozróżniamy główne współczynniki światła o zmierzchu. Odruch źrenic na światło i ciemność kompensuje w pewnym stopniu spadek oświetlenia.

Akademicyzm - termin wartościujący, odnoszący się do tych dziedzin sztuki, których przedstawiciele w całości kierują się uznanymi autorytetami artystycznymi, wierzy się w postęp Sztuka współczesna nie w żywym związku z życiem, ale w jego najbliższym zbliżeniu do ideałów i form sztuki minionych epok, podtrzymując absolutne normy piękna, niezależne od miejsca i czasu. Historycznie akademizm kojarzony jest z działalnością akademii, które kształciły młodych artystów w duchu bezsensownego podążania za wzorcami sztuki antyku i włoskiego renesansu. Zapoczątkowany po raz pierwszy w Akademii Bolońskiej w XVI wieku, nurt ten został szeroko rozwinięty w akademiach późniejszych czasów; było to charakterystyczne dla Rosyjskiej Akademii Sztuk w XIX wieku, co spowodowało walkę z akademią zaawansowanych artystów realistycznych. Kanonizując klasycystyczne metody i wątki, akademizm odgrodził sztukę od nowoczesności, uznając ją za „niską”, „niską”, niegodną sztuki „wysokiej”.

Pojęcia akademizmu nie można utożsamiać ze wszystkimi działaniami akademii artystycznych przeszłości. W systemie edukacji akademickiej było wiele cnót. W szczególności opierał się na długiej tradycji i wysokiej kulturze rysunku, który był jednym z najmocniejszych punktów edukacji akademickiej.

Farby akwarelowe - klej wodny na bazie drobno zmielonych pigmentów zmieszanych z gumą, dekstryną, gliceryną, czasem z miodem lub syropem cukrowym; produkowane są na sucho – w postaci płytek, półwilgotne – w kubkach porcelanowych lub półpłynne – w tubach.

Akwarele można pisać od razu na suchym lub mokrym papierze, w pełnej mocy koloru, można także pracować szkliwem, stopniowo je uszlachetniając relacje kolorów Natura. Trzeba wiedzieć, że akwarela nie toleruje poprawek, tortur, licznych wielokrotnych rejestracji mieszanymi farbami.

Często malarze stosują technikę akwareli w połączeniu z innymi materiałami: gwaszem, temperą, węglem drzewnym. Jednak w tym przypadku tracą się główne cechy malarstwa akwarelowego - nasycenie, przezroczystość, czystość i świeżość, czyli dokładnie to, co odróżnia akwarelę od innych technik.

Akcent - technika podkreślania linii, tonu lub koloru dowolnego wyrazistego obiektu, szczegółów obrazu, na które należy skierować uwagę widza.

Alla prima - technika w malarstwie akwarelowym lub olejnym, polegająca na tym, że szkic lub obraz powstaje bez wstępnej rejestracji i podmalowania, czasami jednorazowo, w jednej sesji.

Malarz zwierząt - artysta, który swoją twórczość poświęcił głównie przedstawianiu zwierząt.

kolory achromatyczne - biały, szary, czarny; różnią się jedynie jasnością i są pozbawione tonu barwnego. Natomiast istnieją kolory chromatyczne, które mają odcień barwy o różnej jasności i nasyceniu.

blask - element światłocienia, najjaśniejszego miejsca na oświetlanej (głównie błyszczącej) powierzchni przedmiotu. Wraz ze zmianą punktu widzenia olśnienie zmienia swoje położenie na kształcie obiektu.

Waler - termin praktyki artystycznej określający stronę jakościową odrębnego tonu, głównie jasnego i cienia, w jego relacji z otaczającymi tonami. W malarstwie realistycznym materialne właściwości obiektywnego świata przekazywane są głównie poprzez obiektywnie regularne relacje tonalne. Aby jednak żywo i całościowo odtworzyć materialność, plastyczność i kolor przedmiotu w określonym stanie oświetlenia i w określonym otoczeniu, artysta musi osiągnąć bardzo dużą dokładność i wyrazistość w stosunkach tonów; bogactwo, subtelność proporcji przejść prowadzących do wyrazistości malarstwa i są główną cechą Walera. Najwięksi mistrzowie XVII-XIX wieku. - jak Velasquez, Rembrandt, Chardin, Repin - malarstwo zawsze jest bogate w walerię.

wizja malownicza - wizja i zrozumienie relacji kolorystycznych natury, z uwzględnieniem wpływu otoczenia i ogólnego stanu oświetlenia, charakterystycznego dla przyrody w momencie jej obrazowania. W wyniku takiej wizji na szkicu pojawia się prawdziwość relacji światła i kolorów, bogactwo ciepłych i zimnych odcieni, ich jedność kolorów i harmonia, oddając naturę z całym drżeniem życia. Mówi się w tym przypadku o malowniczości etiudy czy obrazu.

Wizja artystyczna - umiejętność dokonania niezbędnej oceny estetycznej cech właściwych naturze. Przed przedstawieniem natury artysta widzi już w jej głównych cechach figuratywne rozwiązanie obrazowe, biorąc pod uwagę określony materiał.

witraż - malowanie na szkle farbami transparentnymi lub ornamentem złożonym z kawałków wielobarwnego szkła, mocowanych metalową oprawą, służy do wypełnienia otworów okiennych i drzwiowych. Promienie światła przenikające przez szybę zyskują zwiększoną jasność i tworzą we wnętrzu grę barwnych refleksów.

perspektywa powietrzna - widoczne zmiany niektórych cech obiektów pod wpływem powietrza i przestrzeni. Wszystkie pobliskie obiekty są postrzegane wyraźnie, z wieloma szczegółami i fakturą, a odległe obiekty są postrzegane w sposób uogólniony, bez szczegółów. Kontury bliskich obiektów wyglądają ostro, a odległe obiekty wydają się miękkie. Z dużej odległości jasne obiekty wydają się ciemniejsze, a ciemne jaśniejsze. Wszystkie bliskie obiekty mają kontrastujący światłocień i wydają się obszerne, wszystkie odległe obiekty mają lekko wyraźny światłocień i wydają się płaskie. Kolory wszystkich odległych obiektów stają się mniej nasycone pod wpływem zamglenia powietrza i nabierają koloru tej zamglenia - niebieskiego, mlecznobladego lub fioletowego. Wszystkie pobliskie obiekty wydają się być wielokolorowe, a odległe obiekty wydają się być tego samego koloru. Artysta uwzględnia wszystkie te zmiany w celu oddania przestrzeni i stanu oświetlenia – ważnych walorów malarstwa plenerowego.

Percepcja wizualna - proces odzwierciedlania obiektów i zjawisk rzeczywistości w całej gamie ich właściwości, które bezpośrednio wpływają na narządy wzroku. Oprócz wrażeń wzrokowych percepcja obejmuje również przeszłe doświadczenie wiedzy i wyobrażeń na dany temat. Zrozumienie, zrozumienie istoty postrzeganego jest możliwe tylko wtedy, gdy zaobserwowane przedmioty i zjawiska porówna się z wcześniej widzianymi (stała i stała percepcja wzrokowa). Do tego należy dodać, że percepcji wzrokowej towarzyszą uczucia skojarzeniowe, poczucie piękna, które wiążą się z osobistym doświadczeniem wrażeń zmysłowych wynikających z oddziaływania otoczenia.

Kolor gamma - kolory, które dominują w tym dziele i wyznaczają charakter jego systemu barwnego. Mówią: gama zimnych, ciepłych, bladych odcieni kolorów itp.

Harmonia - komunikacja, proporcjonalność, spójność. W sztukach wizualnych - połączenie form, relacja części lub kolorów. W malarstwie jest to zgodność detali z całością, nie tylko pod względem wielkości, ale także koloru (jedność koloru, gama powiązanych odcieni). Źródłem harmonii są wzorce zmian barw obiektów naturalnych pod wpływem siły i składu widmowego oświetlenia. Harmonia struktury kolorystycznej studium lub obrazu zależy również od fizjologii i psychologii wizualnej percepcji jakości światła i koloru obiektywnego świata (kontrastowe oddziaływanie kolorów, zjawisko aureoli itp.).

Rytownictwo- drukowana reprodukcja rysunku wyciętego lub wytrawionego na desce (drzeworyt), linoleum (linoryt), płycie metalowej (akwaforta), kamieniu (litografia) itp. Cechą graweru jest możliwość jego odwzorowania: z jednej deski grawerowany przez artystę, typ duża liczba nadruki wielokolorowe (nadruki). W zależności od charakteru obróbki formy drukarskiej (tablice lub płyty) oraz sposobu druku wyróżnia się ryciny wypukłe i głębokie.

Grafika - jeden z rodzajów sztuk plastycznych, zbliżony treścią i formą do malarstwa, posiadający jednak własne zadania i możliwości artystyczne. W odróżnieniu od malarstwa głównym środkiem wizualnym grafiki jest rysunek monochromatyczny (tj. linia, światłocień); rola koloru pozostaje w nim stosunkowo ograniczona. Od strony środków technicznych grafika obejmuje rysunek we właściwym znaczeniu tego słowa, we wszystkich jego odmianach. Z reguły prace graficzne wykonywane są na papierze, sporadycznie wykorzystywane są także inne materiały.

W zależności od przeznaczenia i treści grafiki dzielimy na grafiki sztalugowe, do których zalicza się dzieła o samodzielnym znaczeniu (które nie wymagają niezbędnego połączenia z tekstem literackim dla ujawnienia swojej treści i nie ograniczają się do zawężonego, ściśle określonego celu praktycznego), grafika książkowa, która tworzy ideową i artystyczną jedność z tekstem literackim lub towarzyszącym jej tekstem, a jednocześnie przeznaczona jest do dekoracyjnego i artystycznego projektowania książki, książki plakatowej, która jest najbardziej masowym rodzajem sztuki pięknej, przeznaczonym do realizacji celów politycznych , propagandy, produkcji artystycznej lub zadań użytkowych (etykiety, listy, znaczki pocztowe itp.) za pomocą środków artystycznych.

Grisaille - obraz wykonany farbą czarno-białą (lub monochromatyczną, na przykład brązową); Często wykorzystuje się go do prac pomocniczych przy wykonywaniu podmalówek lub szkiców, a także w celach edukacyjnych przy opanowywaniu technik obrazu tonalnego wykonywanego farbami akwarelowymi lub olejnymi. Obraz tworzony jest wyłącznie na podstawie relacji tonalnych (jasności) obiektów naturalnego otoczenia.

Podkładowy - cienka warstwa specjalnego składu (klej, olej, emulsja) nanoszona na płótno lub karton w celu nadania ich powierzchni pożądanych właściwości kolorystycznych i teksturalnych oraz ograniczenia nadmiernej absorpcji spoiwa (oleju). Jeśli pracujesz farbami olejnymi na niezagruntowanym podłożu (np. Płótnie), farby nie odkładają się, wysychają, olej z farby wchłania się w tkaninę, niszcząc płótno i warstwę farby. Ze względu na skład spoiwa wyróżnia się gleby: olejowe, klejące, emulsyjne, syntetyczne. Według koloru - barwione i kolorowe. Podkład składa się zazwyczaj z 3 elementów: cienkiej warstwy kleju pokrywającej całą powierzchnię płótna folią (tzw. klejonką) oraz kilku warstw farby podkładowej, w tym cienkiej warstwy końcowej. Klejenie - cienka warstwa kleju (stolarskiego, kazeinowego lub żelatynowego) - zabezpiecza płótno przed wnikaniem farby podkładowej lub oleju w głąb tkaniny lub na odwrotną stronę płótna, mocno wiąże kolejne warstwy gleby z płótnem. Farba podkładowa wyrównuje powierzchnię płótna, tworzy niezbędny (zwykle biały) kolor i zapewnia mocne połączenie warstwy farby z podkładem.

Elementarz - w technologii malarskiej: proces nakładania podkładu na powierzchnię przeznaczoną do malowania.

Gwasz - farba na bazie wody o dużej sile krycia. Farby po wyschnięciu szybko rozjaśniają się i potrzebne jest duże doświadczenie, aby przewidzieć stopień zmiany ich odcienia i koloru. Piszą farbami gwaszowymi na papierze, tekturze, sklejce. Prace posiadają matową, aksamitną powierzchnię.

Detalowanie - dokładne przestudiowanie szczegółów kształtu obiektów na obrazie. W zależności od zadania, jakie stawia przed sobą artysta, stopień szczegółowości może być różny.

Dodatkowe kolory - dwa kolory, które po zmieszaniu optycznym dają biel (czerwony i niebiesko-zielony, pomarańczowy i cyjan, żółty i niebieski, fioletowy i zielonkawo-żółty, zielony i magenta). Mechaniczne wymieszanie tych par kolorów dopełniających pozwala uzyskać odcienie o obniżonym nasyceniu. Kolory uzupełniające są często nazywane kontrastowymi.

Gatunek muzyczny - utrwalony historycznie podział wewnętrzny we wszystkich rodzajach sztuki; rodzaj dzieła sztuki w jedności specyficznych właściwości jego formy i treści. Pojęcie „gatunku” uogólnia cechy charakterystyczne dla ogromnej grupy dzieł dowolnej epoki, narodu czy w ogóle sztuki światowej. W każdej formie sztuki system gatunków jest komponowany na swój sposób. W sztukach wizualnych – w oparciu o tematykę obrazu (portret, martwa natura, pejzaż, malarstwo historyczne i batalistyczne), a czasem także charakter obrazu (karykatura, rysunek).

Obraz - jeden z głównych rodzajów sztuk pięknych. Prawdziwe przeniesienie wyglądu zewnętrznego obiektu, jego cech zewnętrznych możliwe jest także za pomocą środków graficznych – linią i tonem. Ale tylko malarstwo może przekazać całą niezwykle różnorodną wielobarwność otaczającego świata.

Zgodnie z techniką wykonania malarstwo dzieli się na olej, temperę, fresk, wosk, mozaikę, witraż, akwarelę, gwasz, pastel. Nazwy te uzyskano ze spoiwa lub z zastosowanych środków materiałowo-technicznych. Cel i treść obrazu wymagają wyboru takich środków wizualnych, za pomocą których można najpełniej wyrazić zamysł ideowy i twórczy artysty.

Według gatunku malarstwo dzieli się na sztalugowe, monumentalne, dekoracyjne, teatralne i dekoracyjne, miniaturowe.

Malarstwo dekoracyjne nie ma samodzielnego znaczenia i służy do dekoracji zewnętrznej i wewnętrznej budynków w postaci kolorowych paneli, które przy realistycznym obrazie tworzą iluzję „przełomu” ściany, zwiększenia wielkości pomieszczenia lub wręcz przeciwnie, celowo spłaszczone wizualnie formy, jakby wąskie, zamykające przestrzeń. Wzory, wianki, girlandy i inne dekoracje zdobiące dzieła monumentalnego malarstwa i rzeźby, spajają ze sobą wszystkie elementy wnętrza, podkreślając piękno, ich spójność z architekturą. Malowaniem dekoracyjnym ozdabia się także przedmioty: szkatułki, szkatułki, tace, skrzynie itp. Jej tematyka i forma podporządkowana jest celowi rzeczy.

Malarstwo miniaturowe rozwinęła się znacznie w średniowieczu, przed wynalezieniem druku. ręcznie pisane książki ozdobione najlepszymi nakryciami głowy, zakończeniami, szczegółowymi ilustracjami, miniaturami. Rosyjscy artyści pierwszej połowy XIX wieku umiejętnie wykorzystywali malarską technikę miniatur do tworzenia małych (głównie akwareli) portretów. Czyste, głębokie kolory akwareli, ich wykwintne połączenia, delikatność obrazu wyróżniają te portrety.

Malarstwo monumentalne - szczególny rodzaj malarstwa na dużą skalę, zdobiący ściany i sufity obiektów architektonicznych (freski, mozaiki, panele). Odsłania treść najważniejszych zjawisk społecznych, które wywarły pozytywny wpływ na rozwój społeczeństwa, gloryfikuje je i utrwala. Wzniosłość treści malarstwa monumentalnego, znaczny rozmiar jego dzieł, związek z architekturą wymagają dużej masy koloru, ścisłej prostoty i lakonizmu kompozycji, przejrzystości sylwetek i uogólnienia formy plastycznej.

malarstwo sztalugowe - nazwa pochodzi od maszyny (sztalugi), na której powstaje obraz. Jako podstawę materiałową stosuje się drewno, karton, papier, ale najczęściej płótno naciągnięte na noszach. Obraz wstawiony w ramę jest postrzegany jako samodzielne dzieło sztuki, niezależne od otoczenia. W związku z tym do tworzenia dzieł malarstwa sztalugowego stosuje się nieco inne środki artystyczne, podaje się bardziej subtelne i szczegółowe relacje kolorystyczne i tonalne oraz podaje się bardziej złożony i szczegółowy opis psychologiczny postaci.

Malarstwo teatralne i dekoracyjne - scenografia, kostiumy, charakteryzacja, rekwizyty, wykonane według szkiców artysty; pomagają pogłębić treść spektaklu. Specjalny warunki teatralne odbiór malarstwa wymaga uwzględnienia wielorakich punktów widzenia odbiorców, ich większego oddalenia, wpływu sztucznego oświetlenia i podkreśleń kolorystycznych. Sceneria daje wyobrażenie o miejscu i czasie akcji, aktywuje percepcję widza tego, co dzieje się na scenie. W szkicach kostiumów i makijażu artysta teatralny stara się ostro wyrazić indywidualny charakter bohaterów, ich status społeczny, styl epoki i wiele więcej.

Malarstwo akademickie - malarstwo, wykonane w dowolnym celu edukacyjnym.

malowanie na mokro - technika malarstwa olejnego i akwarelowego. Pracę z olejem należy zakończyć przed wyschnięciem farb i wykluczyć takie etapy jak podmalowanie, glazurowanie i ponowna rejestracja. Malowanie na mokro ma dobrze znane zalety - świeżość warstwy farby, dobrą konserwację i względną prostotę techniki.

W przypadku akwareli przed przystąpieniem do pracy na surowym papierze należy równomiernie zwilżyć wodą. Kiedy woda wchłonie papier i trochę wyschnie (po 2-3 minutach), zaczynają pisać; pociągnięcia farby leżące na mokrej powierzchni rozmywają się, łączą ze sobą, tworzą płynne przejścia. Dzięki temu można osiągnąć miękkość w przenoszeniu konturów obiektów o lekkości i przestrzenności obrazu.

więdnięcie - niepożądane zmiany w wysychającej warstwie farby, przez co obraz traci świeżość, traci połysk, dźwięczność kolorów, ciemnieje, staje się czarniawy. Przyczyną więdnięcia jest nadmierne zmniejszenie ilości wiążącego oleju wchłoniętego przez podkład lub leżącą pod nim warstwę farby, a także nałożenie farby na niezupełnie wyschniętą poprzednią warstwę farb olejnych.

Kompletność .- taki etap pracy nad etiudą lub obrazem, w którym osiągana jest największa kompletność ucieleśnienia idei twórczej lub gdy zostaje zakończone określone zadanie obrazowe.

„Ugniatanie” farb bazowych - wstępne przygotowanie na palecie mieszanki farb odpowiadającej podstawowym związkom tonalnym i kolorystycznym obiektów w przyrodzie (krajobrazie). W trakcie pracy do tych podstawowych mieszanek wprowadzane są różne odmiany odcieni, wlewane są nowe kolory. Przygotowane na palecie kolory głównych obiektów nie pozwalają jednak popaść w nadmierne zabarwienie, nie pozwalają zatracić charakteru głównych relacji kolorystycznych. W akwareli te referencyjne „ugniatania” wykonuje się w oddzielnych kubkach.

Naszkicować - rysunek z życia, tworzony głównie poza warsztatem w celu zebrania materiału do bardziej znaczących prac, do ćwiczeń, czasem w jakimś konkretnym celu (na przykład na polecenie gazety, czasopisma). W odróżnieniu od szkicu podobnego pod względem technicznym, wykonanie szkicu może być bardzo szczegółowe.

Idealizacja w sztuce - wycofać się z prawda życiowa wskutek umyślnego lub mimowolnego upiększenia przez artystę tematu obrazu. Idealizacja objawia się zwykle przesadą i absolutyzacją zasady pozytywnej jako pewnego rodzaju ostatecznej, rzekomo już osiągniętej doskonałości; w łagodzeniu sprzeczności i konfliktów życiowych; w ucieleśnieniu abstrakcyjnego, nadżyciowego ideału itp. Idealizacja zawsze oznacza zerwanie z zasadami realizmu i w ten czy inny sposób okazuje się powiązana z ideologią klas reakcyjnych, które są skłonne uzyskać od prawdziwego obrazu życia i zastąpić badanie rzeczywistości subiektywnie upiększonymi wyobrażeniami na jej temat.

Od idealizacji należy odróżnić refleksję w sztuka realistyczna pewien społecznie postępowy ideał życia, który będąc ważną stroną treści ideologicznej każdego realistycznego obrazu artystycznego, może czasami stanowić zasadę decydującą w artystycznym rozwiązaniu obrazu.

Pomysł na malowanie - główna idea dzieła, która wyznacza jego treść i strukturę figuratywną, wyrażona w odpowiedniej formie.

Iluzoryczny - podobieństwo obrazu do natury; graniczy z iluzją optyczną. Ze względu na iluzoryczny charakter może zostać utracony ekspresja artystyczna działa i głębia jego treści, jeśli na zdjęciu pragnienie zewnętrznego podobieństwa przesłania najważniejsze - jego intencję.

Impresjonizm - nurt w sztuce ostatniej trzeciej XIX - początków XX wieku, którego przedstawiciele starali się jak najbardziej naturalnie i bezstronnie uchwycić realny świat w jego mobilności i zmienności, przekazać swoje ulotne wrażenia. Impresjonizm powstał w latach sześćdziesiątych XIX wieku. w malarstwie francuskim. E. Manet, O. Renoir, E. Degas wnieśli do sztuki świeżość i bezpośredniość postrzegania życia, obraz błyskawicznych, jakby przypadkowych ruchów i sytuacji, pozornej nierównowagi, fragmentaryzacji kompozycji, nieoczekiwanych punktów widzenia, kątów, cięć figur. W latach 1870-80. ukształtował impresjonizm w francuskim krajobrazie. K. Monet, K. Pizarro, A. Sisley opracowali spójny system plenerowy. Oprócz malarzy rzeźbiarze (O. Rodin, M. Rosso, P. P. Trubetskoy) zainteresowali się natychmiastowym ruchem, płynną formą.

Impresjonizm rozwinął realistyczne zasady sztuki, ale twórczość jego zwolenników często wykazywała odejście od badania podstawowych zjawisk rzeczywistości społecznej, stałych i stabilnych cech świata materialnego. Ten kierunek twórczości doprowadził późnych impresjonistów do formalizmu.

Wnętrze - widok na wnętrze pokoju. Obraz wnętrza wymaga dogłębnej znajomości perspektywy. Jednocześnie ważne jest, aby znaleźć miejsce, z którego można ciekawiej skomponować obraz. Gotowy obraz wnętrza, oprócz ciekawej kompozycji, prawidłowej konstrukcji perspektywicznej, rozmieszczenia obiektów w przestrzeni, powinien dawać wyobrażenie o oświetleniu.

Obraz - dzieło malarstwa sztalugowego, wiernie oddające zamysł artysty, wyróżniające się doniosłością treści, prawdziwością i kompletnością formy artystycznej. Obraz jest efektem wieloletnich obserwacji i refleksji artysty nad życiem. Poprzedzają ją szkice, szkice, etiudy, szkice, w których artysta uwiecznia poszczególne zjawiska życia, zbiera materiał do przyszłego obrazu, poszukuje podstaw jego kompozycji i kolorystyki. Tworząc obraz artysta odwołuje się do natury, wychodzi od niej zarówno w planie ogólnym, jak iw poszczególnych szczegółach. W tym procesie ważną rolę odgrywają obserwacja, wyobraźnia i projektowanie. Obraz na swój sposób niesie ze sobą pewną koncepcję ideologiczną i figuratywną, a formy wyrazu są wizualnie autentyczne. Każdy szczegół, część jest skorelowana z całością, każdy element wyraża obraz. Dekadenckie nurty formalistyczne charakteryzują się kryzysem obrazu tematycznego, odrzuceniem tego, co znaczące kwestie ideologiczne i psychologia. Z obrazów zostaje wyrzucona nie tylko fabuła, ale także zerwanie z tematem obrazu w ogóle. W zależności od formy obrazu, obraz staje się bezsensowny, abstrakcyjny.

Farby klejące - farby suche produkowane w proszku i mieszane przez artystę z wodą klejową. Dobrze zmielone, są czasami wykorzystywane przez artystów przy projektowaniu reprodukcji oryginałów jako zamienniki farb gwaszowych. Najczęściej wykonują scenografię teatralną.

klyachka - rodzaj miękkiej gumy, stosowany w przypadkach, gdy trzeba rozjaśnić ton cieniowania na rysunkach ołówkiem. Nag jest miękki i łatwy do ugniatania palcami; nie wycierają nim ołówka, lecz lekko dociskają go do rozjaśniających się fragmentów rysunku: grafit przykleja się do pęczka i przytrzymuje go po oderwaniu od papieru. Jeśli oświetlone obszary są bardzo małe, nag otrzymuje wygląd spiczastego stożka.

Klyachkę można wykonać w następujący sposób. Zwykłą gumę umieszcza się w benzynie na dwa, trzy dni (ewentualnie w nafcie), po czym trzyma się ją przez kolejne dwa dni. Następnie zmiękczoną gumę ugniata się z mąką ziemniaczaną (skrobią), mąkę należy pobierać szczyptami i regulować lepkość zgreda w jej ilości.

kolorowanie (etiuda lub malarstwo) - charakter relacji wszystkich elementów kolorystycznych obrazu, jego system kolorów. Jego główną zaletą jest bogactwo i spójność barw odpowiadających samej naturze, przekazujących w jedności ze światłocieniem właściwości przedmiotu i stan oświetlenia przedstawianej chwili. O barwie opracowania decyduje: 1) zgodność relacji kolorystycznych proporcjonalna do natury, z uwzględnieniem ogólnej tonacji i stanu barwnego oświetlenia, 2) bogactwo i różnorodność odbić światła-powietrza i otoczenia przedmiotowego, 3) ) kontrastowe oddziaływanie odcieni ciepłych i zimnych, 4) wpływ barwy oświetlenia, która jednoczy kolory natury, czyni je podporządkowanymi i powiązanymi.

Prawdziwe odzwierciedlenie stanu rzeczywistych warunków oświetleniowych oddziałuje na odczucia widza, tworzy nastrój i wywołuje odpowiednie doznania estetyczne.

pędzle . Pędzle to kolinsky, wiewiórka, włosie. Pędzle włosowe przeznaczone są do pracy z farbami olejnymi, ale można je stosować także przy malowaniu farbami temperowymi i gwaszami. W akwareli stosuje się pędzle wiewiórkowe i kolinskie. Kształt jest płaski i okrągły. Rozmiar pędzla jest oznaczony liczbą. Liczba szczotek płaskich i rowków odpowiada ich szerokości w milimetrach, a liczba szczotek okrągłych odpowiada ich średnicy (również wyrażonej w milimetrach).

Po pracy z farbami olejnymi pędzle myje się ciepłą wodą z mydłem. Nie myj pędzli w acetonie: spowoduje to uszkodzenie włosów. Po pracy umyj pędzle akwarelowe czysta woda. W żadnym wypadku nie należy dopuścić do wyschnięcia pędzli, szczególnie po pracy z farbami olejnymi, włóż pędzle do słoiczka włosami w dół, ponieważ włos jest zdeformowany. Umyty pędzel należy owinąć papierem, wtedy zachowa swój kształt.

Kompozycja - konstrukcja szkicu lub obrazu, koordynacja jego części. Z naturalnym obrazem: dobór i inscenizacja obiektów, wybór najlepszego punktu widzenia, oświetlenie, określenie formatu i wielkości płótna, określenie centrum kompozycyjnego, podporządkowanie mu drugorzędnych części dzieła. Podczas tworzenia obrazu: wybór tematu, opracowanie fabuły, znalezienie formatu i rozmiaru dzieła, scharakteryzowanie postaci, ich wzajemnego stosunku, postaw, ruchów i gestów, wyrazistości twarzy, użycia kontrastów i rytmów - wszystko są to elementy składowe kompozycyjnej konstrukcji obrazu, służące jak najlepszej realizacji wizji artysty. W takiej kompozycji brane jest pod uwagę wszystko: masy obiektów i ich sylwetki, rytm, z jakim są one umieszczone na płótnie, perspektywa, wyimaginowana linia horyzontu i punkt widzenia na przedstawiony, kolor obrazu , grupowanie postaci, kierunek ich spojrzenia, kierunek linii perspektywy, redukcji obiektów, rozkład światłocienia, póz i gestów itp.

Stałość percepcji wzrokowej - tendencja do postrzegania przedmiotu, jego wielkości, kształtu, lekkości, koloru jako stabilnego i niezmiennego, niezależnie od zachodzących w nim zmian (odsunięcie od widza, zmiana oświetlenia, wpływy środowiska itp.) - stałość wielkości - tendencja do postrzegania wielkości obiektu jako stałej, pomimo zmiany odległości od niego. Z reguły początkujący kreślarze nie zauważają zmian perspektywy.

Stałość formy - tendencja do postrzegania rzeczywistego kształtu, nawet jeśli obiekt jest obrócony w taki sposób, że jego obraz na siatkówce różni się od kształtu rzeczywistego. (Na przykład kwadratowa kartka papieru leżąca na stole wydaje się kwadratowa, mimo że jej rzut na siatkówkę nie jest kwadratowy).

Stałość luminancji - tendencja do postrzegania lekkości przedmiotu jako stałej pomimo zmian oświetlenia; zależy głównie od stałego stosunku natężenia światła odbitego zarówno od obiektu, jak i jego otoczenia.

Stałość koloru - tendencja do postrzegania koloru obiektu (jego barwy lokalnej) niezależnie od zmieniających się warunków oświetleniowych, jego siły i składu widmowego (dzień, wieczór, sztuczny).

Ze względu na zjawisko stałości, postrzeganie i przekazywanie w malowaniu przedmiotów i zjawisk dokładnie tak, jak wyglądają na oko w określonych warunkach oświetleniowych, w określonym środowisku i w określonej odległości, na początku szkolenia stwarzają pewną trudność. Początkujący artysta, choć wie, że kolor zmienia się w zależności od warunków oświetleniowych, widzi go niezmiennie i nie ma odwagi na przykład zapisać zielonych drzew w promieniach zachodzącego słońca jako czerwonawych lub zapisać błękitne niebo złożona różowo-ochrowa, jak to bywa o zachodzie słońca.

Niedoświadczonemu malarzowi wydaje się, że biały przedmiot jest we wszystkich częściach biały, ciemny jest ciemny. Tymczasem w naturalnym otoczeniu powierzchnia ciemnego obiektu zwrócona w stronę światła odbije więcej promieni świetlnych niż część cienia białego obiektu, w związku z czym cień białego obiektu będzie ciemniejszy niż jasna część ciemnego obiektu.

Pracując nad szkicem pejzażu niedoświadczony malarz nie zauważa nadchodzącego zmierzchu, choć oświetlenie znacznie się zmniejszyło.

Otaczające obiekty mogą być oświetlane światłem o różnym składzie widmowym, co powoduje zmianę składu widmowego światła odbitego od obiektów. Jednak oko początkującego artysty nie zauważa nawet tej zmiany koloru.

Stałość percepcji może wzrosnąć i zintensyfikować się z wielu powodów. Im silniejsze oświetlenie chromatyczne, a także im większa odległość, z której obiekt jest obserwowany, tym słabszy przejaw stałości. Zdolność powierzchni przedmiotu do silnego odbijania promieni świetlnych również przyczynia się do stałej percepcji: obiekty o jasnym kolorze wyraźniej pokazują wpływ koloru oświetlenia. Dostosowania światła i koloru zwiększają stałość percepcji. Obserwując zimowy krajobraz przy pochmurnej pogodzie, widać tylko złożone szarawe odcienie. Jeśli spojrzymy na ten sam zimowy motyw z okna pokoju oświetlonego prądem, to krajobraz za oknem będzie odbierany jako intensywnie niebieskawy. Jeśli opuścisz pokój pod gołym niebem, po kilku minutach niebieski odcień krajobrazu zniknie. Podobnie zerowa stałość na widowni objawia się w barwnym oświetleniu sceny teatralnej; po wygaśnięciu ciepłego oświetlenia elektrycznego w sali kurtyna otwiera się i widz podziwia scenę zimy, światła księżyca lub innych warunków oświetleniowych.

W wyniku praktyki artysta nabywa umiejętność dostrzegania w przyrodzie zmian koloru przedmiotu pod wpływem środowiska i oświetlenia, dostrzega i przekazuje całe bogactwo i różnorodność świata zewnętrznego, bardzo wiele gradacji kolorystycznych. W rezultacie oświetlenie na płótnie wydaje się przekonujące, a kolor wydaje się skomplikowany i wzbogacony przez otoczenie i oświetlenie. Wystąpiło wielu artystów i pedagogów specjalne ćwiczenia, tworząc modele wizualne w celu zrozumienia cech kolorystycznych różnych warunków oświetleniowych. K. Monet na przykład napisał serię badań przedstawiających ten sam obiekt (stóg siana), badając w ten sposób zmianę koloru w różnych warunkach oświetleniowych w przyrodzie. Aby rozwinąć ciągłą percepcję, N. N. Krymow umieścił biały sześcian, pomalowany z jednej strony czarną farbą i oświetlił go od tej strony mocną lampą, pozostawiając białą stronę w cieniu. Jednocześnie jego uczniowie byli przekonani, że czarna, oświetlona strona sześcianu jest jaśniejsza od białej, która znajdowała się w cieniu. Krymov zaproponował uczniom napisanie małego kartonowego ekranu akordeonowego, którego płaszczyzny pomalowano na różne kolory i oświetlono z dwóch stron: z jednej strony - lampą elektryczną, z drugiej - światłem dziennym. Promienie lampy kierowane były na obszary pomalowane na kolory chłodne, natomiast barwy ciepłe zamieniane były na światło dzienne. Uczniowie byli przekonani, że warunki oświetleniowe w znaczący sposób zmieniają kolory przedmiotów, uwalniając się tym samym od ciągłego postrzegania kolorów.

Początkujący malarz musi pozbyć się stałości percepcji i potrafić dostrzec kształt przedmiotu, jego lekkość i barwę, ze względu na jasne otoczenie, oświetlenie i przestrzeń.

Projekt - w sztukach plastycznych istota, cecha charakterystyczna struktury formy, sugerująca naturalny związek pomiędzy częściami formy, jej proporcje.

Kontrast - 1) wyraźna różnica, przeciwieństwo dwóch wielkości: wielkości, koloru (jasnego i ciemnego, ciepłego i zimnego, nasyconego i neutralnego), ruchu itp.; 2) lekkość i kontrast chromatyczny - zjawisko, w którym postrzegana różnica jest znacznie większa niż podstawa fizyczna. Na jasnym tle kolor obiektu wydaje się ciemniejszy, na ciemnym tle kolor wydaje się jaśniejszy. Kontrast światła jest najbardziej wyraźnie potrójny na granicy ciemnych i jasnych powierzchni. Kontrast chromatyczny to zmiana odcienia i nasycenia pod wpływem otaczających kolorów (kontrast jednoczesny) lub pod wpływem kolorów wcześniej zaobserwowanych (kontrast sekwencyjny). Przykładowo: zielony obok czerwonego zwiększa jego nasycenie. Szary kolor na czerwonym tle nabiera zielonkawego odcienia. Kontrast chromatyczny jest silniejszy, gdy kolory oddziałujące na siebie mają w przybliżeniu taką samą jasność.

biurowy - proces uzyskiwania kopii rysunku lub rysunku; można wykonać na różne sposoby: nakłuwając, śledząc, ściskając, przerysowując pod światło, przerysowując wzdłuż siatki, a także za pomocą pantografu i epidiaskopu.

perforacja - metoda kopiowania bez zmiany skali: oryginał umieszcza się na czystej kartce papieru i za pomocą cienkiej igły nakłuwa się wszystkie charakterystyczne punkty rysunku lub rysunku, przez które następnie rysuje się linie ołówkiem na nakłutym papierze .

Rysunek kalkowy - sposób kopiowania bez zmiany skali. Na oryginał nakłada się kalkę, na której obraz jest rysowany ołówkiem lub tuszem; powierzchnię roboczą kalki należy najpierw odtłuścić – przetrzeć proszkiem kredowym lub węglanem magnezu.

Ściskanie - sposób kopiowania bez zmiany skali: pod oryginał lub jego kopię na kalce kładzie się suchą papier transferowy; Ostra igła jest prowadzona wzdłuż linii oryginalnego obrazu, dzięki czemu przetłumaczony obraz jest odciskany na czystej kartce papieru. Odwrotną stronę oryginału (kalka) można przetrzeć miękkim ołówkiem, dzięki czemu przeniesiony obraz będzie wyraźniejszy.

Przerysowywanie do światła - sposób kopiowania bez zmiany skali. Oryginał umieszcza się na szkle i przykrywa czystym papierem lub kalką; za szybą znajduje się źródło światła (światło dzienne lub elektryczne); linie oryginału prześwitującego przez papier są zakreślone ołówkiem. Istnieją specjalne kopiarki przystosowane do tego celu.

Przerysowanie siatki - metoda kopiowania z możliwą zmianą skali (powiększenie lub pomniejszenie obrazu) z wykorzystaniem siatki współrzędnych wykonanej na oryginale i czystej kartce papieru. Obraz jest rysowany „przez komórki”. Komórki zbudowane są w kształcie kwadratu lub prostokąta. Przerysowywanie komórkami jest bardzo pracochłonne i nie pozwala na oddanie linii oryginału z nienaganną dokładnością, ponieważ odbywa się to zarówno okiem, jak i ręką.

Nakładanie farb na ciało (pastozę). - wykonanie gabinetu lub obrazu gęstą, kryjącą, stosunkowo grubą warstwą farby olejnej, często o fakturze reliefowej.

Kroki - szybki szkic z natury, rzadziej szybkie utrwalenie pomysłu kompozycyjnego w formie rysunku. Określenie „crocs” jest mało przydatne; w sensie ogólnym jest to bliskie szerszemu określeniu „szkic”.

Drzeworyt - drzeworyt, główna odmiana techniczna grawerowania wypukłego, w ogóle najstarsza technika grawerowania. Drzeworyty wykonuje się poprzez wycinanie na desce, najczęściej gruszkowej, bukowej, i nakładanie na nią tych części ryciny, które powinny pozostać białe. W grawerowaniu wzdłużnym lub krawędziowym włókna deski układają się równolegle do jej powierzchni, a pracę wykonuje się głównie za pomocą szpiczastych noży. Możliwości tej techniki są stosunkowo wąskie, ale trudności są znaczne (ponieważ opór materiału włóknistego wobec noża jest nierówny w różnych kierunkach). Grawer końcowy wykonywany jest na desce z włóknem prostopadle do powierzchni; jej główne narzędzie, grawer, pozwala na bardzo precyzyjne i różnorodne techniki.

W przeciwieństwie do innych rodzajów grawerowania wklęsłego, drzeworyty można drukować wraz ze składem na konwencjonalnej prasie drukarskiej i dlatego często wykorzystuje się je w ilustracjach książkowych.

Mający szczęście . Artyści lakierują podłoża, aby zapobiec przedostawaniu się oleju z farb, wprowadzają werniksy do spoiwa farby, nakładają je na stwardniałą warstwę farby przed dalszą pracą (w celu lepszego połączenia warstw) i na koniec lakierują gotowe prace. Jednocześnie lakier zwiększa nasycenie kolorów. Folia lakieru chroni obraz przed bezpośrednim kontaktem ze szkodliwymi gazami atmosferycznymi, kurzem i sadzą w powietrzu. Lakiery wchodzące w skład farby olejnej przyczyniają się do jej bardziej równomiernego i szybszego schnięcia, a warstwy farby lepiej wiążą się z podłożem i sobą. Lepiej jest pokryć obrazy werniksami terpentynowymi niż olejnymi (wtedy mniej ciemnieją). Lakier-utrwalacz utrwala prace wykonane węglem, sangwiną, pastelami, akwarelami.

Modelowanie kształtu za pomocą koloru - proces modelowania obiektu, odsłonięcia jego objętości i materiału za pomocą odcieni kolorów, z uwzględnieniem ich zmian w jasności i nasyceniu.

Glazura - jedna z technik techniki malarskiej, która polega na nałożeniu bardzo cienkich warstw trwałych i półprzezroczystych farb na wyschniętą, zwartą warstwę innych farb. Dzięki temu uzyskuje się szczególną lekkość, dźwięczność barw, która jest efektem ich optycznego wymieszania.

Linoryt - grawer na linoleum, rodzaj graweru wypukłego. Pod względem techniki i środków artystycznych linoryt przypomina drzeworyt, a w druku często różni się od niego jedynie brakiem drobnych szczegółów.

Litografia - w sztukach wizualnych szeroko rozpowszechniony rodzaj techniki graficznej związany z obróbką kamienia (gęsty wapień) lub zastępującej go blachy (cynk, aluminium).

Artysta wykonuje litografię rysując po ziarnistej lub gładkiej powierzchni kamienia odważnym ołówkiem litograficznym i specjalnym tuszem. Po wytrawieniu kamienia kwasem (działającym na niezatłuszczoną powierzchnię) wzór zostaje zmyty: zamiast tego nakładana jest farba drukarska, która przykleja się jedynie do niewytrawionych cząstek kamienia, dokładnie odpowiadających projektowi. Farbę rozprowadza się wałkiem po zwilżonym kamieniu; druk odbywa się na specjalnej maszynie.

lokalny koloryt - barwa charakterystyczna dla danego przedmiotu (jego kolor) i nie uległa żadnym zmianom. W rzeczywistości tak się nie dzieje. Kolor obiektu ulega ciągłym zmianom pod wpływem siły i barwy oświetlenia, otoczenia i rozsunięcia przestrzennego i nie jest już nazywany lokalnym, lecz uwarunkowanym. Czasami przez kolor lokalny rozumie się nie kolor podmiotowy, ale jednolitą plamę barwy uwarunkowanej, ujętą w zasadniczym stosunku do barw sąsiednich, bez ujawniania mozaiki odbić barwnych, bez niuansów tych plam głównych.

Sposób - w odniesieniu do praktyki artystycznej: charakter lub sposób wykonania jako cecha czysto techniczna (np. „szeroki sposób”).

W historii sztuki terminem „sposób” określa się czasem ogólne właściwości wykonawcze, charakterystyczne dla artysty lub szkoły artystycznej w danym okresie. twórczy rozwój(np. „późne zachowanie Tycjana”).

Manerowość - w praktyce artystycznej: cechy podejścia i wykonania, pozbawione prostoty i naturalności, prowadzące do rezultatów pretensjonalnych, naciąganych lub warunkowych. Najczęściej manieryzm nazywa się upodobaniem do jakiegoś pozornie spektakularnego, wyuczonego sposobu bycia i wszelkiego rodzaju stronniczych technik artystycznych, skłonnością do stylizacji. Skrajnego wyrazu manieryzmu nadaje praktyka formalistyczna współczesnej sztuki mieszczańskiej.

Farby olejne - barwniki zmieszane z olejem roślinnym: lnianym (głównie), makowym lub orzechowym; farby olejne pod wpływem światła i powietrza stopniowo twardnieją. Wiele podłoży (płótno, drewno, karton) jest wcześniej zagruntowanych pod kątem pracy z farbami olejnymi. Najczęściej stosowanym podkładem jest: materiał pokrywa się płynnym klejem stolarskim, a po wyschnięciu naciera pumeksem, a następnie posypuje drobnym proszkiem kredowym zmieszanym z wodą klejową do konsystencji śmietany. Aby oczyścić pędzle, myje się je w nafcie, terpentynie lub benzynie, a na koniec w ciepłej wodzie z mydłem, wyciskając farbę z nasady pędzla, po czym spłukuje się je w czystej wodzie.

Materialność przedstawiane przedmioty przekazywane są przede wszystkim przez naturę światłocienia. Obiekty składające się z różnych materiałów charakteryzują się charakterystyczną gradacją światłocienia. Cylindryczny obiekt gipsowy charakteryzuje się płynnymi przejściami od światła poprzez półcień, cień i refleks. Szklane naczynie cylindryczne nie ma wyraźnych stopni światłocienia. W jego formie liczy się tylko blask i refleks. Przedmioty metalowe charakteryzują się także głównie odblaskami i odbiciami. Jeśli oddasz na rysunku naturę światłocienia, obiekty będą wyglądać materialnie. Kolejnym, jeszcze ważniejszym warunkiem, od którego zależy przedstawienie właściwości materialnych przedmiotów, jest spójność w rysunkowym lub obrazowym badaniu relacji tonalnych i kolorystycznych pomiędzy obiektami proporcjonalnych do natury. Postrzegając materialne cechy przedmiotów, nasza świadomość opiera się głównie na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych (różnicach). Dlatego też, jeśli charakter światłocienia, relacje tonalne i kolorystyczne zostaną przekazane zgodnie z wizualnym obrazem natury, otrzymamy prawdziwy obraz materialnych cech obiektów martwej natury lub obiektów krajobrazu.

Malowanie warstwowe - najważniejszy rodzaj techniczny malarstwa olejnego, wymagający podziału pracy na kilka kolejnych etapów (podmalowanie, rejestracja, szkliwienie), rozdzielonych przerwami na całkowite wyschnięcie farby. Przy wykonywaniu dużej kompozycji tematycznej, a także w ogóle podczas długotrwałej pracy, malarstwo wielowarstwowe jest jedyną pełnoprawną techniką malarstwa olejnego. Do połowy XIX wieku. wszyscy główni postępowi artyści przeszłości używali tej techniki jako głównej. Później porzucili go impresjoniści i ich zwolennicy.

Z wąskiego technologicznego punktu widzenia, niezwiązanego z techniką dawnych mistrzów, koncepcja malowania wielowarstwowego może odpowiadać jedynie rejestracji na wyschniętej warstwie farby (bez podmalowania i glazury).

Modelowanie - w sztukach wizualnych: przenoszenie właściwości wolumetryczno-plastycznych i przestrzennych świata obiektywnego poprzez gradację światła i cienia (malarstwo, grafika) lub odpowiednią plastyczność form trójwymiarowych (rzeźba, zwłaszcza relief). Modelowanie odbywa się zwykle z uwzględnieniem perspektywy, w malarstwie dodatkowo za pomocą gradacji kolorystycznych, które nierozerwalnie łączą się ze światłocieniem. Zadania modelowania nie ograniczają się do prostego odtworzenia obiektywnego świata: uczestnicząc w ideologicznych i figuratywnych cechach przedmiotu, uogólnia, uwydatnia i ujawnia to, co najistotniejsze.

Modernizm - ogólne oznaczenie dziedzin sztuki i literatury koniec XIX-XX wieki (Kubizm, Dadaizm, Surrealizm, Futuryzm, Ekspresjonizm, Sztuka Abstrakcyjna itp.). Do głównych cech modernizmu zalicza się: zaprzeczanie poznawczej i społecznej roli sztuki, jej ideologii, narodowości, zastępowanie sztuki wszelkimi chwytami, całkowite wypaczenie lub nieznajomość zawodowych tradycji realistycznego dziedzictwa artystycznego.

Mozaika - specjalny techniczny rodzaj malarstwa monumentalnego, polegający na zastosowaniu jako głównego materiału artystycznego wielobarwnych brył - smalty, naturalnych kamieni kolorowych, kolorowych emalii na wypalanej glinie itp. Obraz składa się z kawałków takich materiałów, dobrze do siebie dopasowanych, wzmocnionych cementem lub specjalnym mastyksem, a następnie wypolerowanych. Według metody tzw. zestawu bezpośredniego mozaikę wykonuje się od strony frontowej – w przeznaczonym do tego miejscu (ściana, sklepienie itp.) lub na osobnej płycie, którą następnie wtapia się w ścianę. W przypadku zestawu rewersowego kolorowe elementy są widoczne dla artysty jedynie od tyłu, gdyż są naklejone przednią powierzchnią na tymczasową cienką podszewkę (usuniętą po przeniesieniu mozaiki na ścianę). Pierwsza z tych metod jest stosunkowo skomplikowana i czasochłonna, ale doskonalsza z artystycznego punktu widzenia.

Sztaluga - maszyna (stąd definicja „malarstwa sztalugowego”), niezbędna artyście do utrzymania pożądanego pochylenia obrazu podczas pracy. Głównym wymaganiem dla sztalugi jest stabilność.

Monotyp - specjalny rodzaj techniki graficznej związany z procesem drukowania, ale znacznie różniący się od wszelkiego rodzaju grawerowania całkowita nieobecność wpływów mechanicznych lub technicznych na powierzchnię płyty. Farby nakłada się ręcznie na gładką powierzchnię, a następnie drukuje na maszynie. Otrzymany odcisk palca jest jedyny

i wyjątkowy.

Mmonumentalność w dziełach malarstwa sztalugowego wynika ze społecznego znaczenia tematu obrazu, jego heroicznego patosu, głębi i mocy ucieleśnienia idei w odpowiednich obrazach - prostych, surowych, majestatycznych i wyrazistych.

szkic w kolorze - etiuda nie duże rozmiary, płynnie i szybko wykonane. Głównym celem takiego szkicu jest nabycie umiejętności pełnego postrzegania natury, znajdowania i przekazywania prawidłowych relacji kolorystycznych jej głównych obiektów. Wiadomo, że o pełnoprawnej strukturze obrazowej obrazu decyduje proporcjonalne przeniesienie różnic między głównymi plamami barwnymi natury. Bez tego żadne dokładne badanie szczegółów, odbić, mozaik odcieni kolorów nie doprowadzi do pełnoprawnego obrazu obrazowego.

Narodowość - związek sztuki z ludźmi, uwarunkowanie zjawisk artystycznych przez życie, walkę, idee, uczucia i aspiracje mas, wyraz w sztuce ich zainteresowań i psychologii. Jedna z podstawowych zasad socrealizmu.

Natura - w praktyce sztuk pięknych są to wszelkie zjawiska naturalne, przedmioty i przedmioty, które artysta przedstawia, obserwując bezpośrednio jako model. Z natury z reguły wykonuje się tylko szkic, szkic, szkic, portret, a czasem krajobraz.

Naturalizm - w sztukach wizualnych wyraża się w oderwaniu od szerokich uogólnień, od zasad ideologicznych i prowadzi do metody czysto zewnętrznego kopiowania wszystkiego, co znajdzie się w polu widzenia. Początkującym malarzom zdarza się czasem pomyśleć, że absolutnym celem sztuki pięknej jest rzetelne przedstawienie natury w przekazie jej walorów trójwymiarowych, materialnych i przestrzennych. Oczywiście konieczne jest opanowanie sztuk pięknych, technicznych technik malarskiego mistrzostwa. Równie ważne jest jednak jednoczesne rozwijanie umiejętności patrzenia na rzeczywistość oczami artysty. Malowniczy obraz nie jest lustrzanym odbiciem natury. „Malarstwo” – stwierdził I. I. Lewitan – „nie jest protokołem, ale objaśnianiem natury za pomocą malarstwa”. Malarz wybiera i uogólnia w barwnej różnorodności natury te elementy, które mogą ekspresyjnie przekazać ideowy i figuratywny projekt. Próbuje wydobyć istotę przedstawionego, pokazuje, co go ekscytowało. Świadczy to o osobowości artysty, jego światopoglądzie, a także guście i praktycznym doświadczeniu w stosowaniu kolorowych materiałów i technik.

Martwa natura - jeden z gatunków sztuk plastycznych poświęcony reprodukcji przedmiotów użytku domowego, owoców, warzyw, kwiatów itp. Zadaniem artysty przedstawiającego martwą naturę za pomocą malarstwa jest oddanie kolorystycznego piękna otaczających człowieka przedmiotów, ich obszerną i materialną istotę, a także wyrazić swój stosunek do przedstawianego. Obraz martwej natury jest szczególnie przydatny w praktyce edukacyjnej w zakresie doskonalenia umiejętności malarskich. W martwej naturze artysta rozumie prawa harmonii kolorów, nabywa techniczną umiejętność obrazowego modelowania formy.

Uogólnienie artystyczne - umiejętność artysty poznawania obiektywnej rzeczywistości, odkrywania tego, co główne, istotne w przedmiotach i zjawiskach poprzez porównanie, analizę i syntezę. Dzieło sztuki jest wynikiem ogólnej wyrazistości, zachowując jednocześnie całą oryginalność konkretnego obrazu wizualnego.

W wąskim sensie zawodowym uogólnienie jest ostatnim etapem procesu rysowania lub malowania z natury, po szczegółowym przestudiowaniu formy. Na tym etapie pracy dopracowywane są szczegóły, aby stworzyć całościowy obraz natury, oparty na jej integralnej percepcji wzrokowej.

Artystyczny obraz - specyficzna forma odzwierciedlenia rzeczywistości w formie konkretno-zmysłowo postrzeganej wizualnie. Kreowanie obrazu artystycznego wiąże się ściśle z wyborem tego, co najbardziej charakterystyczne, z podkreśleniem istotnych aspektów przedmiotu lub zjawiska w granicach indywidualnej unikatowości tych obiektów i zjawisk. Wiadomo, że ludzka świadomość odzwierciedla nie tylko obiektywny wizualny obraz obiektu lub zjawiska, ale także emocjonalne cechy ich postrzegania. Dlatego obraz artystyczny w malarstwie zawiera nie tylko prawdziwe cechy przedstawianego przedmiotu, ale także jego znaczenie zmysłowo-emocjonalne. Każdy obraz jest zarówno wiernym odzwierciedleniem obiektywnej rzeczywistości, jak i wyrazem uczuć estetycznych artysty, jego indywidualnego, emocjonalnego stosunku do przedstawianego, gustu i stylu.

Odwrócona perspektywa - błędna technika rysowania perspektywy, której istotą jest to, że równoległe i poziome linie w przestrzeni na obrazie są przedstawiane nie zbieżnie, ale rozbieżnie; pojawia się dość często w starożytnym malarstwie ikon, na skutek nieznajomości artystów elementarnych zasad konstruowania perspektywy (w niektórych przypadkach dopuszczalne jest celowe naruszenie zasad konstruowania perspektywy).

Ogólny ton i kolor stanu natury - wynik różnej mocy oświetlenia. Aby oddać stan innego oświetlenia (rano, po południu, wieczorem lub w szary dzień), podczas budowania systemu kolorów szkicu nie zawsze stosuje się jasne i jasne kolory palety. W niektórych przypadkach artysta buduje relację w zmniejszonym zakresie jasności i siły barwy (szary dzień, ciemny pokój), w innych przypadkach w jasnych i jasnych barwach (np. słoneczny dzień). Artysta zachowuje zatem relacje tonalne i barwne studium w różnych zakresach (skalach) tonalnych i barwnych. Przyczynia się to do transmisji stanu oświetlenia, co jest szczególnie ważne w malarstwie pejzażowym, ponieważ to właśnie ten stan decyduje o jego emocjonalnym oddziaływaniu (patrz skala tonalna i kolorystyczna obrazu).

Tom - obraz trójwymiarowości formy na płaszczyźnie. Realizuje się to przede wszystkim poprzez prawidłową konstruktywną i obiecującą konstrukcję tematu. Innym ważnym sposobem przenoszenia objętości na płaszczyźnie jest gradacja światła i cienia wyrażona kolorem: światło, światło, półcień, cień własny i padający, odruch. Obraz objętości na płaszczyźnie obrazowej ułatwia także kierunek kreski lub kreskowania, ich ruch w kierunku formy (na powierzchniach płaskich są proste i równoległe, na powierzchniach cylindrycznych i kulistych - łukowe).

Aureola - zjawisko znane również jako „napromieniowanie”; powstaje w wyniku rozproszenia jasnego światła w przezroczystej cieczy wypełniającej gałkę oczną. Ze względu na wzrost wrażliwości oka w ciemności, silnie reaguje ono na obserwację jasnych źródeł światła (ogień lub zapalona lampa). W dzień nie wydają się jasne, ale o zmierzchu lub w nocy mogą oślepić oczy. Oczy prawie nie dostrzegają koloru jasnych źródeł światła, ale aureola wokół świetlistych ciał lub silnie oświetlonych obiektów ma wyraźniejszy kolor. Płomień świecy wygląda prawie na biały, a aureola wokół niego jest żółta. Mocny akcent na błyszczącej powierzchni wydaje się biały, a aureola wokół niego nabiera właściwości kolorystycznych źródła światła. Cienkie pnie drzew na tle nieba są całkowicie owiane aureolą, to znaczy wyglądają na niebieskie, a na tle żółtego zachodu słońca - pomarańczowe lub czerwone. Kiedy aureola jest przekazywana na obraz, oko postrzega obiekty jako świecące (świeca, jasne okna dzień i noc, gwiazdy na niebie itp.). Przedstawione bez aureoli, niezastąpiony towarzysz jasnego światła, pień drzewa i jego korona wyglądają jak twarda aplikacja na tle jasnego nieba, gwiazdy bez aureoli sprawiają wrażenie plamek farby natryskiwanej na ciemnym tle, jasne refleksy bez aureoli wyglądają jak jasne plamy na tle dzbanka.

Podstawy - w technologii malowania: materiał, na który nakładany jest podkład i warstwa farby obrazu. Najpopularniejszym rodzajem podłoża jest płótno, rzadziej stosuje się drewno (było to najpowszechniejsze podłoże w starożytności, średniowieczu i renesansie), karton, papier, metal, szkło, linoleum itp. W niektórych rodzajach malarstwa (na przykład fresk, akwarela itp.) podstawa jest używana bez specjalnego przygotowania.

pranie - 1) technika akwareli przy użyciu bardzo płynnej farby lub atramentu. Aby pomalować stosunkowo duży obszar jasnym tonem, maluje się go farbą przez około '/ * szklankę wody, pozwala farbie osiąść (lepiej ją później przefiltrować) i nabiera „roztwór” pędzlem z góry , bez dotykania dna szklanki; 2) wyklarowanie farby lub usunięcie jej z papieru za pomocą pędzla zamoczonego w czystej wodzie i zebranie nasączonej farby bibułą (procedurę powtarza się kilkukrotnie).

Relacje kolorów - różnice w przedmiotach ze względu na jasność i kolor: co jest z natury jaśniejsze, co ciemniejsze, plus różnice w kolorze i jego nasyceniu.

Odcień (niuans) - niewielka, często ledwo zauważalna różnica w kolorze, jasności lub nasyceniu koloru.

Akwaforta - trawienie igłowe lub liniowe, szeroko stosowana techniczna odmiana dogłębnego grawerowania w metalu. Prace nad trawieniem polegają na zarysowaniu podłoża grawerskiego specjalnymi igłami, najczęściej w technice swobodnego rysowania linii. Nierówny czas trawienia szczegółów obrazu kwasami skutkuje różnicami w sile i nasyceniu kreski. Technika trawienia charakteryzuje się względną prostotą i dużą elastycznością.

Wrażenie wizualne - wynik interakcji energii promienistej z narządem wzroku i postrzegania tej interakcji przez świadomość. W rezultacie osoba otrzymuje różnorodne wrażenia światła i koloru, bogate gradacje kolorów, które charakteryzują kształt przedmiotów i zjawisk naturalnych w różnych warunkach oświetlenia, środowiska i przestrzeni.

Paleta - 1) mała cienka deska o kształcie czworokątnym lub owalnym, na której artysta w trakcie pracy miesza farby; 2) dokładny wykaz kolorów stosowanych przez tego czy innego artystę w jego praktyce twórczej.

Panorama - płótno malarskie w formie zamkniętej okrągłej wstęgi. Na płótno przed obrazem umieszczane są różne prawdziwe fałszywe obiekty, które tworzą iluzję bezpośredniego przejścia rzeczywistej przestrzeni pierwszego planu w malarską przestrzeń obrazu. Panorama znajduje się w specjalnie do tego wybudowanej sali zdjęciowej z centralnym, zwykle zaciemnionym, taras widokowy. W odróżnieniu od panoramy diorama to malowniczy obraz w formie zakrzywionej półkolistej wstęgi.

Panoramy stworzone przez artystę F. A. Rubo „Obrona Sewastopola” (1902–1904) i „Bitwa pod Borodino” (1911) są wciąż niezrównanymi przykładami.

Pastel - kredki kolorowe bez oprawek, wykonane z farby proszkowej. Otrzymuje się je poprzez zmieszanie farby proszkowej z klejem (klej wiśniowy, dekstryna, żelatyna, kazeina). Pracuj pastelami na papierze, kartonie lub płótnie. Farby nakłada się pociągnięciami, jak na rysunku, lub wciera się palcami z cieniowaniem, co pozwala uzyskać najdrobniejsze niuanse kolorystyczne i najdelikatniejsze przejścia kolorystyczne, matową aksamitną powierzchnię. Podczas pracy z pastelami warstwy farby można łatwo usuwać lub nakładać na siebie, gdyż jest ona swobodnie zdrapywana z podłoża. Prace wykonane pastelami zazwyczaj utrwalane są specjalnym rozwiązaniem.

Pastyzm - 1) w technice malarstwa olejnego: znaczna grubość warstwy farby stosowanej jako medium artystyczne. Działając jako cecha techniczna, pastowość zawsze pozostaje zauważalna dla oka i objawia się pewną nierównością warstwy farby, „pociągnięciem reliefowym” itp. W wąskim, czysto technologicznym sensie malowanie grubowarstwowe o gładkiej powierzchni czasami nazywany jest pastą, w której pasta może nie być zauważalna (malowanie ciała).malowanie); 2) szczególna właściwość plastyczności materiału malarskiego, która pozwala nierozcieńczonej farbie olejnej całkowicie zachować kształt nadawany jej przez pędzel.

Sceneria - widok, obraz dowolnego obszaru; w malarstwie i grafice gatunek i odrębne dzieło, w którym głównym tematem obrazu jest natura. Często przedstawiane są widoki miast i zespołów architektonicznych (krajobraz architektoniczny), widoki na morze (przystań).

Różnorodność (frakcyjność) obrazu - wady rysunku lub szkicu, które powstają, gdy początkujący artysta rysuje lub maluje naturę w częściach, „bezpośrednio”. W rezultacie kształt obiektów jest przeładowany szczegółami, ich kontury są ostre, wiele obiektów i ich powierzchnie wyglądają tak samo pod względem tonacji i siły koloru. Dzieje się tak dlatego, że niedoświadczony artysta, choć porównywał przedmioty tonem i kolorem, patrzył na nie na przemian, osobno. Kiedy artysta rozwinie umiejętność jednoczesnego (integralnego) widzenia i porównywania obiektów według trzech właściwości kolorystycznych (kolor, jasność, nasycenie), zanika różnorodność tonalna obrazu.

Plany przestrzenne - umownie podzielone obszary przestrzeni znajdujące się w różnych odległościach od obserwatora. Na zdjęciu wyróżnia się kilka planów: pierwszy, drugi, trzeci lub przód, środek, tył. Przestrzeń na płaszczyźnie płótna lub papieru przekazywana jest przede wszystkim poprzez prawidłową konstrukcję perspektywy. Jeśli obiekty lub bryły na planach przestrzennych zostaną narysowane bez ścisłego przestrzegania ich zmian perspektywy, rozwiązanie kolorystyczne niewiele pomoże w zobrazowaniu przestrzeni. Charakter obrysu wpływa również na przenoszenie walorów przestrzennych obrazu (na rysunku - charakter obrysu). Technika cieniowania obiektów na pierwszym planie jest bardziej zdefiniowana, sztywna i gęsta. Rozmazana farba jest bardziej pastowata, tłoczona, frakcyjna. Odległe plany przekazywane są delikatniejszym pociągnięciem, cienką warstwą farby.

Plastikowy - harmonia, wyrazistość i elastyczność form, linii, dostrzegana przez artystę w przedstawianej naturze.

Malowanie w plenerze - malowanie w plenerze. Zmiany barw natury pod wpływem światła i powietrza mają aktywne znaczenie przy pisaniu szkicu w plenerze. Szczególną uwagę należy zwrócić na ogólny stan tonalny i kolorystyczny przyrody (w zależności od siły i barwy oświetlenia) oraz zjawisko perspektywy powietrznej. Decydującym momentem w malowaniu w plenerze jest zgodność skali tonalnej i barwnej przy konstruowaniu relacji tonalnych i kolorystycznych studium (patrz skala tonalna i barwna obrazu):

Podmalowanie - etap przygotowawczy pracy nad obrazem, wykonywany w technice malarstwa olejnego. Podmalowanie odbywa się zwykle cienką warstwą farby i może być monochromatyczne lub wielokolorowe.

Nosze. Płótno, na którym artysta maluje obraz, rozciągnięte jest na noszach. Jego celem jest utrzymanie napięcia płótna. Zapewnia to niesztywne mocowanie drewnianych desek ramy pomocniczej. Dzięki ślepemu zapięciu rogów noszy trudno jest skorygować zwiotczenie płótna spowodowane wilgocią. Na szynach ramy pomocniczej wykonane są skosy skierowane do wnętrza ramy pomocniczej. W przeciwnym razie w miejscach styku płótna z wewnętrznymi żebrami naramiennika płótno ulega deformacji i pojawiają się na nim wewnętrzne żebra napinacza. Ramy pomocnicze o dużych rozmiarach wykonane są z krzyża, co zabezpiecza je przed odkształceniami ukośnymi i ugięciami listew.

Półcień - jedna z gradacji światłocienia na powierzchni trójwymiarowego obiektu, pośrednia między światłem a cieniem (zarówno w naturze, jak i na obrazie).

Portret - obraz, który oddaje wygląd konkretnej osoby, jej indywidualne cechy. Sztuka portretu wymaga, aby oprócz podobieństwa zewnętrznego wygląd człowieka odzwierciedlał jego zainteresowania duchowe, status społeczny i typowe cechy epoki, do której należy. Na portrecie powinien być obecny także osobisty stosunek artysty do przedstawionych osób, jego światopogląd, ślad jego twórczej postawy.

Prymitywizm - jeden z nurtów formalistycznych w sztukach wizualnych. Charakteryzuje się całkowitym odrzuceniem osiągnięć realizmu na rzecz naśladowania form artystycznych tzw. epok prymitywnych (plemiona prymitywne), celowo zapożyczając cechy rysunków dziecięcych itp.

Rejestracja - w technice malarstwa olejnego, główny etap wykonania dużego płótna, po którym następuje podmalowanie, poprzedzający szkliwienie. Liczba rejestracji uzależniona jest od stopnia zaawansowania pracy artysty; każdy z nich kończy się całkowitym wyschnięciem farby. W szerokim i niedokładnym znaczeniu tego słowa podmalowanie, a także wszelka obróbka już wykończonego płótna lub jego części, nazywana jest czasem rejestracją.

Proporcje - stosunek wielkości obiektów lub ich części do siebie i do całości. Na rysunku lub malarstwie relacje te są przekazywane proporcjonalnie, to znaczy podobne, zmniejszone lub zwiększone o tę samą liczbę razy. Decydujące znaczenie ma zachowanie proporcji, gdyż to one są najbardziej charakterystyczną cechą tematu i stanowią podstawę prawdziwego i wyrazistego wizerunku.

Proporcjonalność relacji - prawo malarstwa realistycznego, które określa związek każdej jasnej plamy badania z innymi, proporcjonalny do wizualnego obrazu natury, ważny warunek prawdziwego i całościowego przedstawienia rzeczywistości. Nasza percepcja wzrokowa i rozpoznawanie kształtu, koloru, materiału przedmiotów, stanu oświetlenia opiera się na ich relacjach tonalnych i kolorystycznych. Cechy tonu i koloru są postrzegane wizualnie nie w izolacji, ale w zależności od otoczenia, wraz z innymi tonami i kolorami. Dlatego artysta odtwarza na szkicu różnice tonalne i kolorystyczne natury, a także wymiary perspektywiczne obiektów, metodą proporcjonalnej korespondencji obrazu z wizualnym obrazem natury. Osiąga się w ten sposób stan oświetlenia studium, prawdziwe modelowanie trójwymiarowej formy, materialności, głębi przestrzennej i innych walorów obrazowych obrazu.

Proces malowania z natury wiąże się ze szczególną kolejnością wykonywania pracy na początku, w środku i na etapie końcowym. Proces ten przechodzi od ogólnego do szczegółowego opracowania formy i kończy się uogólnieniem - podkreśleniem głównego i podporządkowaniem mu drugorzędnego. Podczas malowania na tych etapach rozwiązywane są następujące szczegółowe zadania: 1) znalezienie związku głównych plam barwnych, biorąc pod uwagę ton i stan koloru oświetlenia (jego siła i skład widmowy), 2) „rozciąganie” tonu koloru w ramach znalezionych podstawowych zależności, kolorystyczne modelowanie trójwymiarowego kształtu poszczególnych obiektów, 3) w fazie uogólniania – zmiękczanie ostrych konturów obiektów, tłumienie lub wzmacnianie tonu i koloru poszczególnych obiektów, uwydatnianie tego, co główne, podporządkowanie wtórne wobec tego. Ostatecznie cały obraz obrazowy zostaje doprowadzony do integralności i jedności, do wrażenia, jakie wywołuje wzrok, widząc naturę jako całość.

Rozcieńczalniki . W przypadku farb akwarelowych i gwaszowych jedynym rozcieńczalnikiem jest woda. Do rozcieńczania farb olejnych stosuje się kompozycje pochodzenia terpentynowego (pinen nr 4) lub produkty naftowe zmieszane z alkoholem lub olejem lnianym (rozcieńczalniki nr 1, 2). Dodatek np. pinenu do farb olejnych przyczynia się do ich szybkiego wysychania. Dodatkowo, w celu zapewnienia lepszej przyczepności warstw farby, przed ponowną rejestracją utwardzoną powierzchnię warstwy farby przeciera się pinenem.

Kąt - perspektywiczna redukcja formy przedmiotu, prowadząca do zmiany jego zwyczajowych konturów; ostro wyraźne skurcze, które występują, gdy obiekt jest obserwowany z góry lub z dołu.

Rama. Obraz stworzony przez artystę posiada ramę. Dopełnia kompozycję, nadaje jej jedność, kieruje uwagę widza na samo dzieło. Najczęściej rama ma kształt prostokąta, czasami jest okrągła lub owalna. Często listwy ramy mają cienkie profile, przypominające stopnie schodzące do samego obrazu. Pomagają oku widza łatwiej zanurzyć się w świecie przedstawionym. Artyści traktują ramę jako istotny element kompozycji malarskiej i malują ją w jasnych i ciemnych barwach o różnych odcieniach. Dostępne są ramki z bogatymi motywami plastikowymi, konwencjonalnymi zdobieniami roślinnymi lub geometrycznymi.

Realizm - metoda twórczości artystycznej oparta na głębokiej znajomości życia i figuratywnym odzwierciedleniem jego istoty i piękna. Realizm w malarstwie opiera się na przedstawieniu życia w jego formach. Artysta nieustannie studiuje życie z ołówkiem i pędzlem w dłoni i doskonale opanowuje umiejętność wiernego przedstawiania przedmiotów i przedmiotów rzeczywistości. Bez organicznej wiedzy i uogólnienia życia z jednej strony i umiejętności urzeczywistnienia tego wszystkiego w konkretnym obrazie wizualnym z drugiej strony obraz artystyczny w obrazie zamienia się w schemat pozbawiony życiowej perswazji.

realizm socjalistyczny - metoda sztuki socjalistycznej, mająca na celu prawdziwe, historycznie konkretne odzwierciedlenie rzeczywistości w jej rewolucyjnym rozwoju w celu ideologicznego i estetycznego wychowania ludzi w duchu socjalizmu i komunizmu.

Odruch - refleksy świetlne lub kolorowe powstające na formie w wyniku odbicia promieni świetlnych od otaczających obiektów. Kolory wszystkich obiektów łączą się ze sobą za pomocą odbić. Im większa różnica w jasności i kolorze pomiędzy dwoma sąsiednimi obiektami, tym bardziej zauważalne są odruchy. Na chropowatych, matowych powierzchniach są słabsze, na gładkich są bardziej widoczne i wyraźniejsze w zarysie. Na wypolerowanych powierzchniach są one szczególnie wyraźne (w tym przypadku wzmocnione są odbiciem lustrzanym).

Rysunek -1) pełnoprawne odwzorowanie obiektywnego świata: modelowanie wolumetryczno-przestrzenne, prawidłowe proporcje, prawdziwy wyraz, jasno wyrażony charakter itp. Jest to podstawa realistycznego przedstawienia rzeczywistości w ogóle - wszelkimi środkami i technikami technicznymi. Nauczanie rysunku jest istotną częścią kształcenia zawodowego malarza, grafika i rzeźbiarza; 2) rodzaj grafiki artystycznej opartej na środkach technicznych i możliwościach rysunkowych. W przeciwieństwie do malarstwa, rysunek wykonuje się głównie za pomocą stałego barwnika (ołówek, węgiel, sangwina itp.), Z reguły za pomocą pociągnięcia i linii, z pomocniczą rolą koloru; 3) odrębne dzieło o odpowiednim typie grafiki.

Rytm i rytm - powtórzenie pewnych elementów kompozycyjnych dzieła, ich szczególna proporcjonalność, prowadząca do harmonijnej, regularnej spójności całości. Rytm może objawiać się kontrastami i zgodnością grup postaci, obiektów, linii, ruchów, plam czarno-białych i kolorowych, planów przestrzennych itp.

Światło - element gradacji światła i cienia, służy do wyznaczenia oświetlonej części powierzchni obiektów.

Lekkość (ton) - porównawczy różnice od ciemności: im dalej od ciemności, tym większa jasność koloru.

Otwór - stopień lekkości tematu, jego ton. Przysłona zależy od obecności innych (sąsiadujących) tonów, a także od koloru obiektów.

Światłocień - regularne gradacje światła i ciemności w wolumetrycznej formie obiektu, dzięki czemu oko postrzega zarówno w naturze, jak i na rysunku takie obiektywne właściwości, jak objętość i materiał. Główne gradacje światłocienia: podświetlenie, światło, półcień, własny cień, odruch, padający cień.

właściwości koloru - odcień lub odcień koloru: czerwony, niebieski, żółty, żółto-zielony, jasność i nasycenie (stopień jego odmienności od szarości, czyli stopień zbliżenia do czystego koloru widmowego). W procesie malowania te trzy właściwości służą do porównania kolorów naturalnego otoczenia, znalezienia różnic kolorystycznych i przeniesienia ich na szkic w proporcjonalnych relacjach.

Spoiwo - jest to środek ściągający (klej, olej, wapno gaszone, żółtko jaja kurzego), za pomocą którego cząsteczki pigmentu łączą się ze sobą i utrwalają na powierzchni gleby, tworząc warstwę farby. Rodzaje malarstwa - fresk, obraz olejny, tempera - różnią się dokładnie składem spoiwa, chociaż pigment jest zwykle ten sam.

Sylwetka - jednokolorowy obraz planarny ciemny na jasnym tle. osoba, zwierzę lub przedmiot. Termin pochodzi od nazwiska francuskiego Ministra Finansów z XVIII wieku. E. de Silhouette, który został karykaturowany w formie profilu cienia.

Symbol. - obraz, który alegorycznie wyraża dowolną szeroką koncepcję lub abstrakcyjną ideę. W przypadku, gdy związek symbolu z wyrażaną przez niego koncepcją wynika z wewnętrznego podobieństwa znaczeniowego, związku między przedstawianym przedmiotem a jego alegorycznym znaczeniem, użycie symbolu staje się właściwe i możliwe w sztuce realistycznej. Symbolu używa się, gdy chcą wyrazić szeroką, wieloobejmującą koncepcję w zwięzłej i zwięzłej formie.

Treść i forma w sztuce - kategorie nierozerwalnie powiązane i współzależne, z których jedna wskazuje, co dokładnie znajduje odzwierciedlenie i wyraz w dziele (treść), a druga wskazuje, w jaki sposób i za pomocą jakich środków jest to osiągane (forma). Wiodąca, decydująca rola należy do treści. Staje się pewnym fenomenem życia, świadomym i estetycznie rozumianym przez artystę w tym procesie kreatywna praca. Do kategorii formy artystycznej w sztukach wizualnych zalicza się: fabułę, kompozycję, typ, rysunek, kolorystykę, objętość, przestrzenność, konstrukcję światła i cienia itp. Należy zaznaczyć, że walory artystyczne dzieła zależą bezpośrednio od tego, jak profesjonalnie wytrenowany artysta używa form wyrazu. Bez praktycznego opanowania kultury posługiwania się kolorem nie da się wyrazić treści figuratywnych za pomocą malarstwa w określonym materiale.

Porównanie - metoda określania proporcji, relacji tonalnych i kolorystycznych itp. Właściwości i cechy są poznawane przez naszą świadomość poprzez porównanie. Zrozumienie natury formy przedmiotu, określenie jego tonu i koloru jest możliwe tylko w porównaniu z innymi obiektami. Aby wiernie przedstawić naturę, artysta musi stworzyć na szkicu proporcjonalne do natury różnice w obiektach pod względem wielkości, tonu i koloru. Tylko metodą porównania (z integralnym postrzeganiem natury) można określić w przyrodzie relacje kolorystyczne między przedmiotami i przenieść je na płótno lub papier.

Stylizacja - 1) zamierzone naśladowanie stylu artystycznego, charakterystycznego dla dowolnego autora, gatunku, ruchu, sztuki i kultury określonego środowiska społecznego, narodowości, epoki. Zwykle polega na swobodnej interpretacji treści i stylu dzieła sztuki, które posłużyło za prototyp; 2) w sztukach wizualnych, a głównie w sztuce dekoracyjnej, projektowanie, uogólnianie przedstawionych postaci i przedmiotów przy użyciu technik warunkowych; stylizacja jest szczególnie charakterystyczna dla ozdoby, która zamienia przedmiot obrazu w motyw wzoru.

Styl - 1) wspólność cech ideowych i artystycznych dzieł sztuki danej epoki. Pojawienie się i zmiana stylów zależy od przebiegu historycznego rozwoju społeczeństwa (na przykład klasycyzm, barok itp.); 2) narodowa cecha sztuki (styl chiński, mauretański itp.). Mówią także o stylu grupy artystów lub jednego artysty, jeśli ich prace wyróżniają się jasnymi indywidualnymi cechami.

Sucha szczotka - w malarstwie i grafice technika pomocnicza polegająca na pracy pędzlami twardymi, słabo nasyconymi farbą. Jako niezależna technika suchy pędzel jest stosowany głównie w sztuce dekoracyjnej.

Sfumato - w malarstwie i grafice termin kojarzony z malarstwem włoskiego renesansu począwszy od Leonarda da Vinci i oznaczający miękkość wykonania, nieuchwytność zarysów tematów wynikającą z pewnego podejścia artystycznego.

Działka - 1) konkretne wydarzenie lub zjawisko ukazane na zdjęciu. Ten sam motyw można ujawnić w różnych wątkach; 2) czasami przez fabułę rozumie się dowolny obiekt żywej natury lub obiektywnego świata, wzięty za obraz. Często fabuła zastępuje koncepcję motywu, na którym opiera się dzieło (zwłaszcza pejzaż).

Proces twórczy (kreatywność) - proces powstawania dzieła sztuki, od narodzin idei figuratywnej do jej urzeczywistnienia, proces przekładania obserwacji rzeczywistości na obraz artystyczny. W malarstwie twórczość polega na tworzeniu dzieła w bezpośrednio autentycznych, widzialnych formach.

Temat - zakres zjawisk wybranych przez artystę do przedstawienia i ujawnienia idei dzieła.

farby temperowe - farby wodne wykonane z suchych proszków zmieszanych z żółtkiem jaja rozcieńczonym wodą z klejem. Obecnie produkuje się także farby półpłynne, zamykane w tubkach i przygotowywane na żółtku, całym jajku lub emulsji z olej roślinny z jajkiem i klejem. Farbami temperowymi można pisać gęsto jak oleje i cienką jak akwarele, rozcieńczając je wodą. Wysychają wolniej niż gwasz. Wadą jest różnica w odcieniach farby surowej i suszonej. Obrazy malowane farbami temperowymi mają matową powierzchnię, dlatego czasami pokrywane są specjalnym werniksem, który likwiduje tę matowość.

Cień - element światłocienia, czyli najsłabiej oświetlonych obszarów w przyrodzie i na obrazie. Istnieją cienie własne i spadające. Cienie należące do samego obiektu nazywane są cieniami właściwymi. Spadające cienie to cienie rzucane przez ciało na otaczające obiekty.

Kolory ciepłe i zimne . Ciepłe kolory są warunkowo kojarzone z kolorem ognia, słońca, gorących obiektów: czerwony, czerwono-pomarańczowy, żółto-zielony. Zimne kolory kojarzą się z kolorem wody, lodu i innych zimnych obiektów: zielono-niebieski, niebieski, niebiesko-niebieski, niebiesko-fioletowy. Te cechy koloru są względne i zależą od położenia innego koloru w pobliżu. Na przykład ultramaryna sama w sobie jest zimna, obok błękitu pruskiego będzie ciepła, a cętkowana czerwień będzie wydawać się zimniejsza niż czerwień cynobrowa.

W kolorystyce widzialnej natury zawsze obecne są zarówno ciepłe, jak i zimne odcienie. Ta ciepła-zimność odcieni opiera się przede wszystkim na naturalnych kontrastach kolorystycznych w świetle i cieniu. W naturze często zdarza się, że kolory obiektów są zimne, a ich cienie ciepłe i odwrotnie. Do zjawiska chłodu przyczynia się również tak zwane kontrastowe wizualne postrzeganie kolorów: z powodu obecności ciepłej barwy w postrzeganej naturze na siatkówce powstaje wrażenie zimnej, choć w przyrodzie tak nie jest. Ciepło-chłód w malarstwie jest zjawiskiem naturalnym i integralną cechą malarskiego przedstawienia studium natury lub obrazu.

Technika - w dziedzinie sztuki: zespół specjalnych umiejętności i technik, za pomocą których następuje wykonanie dzieła sztuki. Pojęcie „technika” w wąskim znaczeniu tego słowa odpowiada zwykle bezpośredniemu, natychmiastowemu wynikowi pracy artysty z określonym materiałem i narzędziem, umiejętności wykorzystania artystycznych możliwości tego materiału; w szerszym znaczeniu pojęcie to obejmuje także odpowiednie elementy o charakterze obrazowym – przenoszenie materialności przedmiotów, modelowanie form trójwymiarowych, modelowanie relacji przestrzennych itp. Bez wyjątku wszelkie środki techniczne powinny prowadzić do znany, przynajmniej skromny, wynik artystyczny.

Techniczne środki artystyczne nie pozostają neutralne w stosunku do treści. Główne cechy techniki realistycznej wynikają przede wszystkim z jej podporządkowania ideowo-figuratywnej strukturze dzieła.

Ttechnika malarska - patrz malarstwo olejne, akwarela, gwasz, tempera, malarstwo klejone, pastel, enkaustyka, fresk, mozaika.

Ton (bez towarzyszącego słowa „kolor”) – w terminologii artystów jest równoznaczne z pojęciem lekkości koloru (farby). Każdy kolor chromatyczny lub achromatyczny może mieć różną jasność. O tonie w obrębie tego samego koloru można powiedzieć np. o kolorze czerwonym: „jasny odcień czerwonej farby” lub „ciemny odcień farby”. Czasami termin „ton” jest używany w odniesieniu do koloru, na przykład „złoty odcień panelu”, „brązowy odcień obrazu”. Artyści często używają terminu „jasność” lub „apertura” koloru zamiast terminu „ton” koloru.

Klucz - termin określający zewnętrzne cechy koloru lub światłocienia w dziełach malarstwa i grafiki. Występuje częściej w odniesieniu do koloru i pokrywa się z terminem „gama kolorów”.

Skala tonalna i kolorystyczna obrazu . Przeniesienie proporcji tonalnych i kolorystycznych proporcjonalnych do natury można przeprowadzić w różnych zakresach jasności i nasycenia barw palety. Zależy to od ogólnego stanu siły iluminacji natury i od jej usunięcia z malarza. Artysta może na studium wziąć najjaśniejsze i najbardziej nasycone kolorami obiekty natury albo w pełnej mocy jasnych i jasnych barw palety, albo tylko w połowie ich możliwości. W ten sposób zachowana jest skala tonalna i kolorystyczna obrazu, w której odzwierciedlone są relacje tonalne i kolorystyczne obiektów naturalnej produkcji.

obraz tonowy - obraz z różnymi przejściami tonalnymi od światła do cienia, to znaczy z obszarami o różnej sile tonów. Typowy przykład Obraz tonowy to fotografia, jednobarwny rysunek olejny lub akwarelowy (grisaille), a także rysunek ołówkiem wykonany metodą cieniowania.

relacje tonowe . Rozpoznawanie wolumetrycznej formy obiektów, ich materiału pojawia się w naszych umysłach na podstawie wizualnej percepcji ich relacji świetlnych. Dlatego artysta musi odtworzyć proporcje jasności rysunku metodą podobieństwa. Poprzez gradację światłocienia na formę wolumetryczną i przeniesienie proporcjonalnych do natury relacji tonalnych pomiędzy kolorem (materiałem) przedmiotów artysta uzyskuje prawdziwe wolumetryczne modelowanie formy, wyraz materialności, głębi przestrzennej i stanu iluminacja (rysunek tonalny, malarstwo grisaille).

Tekstura - cechy powierzchnie przedmiotów wykonanych z różnych materiałów zarówno w naturze, jak i na obrazie (relief warstwy farby po kresach). Tekstura może być gładka, szorstka, wytłaczana. Faktura litery zależy w dużej mierze od właściwości kolorowego materiału, cech przedmiotu natury, który artysta przedstawia, a także od zadania i materiału wykonania. W akwareli tekstura w dużej mierze zależy od powierzchni papieru. Faktura litery zdradza indywidualny charakter pisma artysty.

Fas (cała twarz) - przód, widok z przodu. Termin ten wskazuje, że model (głowa osoby lub przedmiot) jest umieszczony frontalnie, równolegle do płaszczyzny obrazu.

Tło - dowolne medium lub płaszczyzna za obiektem obrazu.

Formularz - 1) wygląd, zarys; implikuje obecność objętości, konstrukcji, proporcji; 2) w sztukach plastycznych forma sztuki- są to środki artystyczne, które służą kreowaniu obrazu, ujawnianiu treści (patrz treść i forma).

Formalizm - ogólne określenie licznych *> 1X antyrealistycznych szkół i nurtów w sztukach wizualnych: kubizmu, futuryzmu, konstruktywizmu, surrealizmu, suprematyzmu, puryzmu, Dadaizm, abstrakcjonizm, pop-art itp. Wszystkie te odmiany formalizmu opierają się na nienaturalnego oddzielenia formy sztuki od treści, na uznaniu niezależności i niezależności formy, błędnie twierdząc, że tworzą dzieła sztuki poprzez różnorodne zestawienia „czystych” linii czy kolorów. Formalny obraz rażąco zniekształca rzeczywistość, traci zdolność figuratywnego poznawania świata, a czasem zamienia się w pozbawione sensu, szarlatańskie eksperymenty.

Format - kształt płaszczyzny, na której wykonywany jest obraz. Wynika to z ogólnych zarysów natury, stosunku wysokości do szerokości. Wybór formatu zależy od treści i odpowiada kompozycji obrazu. W przypadku systemu figuratywnego format jest niezbędny.

Fresk - najważniejsza odmiana techniczna malarstwa monumentalnego, wykorzystująca wapno jako główne spoiwo.

Kolor w malarstwie. Ogólnie rzecz biorąc, kolor jest właściwością obiektów powodującą pewne wrażenie wizualne zgodnie ze składem widmowym odbitych promieni. W życie codzienne Każdemu przedmiotowi lub obiektowi przypisany jest określony kolor. Kolor ten nazywa się obiektywnym lub lokalnym (trawa jest zielona, ​​​​niebo jest niebieskie, woda morska jest niebieska itp.). U początkujących malarzy z reguły dominuje obiektywna wizja koloru, co prowadzi do amatorskiej kolorystyki. W sensie obrazowym przedmiot można poprawnie przedstawić tylko wtedy, gdy nie przekazuje się koloru obiektu, ale kolor zmieniony pod wpływem oświetlenia i środowisko. Kolor obiektu zmienia się wraz ze wzrostem i spadkiem intensywności światła. Różni się także od składu widmowego oświetlenia. Środowisko, w którym znajduje się obiekt, odbija także promienie barwne, które po zetknięciu się z powierzchnią innych obiektów tworzą na nich kolorowe refleksy. Kolor zmienia się również pod wpływem interakcji kontrastu. Zatem kolor przedmiotu jest zawsze mozaiką złożoną z barwy oraz plam światła i cienia (odblasków i prześwietleń), i w tym przypadku nazywa się ją nie obiektywną, ale uwarunkowaną. To ten kolor jest jednym z głównych wizualnych środków realistycznego malarstwa.

Powszechnie przyjmuje się, że sam kolor może mieć pewien wpływ na osobę. Czasami myślą, że ciemne i jasne kolory tworzą wesoły nastrój; szary i czarny powodują uczucie przygnębienia itp. W psychologii prowadzone są badania i eksperymenty na ten temat, ale nie zidentyfikowano jeszcze pewnych prawidłowości w tej kwestii. Malarz nie posługuje się powyższymi wartościami barw. Nie ma ogólnej reguły dotyczącej emocjonalnego oddziaływania koloru przy „różnych okazjach”. Rozwiązywanie obrazu w ciemnej lub surowej kolorystyce wcale nie jest konieczne, jeśli jego temat jest tragiczny lub smutny, a jasne kolory nie są potrzebne w przypadku radosnych fabuł. Na przykład wątki obrazów Surikowa „Mienszykow w Bieriezowie” i „Bojar Morozowa” poświęcone są tragicznemu losowi ludzi o silnej woli i przekonaniu. W kolorystyce pierwszego zdjęcia dominują ciemne odcienie. Drugi obraz opiera się na bogatych kombinacjach kolorystycznych plenerowego malarstwa zimowego krajobrazu, jasnych strojów tłumu, świątecznej kolorystyki „dywanu”. Charakter działki przyrodniczej, stan oświetlenia determinowały kolorystykę tych dzieł. Zatem kolor obrazu tworzony jest przez system relacji kolorystycznych mających na celu przedstawienie rzeczywistych warunków i warunków życia. Kolor jest środkiem oddania wolumetrycznej formy przedmiotu, jego materialności, walorów przestrzennych, kolorystycznego stanu iluminacji natury i tylko w ten sposób ujawniając treść semantyczną obrazu, wywołuje niezbędny efekt emocjonalny.

Jedność i powinowactwo kolorów. Barwa oświetlenia, jego skład widmowy, odpowiednio wpływa na poszczególne barwy przedmiotów i obiektów przyrody, podporządkowuje je pewnemu zakresowi. Rezultatem jest kolorystyczna jedność kolorów. Prawdziwe odzwierciedlenie tych cech sprawia, że ​​studium natury jest szczególnie prawdziwe i harmonijne w malarstwie.

Relacje kolorów - różnice w kolorach naturalnych pod względem odcienia (odcienia), jasności i nasycenia. W naturze kolor jest zawsze postrzegany w odniesieniu do otaczających go kolorów, z którymi pozostaje w ścisłej interakcji i zależności. Dlatego relacje kolorystyczne badania powinny być przekazywane proporcjonalnie do relacji kolorystycznych natury. Jest to prawo kolorystycznej transpozycji barw widzialnej natury na gamę barw palety, wyznaczane jest przez psychofizjologię naszej percepcji wzrokowej i myślenia.

Integralność obrazu - wynik pracy z naturą metodą relacji (porównań) z integralną wizją natury, w wyniku której artysta pozbywa się takich mankamentów rysunku lub szkicu, jak fragmentacja i zróżnicowanie.

Integralność percepcji - zdolność artysty do jednoczesnego i jednoczesnego widzenia obiektów wytworu naturalnego. Tylko w wyniku integralnej percepcji wzrokowej możliwe jest prawidłowe określenie proporcji obiektów, relacji tonalnych i kolorystycznych oraz osiągnięcie integralności obrazu naturalnej produkcji. Integralność percepcji to profesjonalna umiejętność widzenia i „ustawienie oka” artysty.

Istnieje wiele wskazówek, jak praktycznie postrzegać przyrodę jako całość: 1) w momencie obserwacji, przy ustalaniu relacji kolorystycznych, zmruż oczy lub „rozpuść” oczy na całą przyrodę, 2) P. P. Czistyakow radził „w myślach mieć przed tobą jakby płaskie szkło, daje relacje”, 3) R. Falk dla integralności widzenia zalecał wycięcie w tekturze prostokątnego otworu (2X1 cm) i patrzenie na przyrodę w płaszczyźnie tego okna (oko otrzymuje holistyczny system obrazowy głównych relacji kolorystycznych natury, przypominający mozaikę z kamieni szlachetnych); 4) możesz także postrzegać naturę jako całość i rozumieć jej powiązania kolorystyczne za pomocą „czarnego lustra” (jeśli zamalujesz czarną farbą jedną stronę przezroczystego szkła, otrzymasz lustro, w którym w jasnym świetle słonecznym , możesz oglądać obiekty krajobrazu w zmniejszonej jasności.W takim lustrze obiekty odbijają się w tej samej płaszczyźnie w zmniejszonej formie, można je zobaczyć wszystkie w tym samym czasie.Pozwoli to dokładniej uchwycić relacje tonalne i kolorystyczne natury).

Zewnętrzny (w przeciwieństwie do wnętrza) - przedstawienie zewnętrznej części budynku.

Enkaustyczny Malowanie woskiem jest rodzajem techniki malarskiej, obecnie rzadko stosowanej, polegającej na wykorzystaniu wosku jako spoiwa. Najlepszą metodą malowania woskiem pod względem efektów i trwałości jest enkaustyka antyczna. Jego zalety polegają na wyjątkowych właściwościach specjalnie przygotowanego wosku, który jest prawie niewrażliwy na upływ czasu i wilgoć, nigdy nie pęka i zachowuje swój kolor w niezmienionej formie.

Naszkicować - szkic przygotowawczy gabinetu lub obrazu. W procesie pracy z natury szkice są wykorzystywane jako materiał pomocniczy; opracowują opcje kompozycji z kartki papieru lub płótna. Szkice wykonujemy zarówno w formie szybkich szkiców ołówkiem, jak i w materiale.

Etiuda - obraz pomocniczy o ograniczonych rozmiarach, wykonany z natury w celu jej dokładnego zbadania. Artysta poprzez szkicowanie doskonali swoje umiejętności zawodowe. Głównym celem pracy etiudowej jest zawsze prawdziwe i żywe ucieleśnienie idei obrazowej, stworzenie obrazu. W sztuce realistycznej studium zawsze odgrywa rolę pomocniczą.

Etiuda jest wynikiem przewartościowania roli etiudy, nieuchronnie prowadzi do zubożenia treści ideologicznej i figuratywnej. Powszechnie przyjmuje się, że etiuda zrodziła się z impresjonizmu, który ogranicza działalność malarza do pobieżnej pracy z naturą, zastępując obraz etiudą.

Efekt Purkyne’a - zmiana względnej jasności kolorów przy zwiększaniu lub zmniejszaniu oświetlenia. Na przykład w ciągu dnia względna jasność czerwieni i żółci wydaje się silna, a o zmierzchu zieleni i błękitu. Chodzi o to, że w ciągu dnia, przy normalnym oświetleniu, nasze oko widzi przez niektóre komórki siatkówki oka, tzw. czopki, a przy bardzo słabym świetle już przez inne – pręciki. Szyszki są bardziej wrażliwe na kolor żółty i czerwony, natomiast pręciki są bardziej wrażliwe na niebiesko-zielony. Nawet Leonardo da Vinci zauważył: „Zieleń i błękit intensyfikują swoje kolory w półcieniu, a czerwień i żółty wygrywają kolorem w najbardziej oświetlonych miejscach”.

Wielka postać, naukowiec i artysta renesansowy Leonardo da Vinci powiedział: „Malarstwo to poezja, którą się widzi, i poezja to malarstwo, które się słyszy”. I nie sposób się z nim nie zgodzić. Prawdziwa sztuka jest naprawdę postrzegana kompleksowo. Widzimy, kontemplujemy i słyszymy, a w duszy przechowujemy dzieła sztuki, które nam się podobają. A światowe arcydzieła pozostają w naszej pamięci na długie lata.

Gatunki i rodzaje malarstwa

Rysując obraz, mistrz wykonuje go w pewnym stanie, o charakterze specjalnym. Dzieło nie okaże się pełnoprawne, godne miłości i uwagi, jeśli tylko przedstawiona zostanie na nim forma i kolor. Artysta ma obowiązek nadawać przedmiotom duszę, ludziom charyzmę, iskrę, a może tajemnicę, przyrodę osobliwymi uczuciami, a zdarzeniom realne przeżycia. A gatunki i rodzaje malarstwa pomagają w tym twórcy. Pozwalają poprawnie oddać nastrój epoki, wydarzenia, faktu, lepiej uchwycić główną ideę, obraz, krajobraz.

Do najważniejszych z nich należą:

• Historyczny- przedstawienie faktów, momentów w historii różnych krajów i epok.
• Bitwa- transmituje sceny batalistyczne.
• Domowy- Sceny z życia codziennego.
• Sceneria Są to obrazy natury. Są krajobrazy morskie, górskie, fantastyczne, liryczne, wiejskie, miejskie, kosmiczne.
• Martwa natura- ilustruje przedmioty nieożywione: przybory kuchenne, broń, warzywa, owoce, rośliny itp.
• Portret- To jest obraz osoby, grupy ludzi. Często artyści lubią malować autoportrety lub płótna przedstawiające swoich kochanków.
• animalistyczny- Zdjęcia o zwierzętach.

Osobno można wyróżnić inny gatunek fabularno-tematyczny i zaliczyć tu dzieła, których tematem są mity, legendy, eposy, a także obrazy życia codziennego.

Rodzaje malarstwa to także odrębne rodzaje malarstwa, które pomagają artyście osiągnąć doskonałość podczas tworzenia płótna, podpowiadają mu, w którym kierunku się poruszać i pracować. Dostępne są następujące opcje:

- Panorama- obraz terenu w dużym formacie, widok ogólny.

- Diorama- obraz bitew, spektakularnych wydarzeń zakrzywiony w półkolu.

- Miniaturowy- Rękopisy, portrety.

- Malarstwo monumentalne i dekoracyjne- malowanie ścian, paneli, plafonów itp.

- malowanie ikon- obrazy o tematyce religijnej.

- malarstwo dekoracyjne- tworzenie scenografii artystycznej w kinie i teatrze.

- malarstwo sztalugowe Inaczej mówiąc zdjęcia.

- Malowanie dekoracyjne przedmiotów codziennego użytku.

Z reguły każdy mistrz sztuk pięknych wybiera dla siebie jeden konkretny gatunek i rodzaj malarstwa, który jest mu najbliższy duchem i przeważnie tylko w nim pracuje. Na przykład Iwan Konstantinowicz Aiwazowski (Hovhannes Gayvazyan) pracował w stylu pejzażu morskiego. Tacy artyści nazywani są także malarzami morskimi (od „mariny”, co po łacinie oznacza „morze”).

Techniki

Malarstwo to pewien sposób realizacji fabuły, jej odczuwania poprzez świat barw i kresek. I oczywiście taka reprodukcja nie może się odbyć bez zastosowania pewnych technik, wzorów i zasad. Samo pojęcie „techniki” w sztukach wizualnych można zdefiniować jako zespół technik, norm i wiedzy praktycznej, za pomocą których autor najdokładniej, najbliżej rzeczywistości przekazuje ideę i fabułę obrazu.

Wybór techniki malarskiej zależy od tego, jakie materiały, rodzaj płótna zostaną użyte do stworzenia dzieła. Czasami artysta może podejść do swojej twórczości indywidualnie, wykorzystać mieszankę różnych stylów i trendów. Takie autorskie podejście pozwala tworzyć dzieła naprawdę wyjątkowe – arcydzieła świata.

Z technicznego punktu widzenia istnieje kilka opcji malowania. Rozważmy je bardziej szczegółowo.

Malarstwo starożytności

Historia malarstwa zaczyna się od malowideł naskalnych prymitywny człowiek. W tym czasie obrazy nie wyróżniały się żywotnością fabuł, zamieszaniem kolorów, ale była w nich osobliwa emocja. A wątki tamtych lat wyraźnie informują nas o istnieniu życia w odległej przeszłości. Linie są niezwykle proste, tematyka przewidywalna, kierunki jednoznaczne.

W starożytności treść rysunków stała się bardziej zróżnicowana, częściej przedstawiały zwierzęta, różne rzeczy, tworzyły całe biografie na całej ścianie, zwłaszcza jeśli obrazy były tworzone dla faraonów, w co wówczas bardzo wierzono. Po około kolejnych dwóch tysiącach lat malowidła ścienne zaczynają nabierać kolorów.

Malarstwo starożytne, w szczególności staroruskie, jest dobrze przekazane i zachowane w starych ikonach. Są święci i najlepszy przykład przekazując piękno sztuki od Boga. Ich kolor jest wyjątkowy, a przeznaczenie jest idealne. Takie malarstwo przekazuje nierzeczywistość bytu, obrazy i wpaja człowiekowi ideę boskiej zasady, istnienia idealnej sztuki, której należy dorównać.

Rozwój malarstwa nie przeszedł bez śladu. Przez długi czas ludzkości udało się zgromadzić prawdziwe relikty i dziedzictwo duchowe wiele wieków.

Akwarela

Akwarelę wyróżnia jasność barw, czystość barwy i przejrzystość nakładania na papier. Tak, w tej technice plastycznej najlepiej pracować na powierzchni papieru. Rysunek szybko wysycha, dzięki czemu zyskuje jaśniejszą i matową fakturę.

Akwarela nie pozwala na uzyskanie ciekawych odcieni przy zastosowaniu ciemnych, jednolitych odcieni, natomiast doskonale modeluje kolor w przypadku nałożenia warstw jedna na drugą. W tym przypadku okazuje się, że można znaleźć zupełnie nowe, niezwykłe opcje, które trudno uzyskać innymi technikami artystycznymi.

Trudności z akwarelą

Złożoność pracy w takiej technice jak malarstwo akwarelowe polega na tym, że nie wybacza ona błędów, nie pozwala na improwizację z kardynalnymi zmianami. Jeśli nie podobał Ci się zastosowany ton lub masz zupełnie inny kolor, niż chciałeś, jest mało prawdopodobne, że będziesz w stanie to naprawić. Wszelkie próby (mycie wodą, skrobanie, mieszanie z innymi kolorami) mogą prowadzić zarówno do ciekawszego odcienia, jak i całkowitego zabrudzenia obrazu.

Zmiana lokalizacji figury, obiektu, jakakolwiek poprawa kompozycji w tej technice jest w zasadzie niemożliwa. Jednak ze względu na szybkie wysychanie farb na obrazie idealnie nadaje się do rysowania szkiców. A pod względem przedstawiania roślin, portretów, pejzaży miejskich może konkurować z malarstwem olejnym.

Olej

Każda z technicznych odmian malarstwa ma swoją specyfikę. Dotyczy to zarówno sposobu wykonania, jak i artystycznego przekazu obrazu. Malarstwo olejne to jedna z ulubionych technik wielu artystów. Praca w nim jest trudna, ponieważ wymaga pewnego poziomu wiedzy i doświadczenia: od przygotowania niezbędnych przedmiotów, materiałów po Ostatni etap- zakrycie powstałego obrazu warstwa ochronna lakier.

Cały proces malowania olejnego jest dość pracochłonny. Niezależnie od tego, jakie podłoże wybierzesz: płótno, karton czy płytę pilśniową, musisz najpierw pokryć je podkładem. Dzięki temu farba dobrze się ułoży i dobrze utrzyma, nie odstając od oleju. Nada także tłu pożądaną teksturę i kolor. Istnieje wiele rodzajów i przepisów na różne gleby. A każdy artysta woli swój własny, specyficzny, do którego jest przyzwyczajony i który uważa za najlepszą opcję.

Jak wspomniano powyżej, praca przebiega w kilku etapach, a finałem jest pokrycie obrazu substancjami lakierniczymi. Odbywa się to w celu ochrony płótna przed wilgocią, pojawieniem się pęknięć (siatki) i innymi uszkodzeniami mechanicznymi. Malarstwo olejne nie toleruje pracy na papierze, ale dzięki całej technologii nakładania farb pozwala zachować dzieła sztuki w bezpiecznym stanie przez wieki.

sztuki piękne Chin

Szczególną uwagę chciałbym zwrócić na epokę malarstwa chińskiego, ponieważ ma ona szczególną kartę w historii.Wschodni kierunek malarstwa rozwijał się przez ponad sześć tysięcy lat. Jej powstanie było ściśle związane z innymi rzemiosłami, zmianami społecznymi i warunkami zachodzącymi w życiu ludzi. Na przykład po wprowadzeniu buddyzmu w Chinach bardzo ważne zakupiono freski o tematyce religijnej. W czasach (960-1127) popularne stały się obrazy charakter historyczny rozmawiamy także o życiu codziennym. Malarstwo pejzażowe ugruntowało swoją pozycję niezależnego kierunku już w IV wieku naszej ery. mi. Obrazy natury powstały w niebiesko-zielonych barwach i chińskim tuszu. A w IX wieku artyści coraz częściej zaczęli malować obrazy przedstawiające kwiaty, ptaki, owoce, owady, ryby, ucieleśniając w nich swoje ideały i naturę epoki.

Cechy malarstwa chińskiego

Tradycyjny Sztuka chińska wyróżnia się specyficznym stylem, a także materiałami używanymi do malowania, co z kolei ma wpływ na metody i formy sztuki orientalnej. Po pierwsze, chińscy malarze używają specjalnego pędzla do tworzenia obrazów. Wygląda jak akwarela i ma szczególnie ostrą końcówkę. Takie narzędzie pozwala na tworzenie wyrafinowanych dzieł, a jak wiadomo, styl kaligrafii jest nadal szeroko stosowany w Chinach. Po drugie, tusz stosowany jest wszędzie jako farby - tusz chiński (zdarza się, że razem z innymi kolorami, ale stosowany jest też jako farba samodzielna). Dzieje się tak od dwóch tysięcy lat. Warto również zauważyć, że przed pojawieniem się papieru ludzie w Chinach malowali na jedwabiu. Dzisiaj współcześni mistrzowie z branży artystycznej wykonują swoje prace zarówno na podłożu papierowym, jak i na jedwabnym podłożu.

To nie wszystkie możliwości techniczne malowania. Oprócz powyższych istnieje wiele innych (gwasz, pastel, tempera, fresk, akryl, wosk, malarstwo na szkle, porcelanie itp.), w tym autorskie opcje artystyczne.

Epoki malarstwa

Jak każda forma sztuki, malarstwo ma swoją własną historię powstawania. A przede wszystkim charakteryzuje się różnymi etapami rozwoju, wieloaspektowymi stylami, ciekawymi kierunkami. Nie ostatnią rolę odgrywa tu epoka malarstwa. Każdy z nich wpływa nie tylko na wycinek życia ludzi i nie tylko na czas niektórych wydarzeń historycznych, ale na całe życie! Do najbardziej znanych okresów w malarstwie należą: renesans i oświecenie, twórczość artystów impresjonistycznych, nowożytnych, surrealizm i wiele, wiele innych. Inaczej mówiąc, malarstwo jest wizualną ilustracją pewnej epoki, obrazem życia, światopoglądem oczami artysty.

Pojęcie „malarstwa” dosłownie oznacza „pisać życie”, przedstawiać rzeczywistość żywo, po mistrzowsku i przekonująco. Aby przekazać na płótnie nie tylko każdy szczegół, każdą drobnostkę, chwilę, ale także nastrój, emocje, kolor tego czy innego czasu, styl i gatunek całego dzieła sztuki.